SMDCAC Continues Summer Series with Allan Harris’ Kate’s Soul Food

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The performances feature Harris’ unique soulful jazz style with songs from his brand new album

MIAMI, FLA (July 13, 2021) — In the second performance of the South Miami-Dade Cultural Arts Center’s Summer Series, Allan Harris will take the stage to perform original songs from his new album, Kate’s Soul Food. Harris’ soulful jazz and blues influences pay tribute to his Aunt Kate, whose restaurant, Kate’s Home Cooking, located near the Apollo Theater in New York City, was where Apollo performers often dined when they were in Harlem.

Kate’s Home Cooking played a huge influence on Harris’ childhood. He spent many Sunday afternoons admiring performers such as Louis Armstrong and Duke Ellington. In addition to paying homage to his Aunt Kate through this album, Harris also honors his mother, a classic pianist, and his Aunt Phoebe, who was a blues singer. These important figures shaped him into the artist he is today.

Harris will be accompanied by Arcoiris Sandoval on piano/keys, Shirazette Tinnin on drums, and Marty Kenney on bass. The performance is recommended for ages 13 and up and runs about 75 minutes with no intermission.

The performances are Saturday, July 31 at 7 p.m. and 9 p.m. in SMDCAC’s Black Box Theater. Tickets are sold in a two-seat table pod for $60 or a four-seat table pod for $110. Tickets are available here.

The 2021 Summer Series runs through September and includes: Dimensions Dance Theatre of Miami’s Program II: Generations of Genius, Sara Juli’s Burnt-Out Wife, Duane Eubanks Quintet, Do It Again featuring the music of Steely Dan, One Night of Queen, Nicole Henry: The Music of Whitney Houston, Adele Myers and Dancers with special guest Sarasota Contemporary Dance Company, and Boney James: SOLID.

All summer programs through September 2021 are being sold implementing socially distant indoor seating. The Center requires anyone not included in your ticket purchase to be located 3’ apart from your seats. CDC guidelines recommend all unvaccinated people continue to wear face coverings when attending indoor events at all times. SMDCAC appreciates, for the safety of our guests and staff, that ALL patrons wear face coverings when attending events. Should the guidelines change with regard to social distancing or mask wearing prior to the scheduled performance, to allow for reduced separation of audience, the venue retains the right to sell additional seats within the 3’ parameter in accordance with updated or rescinded guidelines. SMDCAC will notify ticket holders via email should any changes occur.

The following additional measures are being taken for guest and staff safety:

Reduced audience capacity

Hand sanitizer stations have been located at all entryways and high traffic areas
Floor marking to assist in maintaining social distancing
Staff training conducted in advance on CDC and Miami-Dade County Covid-19 related protocols and procedures
Enhanced cleaning procedures including disinfecting all high-touch surfaces
Touchless faucets, soap dispensers, and paper towel dispensers have been installed where possible
Open lid garbage and recycle bins are in place
Temporary reduction or elimination of concessions

The SMDCAC Box Office is now open in person with summer hours of Tuesday through Friday from 10 a.m. to 6 p.m. and Saturday from noon to 5 p.m. All previously suspended ticket fees (order, will call, etc.) are now reinstated. The Box Office can be reached at (786) 573-5300 or [email protected].

For additional details about all performances and to purchase tickets, click here.

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About South Miami-Dade Cultural Arts Center

The South Miami-Dade Cultural Arts Center is managed by the Miami-Dade County Department of Cultural Affairs, with funding support from the Office of the Miami-Dade County Mayor and Board of County Commissioners. The Center is dedicated to presenting and supporting arts and culture and providing access to the arts to the entire Miami-Dade County community. More information about the Center and its programs can be found at www.smdcac.org.

The Miami-Dade County Department of Cultural Affairs and the Cultural Affairs Council develop cultural excellence, diversity and participation throughout Miami-Dade County by strategically creating and promoting opportunities for artists and cultural organizations, and our residents and visitors who are their audiences. Through staff, board and programmatic resources, the Department, the Council and the Trust promote, coordinate and support Miami-Dade County’s more than 1,000 not-for-profit cultural organizations as well as thousands of resident artists through grants, technical assistance, public information and interactive community planning. The Department manages, programs and operates the African Heritage Cultural Arts Center, Joseph Caleb Auditorium, Miami-Dade County Auditorium, and South Miami-Dade Cultural Arts Center, all dedicated to presenting and supporting excellence in the arts for the entire community. The Department receives funding through the Miami-Dade County Mayor and Board of County Commissioners, The Children’s Trust, the National Endowment for the Arts, the State of Florida through the Florida Department of State, Division of Cultural Affairs and the Florida Council on Arts and Culture, the John S. and James L. Knight Foundation, the Peacock Foundation, Inc. and The Jorge M. Pérez Family Foundation. Other support and services are provided by TicketWeb for the Culture Shock Miami program, the Greater Miami Convention and Visitors Bureau, the South Florida Cultural Consortium and the Tourist Development Council.

It is the policy of Miami-Dade County to comply with all of the requirements of the Americans with Disabilities Act. The facility is accessible and assistive listening devices are available in the Main Stage Auditorium and the Black Box Theater space. To request materials in accessible format, and/or any accommodation to attend an event at the South Miami-Dade Cultural Arts Center, please contact Stephanie Aponte, 786-573-5314, [email protected], at least five days in advance to initiate your request. TTY users may also call 711 (Florida Relay Service).

Nicolle Noel Ugarriza, Marketing & Public Information Officer

South Miami-Dade Cultural Arts Center

Miami-Dade County Department of Cultural Affairs

10950 SW 211th Street * Cutler Bay, Fl 33189

786-573-5318 Phone 786-573-5330 Fax

WWW.SMDCAC.ORG

[email protected]

Perez Art Museum PAMM

Oolite Arts new summer exhibit

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Yucef Merhi Maximum Security, 1998-2004. Courtesy of the artist and The Bonnier Gallery

Oolite Arts is gearing up to open its new summer exhibit, Where There Is Power, a very timely show given the political upheaval currently taking place in Cuba, Haiti and Venezuela. The headlining artists for the exhibit include Venezuelan artist Yucef Merhi who intercepted the emails of Hugo Chávez from 1998-2004 and has created wallpaper installations out of them. Cuban artist Rodolfo Peraza created IP addresses that track the blocking of information by the Cuban government, between Cuba and Miami, and demonstrates this censorship via pings on a map. Where There is Power also includes work by the late Asif Farooq, who over the course of eight years, recreated the Soviet-era MiG-21 jet fighter, down to the smallest detail, in true scale – entirely out of paper.

Réne Morales, chief curator at Pérez Art Museum Miami, and Amanda Bradley, programs manager at Oolite Arts, co-organized Where There is Power which touches on several urgent themes including racial conflict, law enforcement, mass incarceration, mass protests, immigration and more. The exhibit opens July 21-Sept. 19

If you would like to attend the opening reception for this exhibit from 7 – 9 p.m. on Wednesday, July 21, please let us know. Interviews with the Oolite Arts team, curators and artists are available upon request. Thank you for considering Where There Is Power for coverage.

Perez Art Museum PAMM

INTERVIEW WITH CLARK MEDLEY BY MILAGROS BELLO

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AMM

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Clark Medley I see the Sahdows Between the Light, 2019

ART MIAMI MAGAZINE

www.artmiamimagazine.com

INTERVIEW WITH CLARK MEDLEY BY MILAGROS BELLO

Milagros Bello interviews artist Clark Medley (artist lives and works in St. Louis, Missouri). Clark has developed a midcareer as an artist using new languages and singular techniques that produce multiple levels of reading on his concepts, his methods of working, and his perspective for the contemporary art.

Clark Medley A Mother's Love is Never Forgotten, 2020 oil enamel, metal flake on wood 96x48 inches — Clark Medley A Mother’s Love is Never Forgotten, 2020 oil enamel, metal flake on wood 96×48 inches

Milagros Bello: In your works it dominates a ductile and fluid serpentine line which interrogates on the power of the geometric forms and their potential evocations or allusions to immanent worlds. What would be the sense and the expression of the arabesque-like lines you trace? What do they hide or evoque? What are their veiled dimensions?

Clark Medley I Wake Up Awake, 2021 oil enamel, metal flake on canvas 48x24 — Clark Medley I Wake Up Awake, 2021 oil enamel, metal flake on canvas 48×24

Clark Medley: I love this question because lines dominate my work, from geometric shapes to cryptic forms. Every geometric shape comes from nature first then they evolve to circles, squares, stars. Starting with these shapes I begin to exaggerate/duplicate/transform/mutate/ these forms to patterns. From there the whole composition develops into a complex ensemble cryptic forms which all are imaginary words It is not by chance that geometric forms are eye pleasing. Most come from ancient civilizations, from every culture and religion, it is a familiar form in our subconscious minds. All religious symbols are geometric and cryptic related. I use these elements in my works to attract the viewer into the forms people are familiar with, then letting people to imagine what the cryptic calligraphy words would say, bringing ancient and modern line approaches work together to tell a story.

Clark Medley Love Awa, 2021 oil enamel, metal flake on canvas 48x24 — Clark Medley Love Awa, 2021 oil enamel, metal flake on canvas 48×24

MB: Your mixed media technique involves a complex interaction in between diverse and sometime opposite materials such the use of gold leaf, acrylic, resin, giving out to glimmering effects and frosty surfaces. Explain why and how do you use these rich materials in your work?

CM: I am very calculated on the materials I use in my works. I need a juxtaposition of surfaces in which I mix gold leaf, paint, resin, and glimmering materials. But there is one thing that is often overlooked within my work and that is the light. I need light to make my paintings come to life. Reflections are a must for me, weather I use a high gloss surface, or metal leaf. I want the viewer to feel like they are present in my works, that they can navigate inside the forms, and through the sparkles that come from the glimmering materials. I will use any kind of material to create the emotion or the motion that comes from light. Then the painting comes to life. Motion and emotion go hand in hand in my works. I could not achieve those factors with just oil or acrylic. I think in layers and in multi-dimension visions, so I need a multitude of mediums to achieve this.

Clark Medley Sounds From the Other Room, 2019 Mixed media on wood 80x36 inches — Clark Medley Sounds From the Other Room, 2019 Mixed media on wood 80×36 inches

MB: In 20^th century art, we were accustomed to understanding artists as dedicated univocally to their specific artistic creation, exempted to any other profession and/or practice. I understand you come from a tradition of Tattooing, and that you have had an important mentor in your profession. Could you talk to us about your tattooing practice and your mentor?

CM: I have been in the tattoo industry for over 31 years now. Tattooing for so many years gave me the practice and the means to refine my artistic forms. Tattooing is one of the oldest arts on earth, yet when I started tattooing, it had a negative stigma attached to it. Only bikers or criminals tattooed. Fast forward 31 years, now tattooing is completely different, the stigmatism is gone, tattooing is nowadays a high and respected art medium.

Clark Medley The Devil is in the Details, 2020 Oil enamel on wood 80x36 inches — Clark Medley The Devil is in the Details, 2020 Oil enamel on wood 80×36 inches

I was lucky enough to find a mentor to take me under his wing and wholly apprentice me. Honestly, I would not be where I am today if he had not taken the chance on me. Sadly, my mentor died just over a year and a half ago; we worked together side by side for 30 years. His name was Don Will.

Tattooing is found in my paintings if you know how to look at it. Tattooing is subtly mingled in it. In my tattooing I use calligraphy-type words and typography language as I translate them into my paintings. Thus, tattooing and its typographic language have inspired me to create encoded stories, encrypted narratives, in my artwork. Undeniably, I do love creating accounts of life in my paintings.

MB: I understand that for your tattoo designs you engrave them in wood, and that you already have an extensive collection of these designs which at a certain point become a legacy of another level of your creation. Tell us about this.

CM: I have been working over the last 7 years on a series of life-size traditional Japanese style wood block tattoo body suits. Each block takes over 300 hours to complete. They already are an important group of my creation. Now, I have begun working on a next series focused on images of larger-than-life babies that are completely tattooed, in the same imagery taken from the masters of tattooing from the 20^th century, such as Ed hardy, Lyle Tuttle, Sailor Jerry, Bob Shaw, and a others.

Clark Medley Lonely is the Sould that Outshines their lover, 2019 Mixed media on wood 80x36 inches — Clark Medley Lonely is the Sould that Outshines their lover, 2019 Mixed media on wood 80×36 inches

MB: I have observed that your titles are very singular and cryptic. Explain us how did you get them?

CM: My titles are direct and to the point. They come from stories and moments of my life. I extract them from my immediate experiences. They emerge from whether I am feeling down, upset, or venting some situation. I take a poetic approach as if in writing. I could be so touched by the message of a moment, that I paint it. In looking into a visual scene, instead of taking a picture, I just extract the words, the conversation, or the sounds that relate to that moment and I translate them into words for the title. Bringing the world of poetry and art together, the name in my paintings reflects an existential instant that is visual, acoustic, and wordy at the same time. My mood will come out in words as well as a visual aesthetic. Keeping a title cryptic will let the viewer come up with their own conclusion on what the painting is about. This is how I conceive my titles.

MB: What have been your inspirations, influences, master guides in your artistic work? Any names, movements, styles? Why and how have they inspired you?

CM: My inspirations to create come from a vast array of elements or situations. Anything could become a boost in my work, from a color, a material, a conversation, a travel, a music. They could emerge from any time or any place. I come into contact with this stimulus, absorb it, and once processed, it becomes form, shape, and light.

As art references I could name artists like Tamara De Lempicka, Mark Rothko, and some tattoo artists, and graffiti writers like Mayonaize, Pokras Lampa. And some other artists like Phil Jarvis, Michael Vasquez, Josh Rowan, Peat Wollaeger, with which I have become friends over the years. All have served me as important references and in different ways over my life.

Important movements in the art world could be 100 years apart or be current for me. The art deco movement of the 1920’s and the contemporary street art are two important sources of references.They have deeply touched me.

MB: How the pandemic has affected your works, artistic or professionally, your life, your way of working? Any related story you can share with us?

CM: This pandemic has affected my work like never before. At this moment, I look at my work and come to it from a different perspective. Now, I look at them more personally, much more consciously and involved, and with a much more sense of urgency. After the pandemic experience, I am focusing on bringing my life into my work as much as possible.

There is one related pandemic story I want to share. During the Covid shutdown I spent fifteen hours in a row every day working not-stopping for thirty straight days. I was working in a series of paintings that at the end all came out to a very singular last one. But this one came from intensive previous ones that were created as stages of my thoughts and progression. The title of this series is “A Mother’s Love is Never Forgotten”. This series resumed a deep life experience: my daughter was having life threatening health issues; she was afraid she was going to die, and her young children would forget her. All this touched me deeply, and in a way I will never forget. This series were made with a frenzied drive until I finished it in those thirty intense days. Making art is at the end an inner action that revolves onto your own life and could take you to unimaginable levels of feelings.

MB: I know you had traveled a lot and that you are always exploring one place or the other, whether it would be China, Europe, or a place in the United States. What do you want from them? How are they fused with your creation?

CM: Travel has had an incredible influence on my work. I am always searching for inspiration from people and cultures. Seeing all the influences that make up a country or a city. Seeing the street art in these places and the messages written on them. Just taking the time to step away and appreciate the world in its different ways is key to me. I make notes, take photos, come back to the studio and with my new motivation I get to work!

MB: How do you see Contemporary art? How do you see yourself in the Contemporary Art?

CM: I see contemporary art as a global movement with the advent of social media. I see that it has changed our way of making art due to the communication power of so many influencers and due to the easy way in which we can access to new forms of art, and the expanded vision it gives us.

It is undeniable that the world is changing with the invent of social media, its new technologies, and its speed in accessing information; this is shifting radically the way we are looking at art in the daily basis. What it used to take decades for a movement to take hold, it is now taking 24 hours.

Even if we cannot travel now or meet new people, you can connect to them through the digital worl today, I will just keep doing art, live in the moment, and let the world figure out where they think I elong. Meanwhile, I will be in my studio painting and tattooing, doing what I most want to do to continue life.

MB: What are your next works? Tell us about it.

CM: Now I am working on new series as we come out of the pandemic. They all revolve around a reveal, “the show must go on”. It is a much more involved process and very dynamic in form. I am using canvas and fiberglass to create a curtain that will only reveal some part of the painting, leaving it half hidden, even furthermore, denying the image and creating an active flow/surface that evolves towards a more mystery in the visual and in the message.

Clark Medley

March 21, 2021

Perez Art Museum PAMM

Hacedor de Santos: La yerba dragón

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Cortesía | El innombrable no se daba por vencido, no comprendía tal obstinación

Hacedor de Santos: La yerba dragón

Como novicio que era sólo veía y callaba, pasaba la mayor parte del tiempo machacando yerbas sobre morteros.

Curador y crítico de arte Eduardo Planchart Licea

Tras su sorpresiva llegada Juan Crisóstomo fue evasivo durante días, por las tardes caminaba entre el huerto, o sentado sobre cualquier piedra fumando la pipa, que le había regalado uno de los novicios del convento.

Entre anillos de humo fumó la picadura hecha por mi padre. Parecía sopesar cada instante de su vida. Cuando le hablaba me ignoraba, no deseaba que lo sacaran de sus pensamientos. Con el tiempo supe que pensaba en el desatino en que se había convertido su vida, al vivir de pueblo en pueblo como Odiseo tocado por la furia de los dioses del Olimpo.

No podía aguantar más de unas semanas en ningún lugar y menos en su hogar, era como si pesara sobre él una maldición y estuviera a la búsqueda de un sentido que estaba por revelársele, pero nunca llegaba ese vuelco en su vida. Los días lluviosos y neblinosos lo hacían meditar, sentía que se le escapaba la vida, la muerte se le empezaba a acercar y temía no cumplir con su destino.

Como novicio que era sólo veía y callaba, pasaba la mayor parte del tiempo machacando yerbas sobre morteros. Esa mañana de noviembre, me había pedido Fray Bernardo que necesitaba mezclar savia de frailejón morado con hojas de sauce, recién extraídas del páramo, para hacer un jarabe que aliviara la trancazón del pecho de uno de los novicios; cuando me daba las instrucciones dijo:

– Eduardo, la vida es breve, la muerte está siempre ahí esperando con su guadaña para cegar nuestra existencia en el momento menos esperado, sin ninguna misericordia, acaba con sueños y anhelos. Para ti, ella todavía no es una realidad, eres joven y te sientes inmortal. Pero en unos años, cuando veas encanecer tu pelo y tu rostro se pueble de arrugas, empezarás a preocuparte. Por eso nunca dejes para mañana lo que has de hacer hoy.

Las reflexiones de Bernardo me hicieron recordar el deseo que devoró gran parte de su vida, la búsqueda de la milagrosa Yerba Dragón, llamada en el páramo Díctamo Real. Costaba entender cómo tras una vida dedicada a ese sueño, había renunciado a él.

Cuando se lo pregunté, trató de explicarme que había decido abandonar la lucha de una vida guiada por vanas ilusiones, desde hace años había intentado renunciar a esos deseos que enfebrecieron su vida. Ahora deseaba alejarse del dolor, y que lo invadiera la tranquilidad; decía que el único camino que conocía para lograr la quietud del alma era el desapego.

Me parecía una tontería eso de vivir sin deseos, sin ambiciones, lo veía como morir en vida. Un día tras mucho meditar se lo reproché, mientras él improvisaba versos a las plantas del huerto, agachado para remover la tierra, en voz baja decía:

Inanna, rescataste el alma de Tammuz de la muerte,/ tras mostrar su desnudez a la reina de la quietud y la fetidez,/ y tú pasiflora, rescatas al alma de la angustia./ Artemisa, tenaz cazadora del arco blanco forjado por los cíclopes, estás acompañada de nueve ninfas venidas del reino de Poseidón./ Las flores nacidas de tus lágrimas deben ser recogidas en julio,/ para la buena digestión del cochino./Con tu aroma y tu hervor purificas el hogar,/como con tus certeras flechas matas a quien se atreve a intentar violar tu virginidad./Adonis, el centauro Quirón te reveló sus secretos:/entre estos preciados dones están las flores de manzanilla, nacidas de tu sangre, deben ser recogidas y secadas a la sombra un viernes,/regido por Venus, tu protectora y amante,/ hervidas esas florecillas curan el acelerado galopar del corazón.

Al interrumpir sus versos, me miró como saliendo de un ensueño:

– ¿Qué Tienes jovenzuelo? Siento por tu mirada que estás juzgando mi vida, cuando aún no has comenzado a vivir y tu poca experiencia te impide distinguir lo que es, de lo que no es, pero quizás estés por buen camino. Al terminar de hablar se paró el fraile apoyándose en su bastón para sentarse cerca del pozo:

– Acércate Eduardo, debes saber que estás aquí para renacer al espíritu, pero antes debes morir a este mundo. Los evangelios nos enseñan que no debemos preocuparnos por vestir, comer o vivir, sino para hacer el bien al prójimo… Sabes, a estas alturas de mi vida creo que con no hacer el mal es más que suficiente. Para eso estudias con tanto ahínco los evangelios de Juan y Mateo, no solo para recitarlos de memoria, poco a poco irás entendiendo.

Cerca del pozo, se paró del banco de madera donde estábamos y se dirigió caminando para tocar con delicadeza paternal los pétalos de una rosa blanca. Al olerla, pensó en voz alta:

– La rosa es una de las flores más bellas de la creación, pero cuando nos dejamos hechizar por ella, somos capaces de arrancarlas de manera despreocupada, clavándonos sus espinas.

Salió de su ensimismamiento y dirigió su intensa mirada hacia mí y dijo:

– ¿Nunca te has preguntado por qué una flor tan bella y frágil tiene sus tallos cubiertos de hirientes espinas? Es una metáfora. El camino para oír los ecos del alma, es como la hiriente belleza de la rosa, para llegar al Cristo que hay en cada uno de nosotros, debemos pagar el mal que hemos hecho aquí en esta tierra. Arrepentirnos desde el fondo de nuestra alma. Perdonándonos, el Señor nos perdona, solo de esa manera se borrará el mal que hemos hecho. Llegar a esa encrucijada es la noche oscura del alma, es morir en vida y crucificarse a ella para resucitar. Esa es la eterna enseñanza que nos legó el Cordero del Señor. Por eso, estamos en este convento enclaustrados entre tapiales sacros, para alejarnos del bullicio del mundo y encontrar el silencio del alma.

¿Qué significa este jardín en cual nos aislamos? Imitamos a Cristo cuando durante cuarenta días se adentró en el desierto a enfrentarse a las tentaciones del innombrable y sus chacales, serpientes y todo tipo de alimañas. Solo al encontrar lo que está más allá de la apariencia encontraremos la iluminación y la Divina Gracia.

Durante días medité sobre las palabras de Fray Bernardo, en el día o la noche, mientras hacía la vigilia para preparar el alma para recibir al Cordero del Señor, con la llegada del sol. Imaginaba a Cristo enflaquecido, la piel ampollada por el inclemente sol, y su largo pelo polvoriento. Sentado en la arena del desierto, rodeado de resequedad y soledad, solo entre dunas de arena. Con la mirada traspasaba los espejismos que creaba el ángel rebelde a su alrededor.

El demonio no encontraba la manera de seducir al nuevo Adán, se veía atormentado por encontrar la manera de aguijonear a Jesús, era con deseo terrenales para atarlo a este reino, atraparlo y hacerse Señor de una vez por todas de esta tierra, de donde fue expulsado. Para su desgracia Cristo vivía fuera de todo anhelo terrenal, ¿Cómo amarrarlo a él?, se preguntaba el tentador. El innombrable creó tronos con incrustaciones de oro y diamantes, respaldares tallados en marfil con fauces de leones. Cristo sin titubear ante tan vanos esfuerzos, le respondía:

– Pierdes el tiempo, no busco el dominio sobre otros, busco el despertar del espíritu y el amor sin posesión. Tentador, solo deseas sembrar el egoísmo en los hijos de Adán y Eva sojuzgarlos, esclavizarlos, humillarlos, envilecerlos, esas son algunas de tus armas para encadenar sus almas ¡Desaparece de mi presencia!

El innombrable no se daba por vencido, no comprendía tal obstinación, con un gesto de su mano hizo desaparecer las riquezas que había creado como ilusionista que era. Ante Jesús hizo surgir un manantial de agua fresca, rodeado de palmas cubiertas de jugosos dátiles, melones maduros, higos, granadas y membrillos. Mientras sus labios estaban resecos, agrietados y sangrantes. Cada palabra que brotaba de su boca le provocan punzadas de dolor, al sobreponerse le dirigió su dura palabra:

– Crees que vas a subyugarme como has hecho con los hijos de Adán y Eva; los envileciste con falsas necesidades y solo viven para satisfacerlas. Solo así lograste que olvidaran la belleza y la grandeza de cada fragmento del universo. Tu reino es la esclavitud del espíritu, es la ceguera, la estrechez de la mirada, la impiedad. No puedes soportar que alguien te rechace a ti y a tus perecederos dones, porque mostrarías el camino que pondría fin a tu reino.

Aleja de mí tu oasis, las profecías se cumplirán a pesar de ti. Bebí gota a gota la poca agua que tragué conmigo, hace varios soles, en resecos odres de piel de cabra, ahora bebo las gotas que el rocío deja sobre mis labios cada amanecer. No podrás tentarme, no dejaré de amar al camaleón, a las aves, al sol, al aire que respiro, al llanto del niño que nace y al anciano que muere. Apártate tentador, la piedad se corrompe con tus dones.

Las lágrimas brotaron de mis ojos al imaginar aquel enfrentamiento. Cuando me enceguecía al mundo, entre esas ensoñaciones, el padre Bernardo me hablaba y de alguna forma se las ingeniaba para devolverme a la realidad, en una de sus intentos alzó el tono de voz para decirme:

– Rojas, pasé lleno de afanes casi toda mi vida en una búsqueda que aún me tienta, y por lo visto vas por el mismo camino, no lo permitiré. Sé que me acerco a la muerte, más no la deseo, es mayor el anhelo de poder sentarme bajo estos árboles para disfrutar de sus aromas, regocijarme del verdor de sus hojas y de las suaves rugosidades de cada tronco. Sentir el olor a tierra que anuncian las lluvias, gozar el golpetear del pájaro carpintero al agujerear los troncos de los árboles para sembrar su nido, o del alegre canto del “Cristo Fue” al celebrar la vida. Me hacen amar cada día. Deseo solo existir. Mientras conversamos, ríos de sangre recorren nuestro cuerpo, el aire entra por nuestros pulmones y es transportado a todos los rincones del cuerpo, eso sucede sin percatarnos. Existe una armonía y un orden perfecto en cada fragmento del universo que expresa el milagro de la vida, quiero convertirme en el palpitar de mi corazón, en el fluir de mi sangre. Cuando veo el inquieto volar de un águila siento envidia. Deseo recuperar esa inconsciencia, esa naturalidad del actuar sin premeditación de la cual me exilé por mis ambiciones y deseos de inmortalidad. Solo cuando hundo las manos en la tierra para sembrar alguna semilla y podo algún árbol, los pensamientos se acallan. Siento que la vida toma sentido, pero cuando empiezan las ideas a brotar otra vez, todo vuelve a oscurecerse, las dudas se agolpan y la desesperanza nace otra vez:

-Eduardo Rojas no quiero que eso pase contigo, eres un Hacedor de santos.

Perez Art Museum PAMM

Claudia Valdés

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Claudia Valdés se integra a “Mi robot sexual”, en el Teatro Trail

Como se tenía previsto desde hace varios meses, la actriz cubana Claudia Valdés se ha unido a la obra “Mi robot sexual”, que con éxito se presenta en el Teatro Trail los sábados, a las 8 pm, y domingos, a las 5 pm. La artista e influencer, que últimamente ha elevado su voz contra la dictadura de su país, ocupa el lugar protagónico de su compatriota Alina Robert, quien debe cumplir compromisos laborales contraídos con anterioridad en Colombia. “Me alegra esta participación en ‘Mi robot’ porque es una comedia que hace reír mucho y, además, cuenta con excelentes actores y directores”, manifestó Claudia, que en escena es acompañada por Mijail Mulkay, Alejandro Dávalos, Camila Arteche y Zajaris Fernández. La pieza es dirigida por Alexis -esposo de Claudia, dicho sea de paso- y por Yusnel Suárez. “Todas las funciones las dedicamos a nuestra Cuba, deseando que sea libre pronto”, apuntó la actriz. Pese a su juventud, Claudia, que llegó a Miami a fines de la década pasada, ha tenido una carrera bastante prolífica, que en Cuba se centró en el cine. En Miami ha sido cara conocida de varios programas de variedades de los distintos canales locales. A principios de este año una de las primeras obras de teatro que regresó tras la pandemia fue “Mi robot sexual”. La comedia se sitúa en el año 2050. Sergio, el personaje principal, interpretado por Mulkay, es un tipo con carácter insoportable que ha fracasado en todas sus relaciones sentimentales con las mujeres. Solo una opción queda en su horizonte: probar con una de esas robots sexuales que están de moda y a la que muchos consideran “la mujer perfecta”. ¿Qué podría salir mal? Una comedia del futuro para reír en el presente. Los boletos se pueden conseguir en el 304-443-1009 o www.teatrotrail.com El Teatro Trail se encuentra en el 3715 SW 8 St, Miami FL, 33134.

Erwin Pérez
Periodista y Publicista (Miami)
+1 (786) 277-8497
Online: https://linktr.ee/erwinperez

Perez Art Museum PAMM

IVAN MIKOLJI: FOTOGRAFIAS DE PECES DEL ORINOCO

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AMM

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IVAN MIKOLJI: FOTOGRAFIAS DE PECES DEL ORINOCO

La exposición “Fishes of the Orinoco in the Wild”, 2021, se presenta en la Galería Hernán Gamboa, de la Humboldt International University, Miami, USA, desde mediados de Mayo hasta mediados de Julio es una selección de fotografías del exitoso libro de Iván Mikolji publicado a fines del 2020 con el mismo título de la muestra, donde se hace un inventario de 151 peces en su hábitat de Venezuela y Colombia.

A lo largo de casi treinta años de exploraciones, el fotógrafo ha creado un lenguaje visual y una técnica personal que se evidencia en cada una de sus composiciones. No son imágenes cliqueadas a la ligera sino resultado de flotar y sumergirse con máscara y esnórquel desde la madrugada hasta el atardecer, cámara en mano en entre ríos y caños. Muchas de ellas son nocturnas, pues no finaliza cada sesión de trabajo hasta lograr las composiciones deseadas. En su lenguaje visual evade las simetrías centradas y frontales para atrapar el dinamismo vital de la fauna acuática, se impone la nitidez y la profundidad de campo para que el espectador tenga un conocimiento del ecosistema de cada espécimen. Esta claridad visual se evidencia en detalles de la anatomía de los peces como los ojos, la diversidad cromática y formas de las escamas, las aletas… El artista y explorador desea que el público se acerque a través de sus composiciones al comportamiento de los peces en sus biomas y se puedan ver al comer, al proteger a sus alevines, cuando sus posiciones son mimetizaciones en su rol de depredadores o de protegerse de ser devorados por otros peces, mostrarlos en el mundo subacuático donde transcurren sus vidas; algunas especies lo hacen entre la hojarasca, otras adheridos a troncos en descomposición…

No solo los peces son el centro de atención, sino el agua como tema visual, de ahí su serie de “Liquid Ice” y las microfotografías de la física acuática, también es su interes la flora y fauna cercana a los caños y ríos, pues estos elementos son partes del ecosistema e indicadores del impacto ambiental. Los reflejos acuáticos son otro categoría de su abecedario visual, a través de la refracción de la luz y las leyes de la óptica crea trampas visuales que solo existen por segundos al lograr el ángulo adecuado para captarlos, crea así composiciones plenas de misterios y surrealismo que parecían mostrar universos paralelos.

La técnica de impresión seleccionada para estas fotografías fue la sublimación sobre aluminio, para transmitir al público imágenes que impriman a través del rayos láser el palpitar de estos frágiles seres que habitan en la cuenca hidrológica Amazónica, una de las más importante del planeta, por generar aproximadamente el 20% de agua del dulce y el 25% del oxígeno del planeta. Selvas tropicales lluviosas que son el lugar de mayor biodiversidad del planeta. Hasta el presente casi cinco mil especies de peces han sido identificadas entre la cuenca del río Amazonas y la del río Orinoco, proceso que inició Alejandro von Humboldt en el siglo XVIII al realizar la primer expedición científica en el continente, identificando especies como la piraña, el pavón entre tantas otras y hacer los primeros mapas confiables del continente.

La fragilidad del ecosistema y de las culturas amazónicas que en él viven exigen medidas drásticas de conservación debido a que diversos ecosistemas ya han sido afectados por la deforestación, y técnicas mineras de fuerte impacto ambiental, razón por la que están desapareciendo especies de peces y plantas antes de ser identificadas. De esta acción de preservación puede depender la supervivencia de la humanidad.

Se muestra en la exposición con un atardecer orinoquense paisaje utópico por la incandescencia de la luz solar en su retiro, la densidad del agua transforma su liquidez en un espejo que muta lo real en irreal, con rocas que al reflejar la debil luz crean un sublime horizonte; atradecer que recuerda el espacio tiempo primigenio de la Tierra.

La composición visual de los peces está dominada en ocasiones por lo sintético, al concentrarse el fotógrafo en elementos visuales especificos para transmitir una idea poética, como ocurre con la fotografía del pez aguja, tomada cerca de la superficie del río, para crear un reflejo acuático, inmerso entre un blanco difuso. El artista visual cliqueó la imagen en ese momento para que la refracción de la luz permitiera crear una doble mirada. Un observador desprevenido pudiera llegar a creer que son dos peces, la imagen superior: permitir ver el dorso con todo detalle de esta especie que se mimetiza con el flotar de una pequeña y delgada rama.

Se encontrará el público con la inesperada imágen de doce peces lápices, con sus aletas caudales adheridas al fondo arenoso que le permiten estar verticalmente por horas, mimetizandose ante sus depredadores. Similar sorpresa genera la imagen del pez hoja dejándose llevar por la corriente, para ser confundido por incautas especies con una hoja caída en estado de descomposición. Su reflejo le transmite un clima paradójico a la composición al duplicar la imagen entre aguas transparentes que permiten ver con detalle su inusual anatomía.

Entre las fotografías en la exposición destacan la belleza del pez Oscar ascendiendo al manto de hojas que cubre la superficie del caño de Rosa. La luminosidad que penetra el agua hace resplandecer las escamas doradas del dorso, y permite percibir la transparencia del ojo, los detalles de las aletas elementos que transmiten una sensación de comunión del pez con su entorno. Imagen cliqueada en los llanos de Apure, donde Mikolji fue durante más de siete años dos veces al año años para fotografiar a este pez y su especie. Ha escrito diversos artículos en revistas científicas sobre esta ellos, evitan estar en cardúmenes y usualmente se encuentran entre las plantas de la superficie acuática, para atrapar los insectos que se acercan a ellas.

El pez que llamó colibrí (tetra punto negro), es debido a que su composición recuerda la de un colibrí aleteando mientras absorbe el polen de una flor. Debemos imaginar la paciencia que tuvo el artista para lograr que este pequeño espécimen se acercara a una flor acuática a punto de emerger, mientras mordisqueaba uno de sus pétalos. Es una mirada que permite al público imaginar diversas interpretaciones de lo que está sucediendo, y esto es parte del misterio que encierran estas imágenes. Si bien muestran a cada pez en la naturaleza, el artista con su cámara compone para crear una interpretación permitiendo al público continuar la obra en su imaginación.

La pasión por el mundo acuático se lo debe Iván Mikolji a su padre, quien era un aficionado acuarista, que tenía acuarios en su hogar y acostumbraba a llevarlo de niño a las tiendas especializadas a comprar tanto los peces como los implementos propios de esta afición. La pecera estaba llena de guppys, platys, mollys, y corronchos… Era un pasatiempo hasta que en casa de un amigo en su juventud vio un pez ángel enorme, y quedó tan impresionado por su belleza que empezó a investigar donde se podían encontrar en su hábitat, y solo existían en el Amazonas en las riberas del Río Pavoni, a 50 kms al norte de Puerto Ayacucho. Ese fue el destino de una de sus primeras expediciones. Al llegar al sitio hizo el campamento y la madrugada siguiente empezó con máscara, esnórquely cámara a buscarlos para fotografiarlos. Luego de varios días de búsqueda infructuosa fue a preguntar a los Kurripacos, de la comunidad del Pavoni, dónde los podía encontrar, y al verlos les hizo un dibujo en la tierra del pez ángel, e inmediatamente le dijeron el nombre científico, y entre risas le respondieron:

-No los comimos todos, no hay más.

En ese momento comprendió que entre la necesidad de los Kurripacos y los negociantes de peces ornamentales habían acabado con la especie en el Amazonas. Aún sigue siendo el pez ángel, y los oscares sus especies predilectas. Cada vez que sabía de una nueva especie que llamaba su atención acostumbraba investigar el lugar donde la podría encontrar y realizaba una expedición para fotografiarlas en su hábitat. Así comenzó a familiarizarse con las diversas especies de ríos y sus ecosistemas. Recurriendo al Instituto de Zoología Tropical de la Universidad Central de Venezuela (UCV), para identificar cada una de las especies que fotografiaba, al verlas los científicos se dieron cuenta que muchos de los peces y orquídeas no estaban aún descritas científicamente, involucrándose con ellos para su identificación.

En sus treintas Mikolji se había convertido en un fotógrafo conocido de peces y había realizado numerosas expediciones al Amazonas, los llanos y las costas. Esta situación cambió cuando Oscar Lucanus, fotógrafo profesional de peces y de la vida silvestre reconocido internacionalmente, vino a Venezuela y buscaba a fotógrafo de peces y explorador que lo llevara a los lugares donde se encontraran especies exóticas y otras que posiblemente no hubieran sido identificadas para fotografiarlas, capturarlas y clasificarlas. En esta búsqueda encontró a Iván Mikolji, quien se convirtió en su guía y ayudante. Así pudo conocer como un explorador profesional organizaba una expedición, que equipos fotográficos usaba y las técnicas que empleaba para fotografiar los peces de ríos, y caños. De eso han pasado casi treinta años y ha realizado más de 100 expediciones entre Venezuela, Colombia, USA y México, con el propósito de fotografiar los peces y dar a conocer los biomas en que viven, como una forma de preservar estos ecosistemas y concientizar al público de que conocerlos es el primer paso para conservar este ilusorio paraíso. En ese trayecto ha conocido a reconocidos científicos y ha colaborado con ellos, facilitandoles fotografías de especies que no estaban bien documentadas, e incluso hacer expediciones para obtener imágenes de especies identificadas pero que se desconocía cómo eran en realidad. Y así se hizo en un asiduo colaborador de Antonio Machado-Allison al compartir sus fotografías en libros como “Los Peces de los Llanos de Venezuela”, en los últimos años a realizado varias expediciones con el Instituto de Investigación de Recursos Biológicos Alexander von Humboldt de Colombia para fotografiar los peces, reptiles y plantas acuáticas del Meta tanto en la zona de Caño Cristales, como en los humedales. Como resultado de estas experiencias se han publicado más de seis libros donde sus fotografías están tanto en la portada como a lo largo de la publicación y siendo colaborador de los artículos. Es común ver con regularidad sus ensayos escritos en una amena prosa acompañado de sus fotografías en importantes revistas a nivel internacional del Reino Unido, Italia, Suecia, Chile, México, Colombia, Francia, Corea del Sur, Estados Unidos, Alemania, Japón…. Por esta razón la Fundación la Salle de Ciencias Naturales en Venezuela, la institución más importante de Venezuela como generadora de investigaciones y de conocimiento científico, lo hizo investigador asociado, y tiene una exposición permanente de sus fotografías en el Lobby de la sede central en Caracas. Es una vida dedicada a la pasión de dar a conocer la belleza de los ecosistemas del Amazonas y los llanos a través de su arte, como una manera de crear conciencia sobre la necesidad de conservar estos frágiles biomas para las generaciones futuras.

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The Abramović Method

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The-Abramovic-Method-by-WeTransfer-and-Marina-Abramovic,-2021

The Abramović Method

WeTransfer and Marina Abramović unveil all-new digital manifestation of The Abramović Method available 24/7 WeTransfer invites all to participate in The Abramović Method with new and exclusive videos by the artist herself that transcend space and time for an immersive online experience

(Left: Mutual gazing still, Right: Counting rice still, both from The Abramović Method by Marina Abramović, designed by WeTransfer)

London, 15th June 2021 – WeTransfer, the company with the digital suite of tools for the creative process, reveals a never-before-seen digital manifestation of performance artist Marina Abramović’s acclaimed ‘The Abramović Method’ which explores the importance of performance art and its application to our everyday lives. Through a series of new video material commissioned by WePresent, WeTransfer’s digital arts platform, the renowned artist shares her wisdom on cultivating inner strength, concentration and endurance as part of an exclusive year-long collaboration.

Abramović will personally guide viewers through four iconic exercises that define her unique Method with new videos in an immersive online experience designed by WeTransfer. From rice-counting to the artist’s signature mutual-gazing, a dedicated space on WeTransfer will host the experience indefinitely, available to its community of 80 million people worldwide to access 24/7 – all day, every day. Transcending time zones and geographical borders, this is a private performance by the world’s most prolific performance artist in your home, wherever you may be, as she invites you to join her in participation.

Marina developed her Method over decades of creating performative and immaterial works, and this new digital iteration designed and built by WeTransfer offers viewers the first interactive experience with the artist herself. WeTransfer created a custom video player that incorporates interactive animation and audio to guide viewers through Marina’s Method in the most engaging way.

This new phase follows the artist’s guest curatorship on WePresent earlier this year, through which she spotlighted five rising performance artists around the world. In September, Abramović will share her ‘Time Capsule’, an everlasting body of references, ideas and objects through a hybrid physical and digital format which will continue to inspire us and future generations, while giving us a glimpse into her artistic universe. Similar to WeTransfer’s digitisation of the Royal Academy of Art’s 252nd Summer Exhibition, this new digital experience continues WeTransfer’s legacy as a supporter of creativity and the arts.

Marina Abramović said: “To be a performance artist, it’s a very difficult task. You need lots of preparation in order to make long durational performance work. So I developed different exercises to help myself generate willpower and concentration, crossing physical and mental limits. Later on, I understood these exercises can serve not just me but any profession in the world and so I turned these into something I call The Abramović Method. Following a year during which reconnecting with ourselves has never been more important, I’m delighted to share these with the world on WeTransfer’

Holly Fraser, Editor-in-Chief of WePresent said: “The pandemic has offered an opportunity for digital platforms such as WeTransfer to explore what is possible when bringing culture online. For a performance artist whose works exist primarily as experience, WeTransfer’s creation of ‘The Abramović Method’ in collaboration with the artist herself has given millions of people worldwide the opportunity to engage with an artistic practice developed from years of research, from their homes. We hope this digital experience of ‘The Abramović Method’ unearths not only new connections to the artist’s legacy, but also ourselves and our inner potential.”

Marina Abramović’s ‘The Abramović Method’ will be live on WeTransfer from 15th June as part of the artist’s year-long collaboration.The experience is commissioned by WePresent and designed by WeTransfer.

Image sheet available here and for download here.

For press enquiries, contact PURPLE:
[email protected]
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Marina Abramović
Since the beginning of her career in Belgrade during the early 1970s, Marina Abramović has pioneered performance art, creating some of the form’s most important early works. Exploring her physical and mental limits, she has withstood pain, exhaustion, and danger in her quest for emotional and spiritual transformation.

Abramović was awarded the Golden Lion for Best Artist at the 1997 Venice Biennale. In 2010, Abramović had her first major U.S. retrospective and simultaneously performed for over 700 hours in “The Artist is Present” at the Museum of Modern Art in New York.

Abramović founded Marina Abramović Institute (MAI), a platform for immaterial and long durational work to create new possibilities for collaboration among thinkers of all fields.
Her most recent publication is Walk Through Walls: A Memoir, Published by Crown Archetype on October 25, 2016. Her retrospective The Cleaner opened at Moderna Museet, Stockholm in February 2017 and has toured to seven additional European venues, ending at the Museum of Contemporary Art, Belgrade, Serbia in 2019. In September 2020 the Bayerische Staatsoper presented the world premiere of 7 Deaths of Maria Callas, which will continue to tour to other venues in 2021. And she will soon present her solo exhibition at the Royal Academy in London, and become the first female artist in the institution’s 250 year history to occupy the entire gallery space with her work.

About WePresent
WePresent is WeTransfer’s digital arts platform, acting as the company’s cultural torchbearer to 4 million monthly online visitors in 187 countries. Collaborating with emerging young talent to renowned artists such as Marina Abramovic, Riz Ahmed, FKA Twigs or Bernardine Evaristo, WePresent showcases the best in art, photography, film, music, literature and more, championing diversity in everything it does. The platform’s commissions range from editorial features to films, illustrations, photography series, events, exhibitions and social media activations. WePresent’s aim is to offer a fresh take on the magic and mystery of creative ideas through unexpected stories that wouldn’t have found a home elsewhere.

About WeTransfer
Having made its name in the game of quick and simple file-sharing, WeTransfer has grown into an end-to-end suite of digital solutions with users in 187 countries. WeTransfer’s set of tools are specifically designed to enable creative professionals to inspire, conceive, share, and deliver their work, enabling collaboration and co-creation along the whole creative process. Collect is the go-to app people turn to for saving, organising and sharing inspiration. Paste® is the collaborative presentation tool of choice for fast-moving teams. Paper® helps creative minds sketch, paint, and draw. And of course there’s the original file-sharing platform providing a simple and seamless way to share ideas. The company showcases its global creative community on WePresent, WeTransfer’s digital arts platform to a monthly global audience of 4 million.

As a certified B Corporation™, WeTransfer strives to use business as a force for good. Since the beginning WeTransfer has donated up to 30% of advertising real estate to raise awareness for artists, creative work, and the world’s most pressing issues such as climate change and gun control. This has led to partnerships with artists and organizations like Björk, Ryan McGinley, Solange Knowles, the Nelson Mandela Foundation, the UN Development Program.
https://about.wetransfer.com

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Hyperrealism in Art – Ultimately, Is It Art or Skill?

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Hyperrealism in Art – Ultimately, Is It Art or Skill?

Bob Lansroth

Art is often perceived as a way of detachment from reality, a key to unlocking some hidden meaning in the world that surrounds us. This is not completely true for art genres like Hyperrealism, where the line between reality and art is practically erased in paintings and sculptures these artists create. Several branches of realism are clearly focused on producing artwork which resembles a real-life image, some of them even going further and beyond.

Considered as an effective advancement of Photorealism, the newly developed style still contains some subtle differences from its predecessor. The Photorealists aimed to reproduce photographs as precisely as possible so that the human eye could not distinguish between the original and the resultant painting, whereas the Hyperrealists took the technique even further. They developed ways of including narrative, charm and emotion into painting, not leaving it bereft of “personality” as some of the Photorealism works do.

Hyperrealism can create an atmosphere of Surrealism because nobody sees the world in such detail.

Briefly known as Superrealism, Hyperrealism stood on the foundations of the US photorealistic work of the late 1960s, but to go hyper, you must go over and above, beyond the current level, which is exactly what Hyperrealism artists did. So, how far did it actually go? Did the Hyperrealists stray beyond the line of art, where their work became a mere example of superb skill, or did they, indeed, blur the lines between reality and art, making way for a new hyper-artistic expression?

Gustavo Silva Nuñez creating his artwork in the new style of hyperrealism oil painting — Gustavo Silva Nuñez creating his artwork

The Difference Between Hyperrealism and Photorealism Style

The origin of the term Hyperrealism (Hyperréalisme) could be traced back to 1973, when Isy Brachot coined for the first time as the title of a major exhibition and catalogue at his gallery in Brussels. The exhibition included influential artists such as Richte, Delcol and Gnoli, but it was dominated by the American Photorealists like Chuck Close, Robert Bechtle, Ralph Goings and Don Eddy. Ever since the event, Hyperrealism has been used as a term referring to painters influenced by the Photorealists. Following upon their roots in Photorealism, the newly grown branch of realism strived to portray the images in an ultra-realistic manner. However, it was somewhat contrasted with the literal approach found in traditional photorealist paintings of the late 20th century.

See more hyperrealistic works by Chuck Close on our marketplace!

Hyperrealism artists also relied heavily on photographic images as a reference source, but they took it one step further, aiming to create a more definitive and detailed rendering, often containing a certain amount of emotion and narrative. While Photorealists tended to imitate the photograph, Hyperrealistic painters strived to achieve a different pictorial design overall, by incorporating an element that might not be there in reality. They consciously entailed a softer and much more complex focus on the depicted subject, creating an illusion of a new reality not seen in the original photo. Still far from being surreal, the displayed illusions were captivating depictions of reality, subtly enhanced with a fresh layer of vision.

Dennis Wojtkiewicz creates hyperrealist oil paintings in the style of hyperrealism art different from realism and photorealism in 2019 — Dennis Wojtkiewicz’s hyperrealistic artwork

The Simulation of Something Which Never Really Existed

So, how can you distinctly define a hyperrealistic image when you see one? Sometimes it is not an easy task, the distinctions and differences may be very subtle and hidden from the first glance. Mainly, it is the textures, surfaces, shadows and lighting effects that are painted to appear clearer and more definite, exposing the hints of Hyperrealism. Using the philosophy of Jean Baudrillard, Hyperrealism is based on “the simulation of something which never really existed.” Relying upon digital imagery and the high-resolution pictures produced by digital cameras, Hyperreal paintings and sculptures expand upon the image and create a new sense of reality, a false reality which acts as a convincing illusion. Emotional, social, political and cultural elements are incorporated as a thematic element in the newly formed “reality”. Hyperrealists often include preliminary drawings or grisaille painting and molds into their creative process. To achieve that high of a level of accuracy, the artists usually employ photographic slide projections or multi-media projectors onto canvases or other rudimentary techniques like gridding. As for the sculptures, polyesters are applied directly to the human body or mold. There is no denying the high level of technical prowess required for this unique creative process, the masters of the genre like Chuck Close, Bert Monroy, Denis Peterson and others, are praised for their skill and ability to transform their vision into an astounding piece of art. Many artists display their creative talent through Hyperrealism, however, not all of the public and critics share the same kind of admiration for the genre…

Tigran Tsitoghdzyan is one of the hyperrealism artists — Tigran Tsitoghdzyan creating his hyperrealist artwork

The Case for Hyperrealism Art

In a world where anything can be art as long as an artist says so, an abundance of artistic works that require little to no actual skill is being praised as masterpieces and glorified as creative expressions of the modern times. So, why shouldn’t we celebrate and appreciate something which requires immense discipline, painstaking effort and a great level of skill? Hyperrealistic pieces are often derided for offering nothing beyond what a photograph or a digital image could offer, beyond the display of technical skill of an artist. Based upon that notion, hyperrealists are sometimes dismissed as “pointless”, but not all art must have an “artistic” point or any kind for that matter. Beyond the over-excitability with technical prowess, what Hyperrealism brings to the table is an embellished, heightened sense of reality, translated from an existing image in real life to a different vision of contradictions. Imperfections are what constitutes beauty, Hyperrealism thrives on that, it does not erase the blemishes, it does not straighten out faults and optimize the image to become flawless, it incorporates these elements to produce a layer of vision that would otherwise remain unseen.

Through awe-inspiring manual dexterity and prowess, the artists create a tangible solidity and physical presence. The details carry more clarity than in nature, hyperrealistic pieces are typically ten to twenty times bigger than the actual size of the original photographic reference source, thus providing us with an enhanced view of reality. Art hides both in the creative process and the finalized work, and the creative process of Hyperrealism is one of the most intricate ones in art. The finalized product of hyperrealists often questions our perceptions of reality, exploring the limits of human vision. Undeniably, it is an art form no matter how you look at it, either from the craftsmanship and skill point of view or if you admire the subtle layers of narrative added to the existing image. Hyperrealism still makes people’s jaws drop as they revel in some of the most precise and detailed works of art.

Editors’ Tip: Exactitude: Hyperrealist Art Today

Realism has played an important role in art history ever since the discovery of perspective. Here, John Russell Taylor delineates the artist’s endeavor to re-create the smallest detail, from centuries before the invention of photography to the present day. This book has been published to complement a series of shows called “Exactitude” at London’s Plus One Gallery of contemporary artists working in a figurative, hyperrealist style. The diversity of such works, whether still lifes, extreme close-ups, large-scale cityscapes, landscapes, or commercial packaging, is revealed. The artists, including Pedro Campos, Clive Head, Ben Johnson, David Ligare, Cynthia Poole, John Salt, Cesar Santander, Ben Schonzeit, and Tjalf Sparnaay, come from all over the world but are united here by their meticulous approach to their work whether they are depicting people, American diners, book spines, or car engines. 545 color, 5 b&w illustrations.

All images used for illustrative purposes only

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Trienal de Tijuana: Internacional Pictórica

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Trienal de Tijuana: Internacional Pictórica

Octubre 2021 – Febrero 2022

¿QUÉ ES?

La Trienal de Tijuana: Internacional Pictórica es un certamen de pintura que busca exponer las nuevas formas de aproximación a la disciplina por parte de las y los artistas de todo el mundo. Es una invitación de re-pensar las posibilidades y potencialidades de la pintura como medio creativo y comunicativo.

¿CÓMO SURGE?

El evento nace de la idea del maestro Álvaro Blancarte, quien propone un certamen celebrado cada tres años que reúna lo mejor de la pintura a nivel mundial y exhorte a la comunidad artística regional a reflexionar sobre su obra, explorar nuevas vertientes y trabajar con artistas de otras latitudes.

Sumándose a estos esfuerzos, los doctores Roberto Rosique y Heriberto Yépez definen las bases y filosofía del evento, en aras de que no se limite a una sola muestra expositiva, sino que conlleven diversas actividades que permitan una mayor aprehensión del público hacia lo que proponen las y los artistas.

¿POR QUÉ SE DEFINE COMO “INTERNACIONAL PICTÓRICA”?

Es de suma importancia para los organizadores del evento (CECUT y Comité Organizador) que el evento no sólo invite a la comunidad artística de todo el planeta, sino a que la vez posicione a Tijuana como un escenario donde el arte se encuentra en constante debate, réplica, reflexión y evolución; demostrando el carácter adaptable y innovador de la región. Por ello se propone como un evento internacional.

Tomando en consideración los cambios de la disciplina pictórica, es necesario detenerse a reflexionar y replantear qué significa ser innovador y cuáles son las posibilidades que nos presenta la pintura y cuáles son las potencialidades de una obra pictórica. La Trienal de Tijuana invita a sus participantes a pensar en la esencia de lo pictórico, entender lo que puede hacerse con esta disciplina y explorar hasta donde la creatividad nos permita. Por ello se propone como un evento pictórico.

¿CUÁLES SON SUS OBJETIVOS?

La Trienal de Tijuana: Internacional Pictórica tiene como objetivo a corto plazo: invitar a la comunidad artística global a reflexionar sobre lo pictórico y participar en el certamen, presentar una exposición de obras pictóricas que inciten al público a adentrarse en el debate artístico contemporáneo y apoyar la creación a través de tres premios monetarios para las y los ganadores.

Como objetivo a mediano plazo, la Trienal de Tijuana: Internacional Pictórica se propone: generar un evento que vaya más allá del espacio de la galería y se replique en una diversidad de actividades en toda la región (y allende a ésta, aprovechando las tecnologías de la información), así como mantener la vigencia de la propuesta para llevar a cabo ediciones futuras. Por último, la Trienal de Tijuana: Internacional Pictórica se propone como objetivo a largo posicionar a la región como un espacio de creación en constante evolución en el escenario artístico global, incentivar la reflexión y la creación entre las generaciones jóvenes y convertirse en un evento ícono del arte en México.

COMITÉ ORGANIZADOR

Roberto Rosique (Cárdenas, Tabasco, 1956)
Artista plástico-visual, investigador, escritor y curador. Estudió Artes en la Universidad Veracruzana, posee una Maestría en Docencia y un doctorado en Pedagogía Crítica, es profesor fundador de la Facultad de Artes de la UABC, actualmente catedrático de asignaturas teórico-críticas. Cuenta con más de cuarenta exposiciones individuales en México y el extranjero y es autor de una decena de libros sobre la cultura artística de la región.

Álvaro Blancarte (Culiacán, Sinaloa, 1934)
Artista plástico, docente y promotor cultural enfocado en la experimentación de técnicas pictóricas y en el desarrollo de la plástica contemporánea en la región. Estudió en el Taller de Artes Plásticas de la Universidad Autónoma de Sinaloa, donde posteriormente fue maestro, director y fundador de la Escuela de Artes y Oficios. También fundó el Taller de Artes Plásticas de la Casa de la Cultura de Tepepan y el Taller de Artes de la Universidad Autónoma de Baja California en Tecate. Desde 1964 ha realizado exposiciones colectivas e individuales en México y en el extranjero, obteniendo premios y reconocimientos.

CURADORA

Carmen Hernández (Santiago, Chile).
Docente e investigadora en arte latinoamericano con experiencia curatorial y muselógica. Licenciada en Artes Plásticas y doctora en Ciencias Sociales por la Universidad Central de Venezuela y maestra en Literatura Latinoamericana por la Universidad Simón Bolívar. Durante su trayectoria laboral ha desempeñado más de ochenta curadurías y coordinaciones de diversos proyectos de arte contemporáneo latinoamericano, habiendo laborado en distintos museos y universidades. Es investigadora acreditada en el Programa de Estímulo a la Innovación e Investigación desde 2012 y miembro de la Asociación Internacional de Críticos de Arte. Desde 1978 reside en Venezuela, donde se naturalizó.

Sede

CENTRO CULTURAL TIJUANA

Inaugurado el 20 de octubre de 1982, el Centro Cultural Tijuana (CECUT), es un organismo de la Secretaría de Cultura del Gobierno de México dedicado a la producción y promoción de las expresiones culturales y artísticas de la región noroeste de México, así como la difusión del patrimonio histórico, artístico y cultural de México y mundial. El CECUT cuenta con 15 espacios de exhibición, incluyendo dos salas permanentes, entre las que se encuentran espacios al aire libre, vestíbulos y la galería internacional El Cubo. Debido a estas condiciones y a su historia, el CECUT es una de las instituciones más significativas de la región, donde se han llevado a cabo grandes proyectos y se han consolidado numerosos creadores y creadoras.

EL CUBO

Inaugurado el 27 de septiembre de 2008, El Cubo contempla varios espacios para exhibición de obra, incluyendo tres galerías –las cuales suman más de 1,500 m² en total– que cumplen con los más altos estándares de calidad y seguridad para la exhibición y conservación de las piezas. Con más un centenar de exposiciones en su joven historia, El Cubo es un espacio propicio para la exhibición de cualquier tipo de obra.

Rampa de El Cubo. Exposición: En todo corazón habita un bosque de Ana Clavel, 2017

ESPACIOS DEL CECUT

Debido al carácter de centro cultural, en el Cecut se llevan a cabo actividades de diversas índoles y para distintos públicos todos los días y de forma simultánea. En el área de exposiciones, se cuentan con varios espacios para presentar obra, dentro de éstos se encuentran vestíbulos, pasillos y explanadas al aire libre, los cuales pueden ser utilizados para proponer proyectos in situ como parte de la Trienal de Tijuana.

Selección de propuestas

La selección curatorial de las propuestas enviadas a los organizadores de la Trienal de Tijuana: I Internacional Pictórica –proyecto de la Secretaría de Cultura, a través del Centro Cultural Tijuana (cecut)– obedeció al sentido ampliado de lo pictórico determinado en la convocatoria como postura no lineal que reconoce: “su carácter metamórfico, recursivo, polémico, experimental, resurgente, irresuelto, (in)tenso, ultra-dialéctico y además, interdisciplinario”. Esta iniciativa intenta fortalecer la capacidad crítica, comunicativa y dinámica de lo pictórico que hoy en día dialoga con imaginarios colectivos, reflexionando así sobre el contexto desde diversas estrategias formales, permitiendo que la imagen visual active múltiples relaciones simbólicas y expresivas, más allá de la mera representación de las apariencias o de la reproducción de esquemas perceptivos canonizados dentro del campo artístico, que afectan la dialogicidad interpretativa entre la mirada que crea y la mirada que decodifica.

De un total de 547 de propuestas recibidas, se seleccionaron 145, las cuales representan posturas propositivas que revitalizan los códigos artísticos para reflexionar sobre el contexto contemporáneo, ya sea desde una visión territorial y espacial que alude a los flujos y fronteras que nos subordinan como sujetos, así como a los límites simbólicos determinados por aquellos imaginarios sociales que condicionan la conducta individual y colectiva, o afectan el entorno natural desde una visión productivista asociada a la sociedad de consumo. Entre estas propuestas encontramos referencias a la cultura del cuerpo y sus procesos identitarios como la diversidad sexual o la maternidad. También se revisa la historia y se propone la recuperación de la memoria y del sentido lúdico del arte asociado a la danza o al mundo afectivo.

Se hizo especial énfasis en cumplir la paridad de género impulsada en la convocatoria, pero esto no fue logrado como se esperaba debido a que la participación del género femenino fue porcentualmente menor (aproximadamente un 40%). Así, quedaron seleccionadas 60 artistas del género femenino y 101 artistas del género masculino que representan las 145 autorías (algunas son duetos y otras son colectivas). Es de esperar que para las próximas ediciones haya una mayor participación del contingente de género femenino para que así se visibilice en el campo del arte el rol significativo que han asumido las mujeres en otros ámbitos.

En resumen, la selección ofrece una diversidad de propuestas que le toman el pulso a la actualidad en materia artística y cultural por medio de la recreación de lo pictórico en ensamblajes, instalaciones, video, performance y pintura expandida, en variados formatos y materiales, alejándose de los estereotipos asociados a las categorías artísticas tradicionales (como pintura y escultura) o a los estereotipos temáticos o epistémicos (como asumir que el arte es un reflejo de la realidad o que el exotismo nos identifica como latinoamericanos…). Lo pictórico ha ampliado su radio de acción al superar los reduccionismos de las categorías perceptualistas derivadas de la historia del arte, determinadas por la materialidad de las propuestas y no por su condición comunicativa. Así, lo pictórico como acto creativo asume que lo visual es un sistema de signos.

Carmen Hernández, curadora en jefe
30 de marzo de 2021

Listado de propuestas seleccionadas:

Alaíde R. Martínez
Alan Pfeiffer
Alejandro Keys
Alejandro Teutli Etcheverry
Alfredo Gallegos Mena
Álvaro Verduzco
Ana Paula Portilla «Ecopola Art»
Ángela Ferrari
Ángela González
Ángela Leyva
Aníbal Angulo Cosío
Antonio Gritón
Balam Bartolomé
Belén Basombrio
Berta Kolteniuk
Bosuk Lee
Carelyn Daniela Mejías
Carina Fabaro – Alfredo Toledo
Carlos Luévano
Carlos Milá
Carlos Vielma
Charo Carrera
Christian Becerra
Christian Borbolla
Cristiano Gabrielli
Darwin Fuentes
David Garza
David Palacios
David Roche «DaroArt»
Diana Olarte
Diego Mtz Peña
Efraín Ugueto
Elia Núñez Bárez
Ernst Kraft
Esmeralda Torres
Felipe Pacheco Brüschz
Fernando Sepúlveda
Francisco Merino
Francisco Ortiz Trejo
Francisco Valencia
Franco Méndez Calvillo
Franklin Collao
Gabriel Sánchez Viveros
Gardenia Barros
Gloria Estudillo
Gráfica al hilo
Hugo Crosthwaite
Humberto Barajas «Stranger bot»
Iliana García
Irene Dubrovsky
Irene Monárrez
Irma Sofía Poeter
Israel Urmeer
Itzel Servin «Sr. Vin»
Jaime Brambila
Jaime Ruiz Otis
Javier Pulido «Patrick Mallow»
Jermaine Carneiro «JER-C»
Joel Trejo
José Antonio Aguirre
José Chi Dzul
José Hugo Sánchez
José Manuel León
José Meza
José Tercero Mora «Peregrino»
Juan Bastardo
Juan José García
Juan José González Tovar
Juan José Valencia
Juan José Zamarrón de Léon
Juan Pablo Mapeto
Julie Hermoso
Julio M. Romero
Kirby Kendrick

Kissel Bravo
Kuki Benski
La garrapata de la oveja
Laura Elena Garduño
Leo Moyano
Leticia Herrera
Liliana Hueso
Livia Corona Benjamín
Luis Alfonso Villalobos
Luis G. Hernández
Luis Rochín
Luis Rodrigo Medina y Rutilio Medina
Luis Valverde
Luz del Carmen Magaña
Manuel Loes
Manuel Mota
Manuela G. Romo
Margareth Degeling
María Andrea Villanueva «Mischka Ippólita»
María Campiglia
María Enríquez
Mario Vargas «Miyata Hisanori»
Marisa Raygoza
Marlitt Almodóvar
Martha S. Cíntora
Matías Solar
Maura Falfán
Miguel Rodríguez Sepúlveda
Minseok Chi
Monserrat Sepúlveda
Natasha Lelenco
Néstor Jiménez
Neza Arte Nel
Norberto Treviño «Normuerto»
Omar Castillo
Omar Medina
Osiris Arias
Othón Castañeda
Pablo Bisoglio
Pablo Castañeda
Pablo Cotama
Pablo Echánove «PLO»
Pablo El Kalaka y Eva Bracamontes
Patricia Medellín
Paul Lozano
PH Joel y Darwin Cruz
Pilar Ramos
Plinio Villagrán Galindo
Rafael Blando
Rafael Montilla
Raúl Iduarte Frías
Raúl Sangrador
RevArte
Rocío Sáenz
Rodrigo Meneses
Rubén Gil
Salvador Díaz
Sasha Minovich
Sasha Ovcharov
Schin Art y ECRO
Sergio Castellanos
Silvia Galindo Betancourt
Sofía Saavedra
Sonia Franco «EZRA»
Tania EA
Tanya Talamante
Vanessa Freitag
Viviana Martínez
Wayner Tristao
Wiki Pirela
Yadira García Rubio

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