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Monday, October 6, 2025
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Ernesto Cabrera

Por
Editorial
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Ernesto Cabrera canta en Los Adolescentes y The Latin Divos
Ernesto Cabrera canta en Los Adolescentes y The Latin Divos

Ernesto Cabrera canta en Los Adolescentes y The Latin Divos

Ernesto Cabrera es una de las principales figuras musicales de su generación. Cubano, radicado en Miami, es un profesional extremadamente preparado en su difícil arte, el de cantar; cantar no solamente música popular sino que también lírica. Nadie le ha regalado nada y tiene una carrera digna y destacada. Actualmente sobresale en dos proyectos grupales de estilos bastante opuestos. Uno es el trío The Latin Divos, que mezcla el pop con la ópera, mientras que la otra agrupación es connotada dentro del género de la salsa, se trata del grupo Los Adolescentes. Con ambas formaciones Ernesto se destaca, pone una buena dosis de talento y, además, viaja sin parar, realizando conciertos. Al joven le gusta recordar y apreciar cada paso que ha dado. Llegó a Miami en 2016 y no debió esperar mucho para hacerse notar por sus cualidades vocales. Ocurre que dos años después participó en uno de los programas de nuevos talentos que tanto gustan al público alrededor del mundo: corría el año 2018 e hizo una audición en el espacio “La Voz”, de la Cadena Telemundo. Allí encantó a un representante de Los Adolescentes, que precisamente necesitaba a un vocalista en la orquesta. Ernesto dijo sí y empezó el periplo salsero. Sobre The Latin Divos siente un especial afecto. Con el trío ha recorrido buena parte del mundo; sus compañeros también son talentos cubanos, Will Corujo y Fernando González. “Creo que The Latin Divos ha marcado un antes y un después en Miami”, juzga, orgulloso, e invita a seguir a los Divos en las plataformas digitales. Ernesto no desdeña la posibilidad de efectuar labores como solista. “Me gustaría grabar un disco, aunque no es mi prioridad actualmente”, apunta. En los pocos respiros que le dan Los Adolescentes y The Latin Divos, este gran artista ofrenda sus conocimientos dando clases particulares. “Tengo la dicha y la satisfacción de vivir de la música”, afirma.

Leila Tschopp

Por
Editorial
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Leila Tschopp
Leila Tschopp

1978 – Argentina

Se graduó en 2002 como profesora de Pintura en la Escuela Nacional de Bellas Artes Prilidiano Pueyrredón, Buenos Aires, y realizó clínicas de producción de obra con Tulio de Sagastizábal.

Obtuvo el segundo premio en Pintura del Salón Nacional (2014) y el segundo premio en el Salón Banco Central (2011). Recibió becas de la Fundación Pollock-Krasner (2012); del Fondo Metropolitano de las Artes (2012), y del Fondo Nacional de las Artes (2008). Participó de numerosas residencias internacionales, entre las que se destacan: Art Omi, Nueva York (2015); Programa de Residencias para Creadores de Iberoamérica y Haití, FONCA-AECID, México (2014) y Skowhegan School of Painting and Sculpture, Maine, Estados Unidos (2013).

Desde 2006 realiza muestras individuales tanto en la Argentina como en el exterior; entre ellas, Disfraz, Fundación Esteban Lisa (Buenos Aires, 2015); La persistencia, Galería Diagrama (México D.F., 2014); Diagrama #1: Movimientos dominantes, Centro Cultural de la Memoria Haroldo Conti (Buenos Aires, 2013); Modelos ideales, 713 Arte Contemporáneo (Buenos Aires), y El salto, galería Transversal (San Pablo) (2012); Modelos ideales, La Maison de l’Argentine (París, 2011); Modelos ideales, KIOSKO Galería (Santa Cruz de la Sierra, 2010); Aun cuando yo quisiese crear, Palais de Glace (Buenos Aires, 2009), y El contexto soy yo, Centro Cultural de España en Buenos Aires (2008).

Participó de numerosas exhibiciones colectivas: El teatro de la pintura, Museo de Arte Moderno de Buenos Aires (MAMbA) (2014); Geometría al límite, Museo de Arte Contemporáneo de Buenos Aires (MACBA) (2013); About Change, World Bank (Washington), y Beyond Desire, ACC Galerie (Weimar) (2011); PintorAs, Museo de Arte Contemporáneo de Rosario (2010), y Argentina hoy, Centro Cultural Banco do Brasil (San Pablo, 2009).

Su obra es parte de las publicaciones 100 Painters of Tomorrow, London, Thames & Hudson, 2014, y Poéticas contemporáneas, Buenos Aires, Fondo Nacional de las Artes, 2011. Sus trabajos integran las colecciones del MACBA; el Museo Castagnino+macro, Rosario; el Goethe Institut, Lisboa; el World Bank, Washington, y el Banco Central de la República Argentina.

Leila Tschopp
Leila Tschopp
Leila Tschopp
Leila Tschopp
Leila Tschopp
Leila Tschopp

How To Be Ready To Transition Into A Full-Time Art Career

Por
Editorial
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How to become a full-time artist
How to become a full-time artist

How To Be Ready To Transition Into A Full-Time Art Career

Artworkarchive.com

Sports and art aren’t often two areas that overlap, but sometimes advice for athletes is exactly the same as advice for artists. You have probably heard the quote from Wayne Gretzky that goes, “you miss 100% of the shots you don’t take.”

And while we deal more in paint strokes and gallery submissions than goal shots, the sentiment remains true.

Don’t let your doubts or fears keep you from turning your art hobby into a full-time career. Follow these steps to make sure you are building a solid foundation for yourself before making the leap to a full-time art career.

Be Honest With Yourself About Why You Want to Be a Full-Time Artist

Many artists work part-time or even full-time jobs while establishing their art careers. If you have already been balancing both, you probably know how exhausting it can be. This fatigue may lead you to consider jumping in feet first to your art career.  

But before you get in the deep end, ask yourself why you want to make a career out of your art.

Do you believe your work will benefit from more focused time? Do you have such a passion for your art that you can no longer see yourself doing anything else? Do you want to be famous? Do you want freedom from the 9-5?

Write this all down and reflect on where your motivations are coming from.

Take Serious Stock of Whether Or Not You Are Ready

Regardless of your motivation, transitioning into a full-time career is going to take more than just creating art. You are will take on the new role of business owner and will need to take on the responsibilities that come with that if you want to make a living.

Take a good long look in the mirror, and ask yourself if you are ready to become a business owner.

There is nothing wrong with the answer to this question being “no.” In fact, it could save you a lot of stress and set you up for when the answer is eventually an enthusiastic “yes!”

If you currently have a full-time job, scaling down to a part-time job or picking up freelance projects as you transition to making your hobby a full-time gig can provide the financial stability needed to take risks, invest in materials and alleviate some of the stress.

If you aren’t fully ready—either financially or emotionally—you will struggle to build your empire, and you surely won’t enjoy the ride.

Develop a Business Plan You Will Stick To

When you are just starting out, you may not see the need to create a business plan for your art career. It just doesn’t seem that urgent and making the work often takes precedent. But, by taking the time to thoughtfully plan out your business and get it on paper, you will be able to identify the strengths and weaknesses of your business.

Thinking about your pricing and business expenses will be key to making sure you can support yourself before going full-time.

Write down the estimated cost of materials, business cards, marketing materials, and don’t forget to include a budget for paying yourself. Once you have your business expenses laid out, you should clearly see how much you need to sell and for how much in order to make a profit.

Need a hand getting started? Check out these resources from creative business coach Jennifer Lee.

Find More Ways Than One Way Make Money

Getting gallery representation or selling at art fairs are often the first venues that come to mind when thinking considering where to make money as an artist. But, there are other ways you can make money from your work.

Licensing your work is another great way to make additional income and get your work seen by tons of people.

Also, consider the options you have to sell art online. The growth of online shopping had extended to artwork and can be a great sales platform for your business. Just make sure to pick an online platform that will work best for your art business.

If you are ready to plan your sales revenue, start with this cheat sheet outlining the 7 ways you can increase sales in your creative business from the founder of the of the Artist Entrepreneur, Catherine Orer. Then, check out this webinar about business plans in collaboration with Artwork Archive. 

Cultivate a Unique and Authentic Brand For Yourself

Developing a brand for yourself will be one of the single most important things you can do when transitioning into a full-time art career. This is also the hardest part for many artists.

Creating a brand will require some self-reflection to understand how you want people to recognize and relate to your business. Will your audience relate to you as being fun and quirky? Will they recognize your fun, bright colors? Or will they see something in nature and think of your brand?

Take some time to think about what kind of artist you are and what message you want to send to your audience. Your business name, logo, cards, website and social media presence are all ways to communicate your brand. Make sure you keep all things that your customers see consistent with your brand.

Don’t Shy Away From Promoting Yourself

There are many platforms out there to help you make a professional website and online portfolio for yourself. Take advantage of them as a way to drive people to your site.

You can create a professional portfolio of all your work online using a platform like Artwork Archive.

Artists on Artwork Archive have significantly increased sales by adding a link to their public profiles on their social media pages and website.

Oli Sihvonen

Por
Editorial
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Oli Sihvonen
Oli Sihvonen

Sihvonen, Oli

1921-1991 – Estados Unidos

Su formación artística comenzó en la Norwich Free Academy, Connecticut, y continuó en la Art Students League, Nueva York. Luego de servir durante la Segunda Guerra Mundial en el Ejército estadounidense, en 1946 prosiguió sus estudios en el Black Mountain College, principalmente con Joseph Albers. Entre 1954 y 1956 enseñó dibujo y diseño en el Hunter College, Nueva York. Luego realizó una residencia artística de un año en la Fundación Helene Wurlitzer, Taos, Nuevo México, ciudad en la que se estableció durante un tiempo junto con su familia. Allí expuso regionalmente y enseñó en las universidades de New Mexico y Denver.

El trabajo de Sihvonen se caracterizó por el estudio sistemático de la interacción entre las formas geométricas, las superficies y la adyacencia de los colores, y cómo estas combinaciones influyen en la percepción visual. Asimismo, en su pintura exploró la geometría y los efectos ópticos y el impacto que éstos generan en los espectadores. Paradójicamente, durante su estadía en Nuevo México su carrera cobró impulso en el circuito artístico de la Costa Este, y participó en las exhibiciones más aclamadas, como Geometric Abstraction in America (1962), Whitney Museum of American Art, Nueva York; The Formalists (1963), Washington Museum of Contemporary Art, y la legendaria The Responsive Eye (1965), en el Museum of Modern Art, Nueva York, el que luego adquirió una de sus obras para su colección permanente.

Sihvonen fue premiado por las fundaciones Pollock- Krasner (1988) y Adolph and Esther Gottlieb (1985) y por el National Endowment for the Arts (1967 y 1977). Sus obras están incluidas en las colecciones permanentes de la Corcoran Gallery of Art, Washington D.C.; el Whitney Museum of American Art; el Museum of Modern Art; la Rockefeller University, Nueva York; el Dallas Museum of Fine Arts; el Art Institute of Chicago; el Asheville Art Museum y el Black Mountain College Museum, Ashville; el Albuquerque Museum of Art; y el University of New Mexico Art Museum, Alburqueque, entre otras prestigiosas instituciones.

Oli Sihvonen
Oli Sihvonen
Oli Sihvonen
Oli Sihvonen
Oli Sihvonen
Oli Sihvonen

Miami Galleries

Por
Editorial
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▪  Abba Fine Art. David McConnell, instalaciones y obras de Purvis Young. 233 NW 36 St., Wynwood District. (305) 576-4278.

▪  Adamar Fine Arts. Popping Back to Pop, obras de Andy Warhol, Alex Katz, Jim Dine y otros. 4141 NE 2 Ave. (305) 576-1355. Miami Design District.

▪  Agustín Gaínza Arts. Exhibición de Agustín Gaínza. 1652 SW 8 St. (305) 644-5855.▪  Alberto Linero Gallery. Obras de Ancizar Marin, Anya Rubin y otros. 2294 NW 2 Ave., Wynwood. (954) 789-2867.

▪  Alberto Linero Gallery. Obras de Ancizar Marin, Anya Rubin y otros. 2294 NW 2 Ave., Wynwood. (954) 789-2867.

▪  Alejandra von Hartz Gallery. Marie Orensanz: Obras de los años 1970. 2630 NW 2 Ave., Wynwood Art District. (305) 438-0220.

▪  Aluna Art Foundation. Mujeres al borde de una isla. 172-b W Flagler St., (305) 529-5400.

▪  Amat Art Gallery. Obras de Yoselin Echevarría Sánchez, Juan Antonio Alfonso Serrano, John Amat y otros. 7223 SW 48 St.

▪  Amy Alonso Gallery. Obras de Carla Faché, Amos Miller y otros. 50 NE 124 St., Suite 2, Moca Plaza, North Miami.

▪  Arch Gallery. Obras de Emma Alvarez Piñeiro, Pablo Contrisciani, Manuel Pardo y otros. 1619 SW 13 St. (305) 644-7500.

▪  ArtCenter/South Florida. Nellie Appleby, Allison Matherly y Cristina Lei Rodriguez, Dimensions Variable (The Richard Shack Gallery). Desde el 17 de septiembre. 800, 810 y 924, Lincoln Rd., Miami Beach. (305) 674-8278.

▪  Arevalo Gallery. Selección de obras de Jesús Rafael Soto en pequeño formato. 151 NE 40 St., Suite 200, Design District. (305) 860-3311.

▪  Artefactus Teatro. Alejandrina Silvera Guerra, Las mujeres que habito. Domingo 14, 2 p.m. 12302 SW 133 Ct. (786) 704-5715.

▪  Art Fusion Galleries. Poetic Visions. Hasta el 15 de septiembre. 3550 N Miami Ave. (305) 573-5730.

▪  Art@Work. Onajide Shabaka, Pedestrian Field Studies. Abierta mediante cita previa. 1245 SW 87 Ave. (305) 264-3355.

▪  ArtMedia Gallery. Neil Dern, Where the 9/11 happened. Hasta el 20 de octubre. The Wynwood Building. 2750 NW 3 Ave., Suite 12. (305) 318-8306.

▪  Art Nouveau Gallery. Summer Collective. 348 NW 29 St. (305) 573-4661.

▪  Artrageous Gallery/The Village of Merrick Park. Obras de Alberto J. Carol, Chiu y otros. 330 San Lorenzo #2305, Coral Gables. (786) 220-1211.

▪  ArtSpace/Virginia Miller Galleries. Panoply: Paintings, Photographs and Sculpture, obras de Hugo Consuegra, Sandu Darié y otros. 169 Madeira Ave., Coral Gables. (305) 444-4493.

▪  ArtSight Gallery. Obras de Marilyn Valiente, Adolfo Parrado, Barbara O. Davis, Freda Tschum’y y David Valiente. 1524 Ponce de Leon Blvd., Coral Gables. (305) 400-8077.

▪  Ascaso Gallery. El tiempo y el espacio en la escultura de Jiménez Deredia. 2441 NW 2 Ave. (305) 571-9410.

▪  Beaux Arts Gallery. Exhibición de obras de Manuel Carbonell. 3390 Mary St., The Mayfair in the Grove, East Atrium. (Oficinas en 901 Brickell Key Blvd., Suite 2705.) (305) 371-2200.

▪  Biscayne Nature Center. Xavier Cortada, Littoral Creatures. Crandon Park, Key Biscayne, North Beach Entrance.

▪  Black Square Gallery. Venezuela/Ukraine: unexpected conversation. 2248 NW 1 Pl., (305) 424-5002.

▪  Bouzon Art Gallery. Obras de Orestes Bouzon, Casimiro González y otros. 7253 SW 48 St. (305) 502-9832.

▪  Brisky Gallery. Painter’s Delight. 130 NW 24 St.

▪  Carlos Rafael Fine Art. Series, de Carlos Rafael. Lakeshork Park. 7223 SW 48 St. (305) 665-7100.

▪  Carol Jazzar/Contemporary Art. Obras de Jorge Pantoja, Ronny Quevedo y otros. Abierta solo por cita. 158 NW 91 St., (305) 490-6906.

▪  Catá Fine Art. Obras de Héctor Catá. 1361 Coral Way. (305) 290-7639.

▪  Cernuda Arte. Muestra-homenaje Juan Gil García: pintor de flores, frutas y paisajes (obras de Juan Gil García). Exhibición colectiva de Arte Moderno y Contemporáneo, con obras de Wifredo Lam, Mario Carreño, Amelia Peláez y Víctor Manuel, entre otros. 3155 Ponce de Leon Blvd., Coral Gables, (305) 461-1050).

▪  Charest-Weinberg Gallery. Obras de Pedro Barbeito, Richard Dupont y otros. 250 NW 23 St., Suite 408. (305) 292-0411.

▪  Conde Art Gallery and Studio Space. Critical Mass, instalaciones, bocetos, pinturas y esculturas de Pepe Villegas. 1007 SW 8 St. (239) 961-0452.

▪  Cristina Chacón Gallery Brickell. One World, de Angelo Valenzuela, Ruth Bloch, Rosario Heins y otros; obras recientes de Alberto González Vivo. 60 SW 12 St., (305) 725-7492.

▪  Cristina Chacón Studio Gallery. Obras de Jerónimo Villade, Pipe Yanguas, Jano, Diana Benedetti y otros. 3162 Commodore Plaza, Suite 1F2, Coconut Grove. (305) 442-2884.

▪  Cuban American Phototheque Foundation. Colección permanente. 4260 SW 74 Ave. Llamar al (786) 360-9333 para horarios.

▪  Curator’s Voice Art Project. Obliques Perspectives, con obras de Ana Abreu, Carolina Rojas y otros. 299 NW 25 St.

▪  CU-1 Gallery.Obras de Christopher Thomas, Roger Weber y otros. 117 NE 1 Ave., Miami.

▪  Daniela Wicki Studio. Obras de Daniela Wicki. 2628 NW 2 Ave. (305) 606-5392.

▪  David Castillo Gallery. Obras de Sanford Biggers, Rafael Ferrer, Kate Gilmore y otros. 2234 NW 2 Ave., (305) 573-8110.

▪  Diana Lowenstein Fine Arts. Alex Trimino, Tales from a Sun-Drenched Elsewhere. 2043 N Miami Ave. (305) 576-1805.

▪  Dina Mitrani Gallery. Freshly Squeezed, colectiva. Rafael Díaz, Anonymous. 2620 NW 2 Ave., Wynwood. (786) 486-7248.

▪  Dorsch Gallery. Cara Despain, Cast Set y Michael Jones McKean, We Float Above to Spit and Sing. 151 NW 24 St. (305) 576-1278.

▪  DOT Fiftyone Gallery. Marcos Castro, Necessary Objects. 51 NW 36 St., Design District. (305) 573-9994.

▪  Durban Segnini Gallery. Diálogo Tridimensional, esculturas de Pablo Atchugarry, Agustin Cardenas y Ramirez Villamizar. 3072 SW 38 Ave., (305) 774-7740.

▪  Eleazar Delgado Studio. Obras de Eleazar Delgado. 2703 NW 2 Ave., Wynwood Art District. (305) 303-8852.

▪  Etra Fine Art. Obras de Christian Awe, Mario Vélez y otros. 50 NE 40 St., Miami Design District. (305) 438-4383.

▪  Eurosuites. BeArt Series, The Vessel, con obras de Alicia Torres, Linda Morales, Luzma Ramírez y otros. 1750 NW 107 Ave.

▪  Fache Arts + Amy Alonso Gallery. Obras de Carla Fache, Amos Miller y otros. 750 NE 124 St., Suite 2, Moca Plaza. North Miami. (305) 975-6933.

▪  Farside Gallery. Ana Olema y Annelys PM Casanova, Memory of War. Abierta solo con cita previa al (305) 264-3355. 1305 SW Galloway Rd. (87 Ave).

▪  Gallery Diet. Night Tide, colectiva. 174 NW 23 St., (305) 571-2288.

▪  Gallery 212 Miami. Pintura, escultura, fotografía, video, film y otras manifestaciones de arte. 2407 NW 2 Ave., Wynwood Art District. (786) 431-1957.

▪  Gallery I/D. Obras de Sasha Bezzubov, Baldomero Fernández y otros. 2531 NW 2 Ave., Wynwood Art District. (305) 753-2881.

▪  Gary Nader Fine Art Gallery. Wifredo Lam and the Great Cubans. Obras de los maestros del arte moderno y contemporáneo latinoamericanos. 62 NE 27 St. (305) 576-0256.

▪  General Audience. Luis García-Nerey, Function + Will. 769 NE 125 St., North Miami. (786) 467-0941.

▪  Gloria Lorenzo Art Studio. Pinturas y esculturas de Gloria Lorenzo. 4760 SW 72 Ave. (786) 282-6222.

▪  Gregg Sheinbaum Fine Art. Obras de Mel Ramos, Roy Lichtenstein, Tom Wesselmann y otros. 2239 NW 2 Ave.

▪  H Benítez Fine Art Gallery. Obras recientes de Humberto Benítez. 305 Alcázar Ave., Suite 4. Coral Gables. (786) 877-1045.

▪  Harrisart Studio Gallery. Wall 2 Wall Women, colectiva. 4432 SW 74 Ave., Bird Rd Art District.

▪  H Benítez Fine Art Gallery II. Abstracts, pinturas de Julio Bordas y Holly A. Jones, y fotografías de Roxy Sora. 4277 SW 75 Ave. (786) 877-1045.

▪  Hernán Miranda Fine Art. Exhibición de obras de Hernán Miranda. 5325 SW 8 St. (305) 441-0204.

▪  House of Art. Obras de Jason Henthorne, Clecio Lira, Henrique Souza y otros. 415 NW 26 St., Wynwood.

▪  Ideobox Art Space. Obras de Aldo Chaparro, Waldo Balart y otros. 2417 N Miami Ave. (305) 576-9878.

▪  Jorge M Sori Fine Arts. Obras de Amelia Peláez, Fidelio Ponce, Tomás Sánchez y otros. 2970 Ponce de Leon Blvd. (305) 567-3151.

▪  Juan Ruiz Gallery. My World Keeps Falling, Ltd. Edition Art Boxes (de Ruben Torres Llorca y Rogelio Lopez, en colaboración con Adrian Lopez y The Similar Prisoners) y Short Story, colectiva. Hasta el 20 de septiembre. 301 NW 28 St. (786) 310-7490.

▪  KaBe Contemporary. En blanco y negro, colectiva. 123 NW 23 St. (305) 573-8142.

▪  Kavachnina Contemporary. Colectiva, con obras de Esteban Leyva, Angela Lergo y otros. 46 NW 36 St., Wynwood Art District. (305) 448-2060.

▪  Kelley Roy. Obras de Mira Lehr, Pablo Cano y otros. 50 NE 29 St., Wynwood. (305) 447-3888.

▪  Kontempo Art. Colectiva. 1646 SW 8 St. (786) 214-1210.

▪  Latin Art Core Gallery. Rubén Alpízar, My Ark y obras de Cundo Bermúdez, Mariano Rodríguez, René Portocarrero, Víctor Manuel, Wifredo Lam, Tomás Sánchez, Salvador Corratgé y otros. 1646 SW 8 St., Pequeña Habana. (305) 989-9085.

▪  Lawrence Savage Galleries. The Art of Making Art in Stone: The Stone Canvas, de Patrice Bretreau, Romero Britto y otros. 4217 Ponce de León Blvd., Coral Gables. (305) 460-4441.

▪  Leonor Murciano Fine Art Gallery. Felicidad y añoranza de Murciano (colecciones variadas). Bird Road Art District. Shops at Lake Shore Park. 7259 SW 48 St. (305) 668-5556.

▪  Lilienthal Art Studios. Instalaciones y pinturas de Ilana Lilienthal. 96 NW 29 St., Design District. (305) 573-2002.

▪  LMNT Gallery. Colectiva (arte contemporáneo y multimedia). 59 NW 36 St., Wynwood Art District. (305) 573-2002.

▪  Locust Projects. Locust Arts Builders (LAB). Hasta el 12 septiembre, 3852 N Miami Ave. (305) 576-8570.

▪  Luis Miguel Art Gallery. Obras de Luis M. Rodríguez. 7255 SW 48 St. (786) 200-9009.

▪  Lyle O. Reitzel Gallery. Concierto único. 2441 NW 2 Ave., Wynwood Art District. (305) 573-1333.

▪  Maxoly Latin Art Core. Cuban Masters y Contemporary artists. 1600 SW 8 St. (305) 631-0025.

▪  Mia Galleries/Miami Airport. La sirena, A Call for Transformation, con obras de Ray Azcuy, Pablo Cano, Duval-Carrié y otros (Central Terminal). Silver Springs, fotos de Bruce Mozert debajo del agua (North Terminal, Cerca de la puerta D31). MIA Flower Fence, de Roberto Juárez (Sky Train, Sation 1). Karen Rifas, A Delicate Balance (South Terminal, Club J). Fake Holidays (Concourse F 3er piso). (305) 876-0749.

▪  Miami Hispanic Cultural Center. International Ballet Festival: obras de Tatiana Riquelme sobre el tema de la danza. Hasta el 27 de septiembre. 111 SW 5 Ave. (305) 549-7711.

▪  Mildrey Guillot Art Gallery. The Poetry of Colors, de Guillot. 1654 SW 8 St. (305) 642-6122.

▪  Molina Gallery. Obras de Luis Molina. 1634 SW 8 St. (305) 642-0444.

▪  Nahila Campos Art Studio. Obras de Nahila Campos, Florencia Godward, Begoña González y Carmen Massiani. 250 NW 23 St., Suite 308, Wyndwood.

▪  New Professions Technical Institute. 4000 W Flagler St. (305) 461-2223.

▪  Nina Torres Fine Art. Muestra de la Pléstica Cubana. 1800 N Bayshore Dr. (305) 395-3599.

▪  Now Contemporary Art. Obras de Augusto Esquivel, Carolina Ponte y otros. 175 NW 25 St., Wynwood. (305) 571-8181.

▪  O. Ascanio Gallery. Obras de Jorge Blanco, Carlos Cabeza, Anrika Rupp y otros. 2600 NW 2 Ave. Wynwood Arts District. (305) 571-9036.

▪  Once Arts Gallery. Colectiva. 170 NW 24 St., Wynwood. (786) 333-8404.

▪  Oñate Fine Art. Obras de Gustavo Acosta, José Bedia y otros. 4365 SW 72 Ave. (305) 667-6942.

▪  Oxenberg Gallery. Exhibición de verano, Refresh Miami. 153 NW 24 St. (Emerson Dorsch Building), Wynwood Art District. (305) 854-7104.

▪  Pan American Art Projects. Hot off the Press. 2450 NW 2 Ave. (305) 573-2400.

▪  Paredes Fine Art Gallery. Obras de Miguel Paredes. 2311 NW 2 Ave. (305) 219-6688.

▪  PSH Projects Miami. Colectiva, con obras de Alberto Vejarano, Gladys Triana y otros. 72 NW 25 St., (305) 576-1646.

▪  Rimonim Art Gallery. Obras de Omar Arraez, Vicky Barranguet, Boun y otros. 7500 NE 4 Ct., Suite 103. (786) 529-8833.

▪  Robert Fontaine Gallery. Colectiva, con obras de David Cooley, Nick Gentry y otros. 2349 NW 2 Ave., Wynwood Arts District. (305) 397-8530.

▪  Rodez Art. Serie Afrocaribeña, serie Elementos y Valores y otras. Permanente. Coconut Grove Gallery Walk. CocoWalk, 3015 Grand Ave., Suite 237, Coconut Grove. (786) 467-7111. rodezart.com

▪  Sacasas Fine Art. Obras de Gilda Sacasas. 2910 Ponce de Leon Blvd. (305) 447-1740.

▪  Sammer Gallery. Colectiva, con obras de Romulo Aguerre, Julio Alpuy y otros. 125 NW 23 St.

▪  Sherbondy Village Arts & Cultural Center. Feria de artes visuales de Cultural Souls. Hasta el 24 de agosto. 215 N Perviz Ave. (754) 800-7380.

▪  Silvana Facchini Gallery. Liliam Dominguez, Photology From The Persistence of Perceptive Memory y Tony Fernandez, Boys From Chicago. 1929 NW 1 Ave., Wynwood Art District. (305) 576-4454.

▪  6th Street Container Alternative Art Space. 38th Street NYC. 1155 (rear) SW 6 St., Pequeña Habana.

▪  Spinello Projects. Colectiva, con obras de Antonia Wright, Farley Aguilar y otros. 2930 NW 7 Ave., Wynwood Art District. (786) 271-4223.

▪  Swampspace. Jenna Balfe, Nature Links. 150 NE 42 St., Design District. (305) 903-8988.

▪  The Americas Collection. Graphics & Sculptures, del artista y poeta Ernesto Cardenal. 4213 Ponce de Leon Blvd., Coral Gables. (305) 446-5578.

▪  The LAB Miami. Obras de Ulises Baine, Gabi Bello y otros. 400 NW 3 St.

▪  The Lunch Box Gallery. Obras de Rodolfo Vanmarcke, M-Lon y otros. 310 NW 24 St. (305) 407-8131.

▪  Tub Gallery. Removal Identity, colectiva. 171 NW 23 St.

▪  101/Exhibit. Colectiva. Por cita. 323 NE 59 Terr. (305) 573-2101.

▪  Unzueta Gallery. Obras de Ramón Unzueta. 1607 SW 8 St. (305) 788-5250.

▪  Waltman/Ortega Fine Art. Toma Jankowski, élan ctrl. 2233 NW 2 Ave. (305) 576-5335.

▪  White’s Art Gallery. Armando Villalon, Burgeoning Hope. 7428 SW 42 St., Bird Rd. Art Disctrict. (786) 406-0650.

▪  World Erotic Art Museum. Rembrandt’s Erotic Secrets. Permanente. 1205 Washington Ave. (305) 532-9336.

▪  Wynwood Art Group. Colectiva: Hamilton Aguiar, Fernanda Frangetto y Carmen Gusmão. 446 NW 28 St.

▪  Zadok Gallery. Lucas Davidson, Agitations. 2534 N Miami Ave. (305) 438-3737.

Museos

▪  Bass Museum of Art. tc: temporary contemporary; Egyptian Gallery (Kaiser & Kosh Family Gallery); Gravity and Grace, obras de El Anatsui; Vanitas, Fashion and Art. Art History Lab. 2121 Park Ave., Miami Beach. (305) 673-7530.

▪  De la Cruz Collection Contemporary Art Space. Looking at Process: 2014 Exhibition. Todo el año. En el Project Room: Hernan Bas y Kaye Donachie, Portraits of Solitude. Horario: de martes a sábado, 10 a.m. a 4 p.m. y por cita. Entrada gratuita. 23 NE 41 St. (305) 576-6112.

▪  Frost Art Museum/FIU. Deep Blue, de Javier Velasco. Leonel Matheu, Crossroads of the Dystopia. Hasta el 14 de septiembre. New World Tour Exhibition de Simon Mas, Heart • Water • Ink. The Kenan-Flagler Family Discovery Gallery. Arturo Rodríguez: The School of Night. 10975 SW 17 St., University Park Campus. (305) 348-2890.

▪  Jewish Museum of Florida. Mosaic: Jewish Life in Florida. Graphic Growers, Grocers & Gefilte Fish. Mosaic: Jewish Life in Florida. Cinema Judaica: The War Years, 1939-1949. Hasta el 24 de agosto. 301 Washington Ave., Miami Beach.

▪  Lowe Art Museum / UM. ArtLab @ The Lowe-Conquest and Coexistence: The Cultural Synthesis of Spanish Colonial Art. China’s Last Empire: The Art and Culture of the Qing Dynasty. 1301 Stanford Dr., Coral Gables. (305) 284-3535.

▪  Museum of History Miami. Tropical Dreams: A People’s History of South Florida. Permanente. American Sabor: Latinos in U.S. Popular Music. 101 W Flagler St., Miami. (305) 375-1492.

▪  Perez Art Museum. LOS JAICHACKERS: Night Shade / Solanaceae. sigue. Edouard Duval-Carrié: Imagined Landscapes. Hasta el 31 de agosto. Adlier Guerrier: Formulating a Plot. Machine Project in Miami. Caribbean: Crossroads of the World. Project Gallery: Monika Sosnowska. Leonor Antunes. En el Jardín de Esculturas: Jedd Novatt, Chaos Bizkaia & Chaos SAS.Entrada gratuita, segundos sábados del mes, 1 a 4 p.m. 101 W Flagler St. Downtown.

▪  The Coral Gables Museum. Creating the Dream: George Merrick and His Vision for Coral Gables; Coral Gables Sister Cities: Partners in Peace. Urbanism: Perceived and Interpreted. 12 Stadiums, 12 Cities: Brazil 2014 World Soccer Destination. Hasta el 14 de septiembre. 285 Aragon Ave., Coral Gables. (305) 910-3996.

▪  The Museum of the Americas. Colección permanente (José María Mijares, Leonardo Nierman y otros). 2500 NW 79 Ave., Suite 104, Doral. (305) 599-8089.

▪  The Wolfsonian/FIU. Art and Design in the Modern Age: Selections from the Wolfsonian Collection. Cleaner, Healthier, Easier: Improving the Modern Home. I Have Seen the Future: Norman Bel Geddes Designs America. Los viernes, de 6 a 9 p.m., la entrada al museo es gratis. 1001 Washington Ave., Miami Beach. (305) 531-1001.

Música y Danza

▪  Colony Theatre. Miami Lyric Opera: Concierto de Gala. Sábado 13, 8 p.m. y domingo 14, 4 p.m. www.ticketmaster.com o 1-800-745-3000. 1040 Lincoln Rd, Miami Beach.

▪  Centro Cultural Español. Microteatro: Prime Time (6 obras). De jueves a sábado, 8 a 11 p.m.; domingos, 7 a 10 p.m. / Golfa. Viernes y sábados, 11 p.m. a 1:30 a.m. Desde el 23 de enero. / 1490 Biscayne Blvd. (305) 448-9677.

▪  Havanafama Theatrical Company. II Festival de la Comedia de Havanafama 2014: ¿Dónde metemos al muerto?, de Julie De Grandy; dirigida por Juan Roca. Viernes y sábados, 8:30 p.m. 752 SW 10 Ave. (786) 319-1716.

▪  La Casa del TÉatro. 1er Festival Internacional de la Escena Gay. Viernes y sábado, 8:30 p.m. 752 SW 10 Ave. (786) 286-4400.

▪  Teatro Bellas Artes. Un balsero en París 2: Volare, dirigida por Jesús Rafael, con Marlem, Bárbaro de Jesús, Mayle Cuadra, Berna, Martha López Casañas. Viernes, 8:30 p.m.; sábados, sabados 8 p.m.; domingos, 2 p.m. (305) 517-3177. 2173 SW 8 St.

▪  Teatro 8. Cien veces no debo, de Ricardo Talesnick. Domingo 14, 7 p.m. 2101 SW 8 St.

▪  Teatro Trail. Catarsis: Oficialmente gay, escrita y dirigida por Alexis Valdés. Viernes y sábados, 8 p.m.; domingos, 5 p.m. / Catarsis: El Club del Humor, con dirección y presentación de Saulo García. Jueves, 8:30 p.m. 3715 SW 8 St., Coral Gables, 1-888-583-2876.

Conferencias

▪  Bakehouse Art Complex. Open Figure Drawing, con modelo. Primer y tercer domingo del mes, 3-5 p.m. 561 NW 32 St. (305) 576-2828. www.bacfl.org.

▪  Miami Hispanic Cultural Art Center. Sandra García en Viernes de Tertulia, presentado por Luis de la Paz. Viernes 19, 8:30 p.m., en el 111 SW 5 Ave.

GAC ACRYLIC SPECIALTY POLYMERS

Por
Editorial
-

GAC 100 (Product #3910)
GAC 200 (Product #3920)
GAC 400 (Product #3940)
GAC 500 (Product #3950)
GAC 700 (Product #3970)
GAC 800 (Product #3980)
GAC 900 (Product #3990)

PRODUCT DESCRIPTION

GACs can be blended with GOLDEN Acrylic Paints to extend the paint, regulate transparency, create glazes, increase gloss, reduce viscosity or improve adhesion and film integrity. The GAC polymers can also be used for binding pigment solids for various effects and surfaces. Unlike the other GOLDEN Mediums and Gels, GAC Acrylic Polymers have only a minimum amount of thickeners, levelers, defoamers and surfactants to ensure good film formation.

The consistency of the GAC polymers is very fluid, and thinner than other GOLDEN Mediums. GOLDEN Fluid Acrylics are slightly thicker than the GACs, but will be the color line least changed in viscosity with any addition of a GAC polymer.

Each GAC product represents a unique polymer that offers certain specific attributes. Therefore, each GAC will have its own unique benefits and applications. Refer to the individual product description of each GAC (below) to find the proper medium to use for a particular application.

PRODUCT APPLICATION

Mixing

GAC polymers should be gently stirred or rocked back and forth prior to use, but should never be shaken, as this will incorporate significant amounts of foam which will be very difficult to eliminate. Foam can severely affect the transparency of the film causing an apparent foggy or hazy quality. When applying with a brush, use minimal agitation and force, and do not overwork, as this too will result in foaming.

Spraying

If spray application is desired, blend with GOLDEN Airbrush Medium. Start at 2 parts GAC Medium to 1 part GOLDEN Airbrush Medium. When faster drying is required, replace the Airbrush Medium with GOLDEN High Flow Medium.

Varnishing

The GAC polymers are intended for use as binders, modifiers or additives for acrylic paints. They are not intended for use as a final varnish. Golden Artist Colors manufactures two different varnish systems, Polymer Varnish and Mineral Spirit Acrylic (MSA) Varnish (See the GOLDEN Varnish Information Sheets for more details).

ADDITIONAL INFORMATION

Support Induced Discoloration:

Common supports (e.g. cotton canvas, linen, masonite) contain water-extractable materials that can cause discoloration in transparent glazes. To minimize Support Induced Discoloration (S.I.D.), prime support with 2 coats of GOLDEN GAC 100.

Replacing Rabbitskin Glue:

Traditionally, rabbitskin glue (also known as hide glue) was used to reduce the flexibility of canvas before painting. Although the rabbitskin glue does reduce flexibility, it is extremely brittle. It is hygroscopic, which means that it will always be water-soluble. Even when the glue is completely dry, high humidity will re-introduce water into the film, causing it to soften or swell up. Over time, this constant swelling and drying of the film can cause severe paint-film cracking and delamination.

GAC 400 can be used in a similar fashion for stiffening canvas. Apply directly to the front of the raw canvas for maximum stiffness. It is imperative that it be applied directly to the raw canvas. It is ineffective over any other medium, and most likely will flake off and cause delamination of subsequent paint layers. Since GAC 400 is not effective against oil penetration, the use of GAC 100 over GAC 400 is recommended for oil painters

Note: Since GAC 400 is brittle, it is important that it not be rolled tightly, or bent back upon itself. This will cause cracking of the polymer film and may transfer cracks into additional paint layers. This is especially a risk with cured oil paints.

Linseed Oil Blocker:

Two coats of GAC 100 before gessoing will substantially reduce linseed oil penetration into the canvas fibers. If stiffness and oil-blocking are desired, apply a coat of GAC 400 to the front, directly into the raw canvas, followed by one coat of GAC 100 onto the front of the canvas. Follow this by the desired number of gesso coats.

GAC POLYMER INDIVIDUAL PRODUCT DESCRIPTIONS

Use the below descriptions to decide which attributes are best-suited for a particular application:

GAC 100: Universal Acrylic Polymer / S.I.D. Blocker / Most Flexible GAC Polymer.

  • This polymer is one of the most universal used in paint manufacturing. Artists who had used “Rhoplex” (a registered trade name) will find that this GAC most closely reflects the properties to which they were accustomed.
  • The most flexible with a moderate level of tack and gloss.
  • Useful for diluting and extending colors, especially when film flexibility and integrity are important characteristics.
  • Wets pigment surfaces well. The most ideal for artists formulating their own paints.

GAC 200: Increases Film Hardness of Acrylic Paints / Increased Non-porous Surface Adhesion.

  • The hardest and least flexible of any Golden Acrylic product. Caution is advised when using this product alone.
  • Used in its pure form, it is limited to applications on rigid supports, as its lack of flexibility may lead to cracking when flexed. When used alone it needs to be applied and left to dry at a minimum temperature of 70F / 21°C.
  • Ideal as an additive to acrylic paints to increase film hardness and reduce dry film tack.
  • Improves adhesion to non-porous surfaces; however some surfaces, such as glass and glazed tile, will not allow for a permanent bond
  • Dries with high gloss and excellent film clarity.
  • Promotes cleaner edges of hard-edge techniques. The harder paint film has less “pull” as the masking tape is removed.

GAC 400: Fabric Stiffener / Rabbitskin Glue Alternative.

  • Dries to a very hard and stiff film.
  • Most useful for priming fabrics (cotton, linen, silk, etc.) when stiffness is desired.
  • Used as a rabbitskin glue alternative when applied directly to raw canvas or linen.
  • Allows sculpting and shaping of draped fabrics.
  • Note: Optional heat settingwill decrease water sensitivity butalso releases low levels of formaldehyde; therefore if choosing to heat setit is recommended that adequate ventilation be provided.

GAC 500: Self Leveling Applications / Hard Yet Flexible / Best Isolation Coat Medium for Spray-Application.

  • Unique balance of film hardness and flexibility.
  • Mix 2 parts GAC 500 to 1 part High Flow Medium to produce a good spraying, fast-drying isolation coat.
  • Beneficial as an additive for acrylic paints for increasing mar resistance and decreasing dry film tack, without disturbing the balance between hardness and flexibility.
  • Useful when working on flexible or rigid supports.
  • Offers a self leveling working quality.
  • Dries to high gloss film with good clarity/transparency.
  • Useful to hard-edge painters to seal masking tape for cleaner edges. Apply over masking tape. Let dry before applying additional paint layer.

GAC 700: Increases Film Clarity.

  • Dries to a clear, high gloss film, with moderate hardness and exceptional transparency.
  • Offers reduced shrinkage upon drying.
  • Note: This emulsion has a tendency to generate foam during application. Exercise care while brushing.

GAC 800: Reduced Crazing of Dried Films / Best for Direct Pouring.

  • Most useful as an additive for acrylic paints when pours/puddles are desired. Most acrylics will craze, which is the formation of valleys that run through a pour/puddle nullifying the uniformity of the film. Such crazing is the result of shrinkage forces exerted during the drying process. GAC 800 stands alone in its resistance to such film discontinuity.
  • Dries with good gloss and film flexibility, but with a slight “hazy” quality.
  • Useful as a modifier when adhesion to chalky surfaces is desired.

GAC 900: Increases Launderability of Acrylic Paint.

  • Designed to be used as a modifier for acrylic paints for painting on clothing. See the GOLDEN Acrylics on Fabric Application Information Sheet for more extensive information.
  • Offers a soft, pliable feel and when properly heat-set, provides excellent laundering stability.
  • Blend with GOLDEN Heavy Body, Matte or Fluid Acrylics for brush or screen application.
  • Mix with GOLDEN High Flow Acrylicsfor “Tie-Dye” effects.
  • Note: The heat-setting process will release low levels of formaldehyde; therefore it is recommended that adequate ventilation be provided.

GOLDEN Acrylics on Fabric Application Information Sheet 

GOLDEN ACRYLICS ON FABRIC

Applications. Use the information below to select the proper paint system for your desired application method.

APPLICATION DESCRIPTION

The four lines of GOLDEN Acrylics of interest to fabric artists include: High Flow, Fluid Acrylics, Heavy Body, and Matte Colors. The main difference between each of these lines of acrylic colors is viscosity (thickness) or consistency. High Flow Acrylic Colors are the thinnest and are ready to spray. Fluid Colors are similar in consistency to a heavy cream. Heavy Body and Matte Acrylics are thick, with a buttery consistency. These various acrylic paint lines, each using the same lightfast pigments, allow the artist to combine the effects of spraying, staining, brushing and other application techniques.

TECHNIQUES FOR FABRIC PAINTING

Hand Brushing

GOLDEN Heavy Body (including Iridescent and Interference Colors), Matte, Fluorescent, and Fluid Acrylics are appropriate for hand brushing techniques and heat-setting is not required. To provide a softer hand1, which also prevents cracking in thicker passages, blend 1:1 with GAC 900 or GOLDEN Silk-screen Fabric Gel (for thicker paint applications). The GAC 900 and the Silk-screen Fabric Gel contain a special polymer additive that is designed to impart a softer hand, while offering excellent launderability 2 when properly heat-set (see directions below)

Airbrushing/Spraying

For best results, blend GOLDEN Fluid Acrylics with GOLDEN Airbrush Medium. Start with a 1:1 mixing ratio, and increase amount of GOLDEN Airbrush Medium as desired to increase sprayability and/or transparency. When artwork is complete, spray a thin coat of GAC900 for least color loss. Airbrush Medium can also be substituted with GAC900 if a softer hand is desired (follow heat-set directions below). GAC900 is thin enough to help with making the Fluid Acrylics sprayable much like the Airbrush Medium. For durability and washability in a spray application, these are the recommended systems, and will perform significantly better than GOLDEN High Flow Acrylics alone.

GOLDEN Fluids blended with GOLDEN Airbrush Medium do not require heat-setting for launderability, yet equal the performance of fabric paints that do. If an artist already possesses Fluid Acrylics for canvas painting, it is not necessary to purchase fabric paints in order to do fabric painting; they just need to get GAC900. Allow for garments to cure for at least 4 days prior to washing (Note: heat-setting will speed the curing time required and should increase the launderability).

GOLDEN Heavy Body, Matte, Iridescent, Interference and Fluorescent Colors can also be sprayed onto fabric; however, their thicker viscosities warrant more dilution with GOLDEN Airbrush Medium which yields weak, transparent coverage.

Although not recommended for fabric use, GOLDEN High Flow Acrylics may be blended 1:1 or more with the GAC900 to aid in washfastness (properly heat-set according to directions listed below). This blend, although better than GOLDEN High Flow Acrylics alone, is still not equal to the launderability performance of the Fluid Acrylics/Airbrush Medium mixture.

Areas containing soft spray applications such as gradated areas, shading, and any skylines should be sprayed with a light coat of GAC 900 to increase launderability.

Tie-Dye/Staining

The viscosity of GOLDEN High Flow Acrylics is ideal for tie-dye and staining applications. Pre-wetting the fabric with water and using the GOLDEN High Flow Acrylics in place of fiber-reactive dyes creates brilliant patterns. Adding GOLDEN Acrylic Flow Release can also help the paint penetrate into the fabric (follow directions on label). To increase the launderability, blend the GOLDEN High Flow Acrylics 1:1 with GAC900. After applying the paint to the fabric, wait for it to be completely dry before heat-setting or washing. This will maximize the amount of color that “sets” 3 into the fabric. If GAC900 is blended with the acrylic paints, follow the directions for heat-setting below. GOLDEN Fluid Acrylics may also be used for this technique, but will require the addition of water to thin to the proper viscosity, along with the GAC900 to increase the launderability.

Silk-Screening

GOLDEN Heavy Body, Matte, Fluorescent, or Fluid Colors blended 1:1 with GAC900 or Silk-Screen Fabric Gel produce silk-screen inks with excellent durability on fabric. The mixture used is dependent on two factors: the material to be printed and personal preference of paint consistency. (Refer to GOLDEN Information Sheet on the Silk-Screen Fabric Gel for the most complete information on this technique).

If screening onto heavy, cotton material, a thinner mixture of Fluid Colors and GAC900 may be desired, as its thin consistency helps to penetrate into material. If printing on a polyester or synthetic material, a pastier mixture of Heavy Body Acrylics and Silk-Screen Fabric Gel will work better due to a lower tendency of the ink to “bleed” 4 into the material. Some experimentation is needed to find the system that is best suited for your work.

Mixtures (1:1) from Thickest Consistency to Thinnest
  • Heavy Body or Matte Acrylics/Silk-Screen Fabric Gel
  • Heavy Body or Matte Acrylics/GAC900
  • Fluid Acrylics/Silk-Screen Fabric Gel
  • Fluid Acrylics/GAC900​
  • High Flow Acrylics/GAC900

Both GAC900 and Silk-Screen Fabric Gel impart softness of hand, while offering excellent launderability. Proper heat-setting is required for both products (see below for heat-setting instructions).

RECOMMENDATIONS

Proper product selection, heat-setting, and care ensure long garment life.

Application of Large Areas or Long Lines

Filling in large areas with thick paint will produce a very stiff, uncomfortable garment. Blend color with GAC900/Silk-Screen Fabric Gel to reduce the stiffness of the acrylic paint. If painting in a thick manner, short strokes of paint will hold better than long lines. The longer the line, the greater the chance of cracking when washed. A washing machine”s agitator may stretch the garment beyond its limit and thus cause cracking.

Material Considerations

Test materials thoroughly before large production runs or when using a unique fabric.
The looser the weave of the fabric (cotton/poly blends), the better the penetration and hold the paint will have on the material.
Thicker fabrics (sweatshirt-type weaves) should be slightly stretched with a backer-board to allow for better penetration of the paint into the material.
To increase the adhesion onto any fabric a very light misting of water (e.g.-with a plant-mister) will increase the penetration into the material. Care should be taken with this technique, as over applying the water could result in bleeding of the color.

Heat-setting

The heat-setting process will release low levels of formaldehyde; therefore adequate ventilation is recommended when heat setting.

Fabrics treated with GAC900/Silk-Screen Fabric Gel-modified paints must be heat set if maximum launderability is necessary. Products conform to ASTM D4236. All GOLDEN products should be used in accordance with safe handling practices. Read product labels prior to use. The polymer must first air dry to the touch to form the initial bond with the fabric, followed by one of the heat-set methods listed below:

  • Heat Press according to press manufacturers’ recommendations.
  • Iron for 3-5 minutes with a medium-hot iron on the reverse side (side opposite of the application). On delicate fabrics where lower heat levels must be used, a longer ironing time will be necessary.
  • Professional Oven Cure for 2-3 minutes at 300F; 4 minutes at 250F.
  • Clothes dryer: Commercial: medium-high temperature for 20-40 minutes. Household: high temperature for 40-50 minutes.
Washing and Drying
  • Let paint dry thoroughly (at least 4 days) before washing.
  • Hand-washing will dramatically increase garment life.
  • Always turn garment inside-out for laundering.
  • Avoid hot water washing. This will tend to soften and loosen acrylic paint from the garment.
  • Cold water works best for automatic washing of the painted garment.
  • Heat-set when appropriate.
  • Set washer to gentle cycle.
  • Drip-drying instead of using the clothes dryer will increase the life of the garment.

SUMMARY

GOLDEN Artist Colors Acrylics are professional artist paints.

If properly prepared and cared for, GOLDEN Artist Colors Acrylics will produce a fabric artwork with good durability. GOLDEN Artist Colors Acrylics are produced with 100% Acrylic Polymer Emulsion. This produces a film with excellent flexibility, and chemical, water, and ultraviolet resistance. The milky emulsion dries transparent, allowing pigments to show their full color. All pigments in GOLDEN Acrylics are chosen for the greatest clarity and permanency within each chemical class. GOLDEN Acrylics dry quickly and may be painted over immediately yet complete drying/curing will take longer. Avoid freezing. Minimum film formation temperature is 48oF/9oC.

To thin, use water or GOLDEN Mediums. For slower drying, use GOLDEN Retarder. Do not mix with oils. Paint on any non-oily surface. Non-absorbent surfaces should be abraded for increased adhesion. Clean tools with soap and water. Keep tools wet during use.

DEFINITIONS

1Soft Hand – decrease in the hardness of the paint when dry, leaving a comfortable and breathable feel to the fabric.
2 Launderability – the ability for the fabric to be washed.
3Sets – after washing, it is the remaining color left in the fabric.
4Bleed – a halo effect around the brushstroke.

Quick Reference Chart for Choosing GOLDEN Acrylic Paints for Fabric Use.
GOLDEN Acrylics to use for FabricHand BrushingAirbrushing or SprayingTye-Dyeing of StainingSilk-Screening
High Flow Acrylics  */+ 
Fluid Acrylics*+**
Iridescent Acrylics****
Interference Acrylics****
Heavy Body Acrylics+* +
Fluorescent Acrylics****
Matte Acrylics** *
* Can be used for this technique
+ Best Recommendation for particular technique
Quick Reference Chart for Choosing Which GOLDEN Gel/Medium to Blend with GOLDEN Acrylics for Fabric Use.
GOLDEN Mediums to use for FabricHand BrushingAirbrushing or SprayingTye-Dyeing of StainingSilk-Screening
Airbrush Medium */+  
GAC 900+*+*
Silk-Screen Fabric Gel*  +
Acrylic Flow Release  */+ 
* Can be used for this technique
+ Best Recommendation for particular technique

Disclaimer

The above information is based on research and testing done by Golden Artist Colors, Inc., and is provided as a basis for understanding the potential uses of the products mentioned. Due to the numerous variables in methods, materials and conditions of producing art, Golden Artist Colors, Inc. cannot be sure the product will be right for you. Therefore, we urge product users to test each application to ensure all individual project requirements are met. While we believe the above information is accurate, WE MAKE NO EXPRESS OR IMPLIED WARRANTIES OF MERCHANTABILITY OR FITNESS FOR A PARTICULAR PURPOSE, and we shall in no event be liable for any damages (indirect, consequential, or otherwise) that may occur as a result of a product application.

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We’re the largest and oldest online retailer for handmade Oil Painting Portraits & Reproductions. With tens of thousands of satisfied customers in more than 120 countries we are the world’s largest supplier of Made-to-Order Oil Paintings! Our talented artists have created hundreds of thousands of paintings for art lovers around the world, as well as clients that include the Royal Family, major hotel chains, luxury cruise-liners, museums, interior design firms, the largest real estate developers, Hollywood production companies and many more. Why Choose 1st-Art-Gallery? Actually, the answer’s simple. If you want a hand-made reproduction of an amazing piece of art, or if you’re looking to turn a photograph into an original painting, 1st Art Gallery is the best, most affordable gallery around. Our painters are experienced, our turnaround time is quick and our prices are low. In fact, you’ll get a painting for what some of our competitors charge for a print. It Starts And Ends With Quality 5-star, 100% satisfaction guarantee! Free Worldwide shipping! In business for over 18 years! The #1 recommended source! The largest selection by a factor of 20! Creating a great piece of art requires time, resources, equipment and most of all, an exceptional artist. At the 1st Art Gallery, you’ll find a team of some of the finest reproduction artists in the world. Every day, they create works of art that measure up to the standards of the artists that originally painted them centuries ago. Using only the finest oil paints and canvases, our artists can create a 1st Art Gallery painting in 21 days. This investment in time and attention to detail make our paintings truly one of a kind.

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Now in our 18th year, we make it possible for everyone to own a museum-quality reproduction of any famous masterpiece and turn their photographs into beautifully crafted handmade portraits.

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  • 100% Satisfaction guarantee
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Constructionist Geometric Abstract Art
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Since 2006, Great BIG Canvas has been leading the industry in art and photography reprints and customizable art products. Great BIG Canvas offers décor solutions for both home and commercial settings, including corporate offices and retail spaces. As our name implies, we offer some of the largest art prints in the industry. Shoppers can view our constantly growing online collection of more than 750,000 images, which includes fine art photography, abstract art, and renowned masterpieces.

The Passion and Power of Art

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Mateo Manaure

Por
Editorial
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Mateo Manaure

Artists should identify connections that allow them to establish goals and develop their sensitivity, reaffirm their confidence, broaden their humanism, multiply their aspirations, and transform their hopes into reality. These beliefs will make them more conscious of the universe around them and simultaneously nurture thoughts of beautiful utopias that will stimulate their creative process, and their desire to express contemporaneity in a dignified context.

Born in 1926 in Uracoa, Estado Monegas, Mateo Manaure is considered one of the leading exponents of mid-century Venezuelan geometric abstraction. Trained academically at the Escuela de Artes Plásticas in Caracas, Manaure’s early work reflected a more traditional approach to artmaking focusing on such classical genres as nudes, still lifes, and landscapes. But 1947 marked a decisive moment, awarded the prestigious Premio Nacional de Bellas Artes, Manaure soon departed for Paris where his paintings experienced a dramatic transformation, initially gravitating towards abstract surrealism and eventually embarking on a brief but dynamic abstract geometric phase. And, while his production witnessed a number of stylistic permutations in the ensuing years alternating between figuration and abstraction, the period from 1952-56 left an indelible mark on the history of Venezuelan abstract and vanguard art practices.

Manaure’s Parisian period also coincided with his seminal involvement with Los Disidentes (The Dissidents), a coalition of Venezuelan artists (active from 1945-50) that also included -Jesús Rafael Soto, Narciso Debourg, Alejandro Otero, Pascual Navarro, Herminy Perán, Rubén Núñez, Nena Palacios, J.M. Guillermos Péres, Alirio Oramas, Luis Guevara Moreno, Aime Battistini, Armando Barrios, Omar Carreño (refer to lot 222), and Carlos Gonzáles Bogen. Through their journal of the same name and their accompanying radical manifesto No (1950), Los Disidentes championed a progressive vision, that eschewed the conservative academicism embodied by the Escuela de Artes Plásticas and the Escuela Paisajista in Caracas, and in its place advocated for experimentation and geometric abstraction.

Upon his return to Caracas in 1952, Manaure set out in earnest to put these ideas into practice and found an immediate affinity with the modernist project unfolding so indicative of that era’s unprecedented growth and development. The latter was most evident in the architectural and public art works designed by the legendary modernist architect Carlos Raúl Villanueva, whose Cuidad Universitaria, the main campus of the Central University of Venezuela, is considered a landmark of city planning and architecture. Villanueva commissioned Manaure to execute several murals, painted wood reliefs, and stained glass windows for Cuidad Universitaria all reflective of the young artist’s newly adapted aesthetic. By 1956, the year both of these works were painted, Manaure was a leading figure of the abstractionist movement, exhibiting abroad at the Venice Biennial and locally at the Museo de Bellas Artes. Composicin No. 1 (the present lot) and Untitled (refer to lot 56) eloquently underscore Manaure’s approach to geometric abstraction. Here, the artist disrupts the modernist grid through trapezoidal planes, fragmented or broken lines, and asymmetrical spaces that rather than accentuate the rectilinear or rigid infuse his compositions with a kinetic power and lyrical sensibility. The poetic nuances of Manaure’s work are further ignited in Composicin No. 1 through his exhaustive exploration of the chromatic possibilities of black that he strategically highlights with notes of red and white, imbuing this work with a sense of depth and tension. In contrast Untitled is an exercise in controlled exuberance through the use of vibrant planes of red, yellow, green and black that suggests Manaure’s desire to evoke a sense of the local or regional amid the universal. The optimism embodied by this radical period would soon dissipate, and while Manaure remained active including returning to abstraction, most notably in the 1970s with his iconic Columnas Policromadas, his brief production during the 1950s would prove to be one of his most enduring and paradigmatic, fully engaged with his contemporaneity and the utopian ideals so emblematic of that moment.

COLORES COMPLEMENTARIOS

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Editorial
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Los colores complementarios
Los colores complementarios

COLORES COMPLEMENTARIOS

Los colores complementarios son pares de colores que, cuando se combinan, se cancelan mutuamente. Esto significa que cuando se combinan, producen un color de escala de grises como blanco o negro. Cuando se colocan uno junto al otro, crean el contraste más fuerte para esos dos colores particulares. Debido a este impactante choque de colores, el término colores opuestos a menudo se considera más apropiado que los “colores complementarios”.

Qué pares de colores se consideran complementarios depende de la teoría del color que uno use:

La teoría moderna del color utiliza el modelo de color aditivo RGB o el modelo de color sustractivo CMY, y en estos, los pares complementarios son rojo-cian, verde-magenta y azul-amarillo.
En el modelo de color RYB tradicional, los pares de colores complementarios son rojo-verde, amarillo-violeta y azul-naranja.
La teoría del proceso del oponente sugiere que los pares de colores más contrastantes son rojo-verde y azul-amarillo.

En diferentes modelos de color

Modelo de color tradicional
En la rueda de color tradicional desarrollada en el siglo XVIII, utilizada por Claude Monet y Vincent van Gogh y otros pintores, y todavía utilizada por muchos artistas hoy en día, los colores primarios se consideraron rojo, amarillo y azul, y el primario-secundario los pares complementarios son rojo-verde (Navidad), azul-naranja (Westwood) y amarillo-violeta (Mesa Alta).

En la representación tradicional, un par de colores complementarios se compone de un color primario (amarillo, azul o rojo) y un color secundario (verde, morado o naranja). Por ejemplo, el amarillo es un color primario, y los pintores pueden hacer púrpura mezclando rojo y azul; entonces, cuando se mezclan pintura amarilla y violeta, los tres colores primarios están presentes. Dado que las pinturas funcionan al absorber la luz, tener las tres primarias juntas da como resultado un color negro o gris (ver color sustractivo). En manuales de pintura más recientes, los colores primarios sustractivos más precisos son magenta, cian y amarillo.

Los colores complementarios pueden crear algunos efectos ópticos llamativos. La sombra de un objeto parece contener algo del color complementario del objeto. Por ejemplo, la sombra de una manzana roja parecerá contener un poco de color azul verdoso. Este efecto a menudo es copiado por pintores que desean crear sombras más luminosas y realistas. Además, si miras fijamente un cuadrado de color durante un largo período de tiempo (treinta segundos a un minuto) y luego miras un papel o una pared blanca, verás brevemente una imagen residual del cuadrado en su color complementario.

Colocados uno al lado del otro como pequeños puntos, en una mezcla de colores partitiva, los colores complementarios aparecen en gris.

Colores producidos por la luz
El modelo de color RGB, inventado en el siglo XIX y completamente desarrollado en el siglo XX, usa combinaciones de luz roja, verde y azul sobre un fondo negro para hacer que los colores se vean en el monitor de una computadora o en la pantalla de televisión. En el modelo RGB, los colores primarios son rojo, verde y azul. Las combinaciones complementarias primaria-secundaria son rojo-cian, verde-magenta y azul-amarillo. En el modelo de color RGB, la luz de dos colores complementarios, como el rojo y el cian, combinados a plena intensidad, hará que la luz sea blanca, ya que dos colores complementarios contienen luz con todo el rango del espectro. Si la luz no es completamente intensa, la luz resultante será gris.

En algunos otros modelos de color, como el espacio de color HSV, los colores neutros (blanco, grises y negro) se encuentran a lo largo de un eje central. Los colores complementarios (como se define en HSV) se encuentran uno frente al otro en cualquier sección transversal horizontal. Por ejemplo, en el espacio de color CIE 1931, se puede mezclar un color de longitud de onda “dominante” con una cantidad de la longitud de onda complementaria para producir un color neutro (gris o blanco).

Impresión a color
La impresión en color, como la pintura, también utiliza colores sustractivos, pero los colores complementarios son diferentes de los utilizados en la pintura, porque enmascaran la luz. Como resultado, se aplica la misma lógica que a los colores producidos por la luz. La impresión en color utiliza el modelo de color CMYK, que crea colores mediante la sobreimpresión de tinta cian, magenta, amarilla y negra. Al imprimir, los colores complementarios más comunes son magenta-verde, amarillo-azul y cian-rojo. En términos de colores complementarios / opuestos, este modelo da exactamente el mismo resultado que usar el modelo RGB. Se agrega negro cuando es necesario para oscurecer los colores.

En teoría y arte
El efecto que los colores tienen sobre los demás se ha notado desde la antigüedad. En su ensayo Sobre los colores, Aristóteles observó que “cuando la luz cae sobre otro color, como resultado de esta nueva combinación, adquiere otro matiz de color”. Santo Tomás de Aquino había escrito que el púrpura se veía diferente al blanco que al negro, y que el oro parecía más llamativo contra el azul que contra el blanco; el arquitecto y escritor del Renacimiento italiano Leon Battista Alberti observó que había armonía (coniugatio en latín y amicizia en italiano) entre ciertos colores, como rojo-verde y rojo-azul; y Leonardo da Vinci observó que las mejores armonías eran aquellas entre colores exactamente opuestos (retto contrario), pero nadie tenía una explicación científica convincente de por qué eso fue así hasta el siglo XVIII.

En 1704, en su tratado sobre óptica, Isaac Newton ideó un círculo que mostraba un espectro de siete colores. En este trabajo y en un trabajo anterior en 1672, observó que ciertos colores alrededor del círculo se oponían entre sí y proporcionaban el mayor contraste; llamó rojo y azul, amarillo y violeta, y verde y “un púrpura cerca de escarlata”.

En las décadas siguientes, los científicos refinaron el círculo de colores de Newton, dándole finalmente doce colores: los tres colores primarios (amarillo, azul y rojo); tres colores secundarios (verde, morado y naranja), hechos combinando colores primarios; y seis colores adicionales, hechos combinando los colores primario y secundario.

En 1793, el científico británico nacido en Estados Unidos Benjamin Thompson, Count Rumford (1753-1814), acuñó el término colores complementarios. Mientras se hospedaba en una posada en Florencia, hizo un experimento con velas y sombras, y descubrió que la luz coloreada y la sombra proyectada por la luz tenían colores perfectamente contrastantes. Él escribió: “Para cada color, sin excepción, cualquiera que sea su matiz o sombra, o como sea que se componga, hay otro en perfecta armonía con él, que es su complemento, y puede decirse que es su compañero”. También señaló algunos de los beneficios prácticos de este descubrimiento. “Mediante experimentos de este tipo, que podrían hacerse fácilmente, las damas pueden elegir cintas para sus vestidos, o aquellos que proporcionan habitaciones pueden organizar sus colores sobre la base de la armonía más perfecta y del más puro sabor. Las ventajas que los pintores pueden derivar de el conocimiento de estos principios de la armonía de colores es demasiado obvio como para requerir una ilustración “.

A principios del siglo XIX, científicos y filósofos de toda Europa comenzaron a estudiar la naturaleza y la interacción de los colores. El poeta alemán Johann Wolfgang von Goethe presentó su propia teoría en 1810, afirmando que los dos colores primarios eran los que se encontraban en la mayor oposición entre sí, amarillo y azul, representando la luz y la oscuridad. Escribió que “el amarillo es una luz que ha sido humedecida por la oscuridad, el azul es una oscuridad debilitada por la luz”. Fuera de la oposición de azul y amarillo, a través de un proceso llamado “steigerung” o “augementation”, nació un tercer color, rojo. [Page needed] Goethe también propuso varios juegos de colores complementarios que se “exigían” mutuamente. Goethe, “amarillo” exige “violeta”; naranja [exige] azul; púrpura [demandas] verde; y viceversa “. Las ideas de Goethe eran muy personales y a menudo no estaban de acuerdo con otras investigaciones científicas, pero fueron muy populares e influyeron en algunos artistas importantes, incluido J.M.W. Turner.

Casi al mismo tiempo que Goethe publicaba su teoría, un físico, médico y egiptólogo británico, Thomas Young (1773-1829), demostró mediante experimentos que no era necesario utilizar todos los colores del espectro para crear luz blanca; podría hacerse combinando la luz de solo tres colores; rojo, verde y azul. Este descubrimiento fue la base de los colores aditivos y del modelo de color RGB. Mostró que era posible crear magenta combinando luz roja y azul; para crear amarillo mezclando luz roja y verde; y para crear cian, o azul-verde, mezclando verde y azul. También descubrió que era posible crear prácticamente cualquier otro color modificando la intensidad de estos colores. Este descubrimiento llevó al sistema utilizado hoy en día para crear colores en una computadora o pantalla de televisión. Young también fue el primero en proponer que la retina del ojo contenía fibras nerviosas que eran sensibles a tres colores diferentes. Esto prefiguró la comprensión moderna de la visión del color, en particular el descubrimiento de que el ojo tiene tres receptores de color que son sensibles a diferentes rangos de longitud de onda.

Casi al mismo tiempo que Young descubrió colores aditivos, otro científico británico, David Brewster (1781-1868), el inventor del caleidoscopio, propuso una teoría contradictoria de que los colores primarios verdaderos eran rojo, amarillo y azul, y que el verdadero los pares complementarios eran rojo-verde, azul-naranja y amarillo-púrpura. Entonces, un científico alemán, Hermann von Helmholtz, (1821-1894), resolvió el debate demostrando que los colores formados por la luz, los colores aditivos y los formados por pigmentos, colores sustractivos, de hecho operaban por reglas diferentes, y tenían diferentes patrones primarios. y colores complementarios.

Otros científicos observaron más de cerca el uso de colores complementarios. En 1828, el químico francés Eugene Chevreul, haciendo un estudio sobre la fabricación de tapices de Gobelin para hacer que los colores fueran más brillantes, demostró científicamente que “la disposición de los colores complementarios es superior a cualquier otra armonía de contrastes”. Su libro de 1839 sobre el tema, De la loi du contraste simultane des couleurs et de l’assortiment des objets colorés, que muestra cómo los colores complementarios se pueden utilizar en todo, desde textiles hasta jardines, fue ampliamente leído en Alemania, Francia e Inglaterra, y colores complementarios un concepto popular. El uso de colores complementarios fue más publicitado por el crítico de arte francés Charles Blanc en su libro Grammaire des arts et du dessin (1867) y más tarde por el teórico estadounidense del color Ogden Rood en su libro Modern Chromatics (1879). Estos libros fueron leídos con gran entusiasmo por pintores contemporáneos, particularmente Georges Seurat y Vincent van Gogh, que pusieron las teorías en práctica en sus pinturas.

En arte
En 1872, Claude Monet pintó Impresión, Amanecer, un diminuto sol naranja y una luz naranja reflejada en las nubes y el agua en el centro de un paisaje azul brumoso. Esta pintura, con su llamativo uso de los colores complementarios naranja y azul, dio su nombre al movimiento impresionista. Monet estaba familiarizado con la ciencia de los colores complementarios y los utilizó con entusiasmo. Él escribió en 1888, “el color tiene su impacto por los contrastes más que por sus cualidades inherentes … los colores primarios parecen más brillantes cuando están en contraste con sus colores complementarios”.

Naranja y azul se convirtieron en una combinación importante para todos los pintores impresionistas. Todos habían estudiado los libros recientes sobre la teoría del color, y saben que la naranja colocada junto al azul hizo que ambos colores fueran mucho más brillantes. Auguste Renoir pintó barcos con rayas de pintura naranja cromo directamente del tubo. Paul Cézanne usó naranja hecha de toques de amarillo, rojo y ocre sobre un fondo azul.

Vincent van Gogh fue especialmente conocido por usar esta técnica; creó sus propias naranjas con mezclas de amarillo, ocre y rojo, y las colocó junto a barras de siena rojo y verde botella, y debajo de un cielo azul turbulento y violeta. Él también puso una luna naranja y estrellas en un cielo azul cobalto. Le escribió a su hermano Theo “buscando oposiciones de azul con naranja, de rojo con verde, de amarillo con púrpura, buscando colores rotos y colores neutros para armonizar la brutalidad de los extremos, tratando de hacer que los colores sean intensos, y no una armonía de grises “.

Describiendo su pintura, The Night Café, a su hermano Theo en 1888, Van Gogh escribió: “Intenté expresar con rojo y verde las terribles pasiones humanas. La sala es de color rojo sangre y amarillo pálido, con una mesa de billar verde en el centro , y cuatro lámparas de amarillo limón, con rayos de naranja y verde. En todas partes es una batalla y antítesis de los más diferentes rojos y verdes “.

Afterimages
Cuando uno mira fijamente un solo color (rojo por ejemplo) durante un período prolongado (aproximadamente treinta segundos a un minuto), luego mira a una superficie blanca, aparecerá una imagen secundaria del color complementario (en este caso, cian). Este es uno de los varios efectos secundarios estudiados en la psicología de la percepción visual que generalmente se atribuyen a la fatiga en partes específicas del sistema visual.

En el caso anterior, los fotorreceptores de la luz roja en la retina están fatigados, lo que disminuye su capacidad para enviar la información al cerebro. Cuando se ve luz blanca, las porciones rojas de luz que inciden sobre el ojo no se transmiten tan eficientemente como las otras longitudes de onda (o colores), y el resultado es la ilusión de ver el color complementario ya que la imagen ahora está sesgada por la pérdida del color, en este caso rojo. A medida que los receptores tienen tiempo para descansar, la ilusión desaparece. En el caso de mirar la luz blanca, la luz roja aún incide sobre el ojo (además de azul y verde), sin embargo, dado que los receptores para otros colores claros también se están fatigando, el ojo alcanzará un equilibrio.

Aplicaciones prácticas
El uso de colores complementarios es un aspecto importante de arte y diseño gráfico estéticamente agradables. Esto también se extiende a otros campos, como colores contrastantes en logos y exhibidores minoristas. Cuando se colocan uno al lado del otro, los complementos se hacen más brillantes.

Los colores complementarios también tienen usos más prácticos. Debido a que el naranja y el azul son colores complementarios, las balsas salvavidas y chalecos salvavidas son tradicionalmente de color naranja, para proporcionar el mayor contraste y visibilidad cuando se ven desde barcos o aviones sobre el océano.

Las gafas rojas y cian se utilizan en el sistema Anaglyph 3D para producir imágenes en 3D en pantallas de computadora.

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