Raúl Martínez González (1927-1995)

Pintores Cubanos by Pedro Sarracino’s albums

Raúl Martínez González (1927-1995) Raúl Martínez González (Publio Amable Raúl Martínez González, 1927-1995). Pintor, diseñador y fotógrafo cubano. Uno de los exponentes más importantes del expresionismo abstracto de mediados del siglo XX, y paradigma del pop art en Cuba.

Su obra y su vida han estado relacionadas con todos los momentos claves de la cultura cubana después de 1959. Así, lo vemos participando del proceso germinal del cine cubano, de la fundación y apogeo de la Casa de las Américas, de la creación y desarrollo del Instituto Cubano del Libro, del fomento y extensión de la fotografía de connotación artística, de la inolvidable era del cartel cubano y de los grandes proyectos de nuestro teatro, entre otros acontecimientos.

Nació en Ciego de Ávila, en la antigua provincia de Camagüey, el 1 de noviembre de 1927. Tuvo su primer encuentro con el mundo de las imágenes y la lectura en las aventuras de Tarzán y otros personajes que aparecían en los periódicos dominicales de la época. En 1940 se trasladó a La Habana para estudiar dibujo. Trabajó en diversos oficios, desde office boy hasta dependiente de tienda. En 1946 ingresó en la Academia Nacional de Bellas Artes San Alejandro, donde permaneció sólo durante dos cursos, pues su exigua economía no le permitió continuar.
En 1947 presentó por primera vez una obra suya, en el XXIV Salón del Círculo de Bellas Artes. Exhibió en ese mismo Salón en 1949 y 1950, y recibió mención honorífica en ambas ocasiones. En esa época compartía la pintura con la poesía y descubrió el teatro; atraído por las comedias musicales, comenzó a dibujar a la actriz Judy Garland a partir de fotografías de revistas.

En 1951 participó en una exposición de dibujo organizada por la Sociedad Cultural Nuestro Tiempo -que dirigía Harold Gramatges-, de la que fue miembro fundador. La Sociedad Cultural Nuestro Tiempo, que aspiraba a iniciar al público en la valoración del arte contemporáneo, le proporcionó su primer acercamiento a un grupo de intelectuales de renombre, e influyó en su formación por el desprejuiciado intercambio con músicos, literatos, bailarines y pintores.

Cuando conoció las propuestas de integración interdisciplinaria de la obra The new vision, de Moholy Nagy, solicitó una de las becas ofrecidas por el Instituto de Diseño de Chicago, en los Estados Unidos, que dirigía dicho artista, y al cual ingresó en 1952. Allí se enfrascó en la solución de problemas de diseño básico, escultura, fotografía, grabado y tipografía. Fascinado por los chorreados de pintura de los lienzos gigantescos de Jackson Pollock y por las poderosas mujeres de De Kooning, comprendió el tratamiento que el expresionismo abstracto estaba haciendo de las vivencias personales, con nuevos planteamientos sobre el espacio, la estructura y la forma. A partir de entonces y durante toda la década viajó en reiteradas ocasiones a Chicago y a Nueva York.

Después de su regreso de Chicago, en 1954 su amigo Sandú Darié Laver lo recomendó a Luis Martínez Pedro, quien deseaba contratar a un dibujante para la agencia publicitaria OTPLA. El trabajo de publicidad allí realizado entre 1954 y 1960, y la experiencia de Chicago, fueron herramientas que supo aprovechar al máximo en toda su carrera artística, en especial por la esencia diseñística y fotográfica de su producción.

En poco tiempo superó la bidimensionalidad de la abstracción geométrica, a partir de los criterios ofrecidos por su colega Sandú Darié Laver , y comenzó a aplicar lo aprendido en las obras de Kline, Tobey y Rotkho. Entonces compartía ya las propuestas del Grupo Los Once (1953-1955), constituido por creadores de tendencia informalista y consecuente postura ética, que buscaban un lenguaje contemporáneo, en contraposición al de la Escuela de La Habana.

Martínez se sumó al repudio de gran cantidad de artistas a la Bienal Hispanoamericana de Arte que organizaron el Instituto Nacional de Cultura del gobierno de Fulgencio Batista y el Consejo de Hispanidad franquista, y optó por participar en la exposición de plástica cubana contemporánea que se propuso como “Anti-Bienal”. Los creadores afines del Grupo Los Once se reunían entonces en la sede de La Sociedad Cultural Nuestro Tiempo, en el Parque Central de La Habana y el café Las Antillas, para debatir sobre su contemporaneidad y su rebeldía ante la injusticia social, además de para «hacer la bohemia». Este artista multifacético comenzó en 1958 a realizar murales en distintos centros de la capital. A partir de 1960 y hasta el final de su vida diseñó revistas y libros de prestigiosas instituciones culturales, carteles para obras de teatro y de cine, escenografías de piezas teatrales, y experimentó la conjunción de pintura y fotografía en espectáculos de teatro y danza. Asumió la dirección artística del magazín Lunes de Revolución y fue profesor de diseño en la Facultad de Arquitectura de la Universidad de La Habana y en la Escuela Nacional de Arte.

En la década del sesenta sobresalieron dos exposiciones suyas: la personal Homenajes, de 1964, y, conjuntamente con Mario García Joya y Luc Chessex, ¿Foto-mentira!, de 1966, por un significativo cambio en su poética. La primera mostraba el inicio de su experimentación con el collage, en fragmentos de impresos, fotografías y objetos, con brochazos gestuales por fondo, o aplicados sobre los fragmentos superpuestos. Con esa muestra el artista transitaba del expresionismo abstracto al pop. ¿Foto-mentira!, mediante la reiteración de una misma imagen para resaltar la mentira de la fotografía, afirmaba la verdad del arte.

A partir de esas formas redundantes se consolidó el pop, que cultivó en imágenes cíclicas de José Martí, Ernesto Che Guevara, Camilo Cienfuegos, Fidel Castro y otros héroes anónimos, utilizando la fotografía como pilar e insistiendo en la reiteración de la imagen estructurada con un movimiento lineal y cinematográfico. Hacia 1970 Martínez conformó el retrato colectivo de la nación mediante el procedimiento de yuxtaponer fotografías -una nueva dimensión del collage-, con fuerte colorido e insertando en las superficies otros símbolos de la cubanidad como flores, frutas y animales del país, y alguna que otra cita postmoderna.

En la vertiente de arte popular, que cultivó durante esa década, una de sus obras principales fue el tríptico Isla 70, donde los semblantes de líderes políticos y gente de pueblo mostraban las más variadas tonalidades del verde, para documentar simbólicamente la proeza que fue la cosecha cañera de aquel año. Como las demás piezas, esta respondía a una estética, respaldada en buena medida por la fotografía, más cercana al diseño.

En 1972 se realizó una emisión de sellos con la imagen de su obra Fénix, perteneciente a la colección permanente del Museo Nacional de Bellas Artes (Cuba). En 1978 en la Galería Habana realizó una exposición que tituló La gran familia, retomada en 1984 en el marco del proyecto que representó a Cuba en la XLI Bienal de Venecia -con obras de Martínez, del fotógrafo Mario García Joya y de artesanos del círculo de Antonia Eiriz.

En la década siguiente continuó desarrollando la conjunción de diseño y fotografía en las series Murales y banderas, Dibujos para colorear y La conquista. Desde 1983 participó en proyectos de inserción del arte en la vida social, como Telarte y Arte en la Carretera. Retomó el tema martiano en 1986, al desplegar en tempera sobre cartulina una serie inspirada en los Versos Sencillos, que tituló Pinta mi amigo el pintor, la cual fue exhibida en la Galería Habana. Más adelante volvió al collage fotográfico, para desarrollar el tema del amor en obras de gran erotismo.

En 1988 el Museo Nacional de Bellas Artes (Cuba) organizó la primera retrospectiva de su obra. A partir de 1990 volvió a la introspección de su primera etapa abstracta en los óleos de su serie Islas 90 y comenzó a escribir sus memorias, tituladas Yo Publio. En 1994 fue acreedor, junto con el título de Doctor Honoris Causa otorgado por el Instituto Superior de Arte, del Premio Nacional de Artes Plásticas en su primera edición, en reconocimiento a su larga y fecunda trayectoria artística. Murió en La Habana el 2 de abril de 1995.

PREMIOS Y RECONOCIMIENTOS
1949 Mención Honorífica en el Salón del Círculo de Bellas Artes en La Habana.
1950 Mención Honorífica en el Salón del Círculo de Bellas Artes.
1951 Medalla de Plata en la Cuban Painting Exhibition, Universidad de Tampa, EE.UU.
1959 Premio al mejor conjunto fotográfico en el Salón Integración Racial, La Habana.
1960 Primer Premio de Fotografía en el Concurso Carnaval de La Habana.
1965 Medalla de Bronce en la Feria Internacional del Libro IBA, Leipzig, RDA.
1971 Medalla de Plata en la Exposición internacional del Libro IBA, Leipzig, RDA.
1981 Distinción por la Cultura Nacional.
1983 Medalla Alejo Carpentier.
1994 Doctor Honoris Causa del Instituto Superior de Arte.
1995 Premio Nacional de Artes Plásticas, otorgado por vez primera

EXPOSICIONES PERSONALES
1948 – Expone una decena de obras de corte académico en el vestíbulo del teatro Ada, en Matanzas.
1950 – Segunda exposición personal, en el Lyceum, La Habana.
1952 – Realiza dos exposiciones personales: una en la Raúl Martinez Galería Matanzas y otra en el Lyceum. 1964 – Homenajes, en la que se inicia en el Pop, a través del collage.
1966 – Comienza a trabajar la iconografía martiana, conjugando elementos de la pintura popular y el POP.
1975 – Expone sus dibujos y diseños en el Centro de Estudios Cubanos de New York.
1978 – La Gran Familia, en la Galería HABANA. Esta exhibición viajó a Santiago de Cuba.
1980 – Raúl Martínez. Abstracciones del 57 al 66. En la Galería L, en La Habana.
1984 – Expone en la l Bienal de La Habana.
1985 – Pinta mi amigo el pintor, temperas en la Galería HABANA.
1986 – Exhibe una muestra de collages sobre el tema de la conquista en la ll Bienal de La Habana.
1988 – Nosotros, Muestra retrospectiva de julio a diciembre en el Museo Nacional.
1989 – De la conquista, en el vestíbulo del Cine Chaplin, La Habana. – Raúl Martínez, Museo Xawerego, Varsovia, Polonia. – Selección de la muestra retrospectiva expuesta en el Museo Nacional, en la Galería Latinoamericana,Cracovia.
1992 – Comentarios de la Conquista, (nov. dic.) , nueva serie de collages. – Islas 90, en la Galería Juan David, La Habana.
1994 – Nueva muestra de pintura abstracta en el Centro Wifredo Lam. – Exposición antológica en la Galería Los Lavaderos, en Santa Cruz de Tenerife, Islas Canarias.

EXPOSICIONES COLECTIVAS
1953 – Expone con el Grupo Los Once, en las galerías: Lyceum y La Rampa.
1954 – Se suma a la exposición Plástica Cubana Contemporánea (Anti Bienal), en repudio a la organizada por el Instituto Nacional de Cultura; batistiana, y el Consejo de Hispanidad, franquista, con motivo del centenario martiano.
1955 – Participa en dos exposiciones de pintura abstracta con el grupo Los Once.
1959 – Integración Racial, en el Palacio de Bellas Artes, La Habana.
1960 – Participa en la ll Bienal Interamericana de México, Palacio de Bellas Artes, México.
1961 – Exhibe obras en el Salón de Mayo de París y su edición de La Habana. – Expone colectivamente en Montreal, Canadá y en la Galería Ewan Phillips, en Londres, Inglaterra.
1970 – Participa en el Salón 70 con su obra ISLA 70, Museo Nacional, La Habana.
1975 – Participa en una muestra de pintura en el Museo de Arte Moderno de México.
1977 – Expone colectivamente en la muestra Cultura, Art et Revolution. Láffiche cubaine contemporaine, en el Centro George Pompidou, Paris.
1979 – Participa en el Salón de Dibujo de la Fundación Joan Miró, Barcelona.
1980 – Participa en el ler Salón de Pintura y Escultura Carlos Enríquez, en el Centro de Arte Internacional, La Habana. – Participa en la lX Bienal de Brno, Checoslovaquia y en la Xlll Bienal Internacional de Varsovia.
1982 – Participa en la Bienal de Venecia.
1983 – Participa en dos exposiciones colectivas en los EU, de fotografía y carteles cubanos y en el ll Salón Michoacano Internacional Textil en miniatura, en México.
1984 – Participa junto a Mario García Joya y artesanos cubanos en la realización de la instalación La Gran Familia , para la lV Bienal de Venecia.
1991 – Participa en la X Bienal Internacional de Gráfica de Valparaíso, Chile y en la lll Bienal Internacional de cuenca, Ecuador. 

Gego: Gertrud Goldsmidt (1912-1994)

Gego (Gertrud Goldschmidt): Arquitectura del vacío, poética de la línea. Artistas venezolanos

Gertrud Goldschmidt, conocida internacionalmente como Gego, es una de las figuras más singulares y profundas del arte moderno latinoamericano. Nacida en Hamburgo, Alemania, y radicada en Venezuela desde finales de los años treinta, Gego desarrolló una obra que transformó radicalmente la comprensión de la línea, el espacio y la estructura en el arte contemporáneo.

Formada como arquitecta en Stuttgart, su pensamiento visual nunca se desligó del rigor estructural. Sin embargo, su obra se aleja deliberadamente del objeto cerrado para entrar en una dimensión poética, inestable y abierta: una arquitectura del aire, donde la línea no delimita, sino que vibra.

De la arquitectura al espacio vivo

Gego no utilizó la geometría como sistema de orden, sino como campo de exploración. Su formación técnica le permitió dominar la estructura, pero su sensibilidad la llevó a subvertirla. Frente al legado rígido del constructivismo, Gego introdujo lo que ella misma denominó una “geometría sensible”: una estructura que respira, que se quiebra, que no se impone sino que se deja atravesar por la mirada.

Sus famosas Reticuláreas —instalaciones compuestas por redes de alambre suspendidas en el espacio— no son esculturas en el sentido tradicional, sino dibujos tridimensionales que ocupan el aire. En ellas no existe un centro ni un límite; la obra es una trama infinita que se extiende en todas direcciones, como una metáfora del pensamiento y del tiempo.

La línea como pensamiento

Para Gego, la línea no era un borde ni una frontera, sino una entidad viva. En su obra, la línea tiembla, se superpone, se entrelaza y se pierde. No encierra formas: las sugiere. No describe objetos: produce relaciones.

Esta concepción la separa del arte geométrico tradicional. Mientras la abstracción moderna buscaba la perfección, Gego introduce la fragilidad, el error, la inestabilidad. Cada retícula es distinta; ninguna es idéntica a otra. Como los vínculos humanos, como la memoria, como el lenguaje.

Retícula, cuerpo y ciudad

En obras como Contemplando la ciudad (1984), Gego conecta directamente sus estructuras con el paisaje urbano. La ciudad aparece como una red de tensiones invisibles: trayectorias, desplazamientos, superposiciones. La retícula deja de ser una forma abstracta y se convierte en un mapa emocional del habitar.

Sus estructuras no se miran desde afuera: se atraviesan. El espectador se convierte en parte de la obra, atrapado dentro de una arquitectura sin muros, donde el cuerpo dialoga con la transparencia.

Docencia y legado

Gego fue también una figura clave en la educación artística venezolana. Fue profesora de diseño en la Universidad Central de Venezuela y en el Instituto Neumann, influyendo decisivamente en generaciones de artistas, diseñadores y arquitectos.

Su pensamiento no separaba arte y vida, estructura y emoción, técnica y poesía. Para ella, crear era una forma de pensar el mundo.

Más allá de la escultura

Aunque suele clasificarse como escultora, Gego excede cualquier categoría. Su obra pertenece tanto al dibujo como a la arquitectura, tanto a la instalación como a la poesía visual. Es una artista del entre: entre lo sólido y lo invisible, entre lo matemático y lo orgánico, entre lo moderno y lo profundamente humano.

En una época dominada por certezas formales, Gego nos enseñó que la verdadera estructura no es la que encierra, sino la que conecta.

Gego hoy

A través de exposiciones, catálogos y la labor de la Fundación Gego, su obra continúa revelando una verdad esencial:
que el espacio no es vacío,
que la línea no es límite,
y que el arte, cuando es profundo, se convierte en una forma de pensar con el cuerpo.

Ancestral Lines Exhibition in conjunction with FAMA

The Coral Springs Museum of Art opened its Ancestral Lines exhibition on April 4, 2025, in collaboration with the Fiber Artists Miami Association (FAMA), showcasing more than 60 original fiber artworks that delve into ancestry, cultural memory, and personal heritage. The exhibition invites viewers to reflect on how traditions are inherited, honored, and transformed through time through the tactile power of textile art.

Installed across the museum’s Main and East galleries, Ancestral Lines features a wide range of techniques — including weaving, embroidery, mixed-media textiles, and installation work — created by members of FAMA, a collective committed to advancing contemporary textile art. The show explores each artist’s unique connection to their lineage, often addressing themes of identity, memory, and the emotional resonance of familial traditions.

The exhibition was curated by Juliana Forero, Director of the Coral Springs Museum of Art, who developed the theme by engaging with the artists’ personal histories and uncovering the deeper significance behind their works. Forero’s own immigrant experience informed her approach, emphasizing the ways in which artistic practice can reconnect individuals to their roots.

Many of the participating artists have used their work to bridge gaps between generations, cultures, and experiences. While the museum does not publish a complete list of all contributors, a few of the artists whose work and involvement are noted through the exhibition and related events include Evelyn Politzer, a FAMA co-founder and fiber artist whose practice centers on yarn, thread, and fabric; and Fonteyne Art, whose installation Inherited Ties reflects a deeply personal engagement with cultural heritage.

Ancestral Lines also included interactive components — such as an immersive weaving activity facilitated by FAMA — and performance elements like a textile-based interpretive piece by Rosa dos Ventos, presented during the opening reception. The opening marked not only the debut of the exhibition, but also celebrated the fifth anniversary of FAMA, highlighting the growth of the organization from its origins during the pandemic into a group of hundreds of practicing fiber artists.

The stories behind the works are as diverse as the techniques themselves. Some artists revisited traditions learned in childhood or documented through research, while others used textile media to address broader themes of memory, loss, and belonging. The collective result is a multi-layered narrative that underscores how textiles can embody both emotional resonance and cultural history within the simple act of thread and fabric.

Ancestral Lines remains on view through July 5, 2025, offering visitors the opportunity to engage with more than 60 original pieces that illuminate the many ways heritage is woven into contemporary artistic practice.