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Friday, February 13, 2026
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Filosofía del Barrio: El Silbido de Bala

Filosofía del Barrio: El Silbido de Bala

Se puede dar  un acercamiento  a la filosofar barrial a través de la fotografía participativa,  junto a  las entrevistas  de reporteros  comunitarios, dibujos proyectivos y cortometrajes participativos filmados y editados por los jóvenes del barrio. Este cruce de  sensibilidades  captan las latencias  existenciales de estos espacios. Así,  se trama la desesperanza de los adultos que siempre han vivido en el barrio 1° de Mayo del Cementerio con la contrastante alegría, de niños y jóvenes que le dan un sentido a su existir.

Los fotógrafos amateur de niños y jóvenes, al ver  las materializaciones de  sus miradas  reflexionan,  conceptualizan,  y comparten   sus conclusiones a través de  diarios visuales. Así, al distribuirse  las cámaras  -digitales-,  en un  sector como es el barrio 1° de Mayo, en el Cementerio, se transforman estas  herramientas  en una dimensión cognoscitiva  y potenciadora del pensamiento crítico, y por tanto de una praxis transformadora. La estética de estas fotografías  es espontánea,  natural y adquiere una fuerte dosis  de originalidad compositiva.

MITOS URBANOS: La Cruz del Sector 1° de Mayo

De  las  cámaras distribuidas entre niños (10 a 15 años) y  adultos (30 a 50 años), un gran porcentaje de las imágenes fueron tomadas en una  pequeña  plaza paralela a la autopista,   centro  simbólico del sector, conformado por laberínticas calles. En ella se construyó  una cruz de concreto, de más dos metros de altura.  Este  icono devocional   propio  del cristianismo nos lleva a los orígenes del barrio, cuando se comunicaba  con el Cementerio del Sur.  Se percibía en ese entonces el  sector como una prolongación del cementerio, por tanto de la muerte, y del inquietante más allá. Este sentir se acentuó  al asociarse a las  creencias populares post-morten de las mitologías urbanas como la del carretero, las ánimas en pena, el demonio en su caza de almas, la llorona, el caminante encadenado, el silbón…

En esas oscuras y silenciosas  noches  de 1955 al 58 dominó el terror político,    por ser la etapa más cruenta de la dictadura  perejimenista   que se solapaba al temor a los aparecidos.  Tras la  caída de la dictadura    el 23 de enero de 1958,   se dio el  Plan de Emergencia  impulsado por Wolfang Larrazábal, quien  como presidente de la Junta  de gobierno, transformó e hizo más amables las barriadas caraqueñas, al construir masivamente las escaleras, iluminación  por lo cual el almirante es  recordado en los barrios caraqueños.

Mientras se preparaban las elecciones de ese mismo año,  que   fueron ganadas por Rómulo Betancourt candidato de AD, y  nace la pesadilla de la  guerra de guerrillas  comunistas promovidas por Cuba, a pesar de esto  la democracia inicio su expansión. Y que  a pesar de haber sido  derrotadas militarmente la insurrección comunista,   hoy  Venezuela es dominada por una trágica dictadura del partido.

Antes de llamarse el barrio 1° de Mayo, las noches eran dominadas por apariciones de seres diabólicos, que se hacían sentir en forma  de gritos, alaridos,  cadenas,  y seres monstruosos.

“Cuando llegué esto se llamaba El Cementerio, le pusieron 1° de Mayo porque y que abajo en la pileta de noche salía el  diablo y sus huestes. Y por eso la gente hizo una cruz grandota que está allá abajo, porque el diablo le tiene miedo a la cruz, pues ahí está la imagen de Jesucristo, porque a él lo mataron ahí. Y seguramente al diablo, no le gustan esas cosas sino la maldad, es malo, malo.

– Una noche estaba afuera como a la una, levantada haciendo unas necesidades, y siento que viene pata de plomo por ahí, y me escondo rapidito y me paro en  el murito pa´ve. Y  ahí vi la cabeza blanca del hombre que subió. El hombre ese, el pata de hierro y salí corriendo pa´ve pa´donde cogía y no agarró pa´ ninguna parte, solo ese silencio me dio un miedo para volver al rancho.  Ese era el que le decían pata de plomo, por esa escalera pa´ arriba.   Pero si pasaban cosas por aquí y muchas cosas malas” (Testimonio, Isabel Parisca, 2011)

La gente creó una frontera para exorcizar  el más allá a través de  la cruz. Símbolo que se sincretizó con el tiempo a las creencias populares de la Cruz de Mayo, y  al día del trabajador.

MITO URBAN: El Tren de Caracas

En el barrio de San Juan, uno de los  lugares más fotografiado por la gente del barrio,  fueron los rieles del antiguo tren de Caracas, y esto nos permite comprender la filosofía de vida del sector, y cómo  percibe las apariciones nocturnas, en  El Guarataro,  la comunidad  tomó  fotografías de las calles en  la noche. Al preguntar sobre ellas, evidenciaban una visión  racional y no una  caracterizada por el pensamiento mágico, al   afirmar  que esas  fotografías eran  para recordar a los hombres que se disfrazaban de fantasmas, para hacer sus sinvergüencerías nocturnas, sin que nadie los viera. Aquí el  sentido común   se impuso sobre  lo mágico.   Aún  hoy existen  chistes en este sector  de   hombres que fueron sorprendidos tras sus infidelidades al saltar los muros de las casas de sus amantes envueltos en sábanas. Sin embargo no escapa su visión del mundo a las categorías del  pensamiento mágico, pues la casa      del  malandro Ismael, santo de la corte malandra se encuentra en  el sector. Estas funcionan a otro nivel, al involucrarse con la violencia barrial, que es excesiva a través de los enfrentamientos de bandas, y en parte por ello,  hay una gran  cantidad de personas discapacitadas en el sector por las balas perdidas, cuya cercanía se llama: silbido de bala.

Esta  filosofía barrial  se podría deber a estar alejados de un Cementerio, y colindar con un espacio de diversión, como es  el Parque el Calvario.  No hay plazas en el sector   con la función simbólica exorcizadora como en el barrio 1° de Mayo. Y uno de los eventos más recordados  es el que se encuentra vinculado  al espacio público    cercano  a la   Iglesia,   que era usado para hacer fiestas bailables que se hicieron famosas en Caracas. Y había una  visión  de la vida opuesta a la del barrio 1 de Mayo: esperanzadora y optimista que se materializa en la transformación del espacio urbano colindante  por el gobierno de  Medina Angarita. Sentir que también  se percibe  en la  estación  del tren que estaba cercana a la plaza, y cuyas nubes de humo se hicieron famosas en Caracas: eran consideradas  curativas, y venían de todas partes a ser ensalmados por esos vapores. Por tanto existe un contraste entre en barrio 1 Mayo y el Guarataro    en sus creencias, y en la manera de percibir la vida, el temor al más allá  no está presente en el Guarataro, por su ubicación  y su contexto espacial, como si lo está en el barrio  1° de Mayo  por su cercanía al cementerio. Sin embargo en ambas se encuentra en pensamiento mágico atávico.

Cómo Escribir un CV Artístico que No Sea un Rollo (y Que la Gente Quiera Leer)

Gego (Gertrud Goldschmidt)

Cómo Escribir un CV Artístico que No Sea un Rollo (y Que la Gente Quiera Leer)

Ser artista es como cualquier otra profesión: empiezas desde cero, avanzas, y acumulas logros. Pero aquí está el problema: en el mundo del arte, no solo tienes que hacer el trabajo, sino también contar tu historia. Y no, no me refiero a una biografía aburrida que nadie va a leer. Hablo de un CV o currículum que sea claro, conciso y que muestre por qué eres la próxima gran cosa. Vamos a desglosarlo.

Primero, ¿CV o Resumen?

En el mundo del arte, usamos “CV” y “resumen” como si fueran lo mismo, pero técnicamente no lo son. Un CV es una lista exhaustiva de todo lo que has hecho (ideal para artistas emergentes), mientras que un resumen es una versión abreviada de tus logros más importantes (perfecto para artistas con más trayectoria). Para simplificar, aquí nos enfocaremos en el resumen, pero la estructura es similar.

¿Por Qué Necesitas un CV Artístico?

Porque tu carrera no es solo tu arte. Es tu historia, tus exposiciones, tus premios, tus colecciones. Un CV bien hecho es tu tarjeta de presentación. Es lo que la gente busca cuando quiere saber quién eres y por qué deberían interesarse por tu trabajo. Y sí, debe estar en tu sitio web. Las redes sociales están bien, pero no son el lugar para un CV. ¿Por qué? Porque se pierde en el mar de publicaciones y memes. Tu sitio web es tu territorio, tu espacio controlado.

Cómo Estructurar tu CV

Aquí está la fórmula mágica para un CV que no aburra a nadie:

  1. Exposiciones Individuales (Solo Shows)
    Esto es lo más importante. Si has tenido exposiciones individuales, ponlas primero. Incluye el nombre de la galería o espacio, el título de la exposición, las fechas y la ubicación. Si fue en línea, añade el nombre del sitio web.
    Ejemplo:
    “Espacio XYZ, ‘Geometrías del Alma’, Miami, FL, marzo 2023.”
  2. Exposiciones Colectivas (Group Shows)
    Si estás empezando, incluye todo. Sí, incluso esa exposición en el café de la esquina. A medida que avanzas, selecciona solo las más relevantes y cambia el título a “Exposiciones Colectivas Selectas”.
    Ejemplo:
    “Bienal de Arte Contemporáneo, ‘Nuevas Visiones’, Ciudad de México, octubre 2022.”
  3. Premios y Distinciones
    ¿Ganaste un premio? ¿Recibiste una beca? ¿Te seleccionaron para una residencia? Aquí es donde lo mencionas.
    Ejemplo:
    “Premio Nacional de Arte Joven, Ministerio de Cultura, 2021.”
  4. Reseñas y Publicaciones
    Si te han mencionado en una revista, un blog o un libro, inclúyelo. Añade el nombre de la publicación, el título del artículo, el autor y la fecha. Si es en línea, incluye el enlace (pero asegúrate de que se abra en una nueva pestaña).
    Ejemplo:
    “Arte al Día, ‘El arte que desafía los límites’, por Ana Pérez, enero 2023.”
  5. Colecciones
    ¿Tu obra está en una colección privada, corporativa o museística? Menciona el nombre de la colección y, si es relevante, el título de la obra.
    Ejemplo:
    “Colección del Museo de Arte Moderno, ‘Estructuras en Movimiento’, 2022.”
  6. Experiencia Profesional
    Aquí puedes incluir residencias, talleres, conferencias o cualquier experiencia relacionada con el arte. Pero cuidado: esto debe reflejar tu carrera artística, no tu trabajo como barista.
    Ejemplo:
    “Residencia Artística, Fundación ABC, Buenos Aires, agosto 2021.”
  7. Educación
    Si acabas de salir de la escuela de arte, pon esto al principio. Si ya tienes una carrera sólida, muévelo al final. Y si eres autodidacta, no te preocupes. El arte no necesita títulos.
    Ejemplo:
    “Licenciatura en Bellas Artes, Universidad Nacional, 2018.”

El CV Visual: Porque a Nadie le Gusta Leer

Vamos a ser honestos: a la gente le encanta ver, no leer. Por eso, además de tu CV escrito, te recomiendo crear un CV visual. Esto es básicamente una sección en tu sitio web llamada “Trabajos Destacados” o “Lo Mejor de Mi Obra”. Aquí muestras imágenes de tus obras más importantes, junto con una breve descripción de por qué son especiales.
Ejemplo:
“Primer Premio en el Concurso de Arte Contemporáneo, 2022. Colección del Museo XYZ.”

Consejos Finales (Porque el Diablo Está en los Detalles)

  • Mantén tu CV actualizado. Nada dice “no me importa mi carrera” como un CV desactualizado.
  • Sé específico. Nombres, fechas, lugares. Los detalles importan.
  • No mientas. El mundo del arte es pequeño, y la gente se da cuenta rápido.
  • Hazlo fácil de leer. Usa un formato claro y organizado. Nadie quiere descifrar un CV caótico.

En Resumen: Tu CV es tu Historia

Tu CV no es solo una lista de logros; es la narrativa de tu carrera. Es lo que le dice al mundo: “Aquí estoy, esto es lo que he hecho, y esto es por qué deberías prestarme atención.” Así que tómate el tiempo para hacerlo bien. Porque en el mundo del arte, no solo se trata de hacer arte, sino de contar tu historia.

Ahora, ve y actualiza ese CV. El mundo está esperando.

Orlando Urdaneta: Diagramas de Linealidades Turbulentas

Orlando Urdaneta
Orlando Urdaneta

Orlando Urdaneta: Diagramas de Linealidades Turbulentas


Por Milagros Bello, PhD

Las obras de Orlando Urdaneta se despliegan como territorios de linealidades turbulentas, donde el dibujo deja de ser representación para convertirse en un acontecimiento energético. Sobre la densidad del negro, los trazos blancos emergen como impulsos que delinean una arquitectura en perpetua inestabilidad: la forma se genera, se suspende y se disuelve en un mismo gesto. No se trata de describir el mundo, sino de activar la materia del trazo como una fuerza primal que antecede a la imagen.

Cada composición se configura como una topografía del exceso, construida a partir de movimientos reiterativos, trayectorias entrelazadas y ritmos que sostienen su propia vibración interna. La sensación desplaza a la representación y convierte la superficie en un espacio donde la intensidad circula y se expande. Las líneas operan dentro de un sistema relacional abierto: se cruzan, se desvían, producen fricción y generan significado en el roce y el choque de sus recorridos.

Orlando Urdaneta

Los trazos de Urdaneta evocan una escritura sin alfabeto, una grafía que asume la función de pensamiento visible. Las líneas avanzan, se quiebran, se tensan, retroceden y vuelven a surgir, dejando la huella de una mente que piensa a través de la energía y no del relato. Funcionan como presencias efímeras que aparecen y se disipan simultáneamente, habitando el límite entre la inscripción y el borramiento.

Desde una perspectiva de estética periférica, la obra potencia aquello que históricamente ha sido relegado a los márgenes: el trazo crudo, la repetición, la turbulencia, la inestabilidad. Urdaneta convierte estos elementos en focos de densidad conceptual y expresiva, proponiendo una poética de la dislocación, donde la forma permanece mutable, dinámica y siempre en tránsito. Este carácter inestable abre un territorio de micro fuerzas y resonancias que impactan la percepción y convocan al espectador a una experiencia sensorial activa.

Orlando Urdaneta

Las pinturas de Urdaneta se manifiestan como diagramas de turbulencias afectivas, que evocan nuestras densas interioridades subjetivas. Invitan a navegar campos de intensidad variable, a entender la mirada como una forma de desplazamiento, y a asumir el dibujo como un medio de indagación en las arquitecturas profundas de la sensación y en las vibraciones internas que sostienen el pensamiento.

Milagros Bello, PhD
Curadora
[email protected]

Mircza Seiler Existential Cartographies

Mircza Seiler My Life in Fuchsia
Mircza Seiler My Life in Fuchsia

Mircza Seiler Existential Cartographies

By Milagros Bello, PhD

“Art is freedom: a gesture of creation, of passion, of love, of struggle, of emotions, of discovery.” Mircza Seiler

Mircza Seiler’s Life in Color Series unfolds as abstract landscapes of high symbolic density, where layers of chromatic overlays, graphic textures, and fragments of signs intersect to create a visual field of tensions and resonances. They are compositions that interrogate the very nature of abstraction, displacing it from the purely expressive gesture toward a conceptual terrain, where the pictorial encounters the textual, the organic intersects with the mechanical, and the sensorial intertwines with the coded.

The pieces erupt in corporeal resonances and psychological intensity where overlapping washes, dotted textures, and uneven, hand-applied marks—create a dynamic tension between control and spontaneity. A way to experience contemporary abstraction.
My Life in Black opens onto an atmospheric, almost liquid space, in which blue—deployed in multiple gradations—functions as a vibrant background. Inserted within it are precise geometric forms, particularly the rhythmic verticality of blue circles and the fullness of a single white circle, operating as graphic notations of encrypted abstract messages. The tension between the fluid and the structure reveals a poetics of the interval: an open flow that suggests breath and expansion, interrupted by signs that allude to the presence of a suspended symbolic system.
My Life in Purple, witha fragmentary, abrasive character, imposes itself in the intensity of purples set in fluid, irregular forms. The materiality of collage and typographic traces evokes strata of personal memory. Purple erupts as vital pulse, while textual fragments—fractured and displaced torn paper—recall a palimpsest of illegible remnants of inner discourses. The pictorial gesture is interlaced with graphics notations, producing a friction between the ephemeral and the permanent, between the expressive and the residual. The transparent blue background dissolves into aerial compositions, creating lightness and a sense of flotation. The work appears as a lyrical ensemble of evocative directions.

Mircza Seiler My Life in Color Series
Mircza Seiler My Life in Color Series

My Life in Fuchsia
The composition oscillates between the organic energy of elongated, fuchsia-colored forms and the geometric regularity of circles arranged in varied patterns. The fuchsia color, visceral and corporeal, intensifies in contact with a gradient of blues, which operate as an atmospheric container. The circles—some whole, others incomplete or fragmented—reintroduce the idea of codification, as if they were visual formulas or graphic scores. The tension between the gestural and the systematic generates a dialectical vibration: a play between the vital and the mechanical, between the spontaneous and the calculated, between reason and emotion.

Life in Color Series emerges as cartographies of the unstable, constructing a poetics of the fragmentary. Life in Color Series confronts us with the vital condition of existence: life not as serene harmony, but as constant friction between opposites that never fully reconcile. Color becomes a metaphor of this incessant conflict, embodying both fragility and strength, both the shadowed and the luminous.

The series stands as a pictorial manifesto that conceives abstraction not as formal purity, but as affective and existential field. In the dense blacks, the concentrated purples, and the explosive fuchsias, Seiler reminds us that to live is to inhabit tension, to sustain friction, to embrace it as the true pulse of the human condition.

Graphic signs and chromatic forms, pictorial gestures, and mechanical traces, in collages of paper and visual marks, operate as traces of conceptual abstractions in codification and openness toward the indeterminate.

Mircza Seiler’s works interrogate the very modes through which meaning is produced in contemporary art.

Milagros Bello, PhD

Curator-Art Critic

Save The Dates: CENTRAL FINE

CENTRAL FINE | There, inside the garden | OPENING SUNDAY JANUARY 18TH
CENTRAL FINE | There, inside the garden | OPENING SUNDAY JANUARY 18TH

Save The Dates: CENTRAL FINE

Opening Tomorrow — January 18, 6:00–8:30 pm
Location: 36 NE 54th St, Miami, FL 33137

There, inside the garden

January 18 – February 7

Artists:
Luisa Basnuevo · Loriel Beltrán · Hubert Bush · Azadeh Elmizadeh · Constanza Schaffner

Gatherings unfold beneath intricately landscaped systems, where manufactured humidities intertwine their contingencies, weaving threads of tension. Here, voices are invited to resonate in symphony. 

A monolith may transform into a painting, or an insect, crafted from steel, boasting a shiny surface reminiscent of styrofoam adorned with silver leaf. Reflecting sunlight, standing beside magnified representations of illuminated manuscripts where unicorns map time and gravity; and heraldry meets the  building of memories. Across this surreal expanse, a horizon emerges from a gradient of color, pulsating through delicate layers of hardened paint, inhaling and exhaling, exerting pressure on lines of pigment that, like pages, freeze each time they meet our gaze.

Inside the garden, four mimes frame themselves, holding silence in their stillness. Their choreography echoes the elegance of Vogueing, creating a parenthesis that travels to another realm, encountering oneself. These Pierrot-like figures articulate a time steeped in repression, through movement, androgyny, makeup, and codified gestures. They can be considered as powerful metaphors for Painting and its role in mimesis, in times of profound violence and upheaval, where the gardens of our collective mind blooms beyond language.

eco-conciencia

MIAMI’S ICONIC WYNWOOD ART WALK  CONTINUES TO SHINE ON NOVEMBER 8, 2025
MIAMI’S ICONIC WYNWOOD ART WALK  CONTINUES TO SHINE ON NOVEMBER 8, 2025

eco-conciencia

La selección de artistas para ECO-RESONANCIAS se aleja de la representación romántica de la naturaleza para adentrarse en la estética de la emergencia. Lo que une a creadores tan diversos como Cortada, Valdés y Campins es la comprensión de que el paisaje de Miami y el Caribe no es un telón de fondo pasivo, sino un archivo activo de nuestras huellas coloniales, industriales y ecológicas. A través del uso de materiales residuales, la performance corporal y la especulación arquitectónica, estos artistas tejen una narrativa colectiva sobre la resiliencia: la capacidad de adaptarse, recordar y sobrevivir en un territorio líquido.

1. Xavier Cortada (Miami, FL)

Práctica: Arte Socialmente Comprometido / Instalación Participativa Cortada es una figura fundamental en la intersección entre arte y ciencia. Su práctica no se limita a la representación del cambio climático, sino que funciona como catalizador de activismo cívico. En el contexto de esta exposición, su obra es vital para visualizar la data científica dura a través de una estética comunitaria.

OBRA PROPUESTA: 6 Feet Under (2025)

  • Medio: Instalación participativa (Señales de elevación y marcadores topográficos).
  • Descripción: El artista instala marcadores físicos que indican la futura elevación del nivel del mar en diferentes puntos estratégicos del campus del MDC West. La obra funciona como un dispositivo de realidad aumentada analógica: los estudiantes son invitados a pararse junto a la señal y visualizar hasta dónde llegaría el agua, fotografiarse y compartir en redes sociales, activando una red de conciencia visual ineludible.

2. Juana Valdes (Miami, FL / Origen Cubano)

Práctica: Escultura / Fotografía / Instalación Valdés examina la migración y la transculturalidad a través del lente del comercio y la materia. Su obra investiga cómo la historia del colonialismo y el comercio global ha impactado tanto a las poblaciones caribeñas como a sus ecosistemas. Su trabajo eleva la discusión sobre la vulnerabilidad geográfica del Caribe.

OBRA PROPUESTA: Serie Objetos Migrantes (2023)

  • Medio: Fotografías documentales intervenidas (Serie de 6 piezas).
  • Dimensiones: 80 x 100 cm c/u.
  • Descripción: Imágenes de alta resolución que documentan objetos cotidianos y domésticos rescatados de la costa de Miami Beach tras las mareas altas. Presentados con una estética de archivo forense, estos objetos actúan como evidencia de nuestros hábitos de consumo insostenibles y su impacto directo en los ecosistemas marinos locales.

3. Felice Grodin (Miami, FL)

Práctica: Arquitectura Especulativa / Instalación Grodin aborda la crisis climática desde la arquitectura y la ontología orientada a objetos. Su trabajo visualiza lo invisible, creando mapas y estructuras que proyectan cómo las fuerzas de la naturaleza reclamarán el entorno urbano de Miami, proponiendo una “fusión” entre infraestructura humana y biología.

OBRA PROPUESTA: Plastic Reef (2024)

  • Medio: Instalación escultórica.
  • Dimensiones: Variables (aprox. 3 x 4 metros).
  • Descripción: Un “arrecife de coral” artificial construido meticulosamente con botellas plásticas, tapas, redes de pesca y microplásticos recolectados en playas del sur de Florida. La obra juega con la seducción visual: de lejos parece una formación natural colorida, pero de cerca revela la toxicidad del material, resultando simultáneamente bella y perturbadora.

4. Naomi Fisher (Miami, FL)

Práctica: Videoarte / Documental Experimental El trabajo de Fisher es una exploración visceral de la figura humana inmersa en una naturaleza indómita. A través de una lente ecofeminista, documenta la flora y fauna de la Florida, conectando la violencia ejercida sobre el medio ambiente con las estructuras de poder sociales.

OBRA PROPUESTA: Rising Voices / Voces que Suben (2025)

  • Medio: Video-instalación multicanal (Loop continuo).
  • Duración: 18 min.
  • Descripción: Una pieza documental que recoge testimonios de residentes de Liberty City, Little Haiti y Overtown sobre las inundaciones recurrentes y la “gentrificación climática”. La proyección se divide en tres pantallas que fragmentan y recomponen las narrativas, creando un coro visual sobre el desplazamiento urbano.

5. Alejandro Campins (La Habana / Miami)

Práctica: Pintura / Dibujo Campins se acerca al paisaje desde una perspectiva metafísica. Sus pinturas retratan arquitecturas abandonadas y espacios liminales donde la naturaleza ha comenzado a devorar la construcción humana, actuando como presagios silenciosos de la impermanencia de nuestras ciudades costeras.

OBRA PROPUESTA: Serie Submarino (2023-2024)

  • Medio: 3 pinturas al óleo sobre lienzo.
  • Dimensiones: 150 x 200 cm c/u.
  • Descripción: Paisajes arquitectónicos sumergidos que imaginan edificios icónicos del Art Deco y Modernismo de Miami bajo el agua. Su técnica hiperrealista y atmósfera silenciosa genera una inquietud contemplativa sobre futuros posibles, alejándose del catastrofismo ruidoso para invitar a la reflexión solemne.

6. Misael Soto (Puerto Rico / Miami)

Práctica: Arte Conceptual / Instalación Textil Soto utiliza el textil y las estructuras tensadas como herramientas de utilidad pública y pedagogía. Su manipulación de materiales recodifica la relación con el clima tropical, conectando la técnica artesanal con la funcionalidad arquitectónica precaria.

OBRA PROPUESTA: Tejido de Mareas (2025)

  • Medio: Instalación textil suspendida.
  • Dimensiones: 2 x 6 metros.
  • Descripción: Un gran tapiz tejido con fibras naturales, algas secas tratadas, redes de pesca recicladas y plásticos recogidos del mar. La pieza cuelga en el espacio, permitiendo que el espectador camine alrededor. Los colores y texturas evocan las capas sedimentarias de un ecosistema costero en transformación y degradación.

7. Antonia Wright (Miami, FL)

Práctica: Video / Performance Wright pone su propio cuerpo en situaciones de riesgo para evocar la vulnerabilidad colectiva. Su capacidad para visualizar la resistencia física ofrece una entrada empática y potente a la ansiedad climática, alejándose de las estadísticas frías.

OBRA PROPUESTA: Breath Hold (2024)

  • Medio: Video-performance (Proyección monocanal).
  • Duración: 8 min.
  • Descripción: La artista se filma sumergiéndose repetidamente en agua turbia mientras sostiene la respiración hasta el límite de su capacidad. La acción metaforiza la resistencia humana ante condiciones ambientales extremas y la asfixia del planeta. El audio amplificado de su respiración bajo el agua inunda la sala, creando una experiencia física para el espectador.

8. Cristina Lei Rodriguez (Miami, FL)

Práctica: Instalación / Escultura Digital Lei Rodriguez crea ecosistemas híbridos donde lo natural y lo artificial colapsan. Sus obras cuestionan el futuro de la biología en la era del Antropoceno, reflexionando sobre la belleza en un mundo sintético.

OBRA PROPUESTA: Coral Memory (2025)

  • Medio: Instalación audiovisual inmersiva.
  • Descripción: Proyecciones de gran formato de arrecifes de coral de los Cayos de Florida que muestran el proceso de blanqueamiento. Acompañada de un paisaje sonoro submarino, la instalación está programada para que el espacio se oscurezca progresivamente durante el ciclo de exhibición, simulando la pérdida de biodiversidad y la “muerte” de la luz bajo el mar.

9. Edouard Duval-Carrié (Haití / Miami, FL)

Práctica: Pintura / Medios Mixtos Maestro del realismo maravilloso, Duval-Carrié reinterpreta la iconografía caribeña para abordar las heridas coloniales y ambientales. Su participación es crucial para entender la crisis climática en el Caribe como una continuación de la historia colonial.

OBRA PROPUESTA: Erzulie de las Aguas Crecientes (2024)

  • Medio: Pintura mixta con resina y objetos encontrados.
  • Dimensiones: 180 x 240 cm.
  • Descripción: Una reinterpretación monumental de la deidad vodú del agua, representada no en su esplendor tradicional, sino rodeada de residuos plásticos, aceite y corales blanqueados. La obra, encapsulada en resina brillante, ofrece una crítica visualmente seductora sobre la intersección entre la espiritualidad tradicional y la degradación ambiental moderna.

10. Yanira Collado (República Dominicana / Miami)

Práctica: Instalación / Textil Collado trabaja con la memoria de los materiales y la “estratigrafía visual”. Su obra habla del desplazamiento —tanto cultural como climático— y de la necesidad de preservar el conocimiento ancestral y el refugio frente a la erosión del territorio.

OBRA PROPUESTA: Mapas Líquidos (2024)

  • Medio: Instalación de bordado sobre tela translúcida.
  • Dimensiones: 3 x 3 metros.
  • Descripción: Mapas abstractos del archipiélago caribeño bordados con hilo azul sobre capas de organza, intervenidos con manchas de tinte que simulan la expansión incontrolada del agua. La obra cuelga del techo y se mueve sutilmente con las corrientes de aire del espacio, simbolizando la fragilidad de las fronteras ante la subida del nivel del mar.

Cubism: The Radical Break That Reshaped Modern Art

Cubism: The Radical Break That Reshaped Modern Art
Cubism: The Radical Break That Reshaped Modern Art

Cubism: The Radical Break That Reshaped Modern Art

In the early 20th century, art underwent a seismic shift. The Expressionists had already begun dismantling illusionism, but Cubism—spearheaded by Pablo Picasso and Georges Braque—tore down the walls of traditional representation entirely. With Cubism, art was no longer bound by a single point of view. It became an intellectual exercise, a visual puzzle, a revolutionary investigation into form and perception.

The seeds of Cubism were planted by Paul Cézanne, who urged painters to “treat nature by the cylinder, the sphere, and the cone.” Picasso and Braque took this notion and ran with it, abandoning the conventional perspective to depict multiple vantage points at once. Their question was radical and deceptively simple: Isn’t it more truthful to show all sides of an object simultaneously?

At its core, Cubism was an interrogation of space—how a three-dimensional world could be compressed onto a two-dimensional canvas. The movement evolved in two distinct phases:

  • Analytic Cubism (1908-1912): This was the first, more cerebral iteration of Cubism, where Picasso and Braque dissected objects into interlocking planes and monochromatic tones. The goal was to provide a “total view” of a subject, a concept that meant fracturing the subject into geometric fragments yet maintaining its structural integrity, thereby presenting a comprehensive and multi-dimensional representation.Synthetic Cubism (1912 onward): This phase shifted towards construction rather than deconstruction. It saw the birth of collage, as artists introduced found materials—newspaper clippings, wallpaper, and even sand—into their compositions.

While Picasso and Braque resisted complete abstraction, Robert Delaunay pushed Cubism into new territories with Orphism, a dynamic fusion of color and movement. Meanwhile, the Section d’Or, a group of avant-garde painters and critics, played a significant role in solidifying Cubism’s place in the modernist canon. Their historic 1912 exhibition at the Galerie La Boétie in Paris was a pivotal moment, marking the movement’s acceptance and recognition in the art world.

By 1914, as war loomed over Europe, Cubism again morphed into Crystal Cubism, characterized by bold geometric planes and a return to a cleaner, more structured aesthetic. It was a period of refinement, where the chaos of early Cubist explorations gave way to an almost architectural clarity.

Today, the echoes of Cubism are still visible in everything from contemporary abstraction to digital design. The movement dismantled centuries of artistic convention and reassembled it into something new. Its influence can be seen in the abstract forms and fragmented perspectives of contemporary art, as well as in the geometric shapes and layered compositions of digital design—proving that art is not just about seeing but about rethinking what we see.

Save the date: South Florida Pride Youth Band Celebrates 15th Season

Save the date: South Florida Pride Youth Band Celebrates 15th Season
Save the date: South Florida Pride Youth Band Celebrates 15th Season, Matinee Concert Scheduled Sunday, February 22 at The Parker

Save the date:

South Florida Pride Youth Band Celebrates 15th Season, Matinee Concert Scheduled Sunday, February 22 at The Parker

FORT LAUDERDALE, FLA.- (January 16, 2026) – The South Florida Pride Youth Band will celebrate its 15th season with a special matinee concert presented by FLoatarama on Sunday, February 22, at 2 p.m. at The Parker. Tickets are $45 and available at tinyurl.com/SFPYB15.

Comprised of more than 80 students representing dozens of public and private high schools across Broward, Miami-Dade, and Palm Beach counties, the South Florida Pride Youth Band offers young musicians the opportunity to work with an outstanding artistic team and professional mentors, connect with peers, unite against bullying, and celebrate diversity through music.

The first act will feature performances conducted by Dr. Erika Svanoe, conductor of the University of Wisconsin–Stout Symphonic Band, alongside members of the South Florida Pride Concert Band, the bridge-building musical powerhouse which has been entertaining the South Florida community for 40 years.

New this year will be the inaugural Youth Pride Jazz Band. Conducted by Edgar Rubio, jazz band director for the South Florida Pride Concert Bands, students will perform jazz selections during the second act.

Dan Bassett, who has served as artistic director of the South Florida Pride Concert Band for the past 20 years and is a founding member of the South Florida Pride Youth Band, reflected on the program’s origins. “We founded the Youth Band 15 years ago after receiving an overwhelming response from marginalized teenagers searching for a safe and inclusive space where they could simply play music,” he said.

The South Florida Pride Youth Band was founded in 2010 during the turbulent “It Gets Better” movement, when there was a clear need to respond to rising incidents of bullying and suicide attempts among LGBTQ+ youth.

“We’ve put tremendous effort into making this four-week honor band experience a memorable one for these talented young musicians,” said Dr. Adam DeRosa, board chair of the South Florida Pride Concert Band. “In addition to receiving invaluable musical mentorship and performing alongside members of our band — including many former professional musicians — students build friendships and experience performing on a professional stage.”

During the Season 15 concert, the South Florida Pride Concert Band will award more than a dozen individual $1,500 scholarships to local high school band students. FLoatarama, a South Florida all-volunteer non-profit organization dedicated raising awareness and funds to support the youth who identify as LGBTQ+, will award a $2,500 Jazz Director’s scholarship to a member of the inaugural Youth Jazz Band and a $7,500 scholarship to the recipient of the Fifth Annual FLoatarama Youth Pride Band Soloist competition. This musician will also be a featured as a soloist during the South Florida Pride Concert Band’s May 2026 concert.

“We are incredibly proud to continue our commitment to the South Florida Pride Youth Band through the FLoatarama LGBTQ Youth Fund,” said Floatarama president, Scott Schramm. “It is incredibly gratifying to champion these talented young people by providing them with the financial resources they need as they embark on the next chapter of their lives.”

The South Florida Pride Concert Band is celebrating its 40th season and remains the oldest LGBTQ+ arts and cultural organization in the state of Florida.

Photo credit: South Florid Pride Concert Band

Calendar listing:

South Florida Pride Youth Band Season 15 Presented by FLoatarama

Sunday, February 22, 2026, at 2 p.m.

The Parker, 707 NE 8th Street, Fort Lauderdale, 33304

Tickets are $45 and can be purchased at tinyurl.com/SFPYB15

Downtown Chiado – 2026

Downtown Chiado - 2026
Downtown Chiado - 2026

Downtown Chiado 26
7–20 February 2026
Opening: 7 February, 5:00 PM
Rua Nova da Trindade 5G
1200-301 Lisbon, Portugal
Free admission

Atelier Natália Gromicho is pleased to announce its first exhibition of 2026, Downtown Chiado 26, opening on February 7 at 5:00 PM in the historic heart of Lisbon. Held in Chiado—one of the city’s most emblematic cultural districts—the exhibition inaugurates the year’s artistic program with a celebration of place, movement, and contemporary expression.

Downtown Chiado 26 is an international group exhibition that brings together 32 national and international artists, reaffirming Lisbon’s position as one of the most vibrant centers of contemporary art today. On view from February 7 to 20, 2026, the exhibition offers the public a rich panorama of current artistic production, marked by diversity of languages, techniques, and artistic visions.

With a curatorial focus on plurality and intercultural dialogue, the exhibition presents works spanning painting, drawing, sculpture, photography, and contemporary visual practices. Each artist contributes a distinct identity and narrative, forming a dynamic constellation of perspectives that reflect the complexity and vitality of the global art scene.

Atelier Natália Gromicho—recognized for its ongoing commitment to supporting both emerging and established artists—once again opens its doors for an immersive experience that fosters proximity between the public, the artworks, and their creators. The initiative reinforces the space’s dedication to the international circulation of contemporary art and to building bridges between different cultural geographies.

This edition places special emphasis on the work of Tamara Alves, Patrícia Mariano, Daniela Guerreiro, and Mariana Santos, whose pieces stand out for their discursive strength, technical rigor, and their capacity to critically engage with the present through distinct yet complementary visual narratives.

The exhibition brings together a dynamic group of artists whose diverse practices and perspectives reflect the richness of contemporary creation, including Ana Maria Malta, Aranka Székely, Beatriz Canivete, Carsten Bund, Daniela Guerreiro, Daphne, Domingo Parada, Endre Bartos, Gabriela Sosa, Gill Welland, Howard Harris, Inês Prats, Joaquim Gromicho, Kayo Sato, Leonor Ribeiro, Liliana Santos, Luisa Petiz, Mafalda Gonçalves, Maria Isabel Salazar de Lince, Mariana Santos, Metka Vergnion, Natália Gromicho, Noelle Kalom, Patrícia Mariano, Pedro Charters d’Azevedo, Rui Pereira, Santerre, Šárka Darton, Stanislav Riha, Tamara Alves, and Tommi Viitala, whose works collectively establish a vibrant dialogue of languages, materials, and artistic sensibilities within the contemporary art landscape.

Downtown Chiado 26 stands as a collective portrait of the “now,” where multiple artistic voices coexist, confront, and mutually enrich one another—inviting audiences into an open, plural, and diverse aesthetic experience.

The official opening will take place on February 7 at 5:00 PM, with the presence of several participating artists and host artist Natália Gromicho, whose work has been instrumental in consolidating Chiado as an international meeting point for contemporary art.

The exhibition will remain on view until February 20, 2026.
Free admission.

Downtown Chiado - 2026

aboutus

Atelier Natália Gromicho: Where Art Transcends Boundaries

Atelier Natália Gromicho is not just a gallery; it’s a sanctuary of creativity where barriers dissolve, and art becomes an immersive experience for all. Our mission is simple: to transform private spaces into open, inclusive realms where every soul can engage freely – seeing, tasting, touching, and painting without limitations.

Experience. Knowledge. Art. These are the pillars upon which Atelier Natália Gromicho stands. Nestled in Lisbon’s vibrant Downtown, our journey began in April 2013 with an inaugural exhibition by Natália Gromicho titled “Lisboa, dignos de nota,” a heartfelt homage to her birth city.

Located within Espaço Chiado, nestled amidst the historic charm of Chiado, our gallery resides within a shopping center that preserves the ancient “Muralha Fernandina,” a testament to Lisbon’s medieval heritage. Situated between the iconic districts of Bairro Alto and Downtown, Chiado pulsates with cultural richness and historical allure.

Our gallery’s strategic location, accessible via Rua da Misericórdia or Rua Nova da Trindade, adjacent to the Trindade Theater, ensures a seamless flow of visitors drawn by the magnetic charm of Chiado’s historical landmarks, shopping boutiques, and leisure attractions.

Spanning 100 square meters, our gallery boasts meticulously curated illumination and a robust hanging system, ensuring each artwork commands the attention it deserves. Beyond exhibitions, we offer comprehensive fine arts services, including canvas stretching and framing, paints, and a myriad of materials tailored to elevate artistic endeavors.

Ateliernataliagromicho.com
Tue-Sat: 1-5pm
T: +351965865454
e: [email protected]

Collecting Fundamentals: Online Conversation

NADA Collects
NADA Collects

Collecting Fundamentals: Online Conversation

NADA is delighted to invite you to Collecting Fundamentals, an online conversation presented as part of NADA Collects, on Friday, January 30 at 2pm ET.

The panel brings together three NADA Member gallerists to share insights and answer questions on how to start and grow an art collection and foster meaningful relationships with artists and galleries.

Speakers:
Nicelle Beauchene (Nicelle Beauchene Gallery, New York)
Megan Bradley (Bradley Ertaskiran Gallery, Montreal)
Alex Nazari (Gattopardo, Los Angeles)
Moderated by Anne Parke

A recording of the conversation will also be available to all who register to rewatch at your convenience if you are unable to attend live.

Reserve a spot

Have a question you’d like the panel to address? Email [email protected].

Nicelle Beauchene

Nicelle Beauchene opened her eponymous gallery in 2008 on the Lower East Side following her tenure as Director at Marianne Boesky Gallery.

For the past 18 years of she has promoted the work of emerging local and international artists, providing a platform for artists including Tunji Adeniyi-Jones, Saif Azzuz, Sarah Crowner, Jonathan Gardner, the Gee’s Bend Quiltmakers, Scott Kahn, and David Benjamin Sherry to name a few.

Over the course of her career she has worked closely with an extensive list of museum institutions including the Museum of Modern Art (New York, NY), Whitney Museum of American Art (New York, NY), Crystal Bridges Museum of American Art (Bentonville, AR), Metropolitan Museum of Art (New York, NY), The Drawing Center, (New York, NY), The Studio Museum in Harlem (New York, NY), National Museum of African American History and Culture (Washington D.C.) Nasher Museum of Art at Duke University (Durham, NC), and Pérez Art Museum (Miami, FL), facilitating permanent collection acquisitions, special projects, and solo and group exhibitions.

Her gallery is a member of the Art Dealers Association of America and she is the former President of the New Art Dealers Alliance (NADA). Serving for several years, she helped steer the organization and its fairs, stepping down in 2018 to bring fresh perspectives.

Megan Bradley

Megan Bradley is the co-founder and co-owner of Bradley Ertaskiran, a contemporary art gallery based in Montreal, Canada.Prior to co-founding Bradley Ertaskiran, Bradley was the Director of Parisian Laundry (Montreal), known for innovative and ambitious programming that brought artists working internationally into dialogue with local practices. She assumed ownership of Parisian Laundry and merged with galerie antoine ertaskiran (Montreal) in 2020. Early on in her career, she founded Galerie Push (Montreal), a gallery dedicated to emerging artists.Megan Bradley holds a master’s degree in art history from Concordia University. She is Vice-President of the Board of Directors of The Darling Foundry, a not-for-profit arts centre in Montreal, and previously served on the Board of Directors of the Contemporary Art Galleries Association (Canada). She has also worked as an advisor to private collections and in
development and communications within the not-for-profit arts sector.Her practice is grounded in a long-term approach to artist representation, focusing on building sustained relationships with artists, institutions, curators, and collections to support durational growth.

Alex Nazari
Gattopardo is a Los Angeles based, artist-run gallery committed to supporting discursive practices through artist-led programming. Works from our exhibitions have entered the collections of the Hammer Museum and the Museum of Arts and Design (NY), and our program has been covered by The Art Newspaper, The Financial Times, The New York Times, and others.
Gattopardo has participated in Frieze LA (Focus 2021), NADA Miami, NADA New York, NADA Villa Warsaw, and most recently 7 rue Froissart in Paris. In early 2024, we relocated from our modest East LA storefront to a 4,000-square-foot former auto shop, inaugurating the space with Jennifer West’s first non-institutional LA solo exhibition in nearly a decade. Recent and upcoming programming includes solo exhibitions by Stanya Kahn, Wayne Koestenbaum, Gabriel Madan, Olivia Mole, and others.

Anne Parke
Anne Parke is an art advisor with previous experience at David Zwirner and Fergus McCaffrey galleries. She launched her art advisory firm in 2020 and established a quarterly salon series, where gallerists present artists from their programs to share with collectors in an intimate dinner party setting.
She curates the rotating exhibition program at People’s New York, a recently launched evening lounge and art gallery in Greenwich Village located at the original Downtown Gallery townhouse of Edith Halpert. Anne collaborates with The Campus Upstate, where she established and currently runs their bookstore, cafe, and programming initiatives for the six Tribeca gallery partners of the Campus: Bortolami, James Cohan, Anton Kern, Andrew Kreps, kaufmann repetto, and Kurimanzutto.


NADA Collects is a new membership group and foundational resource for new collectors. Members are invited to attend monthly events, ranging from exclusive previews, salons, gallery tours, intimate networking gatherings, and private walkthroughs, providing unique access and insights for contemporary art discovery and collecting.
Programming for NADA Collects has a dedicated focus on NADA Member Galleries and their artists. Events are primarily based in NYC, with additional events in Miami and other cities in alignment with the global art calendar. Monthly subscription provides access and invitations to programming from date of sign up.
Programs Include:

Monthly Exhibition and Art Fair Preview Events

Exhibition and Art Fair Preview Events

Dinners with NADA gallerists

Weekend Gallery Tours

Access to exclusive opportunities and programs

About NADA Collects

NADA Collects is a new membership group and foundational resource for new collectors. Members are invited to attend monthly events, ranging from exclusive previews, salons, gallery tours, intimate networking gatherings, and private walkthroughs, providing unique access and insights for contemporary art discovery and collecting.

Programming for NADA Collects has a dedicated focus on NADA Member Galleries and their artists. Events are primarily based in NYC, with additional events in Miami and other cities in alignment with the global art calendar. Monthly subscription provides access and invitations to programming from date of sign up.

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  • Monthly Exhibition and Art Fair Preview Events
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