10 formas de desbloquear el poder creativo para crear mejor obras de arte.

Para todos los que hemos tomado como nuestra bandera a la Creatividad

¿Qué es el poder creativo?
Un hecho conocido sobre los humanos es que, si bien nuestro cerebro es increíblemente poderoso, las personas solo utilizan una fracción de su potencial. La razón por la que hacemos eso se debe a dos cosas:

Nuestro cerebro está constantemente bombardeado con información para mantenerse al día.
Y nuestra mente subconsciente.
De hecho, nuestro cerebro es capaz de almacenar grandes cantidades de información, pero nuestra mente delega esta tarea en nuestra mente subconsciente. Por ejemplo, toda la información que obtenemos de nuestros sentidos se traslada a nuestra mente subconsciente.

Por qué lo hace, nuevamente, nuestro cerebro explotaría si tuviera que revisar y procesar cada detalle por sí solo.

Pero al mismo tiempo, el funcionamiento actual de nuestro cerebro suele ser la gran barrera a la que se enfrentan las personas al desbloquear el poder de su mente. En esencia, acceder a nuestra mente subconsciente es usar el poder de nuestra mente y lo que es.

Una habilidad. Una definición simple es que la creatividad es la capacidad de imaginar o inventar algo nuevo. Como veremos en la obra de Betancourt más adelante, la creatividad no es la capacidad de crear de la nada, pero la
capacidad de generar nuevas ideas mediante la combinación, cambiar o volver a aplicar las ideas existentes.Algunas ideas creativas son sorprendentes y brillantes, mientras que otros son sólo, bueno, ideas prácticas simples que nadie parece haber pensado todavía. Lo creamos o no, todo el mundo tiene la capacidad creativa considerable. Basta con mirar cómo los niños son creativos.En los adultos, la creatividad con demasiada frecuencia ha sido suprimida mediante la
educación, pero todavía está allí y puede ser vuelto a despertar este es la parte de la propuesta de este libro. A menudo, todo lo que se necesita para ser creativo es
hacer un compromiso con la creatividad y tomar el tiempo para ello.
Una Actitud. La creatividad es también una actitud: la capacidad de aceptar el cambio y la novedad, la disposición a jugar con las ideas y posibilidades, una flexibilidad de perspectiva, el hábito de disfrutar del trabajo, mientras se busca la manera de mejorarlo. Estamos socializados para aceptar sólo un pequeño número de cosas permitidas o normales.

¿Cómo funciona tu poder creativo? Desbloquear el poder de nuestra creatividad se reduce a comprender cómo funciona nuestra mente subconsciente. Ya sea que busquemos ser creativos o exitosos en áreas de nuestra vida, necesitaremos la ayuda de nuestra mente subconsciente. Y para aprovechar eso, la mejor manera es ver nuestra mente subconsciente como un mono salvaje. La gente ha hecho esa comparación en el pasado y el argumento tiene sentido. [1] El mono salvaje es un animal que no se cansa fácilmente. Después de todo, se trata como la columna vertebral de nuestras mentes. Necesita tanta energía como sea posible. También nos trae información aleatoria. Es por eso que solo obtenemos información vital cuando la necesitamos. Pero el aspecto más importante es que nuestra mente subconsciente puede brindarnos muchas oportunidades para que tengamos éxito y crezcamos. Todo lo que necesitamos hacer es tener un propósito en mente.

10 formas de usar el poder creativo
Entonces, ¿qué podemos hacer para llevarnos bien con nuestro mono salvaje? ¿Cómo podemos desbloquear nuestro poder mental y tener más oportunidades y crecimiento?

Mi teoría es nutrir a este mono salvaje, pero también buscar otras tácticas para hacer crecer nuestra mentalidad.

Para aquellos que buscan desbloquear su poder mental, aquí hay algunas estrategias que les sugiero:

1. Sea consciente de lo que está metiendo en su cabeza El primer paso para desbloquear el poder de su mente es eliminar los pensamientos que tienen emociones negativas. Esto significa eliminar el diálogo interno negativo y dejar de lado el miedo. Este es un paso importante ya que estos destruyen su sistema de creencias actual. Si bien es posible que no sea alguien de fe, hay ciertas cosas en las que cree. ¿Qué crees de tu trabajo? Si lo encuentra aburrido, su mente creerá y le hará sentir y actuar sobre esas emociones. ¿Qué tal la relación que tienes con tus hijos, familiares, pareja o compañeros de trabajo? Esas creencias se filtrarán en cómo tratas a quienes te rodean. ¿Qué opinas de tu vida en general? Esa creencia influirá en cómo ve su vida. Esos son ejemplos, pero también se aplican a otros aspectos de la vida. Así que asegúrese de no albergar miedo ni de ver esos aspectos de forma negativa.

2. Trabaja en el deseo
Mientras que nuestra mente subconsciente actúa sobre la negatividad, también actuará sobre la positividad. En particular, se alimenta del deseo transmitido. Una vez más, el poder de nuestra mente debe tener un objetivo en mente y, si ese objetivo está alimentado por el deseo, nuestra mente lo impulsará.Lo sabemos porque lo hemos visto una y otra vez. Los emprendedores que triunfan, los atletas que se convierten en el número uno y muchas otras personas exitosas lo lograron gracias a un profundo deseo. 
Y lo mejor de todo es que podemos desbloquearlo a través de algunos métodos sencillos: 
-Cuando aprenda algo, dedique más tiempo a dejar que la información se asimile. Si es de una sesión de capacitación, extienda la sesión por sí mismo y siga practicando. 
-Configure su mente subconsciente para buscar oportunidades para utilizar la información para lograr sus objetivos. 
-No tenga miedo de explorar y ampliar sus habilidades también en esa área.
Trabajo
La creatividad es sinónimo de esfuerzo, dedicación, trabajo y valor para apartarse de lo ya establecido. Son muy contados los casos, en la literatura científica, de personas muy creativas que no lleven sus hombros cargados de
todos sus anhelos creativos, la entrega total de días y noches al problema objeto de estudio.
Olvidan que la creatividad no se consigue sin esforzarse y trabajar duro. A la larga esta labor rendirá sus frutos.
Visualizar el futuro 
El hombre y la mujer creativa siempre está visualizando el futuro, sin dejar de vivir el presente; en ocasiones a corto, mediano o largo plazo. Además tiene
proyectos para esas visualizaciones que a veces le llenan de vida sus años y también le permiten sobrepasar situaciones difíciles de la vida cotidiana, es decir, se convierten en el mejor medicamento autodesarrollador de su personalidad. Llenar de futuro nuestra vida es poblarla de sueños, proyectos e ideales a lograr, pero sobre todo de salud. Vivir una vida plena es no dejar que termine el día sin haber propiciado el crecimiento de un proyecto imposible, sin haber sido feliz al pensarlo, sin haber aumentado tus sueños al ver las multiples posibilidades de realizarlo, sin haber tenido el valor y coraje de comenzar a vivir y
luchar porque se realidad.
A partir de los alimentos imprimibles a los derechos de los robots, ciencia ficción y los hechos científicos son cada vez más difíciles de distinguir. Ambos comienzan con imágenes en el ojo de la mente. La visualización podría cambiar el futuro.
Imaginemos un momento en el futuro lleno de tecnologías "mágicas". Las granjas verticales, teletransporte de 3-D de alimentos imprimible, y la biotecnología avanzada erradicado el hambre en todo el mundo y la reversión de edad se ha convertido en posible, y la longevidad humana ha llegado a varios cientos de años. La automatización, la inteligencia artificial (IA), y la nueva era de los robots avanzados auto-replicantes han liberado a la humanidad de la idea
arcaica de trabajo. El "trabajo" palabra ha desaparecido del léxico humano.
Donde los seres humanos pasen su tiempo en la búsqueda de reinos superiores de la exploración artística, cognitivo y científica.
Imaginar un futuro en el que estamos bailando entre las estrellas. Esta futuro visualización que acabo de describir puede sonar a ciencia ficción para la mayoría de la gente, pero el hecho es, tecnólogos y científicos de todo el mundo en este momento están tratando de hacer estos futuros en una realidad.
Para algunos, la visualización que se ha descrito anteriormente puede sonar como una pesadilla distópica terrible, pero para otros, puede sonar como una verdadera utopía. Los gobiernos, filósofos y universidades debatirán estos escenarios durante años. El futuro comienza a formarse mediante la visualización de lo que queremos, lo que nos gusta, y lo que temer. Como dijo una vez el filósofo Alan Watts, "La tecnología es destructiva sólo en las manos de personas que no se dan cuenta de que son uno y el mismo proceso que el universo."
Hoy en día, la ciencia ficción y los hechos científicos son cada vez difíciles de distinguir. escritores de ciencia ficción casi juegan en el reino de la fantasía para estar por delante de nuestra ciencia actual. Cada nuevo título suena como una parodia o una broma de los inocentes. Entonces, ¿dónde surgen de estas futuras ideas? ¿Cuál es la conexión entre la visualización y el mundo material?
Podemos utilizar el poder de la visualización futuro de influir en nuestro futuro? ¿Por qué nos limitamos nuestra imaginación cuando ahora sabemos que laciencia ficción y la fantasía se están convirtiendo en realidades? El futuro se
construirá en la imaginación de la gente valiente que cree todo es posible. Me imagino que en un futuro próximo tendremos la posibilidad de grabar nuestras De la imaginación a la realidad en un abrir y cerrar de ojos. Este es el futuro.
Autoestima
La autoestima es vital para que se alcance la plena expresión de la creatividad. Es uno de los reguladores de la personalidad más importantes , pues involucra el valor o concepto acerca de uno mismo, lo que la persona piensa y
siente, y la imagen que tiene de sí misma. La autoestima está conformada por:
autoconocimiento, autoconcepto, autoevaluación, autoaceptación y autorrespeto.
Una buena autoestima implica vivir intensamente cada momento, además poseer entre sus valores la integridad, honestidad, responsabilidad, comprensión y compasión consigo misma. Cree en las cosas que piensa o hace. Cuando estamos ante la presencia de alguien así, nos irradia optimismo, deseos de realizar cosas y respeto por lo que hacemos.Cuando poseemos este tipo de autoestima al conocernos a nosotros mismos conocemos al otro, al aceptarnos, aceptamos a los demás, al apreciarse se puede valorar a los demás.

La autoestima alta o adecuada no es sinónimo de felicidad y éxito total, representa también momentos de infelicidad y de aprendizaje ante los fracasos; además, el reconocer sus propias limitaciones y convertirlas en fortalezas. Este
poder de la creatividad llamando autoestima tiene una serie de indicadores que se mencionan continuación:

-Conocer , respetar y expresar sus sentimientos permitiéndole a los demás expresarse con libertad.
-Apreciar y respetarse así mismo.
-Ser consciente de sus cambios adoptando y aceptando nuevos valores haciendo las innovaciones pertinentes.
-Recibir con satisfacción su trabajo , estudio o labor diaria ejecutándolo eficientemente y mejorando su desempeño.
-Autoevaluandose y evitando emitir juicios negativos sobre los demás.
-Ejecutar sus decisiones y disfrutar su éxito.
-Conocer y controlar sus respuestas.
-Reconocer sus errores y aprender de ellos.
-Maneja positivamente sus frustaciones y enojos, evitando respuestas hostiles que lastimen a los demás.
-Asumir sus responsabilidades y percibirlas como un vínculo de crecimiento.
-Fomentar con los demas relaciones sinceras y duraderas.
-Conocer sus derechos y obligaciones defendiéndolos y desarrollándolos.
-Experimentar una vida plena y de libertad, evita sentirse culpable y amenazar a los demás.
-Buscar actualizarse y aprender nuevas cosas para vivir de acuerdo con el presente.
-Estar orgulloso de sí mismo y de los demás.
-Confíar en sí mismo y en los demás.

3. Tenga las fuentes adecuadas 
Un bloqueo común al que se enfrenta la gente es la falta de conocimiento. 
A menudo, las personas saben que ciertas áreas son problemas en sus vidas, pero no saben por dónde empezar. 
O tal vez de dónde obtienen su información no es la mejor fuente. Cualquiera que sea el caso, es importante que busquemos el conocimiento adecuado y que lo desafiemos también. La gente se conforma con leer un solo libro, leer un artículo o asistir a un seminario. Pero, ¿es cierto ese contenido? 
El hecho de que una persona haya dicho algo no significa que sea automáticamente cierto. Como alguien que todavía está aprendiendo, es nuestro trabajo tomar la información al pie de la letra y resolverla. 
¿Ha ejecutado esa información en su mente? ¿Tiene sentido? ¿La información se aplica a su situación específica? ¿Puedes usarlo? ¿Lo has probado? 
Eso no quiere decir nunca buscar respuestas o rechazar todo, sino más bien sopesar la información y medirla.

4. Dese un impulso para aprender
Al alimentarse del punto anterior, su hambre de conocimiento y aprendizaje no debe ser pequeña. Pero no debería ser tan grande que solo esté aprendiendo y no solicitando.

Si bien es un acto de equilibrio, esta es una de las claves para desbloquear el poder de tu mente. Para hacerlo, considere cómo va a digerir la información:

Asegúrese de que lo que está leyendo sea algo que le apasione. 
No solo eso, sino que al aplicar esa información, encuentre razones para entusiasmarse con ella. Asegúrese de que lo que está haciendo lo inspire.

Poder de la creatividad: el conocimiento
La creatividad y el conocimiento son un matrimonio. El individuo creativo se aproxima al conocimiento como alimento para despegar. A los distintos poderes que pueden aparecer entre conocimiento y creatividad les dedicaremos un espacio
Las personas creativas quieren saber cosas - todo tipo de cosas- sólo para conocerlas. El conocimiento no requiere una razón. La pregunta: "¿Por qué quiere saber eso?" Parece extraño para la persona creativa, que es probable que
responda, "Porque yo no sé la respuesta." El conocimiento es agradable y útil a menudo lleno de situaciones sorprendentes, extrañas e inesperadas. Por ejemplo,
una vez que estaba intentando reparar mí teléfono móvil que se me había caído en la calle, sin éxito aparente, cuando un espectador, que pasaba me preguntó
intrigado: "¿Sabe usted lo que está haciendo?" Le respondí con calma: "No, eso es por lo que estoy haciendo."
A continuación, el conocimiento, y especialmente el amplio, es necesario para que la creatividad florezca en toda su plenitud. Mucha creatividad surge de las variaciones de lo conocido o combinaciones de dos o más ideas conocidas. Las mejores ideas surgen de una mente bien equipada. Nada puede
venir de la nada. Además las personas creativas quieren saber por qué. ¿Cuáles son las razones detrás de las decisiones, problemas, soluciones, acontecimientos,
hechos, y así sucesivamente? ¿Por qué así y no de otra manera? Y por qué no probar esto o aquello?
Abundante conocimiento
Otro poder es la abundancia de conocimientos que el alumno necesita para resolver una tarea que el maestro requiere o viceversa. Ya sea la preparación de Múltiples respuestas, 
Abundante conocimiento, Asombrarse, Contextualización, Conocimiento, un seminario, taller, tesis, monografía, entre otros; es fundamental que el alumno y educador estén lo más actualizados posible en cuanto a la información existente
con relación a dicha tarea, para no correr el riesgo de crear lo ya creado, y con el fin de que su trabajo sea cada día mejor.
Sin un conocimiento de la tarea a resolver será difícil apreciar cuáles serían los elementos prioritarios o relevantes para solucionarla. Recordemos que el conocimiento que se dispone en el mundo actual aumenta vertiginosamente cada segundo .No sólo existe más información, sino que mucho del conocimiento nuevo reemplaza, amplifica o hasta muestra como erróneo al anterior, nos encontramos con una constante inundación de nuevos descubrimientos, teorías, investigaciones, cambios de paradigmas o planteamientos de problemas de los cuales no debemos estar al margen si deseamos ser creativos. Estar bien informados requiere visitar con frecuencia bibliotecas, librerías y otras fuentes de consulta como Internet. Es necesario desarrollar una cultura de disfrute por estos centros de información y también exigir más a nuestra sociedad que dichas instituciones respondan en mayor medida a los intereses y necesidades de alumnos y profesores. Para algunos profesores un alumno ha aprendido cuando es capaz de repetir exactamente el contenido de la clase anterior. No obstante, esto conlleva la idea de que el conocimiento se encuentra muy separado del pensamiento. Por otra parte, los profesores que defienden una enseñanza no tradicional consideran que
la repetición no es el indicador más fiel del aprendizaje, ellos parten de una
relación dialéctica entre contenidos y pensamientos, es decir, uno no puede
pensar sin un contenido a través del cual hacerlo. Por supuesto, no todos los
contenidos son igualmente significativos y útiles.
Contextualización
El conocimiento se debe adquirir valorando la importancia del mismo para
el campo de aplicación, lo cual sucede si se imparte estableciendo una relación
directa con el trabajo que se realizará . Además se contextualiza el conocimiento
cuando los educadores logran poner en un contexto apropiado el conocimiento
.
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que imparten, de acuerdo con las condiciones histórico – sociales en que
viven.Estos consideran que nuestra psique se da en, por y para un sistema de
actividades y comunicación donde cada alumno llega con una historia y cultura
que deben respetarse y enriquecerse.
Estrategias para aprender
Una persona educada según una concepción reflexiva y creativa de la
educación se enriquece de diferentes estrategias para emplear el conocimiento en
diferentes contextos. Además, es un cuestionador y un creyente cauteloso de las
verdades que aparecen a través de la voz del maestro o de los libros de texto, y
un constructor de puentes imaginarios para que transiten las ideas invisibles para
la mayoría y, en un momento determinado, se hagan visibles.
Valentía para enfrentarse al conocimiento inesperado
El maestro creativo tiene la valentía de convertir cada clase en una fiesta de la
experimentación, de modo que propicia la construcción mediada del conocimiento,
lleno de sorpresas y situaciones inesperadas, es decir, lleva a los alumnos no a
consumir el conocimiento sino a producirlo.
Múltiples respuestas
Nos han acostumbrado a lo largo de nuestra educación y fundamentalmente en
los exámenes a buscar una respuesta ante los problemas que se nos plantean,
por ejemplo, en los exámenes se pide “buscar la respuesta correcta”28Es
necesario buscar varias respuestas ante las situaciones desconocidas, para esto
es válida la combinación de ideas y orientaciones provenientes de diferentes
campos de pensamiento. Los educadores debemos evitar la actitud de poseer
siempre la respuesta correcta y pensar que cuando el alumno no responde
exactamente lo que deseamos es porque está equivocado. Además, es valioso
que cuando se formula una pregunta y un alumno la responde correctamente, se
pregunte al grupo si puede existir otra respuesta adecuada. Con esto último se
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modela la actitud de que ante una pregunta pueden existir muchas respuestas
correctas, tantas como personas existen en el grupo.
Asombrarse
Uno de los poderes más importantes y al alcance de cualquier persona es la
capacidad de asombro. Tal sentido de asombro permite sorprenderse ante
cualquier pregunta cuestionadora o trabajo imaginativo que se realiza; ésta es una
actitud que se caracteriza por hacer ver los conocimientos insignificantes o ya muy
conocidos como algo extraordinario ante los ojos nuestros..
Los salones de clase deberían alimentarse con el asombro que, cuando
aparece en el alumno que está aprendiendo, implica un cuestionamiento profundo
y una mirada imaginativa a la información que se está edificando. El educador
debe provocar con más frecuencia que dicho asombro surja en el salón de clase,
para lo cual puede dar al alumno tareas para la casa cuya solución no pueda
encontrar a través de una simple explicación y que, como consecuencia de esto, el
estudiante se llene de preguntas e incógnitas a resolver.

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NEOPLASTICISMO

El movimiento De Stijl (el estilo), o movimiento neoplástico, que tuvo una vida activa desde 1917 hasta 1931, puede caracterizarse en lo esencial a través de la obra de tres hombres: los pintores Mondrian y van Doesburg y el arquitecto Rietveld. “Si se libera a los medios de expresión de todo lo que tienen de particular, estarán en armonía con el fin último del arte, que es llegar a un lenguaje universal.” (van Doesburg) Fue un movimiento revolucionario que centró sus objetivos en un plano teórico casi exclusivamente estético.

La filosofía neoplatónica del matemático Dr. Schoenmaekers quien en su libro La Nueva Imagen del Mundo, se refirió a la preeminencia cósmica de la ortogonalidad en los siguientes términos “los dos extremos absolutos fundamentales que conforman nuestro planeta son: la línea de fuerza horizontal, es decir, la trayectoria de la Tierra alrededor del sol, y el movimiento vertical y profundamente espacial de los rayos que tiene su origen en el centro del sol.” Más adelante, escribe:

“Los tres colores principales son esencialmente el amarillo, el azul y el rojo. No existen más colores que ellos… El amarillo es el movimiento de la radiación… El azul, el color de contraste con el amarillo… En cuanto color, el azul es el firmamento, es línea, horizontalidad. El rojo es la cópula del amarillo y del azul… El amarillo se irradia, el azul se aleja y el rojo flota“.

El desarrollo estético y programático del movimiento De Stijl puede dividirse en tres fases. La primera fase, de 1916 a 1921, es de formación y se centra fundamentalmente en Holanda, con alguna participación exterior; a la segunda fase, de 1921 a 1925, hay que considerarla como un período de plenitud y expansión internacional, mientras que la tercera fase, de 1925 a 1931, hay que verla como un período de transformación y finalmente de desintegración.
En 1917 Mondrian se encuentra en un punto de partida intelectualmente nuevo, en el que su obra comprende una serie de composiciones consistentes en planos de color, rectangulares y flotantes. En esta encrucijada ha abandonado para siempre la paleta y la técnica pictórica de su período postcubista (1912 – 1312) y también la nerviosa linealidad a trazos y formato elíptico de su estilo oceánico. Llega a formulaciones que considera ser un orden plástico puro y totalmente nuevo. En 1924 se produjo una ruptura con van Doesburg, motivada porque este último introdujo la diagonal en sus obras.

1917 es también el año de la famosa silla roja y azul diseñada por Rietveld. En la forma de la silla se materializaron por primera vez las franjas y los planos de composición como elementos articulados y desplazados en el espacio. Lo destacado de esta silla, aparte de su articulación expuesta a la vista, es que se han empleado exclusivamente colores primarios en conjunción con una estructura lineal negra; una combinación que, complementada con el gris y el blanco, habría de convertirse en la gama de colores canónica del movimiento De Stijl.

Otras obras importantes de Rietveld son el estudio del Dr. Hartog (1920), la silla Berlín (1923) y la casa Schröder (1924). La casa Schröder era a la vez elementalista, funcional y sin precedentes. Se la podía ver igualmente como no monumental y dinámica; como anticúbica en su forma y antidecorativa en su color. Sin embargo, por muy ingeniosamente que se las arreglase para parecer lo contrario, acabó construyéndose, de hecho, por razones tanto técnicas como financieras, como una estructura tradicional de ladrillo y madera.

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LYGIA CLARK. LA PINTURA COMO CAMPO EXPERIMENTAL, 1948-1958

6 de marzo, 2020 – 25 de octubre, 2020

Fechas pendientes de revisión

Pionera de la abstracción, Lygia Clark (Belo Horizonte, Brasil, 1920−Río de Janeiro, Brasil, 1988) fue una artista fundamental de la segunda mitad del siglo XX. La exposición Lygia Clark. La pintura como campo experimental, 1948−1958 ofrece un nuevo análisis de los cruciales años de formación de la artista, el período comprendido entre 1948 y 1958, cuando experimentaba entre la figuración y la abstracción con el fin de articular el poderoso lenguaje visual que definiría las creaciones de su época de madurez. Junto con una relevante representación de su trabajo figurativo inicial, esta muestra reúne pinturas de las principales series que Clark creó en esta temprana época, brindando un panorama esencial de la primera década de su carrera artística.

Al plantearse la pintura como un “campo experimental”, expresión que la artista utilizó en una conferencia clave que dio en 1956, Clark pretendió redefinir el medio ampliando los límites de la pintura tradicional. Se dedicó al arte sin poseer una formación oficial específica, se integró en el ambiente artístico de Río de Janeiro a finales de la década de 1940 y participó en movimientos fundamentales, como el Arte Concreto y la Abstracción Geométrica, a lo largo de la década de 1950. La presente exposición se centra en la evolución de Clark mediante tres secciones estructuradas históricamente: “Los primeros años, 1948−1952”, “Abstracción geométrica, 1953­−1956” y “Variación de la forma: La modulación del espacio, 1957−1958”. Cada bloque presenta las ideas más significativas de Clark y refleja de manera concienzuda su desarrollo artístico a través de una selección de obras.

Esta muestra de las primeras creaciones de Lygia Clark, que coincide con el centenario del nacimiento de la artista, dedica una renovada atención de dimensión internacional a una artista imprescindible del panorama latinoamericano de posguerra. El Museo quiere expresar su agradecimiento a la Asociación cultural Lygia Clark de Río de Janeiro, y a los herederos de la artista por el enorme apoyo que han prestado a esta exposición.

Curator: Geaninne Gutiérrez-Guimarães

Lygia Clark
El violonchelista (O Violoncelista), 1951
Óleo sobre lienzo
105,5 x 81 cm
Colección particular
© Courtesy of “The World of Lygia Clark” Cultural Association

ARTISTA LYGIA CLARK

Lygia Clark nació en 1920 en Belo Horizonte, Minas Gerais (Brasil), y, a finales de la década de 1940, recibió una formación artística más bien informal en Río de Janeiro con los artistas brasileños Roberto Burle Marx y Zélia Ferreira Salgado. En 1950 viajó a París para continuar su formación con los maestros modernos Fernand Léger y Árpád Szènes. Celebró su primera exposición, titulada L. Clark-Ribeiro, en 1952 en el Institut Endoplastique de París, donde presentó sus primeros experimentos con la abstracción y las formas constructivas en trabajos bidimensionales. A su regreso a Brasil, a finales de ese mismo año, tuvo su primera muestra en solitario, Lygia Clark 1950-1952, en el Ministério da Educação de Río de Janeiro. Reconocida como artista emergente, Clark comenzó a participar en importantes exposiciones colectivas regionales, incluyendo la primera Exposição Nacional de Arte Abstrata (1953) y la Bienal de São Paulo (1953).

En 1954, se unió al colectivo vanguardista denominado Grupo Frente, junto con sus coetáneos Aluísio Carvão, Hélio Oiticica y Lygia Pape, entre otros, y tomó parte en las revolucionarias exposiciones del grupo celebradas hasta 1956. Siguiendo los principios de la abstracción geométrica, su obra de ese periodo optó por una rigurosa representación de formas geométricas, vivos colores y una sensación de orden. También participó en otras exposiciones importantes, tales como el Salão Nacional de Arte Moderna (1956 y 1957), la primera Exposição Nacional de Arte Concreta (1957) y la Bienal de São Paulo (1957). Hacia finales de la década de 1950, las preocupaciones estéticas y filosóficas de Clark confluyeron con las del neoconcretismo, un movimiento artístico brasileño creado en 1959 que rechazaba la naturaleza impersonal y objetiva de la abstracción concreta. Los neoconcretistas concebían sus obras como algo a medio camino entre el arte y la vida, y como experiencias en la esfera pública. Clark, miembro fundador, participó en la Exposição Neoconcreta de 1959, y creó obras tridimensionales que fomentaban la participación activa del espectador en la obra de arte.

Desde 1964 hasta comienzos de la década de 1970, Clark residió en París y creó una serie de obras poco convencionales que discurren paralelas a su prolongado psicoanálisis con el psiquiatra Pierre Fédida, que la llevó a abrazar la idea de una forma de arte terapéutica. Esas investigaciones coincidieron con revolucionarios acontecimientos ocurridos a nivel mundial, tales como los sucesos de Mayo de 1968 en Francia y la aparición de una nueva generación de artistas brasileños implicados en movimientos tales como la Nova Objetividade (nueva objetividad) y Tropicália (tropicalismo). Las obras de Clark pertenecientes a ese periodo incorporan elementos que estimulan el cuerpo a través de los ojos, los oídos y la nariz como una forma de integrar los sentidos sin dar prioridad a lo visual. Su investigación artística en ese periodo se centró en una práctica terapéutica que aspiraba a activar la conciencia subjetiva y corporal. Después de 1978, en los últimos compases de su carrera, Clark se dedicó en exclusiva a su actividad psicoanalítica. Falleció en Río de Janeiro en 1988.

MÁS ALLÁ DE LA PINTURA

En los años sesenta, tras sus tempranas investigaciones en torno al tema del espacio en la pintura, Lygia Clark creó su innovadora serie titulada Bichos, objetos geométricos realizados a partir de planos de metal articulados por bisagras que el espectador podía manipular otorgándoles infinidad de formas. Los Bichos de Clark ganaron el premio a la Mejor Escultura Nacional en la Bienal de São Paulo de 1961.

La radical proposición de Clark de incluir al espectador en la obra de arte se convirtió en elemento esencial de su proceso creativo, y situó a la artista como verdadera pionera de la escena Brasileña. El objeto artístico empieza entonces a dejar de ser objeto para convertirse en mediador, transmisor de experiencias y sensaciones. Así, es el propio espectador o visitante de un museo quien, al manipularlo, percibe su energía directamente.

Source: https://www.guggenheim-bilbao.eus/exposiciones/lygia-clark-la-pintura-como-campo-experimental-1948-1958

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 The Optical Experience Latin Art Core Gallery

PS Art (Pedro Sarracino)

video by Vive Miami News with Vivian Fulop

1646 SW 8th ST Miami, Fl 33135

Open by Appointment only

In the middle of the 20th century, the first echoes of the worldwide concrete movement burst into Cuba. The proposals of non-objective painting in our country were related to a period of feverish creative activity in our art. In a decidedly figurative Havana, his daring actions contaminated even recognized masters of the historical vanguard. This was undoubtedly the moment of abstraction for Latin America. Some of the Cuban concrete artists were formed in the melting pot of nationalities and freedom of thought that was the post-war Paris Academy, but others operated from Cuba or wove an intense connecting skein with their Argentine and Caracas counterparts. In 1958, the group 10 Concrete Painters was formed, which had a short life (1958-1961) but brought together artists with an extensive career. The resonance of this creative experience transcended the period of collective action and continued to be noticeable in the future artistic strategies of that extraordinary group of creators. From diverse geographies or from the insular context itself, his discourses were forever marked by the power of linguistic synthesis with which his practice in concrete art endowed them. The abstract art movement Op art came to international attention in the mid-1960s, an era of global social and technological change. The movement, which placed emphasis on viewer perception by exploring optical effects in painting, sculpture and light installation, quickly gained in popularity but met with considerable criticism. The Op Art movement pioneered the integration of technology into art, innovated the concept of viewer participation, and introduced an emphasis on immersive experience/ideas that contemporary art embraced and incorporated. Op became a defining moment in the history of modern art, manifesting an aesthetic viewpoint that engages the process as both a tool and a subject. This perceptual emphasis, involved both the eye and the mind, by employing structural variations, contiguous compositions, linear patterns, and color interactions to generate formal ambiguity, special incongruity, and retinal vibrations.

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