El Neoclasicismo: Un Retorno a la Razón y la Virtud Antigua
El Neoclasicismo, como se ha indicado, surge en Europa a mediados del siglo XVIII como una reacción al exceso decorativo y la frivolidad del Rococó. Inspirado en el arte clásico de la Grecia y la Roma antiguas, este movimiento busca recuperar los valores de la razón, el orden, la armonía y la virtud cívica, en consonancia con los ideales de la Ilustración.
1. Contexto Histórico:
El Neoclasicismo se desarrolla en un período de efervescencia intelectual y social. La Ilustración, con su énfasis en la razón, el progreso y la libertad individual, influye profundamente en el pensamiento y el arte de la época. Las excavaciones arqueológicas de Pompeya y Herculano reavivan el interés por la antigüedad clásica, proporcionando modelos de belleza y virtud a los artistas neoclásicos. La Revolución Francesa y la independencia de los Estados Unidos también contribuyen a la difusión de los ideales republicanos y la estética neoclásica.
2. Reacción al Rococó:
El Neoclasicismo se opone a la ornamentación excesiva, la sensualidad y la frivolidad del Rococó. Los artistas neoclásicos buscan la pureza de líneas, la simplicidad y la armonía, inspirándose en los modelos clásicos. La temática también cambia: las escenas galantes y mitológicas del Rococó dan paso a temas históricos, mitológicos y alegóricos que exaltan la virtud, el heroísmo y el patriotismo.
3. Artistas Clave:
Jacques-Louis David: Considerado el pintor neoclásico por excelencia, David plasma escenas heroicas y moralizantes con un estilo sobrio y preciso. Obras como “El juramento de los Horacios” y “La muerte de Marat” se convierten en iconos de la Revolución Francesa y del Neoclasicismo.
Jean-Auguste-Dominique Ingres: Discípulo de David, Ingres se distingue por su dibujo preciso, su dominio de la línea y su idealización de la belleza femenina. Sus retratos y sus desnudos, como “La Gran Odalisca”, son ejemplos de la elegancia y el refinamiento neoclásicos.
Antonio Canova: El gran escultor del Neoclasicismo, Canova crea obras que combinan la belleza idealizada con la precisión anatómica. Sus esculturas, como “Psique reanimada por el beso de Eros” y “Las tres Gracias”, son ejemplos de la gracia y la armonía neoclásicas.
4. Características del Neoclasicismo:
Inspiración Clásica: Se toman como modelo las obras de arte de la Grecia y la Roma antiguas.
Razón y Orden: Se busca la claridad, la armonía y el equilibrio en la composición.
Simplicidad y Austeridad: Se rechaza la ornamentación excesiva y se prefieren las líneas puras y los colores sobrios.
Temas Heroicos y Morales: Se representan escenas que exaltan la virtud, el patriotismo, el heroísmo y los valores cívicos.
5. El Neoclasicismo en la Arquitectura:
El Neoclasicismo también influye en la arquitectura. Se recuperan los elementos clásicos como las columnas, los frontones y las proporciones armoniosas. Se construyen edificios públicos, museos y teatros inspirados en los modelos greco-romanos. Ejemplos notables son el Panteón de París y la Puerta de Brandeburgo en Berlín.
6. Legado del Neoclasicismo:
El Neoclasicismo deja una huella profunda en el arte y la cultura occidental. Su influencia se extiende a la pintura, la escultura, la arquitectura, la literatura y la música. El Neoclasicismo representa un retorno a los valores de la razón, el orden y la virtud, y sus obras nos siguen inspirando por su belleza atemporal y su mensaje de equilibrio y armonía.
En resumen, el Neoclasicismo, con su búsqueda de la razón, el orden y la belleza clásica, se erige como una respuesta al exceso decorativo del Rococó y una expresión de los ideales de la Ilustración. A través de la simplicidad, la armonía y la temática heroica, el Neoclasicismo crea un arte que aspira a la perfección y la atemporalidad, dejando un legado fundamental en la historia del arte.
El Romanticismo: La Exaltación de la Emoción y la Naturaleza Sublimada
El Romanticismo, como se ha mencionado, emerge a finales del siglo XVIII y se extiende a lo largo del siglo XIX, constituyendo una profunda transformación en la sensibilidad artística y cultural de Occidente. En contraposición al racionalismo y la rigidez del Neoclasicismo, el Romanticismo exalta la emoción, la individualidad, la imaginación y la subjetividad. La naturaleza, con su fuerza indomable y su belleza sublime, se convierte en un tema central, reflejando la búsqueda de lo infinito y la trascendencia.
1. Contexto Histórico:
El Romanticismo surge en un período de grandes cambios sociales y políticos. La Revolución Francesa y las guerras napoleónicas sacuden los cimientos de Europa, generando un clima de incertidumbre y cambio. La Revolución Industrial transforma el paisaje y la vida cotidiana, mientras que el ascenso de la burguesía y el nacionalismo reconfiguran el mapa político y social. En este contexto, el Romanticismo se presenta como una respuesta a la desilusión con la razón y el progreso, buscando refugio en la emoción, la individualidad y la espiritualidad.
2. Reacción al Neoclasicismo:
El Romanticismo se opone al racionalismo, el orden y la frialdad del Neoclasicismo. Mientras el Neoclasicismo buscaba la armonía y la perfección en la imitación de los modelos clásicos, el Romanticismo exalta la libertad creativa, la originalidad y la expresión de las emociones. La subjetividad del artista se convierte en un elemento central, y la obra de arte se concibe como una expresión del genio individual.
3. Artistas Clave:
Caspar David Friedrich: Pintor alemán que encarna el espíritu romántico en su máxima expresión. Sus paisajes grandiosos y melancólicos, como “El caminante sobre el mar de nubes” y “Dos hombres contemplando la luna”, transmiten una sensación de sublimidad, misterio y conexión espiritual con la naturaleza.
Eugène Delacroix: Maestro del color y el movimiento, Delacroix plasma escenas históricas, literarias y orientalistas con gran pasión y dramatismo. Obras como “La libertad guiando al pueblo” y “La muerte de Sardanápalo” son ejemplos de la fuerza expresiva y la intensidad emocional del Romanticismo.
Francisco de Goya: Pintor español que, aunque no se adscribe plenamente al Romanticismo, comparte su interés por lo irracional, lo onírico y lo grotesco. Sus obras, como “Los Caprichos” y “Las Pinturas Negras”, reflejan la angustia existencial y la crítica social de la época.
William Turner: Pintor británico que se destaca por su tratamiento revolucionario de la luz y el color. Sus paisajes, como “Lluvia, vapor y velocidad” y “El Temerario remolcado a su último atraque para el desguace”, capturan la fuerza de la naturaleza y la fugacidad del tiempo.
4. Características del Romanticismo:
Emoción e Intuición: Se da prioridad a la emoción, la intuición y la subjetividad sobre la razón y el intelecto.
Individualismo: Se exalta la individualidad, la originalidad y la libertad del artista.
Naturaleza: La naturaleza se idealiza como fuente de inspiración, belleza, misterio y sublimidad.
Exaltación del Pasado: Se siente nostalgia por el pasado, especialmente por la Edad Media, y se idealizan las culturas exóticas y lejanas.
Temas: Los temas recurrentes son el amor, la muerte, la libertad, la lucha contra la opresión, lo sobrenatural y lo fantástico.
5. El Romanticismo en la Literatura y la Música:
El Romanticismo no se limita a la pintura, sino que se extiende a la literatura y la música. Autores como Victor Hugo, Goethe, Lord Byron y Mary Shelley exploran los temas románticos en sus novelas y poemas. En la música, compositores como Beethoven, Schubert y Chopin expresan la emoción, la pasión y la subjetividad románticas en sus obras.
6. Legado del Romanticismo:
El Romanticismo deja una huella profunda en la cultura occidental. Su influencia se extiende a todas las artes y perdura hasta nuestros días. El Romanticismo nos ha enseñado a valorar la emoción, la individualidad, la imaginación y la conexión con la naturaleza. Su legado nos invita a explorar las profundidades del alma humana y a buscar la belleza en lo sublime y lo misterioso.
En resumen, el Romanticismo, con su exaltación de la emoción, la individualidad y la naturaleza, representa una revolución en la sensibilidad artística y cultural. A través de la pasión, la imaginación y la búsqueda de lo infinito, el Romanticismo nos invita a un viaje apasionante por las profundidades del alma humana y la grandiosidad del mundo natural, dejando un legado fundamental en la historia del arte y la cultura.
El Realismo: Un Espejo para la Sociedad Industrial
El Realismo, como se ha apuntado, se erige como un movimiento artístico que busca plasmar la realidad social con una fidelidad implacable, despojada de idealizaciones y romanticismos. Surgido en Francia a mediados del siglo XIX, en pleno auge de la Revolución Industrial y los cambios sociales que esta conllevó, el Realismo se configura como una reacción al arte académico y romántico que dominaba la escena artística hasta entonces.
1. Contexto Histórico:
Para comprender el Realismo, es crucial situarlo en su contexto histórico. La Revolución Industrial trajo consigo una profunda transformación de la sociedad: el éxodo rural, el crecimiento de las ciudades, la aparición del proletariado y las desigualdades sociales. Este nuevo panorama, marcado por la pobreza, el trabajo en las fábricas y las tensiones sociales, se convierte en el objeto de estudio del Realismo.
2. Rechazo de la Idealización:
A diferencia del Romanticismo, que buscaba la belleza idealizada y la evasión en la naturaleza o el pasado, el Realismo se centra en la representación objetiva de la vida cotidiana, especialmente de las clases trabajadoras y los marginados. Los artistas realistas se proponen mostrar la realidad tal como es, sin adornos ni embellecimientos, denunciando las injusticias y las desigualdades de su tiempo.
3. Artistas Clave:
Gustave Courbet: Considerado el padre del Realismo, Courbet se rebela contra las convenciones artísticas y defiende la pintura de lo “real”. Obras como “Un entierro en Ornans” y “Los picapedreros” causaron escándalo en su época por su crudeza y su representación de la gente común.
Jean-François Millet: Centrado en la vida rural, Millet retrata el trabajo de los campesinos con dignidad y realismo. Su obra “El Ángelus” se convierte en un icono de la pintura realista, mostrando la dureza y la nobleza del trabajo en el campo.
Honoré Daumier: A través de la caricatura y la pintura, Daumier satiriza la sociedad burguesa y denuncia la corrupción política. Sus obras son un testimonio crítico de la época.
4. Características del Realismo:
Observación minuciosa: Los artistas realistas se basan en la observación directa de la realidad, prestando atención a los detalles y a la representación fiel del entorno.
Objetividad: Se busca una representación objetiva, evitando la subjetividad y las emociones del artista.
Compromiso social: El Realismo no se limita a representar la realidad, sino que busca generar conciencia y denunciar las injusticias sociales.
Técnicas: Se utilizan técnicas que permitan plasmar la realidad con precisión, como la pincelada precisa y el uso de la luz natural.
5. Legado del Realismo:
El Realismo marca un punto de inflexión en la historia del arte, abriendo el camino para movimientos posteriores como el Impresionismo y el Naturalismo. Su influencia se extiende a la literatura, la fotografía y el cine, dejando una huella profunda en la cultura visual contemporánea. Su compromiso con la verdad y la justicia social sigue siendo relevante en la actualidad.
En resumen, el Realismo se presenta como una respuesta artística a las transformaciones sociales del siglo XIX, un movimiento que busca reflejar la vida cotidiana y las condiciones sociales sin idealización, con un enfoque en la honestidad y la precisión. A través de la observación detallada y el compromiso con la verdad, el Realismo nos ofrece una visión crítica y reveladora de la sociedad industrial y sus contradicciones.
El Renacimiento, como bien se ha mencionado, emerge en Italia durante el siglo XIV, marcando un período de profunda transformación cultural que se extiende por Europa hasta el siglo XVI. Este movimiento se caracteriza, fundamentalmente, por un renovado interés en la antigüedad clásica greco-romana, un florecimiento del humanismo y una nueva concepción del mundo y del lugar del hombre en él.
1. Redescubrimiento de la Antigüedad Clásica:
Tras la Edad Media, el Renacimiento se presenta como un renacer, una vuelta a los valores estéticos y filosóficos de la Grecia y la Roma antiguas. Este redescubrimiento se ve impulsado por diversos factores, como la migración de eruditos bizantinos a Italia tras la caída de Constantinopla, el desarrollo de la imprenta, que permitió la difusión de textos clásicos, y el mecenazgo de familias adineradas como los Medici en Florencia.
2. El Humanismo:
En el corazón del Renacimiento late el humanismo, una corriente filosófica que coloca al ser humano en el centro de la reflexión. El hombre ya no es visto solo como un ser pecador en espera de la salvación divina, sino como un individuo dotado de razón, libre albedrío y capacidad creativa. Figuras como Leonardo da Vinci, un auténtico “hombre universal”, encarnan este ideal renacentista al destacar en múltiples disciplinas como la pintura, la escultura, la arquitectura, la ingeniería y la anatomía.
3. Realismo y Perspectiva:
En el ámbito artístico, el Renacimiento se distingue por la búsqueda del realismo y la aplicación de la perspectiva lineal. Artistas como Leonardo da Vinci en su “Mona Lisa” y Miguel Ángel en sus frescos de la Capilla Sixtina logran plasmar la figura humana con una precisión anatómica y una profundidad espacial nunca antes vistas. La perspectiva se convierte en una herramienta fundamental para representar el mundo de forma tridimensional y realista.
4. Naturalismo y Ciencia:
El Renacimiento también impulsa un cambio en la forma de entender el mundo. La observación de la naturaleza y la experimentación cobran protagonismo, sentando las bases para la revolución científica del siglo XVII. Figuras como Nicolás Copérnico y Galileo Galilei desafían las concepciones geocéntricas tradicionales, mientras que Leonardo da Vinci realiza estudios anatómicos diseccionando cadáveres para comprender el funcionamiento del cuerpo humano.
5. Obras Representativas:
El Renacimiento nos ha legado un legado artístico incomparable:
Pintura: “La Gioconda” y “La Última Cena” de Leonardo da Vinci, “El Nacimiento de Venus” de Botticelli, “La Escuela de Atenas” de Rafael.
Escultura: “El David” de Miguel Ángel, “El Moisés” de Miguel Ángel.
Arquitectura: La cúpula de la Catedral de Florencia de Brunelleschi, el Templete de San Pietro in Montorio de Bramante.
Conclusión:
El Renacimiento fue un período de efervescencia cultural que sentó las bases para la modernidad. Su revalorización de la antigüedad clásica, el humanismo, la búsqueda del realismo y el desarrollo de la ciencia marcaron un cambio de paradigma en la historia de Occidente, cuyas repercusiones aún hoy son palpables.
Transición al Barroco:
Si bien el Renacimiento representa un momento de equilibrio y armonía, el Barroco, que le sucede, se caracteriza por la exuberancia, el dramatismo y la complejidad. Mientras el Renacimiento busca la serenidad y la proporción, el Barroco se inclina por el movimiento, la emoción y el contraste. Ambos períodos, sin embargo, son expresiones de la vitalidad y la creatividad del espíritu humano.
El Barroco: La Exaltación de la Emoción y el Dramatismo
El Barroco, como se ha señalado, emerge en Europa a principios del siglo XVII, caracterizándose por su exuberancia, dinamismo y un marcado dramatismo. Este movimiento artístico y cultural se desarrolla en un contexto histórico complejo, marcado por las tensiones religiosas entre la Reforma Protestante y la Contrarreforma Católica. En este escenario, el Barroco se convierte en una poderosa herramienta para la Iglesia Católica, buscando inspirar devoción, asombro y reafirmar su poderío frente a la creciente influencia del protestantismo.
1. Contexto Histórico:
El siglo XVII es una época de grandes convulsiones en Europa. Las guerras religiosas, la crisis económica y las tensiones políticas generan un ambiente de incertidumbre y desasosiego. En este contexto, la Iglesia Católica busca recuperar su influencia a través de la Contrarreforma, un movimiento que promueve la renovación interna y la reafirmación de sus dogmas. El arte barroco se convierte en un instrumento clave para este propósito.
2. El Arte al Servicio de la Fe:
El Barroco se caracteriza por su grandiosidad, su ornamentación exuberante y su dramatismo. Las iglesias se llenan de retablos dorados, esculturas monumentales y pinturas que buscan conmover al espectador y despertar su fervor religioso. La luz juega un papel fundamental, creando contrastes dramáticos y efectos teatrales que intensifican la experiencia religiosa.
3. Artistas Clave:
Caravaggio: Considerado uno de los grandes innovadores del Barroco, Caravaggio revoluciona la pintura con su uso dramático de la luz y la sombra (claroscuro) y su realismo descarnado. Sus obras, como “La vocación de San Mateo” y “La muerte de la Virgen”, se caracterizan por su intensidad emocional y su capacidad para conectar con el espectador.
Pedro Pablo Rubens: Maestro del Barroco flamenco, Rubens se distingue por su estilo dinámico y sensual, su dominio del color y su capacidad para plasmar escenas mitológicas, religiosas e históricas con gran energía y movimiento. Sus obras, como “El descendimiento de la cruz” y “Las tres Gracias”, son ejemplos de la exuberancia y el dinamismo del Barroco.
Gian Lorenzo Bernini: El gran escultor y arquitecto del Barroco italiano, Bernini crea obras monumentales que combinan movimiento, emoción y teatralidad. Su “Éxtasis de Santa Teresa” y el “Baldaquino de San Pedro” en la Basílica de San Pedro son ejemplos de su maestría técnica y su capacidad para expresar la espiritualidad barroca.
Diego Velázquez: Pintor de la corte española, Velázquez desarrolla un estilo realista y refinado, capturando la psicología de sus personajes con gran sutileza. Sus obras, como “Las Meninas” y “La rendición de Breda”, son consideradas obras maestras del Barroco español.
4. Características del Barroco:
Dramatismo y Emoción: El Barroco busca conmover al espectador a través de la representación de emociones intensas, escenas dramáticas y contrastes lumínicos.
Movimiento y Dinamismo: Las composiciones barrocas se caracterizan por el movimiento, la diagonalidad y la sensación de energía.
Claroscuro: El uso dramático de la luz y la sombra (claroscuro) crea efectos teatrales y resalta el volumen de las figuras.
Ornamentación Exuberante: La decoración recargada, los detalles dorados y la abundancia de elementos decorativos son característicos del Barroco.
5. Legado del Barroco:
El Barroco deja una huella profunda en la cultura europea. Su influencia se extiende a la arquitectura, la música, la literatura y el teatro. El Barroco representa una época de gran creatividad artística, donde la emoción, el dramatismo y la exuberancia se combinan para crear obras de arte que aún hoy nos siguen conmoviendo.
En resumen, el Barroco, con su exuberancia, dinamismo y dramatismo, se configura como una respuesta artística a las tensiones religiosas y sociales del siglo XVII. A través de la grandiosidad, la emoción y el movimiento, el Barroco busca inspirar devoción, asombro y reafirmar el poderío de la Iglesia Católica. Su legado artístico es innegable, dejando un conjunto de obras maestras que aún hoy nos maravillan por su belleza y su capacidad de expresión.
El Impresionismo: Una Nueva Mirada a la Luz y el Instante
El Impresionismo, como se ha mencionado, representa una revolución en la historia del arte. Surgido en Francia en la segunda mitad del siglo XIX, este movimiento se centra en la captura de la luz y la atmósfera del momento presente, rompiendo con las convenciones académicas y abriendo camino a la modernidad.
1. Contexto Histórico:
Para comprender el Impresionismo, es crucial situarlo en su contexto. El siglo XIX es un período de grandes transformaciones sociales y tecnológicas: la industrialización, el crecimiento de las ciudades, el desarrollo del ferrocarril y la fotografía. Estos cambios influyen en la sensibilidad de los artistas, que buscan plasmar la modernidad y la fugacidad de la vida urbana.
2. La Luz y la Atmósfera:
La principal preocupación de los impresionistas es capturar la luz y su efecto sobre los objetos. Observan cómo la luz cambia a lo largo del día, modificando los colores y las formas. Para plasmar esta impresión fugaz, utilizan pinceladas rápidas y cortas, yuxtaponiendo colores puros sin mezclarlos en la paleta. El objetivo no es representar la realidad con precisión, sino la sensación visual que produce la luz.
3. Artistas Clave:
Claude Monet: Considerado el padre del Impresionismo, Monet se obsesiona con la representación de la luz. Su serie de “Nenúfares” es un ejemplo paradigmático de su técnica, donde el agua y la luz se funden en una sinfonía de colores.
Edgar Degas: Aunque comparte la preocupación por la luz, Degas se centra en la figura humana, especialmente en bailarinas y escenas de la vida urbana. Sus composiciones innovadoras y su uso del color lo convierten en un maestro del Impresionismo.
Pierre-Auguste Renoir: Conocido por sus escenas de la vida cotidiana y sus retratos, Renoir utiliza una paleta vibrante y una pincelada suelta para capturar la alegría y la belleza del mundo que lo rodea.
Camille Pissarro: Uno de los fundadores del Impresionismo, Pissarro experimenta con diversas técnicas, incluyendo el puntillismo, y se interesa por la representación de la vida rural y urbana.
4. Ruptura con la Tradición:
El Impresionismo rompe con las normas académicas de la pintura. Los artistas abandonan el taller y pintan al aire libre, “en plein air”, para capturar la luz natural. Rechazan los temas históricos y mitológicos, prefiriendo escenas de la vida moderna, paisajes y retratos. Sus obras, con su pincelada suelta y sus colores vibrantes, son inicialmente rechazadas por el público y la crítica, que las consideran inacabadas e incluso “impresionistas” (de ahí el nombre del movimiento).
5. Características del Impresionismo:
Pincelada suelta y visible: Las pinceladas son cortas y rápidas, aplicadas con libertad y espontaneidad.
Colores puros: Se utilizan colores puros, sin mezclarlos en la paleta, yuxtapuestos para crear efectos de luz y sombra.
Composición innovadora: Se exploran nuevas formas de composición, con encuadres descentrados y perspectivas inusuales.
Temas cotidianos: Se representan escenas de la vida moderna, paisajes, retratos y momentos fugaces.
6. Legado del Impresionismo:
El Impresionismo marca un punto de inflexión en la historia del arte. Su influencia se extiende a movimientos posteriores como el Postimpresionismo, el Fauvismo y el Expresionismo. Su legado es fundamental para la pintura moderna, ya que libera a los artistas de las convenciones académicas y abre un nuevo camino para la expresión artística.
En resumen, el Impresionismo, con su enfoque en la luz, la atmósfera y el instante presente, revoluciona la pintura del siglo XIX. A través de pinceladas rápidas, colores vivos y composiciones innovadoras, los impresionistas capturan la belleza fugaz del mundo que los rodea, dejando un legado fundamental para la historia del arte.
El Futurismo: Una Oda a la Velocidad y la Modernidad
El Futurismo, como bien se ha indicado, irrumpe en el panorama artístico a principios del siglo XX, proclamando un cambio radical, una ruptura con el pasado y una exaltación de la modernidad, la tecnología y la velocidad. Nacido en Italia con el Manifiesto Futurista de Filippo Tommaso Marinetti en 1909, este movimiento vanguardista se extiende rápidamente por Europa, influyendo en diversas disciplinas artísticas como la pintura, la escultura, la literatura, la música y el cine.
1. Contexto Histórico:
Para comprender el Futurismo, es fundamental situarlo en su contexto histórico. A principios del siglo XX, Europa vive un período de gran dinamismo y transformación: la industrialización avanza a pasos agigantados, las ciudades crecen, aparecen nuevas tecnologías como el automóvil y el avión, y se respira un ambiente de cambio y progreso. Este clima de modernidad y optimismo tecnológico es el caldo de cultivo del Futurismo.
2. Rechazo del Pasado:
El Futurismo se caracteriza por un rechazo radical del pasado y una exaltación del futuro. Los futuristas consideran que los museos y las academias son “cementerios” del arte y abogan por una renovación total de la cultura. “Queremos destruir los museos, las bibliotecas, las academias de todo tipo”, proclama Marinetti en su manifiesto.
3. Exaltación de la Modernidad:
Los futuristas glorifican la velocidad, la máquina, la tecnología y la violencia. El automóvil, el avión y el tren se convierten en símbolos de la modernidad y el progreso. La guerra es vista como una “higiene del mundo” y una forma de purificación. La industrialización y la vida urbana son exaltadas como expresiones del dinamismo de la época.
4. Artistas Clave:
Umberto Boccioni: Uno de los principales exponentes del Futurismo en la pintura y la escultura, Boccioni busca plasmar el movimiento y la energía de la vida moderna. Obras como “La ciudad que sube” y “Formas únicas de continuidad en el espacio” son ejemplos de su búsqueda de dinamismo y simultaneidad.
Giacomo Balla: Pionero en la representación del movimiento en la pintura, Balla utiliza líneas de fuerza, colores vibrantes y la técnica de la “cronofotografía” para capturar la velocidad y la dinámica de los objetos en movimiento. “Dinamismo de un perro con correa” es una obra emblemática de su estilo.
Carlo Carrà: Inicialmente influenciado por el Cubismo, Carrà se une al Futurismo y desarrolla un estilo personal que combina la fragmentación de las formas con la representación del movimiento. “Los funerales del anarquista Galli” es una de sus obras más conocidas.
5. Características del Futurismo:
Dinamismo y Movimiento: La representación del movimiento y la energía es un elemento central del Futurismo. Se utilizan líneas de fuerza, diagonales, planos superpuestos y la técnica de la “simultaneidad” para crear la sensación de dinamismo.
Tecnología y Modernidad: Las máquinas, los automóviles, los aviones y la vida urbana son temas recurrentes en el arte futurista.
Violencia y Guerra: La guerra es vista como una fuerza regeneradora y una expresión de la vitalidad del hombre moderno.
Ruptura con el Pasado: Se rechazan las tradiciones y las convenciones artísticas del pasado.
6. Legado del Futurismo:
El Futurismo, a pesar de su corta duración y su asociación con el fascismo en Italia, ejerce una influencia considerable en el arte del siglo XX. Su exaltación de la modernidad y la tecnología anticipa el desarrollo del arte abstracto y el arte cinético. Su impacto se extiende a la arquitectura, el diseño, la moda y la publicidad.
En resumen, el Futurismo, con su celebración de la velocidad, la tecnología y la modernidad, representa una ruptura radical con el pasado y una apuesta por el futuro. A través de obras dinámicas y llenas de energía, los futuristas capturan el espíritu de una época en transformación, dejando un legado importante en la historia del arte.
El Rococó: Elegancia y Frivolidad en la Corte Francesa
El Rococó, como bien se ha apuntado, se desarrolla en Francia durante la primera mitad del siglo XVIII, representando una evolución del Barroco hacia una estética más ligera, ornamental y hedonista. Si bien comparte con el Barroco el gusto por la ornamentación y el dinamismo, el Rococó se distingue por su delicadeza, su sensualidad y su atmósfera de galantería y frivolidad, reflejando el estilo de vida de la aristocracia francesa en la época previa a la Revolución.
1. Contexto Histórico:
El Rococó florece en la Francia del siglo XVIII, durante el reinado de Luis XV, en un período de relativa paz y prosperidad. La corte de Versalles se convierte en el epicentro de la cultura y la moda, y la aristocracia se entrega a una vida de placeres, lujo y refinamiento. El arte rococó refleja este ambiente cortesano, caracterizado por la elegancia, la frivolidad y la búsqueda del placer estético.
2. Reacción al Barroco:
El Rococó surge como una reacción al dramatismo y la grandiosidad del Barroco. Mientras el Barroco buscaba conmover e inspirar temor reverencial, el Rococó se inclina por la sensualidad, la gracia y la alegría de vivir. La temática religiosa pierde protagonismo, dando paso a escenas mitológicas, galantes y pastoriles, que reflejan el ambiente festivo y despreocupado de la corte.
3. Artistas Clave:
Antoine Watteau: Considerado el precursor del Rococó, Watteau crea un mundo de ensueño poblado de personajes elegantes y melancólicos. Sus “fiestas galantes”, como “El embarque para Citera”, capturan la atmósfera de refinamiento y nostalgia de la aristocracia.
François Boucher: Pintor de la corte de Luis XV, Boucher se especializa en escenas mitológicas y pastoriles, llenas de gracia, sensualidad y erotismo. Sus obras, como “Diana saliendo del baño” y “El triunfo de Venus”, son ejemplos del gusto rococó por la belleza femenina y la voluptuosidad.
Jean-Honoré Fragonard: Con un estilo más dinámico y vibrante, Fragonard plasma escenas de amor, juegos y erotismo con gran libertad y espontaneidad. Su obra “El columpio” es un icono del Rococó, capturando la alegría de vivir y la frivolidad de la época.
Élisabeth Vigée Le Brun: Una de las pocas mujeres pintoras que logró reconocimiento en la época, Vigée Le Brun se especializa en retratos de la aristocracia, capturando la elegancia y la sofisticación de sus modelos con gran sensibilidad.
4. Características del Rococó:
Elegancia y Delicadeza: Las formas son curvas y sinuosas, los colores son pastel y la composición es ligera y armoniosa.
Frivolidad y Galantería: Las escenas representan la vida despreocupada de la aristocracia, con temas como el amor, la música, la danza y los juegos galantes.
Sensualidad y Erotismo: La belleza femenina, la voluptuosidad y el erotismo son elementos recurrentes en el Rococó.
Ornamentación: Se mantiene el gusto por la ornamentación, pero con un carácter más ligero y delicado que en el Barroco.
5. El Rococó en la Arquitectura y el Diseño:
El Rococó también se manifiesta en la arquitectura y el diseño de interiores. Los palacios y las residencias aristocráticas se decoran con molduras, espejos, arabescos y motivos florales. Se busca crear ambientes íntimos y refinados, donde la luz y el color juegan un papel fundamental.
6. Legado del Rococó:
El Rococó, a pesar de su corta duración y su asociación con la frivolidad de la aristocracia, deja un legado importante en la historia del arte. Su influencia se extiende a la moda, la decoración y las artes decorativas. El Rococó representa una época de refinamiento estético y búsqueda del placer, y sus obras nos siguen cautivando por su elegancia, su delicadeza y su capacidad para capturar la atmósfera de una época.
En resumen, el Rococó, con su elegancia, frivolidad y sensualidad, refleja el estilo de vida de la aristocracia francesa en el siglo XVIII. A través de escenas galantes, colores pastel y formas delicadas, el Rococó crea un mundo de ensueño y placer estético, dejando un legado significativo en la historia del arte y la cultura.
Art Basel Miami Beach unveils further details of its upcoming edition, including new collaborators, exhibition concepts, and exceptional proposals across the show’s sectors
• Directed for the first time by Bridget Finn, Art Basel’s fair in the Americas will host 286 premier galleries from 38 countries and territories, set to present the best of their distinguished programs. • This show will present a refreshed artistic program, welcoming its largest cohort of new exhibitors in over a decade, as well as new curators and exhibition concepts to provide an unmissable experience for art professionals and enthusiasts. • Re-configured for its fifth anniversary, Meridians, the show’s trademark sector for monumental artworks, will be curated for the first time by Yasmil Raymond, featuring 17 large-scale projects by renowned artists from the Americas and beyond, including Alice Aycock, Rachel Feinstein, Roberto Huarcaya, Zhu Jinshi, Portia Munson, José Parlá, Lee ShinJa, and Franz West. • New details of exhibitors and projects in Kabinett, the show’s jewel-box sector for thematic presentations, are now available, as well as further information on galleries’ upcoming presentations in the Galleries, Nova, Positions, and Survey sectors, including standout proposals from newcomers and singular showcases of Modern and contemporary masters. • Conversations, Art Basel’s renowned talks program, will be curated for the first time in Miami Beach by Kimberly Bradley • Powering an exciting, region-wide art week of world-class exhibitions and events, Art Basel Miami Beach, whose Global Lead Partner is UBS, will take place from December 6-8, 2024, with VIP Preview Days on December 4 and 5.
Art Basel, the world’s premier art fair for Modern and contemporary art, is delighted to announce new details and further highlights of its 2024 edition in Miami Beach, taking place from December 6 to 8 at the Miami Beach Convention Center, with VIP Preview Days on December 4 and 5. Directed for the first time by Bridget Finn, Art Basel Miami Beach will host 286 world-class galleries from 38 countries and territories showcasing the best of their distinguished programs. Reflecting the show’s home at the continental crossroads of Miami Beach, as well as its enduring commitment to platforming artistic excellence from the region, over two-thirds of exhibitors at this year’s Art Basel Miami Beach operate spaces in the Americas. They hail from the United States, Canada, Mexico, Brazil, Argentina, Peru, Chile, Colombia, and Uruguay, joining exhibitors from Europe, Asia, the Middle East, and Africa to present an unparalleled overview of artistic production in the region. Once again, exhibitors will present the highest-quality paintings, sculptures, installations, photographs, films, new media, and editioned works by rising talents and Modern and contemporary masters across the show’s six sectors:
• Galleries, the main sector, where over 200 Modern, postwar, and contemporary art dealers from the Americas and beyond will present the full breadth of their program • Kabinett, where select galleries in the main sector exhibit thematic presentations in a distinct section of their booth • Nova, where younger galleries showcase work by up to three artists, created within the last three years • Positions, dedicated to showcases of emerging galleries and artists • Survey, where galleries present historically relevant works created before the year 2000, with the aim of broadening our understanding of the conventional art historical canon • Meridians, the show’s curated sector for large-scale projects that transcend the traditional art fair booth, introduced in 2019
The show also offers a renowned, curated program of artworld talks and debates, Conversations, open free to the public each day of the show. Under Finn’s leadership, the show will present a refreshed artistic program, introducing a new curator and exhibition concept in Meridians, as well as its largest cohort of new exhibitors in over a decade. The show stands to be thoroughly re-invigorated, with an exceptional 34 new galleries joining the fair across all sectors, and 31 exhibitors set to present in the main sector for the first time. Newcomers entering the main sector directly include: Gallery Baton (Seoul), Jan Kaps (Köln), Pearl Lam Galleries (Hong Kong, Shanghai), Leeahn Gallery (Daegu, Seoul), Martos Gallery (New York), Gallery Wendi Norris (San Francisco), and Tim Van Laere Gallery (Antwerp, Rome). The sector will feature thirteen ‘graduating’ galleries who exhibited in Nova, Positions, or Survey in 2023, with standouts including Isla Flotante (Buenos Aires), Central Fine (Miami Beach), Meredith Rosen Gallery (New York), Afriart Gallery (Kampala), Rele Gallery (Lagos, London, Los Angeles), Instituto de visión (Bogotá), Edel Assanti (London), and Daniel Faria Gallery (Toronto). Furthermore, Art Basel today reveals the participating galleries and standout projects in its jewel-box sector, Kabinett, which sees a renewed emphasis and diversity in the context of an edition focused on facilitating discovery, said Finn:
BRIDGET FINN, Director, Art Basel Miami Beach.
Courtesy of Art Basel. Photo: James Jackman.
‘We are categorically focused on the quality of exhibitors and works on view, making sure we deliver an experience that is truly unequalled the world over. Whether a first-time visitor or a seasoned fairgoer and collector, this edition has been designed with you in mind, to maximize at every turn the opportunity for surprise encounters and revelatory discoveries.’
Meridians On the occasion of its fifth anniversary, Meridians will be curated for the first time this year by Yasmil Raymond, former director of Portikus and rector of the Hochschule für Bildende Künste- Städelschule, Frankfurt and previous curator at The Museum of Modern Art, New York; Dia Art Foundation, New York; and Walker Art Center, Minneapolis. The sector will re-locate to the south end of the showfloor, flanking Nova and Positions, the sectors dedicated to emerging galleries and artists, and anchoring the contemporary art section of the fair. With a renewed focus on institutionally-minded monumental sculpture, painting, and installation, Meridians will feature 17 projects – the majority created this year, alongside key historical pieces-by renowned American and international artists, including Alice Aycock, Rachel Feinstein, Roberto Huarcaya, Zhu Jinshi, Portia Munson, José Parlá, Lee ShinJa, and Franz West. Titled ‘State of Becoming’, this iteration explores themes ranging from the unexpected contingencies of democracy to the heightened anxiety of global climate change, explains Raymond: ‘The 2024 edition of Meridians will feature large-scale works of institutional quality and ambition by a bold group of artists. The title is an allegory for the formal language embodied in the artists’ work: Some explore the physical properties of regeneration and transformation in the methods of fabrication of the work itself, while others allude conceptually to entropy and the sublimation of organic materials. In other works, the handling of space evokes ideas of crossing over or passing in-between that propose change and transcendence.’
Highlights from Meridians include: • Metal Storm (2024), a new bronze sculpture by American artist Rachel Feinstein (b. 1971), inspired by Hans Baldung Grien’s 16th-century drawing Witches, depicting three figures suspended above one another, soaring and spinning in mid-air, presented by Gagosian (New York, Basel, London, Geneva, Hong Kong, Paris, Rome). Feinstein, who was raised in Miami, will also be the subject of a major mid-career survey at The Bass Museum, on view during Art Basel Miami Beach. • A monumental photogram by Peruvian artist Roberto Huarcaya (b. 1959) from the series Amazogramas (2014-2024), taking as its subject the grandeur and precariousness of the Amazon rainforest, presented by Rolf Art (Buenos Aires). The work is the centerpiece of the Peruvian Pavilion at the 60th Venice Biennale. • From the artwork series exhibited in China’s pavilion at the Venice Biennale, Pathway (2024) by Zhu Jinshi (b. 1954), a sprawling walk-in sculpture made from 16,000 sheets of paper suspended over an armature of thin bamboo and cotton, presented by Pearl Lam Galleries (Hong Kong, Shanghai). • Goya (2024) by American artist Alice Aycock (b. 1946), a towering 10-foot-tall aluminum ribbon-like spiral sculpture, presented by Galerie Thomas Schulte (Berlin). • La Famille dans la Joyeuse Verdure (The Family in the Joyful Green) (2015-2019), a large- scale embroidery hand-stitched over a four-year period, by the Argentine artist collective Chiachio & Giannone (Leo Chiachio, b. 1969, and Daniel Giannone, b. 1964). Presented by Ruth Benzacar Galería de Arte (Buenos Aires), the work pays tribute to the LGBTQ community and Indigenous Guaraní culture. • Inspired by urban spaces and city walls, Untitled (2024), a mural-sized diptych of cursives and calligraphic strokes by Miami-born, New York-based artist José Parlá (b. 1973), presented by Ben Brown Fine Arts (London, Hong Kong, Palm Beach). The project coincides with an exhibition of new works by Parlá at Pérez Art Museum Miami, also on view during the show week. • A group of six woven tapestries by Korean fiber artist Lee ShinJa (b. 1930) from the 1980s, whose geometric compositions fuse cascades and spills of color that fall with grand verticality, presented by Tina Kim Gallery (New York). • Bound Angel (2021), an enigmatic installation by American artist Portia Munson (b. 1961), featuring an immense oval dining table dressed in a tablecloth composed of used wedding dresses and a mannequin torso evoking a bound and facelesss bride, enveloped in discarded objects in the shape of female angels, presented by P.P.O-W (New York). • Urs (2010), a freestanding painted sculpture made from epoxy resin by Austrian artist Franz West (1947-2012), part of the late artist’s Legitimate Sculptures series begun in the mid-1980s, presented by Van de Weghe (New York).
ZHU JINSHI, Rice Paper Pagoda, 2024. Fireproof rice paper, steel pipe, bamboo pole, cotton thread, LED light strips. H8.5-8.7 x dia. 3.5 m. Courtesy of the artist and Pearl Lam Galleries.
ROBERTO HUARCAYA, photogram from the series Amazogramas, 2014-2024. 30 x 1.08 m. Installation view of the Peruvian Pavilion at the 60th Venice Biennale. Courtesy of the artist and Rolf Art.
PORTIA MUNSON, Bound Angel, 2021. Found figurines, lamps, candles, string & rope, wedding gowns as tablecloth, extension cords, oval table. 4.88 x 1.73 x 1.68 m. Courtesy of the artist and P-P-O-W, New York. Photo: Lance Brewe
JOSÉ PARLÁ, Working on Pathways, 2024. Mixed media on canvas. 2.44 x 4.27 x 0.05m. Courtesy of the artist and Ben Brown Fine Arts. Photo: Rey Parlá.
CHIACHIO & GIANNONE, detail of La Famille dans la Joyeuse Verdure, 2013-2019. Realized by atelier A2. Hand embroidery with cotton, rayon, & wool yarns on canvas. 2.64 x 4.35m. Courtesy of the artist and Ruth Benzacar Galería de Arte.
Kabinett Conceived as a succession of jewel boxes dotted across the show floor, Kabinett will feature over 24 meticulously curated showcases within galleries’ main booths, with standout proposals including: • A singular presentation of wood paintings by Miriam Inez da Silva (1937-1996) that seeks to reconfigure her legacy as a narrator of Brazilian modernization processes from the 1950s to the 1990s, presented by Gomide&Co. (São Paulo). • The market debut of nearly a dozen paintings and works on paper from the 1940s by the master American Abstract-Expressionist painter Franz Kline (1910-1962) created prior to his affiliation with the New York School artists, offering rare insight into the early process and patronage of one of the most influential artists of the twentieth century, presented by Hirschl & Adler Modern (New York). • A selection of lesser-known marble and bronze sculptures by Cuban-born, Puerto Rico- based artist Zilia Sánchez (b. 1926), a singular figure of Latin American Modernism and geometric abstraction, presented by Galerie Lelong & Co. (New York, Paris). The 98-year- old artist is the subject of a major career survey currently on view at the Institute of Contemporary Art, Miami and traveling to the Museum of Puerto Rico in 2025. • A vibrant abstract landscape installation by Costa Rican artist Federico Herrero (b. 1978), comprised of new wall canvases and a site-specific floor painting created especially for the fair and inspired by the urban structures of the artist’s native San José, presented by Sies+ Höke (Düsseldorf). Galleries will furthermore present works by nearly 4,000 artists across the show’s four remaining exhibition sectors, highlights for which were announced in July. Among the many exceptional proposals this year is Helly Nahmad Gallery’s (New York) showcase of 20th-century masters including Wassily Kandinsky (1886-1944), Jean-Michel Basquiat (1960-1988), Alexander Calder (1898-1976), Jean Dubuffet (1901-1985), Pablo Picasso (1881-1973), Max Ernst (1891-1976), Fernand Léger (1881-1955), Lucio Fontana (1899-1968), and Joan Miró (1893-1983), and Meredith Rosen Gallery’s (New York) first-ever presentation in the main sector, featuring a new sculptural installation by Charlemagne Palestine (b. 1947), which the 79-year-old American artist will activate with a live musical performance during the fair. Coinciding with the centennial anniversary of the Surrealist Movement, main sector newcomer Gallery Wendi Norris (San Francisco) will present works by Cuban-born contemporary artist María Magdalena Campos– Pons (b. 1959) in dialogue with rare paintings by the canonical Spanish Surrealist Remedios Varo (1908-1963). Additionally, in Survey, two galleries will bring booths dedicated to rare works by French Surrealist women artists: a showcase of paintings by the little-known Jacqueline Lamba (1910-1993) at Weinstein Gallery (San Francisco), and a theatrical presentation featuring original photographs and books by Claude Cahun (1894-1954) at Galerie Alberta Pane (Paris, Venice). Hailing from a wide variety of geographies – from Bogotá to Toronto, Madrid, Jakarta, and beyond – outstanding proposals from newcomers across sectors abound, including Gajah Gallery’s (Singapore) booth in Survey, featuring previously unseen paintings and wood and cotton sculptures by Indonesian artist I Gusti Ayu Kadek Murniasih (b. 1966), on the subject of feminine pleasure, autonomy, and body horror; Galerie Allen’s (Paris) trio presentation in Nova, on the theme of ‘sanctuary amongst the grotesque,’ featuring paintings by Ex-Situationist Jacqueline de Jong (b. 1939), aquarium sculpture works by Trevor Yeung (b. 1988), and hand-blown glass sculptures of tongues by Tarek Lakhrissi (b. 1992) that evoke Queer gateways into safe-space backroom culture; as well as Gordon Robichaux’s (New York) showcase in Positions, with a series of shrine works by Agosto Machado derived from the artist and activist’s personal archives, marking an important introduction of the figure’s work to broader commercial audiences.
FRANZ KLINE, Elizabeth (Reclining Woman), 1949. Oil on canvas. 61 x 73.7 cm. Courtesy of Hirschl & Adler Modern.
ZILIA SÁNCHEZ, Concepto II, ca. 1998/2019. Bronze. 60.5 x 41.3 x 31.8 cm each.
Courtesy of the artist and Galerie Lelong and Co., New York.
Conversations & Cultural Programming during the show
A compelling series of live debates with art’s most exciting thought leaders, Conversations will be curated for the first time in Miami Beach by American writer, editor, and educator Kimberly Bradley. ‘This edition of Conversations takes the pulse of the art world’s many current paradigm shifts – some of them subtle, others more dramatic,’ said Bradley. ‘New tendencies, and potentials, are emerging for artists, collectors, and institutions. ‘Conversations will take place from December 5 to 7 in the Auditorium of the Miami Beach Convention Center, freely accessible to the public.
Beyond the fair halls, Art Basel Miami Beach will once again power an exciting, region-wide art week of world-class exhibitions and events taking place across Greater Miami and the surrounding areas. For the first time, Times Square Arts will bring their Midnight Moment program to Miami Beach during the show week, free to the public. The world’s largest and longest-running digital public art program showcasing work by leading contemporary artists on the electronic billboards of Times Square in New York City, Midnight Moment will present video works by 30 artists, projected nightly on the facade of Miami Beach’s SoundScape Park. Further details on the program, including dates and participating artists, will be announced in due course.
Further cultural programming includes: • The Bass Museum ‘Rachel Feinstein: The Miami Years’ ‘Ulla von Brandenburg: In Dialogue’ ‘(LA)HORDE: Heureux sous son ombre’ ‘Performing Perspectives: A Collection in Dialogue’
• Juan Carlos Maldonado Collection Forthcoming
• El Espacio 23 Forthcoming
• The Institute of Contemporary Art, Miami ‘Lucy Bull: The Garden of Forking Paths’ ‘Ding Shilun: Janus’ ‘Marguerite Humeau: *sk*/ey-‘ ‘Keiichi Tanaami: Dream Collage’ ‘Crossroads: Rubem Valentim’s 1960s’
• Locust Projects ‘Alexander Arrechea: Herramienta Desnuda (Bare Tool)’ ‘Alba Triana: Dialogue with the Primordial Sea’
• Margulies Collection at the Warehouse ‘Historic Works from the Margulies Collection 1930s-1970s’ ‘Conceptual Works 1980s-2010s’ ‘Beyond the Single Image. Spanish Photography from the Foto Colectania Collection, Barcelona’ ‘Portraits from Here to There: Alec Soth and Jason Schmidt’ ‘Featured Installation: Do Ho Suh’ ‘Mimmo Paladino: Painting and Sculpture’
• Marquez Art Projects Forthcoming
MOCA, North Miami ‘Andrea Chung: Between Too Late and Too Early’ ‘Smita Sen: Embodied’
• Norton Art Museum ‘Dragons: Commanders of Rain’ ‘Strike Fast, Dance Lightly: Artists on Boxing’ ‘Sorolla and the Sea’
• NSU Art Museum Fort Lauderdale ‘Jacqueline de Jong: Vicious Circles’ ‘Joel Meyerowitz: Temporal Aspects’ ‘Rose B. Simpson and vanessa german: IT INCLUDES EVERYONE, EVERYWHERE, ALWAYS’ ‘Cici McMonigle: Creatures for the Divine’ ‘Peter Halley: The Mirror Stage’ ‘Louis M. Glackens: Pure Imagination’ ‘House of Glackens’
• Patricia and Phillip Frost Art Museum ‘Fighters for Freedom: William H. Johnson Picturing Justice’ ‘Of what surrounds me: Amanda Bradley, Cristina Lei Rodriguez, and Mette Tommerup’
• Pérez Art Museum Miami ‘José Parlá: Homecoming’ ‘Jason Seife: Coming to Fruition’ ‘Calida Rawles: Away with the Tides’ ‘Every Sound Is a Shape of Time: Selections from PAMM’s Collection’ ‘Xican-a.o.x. Body’ ‘The Days That Build Us: Selections from PAMM’s Collection’ ‘Antonia Wright: State of Labor’ ‘Cecilia Vicuña: Quipu Gut’ ‘Beyond Representation: Performance Art Practices from the Caribbean and its Diasporas’
•Rubell Museum Forthcoming
The Legacy Purchase Program For the fifth consecutive year, the City of Miami Beach will acquire for its esteemed public art collection one standout work from an exhibiting gallery at Art Basel Miami Beach. This year, in addition to exhibitors in Nova and Positions, newcomers joining the main sector from Nova and Positions within the last four years will also be eligible for participation. Decided via public vote, the winning artwork and gallery will be announced shortly before the opening of the show. The Legacy Purchase Program further strengthens the City’s longstanding partnership with Art Basel and supports a lasting cultural legacy that celebrates art’s power to shape the future.
The CPGA-Étant Donnés Prize The Comité Professionnel des Galeries d’Art (French Professional Committee of Art Galleries, or CPGA) and Villa Albertine will join forces for the third edition of the CPGA-Etant Donnés Prize, which recognizes a major work by a contemporary French or France-based artist participating at Art Basel Miami Beach and their exhibiting gallery. The prize winner will be selected by an appointed jury of international curators and collectors and will receive a $15,000 cash prize, split equally between the artist and their gallery. In 2023, the prize was awarded to Colombian, Paris- based artist Daniel Otero Torres and mor charpentier.
NOTES TO EDITORS About Yasmil Raymond Yasmil Raymond is an independent curator. From 2020 to 2024, Raymond served as the director of Portikus and rector of the Hochschule für Bildende Künste-Städelschule, Frankfurt. Previously, Raymond served as Associate Curator in Painting and Sculpture at the Museum of Modern Art, New York (2015-2019), where she organized and co-organized projects including The Unfinished Conversation: New Work from the Collection (2017) and From the Collection: 1960-1969 (2016). From 2009 to 2014, Raymond was Curator at Dia Art Foundation, New York, where she organized exhibitions and projects with artists Allora & Calzadilla (2015), Thomas Hirschhorn (2013), Jean-Luc Moulène (2012), Yvonne Rainer (2011), lan Wilson (2015-2011), and Robert Whitman (2011), Koo Jeong A (2010), Franz Erhard Walther (2010), and Trisha Brown (2009). From 2004 to 2009, she was Associate Curator in Visual Arts at the Walker Art Center, Minneapolis, where she curated or co-curated solo exhibitions of Kara Walker, Tomas Saraceno, and Tino Sehgal, and the group exhibition Brave New Worlds (2007-2008). From 2009 to 2019, Raymond was Senior Critic in the Master of Fine Arts program at the University of Pennsylvania. Most recently, Raymond co- curated Rikritk Tiravanija: DAS GLÜCK IST NICHT IMMER LUSTIG at the Gropius Bau in Berlin. She currently sits on the Finding Committee of documenta 16. Raymond serves as a trustee of the Teiger Foundation, Dia Art Foundation, the Stephen Antonakos Foundation, and A.R.T. (Art Resources Transfer), all based in New York. She holds a BFA from The School of the Art Institute of Chicago and MA from the Center for Curatorial Studies at Bard College.
About Kimberly Bradley Kimberly Bradley is a writer, editor, and educator based in Berlin. Her writing has appeared in The New York Times, ArtReview, and many other publications. Bradley is co-editor of Navigating the Planetary, a reader on transcultural art, and has lectured at NYU Berlin and the Salzburg International Summer Academy of Fine Arts. A former curator and moderator of the talks series at Viennacontemporary, she recently moderated public events for Forecast, an international mentorship program, and curated the 2024 edition of Conversations at Art Basel in Basel.
About Art Basel Founded in 1970 by gallerists from Basel, Art Basel today stages the world’s premier art shows for Modern and contemporary art, sited in Basel, Miami Beach, Hong Kong, and Paris. Defined by its host city and region, each show is unique, which is reflected in its participating galleries, artworks presented, and the content of parallel programming produced in collaboration with local institutions for each edition. Art Basel’s engagement has expanded beyond art fairs through new digital platforms and initiatives such as The Art Basel and UBS Global Art Market Report. Art Basel’s Global Media Partner is the Financial Times. For further information, please visit artbasel.com.
Art Basel Miami Beach Selection Committee • Márcio Botner, A Gentil Carioca, Rio de Janeiro • Philippe Charpentier, mor charpentier, Paris & Bogotá • Thiago Gomide, Gomide&Co., São Paulo • Steve Henry, Paula Cooper Gallery, New York • Wendy Olsoff, P.P.O.W, New York • Susanne Vielmetter, Vielmetter Los Angeles
Sector Experts for Nova and Positions •Kibum Kim, Commonwealth and Council, Los Angeles •Leopol Mones Cazón, Isla Flotante, Buenos Aires •Nicole Russo, Chapter NY, New York
Partners Global Lead Partner of Art Basel, UBS has a long history of supporting contemporary art and artists. The firm has one of the world’s most distinguished corporate art collections. UBS seeks to advance the international conversation about the art market through its global lead partnership with Art Basel and as co-publisher of the ‘Art Basel and UBS Global Art Market Report’ and the ‘Art Basel and UBS Survey of Global Collecting’, authored by Dr. Clare McAndrew. UBS also supports some of the world’s most important arts institutions, events, and fairs. UBS provides its clients with insight into the art market, collecting, and legacy planning through its UBS Collectors Circle and UBS Art Advisory. For more information about UBS’s commitment to contemporary art, visit ubs.com/art.
Art Basel’s Associate Partner Audemars Piguet believes that creativity feeds culture, connects people, and gives purpose to our lives. Through its dedicated contemporary art programme, Audemars Piguet Contemporary, international artists are commissioned to create carte-blanche artworks across a variety of scales and media, enabling artists to explore new territories in their practice. Art Basel’s Associate Partner NetJets, the world leader in private aviation, is partnering with Art Basel to showcase emerging artists through their lounge activations at Art Basel in Basel, Paris, and Miami Beach. Art Basel is also supported globally by Hong Kong Tourism Board, BMW, Ruinart, GOAT, Quintessentially, and We are Ona. Art Basel’s Global Media Partner is the Financial Times.
Joining Art Basel Miami Beach as an Official Partner in 2024, Airbnb encourages travelers to live like a local across the Magic City, with local Hosts set to welcome thousands of artists, patrons, and enthusiasts during the show from key destinations including New York City, Washington, D.C., Paris, Nuremberg, Seoul, and Tokyo. For information on booking accommodation, please visit airbnb.com/artbaselmb2024.
As Art Basel Miami Beach’s Official Partner, Lufthansa will provide a seamless, 360-degree premium international travel experience for visitors to Miami Beach, from booking to arrival, as part of its ‘All it takes is a yes’ campaign. In addition, Lufthansa will collaborate with a leading contemporary artist to present a one-of-a-kind experience for visitors to discover onsite at Art Basel Miami Beach, further details of which will be unveiled soon.
Art Basel Miami Beach is supported by Microsoft, Lufthansa, Sotheby’s International Realty, Chubb, Solana, Rabanne, Casa Dragones and The Samsung Art Store, as well as Parley for the Oceans, Perrier, TOV, and Muuto. The show’s Official Hotel Partners are The Ritz-Carlton, South Beach, Grand Beach Hotel Miami Beach, and W South Beach. For more information, please visit artbasel.com/partner.
Art Basel & UBS School Group Program Art Basel greatly values the attendance of students and school groups at our shows. For the second year, Art Basel and UBS will partner to offer complimentary admission to Art Basel Miami Beach for registered schools, an initiative that provides enriching educational experiences in the world of Modern and contemporary art.
This year, Art Basel Miami Beach will also launch the Rosa de la Cruz Student Participation Program, in honor of the late Miami art patron and philanthropist’s legacy of championing education and public programs in contemporary art. The program will annually fund 100 students at Design and Architecture Senior High School (DASH) in Miami, Florida, of which Rosa was a passionate supporter, to visit Art Basel Miami Beach.
Important Dates
Art Basel Miami Beach 2024 VIP days (by invitation only) Wednesday, December 4, 11am to 7pm, First Choice VIP guests Wednesday, December 4, 4pm to 7pm, Preview VIP guests Thursday, December 5, 11am to 7pm, First Choice and Preview VIP guests Thursday, December 5, 4pm to 7pm, Vernissage VIP guests
Art Basel Miami Beach 2024 Public days (access with a ticket or invitation) Friday, December 6, 11am to 6pm Saturday, December 7, 11am to 6pm Sunday, December 8, 11am to 6pm
Getting to the show The City of Miami Beach will provide complimentary water taxi and shuttle services during the show week, to and from the Miami Beach Convention Center and the Miami Design District in mainland Miami. More information on these services will be available soon.
Media Information Online Online registration for press accreditation for Art Basel Miami Beach will open in late October. For more information, please visit artbasel.com/accreditation.
Press releases and images can be downloaded directly from artbasel.com/press. Journalists can subscribe to our media mailings to receive information on Art Basel.
For the latest updates on Art Basel, visit artbasel.com, find us on Facebook, or follow @artbasel on Instagram, Twitter, LinkedIn, Weibo, and WeChat.
Upcoming Art Basel shows Paris, October 18-20, 2024 Miami Beach, December 8-10, 2024 Hong Kong, March 28-30, 2025 Basel, June 19-22, 2025
Press Contacts Art Basel, May Mansour Tel. +1 646 573 8722, [email protected]
PR Representatives for Europe, the Middle East, and Africa SUTTON, Khuroum Bukhari & Joseph Lamb Tel. +44 7715 666 041, [email protected], [email protected]
PR Representatives for France Claudine Colin Communication, A Finn Partners Company, Thomas Lozinski & Aristide Pluvinage Tel. +33 (0)1 42 72 60 01, [email protected], [email protected]
PR Representatives for Asia SUTTON, Carol Lo Tel. +852 2528 0792, [email protected]
Spend a day at the museum with family and friends honoring and experiencing the rich and diverse cultures of the Hispanic and Latino communties. Create a work of art inspired by Cecilia Vicuña’s Quipu Gut, a wool sculpture on view in PAMM’s permanent collection. Experience Rosa dos Ventos, a relational sculpture developed in collaboration by Brazilian artists and psychologists Robertha Blatt and Aline Gonet, and join a communal art activity using finger weaving, facilitated by Blatt. Also, participate in a storytime reading of Daniel Matias’s newly-released book, “Emergency Quarters,” which follows the story of a young boy from Queens.
Also, participate in a storytime reading of Daniel Matias’s newly-released book, “Emergency Quarters,” which follows the story of a young boy from Queens. For the rest of the day, explore the galleries, grab a meal at Verde, or sit back and enjoy the breeze on the waterfront terrace.
Support
PAMM Free Second Saturdays are presented by PNC Arts Alive, Publix Super Market Charities, and The Edward C. Fogg, III and Lisbeth A. Fogg Charitable Trust. The program is made possible by endowed funds granted by the John S. and James L. Knight Foundation and Heckscher Foundation for Children to underwrite the museum’s broad portfolio of education programs. Together with leadership support from Miami-Dade County, these funders enable the museum to transform the lives of young people in our community through our art education programs.
