Mildred Thompson: Frecuencias

10 de mayo – 12 de octubre de 2025

Exposición especial / 2do piso

“Mildred Thompson: Frecuencias” es la exposición individual más completa en un museo hasta la fecha de la artista estadounidense Mildred Thompson. Reuniendo aproximadamente cincuenta obras de 1959 a 1999, la exposición examina la multifacética práctica de Thompson, que incluye pinturas, esculturas, grabados, dibujos, ensamblajes y composiciones musicales. A lo largo de su itinerante carrera, Thompson trabajó en diversos medios y disciplinas, inspirándose tanto en la investigación científica como en una búsqueda poética de la abstracción para explorar los límites de la percepción. Con frecuencia, presentando remolinos radiantes de color y gesto, sus diversas obras buscan visualizar escalas extremas, desde el cuerpo humano y los entornos construidos hasta las partículas microscópicas y la inmensidad del cosmos.

Si bien la abstracción es fundamental en su práctica, las primeras obras de Thompson también se relacionaron con la figuración y la arquitectura. Tras mudarse de Estados Unidos a Alemania a finales de la década de 1950, creó dibujos y grabados surrealistas y figurativos, a menudo representando figuras femeninas. A finales de la década de 1960 y principios de la de 1970, su enfoque se centró en entornos construidos, como se aprecia en su serie “Wood Pictures”, composiciones abstractas minimalistas realizadas con madera encontrada. Estas obras, con líneas intrincadas y que a veces incorporan bisagras o herrajes metálicos, evocan elementos arquitectónicos y fachadas. Las exploraciones de la artista sobre el espacio construido continúan en su serie “Window Paintings” (1977), una serie en la que espacios abstractos y de colores brillantes parecen estar enmarcados por ventanas. Tras regresar a Estados Unidos, Thompson se alejó de las formas observacionales hacia composiciones esquemáticas que conectan sus primeras obras figurativas con sus pinturas abstractas posteriores.

Partiendo de una amplia gama de influencias, Thompson buscó trascender las identidades prescritas y los roles de género en su práctica artística. Extendiéndose más allá de la pintura y la escultura, sus obras sobre papel de las décadas de 1970 y 1980 resaltan su enfoque inventivo para el grabado y el dibujo, desde intrincadas impresiones calcográficas de formas amorfas (serie “Muerte y orgasmo”, 1978) hasta expresivas acuarelas de constelaciones celestiales ( Pléyades III , 1988). Sus pinturas de la década de 1990 profundizan en las fuerzas invisibles de la física de partículas y la mecánica cuántica (“Teoría de cuerdas”, 1999) y los campos magnéticos ( Campos magnéticos , 1991). En su serie “Exploraciones de radiación” (1994), tradujo la radiación y la luz ultravioleta en colores luminosos y pinceladas gestuales.

Más adelante en su carrera, Thompson se centró en las cosmologías y los fenómenos astrológicos. Por primera vez en más de tres décadas, una selección significativa de su “Serie Heliocéntrica” ​​(c. 1990-94) se exhibirá en esta exposición. Estas pinturas se presentan junto con sus pinturas más grandes, la serie “Música de las Esferas” (1996). Representando a Mercurio, Venus, Júpiter y Marte, cada una de las cuatro pinturas está acompañada por una composición original de música electrónica de Thompson. Las pistas, tituladas colectivamente Cosmos Calling , evocan bandas sonoras de ciencia ficción y música afrofuturista. Thompson las describió como “un viaje a través del paisaje sonoro del espacio inspirado en las grabaciones de la Voyager de la NASA”.

Mildred Thompson (n. 1936, Jacksonville, Florida; f. 2003, Atlanta) estudió en la Escuela de Pintura Skowhegan, la Universidad Howard, la Escuela del Museo de Brooklyn y la Universidad de Bellas Artes de Hamburgo (Hochschule für Bildende Künste). Su obra ha sido objeto de exposiciones individuales en instituciones como el Museo de Bellas Artes del Spelman College, Atlanta (2019); el Museo de Arte de Nueva Orleans (2018); el Museo de Arte SCAD, Atlanta (2016); el Museo Leopold Hoesch, Dueren, Alemania (2009); el Museo de Arte Contemporáneo de Jacksonville (1997); la Galería de Arte James A. Porter, la Universidad Howard, Washington, D. C. (1975); la Universidad de Harvard, Cambridge (1975); y la Neue Galerie – Sammlung Ludwig, Aachen (1973), entre muchas otras. La obra de Thompson se conserva en las colecciones del Museo de Brooklyn, Nueva York; la Universidad Howard, Washington, D. C.; el Museo de Arte Moderno, Nueva York; Museo Nacional de Mujeres en las Artes, Washington, D.C.; Glenstone, Potomac, Maryland; Museo de Arte de Harvard, Cambridge, Massachusetts; Museo de Bellas Artes de Virginia, Richmond; y el Centro Pompidou, París, entre muchas otras instituciones. Además de su práctica artística, Thompson ejerció como docente y fue editora asociada de Art Papers de 1989 a 1997.

“Mildred Thompson: Frecuencias” está organizada por el Instituto de Arte Contemporáneo de Miami y curada por Stephanie Seidel, curadora de Mónica y Blake Grossman.

Apoyo

El principal apoyo proviene de Kathy y Steve Guttman y el Fondo Familiar Nicoll.
También cuentan con apoyo de Galerie Lelong & Co., Agnes Gund, Romero Pimenta y Denise Vohra.
Las exposiciones en el Instituto de Arte Contemporáneo de Miami cuentan con el apoyo de la Fundación Knight.

Perez Art Museum PAMM

Olga de Amaral

Exposición especial / 3er piso

1 de mayo – 12 de octubre de 2025

El ICA Miami, en colaboración con la Fundación Cartier para el Arte Contemporáneo , presenta una gran retrospectiva de la obra de la artista colombiana Olga de Amaral, que reúne más de 50 obras de seis décadas, incluyendo ejemplos recientes e históricos, algunos de los cuales nunca se han presentado fuera de su país natal. La presentación en el ICA Miami se produce tras un gran éxito en París, en la Fundación Cartier. 

Revela la amplitud y complejidad de la práctica de Amaral, destacando períodos cruciales en el desarrollo de su carrera a medida que pasaba de exploraciones coloridas de la cuadrícula a experimentos con la materialidad y la escala.

Las esculturas e instalaciones de Amaral traspasan los límites del arte textil, combinando a menudo el tejido, el anudado y el trenzado para crear impactantes formas abstractas tridimensionales. Sus primeras exploraciones, de la década de 1960, se inspiran frecuentemente en la naturaleza y presentan técnicas de tejido poco convencionales. Durante la década de 1970, Amaral creó un conjunto de obras murales monumentales; la superposición de capas de lana y crin le permitió trabajar a gran escala, evocando muros de ladrillo, hojas y capas geológicas. Sus investigaciones también la llevaron a experimentar con pintura, lino, algodón, yeso, pan de oro y paladio.

Al complicar las narrativas del modernismo y la artesanía, el singular lenguaje escultórico de Amaral se nutre del modernismo Bauhaus y el constructivismo, junto con el arte precolombino y las tradiciones textiles indígenas. La exposición incluye las “Estelas” (1996-2018) del artista, vibrantes obras en pan de oro que refractan y absorben la luz, evocando la orfebrería precolombina, evocando esculturas funerarias de yacimientos arqueológicos prehispánicos. Obras de la serie más reciente de Amaral, las “Brumas” (2013-2018), con su aspecto de nube, cuelgan del techo. “Brumas” impregna el modernismo geométrico con la rica historia y la variedad del paisaje.

Olga de Amaral (n. 1932 en Bogotá) estudió arquitectura en el Colegio Mayor de Cundinamarca en Colombia y diseño textil en la Academia de Arte Cranbrook en Michigan. Exposiciones individuales recientes sobre la artista se han realizado en la Fondation Cartier pour l’art contemporain, París (2024-2025); Currier Museum of Art, Manchester, NH (2024); el Cranbrook Art Museum, Michigan (2021-2022); el Museum of Fine Arts, Houston (2021); y el Museo de Arte Moderno, Bogotá (2017). El trabajo de Amaral ha sido incluido en numerosas exposiciones colectivas a nivel internacional, más recientemente en “Stranieri Ovunque – Foreigners Everywhere”, La Biennale di Venezia, 60.a Exposición Internacional de Arte, Venecia, Italia; “Weaving Abstraction in Ancient and Modern Art”, Metropolitan Museum of Art, Nueva York; “Subversiva, Habilidosa, Sublime: Arte Textil de Mujeres”, Museo Smithsonian de Arte Americano, Washington D. C., EE. UU. (todos 2024); “Historias del Tejido: Textiles y Abstracción Moderna”, LACMA, Los Ángeles (2023), Galería Nacional de Arte, Washington D. C. (2024), Galería Nacional de Canadá, Ottawa (2024), MoMA, Nueva York (2025), entre muchos otros. Su obra se encuentra en importantes colecciones públicas y privadas de todo el mundo, como la Tate Modern de Londres; el Museo de Arte Moderno de Nueva York; la Fundación Cartier para el Arte Contemporáneo de París; el Museo de Arte Moderno de la Ciudad de París; y el Instituto de Arte de Chicago. 

El diseño de la exposición en París y Miami ha sido obra de la galardonada arquitecta Lina Ghotmeh, fundadora del estudio internacional Lina Ghotmeh – Architecture, con sede en París. Ghotmeh ha concebido un bosque vertical donde las obras parecen crecer orgánicamente dentro de la galería, una referencia directa a las fuentes de inspiración de Amaral. Ghotmeh ganó recientemente el concurso para dirigir el rediseño de las galerías Western Range del Museo Británico.

Olga de Amaral fue creada por la Fondation Cartier pour l’art contemporain con la curadora Marie Perennès y está co-presentando la exposición en el Instituto de Arte Contemporáneo de Miami junto a Stephanie Seidel, curadora de Monica y Blake Grossman, ICA Miami.

La Cometa Gallery de Miami y la Lisson Gallery de Nueva York brindan apoyo adicional. Las exposiciones en el Instituto de Arte Contemporáneo de Miami cuentan con el apoyo de la Fundación Knight.

Socio cultural

La Fondation Cartier pour l’art contemporain, creada en 1984 por la Maison Cartier, es una institución cultural privada cuya misión es revelar artistas de todas las geografías culturales y promover todos los campos de la creación artística contemporánea al público internacional a través de un programa de exposiciones temporales, presentaciones en vivo y conversaciones.

El singular programa artístico de la Fundación Cartier explora una amplia gama de campos creativos, desde las artes visuales y escénicas hasta la arquitectura, el cine, el diseño, la moda, la filosofía y las ciencias. Durante cuatro décadas, la Fundación Cartier ha contribuido decisivamente a revelar el talento de algunos de los artistas contemporáneos más destacados y ha consolidado sus espacios museísticos como una plataforma donde artistas y científicos pueden reunirse y crear proyectos que abordan los principales problemas del mundo actual. Como parte de su constante observación de la relación entre los seres humanos y la naturaleza, la Fundación Cartier viaja por el mundo, colaborando con importantes instituciones artísticas y conectando con nuevos públicos para descubrir las obras de artistas contemporáneos y explorar sus perspectivas.

A finales de 2025, la Fundación Cartier inaugurará un nuevo espacio expositivo en la Place du Palais-Royal de París. Este nuevo edificio, diseñado por el reconocido arquitecto Jean Nouvel, marca un nuevo capítulo en la historia de la Fundación Cartier, que se posiciona como un actor clave en el desarrollo urbano y cultural de París, así como en el panorama artístico contemporáneo mundial.

Perez Art Museum PAMM