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Tuesday, August 5, 2025
Pérez Art Museum Miami
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Miguel Génova’s “Collected Times” exhibition

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Miguel Geniova
Miguel Geniova

Miguel Génova’s “Collected Times” exhibition

I went to see Miguel Génova’s “Collected Times” exhibition at MIFA in Miami, and I absolutely loved it. All the artworks were incredibly colorful and interesting, which really captivated me.

Miguel Geniova

The exhibition, curated by Félix Suazo, runs from July 6-27, 2024, with the opening reception on Saturday, July 6, from 4 to 8 PM at MIFA (Miami International Fine Art), 5900 NW 74th Ave, Miami, FL 33166.

Génova’s works, created in Madrid and Miami, reflect on the uncertainty and confinement of the pandemic and other challenging times. The main focus is on three intervening Calendars from 2020, 2021, and 2022, using each month as a grid of life and each day as a cell for activities and signs.

The exhibition also includes five series of collages, double-sided Cards and Tickets, Convergences and Divergences series, Farewells series, and two assemblages. As an engineer, writer, and art collector, Génova skillfully combines writing and imagery in his work.

The vibrant collages and assemblages created a striking contrast with the themes of uncertainty and confinement that inspired them. I found myself drawn into each piece, exploring the details and enjoying the lively color palette Génova used. Despite dealing with challenging times like the pandemic, the artworks felt energetic and engaging. I was particularly impressed by how the artist transformed everyday objects and moments into such visually appealing compositions.

This exhibition, Génova’s first solo show in the United States, explores themes of fragmented time, memory, and present-day challenges through collage. It’s described as a metaphor for broken time, collecting the incidents, changes, and uncertainties of daily life during the pandemic lockdowns.

Overall, my experience at the exhibition was fantastic. The colorful and intriguing nature of the works made for a truly memorable visit. I’m glad I had the opportunity to see this thought-provoking reflection on the small details of everyday life that ultimately make up our lived experiences. CopyRetry

Geometry in Monochrome

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Ninoska Huerta
Ninoska Huerta

Geometry in Monochrome

Adriana Dorta, Darío Pérez-Flores, Luis Gómez Rincón, Paul Amundarain, Víctor Valera, Valeria Yamamoto

“Geometría Revelada: Un Viaje Visual a Través de Seis Mentes Artísticas Únicas. La abstracción geométrica trasciende el tiempo y el espacio, uniendo a artistas de diversas generaciones y culturas en una danza de formas y colores. Sumérgete en las visiones de seis artistas excepcionales, cada uno con una voz y una trayectoria singular, pero todos unidos por su pasión por la geometría como lenguaje del alma.”

I recently had the pleasure of visiting the “Geometry in Monochrome” exhibition at MIFA Gallery, in collaboration with Ninoska Huerta Gallery. The show, curated by Ninoska Huerta, features works by six prominent artists: Adriana Dorta, Darío Pérez-Flores, Luis Gómez Rincón, Paul Amundarain, Víctor Valera, and Valeria Yamamoto.

As I walked through the exhibition, I was immediately struck by the power of geometric abstraction. Despite the monochromatic palette, each piece seemed to vibrate with energy and depth. The diversity of approaches among the artists was fascinating – from precise, hard-edged forms to more organic interpretations of geometry.

What I found particularly intriguing was how artists from different generations and backgrounds could all find such rich expression within the constraints of geometry and monochrome. The works of the more established artists like Víctor Valera conversed beautifully with those of younger artists like Paul Amundarain.

I spent a long time with Adriana Dorta’s pieces, marveling at how she manipulated simple geometric shapes to create complex, almost architectural compositions. Darío Pérez-Flores’ work, on the other hand, seemed to play with perception, creating optical illusions that shifted as I moved around them.

Luis Gómez Rincón’s sculptures were a highlight for me. The way he translated geometric principles into three-dimensional forms was truly captivating. And Valeria Yamamoto’s delicate, precise works provided a wonderful counterpoint to some of the bolder pieces in the show.

Overall, the exhibition offered a compelling look at how geometry continues to inspire and challenge artists. It was a testament to the enduring power of this artistic current, and I left with a deeper appreciation for the versatility and expressive potential of geometric abstraction.

The curator, Ninoska Huerta, did an excellent job of bringing these diverse artists together in a coherent and thought-provoking show. I’m grateful for the opportunity to have experienced such a rich exploration of geometry in art.

Geometry in Monochrome
Geometry in Monochrome

Arte MADI

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Arte Concreto En Argentina
Arte Concreto En Argentina

La década de 1940 fue testigo del nacimiento de un movimiento artístico tan audaz como su nombre: MADI. El término, acuñado por el artista Carmelo Arden Quin, se dice que representa “movimiento, abstracción, dimensión e invención”. MADI trascendió los límites tradicionales del arte, abrazando la tridimensionalidad, la geometría y la experimentación radical.

Los pioneros del MADI

  • Carmelo Arden Quin: El visionario fundador, Arden Quin, desarrolló esculturas articuladas y cuadros “copiables” que desafiaban la noción de una obra de arte única.
  • Rhod Rothfuss: Conocida por sus “pinturas rotables”, Rothfuss jugó con la percepción y la interacción del espectador con la obra.
  • Gyula Kosice: Pionero del arte cinético e hidrocinético, Kosice creó esculturas que incorporaban agua y movimiento, como sus icónicas “Ciudades hidroespaciales”.
  • Edgar Bayley: Poeta y artista visual, Bayley exploró la relación entre palabras e imágenes en sus “ideogramas”.
  • Tomás Maldonado: Teórico y diseñador, Maldonado enfatizó la importancia del arte y el diseño en la sociedad industrial.
  • Martín Blaszko: Escultor y arquitecto, Blaszko desarrolló formas geométricas innovadoras en sus esculturas y diseños arquitectónicos.
  • Raúl Lozza: Pionero del arte concreto-invención en Argentina, Lozza trabajó con planos de color superpuestos y formas geométricas en sus pinturas.
  • Bolívar Gaudín: Escultor uruguayo, Gaudín exploró la tridimensionalidad y la geometría en sus esculturas abstractas.

El impacto de MADI

MADI fue más que un movimiento artístico; fue una filosofía que abogaba por la libertad creativa y la ruptura con las convenciones. Sus artistas exploraron nuevas formas de expresión, utilizando materiales no tradicionales y desarrollando técnicas innovadoras.

La influencia de MADI se extiende a diversos campos, desde la arquitectura y el diseño hasta la moda y la tecnología. Su legado perdura en la actualidad, inspirando a artistas y diseñadores a desafiar los límites y explorar nuevas posibilidades.

MADI en el siglo XXI

Aunque su auge inicial fue en la década de 1940, MADI sigue siendo relevante en el siglo XXI. Exposiciones y publicaciones continúan celebrando su espíritu innovador. Artistas contemporáneos se inspiran en la audacia y la experimentación de los pioneros del MADI.

MADI nos recuerda que el arte no es estático, sino un proceso continuo de descubrimiento y reinvención. Su espíritu vanguardista nos invita a cuestionar nuestras percepciones, abrazar la innovación y explorar las infinitas posibilidades de la creatividad humana.

Félix Suazo presenta Taller de Curaduría de Arte

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Félix Suazo presenta Taller de Curaduría de Arte
Félix Suazo presenta Taller de Curaduría de Arte

URBE University presenta Taller de Curaduría de Arte con Félix Suazo (Curador – Crítico de arte – Profesor)

URBE University se complace en anunciar su Taller de Curaduría de Arte en modalidad virtual, impartido por el reconocido curador, crítico de arte y profesor Félix Suazo. El taller se llevará a cabo todos los martes, del 1 de agosto al 18 de octubre, de 11 a.m. a 1 p.m. a través de Zoom.

Este taller intensivo ofrece una inmersión completa en el mundo de la curaduría de arte, desde sus fundamentos conceptuales hasta su aplicación práctica en el desarrollo de proyectos curatoriales. Los participantes explorarán la historia, teoría y metodología de la curaduría, analizarán casos de estudio relevantes y realizarán ejercicios prácticos para adquirir habilidades curatoriales esenciales.

Objetivo General:

  • Ofrecer una visión integral de la curaduría de arte, desde sus orígenes hasta su aplicación contemporánea.

Objetivos Específicos:

  • Definir y comprender las funciones de la curaduría de arte.
  • Analizar casos de estudio que ilustren el papel y alcance de la curaduría.
  • Desarrollar ejercicios prácticos basados en principios curatoriales.
  • Formular y crear un proyecto curatorial propio.

El taller será impartido por Félix Suazo, un experto en curaduría con una trayectoria destacada en instituciones como la Galería de Arte Nacional y el Museo de Arte Contemporáneo de Caracas. Su experiencia y conocimientos brindarán a los participantes una perspectiva única y valiosa sobre el campo de la curaduría.

¡Inscríbete ahora y descubre el apasionante mundo de la curaduría de arte!

Para más información e inscripciones, comuníquese con:

[email protected]

+17868169965

Sobre URBE University:

URBE University es una institución educativa comprometida con la excelencia académica y la formación integral de sus estudiantes. Ofrece una amplia gama de programas académicos y oportunidades de educación continua para el desarrollo profesional y personal.

Understanding Geometric Abstraction

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Understanding Geometric Abstraction

What is Geometric Abstraction?

This lecture explores geometric abstraction, a form of abstract art that uses geometric shapes like circles, squares, and triangles. But before diving into geometric abstraction, let’s understand the two key terms: geometric and abstraction.

Understanding Geometric Shapes

Geometric forms are easy to grasp. They’re the basic shapes we encounter in mathematics – circles, squares, triangles, etc.

Understanding Abstraction

Abstraction is art that doesn’t aim to depict reality realistically. Instead, it uses shapes, colors, forms, and gestural marks to create its effect. Essentially, abstraction involves distorting forms away from a realistic representation. The further the distortion, the more abstract the artwork becomes.

Geometric Abstraction Explained

When we take these abstract forms and turn them into geometric shapes, we enter the realm of geometric abstraction. It’s important to remember that abstraction usually stems from representational forms. Here’s the key distinction:

  • Abstraction: Distorts realistic forms.
  • Non-representationalism: Doesn’t use forms from the external world at all.

A Brief History of Geometric Abstraction

The term “abstraction” initially referred to paintings with highly distorted forms in the early 1900s, before non-representationalism emerged as a distinct approach. Today, we use:

  • Abstraction: For artwork derived from representational forms.
  • Non-representationalism: For purely invented forms, not based on external sources.

Geometric abstraction utilizes simple geometric forms in a non-illusionistic space. These forms are non-objective, meaning they don’t come from the real world. Inspiration often comes from rhythm, interval, or the spacing of the forms used.

Pioneers of geometric abstraction in the early 20th century include Hilma af Klint, Kazimir Malevich, Piet Mondrian, Paul Klee, Wassily Kandinsky, Stuart Davis, and Ad Reinhardt. A full-fledged geometric abstraction movement arose in the 1960s and 70s, with prominent artists like Frank Stella, Kenneth Noland, Richard Anuszkiewicz, Ellsworth Kelly, Al Held, and Victor Vasarely.

Key Geometric Abstraction Artists

  • Hilma af Klint: A Swedish artist considered a pioneer of geometric abstraction and geometric non-representationalism. She used geometry as a symbol and metaphor for a spiritual dimension.
  • Kazimir Malevich: A Russian artist known for his “Black Square” paintings. He believed the black square, a simple shape, represented all of painting. He also experimented with color and more complex compositions.
  • Piet Mondrian: A Dutch artist who believed the beauty of lines and colors, and the relationships between them, were more inspiring than concrete subjects. He emphasized that abstract art is neither dogmatic nor decorative.

Insights from Geometric Abstractionists

  • Frank Stella (American Artist): Emphasized presenting the artwork to the viewer rather than inviting them to explore or read a record of the artist’s process.
  • Morris Louis (American Artist): Influenced by Mondrian, he explored relationships between colors and their quantities.
  • Barnett Newman (American Artist): Believed his paintings weren’t windows leading to an interior or exterior world, but self-contained experiences.
  • Kenneth Noland (American Artist): Pioneered “One Shot” painting, where the work is created in a single session.
  • Mark Rothko (American Artist): Focused on the emotional impact of his paintings. His simplified shapes and layered application of paint create subtle light effects.
  • Richard Diebenkorn (American Artist): Described the artistic process as complex and challenging, with moments of struggle and moments of achieving the desired relationship between elements.
  • Frank Stella (American Artist) (mentioned again for emphasis): Viewed himself as a “synthetic painter” using ideas and constructed forms, rather than a painter of natural sensibilities.pen_spark

Queer Artistas Visuales (QVA)

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queer visual artists
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Marlow Moss (1889-1958): Pintora y escultora británica pionera en el arte abstracto. Sus obras, influenciadas por el neoplasticismo y el constructivismo, se caracterizan por líneas limpias, formas geométricas y una paleta de colores limitada. Moss desafió las normas de género de su época, vistiendo ropa masculina y manteniendo relaciones con mujeres.

Ellsworth Kelly (1923-2015)

Pintor y escultor estadounidense asociado con el movimiento minimalista, el arte abstracto y el Color Field. Sus obras se caracterizan por líneas nítidas, formas simples y colores planos, a menudo brillantes. Exploró la relación entre forma, color y espacio, creando pinturas y esculturas que evocan una sensación de equilibrio y armonía. Aunque no se identificó públicamente como queer durante su vida, su relación de décadas con su compañero Jack Shear se hizo pública después de su fallecimiento.

Jasper Johns (1930-)

Pintor, escultor y grabador estadounidense conocido por su enfoque innovador de temas cotidianos y símbolos familiares, como banderas, números y mapas. Su trabajo desafió las nociones tradicionales de representación y abstracción, abriendo nuevas posibilidades para el arte pop y el arte conceptual. Johns ha sido abiertamente gay desde su juventud y su trabajo a menudo ha explorado temas relacionados con la identidad y la sexualidad.

Francis Bacon (1909-1992)

Pintor figurativo irlandés-británico famoso por sus retratos crudos y distorsionados, a menudo llenos de angustia y dolor. Sus pinturas a menudo representaban figuras humanas en estados de aislamiento, vulnerabilidad y sufrimiento. Bacon fue abiertamente gay y su obra exploró temas relacionados con la sexualidad, el deseo y la mortalidad.

Marie Laurencin (1883-1956)

Pintora y grabadora francesa asociada con el cubismo y el fauvismo. Conocida por sus retratos femeninos elegantes y estilizados, a menudo representados en colores pastel suaves y atmósferas oníricas. Aunque discreta sobre su vida privada, mantuvo relaciones con mujeres y hombres a lo largo de su vida, incluyendo a la poeta lesbiana Renée Vivien.

Andy Warhol (1928-1987)

Artista estadounidense, figura central del movimiento pop art. Reconocido por sus serigrafías de iconos populares y productos de consumo, como latas de sopa Campbell y retratos de celebridades. Warhol fue abiertamente gay y su arte a menudo cuestionaba las nociones de fama, consumismo e identidad.

Frida Kahlo (1907-1954)

Pintora mexicana conocida por sus autorretratos vibrantes y emotivos, a menudo inspirados en su propia vida y experiencias personales, incluyendo su dolor físico y su relación tumultuosa con Diego Rivera. Aunque su sexualidad ha sido objeto de debate, tuvo relaciones con hombres y mujeres y sus pinturas exploran temas de género, identidad y sexualidad.

Claude Cahun (1894-1954)

Fotógrafo y escritor francés, figura destacada del surrealismo. Conocido por sus autorretratos performativos y experimentales, a menudo desafiando las normas de género y cuestionando la identidad. Cahun utilizó el travestismo y la manipulación fotográfica para crear personajes ambiguos y multifacéticos, explorando temas de género, sexualidad y subjetividad.

Rosa Bonheur (1822-1899)

Pintora francesa, reconocida por sus pinturas de animales realistas y detalladas. Fue una de las artistas más exitosas de su tiempo y la primera mujer en recibir la Legión de Honor. Bonheur desafió las convenciones sociales de su época vistiendo pantalones y viviendo abiertamente con su compañera Nathalie Micas por más de cuatro décadas.

Grant Wood (1891-1942)

Pintor estadounidense, figura clave del regionalismo. Famoso por su icónica pintura “American Gothic”. Aunque discreto sobre su vida privada, sus biógrafos han encontrado evidencia que sugiere que fue homosexual y que su obra a veces codificaba temas homoeróticos.

Nancy Andrews (1924-2005)

Pintora estadounidense conocida por sus retratos intensos y expresivos, a menudo de mujeres, en los que exploraba temas de identidad, género y sexualidad. Andrews fue abiertamente lesbiana y su obra refleja su compromiso con la representación de la experiencia lésbica en el arte.

Gwen John (1876-1939)

Pintora galesa, conocida por sus retratos introspectivos y minimalistas, a menudo de mujeres solitarias. Vivió gran parte de su vida en Francia y tuvo una relación tumultuosa con el escultor Auguste Rodin. Aunque discreta sobre su vida privada, sus cartas sugieren que tuvo relaciones románticas con mujeres.

Marsden Hartley (1877-1943)

Pintor y poeta estadounidense, figura destacada del modernismo. Conocido por sus paisajes vibrantes y expresivos, a menudo inspirados en sus viajes por Europa y América del Norte. Hartley fue abiertamente gay y su obra a menudo exploraba temas de pérdida, deseo y espiritualidad.

Robert Indiana (1928-2018)

Pintor, escultor y diseñador gráfico estadounidense, figura clave del Pop Art. Conocido por su icónica escultura “LOVE”, que se convirtió en un símbolo universal de amor y paz. Indiana exploró temas de identidad, lenguaje y comunicación en su obra. Era abiertamente gay y sus experiencias personales a menudo influyeron en su arte.

Roni Horn (1955-)

Artista estadounidense que trabaja en una variedad de medios, incluyendo escultura, fotografía, dibujo y libros de artista. Su obra a menudo se centra en la naturaleza, la identidad y la percepción. Horn es conocida por su uso de materiales inusuales como el vidrio, el agua y el hielo. Aunque no se identifica públicamente como queer, su trabajo ha sido interpretado como una exploración de la fluidez de género y la sexualidad.

Hannah Höch (1889-1978)

Artista alemana, pionera del fotomontaje y figura clave del Dadaísmo. Sus collages políticos y satíricos a menudo criticaban los roles de género tradicionales y la cultura de consumo. Höch tuvo una relación de varios años con la poeta lesbiana Til Brugman y su obra a menudo abordaba temas de sexualidad e identidad femenina.

Berenice Abbott (1898-1991)

Fotógrafa estadounidense, reconocida por sus retratos de personajes famosos y sus imágenes documentales de la ciudad de Nueva York. Abbott fue una lesbiana abierta y su trabajo capturó la vibrante escena cultural y social de la ciudad en las décadas de 1920 y 1930.

Zanele Muholi (1972-)

Fotógrafa y activista sudafricana, reconocida por sus autorretratos y retratos de personas LGBTQ+ negras. Su trabajo documenta las vidas y experiencias de la comunidad queer sudafricana, desafiando los estereotipos y celebrando la diversidad. Muholi se identifica como persona no binaria y su obra aborda temas de raza, género, sexualidad y justicia social.

Mickalene Thomas (1971-presente): Artista afroamericana contemporánea conocida por sus vibrantes pinturas, collages y fotografías. Sus obras a menudo exploran la belleza, la identidad y la representación de las mujeres negras, utilizando materiales como pedrería, esmalte y acrílico. Thomas también aborda temas de raza, sexualidad y clase en su trabajo.

Robert Rauschenberg (1925-2008): Artista estadounidense prolífico y experimental que trabajó en una amplia gama de medios, incluyendo pintura, escultura, grabado y performance. Sus “Combines” innovadores, que incorporan objetos encontrados y materiales no tradicionales, desafiaron las definiciones convencionales de arte. Rauschenberg fue abiertamente gay y su sexualidad influyó en su trabajo y su vida personal.

Tamara de Lempicka (1898-1980): Pintora polaca conocida por sus elegantes retratos Art Deco de la alta sociedad parisina en los años 20 y 30. Sus obras se caracterizan por líneas fuertes, colores vibrantes y un estilo glamoroso. Lempicka era bisexual y su vida personal tumultuosa, llena de amoríos y escándalos, a menudo se reflejaba en su arte.

Claude Cahun (1894-1954): Pionera del surrealismo, Cahun desafió las normas de género y la identidad a través de autorretratos performativos y fotomontajes. Sus imágenes andróginas y enigmáticas cuestionaban las construcciones sociales de feminidad y masculinidad. Su obra, a menudo en colaboración con su pareja Marcel Moore, exploraba la fluidez de género, el inconsciente y la naturaleza del yo.

David Wojnarowicz (1954-1992): Artista multidisciplinario y activista feroz, Wojnarowicz abordó sin miedo temas de sexualidad, SIDA y crítica social en su obra. Sus pinturas, fotografías, escritos y performances eran crudos, viscerales y políticamente cargados. Wojnarowicz fue una voz vital en la lucha contra la epidemia del SIDA y la homofobia institucionalizada en los Estados Unidos.

Félix González-Torres (1957-1996): Conocido por sus instalaciones minimalistas y conmovedoras, González-Torres exploraba temas de amor, pérdida, memoria y la crisis del SIDA. Sus obras, como pilas de caramelos o montones de papel, invitaban a la interacción del público y se convertían en metáforas de la fragilidad de la vida y la persistencia del amor. Su trabajo, a menudo autobiográfico, conectaba lo personal con lo político.

Catherine Opie (1961-presente): Fotógrafa documental y retratista, Opie ha capturado la diversidad y complejidad de las comunidades LGBTQ+ a lo largo de su carrera. Sus imágenes, a veces tiernas, a veces desafiantes, retratan a personas lesbianas, gays, transgénero y queer en su vida cotidiana, desafiando estereotipos y celebrando la individualidad. Opie también ha explorado temas de paisaje y arquitectura en su trabajo.

Zanele Muholi (1972-presente): Activista y fotógrafa visual, Muholi utiliza su cámara para documentar y empoderar a las personas LGBTQ+ negras en Sudáfrica y más allá. Sus retratos íntimos y poderosos celebran la belleza, la resiliencia y la diversidad de la comunidad negra queer. Muholi también ha denunciado la violencia y discriminación que enfrentan estas comunidades, abogando por la justicia social y la igualdad de derechos.

Jasper Johns. Biografía, obras y exposiciones

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Jasper_Johns_Scent
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Jasper Johns. Biografía, obras y exposiciones

Escrito por Marisa Carrero

Jasper Johns era un chico del sur que llegó a Nueva York empujado por el empeño de su profesor de arte de la universidad, aunque él ya deseaba pintar desde los cinco años, y que terminó siendo uno de los pintores americanos más influyentes de la segunda mitad del siglo XX.

Biografía Jasper Johns

Imagen: Jasper Johns disponible en newsoftheartworld.com

Nacido en Augusta (1930), creció en Allendale sintiendo el amor por la pintura desde niño. Esto le llevó a estudiar, primero en la Universidad de Carolina del Sur, entre 1946 y 1947, y luego en la Parsons School of Design de Nueva York, en 1948, donde realizó sus primeras exposiciones. Después, la guerra de Corea hizo un alto en su camino artístico y le llevó a servir dos años en el ejército, una parte de ellos en Japón.

Imagen (izquierda): Flag, disponible en www.metmuseum.org 

Imagen (derecha): Three flags, disponible en www.usc.edu

De vuelta a Nueva York, en 1952, Jasper Johns estuvo trabajando durante unos cuantos años en diferentes librerías mientras se introducía en los ambientes artísticos de la ciudad y entablaba amistad con artistas como el músico John Cage o el coreógrafo Merce Cunningham, que influyeron mucho en su forma de entender el arte, y muy especialmente el pintor Robert Rauschenberg siendo ambos los mayores exponentes del expresionismo americano de los cincuenta, aunque luego su obra diera un giro total y creara nuevos estilos. Su visión del arte sufrió un impacto total a raíz de una visita suya a Pensilvania para ver la obra de Marcel Dunchamp, The Large Glass, en la que el artista plasmaba una nueva forma de crear conocida como readymades (lo ya hecho), según la cual, se transformaban objetos encontrados y se creaban con ellos una obra nueva. La influencia de esta creación le llevó, más adelante, a incorporar a sus cuadros diferentes objetos (reglas, cucharas, perchas) como una parte más de la pintura.

En 1954 y 1955, crea sus famosas banderas, Flags, que tanto influyeron en la iconografía americana del siglo XX: Flags, Target y Numbers formaron parte de su primera gran exposición en solitario, en la Galería Leo Castelli de Nueva York. Las diferentes banderas creadas con la técnica de la encaústica (cera aplicada a la pintura y pulida con un trapo de lino), supusieron toda una revolución por su aparente simplicidad, y por su fuerza. Tal fue su impacto que el Museo de Arte Moderno de Nueva York compró tres piezas para exponerlas en sus salas. Jasper Johns había dado un paso de gigante en la incorporación de lo cotidiano a la imaginería norteamericana: «las imágenes, dijo, son las cosas que la mente ya conoce».

Más interesado en el proceso creador que en la obra en sí, Johns no se conformó con una sola técnica y llevó a cabo muchos de sus trabajos tanto mediante el grabado como con la serigrafía o la litografía. Es en estos momentos de su carrera cuando se aleja del expresionismo abstracto en el que empezó a crear, para acercarse a nuevos estilos como el Arte pop, el minimalismo o el arte conceptual, del que muchos le consideron creador. En sus cuadros empieza a incorporar diferentes objetos, auténticos collages que los transforman en esculturas.

Imagen (izquierda): Souvenir 2, disponible en www.artchive.com

Imagen (derecha): Recent Still Life, disponible en www.ulae.com

A lo largo de los años sesenta colaboró con otros muchos artistas de aquel momento, como Andy Warhol, Robert Morris o Bruce Naumann. Esto le ayudó, no solo a dar un gran impulso a su carrera, sino a continuar su investigación y su aprendizaje en el mundo del arte, conociendo nuevos puntos de vista y haciendo nuevos trabajos, como las ilustraciones del libro del escritor Frank O’Hara, In Memory of My Feelings. En 1964, Johns realiza uno de sus grabados más famoso, Ale Cans, dos latas de cerveza que anteriormente había recreado en una escultura: Bronze (1960). El artista buscaba las diferentes maneras de ver un mismo objeto a través de diferentes disciplinas, ya sea grabado, escultura e incluso fotografía.

Imagen (izquierda): In Memory of My Feelings, disponible en greg.org

Imagen (derecha): Two Ale Cans, disponible en www.theartsdesk.com

Para algunos seguidores y estudiosos del pintor, la década de los setenta supuso una nueva transición hacia un estilo más autobiográfico, bastante alejado de lo que habían sido sus trabajos iniciales, homenajeando a Cézanne y a Picasso, y llenos de colores primarios como sus obras Scent (1973–74) y Weeping Women (1975), obras formadas por varios paneles a modo de trípticos. Son años también en los que parece obsesionado con la repetición de imágenes en diferentes técnicas, haciendo suya la frase de su amigo John Cage: «si haces una cosa más de una vez puedes obtener mejores resultados». En realidad se trataba de buscar las diferencias o semejanzas en el resultado final de las diferentes representaciones.

También en estos años, tras la retrospectiva del Withney Museum of American Art de Nueva York, sus cuadros se convierten en protagonistas de varias exposiciones europeas, como la bienal de Venecia de 1978 o la exposición sobre su obra gráfica del Kunstumuseum de Basilea, entre otros.

Imagen (derecha): Target With Four Faces, disponible en www.jasper-johns.org

Imagen (izquierda): Coat Hanger and Spoon, disponible en www.christies.com

Y de nuevo, vuelve a abrir un nuevo camino en la forma de hacer arte, un nuevo ciclo dentro de su propia creación. Fue en la exposición del Museo de Arte Moderno de Nueva York de 1987, con la serie Las estaciones, (Seasons) en las que incluyó la figura humana, tituladas Spring, Summer, Fall, y Winter. Esta exposición fue el precedente de la que luego se llevó a cabo en nuestro país, en el Museo de Arte Reina Sofía de Madrid, y que abarcó veinticinco años de su carrera a través de 180 obras seleccionadas por Riva Castleman, directora del departamento de grabados y libros del Museo de Arte Moderno de Nueva York y que fue una de las retrospectivas más importantes de las que se realizaron sobre su obra.

Sus trabajos empezaron a subastarse a precios increíbles, convirtiéndose en el artista vivo más cotizado de esos momentos. Sin embargo, él no dejó nunca de crear, a pesar de todos los cambios experimentados en su carrera, y tampoco abandonó nunca su «amor» por el gris, como se demuestra en las obras Bridge (1997), Catenary (I Call to the Grave) (1998) y Near the Lagoon (2003) , cuadros que cuelgan de unas cuerdas sobre una superficie absolutamente gris. Su obra regresaría de nuevo a España en 2011, gracias a una nueva exposición retrospectiva organizada por el Instituto Valenciano de Arte Moderno (IVAM) que contó con una escultura creada por Johns en 2007 y que se mostró al público entonces, por primera vez.

The Seasons (Fall) 1987 Jasper Johns born 1930 Presented by the American Fund for the Tate Gallery, courtesy of Judy and Kenneth Dayton 2004 http://www.tate.org.uk/art/work/P12999

Imagen (derecha): Fall, disponible en http://dexedrina.blogspot.com.es/, 18 de octubre de 2012 

Imagen (izquierda): Summer, disponible en http://www.jasper-johns.org/

«Para ser un artista, hay que entregarlo todo, incluido el deseo de ser un buen artista». Quizás esta frase pueda explicar los continuos cambios en la trayectoria artística de Johns; un hombre inquieto que rompía con su propio estilo para dar lugar a otro. Pero independientemente de esto, su gran poder fue la influencia aplastante en las generaciones que le siguieron, siendo además uno de los artistas cuyas obras han sido de las más cotizadas y han alcanzado precios verdaderamente elevados.

Aún hoy, a sus 84 años, sigue siendo noticia en el mundo del arte. Su gran última exposición se pudo ver en Nueva York, en el Museo de Arte Moderno (MoMA) este mismo año, con su última producción, Regrets, que incluía treinta obras entre pinturas, dibujos y grabados creados en el último año y medio, y en la que ha destacado la fotografía de Lucian Freud, tomada en 1964 y que Johns decidió incluir ahora en una pintura.

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Imagen (izquierda): Untitled, disponible en www.theartsdesk.com

Imagen (derecha): In Memory, disponible en www.spaightwoodgalleries.com

«Mi trabajo se basa sobre todo en la relación entre ver y conocer, ver y decir, ver y creer». Durante toda su carrera ha visto, conocido y creído en todo tipo de materiales y técnicas (litografías, grabados, serigrafías, estampados en papel y trabajos en plomo) creando una obra personal, un movimiento propio dentro del arte y siendo uno de los grandes maestros del siglo XX para los artistas posteriores.

jasper johns racing thoughts Imagen: Racing Thoughts, disponible en www.nj.com

0 through 9 1961 Jasper Johns born 1930 Presented by the Friends of the Tate Gallery 1961 http://www.tate.org.uk/art/work/T00454

Imagen (derecha): Jasper Johns, disponible en drawpaintprint.tumblr.com

Imagen (izquierda): Catenary, disponible en visualarts.walkerart.org

Imagen (derecha): Homenage to Jasper Johns, disponible en www.tapestry.co.nz

 Imagen (izquierda): Scent, disponible en www.artnet.com

Jasper Johns 0-9

 Imagen: 0-9, disponible en www.jasper-johns.org

Techniques to conservation a painting

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Conservation and Restoration Art Service
Conservation and Restoration Art Service

Techniques to conservation a painting

There are several techniques to conserve a painting, both through preventive measures and active treatments:

Preventive Conservation:

  • Environment:Light: Minimize exposure to direct sunlight and UV radiation, which can fade pigments and damage the canvas or support. Use UV-filtering glass or acrylic for framing.
  • Temperature and Humidity: Maintain stable temperature and humidity levels (ideally 65-70°F and 50-55% RH) to prevent warping, cracking, and mold growth. Avoid extreme fluctuations and direct exposure to heat sources.
  • Air Quality: Protect the painting from dust, smoke, and other pollutants that can accelerate deterioration. Use air filters and avoid hanging paintings in kitchens or bathrooms.
  • Handling and Storage Handling: Always handle paintings with clean hands and wear gloves when necessary. Support the canvas or panel from the back and avoid touching the painted surface.
  • Storage: Store paintings upright in a cool, dry, and dark location. Use acid-free materials for wrapping and padding. Avoid storing paintings in attics, basements, or garages where conditions fluctuate.
  • Display:Hanging: Use appropriate hanging hardware to mount the painting securely. Avoid hanging paintings in areas prone to vibration or high traffic.
  • Framing: Use acid-free mats and backing boards, and avoid direct contact between the artwork and glass. Consider using UV-filtering glazing to protect against light damage.

Active Conservation Treatments:

These treatments should only be carried out by trained professionals, as improper intervention can cause irreversible damage.

  • Surface Cleaning: Use appropriate solvents and techniques to remove dirt, grime, and discolored varnish.
  • Consolidation: Stabilize flaking or lifting paint layers using adhesives and resins.
  • Inpainting: Fill in small losses or areas of damage with compatible pigments and media to restore the painting’s visual integrity.
  • Lining: Adhere a new canvas or fabric to the back of the original canvas to provide structural support and prevent further deterioration.

Additional Tips:

  • Regular Inspection: Inspect your paintings for damage or deterioration, such as flaking paint, discoloration, or mold growth.
  • Professional Consultation: If you notice any problems, consult a qualified conservator for advice and treatment options.
  • Insurance: Ensure your valuable paintings are protected from loss or damage.

How can a painting be conserved?

Painting conservation involves a multi-pronged approach, encompassing both preventive and interventive measures:

  • Preventive Conservation:
    • Environmental Control: Use a thermostat and hygrometer to maintain a stable temperature (65-70°F) and relative humidity (50-55%). Avoid direct sunlight and UV exposure with UV-filtering glazing or blinds.
    • Handling and Storage: Handle with clean hands and gloves, supporting the painting from the back. Store upright in a cool, dark, dry area with acid-free materials. Avoid attics and basements.
    • Display: Hang securely with proper hardware, away from direct sunlight, heat sources, and high-traffic areas. Use acid-free mats and backing boards for framing.
  • Interventive Conservation (for professionals only):
    • Surface Cleaning: Remove dirt and grime with appropriate solvents and techniques.
    • Consolidation: Stabilize flaking or loose paint.
    • Inpainting: Fill in small losses with reversible materials.
    • Lining: Attach a new canvas for support.
    • Varnish Removal/Re-application: Remove discolored varnish and apply a new protective layer.

How do you protect an expensive painting?

In addition to the above, consider these extra precautions for valuable paintings:

  • Security: Install alarm systems, surveillance cameras, and secure hanging systems.
  • Insurance: Obtain proper insurance coverage for damage, theft, or loss.
  • Regular Inspections: Have a conservator assess the condition annually and address any issues promptly.
  • Documentation: Keep detailed records of the painting’s history, condition, and any treatments.
  • Disaster Planning: Develop a plan for safeguarding the painting in emergencies like fire or flood.

How can I preserve paint?

Paint preservation is primarily achieved through the preventive conservation measures mentioned above. However, specific considerations apply:

  • Avoid harsh cleaning products: Use only gentle, pH-neutral cleaners specifically designed for art.
  • Limit exposure to extreme temperatures and humidity: This can cause cracking, flaking, and other damage.
  • Protect from direct sunlight: UV radiation fades pigments over time.

How do you store paintings long-term?

For long-term storage:

  • Climate-Controlled Environment: A dedicated art storage facility with stable temperature and humidity control is ideal.
  • Proper Packaging: Wrap paintings in acid-free tissue paper and place them in archival boxes or padded racks.
  • Regular Monitoring: Inspect the paintings periodically for any signs of deterioration.

Professional conservation is always recommended for valuable or delicate artworks. By taking proactive measures and seeking expert advice, you can ensure that your paintings remain in excellent condition for years.

By following these guidelines, you can help preserve your paintings and ensure they can be enjoyed for many years.

Ana Albertina Delgado’s Solo Exhibition “Women Who I Could’ve Been”

Por
AMM
-
Women who I could’ve been. (Mujeres que pude ser yo)
Women who I could’ve been. (Mujeres que pude ser yo)

MoCA-Americas Presents Ana Albertina Delgado’s Solo Exhibition “Women Who I Could’ve Been”

The Museum of Contemporary Art of the Americas (MoCA-Americas) is proud to announce the upcoming solo exhibition of renowned artist Ana Albertina Delgado, titled “Women Who I Could’ve Been.” The exhibition will open on July 12th, 2024, showcasing 12 magnificent paintings in various formats.

Exhibition Details:

  • Title: “Women Who I Could’ve Been”
  • Artist: Ana Albertina Delgado
  • Curator: Jorge Rodriguez Diez (R10)
  • Opening Date: July 12th, 2024
  • Location: MoCA-Americas, 12063 SW 131st Ave, Miami, FL 33186

This marks Delgado’s first solo exhibition at MoCA-Americas, although her work has been part of the museum’s collection and featured in numerous group exhibitions across South Florida. The exhibition offers a unique and intimate look at her latest creations, exploring themes of diversity and the role of women in society.

Ana Albertina Delgado, born in Havana, Cuba in 1963, is a prominent figure in contemporary art. Her pictorial language expresses current social debates, building human scenarios that reflect upon the construction of quotidian life. Delgado’s work is known for its bold use of color, accomplished technique, and rich thematic exploration.

“Seldom is the inner essence of feminine life so clearly expressed as in the work of this artist,” comments curator and art critic Gerardo Mosquera. “Her painting derives completely from a woman’s vision and sensibility, even when the questions discussed do not especially pertain to women.”

Delgado’s work is held in prestigious collections worldwide, including the Smithsonian American Art Museum and the Frost Art Museum. She currently lives and works in Fort Myers, USA.

For more information, please contact: Email: [email protected] Phone: +1 786 794 3699 Website: https://www.mocaamericas.org/

About MoCA-Americas: The Museum of Contemporary Art of the Americas is dedicated to showcasing and promoting contemporary art from across the Americas. Through its exhibitions and programs, MoCA-Americas aims to foster cultural exchange and appreciation for diverse artistic expressions.

“Latin American Rockers” Exhibition

Por
AMM
-
Museum of Contemporary Art of the Americas Announces "Latin American Rockers" Exhibition
Museum of Contemporary Art of the Americas Announces "Latin American Rockers" Exhibition

Museum of Contemporary Art of the Americas Announces “Latin American Rockers” Exhibition

The Museum of Contemporary Art of the Americas (MoCA-Americas) is thrilled to announce its upcoming exhibition, Latin American Rockers, opening on July 12th, 2024. Curated by artist and promoter Carolina García (Apia), the exhibition is inspired by the iconic song “We Are South American Rockers” by the Chilean band Los Prisioneros, the first music video broadcast on MTV Latino.

Exploring the Spirit of Rebellion and Creativity

“Latin American Rockers” delves into South America’s vibrant cultural tapestry, celebrating the region’s rich artistic heritage and offering a fresh perspective on contemporary Latin American art. The exhibition brings together artists from South America and Mexico, each invited by the curator to reflect on their cultural roots and explore the spirit of rebellion, freedom, and creativity that characterizes the region.

A Tribute to the Power of Music and Art

Ultimately, “Latin American Rockers” serves as a tribute to music’s undeniable influence on art and society. The exhibition seeks to connect rock music’s rhythm with the visual rhythm of art, highlighting the way both mediums transcend borders and create a dialogue between diverse cultures.

A Multifaceted Exhibition

Featuring a wide range of artistic forms, including painting, sculpture, photography, and multimedia installations, “Latin American Rockers” ensures a broad representation of artistic expressions within the Latin American context. This interdisciplinary dialogue showcases the evolution of art south of the United States, anchoring the event in the complex pathways of contemporary creativity.

Featured Artists

The exhibition will showcase iconic works from:

  • Andres Bardales and William Germán Alonso (Colombia)
  • Iliana Rincón, Jorge Salas, and Teresa Cabello (Venezuela)
  • Alejandra Yunis and Claudia Groll (Argentina)
  • Mónica Zuckerberg and Fernanda Flores (Mexico)
  • Clara Johnson (Chile)

Art in the Community Program

“Latin American Rockers” perfectly embodies MoCA-Americas’ Art in the Community program. The program aims to unite Latin American artists and celebrate their shared cultural experiences while recognizing their journeys. This exhibition fosters intercultural understanding and appreciation, ultimately contributing to the local artistic landscape.

Exhibition Details

  • Exhibition Title: Latin American Rockers
  • Opening Reception: July 12th, 2024
  • Exhibition Dates: July 12th – July 26th, 2024
  • Location: Museum of Contemporary Art of the Americas (MoCA-Americas)
  • Address: 12063 SW 131st Ave, Miami, FL 33186
  • Curator: Carolina García (Apia)

Join us to explore the vibrant cultural tapestry of Latin American art!

Media Contact:

Museum of Contemporary Art of the Americas

[email protected]

12063 SW 131st Ave, Miami, Fl 33186 United States
+1 786 794 3699

Website:

https://www.mocaamericas.org

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