Miradas Esenciales: Curadores y Críticos de Arte Colombianos que Dejan Huella

Colombia, un país de vastos paisajes y una rica diversidad cultural, ha cultivado un vibrante ecosistema artístico que se ha consolidado gracias, en gran parte, a la perspicacia y el compromiso de sus curadores y críticos de arte. Estas figuras, a lo largo de la historia y en la actualidad, han sido fundamentales para interpretar, contextualizar y proyectar la riqueza del arte colombiano, tanto a nivel nacional como en el escenario global. Su labor ha sido crucial para tender puentes entre los creadores, sus obras y un público ávido de comprensión y diálogo.

Explorar sus trayectorias es adentrarse en las capas de la historia del arte colombiano y entender cómo sus voces han influido en su desarrollo.

Fundadores y Arquitectos de la Crítica Moderna

La crítica y la curaduría en Colombia tienen raíces que se hunden en el siglo XX, con intelectuales que sentaron las bases para el estudio y la promoción del arte:

• Marta Traba (1923-1983): Aunque de origen argentino, su impacto en Colombia fue monumental. Radicada en Bogotá, Marta Traba revolucionó la crítica de arte con su estilo incisivo, su pasión por el arte latinoamericano y su férrea defensa de una identidad artística propia frente a las influencias europeas y estadounidenses. Fue cofundadora del Museo de Arte Moderno de Bogotá (MAMBO) y su legado como pensadora y gestora cultural es ineludible en la historia del arte colombiano.
• Germán Arciniegas (1900-1999): Intelectual, historiador, ensayista y crítico cultural. Si bien su obra abarcó un espectro más amplio, Arciniegas fue un gran promotor del arte y la cultura latinoamericana, y sus escritos contribuyeron a cimentar una perspectiva propia sobre la creación artística en la región.
• Casimiro Eiger (1902-1987): Crítico de arte de origen polaco que se estableció en Colombia. Eiger fue una figura influyente en la modernización de la crítica y en la introducción de las nuevas corrientes artísticas internacionales en el país, aportando una mirada cosmopolita a la escena local.

Voces Clave del Siglo XX y XXI

En las décadas siguientes, y hasta el presente, una generación de curadores y críticos ha continuado expandiendo los horizontes del arte colombiano, abordando nuevas temáticas y lenguajes:

• Carolina Ponce de León: Curadora e investigadora con una extensa trayectoria en museos y espacios independientes. Ha sido curadora en el Banco de la República, y su trabajo se caracteriza por una profunda sensibilidad hacia el arte contemporáneo, explorando temas de identidad, cuerpo y paisaje en el contexto colombiano.
• José Ignacio Roca: Uno de los curadores colombianos de mayor proyección internacional. Ha sido curador jefe del Banco de la República en Colombia y director artístico de la Bienal de Cartagena de Indias. Roca es reconocido por su enfoque en el arte latinoamericano contemporáneo, su capacidad para tejer narrativas complejas y su visión para insertar el arte de la región en el diálogo global. Su trabajo ha influido en la legitimación de prácticas artísticas diversas.
• María Wills Londoño: Curadora y directora de la Feria Internacional de Arte de Bogotá (ARTBO), una de las ferias más importantes de América Latina. Su labor ha sido fundamental para dinamizar el mercado del arte en Colombia y para visibilizar el talento local e internacional, consolidando a Bogotá como un centro artístico relevante en la región.
• Carmen María Jaramillo: Curadora, investigadora y docente. Carmen María Jaramillo ha tenido un papel crucial en la dirección de importantes museos como el Museo de Arte Moderno de Barranquilla. Su trabajo se enfoca en el arte moderno y contemporáneo, y su compromiso con la investigación ha enriquecido el conocimiento sobre la historia del arte colombiano.
• Eugenio Viola: Curador de origen italiano con una destacada trayectoria en Colombia, donde fue curador jefe del Museo de Arte Moderno de Bogotá (MAMBO). Su mirada internacional ha aportado nuevas perspectivas a la escena colombiana, promoviendo el diálogo entre el arte local y las tendencias globales, con un énfasis en las prácticas experimentales y la performance.
• Sylvia Suárez: Crítica de arte y periodista cultural. Sylvia Suárez es una voz activa en la difusión y el análisis del arte contemporáneo colombiano. Sus artículos y ensayos en diversos medios de comunicación son una fuente valiosa para entender las discusiones actuales en el campo artístico del país.
• Juan David Quintero: Curador independiente y gestor cultural, conocido por su trabajo en proyectos que exploran las intersecciones entre el arte, la política y la memoria en Colombia. Su curaduría a menudo busca generar espacios de reflexión crítica y de diálogo social a través del arte.
• María del Carmen Carrión: Curadora independiente con una sólida trayectoria internacional, aunque nacida en Ecuador, su influencia y proyectos en Colombia, como su trabajo previo como curadora en el Museo Tamayo en México y su participación en la Bienal de Cuenca, le otorgan una perspectiva relevante para el contexto colombiano y regional.

El Impacto de su Labor

La contribución de estos curadores y críticos va más allá de la simple organización de exposiciones o la escritura de reseñas. Son:

• Investigadores incansables: Profundizando en la historia, los contextos y las poéticas de los artistas.
• Narradores perspicaces: Construyendo discursos que dan coherencia y sentido a la producción artística.
• Promotores culturales: Abriendo puertas para que el arte colombiano alcance nuevas audiencias y mercados.
• Pensadores críticos: Aportando análisis que enriquecen el debate y la comprensión de las complejidades del arte.

Su dedicación ha sido y sigue siendo fundamental para el florecimiento y la consolidación del arte en Colombia, asegurando que sus voces y sus imágenes resuenen con fuerza en el panorama artístico global.

Fuentes Consultadas:

• ARTEINFORMADO: Perfiles de curadores colombianos y noticias del sector. https://www.arteinformado.com/
• Banco de la República (Colombia): Información sobre curadores y colecciones. https://www.banrepcultural.org/
• ArtNexus: Revista de arte latinoamericano con numerosos artículos y entrevistas a curadores y críticos colombianos. https://www.artnexus.com/
• ARTBO (Feria Internacional de Arte de Bogotá): Información sobre su dirección y programa curatorial. https://www.artbo.co/
• Museo de Arte Moderno de Bogotá (MAMBO): Historial de curadores y exposiciones. https://mambo.org.co/
• e-flux: Anuncios de exposiciones y perfiles de curadores internacionales (como José Ignacio Roca y Eugenio Viola). https://www.e-flux.com/
• El Espectador / El Tiempo (Secciones de Cultura): Artículos y reseñas de crítica de arte.
• Universidad de los Andes (Facultad de Artes y Humanidades): Perfiles académicos de docentes y curadores.

UN CORAZÓN, DE REPENTE

Viaje escénico inspirado en el universo de Clarice Lispector

Artefactus Cultural Project anuncia el estreno de Un corazón, de repente, espectáculo teatral dirigido y adaptado por Eddy Díaz-Souza a partir de textos de Clarice Lispector, una de las autoras más singulares de la literatura brasileña.

La puesta en escena propone un viaje poético que parte de lo cotidiano y se adentra en territorios metafísicos, explorando el universo femenino desde la introspección y el asombro. Inspirado en relatos como Volar, El huevo y la gallina y Una historia de tan grande amor, el montaje se sumerge en la densidad emocional de los personajes, pero también se distancia de ellos para ofrecer nuevas lecturas, juegos escénicos y metáforas visuales.

El trabajo actoral combina lo físico con lo introspectivo, transitando entre la contención minimalista y la expresividad gestual. Este lenguaje escénico deviene vehículo para articular sensaciones, silencios y resonancias de la conciencia.

La escenografía, a cargo de Carlos Artime, sostiene esta misma línea estética: un diseño depurado que recurre a paneles, espejos, puertas y pasarelas para construir un espacio fragmentado, próximo a la instalación artística. Con formas geométricas sutiles y detalles decorativos puntuales, su propuesta amplifica la atmósfera onírica del montaje.

El elenco lo conforman Betsy Rodríguez, Tamara Melián, Oda Cardona y Alberto Menéndez, quienes encarnan diversas voces y presencias, dando cuerpo a las múltiples Clarice que surgen de cada texto.

Las funciones de Un corazón, de repente se realizarán los días 25, 26 y 27 de julio, y 1, 2 y 3 de agosto, en el Centro Cultural Artefactus, en Miami.

A Heart Suddenly
Based on texts
by Clarice Lispector
Clarice Lispector en tacones de madera
En su última entrevista televisiva, Clarice Lispector repite que está cansada. Era 1977 y afirmaba que hablaba desde su tumba, porque había muerto al terminar La hora de la estrella. La que sería su última novela aún no tenía título definitivo y resultó, realmente, el preámbulo de su muerte física. Pocos meses después, la escritora brasileña se rindió al cansancio de su cuerpo enfermo.
Clarice poeta, que viaja entre las palabras como quien viaja en el tiempo. Clarice espejo, que logra que sus personajes sepan de hambre, desamor, soledad; casi como ella, como nosotros. Clarice clarividente, que se anuncia muerta en vida, para morir pronto. Clarice brillante, la brasileña más universal y obsesionada con creerse una mujer cualquiera.
A todas esas Clarice las revive Eddy Díaz-Souza en De repente, un corazón. Recrea fragmentos de sus cuentos más entrañables como “El huevo y la gallina”, “Restos de carnaval”, “Preciosidad”, para componer lo que él mismo ha llamado un “cuerpo textual, gestual y simbólico” que organiza para la representación en escena y que resulta en una sinfonía perfecta.
El acontecimiento Stories on Stage se decide a iluminar este año la cruel ingenuidad de los personajes de Lispector. El proyecto de montajes que inició en 2019 celebró antes la obra narrativa de autoras como Lydia Cabrera y Margaret Atwood, entre otras y otros. Díaz-Souza entrelaza ahora su voz dramática a la imaginación de otra autora universal y camina sobre tacones de madera. No solo porque “los tacones son siempre de madera”, como diría algún personaje de Lispector, sino porque el teatro de Artefactus llegó al mundo para “llamar la atención”, como usted comprobará esta noche.

Dainerys Machado Vento

Textos de Clarice Lispector
Volar Una gallina Restos del carnaval Preciosidad El huevo y la gallina La búsqueda de la dignidad Una historia de tan grande amor

ELENCO
Betsy Rodríguez • Tamara Melián • Oda Cardona • Alberto Menéndez

CREATIVOS
Escenografía | Carlos Artime
Vestuario y diseño sonoro | Eddy Díaz-Souza
Maquillaje | Vivian Morales
Fotografía | Arturo Arocha
Diseño de cartel | Ibrahim Curiel
Arreglo musical y dirección vocal | Oda Cardona Producción ejecutiva | Carlos Arteaga
Adaptación y puesta en escena | Eddy Díaz-Souza

MÚSICA
Perfidia. Alberto Domínguez
Caminadora. Néstor Milí Bustillo
Yo te daré. Ramón Aramburu
Esperanza. Marc Perrone. Les Égarés
Manhã de Carnaval. Antônio Maria y Luiz Bonfá. David Lange y Michael Gray
Sweet Dreams. Annie Lennox y Dave Stewart
Nana en el infierno. Antonio Luque y Josep Forcadell. Happines Does Not Wait. Ólafur Arnalds.
La fugitiva. Llévame viento. Natalia Lafourcade.
Artefactus Cultural Project, temporada de verano, julio-agosto 2025

Más información y boletos en: www.artefactus.org

Miradas Esenciales: Curadores y Críticos de Arte Cubanos que Dejan Huella

Cuba, una isla de profundas raíces culturales y una historia compleja, ha forjado un pensamiento crítico y una práctica curatorial de gran relevancia en el ámbito artístico latinoamericano. A lo largo de las décadas, una serie de curadores y críticos, tanto hombres como mujeres, han desempeñado roles fundamentales en la configuración de las narrativas del arte cubano, proyectándolo hacia el mundo y enriqueciendo el diálogo cultural.

Desde la consolidación de sus instituciones hasta la actualidad, estas voces han sido esenciales para investigar, interpretar y difundir la rica producción artística de la isla.

Figuras Clave en la Construcción del Discurso Artístico Cubano

La curaduría y la crítica en Cuba tienen hitos importantes, a menudo vinculados a la emergencia de la vanguardia y la institucionalización del arte moderno y contemporáneo.

José Gómez Sicre (1916-1991): Una figura pionera e indispensable para la difusión del arte moderno cubano y latinoamericano a nivel internacional. Como Jefe de la División de Artes Visuales de la Unión Panamericana (luego OEA) en Washington D.C., Gómez Sicre fue un incansable promotor, organizando innumerables exposiciones que dieron visibilidad a artistas como Wifredo Lam y Amelia Peláez en Estados Unidos y otras partes del mundo. Su visión y su capacidad de gestión fueron cruciales para insertar el arte cubano en el circuito global.

Adelaida de Juan (1931-2021): Destacada historiadora, crítica de arte, profesora y ensayista. Adelaida de Juan fue una voz erudita y profunda en la crítica de arte cubana, con un enfoque particular en el arte del siglo XX y su relación con el contexto social. Su rigurosa labor académica y su capacidad para analizar las obras desde múltiples perspectivas la convirtieron en una referencia fundamental para varias generaciones.

Gerardo Mosquera (1953): Es una de las voces críticas y curatoriales cubanas de mayor proyección internacional. Residente fuera de Cuba desde hace décadas, Mosquera ha sido un pensador influyente sobre el arte latinoamericano, el arte contemporáneo y los procesos de globalización. Ha curado innumerables exposiciones en museos y bienales de todo el mundo y es una figura clave en la teorización sobre el arte desde una perspectiva postcolonial.

Corina Matamoros: Crítica de arte, curadora, museóloga e investigadora. Corina Matamoros es una figura central en el estudio y la promoción del arte cubano contemporáneo. Actualmente curadora de la colección de arte cubano contemporáneo en el Museo Nacional de Bellas Artes, ha sido reconocida con el Premio Nacional de Curaduría y es autora de importantes ensayos que ofrecen una “mirada de curador” perspicaz sobre la producción artística de la isla.

Magaly Espinosa (1947): Historiadora, crítica de arte y teórica, Magaly Espinosa ha dedicado décadas a acompañar, divulgar y enseñar el arte cubano desde la academia y la crítica. Su trabajo se sustenta en una profunda sensibilidad y un conocimiento riguroso, contribuyendo al pensamiento sobre el arte cubano desde una perspectiva filosófica y crítica.

Ibis Hernández Abascal (1959): Crítica y curadora del Centro Wifredo Lam en La Habana, Ibis Hernández ha sido co-curadora de la Bienal de La Habana desde 1995 hasta 2015. Su extenso trabajo en esta bienal, uno de los eventos artísticos más importantes y antiguos del mundo, ha sido crucial para la visibilización de artistas cubanos y de la periferia en un contexto internacional.

Voces Clave en la Contemporaneidad y la Diáspora

La escena actual y la diáspora cubana también cuentan con figuras que continúan el legado de la curaduría y la crítica, adaptándose a nuevos contextos y desafíos.

Dennys Matos (1966): Periodista, crítico de arte y curador. Dennys Matos ha desarrollado una importante trayectoria entre Cuba, España y Estados Unidos (especialmente Miami). Es conocido por su agudeza analítica en sus artículos y ensayos para publicaciones especializadas internacionales como ArtNexus y Arte Aldía, así como por su labor como crítico de arte en medios como El Nuevo Herald. Sus proyectos curatoriales, que abordan temas de la actualidad del arte y la sociedad cubana, han sido exhibidos en diversas ciudades, reflejando una visión global y crítica del arte latinoamericano y cubano.

David Mateo: Periodista, crítico de arte, editor y curador, David Mateo ha sido una voz activa en la crítica cubana, especialmente a inicios de los noventa. Su trabajo ha explorado el grabado cubano y ha contribuido a la organización de eventos clave como la Cuarta Bienal de La Habana, siendo un analista perspicaz de las dinámicas del arte en momentos de cambio.

Samuel Hernández Dominicis (1987): Un joven curador que ya se destaca por su mirada hacia el arte emergente cubano. Como curador independiente y asesor en la Asociación Hermanos Saíz (AHS), Samuel Hernández está contribuyendo a la selección y promoción de nuevas voces, consolidándose como una promesa en el panorama curatorial cubano.

Orlando Hernández: Crítico de arte y pensador cubano, Orlando Hernández es reconocido por sus análisis profundos sobre el arte contemporáneo y su relación con la historia y la política. Sus textos son un referente para comprender las complejidades del arte cubano y su contexto.

El Impacto de su Labor

El rol de estos curadores y críticos ha sido y es fundamental para:

• Documentar y contextualizar la rica y compleja historia del arte cubano.
• Proyectar la obra de artistas cubanos en el ámbito internacional, trascendiendo barreras geográficas y políticas.
• Generar pensamiento crítico y debate sobre las particularidades y los desafíos del arte en un contexto tan singular como el cubano.
• Fomentar nuevas generaciones de artistas y profesionales del arte, creando puentes entre la tradición y la vanguardia.

Su dedicación inquebrantable asegura que el arte cubano no solo sea apreciado por su belleza estética, sino también por su capacidad de reflejar y cuestionar la realidad.

Fuentes Consultadas:

• ARTEINFORMADO: Artículos y directorios de curadores cubanos. www.arteinformado.com
• Artcrónica: Directorio de críticos de arte en Cuba y artículos especializados. www.artcronica.com
• CubaEncuentro: Blogs de autores como Dennys Matos y artículos sobre cultura cubana. www.cubaencuentro.com
• OnCubaNews: Entrevistas y análisis sobre arte y cultura cubana (ej. entrevista a Magaly Espinosa). oncubanews.com
• Diario de Cuba: Noticias y artículos sobre arte cubano y su diáspora (ej. artículos de Dennys Matos). diariodecuba.com
• THE ARCHIVE – CUBAN ART NEWS: Perfiles de autores y noticias sobre arte cubano. cubanartnewsarchive.org
• La Jiribilla: Revista cubana de cultura con artículos de críticos como Corina Matamoros. www.lajiribilla.cu
• Hypermedia Magazine: Artículos y entrevistas sobre arte cubano (ej. José Bedia sobre curadores). hypermediamagazine.com

Arte Concreto Latinoamericano: La Búsqueda de una Realidad Propia

A Irati Azkue, Alejandro Córdoba, Louise Ferrari y Federico Tealdo, integrantes del Grupo 6:

Mi más sincero agradecimiento por su excelente y exhaustiva investigación. Su dedicación y el rigor de su trabajo han sido de un valor incalculable. ¡Muchas gracias!

G6_Azkue-Córdoba-Ferrari-Tealdo_Arte Concreto Latinoamericano

“Hablamos de pintura concreta y no abstracta porque nada es más concreto, más real que un color, una línea y una superfície”

Theo van Doesburg, 1930

El Arte Concreto llegó a América Latina no como una simple copia de las vanguardias europeas, sino como una semilla que encontró en el fértil suelo de la región las condiciones para florecer con una identidad propia y revolucionaria. Lejos de la abstracción que simplemente evade la realidad, el concretismo latinoamericano, abrazando la máxima de Theo van Doesburg de 1930 —“Hablamos de pintura concreta y no abstracta porque nada es más concreto, más real que un color, una línea y una superficie”—, se convirtió en una herramienta para construir nuevas realidades y un pensamiento artístico arraigado.

Este movimiento, que en Europa tuvo sus bases en publicaciones como la revista De Stijl (Leyden, 1917-1931) y grupos como Art Concret, con exposiciones en Francia, Zúrich y Estocolmo, postulaba una ideología de “arte abstracto geométrico” no referencial. Un arte cerebral, calculado, donde el significado residía en la obra “en sí misma”. Sin embargo, al cruzar el Atlántico, esta visión se transformó.

Argentina: La Explosión de la Vanguardia Concreta

Argentina fue uno de los epicentros más dinámicos del arte concreto en América Latina. La publicación de la Revista Arturo en 1944 marcó un punto de inflexión, proponiendo una oposición radical al arte simbólico y representativo. Este periodo revolucionario dio origen a dos grupos fundamentales:

• Asociación Arte Concreto-Invención (AACI) (1945-1946): Este grupo pionero, entre cuyos miembros se encontraban Tomás Maldonado, Lidy Prati, Alfredo Hlito, Raúl Lozza, Enio Iommi y Manuel Espinoza, planteó por primera vez la necesidad de un nuevo arte en Argentina. Creían firmemente en la capacidad de las “invenciones” artísticas para generar un cambio social. Su rigurosidad geométrica y su búsqueda de un arte puro y no-figurativo marcaron una era. Un ejemplo de su impacto es Juan Melé (1923-2012), miembro de AACI y co-fundador de Grupo Arte Nuevo, quien se dedicó a crear un arte innovador, liberado de influencias europeas, utilizando siempre el color, las formas geométricas y las líneas.
• Grupo Madí: Fundado por artistas como Arden Quin, Gyula Kosice y Rhod Rothfuss, este grupo llevó la experimentación concretista a nuevas fronteras. Publicaron la Revista Arte Madí Universal (1947-1954) y organizaban “Experiencias de Arte Concreto” que abarcaban artes visuales, poesía, música y performance. Madí se caracterizó por su audacia en la desmaterialización del marco y la exploración de formas articuladas y móviles.

Uruguay: El Universalismo Constructivo de Torres García

La influencia del arte concreto en Uruguay está intrínsecamente ligada a la figura monumental de Joaquín Torres García (1874-1949). Después de una extensa trayectoria en Europa y Estados Unidos, donde colaboró incluso con Antoni Gaudí en vidrieras para la Catedral de Palma de Mallorca y la Sagrada Familia (1903-1904), Torres García regresó a Uruguay en 1934. Allí desarrolló su propia filosofía: el Universalismo Constructivo. Esta propuesta magistral mezclaba la racionalidad del constructivismo europeo con rasgos y símbolos precolombinos, buscando un lenguaje universal pero arraigado en la identidad americana. A través de la famosa “Escuela del Sur”, Torres García inspiró a generaciones de artistas a mirar hacia el sur para encontrar su propio norte artístico.

Brasil: Del Concretismo al Neoconcretismo y la Participación

En Brasil, el concretismo se desarrolló con particular intensidad y evolución, culminando en el influyente Neoconcretismo.

• Grupo Frente (1954): Fundado por figuras clave como Lygia Clark, Ivan Serpa y Franz Weissmann, este grupo inició la experimentación con formas geométricas y abstractas.
• Movimiento Neoconcreto (1959): Una evolución experimental del Grupo Frente, liderada por Lygia Clark, Lygia Pape y Hélio Oiticica. Los neoconcretistas buscaron ir más allá de la rigidez racionalista del concretismo. Postularon un arte subjetivo y orgánico donde el espectador tiene un papel fundamental en la manipulación de objetos tridimensionales en movimiento. Rompieron con la tradicional relación contemplativa objeto-espectador, invitando a una interacción física y sensorial.
  • Lygia Clark (1920-1988): Una de las artistas más influyentes del siglo XX. Sus esculturas “Bichos” (1960-63), formadas por piezas móviles que el espectador despliega a su antojo, son icónicas. En los años 60, Clark llevó el arte concreto a una dimensión social y participativa, explorando la relación entre el arte y la psicoterapia, y creando obras orientadas a las experiencias multisensoriales (“Casulo n°2”, “Sensory book”). Su obra se alejó definitivamente del racionalismo para abrazar una dimensión “anti-mecanicista” y biológica.
  • Hélio Oiticica (1937-1980): Participante del Grupo Frente y el Neoconcretismo, Oiticica es conocido por su inspiración en el tropicalismo, su uso radical del color y sus experimentaciones con el “arte ambiental”. Su trabajo enfatizaba la relación entre las obras como organismos vivos, el espacio y la interacción activa del espectador.

Cuba: Los Diez Pintores Concretos y la Búsqueda Utópica

En Cuba, el movimiento concretista, representado principalmente por el grupo Los Diez Pintores Concretos (1959-1961), surgió en un período de profundos cambios culturales y políticos. Artistas como Pedro Álvarez, Wilfredo Arcay, Mario Carreño, Salvador Corratgé, Sandú Darié, Luis Martínez Pedro, Alberto Menocal, José Mijares, Pedro de Oraá, José Ángel Rosabal, Loló Soldevilla y Rafael Soriano buscaron una estética universal y utópica.

Su enfoque fue un lenguaje puramente no-representacional, que no solo se distanciaba del arte abstracto tradicional, sino que también encontraba inspiración en las formas y estructuras inherentes a la naturaleza, persiguiendo una belleza intrínseca en la línea, el color y la superficie.

Chile: La Poesía y la Arquitectura de lo Concreto

Chile también tuvo un desarrollo particular del arte concreto, entrelazado con la poesía y la arquitectura.

• Vicente Huidobro (1893-1948): Precursor del arte geométrico, no solo a través de su poesía “creacionista” (el principal movimiento poético de la época en 1916), sino también por su invención de los caligramas (poemas que forman imágenes con las palabras). Huidobro fue uno de los pocos artistas latinoamericanos que influyó directamente en movimientos europeos, incluyendo la Generación del 27 en España, proponiendo una nueva forma de ver y entender el arte desde una visión local y distinta.
• Claudio Girola (1923-1994): Perteneció al grupo chileno paralelo a Arte Madí, Asociación Arte Concreto Invención. Girola fue fundamental en la introducción del concretismo en Chile, realizando la primera exposición en 1946. Fue profesor en la PUCV y su llegada a Valparaíso en 1953 inauguró una nueva etapa.
• Godofredo Iommi (1917-2001): Nacido en Buenos Aires, su encuentro con Huidobro fue una gran inspiración. Junto a arquitectos como Alberto Cruz y Miguel Eyquem, y posteriormente con Fabio Cruz y José Balcells, Iommi reformuló la Escuela de Arquitectura de la PUCV y fue una figura central en la fundación de Ciudad Abierta en 1970. Este proyecto, concebido como un campo de experimentación arquitectónica y poética, es un hito de la integración entre vida, trabajo, estudio, arquitectura y arte, buscando una comprensión profunda del paisaje. La “Amereida”, un poema épico nacido de una travesía en 1965, es la voz poética que canta la aparición y destino de América, invirtiendo el mapa y buscando develar un “mar interior” del continente.
• Cornelia Vargas (1936): Estudió en la prestigiosa Hochschule für Gestaltung en Ulm (Alemania), una escuela clave en la renovación del diseño industrial con figuras como Max Bill y Tomás Maldonado. Cornelia Vargas, junto a su esposo, aplicó los principios del arte concreto al diseño y la arquitectura, especialmente en proyectos como Villa Londres en Chile, que conectaba urbanismo con cooperativas de ahorro. Su obra, que comenzó a exponerse masivamente a partir de 2014, es un testimonio de la irradiación de las ideas de Ulm hacia América Latina y la influencia interdisciplinaria del arte concreto.

Conclusión: Un Legado de Búsqueda y Originalidad

El arte concreto latinoamericano, lejos de ser una mera réplica, se convirtió en un motor de experimentación y autodefinición. Nos recuerda la importancia de mirar hacia nuestras propias raíces y contextos para construir un arte que, si bien dialoga con lo universal, tiene un anclaje profundo en lo local. Figuras como Huidobro demuestran que las influencias no siempre viajan en una sola dirección. La búsqueda de una “realidad propia” en el color, la línea y la superficie sigue siendo un legado vivo y una fuente de constante descubrimiento.

Bibliografía y Fuentes Consultadas:

• Crispiani, Alejandro. Objetos para transformar el mundo, Trayectoria del Arte concreto-invención Argentina y Chile, 1940-70. Buenos Aires: Universidad Nacional de Quilmes, 2011.
• Van Doesburg en Latinoamérica [en línea]. Estocolmo: Masdearte, 2018. Disponible en: https://masdearte.com
• FAPESP y BIREME [en línea]. Santiago de Chile, Chile. Disponible en www.scielo.cl
• Enio Iommi [en línea]. Disponible en: https://www.enioiommi.com/
• Angie Bonino [en línea]. Bogotá, Colombia. Disponible en: https://www.artnexus.com/
• Ponce de León, Susana. Cornelia Vargas y el arte concreto [en línea]. Vitacura: Galería Patricia Ready, 2009. Disponible en: http://lapanera.cl
• Escuela de Arquitectura y Diseño, PUCV [en línea]. Viña del Mar, Chile. Disponible en: https://wiki.ead.pucv.cl/
• Konkrete kunst [en línea]. Valparaíso, Chile. Disponible en: https://corneliavargas.com/content/cornelia-vargas
• Wikipedia: Artículos sobre “Arte concreto”, “Neoconcretismo”, “Joaquín Torres García”, “Lygia Clark”, “Hélio Oiticica”, “Vicente Huidobro”, “Asociación Arte Concreto-Invención”, “Grupo Madí”, “Los Diez Pintores Concretos”, “Ciudad Abierta”.
• Guggenheim Museum: Joaquín Torres-García | Constructive City with Universal Man. https://www.guggenheim.org/artwork/artist/joaquin-torres-garcia
• MoMA (Museum of Modern Art): Colección y recursos sobre Lygia Clark y Hélio Oiticica. https://www.moma.org
• Tate Modern: Colección y recursos sobre Lygia Clark y Hélio Oiticica. https://www.tate.org.uk
• Getty Research Institute: Archivos y publicaciones sobre arte latinoamericano.
• G6_Irati Azkue-Alejandro Córdoba-Louise Ferrari-Federico Tealdo_Arte Concreto Latinoamericano

Joaquín Torres García: El Maestro del Universalismo Constructivo y el Arte Concreto

En el crisol del arte moderno, pocas figuras tejieron una visión tan singular y trascendente como Joaquín Torres García (1874-1949). Este artista uruguayo, cuya vida abarcó continentes y vanguardias, no solo fue un pintor excepcional, sino también un profundo teórico, un visionario de la educación artística y el artífice de una filosofía estética que llamó Universalismo Constructivo. Su búsqueda incansable de una síntesis entre el orden clásico, la modernidad abstracta y las raíces americanas lo convierte en una figura indispensable para comprender el arte del siglo XX.

Un Viaje de Búsqueda y Síntesis

Nacido en Montevideo, Uruguay, en 1874, Torres García pasó más de cuarenta años de su vida en Europa y Estados Unidos, absorbiendo las corrientes artísticas más influyentes de su tiempo. Su formación inicial en Barcelona lo conectó con el Noucentisme catalán, donde trabajó con figuras como Antoni Gaudí, creando vidrieras y frescos que ya denotaban un interés por la integración del arte en la arquitectura.

Su estancia en París y Nueva York fue crucial. En París, se involucró con el Constructivismo y el Neoplasticismo, movimientos que enfatizaban la abstracción geométrica y la pureza de la forma. Esta experiencia profundizó su convicción sobre la estructura y el orden en el arte. Sin embargo, Torres García no se conformó con la mera imitación de estas vanguardias europeas. Percibió una necesidad de arraigar la modernidad en una identidad más profunda y universal.

El Arte Concreto y el Nacimiento del Universalismo Constructivo

Aunque a veces se le asocia con el Arte Concreto (una corriente que defendía el arte como una construcción autónoma, sin referencia a la realidad externa, y que tendría un desarrollo importante en Argentina con grupos como Arte Concreto-Invención), Torres García fue más allá de sus postulados iniciales para desarrollar su propia y compleja propuesta: el Universalismo Constructivo.

Para Torres García, el arte debía ser “universal” porque apelaba a principios y símbolos compartidos por la humanidad, y “constructivo” porque se basaba en la organización geométrica, la estructura y el rigor. Su estilo distintivo se manifiesta en composiciones con una retícula ortogonal (una cuadrícula de líneas verticales y horizontales) que divide el lienzo en compartimentos. Dentro de estos compartimentos, insertaba símbolos universales y arquetípicos: peces, barcos, casas, relojes, escaleras, corazones, hombres, animales o el sol. Estos símbolos no eran meras representaciones, sino “signos” con significados primordiales, casi jeroglíficos.

Esta iconografía peculiar buscaba fusionar la racionalidad de la geometría occidental con la sabiduría ancestral y la espiritualidad del continente americano, en particular, las formas precolombinas e indígenas. Torres García creía que estas culturas poseían una comprensión innata de las formas geométricas y los símbolos esenciales. Así, invirtió el mapa de América, colocando el sur arriba, para afirmar la autonomía y la centralidad de la cultura latinoamericana.

El Legado de la “Escuela del Sur”

En 1934, Torres García regresó a Uruguay, marcando un punto de inflexión decisivo. Fundó la Asociación de Arte Constructivo (más tarde conocida informalmente como el Taller Torres García o la Escuela del Sur). Desde Montevideo, se dedicó a enseñar y difundir su filosofía a una nueva generación de artistas latinoamericanos.

La “Escuela del Sur” no solo fue un movimiento artístico, sino una escuela de pensamiento. Torres García impartió más de 500 conferencias, abogando por un arte que fuera a la vez moderno y profundamente arraigado en la identidad local. Animó a sus estudiantes a mirar hacia sus propias raíces y a construir un arte autónomo, libre de la imitación de las modas europeas. Su influencia en el arte de Uruguay y en la abstracción geométrica de América Latina fue inmensa y perdura hasta hoy.

Joaquín Torres García falleció en 1949, dejando un vasto cuerpo de obra que abarca pintura, escultura y teoría. Su legado reside en su capacidad para conciliar aparentes opuestos: lo abstracto y lo figurativo, lo universal y lo particular, lo racional y lo espiritual. Fue un artista que no solo pintó, sino que construyó un sistema de pensamiento para unificar el arte y la cultura de América, buscando un lenguaje visual que hablara a la humanidad entera.

Fuentes de Información:

• Guggenheim Museum: Joaquín Torres-García | Constructive City with Universal Man. https://www.guggenheim.org/artwork/artist/joaquin-torres-garcia
• Wikipedia: Joaquín Torres García. https://es.wikipedia.org/wiki/Joaqu%C3%ADn_Torres-Garc%C3%ADa
• The Art Story: Joaquín Torres-García. https://www.theartstory.org/artist/torres-garcia-joaquin/
• Acquavella Galleries: The Worlds of Joaquín Torres-García (Exhibition). https://www.acquavellagalleries.com/exhibitions/the-worlds-of-joaquin-torres-garcia
• Khan Academy: Torres García, Inverted America. https://www.khanacademy.org/humanities/art-1010/latin-america-modernism/constructivism/a/torres-garca-inverted-america
• The Metropolitan Museum of Art (The Met): Joaquín Torres-García | Pintura Constructiva. https://www.metmuseum.org/art/collection/search/851349
• OAS (Art Museum of the Americas): JOAQUÍN TORRES GARCÍA. https://www.oas.org/artsoftheamericas/joaquin-torres-garcia

Arte Etéreo: Un Velo Entre Mundos y la Captura de lo Inasible

En el vasto universo de la expresión artística, existe una corriente, o más bien una cualidad, que persigue lo intangible, lo sublime, aquello que parece casi inmaterial, como un suspiro o un recuerdo brumoso. Hablamos del arte etéreo, un estilo o sensibilidad que busca evocar sensaciones de ligereza, misterio y una belleza casi sobrenatural. Este tipo de arte se sitúa en la frontera entre lo tangible y lo celestial, invitando al espectador a una experiencia que va más allá de la mera observación, adentrándose en el terreno de la emoción, el espíritu y la imaginación.

¿Qué Define lo Etéreo en el Arte?

La palabra “etéreo” proviene de la antigua concepción del éter como una sustancia pura y celestial que llenaba las regiones superiores del espacio. En el arte, esta definición se traduce en una serie de características distintivas:

• Delicadeza y Levedad: Las obras etéreas a menudo presentan formas suaves, contornos difuminados y una sensación de ingravidez. Las figuras pueden parecer flotar, disolverse en el ambiente o ser casi transparentes.
• Atmósfera y Luz: La luz juega un papel crucial. Se utiliza para crear ambientes oníricos, neblinosos o luminosos, con transiciones sutiles entre claros y oscuros. No es una luz dura o directa, sino difusa, que envuelve la escena en un halo de misterio.
• Misterio y Sugerencia: El arte etéreo no lo revela todo. Deja espacio para la interpretación del espectador, sugiriendo narrativas más que contándolas explícitamente. Hay un velo de enigma que invita a la contemplación y a la imaginación.
• Conexión Espiritual y Emotiva: Frecuentemente, estas obras buscan tocar el alma, evocando sentimientos profundos de asombro, nostalgia, serenidad o melancolía. Tienen una cualidad espiritual que trasciende lo material.
• Fusión de lo Real y lo Imaginario: Si bien no es puramente surrealista, el arte etéreo a menudo combina elementos del mundo natural con toques fantásticos, símbolos o significados inferidos. Puede representar escenas reconocibles, pero con un giro que las hace parecer de otro mundo.
• Colores Suaves y Armoniosos: Aunque puede haber excepciones, las paletas suelen inclinarse hacia tonos pastel, monocromáticos suaves, o combinaciones que transmitan calma y un ensueño.

Raíces Históricas y Manifestaciones Modernas

Si bien “arte etéreo” no es un movimiento artístico formal con un manifiesto fundacional, sus cualidades pueden rastrearse a lo largo de la historia del arte en diversas épocas y estilos que buscaron lo trascendente:

• Romanticismo y Simbolismo: Muchos artistas de estas corrientes del siglo XIX, como los Prerrafaelitas, o pintores como J.M.W. Turner con sus paisajes atmosféricos, y los Simbolistas con sus figuras alegóricas y oníricas (ej. Gustave Moreau, Odilon Redon), exploraron esta sensibilidad. Sus obras a menudo evocan lo místico y lo idealizado.
• Arte Oriental (Pintura de Paisaje): La tradición de la pintura de paisaje en Asia Oriental, particularmente en China y Japón (como el Sumi-e), con su énfasis en el “vacío” o el espacio negativo y el uso económico de la pincelada para sugerir vastas extensiones, comparte una profunda conexión con el efecto etéreo. Buscaban capturar la esencia espiritual de la naturaleza, más allá de su representación literal.
• Impresionismo y Postimpresionismo: Aunque su objetivo principal era capturar la luz y el color, la forma difusa y la atmósfera de muchos paisajistas impresionistas (como las series de Monet de nenúfares) tienen una cualidad etérea, casi vaporosa.
• Surrealismo: Aunque el surrealismo a menudo se inclina hacia lo perturbador o lo ilógico, artistas como Remedios Varo o Leonora Carrington crearon mundos donde la magia y la alquimia se fusionan con la realidad, presentando figuras delicadas y escenarios que poseen una innegable cualidad etérea y misteriosa.

En el arte contemporáneo, la cualidad etérea se manifiesta en diversas disciplinas. Desde la fotografía que manipula la luz y el desenfoque para crear imágenes de ensueño, hasta las pinturas abstractas que evocan sensaciones de espacio ilimitado o energía sutil. Artistas que exploran el subconsciente, la espiritualidad o la interacción entre la luz y el ambiente a menudo tocan esta fibra. Las instalaciones lumínicas o las obras que juegan con la transparencia y el reflejo también pueden generar una experiencia etérea.

El arte etéreo nos invita a una pausa, a la introspección. Nos recuerda que la belleza no siempre reside en la definición nítida, sino a menudo en la sugerencia, en el misterio que se esconde en el velo de lo inasible. Es un testimonio del poder del arte para transportarnos a otros reinos y conectar con las dimensiones más sutiles de nuestra existencia.

Fuentes de Información:

• Art by Avianne (Etherealism – Art By Avianne): https://www.artbyavianne.com/etherealism (Ofrece una definición personal del “Etherealism” como un estilo)
• Affordable Art Fair (Discover Ethereal Art for Halloween): https://affordableartfair.com/inspiration/discover-ethereal-art/ (Explora las características del arte etéreo y ejemplos contemporáneos).
• Where Wonder Waits (Ethereal Photography That Evokes a Sense of Wonder): https://wherewonderwaits.com/ethereal-photography/ (Se enfoca en la fotografía etérea, pero sus descripciones de las cualidades son aplicables al arte en general).
• Prized Writing, UC Davis (Ethereal Art: Simple Objects Arouse Awe and Fear in The Right Lighting): https://prizedwriting.ucdavis.edu/ethereal-art-simple-objects-arouse-awe-and-fear-right-lighting (Analiza el efecto etéreo en la fotografía y el arte en general).
• Jen Sievers (Where Does Art Come From? An Ethereal Voyage to the Origin of Art): https://jensievers.com/blogs/blog/where-does-art-come-from-an-ethereal-voyage-to-the-origin-of-art (Reflexiones de una artista sobre la fuente “etéreo” de la creatividad).
• My Modern Met: (Varias menciones de “pinturas etéreas” al describir a artistas contemporáneos como Dimitra Milan o Stanka Kordic).
• Saatchi Art & Bluethumb: (Plataformas que categorizan obras como “etéreo” en sus colecciones, mostrando la aplicación del término en el mercado de arte contemporáneo).