Die Brücke (The Bridge)

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Die Brücke (The Bridge): Pioneers of German Expressionism

Die Brücke, a German Expressionist collective, found its roots in Dresden, later relocating to Berlin, where it thrived from 1905 to 1913. The very essence of their name symbolized the profound influence on their artistic endeavors, serving as a symbolic bridge connecting the realms of the past, present, and future. One of their hallmark achievements lay in the revival and reimagining of the woodcut print, a testament to their innovative spirit and ability to bridge traditional and contemporary artistic forms.

The tumultuous early 20th century they have witnessed the birth of an extraordinary artistic movement known as Die Brücke, or The Bridge. Established in Dresden in 1905, this bohemian collective of artists marked the inception of German Expressionism. Die Brücke, an aptly chosen name, symbolized their role as a bridge connecting art’s past, present, and future. Within their movement, a powerful fusion of simplified and distorted forms, along with vibrant, unnatural colors, aimed to captivate and provoke a profound emotional response.

Fritz Bleyl: Crafting the Primal

Fritz Bleyl, a founding member of Die Brücke, carved his unique niche within the movement with a penchant for crafting primal, unfiltered expressions. His work delved into woodcut prints and carved wooden sculptures, channeling a return to forms of expression that transcended academic traditions. Bleyl’s art possessed an authentic, unbridled quality that resonated with the ethos of Die Brücke, boldly defying the conventions of the art establishment.

Erich Heckel: The Expressive Visionary

Erich Heckel, another luminary within Die Brücke, emerged as an expressive visionary. His artistic pursuits traversed the realms of woodcut prints and painting, showcasing a profound engagement with emotion and the human psyche. Heckel’s work was a testament to Die Brücke’s mission to forge an authentic, emotionally charged art form that resonated with the spirit of their time.

Ernst Ludwig Kirchner: Architect of Authenticity

Ernst Ludwig Kirchner, a central figure in Die Brücke, played a pivotal role in architecting the movement’s authenticity. In the movement’s inaugural manifesto penned in 1905, Kirchner’s words rang clear: “We call all young people together, and as young people, who carry the future in us, we want to wrest freedom for our actions and our lives from the older, comfortably established forces.” Kirchner’s art embodied this declaration, breaking free from the constraints of traditional painting and embracing a raw, unfiltered approach that resonated with the era’s youth.

Karl Schmidt-Rottluff: The Primitivist Painter

Karl Schmidt-Rottluff, a vital contributor to Die Brücke, distinguished himself as a primitivist painter. His works harked back to “primitive” modes of artistic expression, channeling the raw energy of pre-academic forms. Schmidt-Rottluff’s paintings exuded an electrifying intensity, marked by bold lines and vibrant colors that defied conventional norms and challenged the prevailing Impressionist and Post-Impressionist schools.

Die Brücke, with its fervent rejection of the status quo and a steadfast commitment to authentic, emotionally charged art, ignited the flames of Expressionism. Their pioneering spirit not only reshaped the artistic landscape but also left an enduring legacy reverberating through the annals of art history, inspiring generations of artists to dare to bridge the gap between tradition and innovation.

Ernst Ludwig Kirchner: As a central figure within Die Brücke, Ernst Ludwig Kirchner was the architect of authenticity, fiercely committed to wresting freedom for artistic expression from established forces. His bold, emotionally charged paintings and woodcuts resonated with the movement’s ethos, embracing raw, unfiltered forms of art that challenged tradition and beckoned to the youth of his era.

Wassily Kandinsky: While Wassily Kandinsky is often associated with the Blue Rider movement, his early association with Die Brücke significantly influenced his groundbreaking contributions to abstract art. Kandinsky’s work, characterized by vibrant colors and geometric shapes, blurred the lines between the tangible and the spiritual, echoing the movement’s quest to provoke emotional responses through non-representational forms.

Erich Heckel: Erich Heckel emerged as an expressive visionary within Die Brücke, traversing the realms of woodcut prints and painting. His art delved deep into emotion and the human psyche, capturing the movement’s fervor for authentic, emotionally charged expression.

Karl Schmidt-Rottluff: Karl Schmidt-Rottluff distinguished himself as a primitivist painter, channeling the raw energy of pre-academic artistic forms. His electrifying works, marked by bold lines and vibrant colors, challenged prevailing norms, embodying Die Brücke’s spirit of rebellion and innovation.

Emil Nolde: Emil Nolde’s contributions to Die Brücke showcased a relentless exploration of color and form. His paintings exuded a unique intensity, characterized by a vibrant palette and dramatic compositions that pushed the boundaries of artistic expression.

Fritz Bleyl: As a founding member of Die Brücke, Fritz Bleyl carved his niche within the movement with a penchant for crafting primal, unfiltered expressions. His woodcut prints and carved sculptures captured the raw, unbridled essence that resonated with Die Brücke’s ethos.

Max Pechstein: Max Pechstein’s art embodied Die Brücke’s mission to forge an authentic, emotionally charged art form. His works, often characterized by bold colors and stark contrasts, reverberated with the movement’s commitment to breaking free from traditional painting.

Egon Schiele: Although not a core member of Die Brücke, Egon Schiele’s contributions to Expressionism were profound. His works, marked by distorted forms and powerful emotional content, resonated with the movement’s spirit of rebellion and unfiltered expression.

Oskar Kokoschka: Oskar Kokoschka’s affiliation with Die Brücke created a dynamic fusion of vivid color and emotional depth. His works, characterized by intense brushwork and bold compositions, encapsulated the movement’s fervor for authentic, emotionally charged art.

Georges Rouault: While not a core member of Die Brücke, Georges Rouault’s expressive, often religiously themed works resonated with the movement’s commitment to emotional depth and authenticity.

Käthe Kollwitz: Käthe Kollwitz, although not directly associated with Die Brücke, shared a dedication to authentic expression. Her powerful, emotionally charged prints and sculptures conveyed the movement’s unfiltered, profound art ethos.

Alexej von Jawlensky: Alexej von Jawlensky’s artistic journey within Die Brücke explored color and spirituality. His work captured the movement’s spirit, using vibrant colors and abstract forms to provoke emotional responses.

Lyonel Feininger: Lyonel Feininger’s distinctive, cubist-inspired works aligned with Die Brücke’s spirit of innovation. His use of geometric shapes and bold lines echoed the movement’s quest for new forms of artistic expression.

Otto Mueller: Otto Mueller’s art within Die Brücke demonstrated an affinity for the human form and an exploration of primitive, expressive modes. His works embodied the movement’s unfiltered, emotional approach to art.

Kees van Dongen: While not a core member of Die Brücke, Kees van Dongen’s expressive use of color and form resonated with the movement’s spirit of authentic, emotional art.

Chaïm Soutine: Chaïm Soutine’s works, marked by vibrant colors and bold brushwork, aligned with Die Brücke’s emotional intensity and unfiltered expression ethos.

Ernst Barlach: Ernst Barlach’s contributions to Die Brücke showcased a commitment to emotional depth and authenticity. His powerful sculptures and woodcuts captured the movement’s essence.

Arshile Gorky: Although not a direct member of Die Brücke, Arshile Gorky’s early association with the movement influenced his pioneering contributions to abstract art. His works blurred the lines between the tangible and the spiritual, echoing the movement’s quest to provoke emotional responses through non-representational forms.

Gustav Klimt: While not directly associated with Die Brücke, Gustav Klimt shared an affinity for expressive forms and symbolic themes. His works resonated with the movement’s spirit of innovation and emotional depth.

Heinrich Campendonk: Heinrich Campendonk’s artistic pursuits within Die Brücke embodied an exploration of color and spirituality. His works captured the movement’s ethos, using vibrant colors and abstract forms to provoke emotional responses.

Perez Art Museum PAMM

Der Blaue Reiter

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Wassily Kandinsky, Improvisation 28, Improvisation 28 (second version), 1912, oil on canvas 111.4 x 162.1 cm (Solomon R. Guggenheim Museum, New York)

Der Blaue Reiter: A Vanguard of Spiritual Expressionism

In the tumultuous landscape of early 20th-century art, where boundaries blurred, and conventions shattered, emerged a transformative movement that sought to harness the transcendental power of color and form. Der Blaue Reiter, aptly translated as “The Blue Rider,” was the brainchild of Wassily Kandinsky and Franz Marc, two visionaries who embarked on an artistic journey that would leave an indelible mark on the course of modern art.

The movement’s name is not mere happenstance but a deliberate choice, symbolizing its members’ quest for a deeper, almost spiritual connection with the creative process. Der Blaue Reiter was not just about painting; it was a movement that recognized the intrinsic link between art and the human spirit, where color and form were conduits for conveying abstract, metaphysical truths.

Der Blaue Reiter was more than an art movement; it was a collective exploration of the very essence of visual expression. Founded in 1912, a remarkable assembly of artists gathered, including luminaries like Paul Klee, August Macke, Marianne von Werefkin, and Alexej von Jawlensky. Together, they embarked on a mission to break free from the confines of traditional representation and embrace the boundless realm of abstraction.

At its core, Der Blaue Reiter believed that color and form possessed tangible spiritual values. This conviction is vividly reflected in their works, where color transcended its role as a mere visual element and morphed into a vessel of profound meaning. In this realm of artistic exploration, form and color were no longer inseparable; they became discrete entities, each carrying its narrative and symbolism.

One of the pivotal developments within the movement was the radical separation of form and color within a painting. This departure from traditional representation allowed artists to experiment with non-naturalistic colors on recognizable objects, giving birth to a revolutionary visual language that shattered conventions and challenged perceptions.

Der Blaue Reiter’s legacy is profound and enduring. It laid the cornerstone for Expressionism in Germany and left an indomitable influence on the evolution of abstract art. This movement was not content with merely portraying the visible world; it sought to uncover the invisible, the mystical, and the universal truths beneath the surface.

As we reflect on the meaning of Der Blaue Reiter, we recognize that it was far more than a group of artists seeking visual innovation. It was a collective spiritual journey to access the transcendent through color and form. With its radical departure from convention, Der Blaue Reiter paved the way for subsequent generations of artists, from Arshile Gorky to Jackson Pollock and Jean-Michel Basquiat, who continued to explore art’s spiritual and expressive potential. The Blue Rider’s legacy endures, reminding us that art, at its essence, is a conduit for the profound and the limitless.

Der Blaue Reiter, a collective of international artists centered in the vibrant artistic hub of Munich, emerged as a pivotal force in the pioneering realms of Abstraction and Expressionism. Their artistic endeavors were nothing short of a symphony of creative exploration, delving deep into the interplay of art, music, color, and spirituality. This avant-garde movement, aptly named “The Blue Rider,” left an indelible mark on the landscape of modern art. Their work transcended the boundaries of conventional representation, forging a path into the uncharted territory of abstract art. As these artists united in their quest for a new artistic language, they redefined the essence of visual expression, leaving a legacy that continues to inspire and captivate generations of art enthusiasts.

Der Blaue Reiter was a group of international artists based in Munich who experimented with Abstraction and Expressionism.

Der Blaue Reiter, a collective of international artists, found its home in the vibrant artistic milieu of Munich. Together, these pioneering creatives embarked on a remarkable journey of artistic exploration, delving deep into Abstraction and Expressionism. Their works bore witness to their experimental spirit as they ventured beyond the confines of traditional representation, seeking new modes of visual expression that transcended cultural boundaries and left an enduring impact on the trajectory of modern art.

Their art explored the relationships between art, music, color, and spiritualism.

At the heart of Der Blaue Reiter’s artistic endeavors lay a profound exploration of the intricate connections between various forms of creative expression. Their art was a testament to the profound interplay between art and music, where color became a vessel for conveying spiritual and metaphysical truths. In their pursuit, they pushed the boundaries of conventional artistic practice, forging a path that interconnected the realms of the visual, the auditory, and the spiritual, leaving behind a rich tapestry of work that continues to inspire and intrigue.

Der Blaue Reiter (German: “The Blue Rider”) is an organization of artists based in Germany that contributed significantly to the development of abstract art.

Der Blaue Reiter, known in German as “The Blue Rider,” stands as an influential organization of artists that emerged from the creative cauldron of Germany. Their significant contributions reverberated through the annals of art history, particularly in abstract art. Their pioneering spirit challenged established norms, propelling the development of abstraction as a powerful and enduring artistic movement. Der Blaue Reiter’s impact was profound, ushering in a new era of artistic exploration and expression that forever altered the course of modern art.

The Der Blaue Reiter Art Movement was a group of artists who worked together to create a new art style.

The Der Blaue Reiter Art Movement embodied a collaborative ethos, where a group of visionary artists came together to pursue a new artistic path. Their collective efforts bore fruit in the form of a groundbreaking artistic style that defied conventions and redefined the very essence of visual expression. Through their collaboration and shared creative endeavors, they breathed life into a movement that challenged artistic norms and laid the groundwork for the evolution of art as a medium of profound spiritual and emotional resonance.

Wassily Kandinsky: Wassily Kandinsky, a driving force behind Der Blaue Reiter, pioneered abstract art. His works, marked by geometric shapes, vivid colors, and a deep spiritual dimension, transcended traditional representation. Kandinsky’s exploration of the relationships between art, music, and emotion reflected the movement’s quest to access the profound through non-representational forms.

Franz Marc: Franz Marc, co-founder of Der Blaue Reiter alongside Kandinsky, infused his paintings with vibrant, symbolic colors and animal motifs. His works conveyed a profound connection to nature and spirituality, embodying the movement’s ethos of seeking emotional resonance through art.

Paul Klee: Paul Klee’s artistic journey within Der Blaue Reiter was characterized by a playful and whimsical exploration of form and color. His unique approach to abstraction and use of symbols reflected the movement’s mission to create art that defied convention and evoked deep emotional responses.

August Macke: August Macke’s art exuded a sense of joy and spontaneity, often portraying scenes of everyday life with bold colors and a Fauvist influence. His works captured the movement’s spirit of embracing color and emotion, emphasizing the connections between art and life.

Marianne von Werefkin: Marianne von Werefkin’s contributions to Der Blaue Reiter encompassed a unique blend of the figurative and the abstract. Her emotionally charged works often featured enigmatic figures and expressive use of color, echoing the movement’s exploration of the spiritual through art.

Alexej von Jawlensky: Alexej von Jawlensky’s art within Der Blaue Reiter was a testament to his fascination with spirituality and the human face. His use of vivid, non-naturalistic colors and abstract forms reflected the movement’s interest in art’s symbolic and emotional aspects.

Unified by their commitment to breaking free from artistic conventions and accessing the profound through abstraction and symbolism, these artists played a pivotal role in shaping the Der Blaue Reiter movement and its enduring legacy in modern art.

Perez Art Museum PAMM

Sandra Szkolnik

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Sandra Szkolnik

La artista visual Sandra Szkolnik nos sumerge en su intrigante mundo artístico, donde los conceptos de rizoma, fluidez y multiplicidad se entrelazan con formas únicas y una devoción táctil. A medida que exploramos su trabajo y sus pensamientos, descubrimos cómo su proceso creativo se desvía intencionalmente de las formas geométricas tradicionales para ofrecer una narrativa visual rica en significado. Sus obras, un equilibrio armonioso entre la geometría y la libertad, invitan a una experiencia íntima que trasciende los límites tradicionales del arte. En esta entrevista, Szkolnik comparte su visión y nos adelanta detalles sobre su próxima exposición “FOLDS” en el Centro Cultural IMAGO, prometiendo una experiencia artística que desafiará nuestras percepciones y emocionará nuestros sentidos.

AMM. Tu descripción de tus obras como “momentos rizomáticos” establece paralelismos con el comportamiento orgánico y el crecimiento inesperado. ¿Podrías profundizar en cómo el concepto del rizoma influye en tu proceso creativo y en la forma en que evoluciona tu arte?

Sandra Szkolnik. Cuando hablo de momentos rizomáticos me refiero principalmente al momento en que imagino mis obras formándose de manera aleatoria, sin principio ni fin, sin centro específico, en ramificaciones que parten de una retícula relativamente ordenada. Luego, en el proceso del moldeado para darles forma y volumen y en el proceso de composición, se producen resultados diferentes a lo imaginado que me obligan y enseñan de manera sutil a abrazar lo diferente.

AMM. En tu declaración, mencionaste que tus piezas reflejan realidades contemporáneas que implican fluctuación, movilidad y multiplicidad. ¿Cómo traduces estos conceptos complejos y dinámicos a tus obras visuales?

Sandra Szkolnik. Al momento de ser moldeadas mis obras tienen un comportamiento propio. Se dejan manipular pero ponen sus límites. Están dispuestas a cambios, son flexibles, son dinámicas y permiten su adaptación a una variedad de estructuras base. Esa diversidad y flexibilidad a los cambios son reflejos del mundo de hoy, globalizado, migrante, y cambiante. También de los modos contemporáneos de pensar y habitar el mundo.

Se puede observar que tu trabajo se aparta del orden geométrico e introduce gradualmente quiebres formales, reflejando un “anti-orden” y una libertad conectada al instinto. ¿Podrías hablar sobre cómo esta desviación intencional de las formas geométricas tradicionales realza el significado y el impacto de tu arte?

Mis obras son una interpretación mas libre de la geometría formal que conocemos, si las comparamos con la geometría 2D. Haciendo uso de los triángulos, como figura geométrica base en mis retículas, la percepción de las obras se vuelve mas intrigante. Este volumen que se genera se aparta de alguna manera de lo formal para convertirse en un volumen mas orgánico.

AMM. Tu exploración del origami y el papel plegado ha llevado a un enfoque único en la magia de los pliegues, su infinitud y reversibilidad. ¿Cómo contribuyen estas cualidades táctiles y estructurales a la profundidad conceptual de tus piezas?

Sandra Szkolnik. El contacto directo con la obra para generar volumenes es imprescindible para mi. Se crea una relación íntima e infinita que me permite disfrutar del proceso en su plenitud. Hay mucho del trabajo personal en mis obras. Dejo huellas de mi en cada pliegue. Visualizo las etapas en la vida como pliegues. Somos pliegues.

AMM. La idea de la geometría como una matriz subyacente y viva resulta intrigante. ¿Podrías adentrarte en cómo esta noción ha moldeado tus investigaciones artísticas y los temas que exploras en tu obra?

Sandra Szkolnik. La geometría es la base que permite los dobleces. Todo parte de ella y vuelve a ella. En casos como las obras monocromáticas hay una intención de desparecer las formas base al usar un solo tono en triangulos y lineas y resaltar mas el resultado final del volumen.

AMM. La inclusión de elementos hechos a mano y hilos que cruzan o sostienen estructuras introduce una sensación de precariedad que contrasta con las nociones tradicionales de estabilidad. ¿Cómo contribuye esta tensión entre fragilidad y estructura a las narrativas dentro de tu arte?

Sandra Szkolnik. La necesidad de incorporar estos elementos mas naturales, más delicados, de cierto modo femeninos y de arraigo me traen memorias de mi mamá tejiendo. Los hilos son delicados y frágiles pero también son capaces de sostener y esto es lo que resulta interesante. Los hilos son conexión tanto con mi parte mas soñadora y delicada como con el mundo; todos estamos conectados. Es un estudio que aún está en desarrollo pero que me interesa mucho.

AMM. Tienes una nueva exposición titulada “FOLDS” que será inaugurada el 9 de septiembre de 2023 a las 6:00 p.m., en los nuevos espacios expositivos del Centro Cultural IMAGO, ubicado en 4028 SW 57th Ave, Miami, FL 33155, ¿Podrías hablarnos más sobre tu nueva exhibición y las obras que presentarás?

Sandra Szkolnik. Esta serie de obras que se presentarán conforman un trabajo de varios años de exploración de técnica, de materiales diversos y posibIlidades de generar múltiples obras partiendo de una retícula base. Hay una estudio de color y forma. Un planteamiento formal pero también orgánico. Un poco de todo lo último que llevo explorando y que quiero transmitir al público que espero disfrute y aprecie lo divertido, dinámico y versátil de mi obra.

Perez Art Museum PAMM

Art Critic Career

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Navigating the Art Critic Career: A Journey into the World of Art Interpretation

The art world is a vast, ever-evolving realm of creativity and expression, with countless artists showcasing their work in various forms and mediums. Behind every remarkable piece of art lies a story, a message, and a unique perspective waiting to be uncovered. This is where the art critic steps in, offering valuable insights, analyses, and interpretations that help us navigate the intricate tapestry of the art world. In this article, we delve into the fascinating career of an art critic, exploring its significance, challenges, and the path to becoming one.

An art critic is a person who writes about and analyzes art. They typically work for newspapers, magazines, or online publications, and their job is to help the public understand and appreciate art. Art critics must deeply understand art history, theory, and technique. They must also be able to write clearly and concisely and to express their opinions thoughtfully and articulately.

The Role of an Art Critic

Art critics play a pivotal role in the art ecosystem. They serve as the bridge between artists and the audience, translating the often complex language of art into accessible, thought-provoking commentary. Their primary responsibilities include:

Critical Analysis: Art critics meticulously examine artworks, dissecting their visual, conceptual, and emotional elements. They evaluate the use of color, composition, technique, and symbolism, offering a deeper understanding of the artist’s intentions.

Contextualization: Art critics place artworks within a broader historical, cultural, and artistic context. They explore how an artwork responds to or challenges prevailing trends, movements, or societal issues.

Education: Critics educate the public about art, helping viewers develop a critical eye and a deeper appreciation for artistic endeavors. They guide individuals through a diverse array of artistic expressions and styles.

Advocacy: Art critics champion emerging artists and underrepresented voices. They shed light on hidden gems within the art world and advocate for the recognition and appreciation of marginalized artists.

Dialogue: Critics facilitate discussions and debates about art. Their reviews and analyses invite conversations among artists, curators, collectors, and the general public, enriching art discourse.

The job of an art critic can be demanding. They are often required to travel to art exhibitions and museums and to write reviews on a tight deadline. They may also be required to attend art openings and other events. However, art critics also have the opportunity to see and experience some of the world’s most unique art and to share their insights with others.

If you are interested in a career as an art critic, there are a few things you can do to prepare. First, you should develop a strong foundation in art history and theory. You can do this by taking courses at a university or art school. You should also read as much as possible about art and develop your critical thinking skills.

Once you have a strong foundation in art, you can start to build your portfolio. This could include writing reviews of art exhibitions or creating your own art criticism essays. You can also start to network with other art critics and writers.

The job market for art critics is a small size, but there are a few ways to break into the field. One way is to start by writing for small publications or online blogs. Once you have built up a reputation, you can apply for jobs at more significant publications. You can also freelance as an art critic.

Here are some additional tips for becoming an art critic:

. Get involved in the art community. Attend art exhibitions, meet artists, and volunteer at art organizations.

. Develop your writing skills. Read widely and practice writing about art.

. Build your portfolio. Write reviews of art exhibitions or create art criticism essays.

Network with other art critics and writers. Attend industry events and get involved in online art communities.

. Be persistent. Getting a job as an art critic may take time, but don’t give up.

Challenges in the Art Critic Career

While the art critic career can be rewarding, it comes with its set of challenges:

Subjectivity: Art is inherently subjective, and critics must balance their tastes with professional objectivity. They aim to provide constructive critiques while respecting diverse artistic perspectives.

Constant Learning: The art world is dynamic, with new trends and artists emerging regularly. Critics must stay updated, continually expanding their knowledge and understanding of art.

Art Market Pressures: Commercial interests can influence the art world, making it challenging for critics to maintain independence and integrity in their evaluations.

Rejection and Criticism: Like artists, critics face their fair share of criticism and rejection. Not all reviews will be well-received; some may face backlash from artists or their supporters.

Becoming an Art Critic

Embarking on a career as an art critic requires dedication, education, and passion.

Here are some steps to consider:

Education: A strong foundation in art history, aesthetics, and critical theory is essential. Many art critics hold degrees in art history or related fields.

Gallery and Museum Visits: Immerse yourself in the art world by regularly visiting galleries, museums, and exhibitions. Develop your ability to perceive and articulate your responses to artworks.

Writing Skills: Art critics must be skilled writers, capable of conveying complex ideas in a clear, engaging, and insightful manner.

Networking: Build relationships with artists, curators, and fellow critics. Networking can provide opportunities for collaboration and exposure to new perspectives.

Publishing: Start writing and publishing your critiques and analyses. Creating a portfolio of your work is crucial for establishing credibility and gaining recognition.

The art critic career is a compelling journey into the world of art interpretation and analysis. Critics play a vital role in shaping our understanding of art, fostering dialogue, and advocating for the diverse voices within the art community. While the path to becoming an art critic may have its challenges, the rewards include the opportunity to explore the boundless creativity of artists and contribute to the vibrant tapestry of the art world.

Importance of an Art Critic to a Visual Artist

An art critic’s primary objective is to examine an artwork’s aesthetics, concepts, and contextual elements, ultimately shaping an informed opinion and drawing thoughtful conclusions.

The art critic career is a compelling journey into the world of art interpretation and analysis. Critics play a vital role in shaping our understanding of art, fostering dialogue, and advocating for the diverse voices within the art community. While the path to becoming an art critic may have its challenges, the rewards include the opportunity to explore the boundless creativity of artists and contribute to the vibrant tapestry of the art world. Art critics serve as essential conduits between visual artists and their audience, translating the nuances of an artwork’s form, content, and intent into a language accessible to viewers. Their critiques and analyses provide invaluable feedback to artists, offering fresh perspectives, validation, and constructive insights that aid in artistic growth and development. Art critics help artists refine their craft, encouraging experimentation and the exploration of new horizons. Moreover, a positive critique from a respected critic can significantly boost an artist’s reputation, visibility, and marketability, opening doors to exhibitions, collaborations, and opportunities for exposure. In essence, art critics play a vital role in elevating the work of visual artists, fostering a dynamic and enriched art ecosystem that thrives on dialogue, interpretation, and shared appreciation of creative expression.

T Art critics serve as essential conduits between visual artists and their audience, translating the nuances of an artwork’s form, content, and intent into a language accessible to viewers. Their critiques and analyses provide invaluable feedback to artists, offering fresh perspectives, validation, and constructive insights that aid in artistic growth and development. Art critics help artists refine their craft, encouraging experimentation and the exploration of new horizons. Moreover, a positive critique from a respected critic can significantly boost an artist’s reputation, visibility, and marketability, opening doors to exhibitions, collaborations, and opportunities for exposure. In essence, art critics play a vital role in elevating the work of visual artists, fostering a dynamic and enriched art ecosystem that thrives on dialogue, interpretation, and shared appreciation of creative expression.

Importance of an Art Critic to Art Galleries

Art critics play a pivotal role in the art gallery ecosystem as interpreters and evaluators of the displayed artworks. Their reviews and critiques provide valuable insights and context, helping gallery visitors deeply connect with the art. A positive review from a respected critic can enhance an exhibition’s reputation and draw more art enthusiasts and collectors to the gallery, potentially increasing sales and patronage. Moreover, art critics contribute to the critical discourse surrounding contemporary art, fostering a sense of intellectual engagement and cultural relevance within the gallery space. In essence, their role is to critique and enrich the gallery experience, making art more accessible, stimulating, and appreciated by a broader audience.

Importance of an Art Critic to Museums

Art critics serve as invaluable guides for art museums, offering their expertise to enhance the visitor experience. Their critiques and analyses give visitors a deeper understanding of the artworks on display, shedding light on the historical, cultural, and artistic context surrounding them. By offering insights into the techniques, symbolism, and significance of the pieces, art critics help museum-goers appreciate the richness of the collections and the narratives they tell. Additionally, their reviews can generate buzz and public interest, attracting diverse visitors and fostering intellectual curiosity and dialogue within the museum’s walls. Art critics play a pivotal role in making art museums more accessible, educational, and engaging, ensuring that these cultural institutions continue to inspire and enlighten audiences of all backgrounds.

Famous Art Critics:

Sarah Douglas
Patricia Bickers
Jonathan Jones
Peter Schjeldahl
Jerry Saltz
Roberta Smith
Eleanor Heartney
Rebecca Solnit
Lucy Lippard
Rosalind E. Krauss
David Hickey
Julian Spalding
James Elkins
Boris Groys
John Ruskin
Clement Greenberg
Leo Steinberg
Harold Rosenberg
Denis Diderot
Guillaume Apollinaire
Walter Benjamin
Pliny the Elder (23–79) Xie He (6th century)
Giorgio Vasari (1511–1574)
Jonathan Richardson the Elder (1667–1745)
Etienne La Font de Saint-Yenne (1688–1771)
Denis Diderot (1713–1784)
Johann Joachim Winckelmann (1717–1768)
John Ruskin (1819–1900)
Guillaume Apollinaire (1880–1918)
Walter Benjamin (1892–1940)
Harold Rosenberg (1906–1978)
Clement Greenberg (1909–1994)
Linda Nochlin (1931–2017)

Perez Art Museum PAMM

FUNDACIÓN HERRERA LUQUE

Por

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FUNDACIÓN HERRERA LUQUE

Por, Nicomedes Febres Luces

En la galería D’Museo en los Galpones de Los Chorros se realizará el próximo domingo a las once de la mañana una subasta de libros donados por sus propietarios a beneficio solo de la Fundación Herrera Luque, una institución que tiene años promoviendo tanto el legado literario de Francisco Herrera Luque como la promoción de libros y bibliotecas en su sentido más amplio con mesas redondas, conferencias, proyección de películas clásicas y muchas otras actividades culturales gratuitas a beneficio del caraqueño de a pie. Se recibieron excelentes libros donados a tal fin y bajo la conducción de mi querida amiga Clementina Mendoza se realizará esa subasta pública a partir de las once de la mañana y cuyos ingresos son solo para ayudar a financiar tal fundación, que es un ente privado sin fines de lucro y dirigida por mi amiga Cristina Guzmán. Espero que todos mis amigos sean lectores y que cada uno vaya a colaborar con ésta institución cultural. Los libros están siendo exhibidos en la sede de la galería D’Museo jueves, viernes y sábado próximos para ser vistos. Por otro lado han sido días de mucha actividad para nosotros, tomando en cuenta que además estamos dándole todo el soporte logístico a la edición 23 del Salón Jóvenes con FIA que se inaugurará el próximo 23 de septiembre en los espacios culturales de la Universidad Católica Andrés Bello en Caracas. Espero ver a mis lectores y amigos pasando un rato agradable y comprando libros entre gente de la Cultura. Los esperamos a todos ustedes.

Perez Art Museum PAMM

As simple as a line

Por

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As simple as a line

As simple as white

As simple as a meditation

As simple and profound as a night sky…

Simplicity is the quality or state of being simple, and it can be defined as the absence of complexity or ornamentation. This concept is applied in various aspects of life, including art, design, language, and existence.

In art, simplicity is evident in using basic shapes and colors. For instance, renowned artists like Mondrian are known for using primary colors and straightforward geometric shapes in their works. Similarly, simplicity manifests through the employment of clean lines and uncluttered spaces, exemplified by the elegant design of products like the Apple iPhone.

In language, simplicity is represented by clear and concise communication. Literary figures like William Shakespeare are celebrated for their ability to convey profound ideas through straightforward and lucid language. Moreover, simplicity can be seen as pursuing a less complicated existence in life. Some individuals opt for minimalist lifestyles to reduce stress and clutter by simplifying their surroundings and schedules.

The benefits of simplicity are manifold. It renders things easier to comprehend and use, enhances aesthetics, and can alleviate stress and clutter. By simplifying one’s life, both physically and mentally, individuals can achieve a sense of clarity and tranquility.

In the realm of art, simplicity is a powerful artistic approach. It employs fundamental elements and principles to create clear, concise, and impactful artwork. The objective is to use only essential elements to produce visually appealing and emotionally resonant art.

Simplicity in art offers several advantages:

Accessibility: Simple art is often more accessible and understandable to a broader audience.

Focus: It directs the viewer’s attention toward the essential elements of the artwork.

Clarity: It creates a sense of clarity and calmness, making it easier for viewers to connect with the artwork.

Mystery: It can evoke a sense of mystery or intrigue, prompting viewers to explore deeper meanings.

Simplicity of Expression: It allows artists to convey complex ideas straightforwardly.

However, achieving simplicity in art can present challenges. Artists may need help to balance simplicity and visual appeal, and there can be a temptation to add unnecessary detail or complexity. Despite these challenges, simplicity remains a potent tool for creating aesthetically pleasing and meaningful art.

In addition to art, simplicity is closely associated with Zen philosophy, which encourages individuals to embrace simplicity and minimalism in various aspects of life. Zen principles promote minimalism, space, natural materials, clarity, mindfulness, and complexity reduction to find balance, harmony, and peace in one’s life and creative endeavors. Simplicity, whether in art or philosophy, can lead to a more profound sense of understanding, clarity, and tranquility.

Zen philosophy is closely associated with simplicity and minimalism. The core principles of Zen encourage individuals to embrace simplicity in various aspects of life, including art and design. Here is how Zen and simplicity are intertwined:

Minimalism: Zen promotes minimalism, which is the art of simplifying one’s surroundings and lifestyle. Minimalist design, for example, emphasizes simplicity, clean lines, and removing unnecessary elements. In art, minimalist artists aim to convey essential concepts with a minimalistic approach.

Empty Space: Zen aesthetics often emphasize the importance of space, known as “ma.” In design and art, this concept is applied by leaving space around objects to create a sense of balance and harmony. It allows viewers to appreciate the simplicity and beauty of the subject.

Natural Materials: Zen-inspired design and art often incorporate natural materials such as wood, stone, and bamboo. These materials are valued for their simplicity, organic qualities, and connection to the natural world.

Clarity and Simplicity: Zen encourages clarity and simplicity of thought and action.

Mindfulness: Zen emphasizes being present and fully engaged in the moment. Simplicity in design and art can create an environment that fosters mindfulness and focus. Minimalistic surroundings reduce distractions and promote a sense of tranquility.

Essence Over Ornamentation: Zen philosophy encourages focusing on the essence of things rather than excessive ornamentation or decoration. This principle can be seen in art that strives to convey deep meanings with simple imagery.

Balance and Harmony: Zen places great importance on balance and harmony.

Reduction of Complexity: Zen teachings encourage reducing the complexity of one’s life to find lines and forms.

In summary, Zen philosophy and simplicity go hand in hand. Embracing simplicity in art and design can lead to a sense of tranquility, balance, and mindfulness, central principles in Zen philosophy. Whether through minimalism, space, or the use of natural materials, simplicity is a critical element of the aesthetics and mindset of Zen.

Simplicity in art is using essential elements and principles to create an artwork that is clear, concise, and effective. It is about using only the essential elements to create a work of art that is powerful and meaningful.

There are many different ways to achieve simplicity in art. Some artists use simple shapes and forms, while others use simple colors and textures. Some artists use simple lines and patterns, while others use simple compositions.

No matter how it is achieved, simplicity in art is a powerful tool that can be used to create visually appealing and emotionally resonant works of art.

Here are some of the benefits of using simplicity in art:

It can make a work of art more accessible and understandable.

It can help to focus the viewer’s attention on the essential elements of the work.

It can create a sense of clarity and calmness.

It can be used to create a sense of mystery or intrigue.

It can be used to express complex ideas only.

Here are some of the challenges of using simplicity in art:

Creating a simple and visually appealing work of art can be challenging.

It can be tempting to add too much detail or complexity.

It can be challenging to create a work of art that is simple but still meaningful.

Despite the challenges, simplicity is a powerful tool that can be used to create works of art that are both beautiful and meaningful.

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Why is important an art statement for visual artists?

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Crafting a potent artist statement has the potential to significantly enhance an artist’s reputation within the intricate landscape of the art world. This statement serves as a powerful conduit through which decision-makers, such as curators, art critics, gallery owners, and collectors, can not only grasp the essence of the artist’s artistic mission but also envision their untapped potential.
Moreover, this well-crafted statement can prove instrumental in elevating the artist’s visibility within the art sphere. It becomes a versatile tool that can be harnessed for various purposes, including inclusion in press releases, exhibition catalogs, and promotional materials. As the artist embarks on their journey, their utility extends beyond self-expression, extending to a means of conveying the depth and significance of their creative output to a broader audience.
Furthermore, an artist’s statement can be instrumental in connecting with potential patrons or institutions, such as museums. When individuals or organizations consider investing in the artist’s work or featuring it in their collections, the artist’s statement becomes a narrative thread that weaves together the artistic tapestry, illuminating the conceptual framework, inspirations, and intentions underlying their creations.
In essence, the artist statement transcends mere words; it serves as a strategic and artistic tool that articulates the artist’s vision and propels their career forward by forging connections, sparking interest, and solidifying their presence within the ever-evolving art world.

An artist statement is essential for visual artists for several reasons:

Communication: An artist statement serves as a tool for artists to communicate their ideas, concepts, and motivations behind their work to viewers, collectors, curators, and the general public. It helps bridge the gap between the artist’s creative process and the audience’s understanding.

Context: Art can often be complex and open to interpretation. An artist statement provides context and background information about the artwork, helping viewers better understand the piece’s meaning, symbolism, and intent.

Professionalism: A well-crafted artist statement demonstrates professionalism and a commitment to one’s craft. It shows that the artist has thought deeply about their work and can articulate their artistic vision.

Gallery Representation: Many galleries and exhibition spaces require artists to submit an artist statement along with their work. This statement helps galleries curate exhibitions, market the artist, and attract potential buyers.

Documentation: Over time, an artist’s statement can be a historical document that tracks the artist’s evolution, influences, and artistic development. It can be valuable for art historians, scholars, and biographers.

Marketing and Promotion: Artists use artist statements in promotional materials, websites, and social media to engage with their audience and potential buyers. It can enhance an artist’s online presence and help attract a following.

Grant Applications and Residencies: Many grant applications and artist residency programs require artists to submit an artist statement as part of the application process. A well-written statement can increase the chances of securing funding or residency opportunities.

Critique and Feedback: Artists often share their work with peers, mentors, or advisors for critique and feedback. An artist’s statement can guide these discussions and provide a framework for constructive criticism.

Personal Reflection: Writing an artist statement can be personally valuable for artists. It requires them to reflect on their work, motivations, and artistic journey, which can lead to a deeper understanding of their practice.

What these artist statements do

keep it short
give a hint about the why of the artwork
use the first person
write it deep

Famous visual artists art statement:

Jean Michel Basquiat
“I start a picture and I finish it. I don’t think about art while I work. I try to think about life.”

Mark Rothko
“I don’t express myself in my painting. I express my not-self. The dictum ‘Know Thyself’ is only valuable if the ego is removed from the process in search for truth… The fact that people break down and cry when confronted with my pictures shows that I can communicate those basic human emotions… the people who weep before my pictures are having the same religious experience I had when painting them. And if you say you are moved only by their color relationships then you miss the point.”

Henri Matisse
“I don’t paint things; I paint only the differences between things… I do not literally paint that table, but the emotion it produces upon me. What I dream of is an art of balance, of purity and serenity devoid of troubling or depressing subject matter – a soothing, calming influence on the mind, rather like a good armchair which provides relaxation from physical fatigue.”

Claude Monet
“For me, a landscape does not exist in its own right, since its appearance changes at every moment; but the surrounding atmosphere brings it to life.. the air and the light which vary continually. For me, it is only the surrounding atmosphere which gives subjects their true value.”

Wassily Kandinsky
“I let myself go. I thought little of the houses and trees, but applied colour stripes and spots to the canvas… Within me sounded the memory of early evening in Moscow – before my eyes were the strong, colour-saturated scale of the Munich light and atmosphere, which thundered deeply in the shadows.”

Piet Mondrian
“Everything is expressed through relationship. Colour can exist only through other colours, dimension through other dimensions, position through other positions that oppose them. That is why I regard relationship as the principal thing.”

Jackson Pollock
“I want to express my feelings rather than illustrate them. It doesn’t matter how the paint is put on, as long as something is said. On the floor I am more at ease. I feel nearer, more part of the painting, since this way I can walk around it, work from the four sides and literally be in the painting. When I’m painting, I’m not aware of what I’m doing. It’s only after a get acquainted period that I see what I’ve been about. I’ve no fears about making changes for the painting has a life of its own.”

Gustav Klimt
“I have never painted a self-portrait. I am less interested in myself as a subject for a painting than I am in other people, above all women… There is nothing special about me. I am a painter who paints day after day from morning to night… Whoever wants to know something about me… ought to look carefully at my pictures.”

Edvard Munch
“I was walking along a path with two friends – the sun was setting – suddenly the sky turned blood red – I paused, feeling exhausted, and leaned on the fence – there was blood and tongues of fire above the blue-black fjord and the city – my friends walked on, and I stood there trembling with anxiety – and I sensed an infinite scream passing through nature.”

Louise Bourgeois
“I’ve drawn my whole life. My parents were in the tapestry restoration business, and as a young girl, I would draw in the missing parts of the tapestry that needed to be re-woven. My ability to draw made me indispensable to my parents. I came from a family of repairers. The spider is a repairer. If you bash into the web of a spider, she doesn’t get mad. She weaves and repairs it. ‘The Spider’ is an ode to my mother. She was my best friend. Like a spider, my mother was a weaver. . . Like spiders, my mother was very clever. Spiders are friendly presences that eat mosquitoes. So, spiders are helpful and protective, just like my mother.”

Alice Aycock
“I tried to visualize the movement of wind energy as it flowed up and down the Avenue creating random whirlpools, touching down here and there and sometimes forming dynamic three-dimensional massing of forms. One of the works, in particular, references the expressive quality of wind through drapery and the chaotic beauty of fluid/flow dynamics. As much as the sculptures are obviously placed on the mall, I wanted the work to have a random, haphazard quality – in some cases, piling up on itself, in others spinning off into the air.”

Andy Warhol
“I long for the old days of Marilyn Monroe and Audrey Hepburn, stars who had real glamour and mystique. We only knew so much about their lives; the rest was a mystery… My fascination with letting images repeat and repeat – or in film’s case ‘run on’ – manifests my belief that we spend much of our lives seeing without observing.”

Edward Hopper
“It’s to paint directly on the canvas without any funny business, as it were, and I use almost pure turpentine to start with, adding oil as I go along until the medium becomes pure oil. I use as little oil as I can possibly help, and that’s my method.”

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Piet Mondrian

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Piet Mondrian

Piet Mondrian fue un pintor y teórico del arte neerlandés, considerado uno de los artistas más destacados del siglo XX. Es conocido por ser uno de los pioneros del arte abstracto del siglo XX, ya que cambió su dirección artística desde la pintura figurativa hacia un estilo cada vez más abstracto, hasta llegar a un punto en el que su vocabulario artístico se redujo a elementos geométricos simples.

Mondrian nació en Amersfoort, Países Bajos, en 1872. Estudió pintura en la Academia de Bellas Artes de Ámsterdam de 1892 a 1897. A principios de 1900, fue influenciado por el trabajo de los impresionistas y postimpresionistas, lo que se reflejó en un estilo más expresivo en sus pinturas.

En 1911, Mondrian se trasladó a París, donde estuvo expuesto a los últimos desarrollos en el arte moderno, incluyendo el cubismo y el fauvismo. Estos movimientos impactaron profundamente en su obra, y comenzó a experimentar con formas más abstractas.

En 1917, Mondrian cofundó el movimiento De Stijl, dedicado a crear un nuevo arte abstracto que expresara la armonía subyacente del universo. Mondrian fue un contribuyente significativo al movimiento De Stijl y desarrolló un nuevo estilo de pintura que llamó Neoplasticismo.

El Neoplasticismo se caracteriza por formas geométricas simples (como cuadrados y rectángulos), colores primarios (rojo, amarillo y azul), y blanco y negro. Mondrian creía que estos elementos podían utilizarse para crear un arte puro y armonioso que expresara la naturaleza esencial de la realidad.

Mondrian continuó desarrollando su estilo neoplástico hasta su muerte en 1944. Su obra ha influido profundamente en el arte moderno y sigue siendo admirada por artistas y amantes del arte en todo el mundo.

¿Por qué es famoso Piet Mondrian? Piet Mondrian es famoso por ser uno de los cofundadores del movimiento De Stijl, que rechazó la realidad percibida visualmente como tema y restringió la forma a los elementos más básicos. Su fama también se debe a su papel pionero en el desarrollo del arte abstracto, caracterizado por el uso de líneas rectas, formas geométricas y colores primarios. Su arte buscaba transmitir ideales espirituales y armónicos a través de la simplicidad, y su obra influyente ha dejado una huella duradera en los campos del arte abstracto, el diseño y la arquitectura, inspirando a artistas y creadores de todo el mundo hasta el día de hoy.

¿Fue Piet Mondrian integrante de los artistas de la la Bauhaus?
No, Piet Mondrian no fue parte ni un miembro activo de la Bauhaus. Aunque Mondrian fue un influyente artista abstracto conocido por su trabajo en el movimiento De Stijl, que compartía algunas similitudes en términos de enfoque en la abstracción geométrica con la Bauhaus, no estuvo directamente asociado con la escuela de la Bauhaus en Alemania.
La Bauhaus era una escuela de arte, diseño y arquitectura fundada por Walter Gropius en 1919 en Weimar, Alemania. Aunque atrajo a varios artistas y diseñadores prominentes de la época, como Wassily Kandinsky y Paul Klee, Piet Mondrian no fue uno de ellos. Mondrian desarrolló su trabajo principalmente effn los Países Bajos y estuvo más vinculado al movimiento De Stijl, que también promovía el uso de la abstracción y la simplificación en el arte, pero tenía sus propias características distintivas. Ambos movimientos influyeron en el desarrollo de la modernidad en el arte y el diseño, pero eran entidades separadas.

Fecha de nacimiento: Piet Mondrian nació el 7 de marzo de 1872 en Amersfoort, Países Bajos.

Primeros años: Mondrian estudió arte en Ámsterdam y comenzó su carrera artística como pintor de paisajes y naturalezas muertas en un estilo realista.

Mudanza a París: En 1911, se trasladó a París, donde entró en contacto con movimientos artísticos vanguardistas, como el cubismo y el futurismo. Esta experiencia en París tuvo un impacto significativo en su estilo artístico y su desarrollo hacia la abstracción.

Movimiento De Stijl: En los años 1910, Mondrian se unió al movimiento artístico De Stijl, que abogaba por la abstracción geométrica y la simplificación en el arte. Fue uno de los principales exponentes de este movimiento.

Estilo neoplástico: Mondrian es conocido por su estilo neoplástico, caracterizado por el uso de líneas rectas, formas geométricas y colores primarios (rojo, amarillo y azul) junto con blanco y negro. Creía que esta simplificación y armonía en el arte podían expresar una espiritualidad universal.

Carrera internacional: A lo largo de su carrera, Mondrian vivió en varias ciudades europeas, incluyendo París y Londres, antes de emigrar a Nueva York en 1940, escapando de la Segunda Guerra Mundial. En Nueva York, continuó desarrollando su estilo y produciendo obras importantes.

Fallecimiento: Piet Mondrian murió el 1 de febrero de 1944 en Nueva York.

La obra de Piet Mondrian ha tenido un impacto duradero en el arte abstracto y la arquitectura moderna, y su estilo distintivo sigue siendo reconocible y admirado en todo el mundo.

Piet Mondrian influyó en varios artistas latinoamericanos, especialmente a través de su estilo abstracto y geométrico. Aquí hay algunos artistas de América Latina que fueron influenciados por Mondrian:

Estos son solo algunos ejemplos de artistas latinoamericanos que fueron influenciados por Piet Mondrian y su enfoque en la abstracción geométrica. Su legado en el arte moderno tuvo un alcance global y dejó huella en diversas regiones del mundo.

• Gego (Gertrud Goldschmidt) (Venezuela): Gego fue una artista venezolana conocida por su trabajo escultórico y sus obras tridimensionales. Su uso de líneas y estructuras geométricas en sus esculturas tiene paralelismos con la influencia de Mondrian en el arte abstracto.
• Joaquín Torres-García (Uruguay): Torres-García fue uno de los artistas latinoamericanos más influyentes en el desarrollo del arte abstracto y geométrico. Estudió en Europa, donde entró en contacto con las corrientes artísticas vanguardistas, incluyendo el trabajo de Mondrian. Al regresar a Uruguay, fundó el movimiento Constructivismo y promovió el uso de la geometría y la abstracción en el arte.
• Lygia Clark (Brasil): Clark fue una influyente artista brasileña asociada con el movimiento neoconcreto. Su obra se caracteriza por su enfoque en las formas geométricas y la interacción del espectador con la obra de arte, influenciado en parte por las ideas de Mondrian sobre la relación entre el arte y la espiritualidad.
• Carmelo Arden Quin (Uruguay): Arden Quin fue otro artista uruguayo que estuvo influenciado por las ideas del Constructivismo europeo y Mondrian. Fundó el movimiento artístico Madí, que se basaba en la geometría y la abstracción.
• Wifredo Lam: El artista cubano Wifredo Lam fue uno de los primeros artistas latinoamericanos en adoptar el estilo de Mondrian. Su obra, que combina elementos del arte africano con el neoplasticismo, se caracteriza por sus formas geométricas simples y sus colores intensos.
• Felipe Ehrenberg: El artista mexicano Felipe Ehrenberg fue un gran admirador de Mondrian. Su obra, que combina el arte conceptual con la abstracción, se inspira en el uso de las líneas rectas y los colores primarios de Mondrian.
• Joaquín Torres-García: El artista uruguayo Joaquín Torres-García fue otro artista que adoptó el estilo de Mondrian. Su obra, que combina el arte abstracto con elementos del arte primitivo, se caracteriza por su uso de los colores primarios y las formas geométricas simples.
• Adolfo Schlosser: El artista argentino Adolfo Schlosser fue un pionero del arte abstracto en América Latina. Su obra, que se caracteriza por su uso de las líneas rectas y los colores primarios, se inspiró en el arte de Mondrian.
• Frida Kahlo: La obra de Kahlo, con sus colores vivos y sus composiciones abstractas, está claramente influenciada por el arte de Mondrian. En particular, se puede ver la influencia de Mondrian en pinturas como “La columna rota” (1944) y “Las dos Fridas” (1939).

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Bauhaus

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13 maestros de la bauhaus que inventaron la vida moderna

Fundada por Walter Gropius, de su cuerpo docente formaron parte desde Paul Klee y Vasili Kandinski, a Josef Albers, Marcel Breuer o Mies van der Rohe.

JAIME MARTÍNEZ SENA

Imagina por un momento que Steve Jobs hubiera fundado una escuela. Imagina también que en esa misma escuela todos los maestros fueran Steve Jobs, y que en un gracioso ejercicio de metamorfosis, la mayor parte de sus alumnos acabasen convertidos en él. Pues solo así podrías aproximarte —muy ligeramente— a todo cuanto fue y supuso la existencia de la Bauhaus. La escuela que asentaría las bases del estilo internacional y del diseño moderno, destinada a crear —como reza su propio manifiesto fundacional— “un nuevo gremio de artesanos sin las pretensiones clasistas que querían erigir una arrogante barrera entre artistas y artesanos”. Fundada por el arquitecto Walter Gropius, recordamos a 10 de sus maestros y a los 3 directores de esta institución, que en tan solo 14 años lograría revolucionar el campo del diseño y crear una de las colonias de artistas más importantes e influyentes del siglo XX.

Walter Gropius.

“Aun me acuerdo de cuando salí de la primera guerra mundial, y hubo un momento que nunca olvidaré, en el que de repente entendí que tenía que participar en algo totalmente nuevo que cambiara las condiciones de vida en las que yo había crecido”. De esta manera explicaba el propio Walter Gropius, las pulsiones internas que le empujarían a fundar la Bauhaus en Weimar en 1919 —la escuela se trasladaría a Dessau en 1925 y a Berlín en 1932—. Verdadera alma máter de la institución, fundador y su primer Director, él sería el responsable de seleccionar a la práctica totalidad de los maestros que contribuirían a hacer de la escuela esa cuna del estilo internacional y del diseño moderno.

Lyonel Feininger.

Nacido y criado en la Ciudad de Nueva York, Feininger tuvo el honor de ser el primero de todos los maestros designados por Gropius. Autor de la Catedral en madera que aparece junto al manifiesto fundacional de la escuela, en la Bauhaus ocuparía la posición de maestro de formas de su taller de impresión desde 1919 hasta 1925. Sería por tanto uno de los maestros que más años quedaría ligado a la escuela, en la que permaneció hasta 1932 y donde estudiarían sus dos hijos Andreas y Theodore Lux Feininger. Artista reconocido y vinculado al grupo de expresionistas “Der Blaue Reiter”, abandonaría Alemania después de que su trabajo pictórico —también era compositor—fuera considerado “Degenerado” por las autoridades Nazis. Hoy sus obras forman parte de colecciones tan importantes como las del Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, el Museo Whitney o del Museo Nacional Thyssen-Bornemisza de Madrid.

Johannes Itten.

A pesar de que solamente estuvo vinculado a la escuela 4 años (de 1919 a 1923), Johannes Itten fue una de las figuras que más contribuyeron a convertir la Bauhaus en la primera escuela de diseño industrial del mundo. Itten sería precisamente el encargado de idear y desarrollar las bases del revolucionario curso básico de iniciación que debían superar todos los que aspirasen a formarse en la Bauhaus. Conocido como “Vorkurs” y con una duración de 6 meses, en él los alumnos no se dedicaban al dibujo de estatua, a pintar acuarelas o a copiar antiguas obras de arte —prácticas habituales en las escuelas tradicionales—, sino que eran empujados a descubrir y explorar su propia individualidad creativa, aprendiendo innovadoras teorías sobre el color y la forma, experimentando con nuevos materiales y texturas, y analizando a los antiguos maestros, no desde un punto de vista histórico, sino contemporáneo. Se les enseñaba, en definitiva, a desarrollar un pensamiento crítico y a crear en plena libertad sin atender a las restricciones marcadas por épocas pasadas.

Paul Klee.

Permanecería en la Bauhaus desde 1920 a 1931, tiempo durante el que principalmente se encargaría de impartir clases de pintura libre y teoría elemental del diseño; una de las asignaturas que conformaban el curso básico. Apasionado del color y de la pintura, que no dejó de practicar ni durante su etapa como soldado durante la primera guerra mundial, estuvo vinculado al igual que Feininger al grupo de expresionistas “Der Blaue Reiter”. Como maestro, sería uno de los más apreciados y admirados de la escuela, especialmente entre las alumnas del taller textil. Provocando una importante influencia en estudiantes como Gertrude Arndt, Ida Kerkovius, Marianne Brandt o Anni Albers, que llegó a traducir algunas de sus conferencias y a calificarlo como su “dios” y su auténtico maestro.

Vassily Kandinsky.

Considerado el creador del expresionismo abstracto, Kandinsky llegaba a la Bauhaus en 1922 como una de las figuras más relevantes del arte moderno. Convirtiéndose en una de las principales razones por la que muchos jóvenes se decidirían a realizar sus estudios en la escuela. Cofundador junto a Franz Marc de ese grupo de expresionistas “Der Blaue Reiter” al que estaban vinculados Feininger y Paul Klee, en la Bauhaus se encargaría de dirigir el taller de pintura mural e impartir clases de pintura abstracta y dibujo. Llegando a ostentar el puesto de subdirector de la escuela desde 1923 hasta su cierre definitivo en Berlín en 1933.

Oskar Schlemmer.

Bailarín, pintor, escultor, diseñador gráfico y coreógrafo, ningún arte parecía escaparse al talento de Oskar Schlemmer. Que durante sus ocho años en la Bauhaus (de 1921 a 1929) estaría al frente de talleres como el de pintura mural, los de escultura en piedra y madera o, temporalmente, del taller de metal. También impartiría clases de dibujo al natural, y de 1923 a 1929 sería el responsable del importantísimo taller de teatro. El lugar donde precisamente los estudiantes podían experimentar mejor con el verdadero espíritu de la Bauhaus, poniendo en práctica, y de manera simultánea, los principios aprendidos sobre arquitectura, escultura, textiles, formas y combinaciones de color; fabricando desde decorados a máscaras o trajes como los del Ballet Triádico. Una pieza compuesta por él mismo.

László Moholy-Nagy.

La llegada de Moholy-Nagy en 1923 supondría un giro en la doctrina académica de la escuela, que evolucionó desde la visión expresionista dominante de los primeros años, hacia corrientes más constructivistas y racionalistas. Acompañado de su esposa, la fotógrafa y escritora Lucia Moholy, permanecería en la escuela hasta 1928. Tiempo durante el que además de sustituir a Johannes Itten como nuevo Director del curso básico de iniciación, sería maestro de formas del prestigiosos taller de metal. Que se encargó de reorientar hacia la creación de prototipos y a la producción industrial; y donde formaría alumnos tan brillantes como Wilhelm Wagenfeld, Wolfgang Tümpel o Marianne Brandt, que le sustituiría brevemente como Directora del taller.

Josef Albers.

Entró como alumno en 1920 y antes de terminar sus estudios Walter Gropius ya le había ofrecido formar parte del cuerpo docente de la escuela. Convirtiéndose en 1925 en profesor adjunto y codirector del curso básico de iniciación junto a László Moholy-Nagy, y en su único director tras la salida de este en 1928 y hasta el cierra de la Bauhaus en 1933. Albers sería por tanto una de las personas que más años pasaron ligadas a la escuela, a la que estuvo vinculado 13 de los 14 años que permaneció abierta. Impulsor del ideario moderno y de la conexión entre los conceptos de función, materialidad y forma como elementos de diseño, en la Bauhaus conocería y se casaría con la también alumna Anni Albers, con quien formaría una de las parejas de artistas más influyentes de todo el siglo XX.

Gunta Stölzl.

Fue una de las mujeres más importantes de la historia de la Bauhaus, y la única que llegó a dirigir uno de sus talleres de forma prolongada. Al igual que Josef Albers, Gunta Stölzl destacó como una de las alumnas más aventajadas de la escuela antes de pasar a formar parte de su cuerpo docente. Llegó durante aquel primer año de 1919, y con un objetivo claro: “Weimar-sola-autosuficiente. (…) Me propongo hacer lo que quiera”, escribía en su diario con fecha de septiembre de aquel mismo año, destapando el sentimiento compartido que empujaba a la mayoría de las estudiantes a inscribirse en la Bauhaus: ser dueñas de su propio futuro. Durante los años en los que se mantuvo como directora del taller textil (de 1925 a 1931), este evolucionaría incorporando un lenguaje más moderno y nuevas técnicas de producción. “La consigna de esta nueva época fue: ¡modelos para la industria!”, escribía la propia Stölz en 1931.

Marcel Breur.

Estudiante del taller de carpintería —o de mobiliario—, Marcel Breuer pasaría a convertirse, al igual que Josef Albers y Gunta Stölzl, en un maestro más de la Bauhaus ocupando la posición de director de aquel mismo taller en el que se había formado. Un puesto que ocuparía de 1925 a 1928, y desde el que comenzaría a labrar su reconocimiento internacional gracias a diseños como el de la revolucionaria silla B3, o silla Wassily. Una pieza con la que se convertía en el primer diseñador en utilizar acero tubular para el diseño de muebles. Tras dejar la escuela, terminaría emigrando a Inglaterra y finalmente a Estados Unidos. Desde donde participaría junto a Pier Luigi Nervi y Bernard Zehrfuss en el diseño del nuevo edificio de la Unesco de París, o emprendería proyectos como el de la construcción del Museo Whitney de Nueva York.

Hannes Meyer.

Hannes Meyer llegó a la Bauhaus en 1927 para dirigir su recientemente inaugurado programa de arquitectura. Por entonces en Dessau comenzaban a reproducirse las mismas tensiones políticas que habían obligado a trasladar la escuela desde Weimar, y Walter Gropius, en un intento por calmar los ánimos, decidía dimitir y nombrarlo nuevo Director. “No me había contado su fuerte inclinación por tendencias políticas notoriamente izquierdistas”, confesaría años más tarde el propio Gropius. Y es que lejos de apaciguar las aguas, Meyer agudizó la politización de la escuela y de los alumnos, al tiempo que introducía su ideología comunista en el programa académico de la escuela y de los talleres. Frente a un clima tan enrarecido, maestros como Oskar Schlemmer o László Moholy-Nagy se decidieron a abandonar la escuela, y finalmente Meyer era cesado como director en 1930.

Walter Peterhans.

Nombrado por Hans Meyer durante su etapa como Director, Peterhans llegó a la Bauhaus de Dessau en 1929 como responsable del nuevo taller de fotografía. Un curso eminentemente práctico por el que pasarían Irene Blühová, Ellen Auerbach-Rosenberg o la pareja formada por Horacio Coppola y Grete Stern. Tras el cierre de la escuela, impartiría lecciones de fotografía en una academia privada de Berlín y lanzaría diferentes publicaciones hasta que, al igual que la mayor parte de los antiguos maestros de la Bauhaus, terminaba emigrando a Estados Unidos. Allí recalaría en el Instituto Tecnológico de Illinois, en Chicago, donde continuaría impartiendo sus lecciones de fotografía desde 1938 hasta su muerte en 1960.

Ludwig Mies van der Rohe.

Mies van der Rohe se convertía en el tercer y último director de la Bauhaus tras la destitución de Hannes Meyer en 1930. Desde su posición suprimiría la obligatoriedad del curso de iniciación y erradicaría el carácter productivo de los talleres, que perdían peso en beneficio de una enseñanza teórica que comenzaba a ser similar a la de cualquier escuela politécnica. En sus intentos por garantizar la salvación de la escuela, implementaría una política de más arquitectura y mayor despolitización. Unos esfuerzos que no lograrían dar sus frutos. Ya que finalmente el consejo municipal de Dessau decretaba la clausura de la Bauhaus. Mies intentaría nuevamente salvaguardar su legado, transformándola en centro privado y trasladándola a una vieja fábrica abandonada de Berlín, que era asaltada por la Gestapo el 11 de abril de 1933. Se hacia evidente la inviabilidad del proyecto, y tras 14 años, 3 sedes y 3 directores, Mies y el resto del cuerpo docente de la escuela decretaban la disolución de la Bauhaus el 20 de julio de 1933.

Principales exponentes de la Bauhaus

El nombre Bauhaus deriva de la unión de las palabras en alemán Bau, “construcción”, y Haus, “casa”; irónicamente, a pesar de su nombre y del hecho de que su fundador fuera arquitecto, la Bauhaus no tuvo un departamento de arquitectura en los primeros años de su existencia.

Wassily Kandinsky (1866-1944), pintor.
Lyonel Feininger (1871-1956), pintor y fotógrafo de artes.
Paul Klee (1879-1940), pintor.
Walter Gropius (1883-1969), arquitecto.
Lilly Reich (1885-1947), arquitecta y diseñadora de interiores.
Ludwig Mies Van der Rohe (1886-1969), arquitecto.
Lucia Moholy fotógrafa.
Ludwig Hilberseimer (1885-1967), arquitecto y urbanista.
Gertrud Arndt diseñadora y fotógrafa.
Lothar Schreyer (1886-1966), escritor, dramaturgo y pintor.
Anni Albers artista textil.
Josef Albers (1888-1976), pintor y docente de arte.
Alma Buscher diseñadora.
Johannes Itten (1888-1967), pintor y profesor de arte.
Marianne Brandt escultora.
Oskar Schlemmer (1888-1943), pintor.
Lilly Reich diseñadora.
Otti Berger artista texil.
Gerhard Marcks (1889-1940), pintor y escultor.
Hannes Meyer (1889-1954), arquitecto.
Lis Beyer-Volger artista textil.
Marianne Brandt (1893-1983), diseñadora en metal.
Joost Schmidt (1893-1948), tipógrafo y escultor.
Ellen Auerbach fotógrafa.
Lászlo Moholy-Nagy (1895-1946), diseñador visual.
Georg Muche (1895-1987), pintor y grafista.
Hilde Hubbuch fotógrafa.
Gunta Stölzl (1897-1983), tejedora.
Walter Peterhans (1897-1960), fotógrafo.
Elisabeth Kadow artista textil.
Annelise Kretschmer fotógrafa.
Hinnerk Scheper (1897-1957), colorista, pintor y conservador de monumentos.
Alfred Arndt (1898-1976), arquitecto.
Dörte Helm (1898-1941), pintora y diseñadora gráfica.
Anni Albers (1899-1994), diseñadora textil y grabadora.
Arieh Sharon (1900-1984), arquitecto.
Herbert Bayer (1900-1985), diseñador gráfico y pintor.
Marcel Breuer (1902-1981), arquitecto y diseñador
Lotte Beese, (1903-1988), arquitecta y urbanista
Xanti Schawinsky (1904-1979), Pintor, dibujante, diseñador y fotógrafo.
Grete Stern (1904-1999), diseñadora y fotógrafa.
Horacio Cóppola (1906-2012), fotógrafo.

Source: https://es.wikipedia.org/wiki/Escuela_de_la_Bauhaus#Nombre

¿Quién es el padre de la Bauhaus?

Aunque parece que la paternidad fue colectiva, cada vez hay más acuerdo en que el tutor fue Walter Gropius (1883-1969).

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“FOLDS” exposición de Sandra Szkolnik

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“FOLDS” exposición de Sandra Szkolnik en los espacios de IMAGO

La exposición titulada “FOLDS”, de la artista Sandra Szkolnik, será inaugurada el 9 de septiembre de 2023 a las 6:00 p.m., en los nuevos espacios expositivos del Centro Cultural IMAGO, en la ciudad de South Miami, bajo la curaduría de la investigadora de arte y curadora venezolana Katherine Chacón.

La muestra “es el resultado de la metódica y constante indagación que Sandra Szkolnik (Lima, Perú, 1968) viene llevando a cabo, desde hace más de cuatro años, en torno a las posibilidades expresivas de las líneas y volúmenes generados por pliegues rectos”, según afirma Katherine Chacón en el texto que acompaña la exposición.

De acuerdo a la curadora, “Tempranamente, Szkolnik fue inspirada por el origami, pero sus intereses no estuvieron dirigidos a la construcción de figuras —como en la tradicional técnica japonesa— sino al comportamiento de los módulos regulares que, progresivamente, crean los dobleces. Dentro de este aparentemente simple —pero ciertamente infinito— foco de exploración, la artista trazó las rutas de lo que serían las formulaciones plásticas de su práctica creativa. En esta, ha sido fundamental la investigación sobre los materiales. Los módulos triangulares, base de su lenguaje, requerían adquirir no sólo consistencia física sino expresar adecuadamente el estudiado cromatismo de la artista. Además, la flexibilidad del doblez debía hacerse manifiesta”.

“Szkolnik incorpora, asimismo, un juego háptico entre las posibilidades reales y sugeridas de intervención del espectador. Si bien sus primeras piezas fueron realizadas para que este las dispusiera ‘a su gusto’ y usando imanes sobre una superficie plana —dispositivo que se mantiene aún en su producción de pequeño formato—, la artista ha regulado esta intervención en su obra posterior, al establecer tensiones entre la invitación que generan las formas plegadas a ser manipuladas y las posibilidades reales de manipulación (…) Szkolnik actualiza en su obra un profundo interés por construir una gramática del espacio, en la que lo volumétrico y lo plano, lo visible y lo invisible, lo expandido y lo plegado, lo que se multiplica y lo que se divide, conformarían los signos a ser descifrados”, explica Katherine Chacón.

Sandra Szkolnik nació en Lima, Perú, en 1968. Estudió diseño gráfico en el Instituto Toulouse Lautrec de su ciudad natal (1986-1989), y Computer Applications/Aplicaciones informáticas, en Massachusetts College of Arts (Boston, MA, 1991-1992). Vivió en Venezuela durante 10 años, donde estableció importantes vínculos. Actualmente reside y trabaja en Miami. Su obra ha sido exhibida en diversas exposiciones colectivas, en Perú y en Estados Unidos.

La exposición “FOLDS”, de Sandra Szkolnik, permanecerá expuesta al público hasta enero de 2024 en los espacios del Centro Cultural IMAGO, ubicado en 4028 SW 57th Ave, Miami, FL 33155.

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