Saturday, May 10, 2025
Pérez Art Museum Miami
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BUILD THE WORLD YOU IMAGINE!

Por
AMM
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jia-jen-lin locust projects
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LAB OPEN CALL 2022

APPLY NOW FOR LOCUST ART BUILDERS (LAB):

SUMMER ART INTENSIVE FOR TEENS!

WE ARE BAAACCKK! Applications for LAB open NOW!

30 creative teens will be selected from schools across Miami-Dade to learn from professional artists and dive into the creative and practical aspects of building a collaborative exhibition from scratch at Locust Projects!

IN-PERSON DATES & TIMES FOR LAB 2022

June 27 – July 23, 2022

Monday through Thursday | 10am – 2pm 

Full scholarships, including daily meals, provided to all selected students
 

APPLICATIONS FOR 2022 LAB ARE NOW OPEN:

What’s on the application?

  • WHY IS LAB FOR YOU? Express your interest in LAB via text or video. We’d love to know what you want to learn this summer and why you are a good fit for this opportunity!
  • SHOW US YOUR CREATIVE SIDE: Share up to 8 recently completed art works, designs, or projects. You can upload photos of your work or show us your work in a short video!
  • IMAGE CAPTION SHEET: Please include a PDF with the title, media, date, and a brief description of each art work.
  • OPTIONAL: Letter of recommendation from a teacher, mentor, or advisor.

DEADLINE TO APPLY: MAY 25

LAB is a unique summer art intensive for rising 10th, 11th and 12th graders with an interest in art, design, and exploring creative careers. Selected students receive:

Art challenges and workshops from practicing artists!

BUILDER BOX filled

with art supplies!

Field trips and artist-designed shirts! Last year’s shirt (above) designed by Kelly Breez

Opportunity to collaboratively build an exhibition from scratch at Locust Projects!

APPLY HERE BY MAY 25

PEN CALL IS NOW CLOSED – STAY TUNED FOR NEXT YEAR

Build the world you imagine!

Locust Art Builders (LAB): Now in its 12th year, LAB is a unique summer art intensive for high school students with an interest in art, design, and exploring creative careers. 30 students will be selected from across Miami-Dade County to learn from professional artists in a dynamic on-site program this summer. They will dive right into the creative, and practical, aspects of completing a collaborate full scale exhibition at Locust Projects!

Want to learn more about what makes LAB so special? See this video made by past LAB students.

Program Dates & Times: This year’s program will be in-person with take home activities and field trips. The program will be held June 27-July 23, 2022 from 10am-2pm daily, with the exhibition opening the final day: Saturday, July 23. 

LAB is FREE for all students.

Students will be provided with free lunch daily.

Students may request a transportation stipend to assist with travel to and from Locust Projects.

Students will receive a Builder Box with art supplies and more along with an artist editition shirt.

Students may be able to receive community service hours for their participation; please ask your school for details.

FAQs

Who is eligible? Students currently enrolled in public or private high schools in Miami-Dade County. Students must have completed at least one year of high school by June 2022. Rising 10th, 11th, and 12th graders as well as graduating 12th graders are all eligible to apply.

Who is not eligible? Students who are in middle school, entering ninth grade in the fall, or who graduated in 2021 or prior.

Can I apply if I am not sure I want to go to art school? Of course! LAB is the perfect place to explore your interest in art or design, learn how to make things using new skills and tools, and learn all about careers in the arts. Whether or not you go to art school, LAB can help you gain confidence and learn how to problem solve creatively.

Can I work on my personal projects as part of LAB? While some tasks will involve working independently, working collaboratively with other young artists is a crucial part of LAB. Most projects, and the final exhibition, are produced as a team. Personal art practices often feed into this final result, but it is important that applicants understand that they will also be required to work closely with other young artists during LAB. If you are not open to working collaboratively as part of a team, this program might not be the right fit for you.

Can PDFs include links? Yes, they may include links to websites, video hosting services like YouTube or Vimeo, as well as links to galleries, previous exhibitions, and/or past reviews, if applicable.

Can I submit my application without using the online submission system Submittable? Unfortunately, no. All submissions must be submitted through Submittable. Submittable accounts are free. If you need assistance completing your application, please let us know by reaching out to [email protected]. We’re happy to help!

Who can I speak to if I have more questions? For more info, please contact: [email protected] or 305.576.8570. Inclusion, diversity, equity, and access are important to us. If you need assistance to participate in LAB, please let us know.

Locust Projects is committed to nurturing the next generation of creatives with Locust Art Builders (LAB) Summer Art Intensive for teens. Now in its 11th year, LAB is a unique experience for high school students with an interest in art, design, and exploring creative careers.

This year, 30 selected students from 18 high schools across Miami-Dade County met on Zoom from July 7 to July 29 to learn about creative careers through workshops with professional artists – including Marie Vickles, Octavia Yearwood, Kelly Breez, Jen Stark, Dale Zine, and Paperwater. They also completed fast-paced art challenges, explored their creativity, developed ideas, practiced new skills, and dove right into the creative and practical aspects of completing a major, collaborative art project.

For this year’s final project, students worked together to design a zine, collaborating on the theme, visuals, and text. And on Thursday, July 29, the last day of the program, they met at Locust Projects to install an exhibition, in conjunction with their zine, in Project Room II. The final result is on view now through August 7.

View the Locust Art Builders 2021 Zine here and the final report here.

Locust Art Builders 2022 is made possible through lead support from the Hillsdale Fund Inc. and the Albert and Jane Nahmad Family Foundation. Additional support provided by The Miami-Dade County Department of Cultural Affairs and the Cultural Affairs Council, the Miami-Dade County Mayor Board and County Commissioners, The Children’s Trust; The Kirk Foundation; Susan and Richard Arregui and the Friends of Next Generation.

Perez Art Museum PAMM
Pérez Art Museum Miami

Interview with Peter Frank

Por
AMM
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Peter Frank, art critic, curator
Peter Frank, art critic, curator

Interview with Peter Frank
June 2022
by Lorien Suárez-Kanerva

Writing about an Art is an art form in itself. Peter Frank spoke of “ekphrasis” in our interview. As the Greek roots of the term suggest, antiquity posits a rich legacy for the humanities. Likewise, art criticism’s basis within the framework of the social sciences links such writing to sister fields like art history, psychology, anthropology, philosophy, and sociology, among others. In “The Historian’s Craft,” Marc Bloch, a historian in the French Resistance, writing through WWII until his capture and execution, wrote earnestly about History’s meaning. As he sought to address, “What is the use of History?”

In his book, Bloch’s dedication to Lucien Febvre spoke of a mutual aspiration: “Long have we worked together towards a wider and more human history.” In this light, Bloch’s analysis served as an inspirational catalyst. Art writing evolved into an extensive body of countless articles addressing art, artists and artworks. Each writing exercise, through time, links itself to an inquiry process into the meanings that visual expression and creation reveal about being human. Why write about Art? How is Art a form of knowledge? What is the future trajectory of art criticism? As an art writer, Peter Frank addressed such questions with a poignant and engaging series of responsive comments.

LSK: What motivated your desire to understand art?

Peter Frank: I did, and perhaps still do, not have a desire per se to “understand” art. At a moment of transition and growth in my youth I found myself enchanted and mystified by visual art and wanted (as I still want) to comprehend that experience while feeding it with ever more art – without losing that enchantment. Writing about art is only one of the ways I extend my exploration of art, but writing is my “native” skill and it provides me a means of dealing reasonably (if not quite rationally) with complex experiences.

LSK: How would you describe your study of art, as a human phenomenon, a form of knowledge, a discipline of study, or a distinct written craft?

Peter Frank: All of the above, normally interwoven – and unwound and rewoven. Art invites, nay demands, interrogation and elaboration, especially because it is an entirely human endeavor. It is a mode of communication driven by its very inexactitude. Writing in response to it is, among other things, a way of fitting into that inexactitude, so as to invite the

audience to venture its own interpretations. Artists offer their responses to the inner and outer world; I offer mine in response; the audience responds to all these. Some of these responses serve to build up a body of literature around art, which ideally maintains rather than suffocates the art’s enduring, and ever-changing, aura.

LSK: What would you venture to identify as the use of art criticism, in and of itself?

Peter Frank: Art criticism is the formalization of artistic discourse at the “event horizon” between artwork and reception. (There is no boundary.) Art history manifests the discourse at a greater remove, abetted no less than hindered by the passage of time. We can respond with equal fervor to artwork produced long long ago, far far away, and right here right now. We require different tools to investigate the contexts of then-and-there and now-and-here, but whatever we do with art, we critics and historians are responsible for bringing it as vitally as possible to those looking at it with us.

LSK: Do you have a preference in your approach toward writing about art? As a drive to understand art? As a form of inquiry to further knowledge in a field of study?

Peter Frank: Again, it’s almost impossible to determine where one approach ends and another begins. And, finally, unnecessary. Scholarship, connoisseurship, the poetics of commentary, the whole discursive process is profoundly human in that it compiles observation upon observation – sometimes observation about observation – into a body of response, “literature” and otherwise. And that response doesn’t have to be written; it can mirror the artwork in question with another form of expression entirely. Someone said (jokingly if not disapprovingly),“Writing about art is like dancing about architecture.” Well,
I’ve seen some terrific, very illuminating dances about architecture. I could get onto a tangent about ekphrasis, but that would be dilatory right now…

LSK: How would you foresee criticism’s context within the field? It’s a science and discipline that’s not static but as a process changes and is in movement.

Peter Frank: Donald Kuspit, among others, argued that the critic is an artist, employing discrete creative means and impulses in the generation of discourse. I’d modify that, distinguishing art criticism from art itself by identifying art as a creative endeavor and criticism as a re-creative endeavor. I don’t value one over the other, although I generally prefer to experience art to reading about it. Indeed, I’d rather experience art than write criticism about it myself, but since that is less a distinction than a segue, I can effectively do one by doing the other – out loud.

Peter Frank does not situate himself within any particular theoretical school or practice, although he relies on many for insights and positional analyses. Since an art historical context is evolving, no final statement exists on any subject. Frank sees the artwork and the artist operating within a historical continuum. There will always be something new to be understood and brought forward in the analysis of Art. Any new school of thought that leads to the articulation of a theory will be built upon in a continuous open-ended cycle.
The process of curating shows can draw together diverse sets of artists and artworks by its very nature. It brings together Art from creators of different backgrounds and vantage points that elicit social change and intellectual evolution. It can address significant issues of and in a particular time. Frank noted that the exhibition process through curation creates social connections that can bring about global change.
Frank’s curatorial work focuses on the artist’s role as a creative agent (within a specific cultural and socio-political context) alongside a show’s institutional setting. Similarly, Frank noted that critical inquiry into the degree of comprehension and commitment an artist brings to bear in creating artwork could lead to a better appreciation of the cultural context from which it arises. Artists can speak responsibly about the particular struggles and critical issues, social and aesthetic, of their time. Such efforts are essential as parts of a chronicle where Art as a discourse furnishes the definition of what makes something an artwork.
Peter Frank’s legacy as an art writer places him at a unique vantage point to the process of writing about Art. Our interview spoke as much about being human as it did about Art. The journey of exploration that humanity has traversed in creating Art has made our efforts to understand its meaning integral to its production and reception.

About Peter Frank
Peter Frank is an American art critic, curator, and poet who lives and works in Los Angeles. Frank is known for curating shows at the Solomon R. Guggenheim Museum in the 1970s and 1980s. He has worked curatorially for Documenta, the Venice Biennale, Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, and many other national and international venues. (Source: Wikipedia)

Cover Photo courtesy of Peter Frank.

Photograph by Eric Minh Swenson.

Perez Art Museum PAMM
Pérez Art Museum Miami

Tres mujeres artistas latinoamericanas 

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Tres mujeres escultoras latinoamericanas
Tres mujeres escultoras latinoamericanas

Tres mujeres escultoras latinoamericanas  que debes conocer.

Las expresiones artísticas siempre han sido parte de nuestra historia. Las primeras civilizaciones, los primeros representantes, se distinguieron por tallados en piedra en las paredes, tallados en piedra y las primeras inscripciones hechas de diversos materiales.

Durante siglos, los nombres femeninos han quedado eclipsados en la historia del arte, gracias al machismo Los artistas quedaron tras bambalinas, lejos de los libros,los museos y las universidades. Solo mujeres con mucha pasión, coraje, inteligencia y perseverancia han podido lograr tener éxito, en campos solo para hombres, con la excepción del continente africano, que antes de que llegara las religiones, o sea el catolicismo e islam, las mujeres eran tratados a mismo nivel que los hombres. Fueron cientos de reinas africanas, les nombro las mas conocidas; Hatshepsut de Egipto, Nefertari de Nubia, Makeda de Saba, Candace de Meroe, Cleopatra VII de Egipto, Kahina de Mauritania, Amina del Pais Hausa, Sabla Wangel de Etiopia, Del Wambara de Adal, Nzinga de Angola, Beatriz del Congo, Manthatisi de Lesotho, Nandi de Zululandia, Ranavalona de Madagascar, Yaa´Asantewaa de Ghana, Nehanda de Zimbabwe. 

En el campo de la escultura, como en otras disciplinas, las mujeres artistas crean con sus manos grandes obras de arte, y nada puede envidiar a un gran maestro escultor. Le mostramos tres grandes escultoras que debes conocer para que no te pierdas la belleza y genialidad de sus obras.

Teresa Cabello

Nació en Caracas, Venezuela el 27 de marzo de 1959. Escultora, pintora y ceramista desde 1991. Cursé estudios de Arquitectura en la Universidad Central de Venezuela en Caracas y soy graduada Cum Laude en Artes en I.U. Armando Reverón en Caracas, en 2009. He trabajado como instructora de escultura en Miami Art Center, Wynwood y Five Innovation Arts en el Centro Cultural de Miramar. Directora y Fundadora de Biennale Wynwood, Miami. He participado en varias exposiciones colectivas e individuales en Europa, América y Asia. También he participado en Ferias de Arte como Artexpo Las
Vegas, Beijing, Shanghai y Shenzhen Art Fairs, Artexpo NY y FIA Caracas. Autora del Monumento al Niño Venezolano, Fundación UMA (“Una Mano Amiga”) Parque Cristal, Chacao, Caracas. Ahora estoy residencia en Pembroke Pines, Florida.

Hacer clic para leer toda la entrevista a Teresa Cabello

Dora Gabay

Soy artista, venezolana, escultora con treinta y cinco años de experiencia en mi mundo del arte, se caracterizó especialmente por modelar figuras de mujeres robustas. A la edad de treinta años dejé el camino de la publicidad, decidí emprender la ruta que siempre supe que era mi destino. Mis estudios de arte fueron en principio tomados en pequeños talleres de cerámica. Un día determine que con las pocas herramientas y conocimientos que había adquirido me enseñaría a mí misma y dejaría que mi espíritu artístico, el que me fue dado, tomar las riendas de mis manos para manifestar la creatividad y poder expresar sentimientos e historias a través de la escultura.

Hacer clic para leer toda la entrevista a Dora Gabay

Nació en Chile 1960, vivió toda su infancia en Mendoza Argentina, volvió a chile donde cursó secundaria y asistió a clases de cerámica donde se enamoró del barro con su mentor el Sr Stubens, curso Ornamentación pública con Mención en Escultura en la Universidad de Chile lo que la definió como Escultora, luego de varios años emigró a Venezuela, estudio en la escuela de Artes del Fuego Cándido Millán ,:Colegio de Arquitectos Estética de las Proporciones, Esc. Artes Visuales Cristóbal Rojas Artes del fuego, Curso de Fundición en Bronce Henry Rivas, C.A.O.C. Angelina Curiel, Escultura en Resina y Técnicas Mixtas, impartió clases por muchos años, desarrolló su carrera artística su vida por 35 años y finalmente se encuentra viviendo en Tampa Fl. Usa hace 5 años.

Hacer clic para leer toda la entrevista a Elizabeth Navarrete Rossel

Perez Art Museum PAMM
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Chromosaturation, Carlos Cruz-Diez

Por
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Chromosaturation, Carlos Cruz-Diez
Chromosaturation, Carlos Cruz-Diez

Carlos Cruz-Diez (b. 1923, Caracas; d. 2019, Paris) is a major protagonist in the story of late 20th-century art. His investigations into the ever changing and ephemeral nature of color established him as one of the key pioneers of Kinetic and Optical art. Through his experimental use of light, movement, space, and viewer interactivity, Cruz-Diez encouraged “an awareness of the instability of reality” while proposing a new definition of art as a field of active participation.

Acquired for PAMM’s collection in 2020 with funds provided by Jorge M. Pérez, Chromosaturation is an immersive environment that reimagines color as an embodied experience. Initially conceived in 1965, the installation consists of three connected chambers infused with intensely saturated red, green, and blue light. Upon entering this space, visitors are transported by a chromatic experience that shifts as one moves from one space to the next. The experience scrambles the retina, which is normally accustomed to perceiving a wide range of colors simultaneously. Eliciting both a strong sensorial and emotional response in viewers, the installation transitions from a visual experience into a bodily one, underscoring the notion of color as a material, physical phenomenon that unfolds continuously in time and space.

Chromosaturation is emblematic of Cruz-Diez’s pioneering contribution to the experimental practices that emerged in the 1960s and 1970s, which proposed the dematerialization of the object in favor of participatory situations that engage the spectator’s body, senses, and subjectivity. Cruz-Diez’s experimentations with color and sensory perception anticipated many of the relational and participatory tendencies of recent art.

Carlos Cruz-Diez: Chromosaturation is organized by PAMM’s Andrew W. Mellon Caribbean Cultural Institute Coordinator Iberia Pérez González and PAMM’s Director of Curatorial Affairs and Chief Curator René Morales.

Chromosaturation (París 1965)
Estas obras se relacionan con la idea de que en el origen de toda cultura reposa un acontecimiento primario como punto de partida. Una situación simple que genera todo un sistema de pensamiento, una sensibilidad, mitos, etc.

English description.

La Chromosaturation es un ambiente artificial compuesto por tres cámaras de color, una roja, una verde y otra azul, que sumergen al visitante en una situación monocroma absoluta. Esta experiencia origina perturbaciones en la retina, habituada a percibir simultáneamente amplias gamas de colores. La Chromosaturation puede actuar como detonante activando en el espectador la noción del color en tanto que situación material, física, que sucede en el espacio sin la ayuda de la forma e incluso sin soporte alguno, independientemente de las convenciones culturales.

Carlos Cruz-Diez (b. 1923, Caracas; d. 2019, Paris) is a major protagonist in the story of late 20th-century art. His investigations into the ever changing and ephemeral nature of color established him as one of the key pioneers of Kinetic and Optical art. Through his experimental use of light, movement, space, and viewer interactivity, Cruz-Diez encouraged “an awareness of the instability of reality” while proposing a new definition of art as a field of active participation. Acquired for PAMM’s collection in 2020 with funds provided by Jorge M. Pérez, Chromosaturation is an immersive environment that reimagines color as an embodied experience. Initially conceived in 1965, the installation consists of three connected chambers infused with intensely saturated red, green, and blue light. Upon entering this space, visitors are transported by a chromatic experience that shifts as one moves from one space to the next. The experience scrambles the retina, which is normally accustomed to perceiving a wide range of colors simultaneously. Eliciting both a strong sensorial and emotional response in viewers, the installation transitions from a visual experience into a bodily one, underscoring the notion of color as a material, physical phenomenon that unfolds continuously in time and space. Chromosaturation is emblematic of Cruz-Diez’s pioneering contribution to the experimental practices that emerged in the 1960s and 1970s, which proposed the dematerialization of the object in favor of participatory situations that engage the spectator’s body, senses, and subjectivity. Cruz-Diez’s experimentations with color and sensory perception anticipated many of the relational and participatory tendencies of recent art.

Perez Art Museum PAMM
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Waldo Balart, arte concreto

Por
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Waldo Balart
Waldo Balart

Waldo Balart (Cuba, 1931). Es uno de los miembros destacados del colectivo de artistas de arte concreto.

“Tengo un compromiso ético con la vida a través de la estética, en la cual el rigor y la disciplina me dan la forma y la estructura, y el color la fantasía.” Waldo Balart, 1990

Ha hecho medio centenar de exposiciones individuales y más de 150 exposiciones colectivas en Europa, en América del Norte y en América del Sur.

Su obra forma parte de numerosas colecciones privadas y públicas, entre ellas la Colección de “Arte concreto europeo después de 1945”, de Peter C. Ruppert, (Wurzburg, Alemania); la Colección de Mondriaanhuis (Holanda); el Museo de la Comunidad Francesa de Bélgica; Museo de Arte Moderno de Hünfeld (Alemania); la Colección de Siegfried Grauwinkel, en Berlín; así como con obra gráfica en el MoMA y en el Museo Metropolitano, de New York.

Ha publicado los libros Ensayos sobre arte (1993) y La práctica del arte concreto (2011); ofrecido charlas en varias ciudades de Europa y de EEUU; participado en multitud de simposios internacionales; publicado numerosos artículos en publicaciones especializadas en Arte; y obtenido varias becas y premios internacionales.

Mi trabajo se desarrolla sistemáticamente a través de series, al comienzo de las cuales, mi actividad es inconsciente y compulsiva.

Cronología

Por María José Gutiérrez

Waldo Balart, 1990.
1931
Nace en Banes, Cuba, en una familia de profesionales y políticos.
1949
Se traslada a la Universidad de La Habana para estudiar Ciencias Económicas. A la vez trabaja, es políticamente activo y convive con sus hermanos, más los dos expresidentes de Cuba: Fidel Castro -marido de su hermana- y Raúl Castro.
1955
Después de diplomarse empieza un posgrado en Ciencias Políticas y Económicas en la Universidad de Santo Tomas de Villanueva de La Habana.
1957
Entra a trabajar como contable en el gobierno de Batista.
1959
Tras la toma de poder de Fidel deja Cuba y se exilia en Nueva York.
1960
Comienza a estudiar arte en el MOMA y afuera es tutorizado por su vecino del Meat Market, el escultor geométrico Peter Forakis.

Waldo en el Meat Market, en casa de los Forakis. 1963. De izq. dcha: Waldo, un periodista, Phyllis Yampolsky, Peter Forakis y Coqui.

De Izq. a Dcha: Waldo Balart, Ben Birillo y Paul Bianchini, dueño de la Bianchini Gallery en uno de los primeros actos públicos de pop art, la famosa exposición The American Supermarket, 10-27-1964.
1962
Finaliza sus estudios, se casa con la cubana Brigida Gutiérrez y se muda al Lower East Side de NY, al lado de Fernando Botero y la pintora Jean Wilson. 
 
1963
Se divorcia y construye la serie Lienzo sobre lienzo (1964). Mientras en NY se relaciona con muchos artistas y gente especializada en arte, viaja por Europa y Cesar Manrique lo introduce en el grupo de informalistas españoles.

De izq. a dcha: Leni Manrique, Waldo Balart, Martín, Vicente Vela, César Manrique, Eusebio Sempere. Madrid 1964.

Andy Warhol Makes a Film by Marcelo Montealegre.
1965
Expone individualmente en la Galería Cisneros de NY, donde realiza numerosas exposiciones y contacta con los artistas latinos. También actúa en la película de su amigo Andy Warhol: La vida de Juanita Castro.
1967
Expone su serie Esmalte a fuego sobre Hierro en la Galería Iris Clert de Paris y en su casa de Los Hampton, Warhol le graba para Los amores de Ondine.

Waldo, Andy Warhol y Manuel Peña en casa de Waldo de East Hampton, verano, 1967.
1968
Se muda al SoHo y crea la serie Serigrafía en cartón montados en formica blanca.
1969
Dentro de casa-estudio construye y convive con su gran obra Proposición vivencial.

Proposición vivencial (1969). Waldo Balart (junto a su obra).

Cityscapes en Benson Gallery, 1970.
1970
Elabora la serie Cityscapes y su obra el Lenguaje modular del color, resumen de su primer método de trabajo. Aparte, participa en el 1º Festival del SoHo, se casa con la americana Cynthya y se cambia a la Galería Graham de NY.
1971
Se traslada a Madrid para trabajar en la empresa financiera de su hermano.

Museo de Arte Contemporáneo de Madrid, 1972.
1972
Expone individualmente en el Museo de Arte Contemporáneo de Madrid con la serie de pintura sistemática Cajas, mas la escultura Liberación del cubo y se integra en la segunda generación de artistas constructivistas de Madrid.
1973
Sufre y se recupera de dos traumáticos accidentes de coche que casi le dejan paralítico, entre los cuales se divorcia de nuevo. 

Waldo en su estudio apoyado sobre ESCEDIF II.
1975
Después de un tiempo de recuperación, se traslada a un bajo para reencontrarse con su labor creativa y produce sus esculturas Escedif I y Escedif II. 
1977
Se traslada por trabajo con su hermano un año a Paraguay y otro a Brasil.

Waldo con una amiga.
1979
Regresa a Madrid y empieza a trabajar como articulista de arte.  También pinta su primera serie bidimensional: Conjuntos no vacíos.
1983
Crea la serie de dibujos Estructura de la luz y se inventa la codificación que aplica a toda su obra: el Código de la estructura de la luz.

Dibujos Estructura de la luz en Galería Casado Santapau, 2017.
1985
Pinta las series Código y Discriminación de la estructura de la luz.
1986
Acude a su primer certamen de arte concreto europeo y desde entonces es asiduo a este tipo de eventos internacionales, como artista y como teórico.

Waldo en su estudio pintando la serie Desarrollo Cromático del CEL.
1988
Inventa el Orden Axiomático -su método de trabajo actual- y gesta los dibujos Desarrollo cromático de CEL, por los que pinta la serie Imagen ortogonal. Al unísono colabora con la Galería Edurne y con Atelier-Editions FANAL.
1989
Organiza -con Julían Gil- un evento internacional de arte concreto en Madrid y después se traslada a vivir a Lieja, donde expone individualmente con el entonces considerado mejor pintor geométrico de Bélgica: Jo Delahaut. 
1991
Produce la serie Imagen fragmentada integrada de ángulo variable en formato cuadrado.
1993
Físicamente comienza su deterioro por los accidentes sufridos y decide volver a Madrid. En tanto lo consigue asiste a numerosos eventos internacionales de arte concreto en centroeuropa y efectúa las series de dibujos Desarrollo del Color (1993), Imagen fragmentada integrada de ángulo variable (1994), Color Stream Field Forces (1994) e Imagen fragmentada integrada de ángulo variable (1995) de módulos rectángulares, la cual da lugar a la serie de pintura Imagen fragmentada integrada de ángulo variable (1995) en formato rectangular. También comienza su serie de Pinturas negras (1996). 

Waldo Balart en una entrevista en la Galería Edurne, 1994.
1996
Ya en Madrid continúa en colaboración con la Galería Edurne y Daniel Roy se convierte en su galerista de Berlín. 
2000
Expone individualmente la serie modular Imagen fragmentada integrada ortogonal en la Mondriaanhuis, Amersfoort, Holanda.

Waldo en Systeem & Intuïtie, en la Mondriaanhuis, Amersfoort, Holanda.

Retrato de Waldo y la Escultura de Luz en Casa Galicia, Madrid, 2002.
2002
Elabora su obra Escultura de luz y los sistemas modulares de Imagen fragmentada integrada de ángulo variable (2002) en formato cuadrado. 
2007
Pinta la serie Injerencias y expone una de ellas en el Museum im Kulturspeicher Würzburg, Alemania, con lo que su obra es incluida en la prestigiosa colección alemana de arte concreto Peter C. Ruppert.

Ruppert, Waldo y Weinhold en la Galerie Für Konkrete Kunst, Berlin, 2006.
2008
Exhibe de manera individual en el Museum Modern Art Hünfeld. 
2009
Expone individualmente en la Mies van der Rohe Haus de Berlín, Alemania y es incluido en la Collection Grauwinkel. 

“Summertime is already here”, en la Mies van der Rohe Haus, 2009.

Chromatic systems: Waldo Balart (2012).
2012
Presenta en Miami su libro La práctica del arte concreto y el documental Waldo Balart en concreto. Por lo que la Galería Henrique Faria Fine Art de NY lo expone individualmente y lo lleva a multitud de ferias: Pinta, The Armory Show (NY), Art Fair, Art Basel, Arco, Pinta Londres, PARC-Perú Arte Contemporáneo, etc. También inicia la serie de pinturas Nudos.
2013
En Europa expone colectivamente en el Museum für Konkrete Kunst de Ingolstadt, Alemania -el más importante de arte concreto-; y en el Vasarely Múzeum de Budapest. En Miami expone individualmente en la Galería Ideobox y la orquesta sinfónica estrena una pieza musical compuesta por el director Eduardo Marturet inspirado en sus pinturas, con ellas de fondo. Igualmente, su obra sigue expandiéndose en las ferias de arte anteriormente citadas, ahora también de la mano de otras galerías. 

Concierto «Dos lecturas de Waldo».
2016
Expone individualmente en la Galería Guillermo de Osma de Madrid y con ello se destaca su reconocimiento internacional al nivel de los mejores creadores.
2017
Entra a formar parte del PAMM (Perez Art Museum Miami), el mejor museo de arte contemporáneo de Miami, dirigido por Jorge Pérez. 

Vista de la exposición Abstracting History en el PAMM, 2017. A la derecha obra de Waldo Balart,Trilogía neoplástica, 1979. Cortesía de PAMM.

Inauguración de la exposición en el Museo del Greco, Toledo.
2018
Expone individualmente en el Museo del Greco de Toledo y en la Galería Roy de Mallorca, de su agente alemán Daniel Roy -que le representa en Europa junto con el resto de artista concretos importantes-.
2019
Expone –comisionado por Alfonso de la Torre– la gran escultura de nudos Dos universos paralelos de rayos de energía cromática comunicados, en uno de los seis escaparates de El Corte Inglés de Madrid, dedicados a los artistas plásticos internacionales más prestigiosos.

Waldo junto a su obra Dos universos paralelos de rayos de energía cromática comunicados.

Nudos Génesis, 2020, Galería Casado Santapau.
2020
Expone individualmente en la Galería Casado Santapau de Madrid en coincidencia con el inicio de la pandemia de COVID-19, cuyas rígidas restricciones limitaron la muestra a cumplir con su cometido -dadas las circunstancias-, pero sin poder alcanzar el éxito correspondiente a su magnitud.
2021
Expone individualmente en el Museo Francisco Sobrino de Guadalajara, con la nueva obra de la serie Nudos, recientemente expuesta en la Galería Casado Santapau, más algunas obras inéditas.

Waldo Balart y María José Gutiérrez a la entrada del Museo Francisco Sobrino.

La práctica del arte concreto

El Camino hacia el conocimiento de la sociedad europea

Considerado uno de los referentes del arte concreto a nivel mundial, con obra en colecciones como las del MoMA o el Metropolitano de New York, Waldo Balart nos explica en este ensayo el arte concreto dentro de un nuevo marco conceptual y de referencias, más allá de las que ofrece la historia del arte occidental, las cuales considera obsoletas, ofreciéndonos una nueva visión semiótica de esta práctica artística, tanto desde el punto de vista del creador, como desde sus aspectos más formales.

Waldo Balart nos explica en este ensayo el arte concreto dentro de un nuevo marco conceptual y de referencias, más allá de las que ofrece la historia del arte occidental, las cuales considera obsoletas, ofreciéndonos una nueva visión semiótica de esta práctica artística, tanto desde el punto de vista del creador, como desde sus aspectos más formales.

Una selección de sus ensayos sobre Arte, publicados en diferentes medios de comunicación de Europa. Además, incluye varias ponencias leídas en varios simposios internacionales.

Estos trabajos reunidos de Waldo Balart se publicaron en diversas revistas y comprende su producción ensayística desde 1981 a 1992. Con artículos, presentaciones, entrevistas y textos de catálogos. Contiene textos en español, inglés, francés y alemán.

Lo que plantea Balart es una búsqueda de la espiritualidad en el Arte, considerando las variables de tiempo y de espacio desde una perspectiva del lenguaje plástico, a la vez que encuentra una equivalencia sensible entre su expresión artística y la mística de las culturas orientales.

Prólogo de la mano de Alfredo Triff.

ISBN: 978-84-96846-48-7; Aduana Vieja Editorial, 2011

Fuente: Waldobalart.com

Perez Art Museum PAMM
Pérez Art Museum Miami

Interview with Noah Becker

Por
AMM
-

Interview with Noah Becker, Artist, Musician and Whitehot Magazine Editor
June 2022
by Lorien Suárez-Kanerva

Noah Becker was a pioneer who began Whitehot Magazine during the digital online magazine beginnings. Becker spoke in a matter of fact and incisive way about his experiences and outlook as a NY based magazine editor. His words bring to mind some of Henry Miller’s commandments regarding a writer’s engagement and process of work. “Work on one thing at a time until finished. Work according to Program and not according to mood. Stop at the appointed time! When you can’t create you can work.” Since its initial stages in early 2000, Whitehot Magazine has expanded under his management to include numerous international cities with an extensive reach of writers capturing the ongoing events in the arts at their locations.

Figure at the Outskirts of a City, 2019, Acrylic on canvas, 48 by 36 inches

LSK: What motivated you to create a magazine? How did you conceive of starting Whitehot Magazine? Why did you call it Whitehot?

Noah Becker: In 2005, I had a vision that the art world would move from print magazines to online magazines. I was exactly right – and I changed art history and art publishing forever. All the writers who worked with me are part of this history and are also responsible for pushing it to its zenith and ascending to the heavens with me.
“Whitehot” was deliberately spelled with no space between the words. It was a conceptual piece in a way, which, to my surprise, became an actual art magazine. The name “Whitehot” was inspired by names like White Cube, White Columns or the song “White Light White Heat” by the Velvet Underground. Even Yoko Ono and the Beatles’ White Album came to mind…

LSK: What are your ambitions, or how do you see the magazine’s evolution moving towards a particular horizon in the field?

Noah Becker: William S. Burroughs said, “Time; a landing field.” That quote was instructive to me. It’s a matter of patience and staying the course. I have no ambitions; I’m already more successful than I dreamed I would be. If that sounds pretentious, I’m ok with that – it was not an easy path…

LSK: What would you envision your legacy, or would like it to be, in the arts within all your spheres of action as a magazine editor, writer, painter and musician?

Noah Becker: It depends on if an artist cares if their corpse gets attention after they die. I still can’t decide if I should care about post-death career options?

Skulliver’s Travels, 2021, Acrylic on canvas, 48 by 36 inches

Becker is a Canadian artist that frequently travels between British Columbia and New York. He’s had numerous solo shows, including a set of retrospectives at MoMA. His remarks on his background and professional life experiences signal a Zen-like austerity with sparsity in outlook towards embellishment drawn towards raw facts and straight talk.

Sabbatical, 2020, Acrylic on canvas, 48 x 36 inches

LSK: Your mother, Florence Becker, is an author and a potter. Can you describe her influence on your outlook on art-making and writing? How does her legacy move you?

Noah Becker: My mom is still alive, so I can’t talk about her legacy yet. But she’s taught me to stay positive. She’s also a calligrapher and home-schooled me. So she’s been hugely influential in my life…

LSK: How has the geographical transition from your sphere of life in British Columbia and to New York informed and influenced your creative process and work as a writer and magazine editor?


Noah Becker: They call that being “jet-set”, and that’s been a lot of my life. I’ve been flying back and forth between NYC and western Canada for years. Being on airplanes is an exciting experience. Having the natural beauty of British Columbia and the talent pool in NYC is a nice contrast. So many aspects of this jet-set kind of lifestyle have enriched me.

Large Red Interior with Vase of Flowers, 2022, Acrylic on canvas, 72 by 56
inches

LSK: What have been your greatest joys and points of satisfaction creatively (with art and writing)? And on the flip side, what has been your most hard-hitting experiences or lessons as an artist, writer and editor? What are some of the most significant motivations that catalyze your work today and your aims?


Noah Becker: I don’t see all the definitions and labels in 2022. Everyone writes and creates art and publishes things. I’m doing a long-term monumental approach, a large scale project. Many are doing the same kind of thing in a smaller or private way.

The Raconteur, 2021, Acrylic on canvas, 48 by 36 inches

LSK: How would you describe your experience with the therapeutic, meditative, transcendent and sublime in art as a factor in your creative journey?


Noah Becker: That all sounds too seductive to me. An artist can create all that seductive stuff for consumers but have an awful time doing it. You can have a nice time too, but if the end result is mediocre, then all that solipsism is a waste of time. Art should be more than making yourself all warm and fuzzy.

Dance of the Infinite Wish Stones, 2020, Acrylic on canvas, 60 by 48 inches

Becker’s multifaceted creative sphere of action as a musician, painter, writer and founding editor of an online contemporary art journal certainly would be the grounds for nightmarish multitasking troubles. A trouble shooter’s steely clear-sighted sense of direction is a purposeful compass. Becker effectively connected an international art writers network.

Henry Miller’s other commandments come to mind. “Cement a little every day, rather than add new fertilizers. Discard the Program when you feel like it—but go back to it next day. Concentrate. Narrow down. Exclude. Write first and always. Painting, music, friends, cinema, all these come afterwards.”

Mysterious Strangers in a Landscape, 2021, Acrylic on canvas, 48 by 36 inches

LSK: You are an accomplished saxophonist playing with prominent musicians and venues. You contributed to the soundtrack for the documentary on New York’s art scene, New York Now. How did you transition to encompass a creative scope of life as a musician, artist, writer and editor of an art magazine? Have you found yourself torn between work identities as one gained more notice?

Noah Becker: There are no categories; those are just words. I do things at a professional level or not at all – I’m not a hobby artist. There’s no transition to or from anything. I’m creative, and my creativity is my work. It’s all my work.

Red Room #2, 2021, Acrylic on canvas, 48 by 36 inches

LSK: Were you to make a selection of paintings that marked important moments in your life or your favorites, which would you choose? Can you elaborate on the significance of each one for you?

Noah Becker: I don’t have a lot of specific comments on my paintings. I just kind of keep making them. If I overthink, I stop making paintings.

Red Room, 2021, Acrylic on canvas, 48 by 36 inches

LSK: Concerning NFTs, you’ve embraced them much like you did the digital framework for your art publication. What would you say makes NFTs not just a current reality but a potentially significant development in the arts? What insights have you gained from working with NFTs? How would you advise artists from your vantage point about working with NFTs?


Noah Becker: The NFT market is like the art world – it’s affected by the market and world events. I’m seeing NFT artists making art with or without sales. There’s a great authentic creative NFT community there. I encourage everyone to join. NFT is part of the Web 3 future, but there’s much more happening. It’s good to explore and meet new art friends along the way.

The Collector’s Ranch, 2019, also titled The Valley, Acrylic on canvas, 48 by 36
inches

To conclude, Henry Miller noted a series of lighter commandments: “Don’t be nervous. Work calmly, joyously, recklessly on whatever is in hand. Keep human! See people, go places, drink if you feel like it. Don’t be a draught-horse! Work with pleasure only.” This lighter reality is noticeable in Becker’s openness to new movements in the arts, embracing a digital publishing platform in its day and NFTs today, and in his earnest effort to connect with other creatives, decision-makers and actors at countless art events over decades.

Perez Art Museum PAMM
Pérez Art Museum Miami

STVOO8 presenta el disco “EIGHT” 

Por
AMM
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STVOO8
STVOO8

El talentoso STVOO8 presenta el disco “EIGHT” 

“E I G H T” (que significa 8 en inglés) es la nueva producción discográfica del artista, ya disponible en todas las plataformas digitales. El artista aseguró que dicho número, el ocho (8), es el sello que lo identifica. Se trata de un álbum de reggaeton con ocho estilos diferentes. “E I G H T, el 8, STVOO8 lo que me identifica”, señaló. “Lo que quiero expresar a mi público es siempre divertirse y reflexionar. Puro reggaeton para perrear, cantar, llorar”, dijo STVOO8. Los otros temas que integran el flamante álbum son “Ya me cansé”, “Dulce y deliciosa”, “El terremoto”, “Monumento”, “No es que sea mala”, “La ideal”, y “Deja eso”. Dispara Gatillo, productor personal del intérprete, está a cargo de la producción del material. STVOO8 atraviesa un gran momento de su carrera ya que viene de varios meses de recibir éxitos, reconocimientos y mucha repercusión en medios radiales y audiovisuales en Latinoamérica, principalmente gracias al popular tema “Activo como STVOO8 (Remix)”. El cantautor se mostró satisfecho con el recibimiento que ha tenido su canción: “El público ha recibido el tema muy bien. Actualmente con 16 mil vistas en YouTube y progresando”. Junto con “Activo como STVOO8” lanzó otros dos sencillos para deleitar con un ritmo para discoteca (house) “Sigue La Fiesta” y “Que Bien Me Siento” en colaboración con otro nuevo talento, MulaBoss Durante la promoción de “Activo como STVOO8” y las otras dos canciones tuvo la oportunidad de participar en el gran Festival “Calle 8”, donde recibió el calor de sus fans y los presentes. “Gracias a dios eso todo fue un espectáculo”, expresó el artista. Asimismo, confesó que nunca se había presentado ante tanta gente. “Ahí yo canté en vivo ‘Activo como STVOO8’ y a la gente le encantó”, dijo.

El primer tema de difusión se titula igual que el álbum, “Eight”; 

Enlace para escuchar “EIGHT” en Spotify

Perez Art Museum PAMM
Pérez Art Museum Miami

Elizabeth Navarrete Rossel, escultora

Por
AMM
-
Elizabeth Navarrete Rossel
Elizabeth Navarrete Rossel

Elizabeth Navarrete Rossel, artista latinoamericana

¿Quién es Elizabeth Navarrete Rossel ?

Nací en Chile 1960, viví toda su infancia en Mendoza Argentina, volví a chile donde estudié secundaria y asistí a clases de cerámica donde me enamoré del barro con su mentor el Sr Stubens , curse Ornamentación pública con Mención en Escultura en la Universidad de Chile lo que me definió como Escultora, luego de varios años emigre a Venezuela, estudió en la escuela de Artes del Fuego Cándido Millán, Colegio de Arquitectos Estética de las Proporciones, Esc. Artes Visuales Cristóbal Rojas Artes del fuego, Estudios de Fundición en Bronce Henry Rivas, C.A.O.C. Angelina Curiel, Escultura en Resina y Técnicas Mixtas, impartió clases por muchos años, desarrollé mi carrera artística durante 35 años y finalmente me encuentra viviendo en Tampa FL. desde hace 5 años.

En tus trabajos de escultura, ¿tienes presente y usas deliberadamente la llamada “divina proporción” o “sección de oro”?

No lo Utilizo conscientemente; pero sin duda que debe estar la proporción ya que solo soy un canal captando una voz que viene desde muy adentro (Intuición) Dios o Poder de Vida es Omnipresente e invariable.

¿Qué te impulsa a dedicarte a la práctica artística?

Creo que no se decide, es un impulso interno que en un comienzo no se entiende, en el camino y a través de la introspección uno se da cuenta que era su misión en la vida.

Elizabeth Navarrete Rossel

¿Qué ansiabas?, ¿Lo has logrado?

Quiero poner la belleza al alcance de todos, creo firmemente en la CATARSIS, a veces las personas nos quedamos pegados en lo desagradable siendo que tenemos elección, aprender a dominar la mente o a dirigirla. No es fácil, pero como todo músculo que nos pertenece se fortifica usándolo y en este caso la obra nos ayuda enfocándose en lo bello, comienzan las imágenes, luego el deseo de querer estar mejor y empieza con el Gran Cambio, esto nos llena de energía nos da fuerza para realizar lo que vinimos a hacer, que es lo que más nos gusta; sin temores puesto que nos encontramos trabajando para la vida poder y esto tiene sus recompensas, tenemos que aprender a creer a través de los resultados de la práctica.

Pienso que, si lo he logrado, aunque me gustaría tener más alcance.

Defínete mediante hashtags o etiquetas.

#escultura

¿Cuáles son los temas de tu trabajo artístico?

EN EL SILENCIO…UNA VOZ

QUE NOS IMPULSA MAS ALLÁ DE NUESTRO PROPIO ENTENDIMIENTO 

QUE NOS ARRASTRA MAS ALLÁ DE LA RAZÓN 

NOS LLEVA A CONOCER LOS MÁS INSOPORTABLES SUFRIMIENTOS 

LOS MÁS PLACENTEROS MOMENTOS 

EL ÉXTASIS MÁS PROFUNDO 

¿QUIEN? ¿POR QUÉ? ¿DE DONDE? ¿HACIA DÓNDE? ¿QUE? 

EL DESEO 

FUEGO INTERNO QUE NO SABEMOS MANEJAR, NI CANALIZAR 

QUE NO CONOCEMOS EN REALIDAD 

FUEGO 

CÁLIDO

Fuego-Deseo

Quema, no se puede desobedecer, surge de las mismas entrañas del Alma, como de la tierra explota un volcán, obligante,            

El Deseo” La Voluntad del El Poder Vida” Fuego Divino.

Por esta razón son fálicas, seductoras, sensuales, dinámicas,

Representadas en volúmenes de distintos, materiales como:

Bronce Pulido el deseo a través del cuerpo físico

Polímeros Monocromáticos el deseo a través del cuerpo mental

Polímeros Policromados el deseo a través del cuerpo emocional

Resinas translúcidas, ahora nos vemos hacia adentro, el deseo a través del cuerpo espiritual

Bronce, Mono cromado, Policromado y Transparencia

Quinta esencia, el hombre dios

¿Qué es para ti la escultura?

 TODO jajajaj  Ok

 Hacer escultura para mi es como tener hijos, vienen a través de mí, a diferencia de los hijos que solo tuve tres, puedo ser canal para muchas de ellas, aunque igual se van siempre se puede empezar la siguiente que le da motivo a mi vida y a mi respiración.

¿Nos puede decir que evoca su obra?

Fuego

¿Algún proyecto, pendiente, que te gustaría realizar

Uffffff Si!  sueño con poder traer las obras que quedaron (todas ) en Venezuela y yo no puedo volver porque soy Chilena , me quede sin Visa , para hacer una exposición aquí y que más personas tengan la posibilidad de disfrutarlas 

Perez Art Museum PAMM
Pérez Art Museum Miami

SOLO THEATER FEST

Por
AMM
-
ARTEFACTUS, 12302 Southwest 133rd Court, Miami
ARTEFACTUS, 12302 Southwest 133rd Court, Miami

SOLO THEATER FEST (STF) – Segunda edición

ARTEFACTUS, 12302 Southwest 133rd Court, Miami, United States

El festival Solo Theater (STF) regresa al escenario de Artefactus Black Box del 14 de
mayo al 13 de junio, con un atractivo programa que incluye un concierto, talleres, una
exposición fotográfica y la presentación de reconocidos actores que asumen el riesgo y la
aventura de trabajar en solitario. Solo Theater es un festival centrado en espectáculos
unipersonales, que se propone empoderar al actor, ofrecer una oportunidad para la
exploración artística, y propiciar la confluencia de estilos y estéticas.
El viernes 14 de mayo tendrá lugar la apertura del festival con la exposición fotográfica
titulada “Familia, amigos y otros entes domésticos”, a cargo de Arturo Arocha. En esta
muestra, el artista aborda la soledad del individuo, en escenarios teatrales y de la vida
cotidiana; gestos, rostros, cuerpos y detalles que ocupan el primer plano de la lente. La
muestra reproduce habitaciones de una casa, donde el espectador entrará en contacto con
las piezas expuestas.
La noche del sábado 15, a las 8:30 pm., tendrá como invitados a la soprano Eglise
Gutiérrez, la cantautora Rita Rosa Ruesga y el pianista y cantautor Lázaro Horta, quienes
ofrecerán un concierto íntimo en el que interpretarán canciones de compositores cubanos
de todos los tiempos, así como temas originales del nuevo disco de Rita Rosa Ruesga:
canciones dedicadas a las madres y, muy especialmente, a las abuelas que han muerto a
consecuencia de la actual pandemia.
En la segunda semana del STF (21, 22 y 23 de mayo) se presentará el actor Déxter
Capiro en “El álbum”, texto de Virgilio Piñera, en versión y dirección de Raúl Martín. La
historia tiene como protagonista a una anciana estrafalaria que celebra una extraña
ceremonia, con la asistencia de personajes imaginados. El suceso deviene pretexto para
hablarnos de la soledad de alguien que ha quedado atrapado en el pasado y en la añoranza
de sus años de juventud, y que se empeña, como la imagen de la fotografía, por aparentar
un esplendor que ya es imposible.
“La gran tirana”, una pieza teatral que recrea la vida de la célebre cantante cubana
Guadalupe Yolí, “La Lupe”, se presentará los días 28, 29 y 30 de mayo. La obra, del
dramaturgo santiaguero Carlos Padrón, es interpretado por María Teresa Pina, bajo la
dirección de Verónica Lynn. La historia es un acercamiento a la vida de excesos y triunfos
de la gran diva de los escenarios, nacida en Santiago de Cuba y fallecida en Nueva York,
el 28 de febrero de 1992. Esta Lupe “regresa” de la muerte para evocar sus días como
mujer y artista, para revivir sus glorias y errores en la vida y en el mundo del espectáculo.
El jueves 3 de junio se transmitirá por la plataforma de Artefactus en Facebook la obra
“Ofelia”, del escritor Jorge Carrigan con la interpretación de Oneysis Valido. En esta
breve pieza teatral, inspirada en el personaje de Williams Shakespeare, la prometida de
Hamlet regresa de la muerte para ofrecernos una versión particular de su historia
amorosa, y sobre todo de su entrega a los proyectos de un joven alucinado.
Siete años después de su estreno mundial, el actor Tomás Doval asume el desafío de
enfrentar, en solitario, un nuevo montaje de “Sin retorno” (4, 5 y 6 de junio). La propuesta
del autor y director, Rolando Moreno, intenta teatralizar el desarraigo, esa turbadora
sensación de no pertenecer, de estar de paso, que asalta a todo emigrante. El autor utiliza
en su auxilio el sensible cuaderno de poemas “De vuelta”, de José Abreu Felipe, para
redondear —con el vuelo lírico que aporta el poeta— su propuesta en clave irónica sobre
las desesperanzas del viaje sin retorno.
También los días 4, 5 y 6 de junio, en la segunda hora del programa, se presentará la
actriz Marcia Arencibia-Henderson en “La vida en rosa”, basada en los cuentos: “Adefesio”
y “La tele”, del escritor cubanoamericano Rolando Morelli. La historia de Yoyi, la
protagonista, es la de una mujer abandonada a su suerte desde niña en una isla-cárcel, con
todo lo que implica el encierro y la pérdida de los seres queridos.
Culmina el festival con los monólogos: “La ventana que da al patio” y “No me hagas
llorar”, textos y puestas en escena de Eddy Díaz Souza, que se presentarán los días 11, 12
y 13 de junio. “La ventana”, interpretada por Miriam Bermúdez, recrea los confusos días
de una vieja actriz, que sobrevive en un desvencijado cuarto. Mientras la policía requisa
su habitación y sus pertenencias, ella insiste en la desaparición de su hijo, cuenta sobre los
últimos días de convivencia, repasa sus glorias pasadas y revive anécdotas íntimas, en las
que se desvelan pasajes crueles y amables que han marcado su vida.
La actriz Belkis Proenza, por su parte, se presentará con la obra “No me hagas llorar”,
donde interpreta a una hija que decide mudarse al patio con su madre, ante el horror de
contagiarse con el virus que ha desatado la pandemia. Abandonadas a su suerte, madre e
hija, desechan toda esperanza de ser rescatadas de la soledad. Mientras se mudan al patio,
renacen viejas historias. Se habla de la vida, de generaciones de mujeres, de la desaparición
del pájaro que tenían en una jaula y del hijo, empeñado en adoptar una niña.
Solo Theater Fest es una iniciativa de Artefactus Black Box que alcanza su segunda
edición gracias al patrocinio del Departamento de Asuntos Culturales del Condado Miami
Dade, Windhover Foundation, HISTEPA y Context Medical Group.
Todas las funciones se realizan los viernes y sábados a las 8:30 p.m. y los domingos a
las 5:00 p.m., en Artefactus Black Box (12302 SW 133rd CT. Miami, FL 33186. Teléfono:
786-704.57.15.).

Perez Art Museum PAMM
Pérez Art Museum Miami

Dora Gabay, escultora

Por
AMM
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Dora Gabay, artista latinoamericana.

¿Quién es Dora Gabay?
Soy artista, venezolana, escultora con treinta y cinco años de experiencia en mi mundo del arte, me caracterizó especialmente por modelar figuras de mujeres robustas. A la edad de treinta años dejé el camino de la publicidad, decidí emprender la ruta que siempre supe era mi destino. Mis estudios de arte fueron en principio tomados en pequeños talleres de cerámica. Un día determine que con las pocas herramientas y conocimientos que había adquirido me enseñaría a mí misma y dejaría que mi espíritu artístico, el que me fue dado, tomará las riendas de mis manos para manifestar la creatividad y poder expresar sentimientos e historias a través de la escultura.

En tus trabajos de escultura, ¿tienes presente y usas deliberadamente la llamada “divina proporción” o “sección de oro”?
Yo no uso nada de eso, lo que uso es la magia, el impulso creativo de mirar en mirar pantalla mental una emoción o sentimiento y plasmarlo ya sea en mi tema del criollismo o en el circo

¿Qué te impulsa a dedicarte a la práctica artística?
Lo que me impulsa viene de mi Don, vine del deseo detraer a la realidad esos personajes que habitan en mi interior, con eso tengo todo lo que me impulsa a vivir dentro del mundo de las artes.

¿Qué ansiabas?, ¿Lo has logrado?
La verdad nunca soñé con la gran fama, lo que he hecho lo hice para complacerme, hacerme feliz, es lo que amo hacer, es mi pasión. He logrado muchas cosas que me he propuesto en este largo camino dentro del arte,desde tener mi propia fundición en Venezuela y aprender sobre este tema, tener exposiciones individuales y sobre todo el autoconocimiento de mi desarrollo con el arte.

Defínete mediante hashtags o etiquetas.

Soy: #Soñadora #impulsadora #hacedora #Optimista #Creativa #Valiente #Amor.

¿Cuáles son los temas de tu trabajo artístico?

El Criollismo es decir las mujeres de los pueblos y su sencillez en su vida cotidiana y el circo que es la magia misma de la vida hecha en color.

¿Qué es para ti la escultura?
Para mí la escultura es un cúmulo de técnicas que da cabida a un nuevo ser. La escultura es mi templo, es sin temor a equivocarme lo que más he disfrutado de esta vida.


¿Nos puede decir que evoca su obra?
La obra del criollismo me trae recuerdo de mi infancia, de mi vida en barlovento y de viajar por Venezuela, viendo a las mujeres en su vida cotidiana.

¿Algún proyecto, pendiente, que te gustaría realizar?

Pendiente tengo muchos proyectos, mi libro que habla de mi historia personal,de los pasos que tuve que dar hasta llegar a consolidar como artista. En los pendientes también tengo un número importante de obras por hacer, esto están por el momento en animación suspendida .Actualmente me dedico a modelar mi vida personal, son muchos los cambios que he venido atravesando en esta experiencia de vivir fuera de mi país Venezuela.

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