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El cantautor argentino Ramiro Quinteros presenta una canción dedicada a los inmigrantes

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Ramiro Quinteros
Ramiro Quinteros

El cantautor argentino Ramiro Quinteros presenta una canción dedicada a los inmigrantes

  El tema se llama “Adiós, amigos, adiós” y se encuentra disponible en las plataformas digitales. Quinteros es guitarrista, cantante, compositor y productor. Reside en Miami, pero ha hecho el grueso de su carrera en Argentina, donde llegó a grabar dos discos (“Actitud” y “Karma y milagros”). 

Ramiro Quinteros

  Empezó en el mundo de la música en la adolescencia y siempre estuvo cercano al rock and roll puro, pero en años recientes ha explorado algo del pop y otros géneros. Ha realizado presentaciones en Colombia y otros países latinoamericanos y ha podido compartir escenario con figuras como Julieta Venegas y Robi Draco. 

  Quinteros es un artista nato, por lo cual no sorprenderá saber que ha realizado varias incursiones en la actuación, aún de bajo perfil. Fue actor en la novela “Betty en Nueva York”, de Telemundo, por ejemplo. Protagonizó la campaña publicitaria de Sailor Jerry Rum.

  También participó en un videoclip de la reguetonera colombiana Tueska y uno de los raperos Lil Baby and Da Baby. “El arte me corre por las venas y todo lo que implique llegar al público y mostrarle mi esencia lo voy a realizar”, asegura. Quinteros no para y para lo que queda del 2020 tiene planificado continuar con la promoción de “Adiós, amigos, adiós”.

Arte Concreto, Van Doesburg en Latinoamérica

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arte concreto
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Van Doesburg en Latinoamérica, Arte Concreto

El Moderna Museet revisa el desarrollo del arte concreto en América del Sur entre los treinta y los setenta

 

Lygia Pape, Pintura, 1954–1956 © Projeto Lygia Pape. Courtesy Projeto Lygia Pape and Hauser & Wirth
Lygia Pape. Pintura, 1954–1956. © Projeto Lygia Pape. Cortesía de Projeto Lygia Pape y Hauser & Wirth

Montevideo, Caracas, Buenos Aires, Río de Janeiro o São Paulo, ciudades que experimentaban, a mediados del siglo pasado, un crecimiento rápido, fueron el escenario, en esa misma etapa, de indagaciones artísticas igualmente vigorosas a cargo de artistas que exploraban las fronteras del arte concreto, al que había puesto nombre Theo van Doesburg en 1930 en un manifiesto así llamado. El de Utrecht fallecería al año siguiente, pero su legado lo retomaron, en Europa, Jean Arp o Max Bill, y en Latinoamérica un buen número de artistas fundamentales de la región que mantuvieron viva su defensa de que la creación no había de servir para simular realidades virtuales o ilusorias. La máxima de los impulsores del arte concreto era: Materiales reales, espacio real.

A mediados de la década de los cuarenta, cuando Europa empezaba a salir del infierno, autores argentinos comenzaron a reinterpretar y desarrollar aquel arte concreto que Van Doesburg había iniciado en París. Rechazaron la figuración, argumentando que tendía a amortiguar la energía cognitiva del hombre y a distraerlo de sus propios poderes, y dejaron de buscar la sugestión de espacios tridimensionales en las superficies bidimensionales de los lienzos. Consideraban que todos debíamos rodearnos de objetos reales, no de ilusiones, y entendieron como la gran bondad del arte concreto el acostumbrar al individuo a relacionarse directamente con las cosas, y no con ficciones generadas a partir de ellas. Aspiraban a crear una realidad autónoma usando formas geométricas planas universales y defendían que la pintura no debería simbolizar o significar nada más allá de sí misma y que nada es más concreto o real que las líneas, los colores y las superficies.

Rechazaron la figuración, argumentando que tendía a amortiguar la energía cognitiva del hombre, y a distraerlo de sus propios poderes

A aquellos artistas argentinos que cultivaron esta corriente desde cierta proximidad cronológica con Van Doesburg, les sucedieron artistas brasileños, uruguayos y venezolanos. Especial atención merecen los primeros: a mediados de los cincuenta, Lygia Clark, Lygia Pape y Helió Oiticica desafiaron, en profundidad, el concepto de la obra de arte como un objeto estático y sus incursiones en el arte concreto fueron el punto de partida para el desarrollo de producciones mucho más complejas.

Las similitudes visuales entre los trabajos de unos y otros artistas latinoamericanos vinculados a este movimiento son evidentes, pero también lo son, muchas veces, las contradicciones respecto a sus intenciones originarias. En torno al tronco común del arte concreto se generaron numerosas facciones creativas con trayectorias más o menos largas y fecundas durante cuatro décadas y esos grupos también manifestaron sus ideas, ocasionalmente utópicas, en textos y manifiestos propios que distribuían como panfletos o que publicaban en prensa o en las revistas que ellos mismos editaban.

El Moderna Museet de Estocolmo ha querido revisar unas y otras corrientes a partir de una extensa selección de obras fechadas entre los treinta y los setenta; muchas pertenecientes a la colección de Patricia Phelps de Cisneros. Hay que recordar que parte de sus fondos conformarán próximamente un museo propio en Tabacalera y que recientemente ha donado un buen número de piezas al Museo Reina Sofía, el MoMA, el Museo de Arte de Lima, el de Arte Moderno de Buenos Aires, el Blanton Museum of Art de Texas y el Bronx Museum of the Arts de Nueva York, con el objetivo de favorecer la investigación y difusión del arte latinoamericano.

Junto a los creadores latinoamericanos (Geraldo de Barros, Aluísio Carvão, Willys de Castro, Lygia Clark, Waldemar Cordeiro, Cruz-Díez, Judith Lauand, Raúl Lozza, Tomás Maldonado, Juan Melé, Juan Alberto Molenberg, Hélio Oiticica, Alejandro Otero, Lygia Pape, Rhod Rothfuss, Luiz Sacilotto, Iván Serpa, Jesús Rafael Soto, Torres-García o Rubem Valentim), también están representados en la muestra artistas europeos, de carrera o de origen, como Mira Schendel, Max Bill, Gyula Kosice, Gego o Anatol Wladyslaw.

Lygia Clark, Radar – Pq, 1960/1984 © Lygia Clark
Lygia Clark. Radar – Pq, 1960-1984 © Lygia Clark

Unos y otros trabajaron sumidos en una era postbélica de optimismo y cambio social, de crecimiento económico, pero también de autoritarismo político. Era habitual que poetas, músicos, arquitectos y artistas trabajasen unidos en proyectos interdisciplinares y que se inspiraran entre sí, y algunos de los manifiestos a los que nos hemos referido nacieron precisamente de esas interacciones creativas –en Estocolmo se exhiben varios de ellos–. Ciertos creadores trabajaban desde un enfoque político más evidente y crudo que otros, pero todos compartían confianza en el potencial del arte no figurativo a la hora de dar forma, valga la paradoja, a la sociedad moderna.

Más allá de las colaboraciones, hubo también entre ellos influencias en la distancia: el suizo Max Bill, que organizó la primera exposición de arte concreto en Basilea, en 1944, dejó una huella fundamental en el desarrollo del movimiento en América a partir de sus contactos con los argentinos Tomás Maldonado y Juan Melé. Además, en São Paulo pudo verse, en 1951, una retrospectiva suya que sería decisiva en la escena brasileña.

El uruguayo Torres-García, quien entabló amistad con Van Doesburg en París, sí incorporó símbolos a su obra. Ya sabéis que, tras casi cuatro décadas recorriendo Europa y Estados Unidos, regresó a su país natal en 1934 y, al año siguiente, publicó La escuela del sur, un texto en el que enfatizaba que el arte de las naciones que habían entrado rápidamente en la modernidad debía estar lleno de contenido y mantener un enlace continuo con lo popular. Animó a sus colegas a conocer el contexto global sin olvidar el local, y él mismo conjugó el constructivismo europeo con trazos precolombinos. Su compatriota Rhod Rothfuss se trasladó a Buenos Aires en 1942, donde tuvo una considerable influencia en el desarrollo del arte concreto.

En esos inicios de los cuarenta Argentina descubrió las bondades de esta corriente, en parte gracias a Maldonado y Kosice. Rothfuss escribiría en la revista Arturo que, aunque la abstracción había liberado al arte de representar la realidad desde postulados realistas, sí se adhirió a la idea de que la pintura podía ser la ventana ilusoria de acceso a otros mundos. Por eso, si los pintores abstractos manejaron sobre todo formatos rectangulares, las formas irregulares por las que apostaron los concretos fueron otra vía más para la ruptura.

Gego, Esfera (Sphere), 1976 © Fundación Gego
Gego. Esfera (Sphere), 1976 © Fundación Gego

En Venezuela, después de que la Junta Militar tomara en 1948 el poder, muchos artistas, Jesús Rafael Soto entre ellos, partieron hacia París, donde se unieron al colectivo Los Disidentes, que años antes había creado Alejandro Otero.

A diferencia de muchos de sus contemporáneos, Soto no estaba interesado en el movimiento mecánico y sus posibilidades plásticas, sino en el dinamismo humano y ocular. Sus trabajos cambian de apariencia a medida que el espectador se desplaza en torno a ellos. Cruz-Diez también ahondaría en las interacciones entre arte y espectador, a través del color y de proyectos interactivos en los que el público podía alterar la posición de sus elementos.

Por su parte, Gego, que había llegado a Venezuela en 1939 escapando del nazismo, comenzó a utilizar en los sesenta alambre, papel y hierro para crear dibujos tridimensionales. Sus instalaciones de cables crean también nuevos nexos entre líneas, formas y espacios.

Juscelino Kubitschek quiso condensar en Brasil medio siglo de desarrollo en cinco años y Brasilia y Niemeyer fueron, en los sesenta, emblema de esa transformación social radical. Sin embargo, los principales núcleos artísticos del país continuaron siendo São Paulo y Río de Janeiro. En el Museo de Arte de São Paulo, inaugurado en 1947, se expuso a Alexander Calder, Le Corbusier y Max Bill. Cuando el Grupo Ruptura se lanzó en São Paulo en 1952, sus miembros, incluidos Waldemar Cordeiro, Geraldo de Barros, Luíz Sacilotto, Judith Lauand y Anatol Władysław, se dejaron influir decisivamente, de nuevo, por Bill. Rechazaron el naturalismo en pos de un enfoque analítico y teórico del arte, y la lógica y las matemáticas fueron sus herramientas para comprender y representar la realidad objetiva. Las superficies lisas de materiales industriales enfatizaban que la obra de arte era independiente del artista.

1954 fue el año del lanzamiento del Grupo Frente, cuyo gran impulsor fue Iván Serpa, quien propuso un uso más experimental y exploratorio del arte concreto. A este colectivo se ligaron Lygya Clark, Lygia Pape, Aluísio Carvão y Oiticica, y el crítico Mário Pedrosa, amigo personal de muchos de ellos a quien el Reina Sofía dedicó una reciente exposición, teorizó sobre sus creencias en el poder revolucionario y regenerador del arte. Subrayó que este debería enseñar a las personas a “ejercitar plenamente sus sentidos y moldear sus propias emociones”.

A finales de los cincuenta, algunos miembros de Frente se propusieron alcanzar la fusión de arte y vida. Sus ideas se plasmaron en el Manifiesto Neoconcreto de 1959 escrito por Ferreira Gullar y firmado por, entre otros, Clark, Pape, Oiticica y Franz Weissmann. Estos artistas se opusieron a la creciente interpretación racionalista del arte concreto, afirmando que a la teoría se le daba demasiada importancia y el arte se confundía con la ciencia. Fuertemente influenciados por la fenomenología del filósofo Maurice Merleau-Ponty, abogaron por que todos los sentidos, y no solo la vista, fueran necesarios para experimentar la creación. Sus pinturas y esculturas se trasladaron entonces de las paredes y plintos a los suelos y se animó a los espectadores a tocarlas y transformarlas. En algún caso desarrollaron proyectos en el espacio público, convirtiendo a los viandantes en parte del proceso. El ejemplo más claro es el de Hélio Oiticica, que colaboró ​​con una escuela de samba en una favela en Río; sus parangolés son “mantos” que la gente puede usar para bailar y vivir.

El arte concreto también llegó a Suecia. Otto G. Carlsund fue uno de los miembros del grupo fundado por Van Doesburg en París y, en buena medida gracias a él, obras de aquel y de Mondrian formaron parte de la Stockholm Exhibition de 1930. Sin embargo, en este país la corriente no se desarrolló de forma pura, sino con tintes figurativos o abstractos (Lennart Rodhe, Olle Bonniér). Quizá quien se mantuvo más fiel a las esencias fue Olle Bærtling, que en 1959 participó en la Bienal de São Paulo. Algunos trabajos de todos ellos, procedentes de los propios fondos del Moderna Museet, forman parte de la exposición.

Si Estocolmo nos queda lejos, siempre podemos acercarnos a la Fundación Banco Santander. El arte concreto brasileño tiene una presencia importante en la exposición que esta institución dedica a la colección Montenegro.

Alejandro Otero, Estudio 2 (Study 2), 1952 © Alejandro Otero-Mercedes Pardo Foundation
Alejandro Otero. Estudio 2 (Study 2), 1952 © Alejandro Otero-Mercedes Pardo Foundation

Inventionist Manifesto: Argentina’s Radical Rejection of Representation

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Asociación Arte Concreto-Invención Manifesto
Asociación Arte Concreto-Invención Manifesto

Inventionist Manifesto: Argentina’s Radical Rejection of Representation

 Manifiesto Invencionista Exposición de la Asociación Arte Concreto-Invención, Buenos Aires, March 1946 Asociación Arte Concreto-Invención

In March 1946, at an exhibition in Buenos Aires, a group of young Argentine artists issued one of Latin America’s most radical artistic declarations: the Manifesto Invencionista. Published by the Asociación Arte Concreto-Invención (Concrete Art-Invention Association), this document rejected not only representational art but also the very notion of abstraction, proposing instead an art of pure invention—objects constructed from concrete materials that represented nothing but themselves.

This manifesto emerged in a specific historical moment: postwar Buenos Aires, a cosmopolitan city engaged with international modernism yet seeking its own distinct voice. While European Constructivism and Concrete Art provided inspiration, the Invencionistas pushed these ideas further, creating a uniquely Argentine avant-garde that would influence Latin American art for decades.

Historical Context: Buenos Aires 1946

A City in Transformation

Buenos Aires in the mid-1940s was a city of contradictions. Argentina had remained neutral through most of World War II, becoming an economic beneficiary while Europe destroyed itself. The city absorbed European refugees—artists, intellectuals, architects—fleeing fascism, bringing avant-garde ideas to the Southern Hemisphere. Simultaneously, Juan Perón’s rise to power was transforming Argentine politics, polarizing society between populist nationalism and cosmopolitan modernism.

In this charged atmosphere, young Argentine artists grappled with fundamental questions:

  • How could they be modern without merely imitating Europe?
  • What role should art play in a society undergoing radical political transformation?
  • Could geometric abstraction—which seemed universal—actually express something specifically Argentine?

The Buenos Aires Avant-Garde

Several groups competed for leadership of Argentine modernism:

Grupo Artistas Modernos de la Argentina (1952, but precursors earlier): Promoted geometric abstraction and constructive art

Asociación Arte Concreto-Invención (founded 1945): The most radical, rejecting even the term “abstract” in favor of “concrete invention”

Movimiento de Arte Concreto (founded 1945): Rival group, also committed to concrete art but with different emphases

This competitive environment produced manifestos, exhibitions, and intense theoretical debates about what art should be and do in postwar Argentina.

The Manifesto Invencionista: Core Principles

The Manifesto Invencionista, though brief, made several revolutionary declarations:

1. Against Representation

The manifesto declared: “We repudiate the existence of any kind of imitation of natural reality… The representative work of art has no place in contemporary aesthetic.”

This wasn’t new—European artists had rejected representation decades earlier. But the Invencionistas went further, rejecting even the concept of “abstraction.”

Their reasoning: “Abstraction” implies starting with something (a landscape, a figure, an emotion) and abstracting from it. This maintains representation’s logic—just several steps removed. True modernity required eliminating this chain entirely.

2. Invention, Not Abstraction

Core concept: Art should be invention—the creation of new objects that never existed before and don’t derive from pre-existing forms.

A painting wasn’t an abstraction from reality; it was a new reality—a concrete object made of paint, canvas, wood, existing in actual space alongside tables, chairs, and other manufactured things. It represented nothing. It simply was.

Key distinction:

  • Abstract art: Reduces, simplifies, or eliminates recognizable forms (but retains referential relationship to world)
  • Concrete/Inventive art: Creates entirely new forms with no referential relationship to anything outside themselves

3. Material Concreteness

The manifesto emphasized: Art objects should be understood as concrete materials arranged according to the artist’s will, not as windows onto other realities (representational) or expressions of inner states (expressionist).

This aligned with European Concrete Art (Max Bill, Theo van Doesburg’s late work) but was pushed to more radical conclusions:

  • Paintings could be non-rectangular shapes (irregular frames)
  • Canvases could be cut, perforated, three-dimensional
  • Materials could include wood, metal, plastic—anything constructible
  • Works could move, hang, stand, or interact with architecture

The goal was eliminating any trace of illusion—no pictorial space, no depth, no atmosphere. Only actual materials in actual space.

4. The Shaped Canvas

One of Arte Concreto-Invención’s most distinctive contributions was the marco recortado (cut frame or shaped canvas)—paintings on irregular, non-rectangular supports.

Reasoning: The rectangular frame is a window—a convention inherited from Renaissance perspective that implies looking through the canvas into illusionistic space. An irregularly shaped canvas asserts itself as object, not window. It exists in the viewer’s space, not pointing to imaginary space behind its surface.

Artists created:

  • Paintings on triangular, trapezoidal, or freely curved supports
  • Canvases with holes or cutouts
  • Multi-panel works with gaps between elements
  • Three-dimensional relief constructions

5. Function and Integration

Like Constructivists and Bauhaus artists, the Invencionistas believed art should integrate with life, not remain isolated in museums. They proposed:

  • Architectural integration—works designed for specific spaces
  • Functional objects that were also art
  • Collaboration with architects and designers
  • Rejection of “art for art’s sake” in favor of art serving social function

This aligned with leftist politics many members held—art should serve society, not aristocratic collectors.

Key Artists of Arte Concreto-Invención

Tomás Maldonado (1922-2018)

Theoretical leader of the group, Maldonado wrote extensively about Concrete Art’s philosophical foundations. His works featured:

  • Geometric compositions of extreme rigor
  • Mathematical relationships between elements
  • Shaped canvases exploring frame as object
  • Later career at Ulm School of Design in Germany, influencing international design theory

Maldonado’s importance transcended his paintings—his theoretical writings gave Arte Concreto-Invención intellectual weight, positioning it within international modernist discourse.

Gyula Kosice (1924-2016)

Perhaps the group’s most inventive artist, Hungarian-born Kosice (Ferdinandy Fallik) created:

Hydrospatial sculptures: Works incorporating water as structural element—not representing water but using actual water in motion. These anticipated kinetic art and anticipated environmental concerns.

Shaped paintings: Irregular canvases exploring the frame’s role in creating pictorial space

Theoretical writings: Contributed to manifestos and journals, articulating Concrete-Invention principles

“Röyi” (1944): Considered one of first artworks incorporating water as integral element—a transparent structure with water circulating through tubes, lit from within.

Kosice later proposed “Ciudad Hidroespacial” (Hydrospatial City)—a utopian vision of floating cities in space, showing Concrete-Invention’s connection to utopian futures.

Rhod Rothfuss (1920-1969)

Uruguayan artist Rothfuss was crucial in developing the shaped canvas concept. His theoretical essay “The Frame: A Problem of Contemporary Art” (1946) argued:

  • Traditional rectangular frame creates illusionistic space
  • Irregular frame destroys this illusion
  • Art object becomes thing in real space, not window into imaginary space

His works featured bold geometric shapes on irregular supports, demonstrating theory in practice.

Enio Iommi (1926-2013)

Iommi worked primarily in sculpture, creating:

  • Geometric steel constructions
  • Works exploring mathematical relationships
  • Pieces integrating with architectural space
  • Mobile sculptures responding to movement and light

His sculptures embodied Concrete-Invention principles in three dimensions—not representing anything, but existing as concrete arrangements of materials in space.

Lidy Prati (1921-2008)

One of few women prominently involved, Prati created:

  • Geometric compositions of great clarity
  • Works exploring color relationships
  • Contributions to theoretical discussions
  • Later career in graphic and industrial design

Her inclusion reminds us that these movements, despite male-dominated narratives, included significant female artists whose contributions are being increasingly recognized.

The Shaped Canvas: Revolutionary Form

The marco recortado (shaped canvas) deserves special attention as Arte Concreto-Invención’s most distinctive innovation.

Breaking the Rectangle

For centuries, paintings had been rectangular (with occasional circular or oval exceptions). This format seemed natural, neutral, given. Arte Concreto-Invención recognized it was neither.

What the rectangle does:

  • Creates window-like frame separating art from world
  • Establishes edges that feel like boundaries of represented space
  • Provides stable, predictable format viewers unconsciously interpret as frame around illusion

What irregular shapes do:

  • Destroy window metaphor—obviously objects, not portals
  • Eliminate stable relationship between edge and interior composition
  • Force viewer to see work as thing in their space, not separate illusory realm
  • Make frame part of composition, not neutral boundary

Examples and Variations

Artists created extraordinary variety:

Simple geometric shapes: Triangles, trapezoids, parallelograms—geometric but non-rectangular

Organic curves: Freely drawn edges creating biomorphic forms

Cutouts and holes: Canvases with interior voids, creating positive and negative space simultaneously

Multi-part compositions: Several shaped canvases hung together with gaps between, making wall itself part of composition

Three-dimensional reliefs: Shapes projecting from wall, existing partly in painting space, partly in sculpture space

These experiments questioned fundamental assumptions about what paintings could be.

Theoretical Foundations: Philosophy of Invention

The Manifesto Invencionista rested on philosophical principles worth examining:

Against Mimesis

Since Plato, Western aesthetics often assumed art’s purpose was representing reality—either imitating appearances (Plato’s “copies of copies”) or revealing deeper truths beneath surfaces. Arte Concreto-Invención rejected this entire tradition.

Their position: Art doesn’t represent, express, or reveal. It invents—creates new objects with no prior existence. A painting is as real as a table, existing in the same ontological category as other manufactured things.

Materialist Aesthetics

Like Russian Constructivists, the Invencionistas embraced materialist philosophy:

  • Art is material arranged in space
  • Materials have properties (color, texture, weight, reflectivity) that can be organized
  • Organization follows principles (mathematical, visual, structural) but doesn’t symbolize or represent
  • Meaning emerges from relationships between concrete elements, not reference to absent things

This aligned with Marxist materialism many members espoused—reality is material, not ideal; thought emerges from matter, not vice versa.

Mathematical Relationships

Many Concrete-Invention works employed mathematical principles:

  • Geometric progressions
  • Proportional systems (golden section, Fibonacci sequences)
  • Symmetries and asymmetries
  • Modular structures

These weren’t decorative choices but philosophical statements: mathematical relationships are objective, universal, concrete—exactly what Concrete Art aspired to embody.

The Social Function

Despite formal rigor, Arte Concreto-Invención maintained political dimension:

Art should:

  • Be accessible—geometric forms are universal, requiring no specialized cultural knowledge
  • Serve society—integrate with architecture, design, daily life
  • Point toward future—embody rationality, progress, scientific thinking
  • Reject bourgeois individualism—work collectively, subordinate personal expression to objective principles

This utopianism connected them to European Constructivism and to leftist politics of 1940s Argentina.

Conflicts and Divisions

The Buenos Aires Concrete Art scene was fractious, with competing groups and personalities:

Arte Concreto-Invención vs. Madí

In 1946, some members split to form Grupo Madí (the name’s etymology is disputed—possibly from “Madrid” + “París,” possibly from “materialismo dialéctico,” possibly meaningless).

Differences:

  • Madí was more playful, incorporating humor and chance
  • Madí emphasized mobility—works that moved, changed, could be rearranged
  • Madí was less rigid theoretically, more open to experiment
  • Personal conflicts between leaders (Arden Quin led Madí, Maldonado led Arte Concreto-Invención)

Similarities:

  • Both rejected representation
  • Both used shaped canvases
  • Both sought integration of art and life
  • Both operated in overlapping social circles

International Connections and Isolation

Arte Concreto-Invención positioned itself within international Concrete Art movement, corresponding with:

  • Max Bill (Swiss Concrete artist and theorist)
  • European Concrete artists
  • International constructivist journals

Yet geographic isolation limited their impact outside Latin America initially. Only decades later would international art history fully recognize their contributions.

Legacy and Influence

Immediate Impact (1940s-1950s)

  • Influenced younger Argentine artists toward geometric abstraction
  • Provided theoretical foundation for Latin American Concrete Art
  • Connected Argentine avant-garde to international modernism
  • Challenged Buenos Aires art establishment

Long-term Influence

In Latin America:

  • Brazil: Influenced Concrete Art movement (Grupo Ruptura, 1952) and Neo-Concrete movement (1959)
  • Venezuela: Informed geometric abstraction of Jesús Soto, Carlos Cruz-Diez, Alejandro Otero
  • Uruguay: Influenced Constructive Universalism of Joaquín Torres-García followers

Internationally:

  • Anticipated Minimalism’s emphasis on actual objects rather than representations
  • Influenced installation art’s integration with architectural space
  • Contributed to expanded definition of painting beyond rectangle
  • Shaped canvas became recurring strategy in contemporary art

Recovered History

For decades, Arte Concreto-Invención remained relatively obscure outside Argentina. Recent scholarship has:

  • Positioned them as crucial link between European Constructivism and Latin American modernism
  • Recognized their theoretical sophistication
  • Acknowledged shaped canvas as significant innovation
  • Integrated their work into global modernist narrative

Major exhibitions (Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Madrid, 2017; Museum of Modern Art, New York exhibitions) have introduced their work to international audiences.

Conclusion: Invention as Radical Act

The Manifesto Invencionista proposed something radical even within avant-garde contexts: that art should abandon not only representation but abstraction itself in favor of pure invention—the creation of concrete objects that represented nothing, expressed nothing, symbolized nothing, but simply existed as new realities constructed by human will and intelligence.

In 1946 Buenos Aires, as Europe reconstructed itself after war’s devastation and Argentina navigated between populism and cosmopolitanism, these artists asserted that art could build futures rather than represent pasts. Their shaped canvases, their geometric rigor, their theoretical manifestos all insisted that geometry wasn’t escape from politics but engagement with it—that rational, objective, universal visual languages could help construct more just societies.

Whether that utopian vision succeeded is debatable. What’s undeniable is that Arte Concreto-Invención expanded what art could be and do, creating works of austere beauty that remain challenging, rigorous, and surprisingly contemporary. Their insistence that “nothing is more concrete than a line, a color, a surface”—echoing van Doesburg across continents—continues resonating wherever artists question representation, embrace materials’ concreteness, and understand making as inventing rather than imitating.

The Manifesto Invencionista stands as testament to a moment when young artists in Buenos Aires believed geometry could change the world, when shaped canvases were revolutionary acts, and when invention—pure, material, concrete—seemed not just aesthetic strategy but political necessity.

CONCRETE ART

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CONCRETE ART
CONCRETE ART

Concrete art is abstract art that is entirely free of any basis in observed reality and that has no symbolic meaning.

The term was introduced by artist Theo van Doesburg in his 1930 Manifesto of Concrete Art. The manifesto was published in the first and only issue of the magazine Art Concret. He stated that there was nothing more concrete or more real than a line, a colour, or a plane (a flat area of colour).

The Swiss artist Max Bill later became the flag bearer for concrete art organising the first international exhibition in Basle in 1944. He stated that the aim of concrete art is to create ‘in a visible and tangible form things which did not previously exist – to represent abstract thoughts in a sensuous and tangible form’.

Los mejores perfumes para los padres, según Jessica Ezenzia 

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JESSICA FONSECA EZENZIA FOTO BY RAMON DAVILA
JESSICA FONSECA EZENZIA FOTO BY RAMON DAVILA

Los mejores perfumes para los padres, según Jessica Ezenzia 

La vocera e imagen de la perfumería Ezenzia, Jessica Fonseca, también conocida como Jessica Ezenzia, es una persona autorizada para hablar sobre fragancias. Como estamos cerca del Día del Padre, que tendrá lugar el domingo 15 de junio, la ex modelo venezolana nos comentó sobre  los perfumes más recomendables para regalar a los varones de la casa. “Estamos en época de calor, así que busquemos fragancias que vayan con la persona en su día a día, que sean fáciles de vestir y los hagan sentir identificados”, afirma, para comenzar. “En esta época vienen bien los perfumes que nos hagan sentir como recién salidos de la ducha”, explica. Su lista de consejos favoritos para los padres arranca con aromas frutales como los de coco, piña o mango, que tienen “notas divertidas, fáciles de transportarlo a uno mentalmente a la orilla de una playa para disfrutar del relax veraniego”. Jessica también sugiere regalar a los padres perfumes florales de lavanda o jazmín. También destaca los perfumes de notas cítricas (con manzana verde, limón, lima, pomelo, o el té verde). Y señaló los perfumes con notas acuáticas, limpias y jabonosas. “Esos son perfectos para ir al gimnasio o el trabajo”, sostiene. Algunos de los perfumes de Ezenzia para hombres son “Italian Bergamot”, que es para el día a día; el “Musc D’ Orient”, usualmente para ocasiones especiales; y el “The Jewel of Ocean”, para utilizar en horas de oficina. De damas, menciona el “Posh Cashmere EDP”, el “Purple Haze”, y el “Date Nights Femme”. La enumeración puede ser larga. Los productos se encuentran disponibles en la página online www.ezenzia.com Precisamente Ezenzia posee la distribución exclusiva en todo Estados Unidos de los productos de Anfar, fabricante que desde 1950 es uno de los más exitosos perfumistas y productores de madera oud, conocido como el oro negro de los perfumes árabes. 

Types of canvas

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Types of canvas

There are 3 types, three treatments

As any budding artist will tell you, when you go to your local art store or browse the canvas surface section of any online retailer or your local store or shop. “in the budding stage” or “in the early stages”. It means to be in the process of development or growth, particularly in the artistic field, referring to someone who is starting their career or exploring their creative potential. There are different sized canvas surfaces, but you will also have to decide between stretched canvas, panels, ‘professional’ canvas, canvas rolls, unprimed vs. primed, and more.

Painters work with a variety of types of paint. Each type of paint requires a specific coating. There are three types of canvas. An oil canvas is intended solely for oil paint. Absorbent canvases are intended for tempera. Universal canvases are suitable for both oil paint and acrylic paint.
Each type of artist’s canvas is given a specific treatment after glueing.

Common Types of canvas

Cotton Canvas
Cotton canvas is an affordable option for painters who are just starting out. A properly prepared cotton canvas will last a long time (and it’s what you’ll find in any of your Painting to Gogh kits). It’s naturally flexible and durable and is often primed with acrylic primer.

Linen Canvas
Linen is made from flax and is more durable, rigid, and longer-lasting than cotton. It’s also the more expensive option. Linen canvas is often primed with oil-based primers and doesn’t warp as much over time, so it’s the go-to choice of many professional artists. You don’t have to worry about this type of canvas becoming too brittle either as linen retains its natural oils.

Canvas Board
Canvas board is another common option for new and student painters. Some are made of primed cotton canvas that’s stretched over a fiberboard, while others are simply a board that’s been primed and stamped to have the texture of canvas. They’re cheaper and great for practicing before you start on your canvas art piece.

Oil canvas

For an ‘oil canvas’, zinc white is used as the primer, bound with linseed oil. After that the canvas is put into a drying room for three days where it air-dries naturally. After that, we sand the canvas again and apply a coating layer based on titanium white. The canvas then has to go back into the drying room for a further ten days.

Absorbent canvases

‘Absorbent canvases’ are given two primer layers of chalk, bound with glue based on rabbit skins. Because this primer is water based, these canvases can be dried in the hot-air oven, where the water can evaporate more quickly.

Universal canvases

‘Universal canvases’ undergo the same drying process in a hot-air over as the absorbent canvases, but the two primer layers are titanium white based.

Reference numbers

Our reference numbers are prefixed with a number that specifies the treatment. If these canvases are untreated they carry the number 0 (e.g. 066), universal canvases carry the number 1 (e.g. 166) and absorbent canvases the number 2 (e.g. 266). Oil canvases, in contrast, carry no prefix number (e.g. 66).

Traditional methods

Most of the treatments are done by machine, but according to traditional methods. For pieces that are wider than the standard size (210 cm), and for special types of artist’s canvas, we will go so far as to perform the entire process manually. The maximum length of manually prepared artist’s canvas is 40 metres.

Painting canvas processes
If canvas will be used for painting, it is stretched around a wooden frame before gesso is applied. This stretching process ensures that the canvas forms a perfectly taut and flat painting surface. Expert canvas stretching also ensures that the warp and weft threads in the canvas form a perfect grid.

9 Tips for Painting on Canvas

  1. Angle Your Canvas To Paint Comfortably
    First, decide whether you’ll be seated or standing when you paint. Many easels are easy to adjust so you can switch between both. Adjust your easel based on your height and how comfortable it is to hold the brush up to the canvas. For some painting techniques, you want to be able to make contact with the canvas at a 90-degree angle. Make sure you can easily see your painting subject, whether it’s a video tutorial, a drawing, or a real-life object.
  1. Take Advantage of Canvas Wedges
    If you received a little packet of wood or plastic pieces with your store-bought canvas, they’re called canvas wedges, canvas tightening keys, or stretcher bar keys. They’re used to stretch and tighten the canvas if it starts to sag. Canvas can get droopy from all the layers of wet paint, temperature changes, humidity, and age. If you notice sagginess after painting, wait until your canvas is completely dry and hammer the wedges in afterward.
  1. Sketch Your Image or Underpaint
    You know the saying, “Measure twice, cut once?” Set yourself up for success by sketching your image before you start laying down paint. Grab a pencil, color pencil, or charcoal and make a sketch on a piece of paper. This is a helpful tip for any painting, but here’s the great thing about canvas: You can use a pencil (graphite) to lightly outline your art on the canvas and then paint over it. Another technique is to do an “underpainting” or “wash,” which is when you use very watered down paint to make a rough sketch. Both tips give you more control over the final image. You can simply follow the lines as you go and you know it’ll be closer to what you want (compared to a freehanded attempt).
  1. Lay Out Your Supplies Before You Get Started
    The last thing you want is to be running around trying to find a Round 6 brush or more paper towels while you’re in the creative zone. Once you start painting, you want everything you need within arms’ reach so that you don’t lose inspiration or have your paint dry too much while you’re hunting for supplies. Gather up your brushes, necessary paint colors (black, white, red, blue, and yellow are usually the minimum), paint palette, a cup of water, paper towels, and anything else you think you’re going to need.
  1. Use Paintbrushes With Firm, Tough Bristles
    The paint brushes you choose have to be able to withstand the hard, rough canvas surface. So, look for brushes with stiff bristles that are graded for acrylic and oil painting. Avoid grabbing any watercolor brushes you have lying around — they’re known for being softer and are going to break down rather quickly when used on canvas. A bonus to using firm-bristle brushes? They make it easier to do unique acrylic painting techniques like dry brushstrokes.
  1. Start With a Toned Canvas To Add a Unique Quality
    Who says you have to start your painting on a plain white canvas? Try a toned background: Simply choose an interesting color, paint the canvas, let it dry, and then start on your artwork. It can make colors pop and enhance the painting’s luminosity. For example, if you’re going to paint a lovely blue sky, you could start out by painting the canvas with a bright yellow. It may seem scary, but the yellow undertone could add a sunlit warmth to everything in your painting. The fun is in experimenting with different colors to see what effect it has. Check out color wheels and color theory to get some ideas.
  1. Get Creative With Solvents and Mediums
    Canvas is extremely durable, which means you can use a wide variety of mediums (products that can thicken and change the texture of paint) and solvents (products that thin paint out and clean paint brushes) to have fun with the look of your artwork. When it comes to acrylic paint, you’re likely going to use water as your solvent. You can apply different mediums to make your painting look glossy, matte, transparent, 3D, and more. These tools give you the freedom to experiment and see what you come up with.
  1. Easily Erase Mistakes With Water, Titanium White, or Sandpaper
    Painter Bob Ross once said, “We don’t make mistakes, just happy little accidents.” So, if your canvas experiences a “happy little accident,” don’t worry. You can use water, titanium white paint, or sandpaper to fix painting mistakes fairly easily. If your painting is still wet: Try scraping off the unwanted paint with your palette knife or something with a sharp edge. Apply some water (or linseed oil for oil paints), wipe the rest away, and paint over with titanium white. Let it dry and then keep painting.
  2. If your painting is dry: Use fine sandpaper to gently grind down the area with unwanted paint. Use a damp towel with water (for acrylics) or linseed oil (for oils) to clean the area and paint over with titanium white. Let it dry and then keep painting.
  1. Choose a Safe Place To Dry and Store Your Canvas When You’re Done
    The last thing that you want is for your new painting to get ruined while it dries! Find a location for the canvas to dry out of harm’s way, away from any water sources, heat sources, small children, or curious pets.

Source: Paintingtogogh.com/blogs/news/how-to-paint-on-canvas

La semiotica y las artes

Por
Editorial
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semiotica
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La semiotica y las artes

La semiótica del arte nos revela que la obra no se completa sin la participación activa del receptor o lector. Su interpretación y experiencia personal son esenciales para construir el significado final de la obra. Este concepto se conoce como “obra abierta”, donde la multiplicidad de interpretaciones enriquece y amplía el alcance de la creación artística.

¿Cuál es la función de la semiótica en las artes visuales?

La semiótica nos permite comprender cómo los seres humanos percibimos e interpretamos el mundo que nos rodea a través de los signos. La semiótica visual, en particular, se enfoca en cómo las imágenes, compuestas por signos y elementos visuales, adquieren significado y nos ayudan a dar sentido a nuestras experiencias.

¿Cómo le ayudará la semiótica en la lectura de artes visuales?

La semiótica nos brinda un marco para entender la compleja interacción entre signos, símbolos y la construcción de significado. Funciona como una lente que nos permite interpretar representaciones visuales en diversas formas de arte, desde pinturas y esculturas hasta fotografías, diseño gráfico y arquitectura.

¿Por qué es tan importante en la comunicación en el arte contemporáneo?

A través de la diversidad de medios artísticos, el arte trasciende su función estética y se convierte en un poderoso canal de comunicación entre artistas y audiencias, conectando a las personas a través de la emoción, la reflexión y la experiencia compartida. La comunicación en el arte no solo nos permite expresar nuestra individualidad y visión del mundo de manera única, sino que también nos invita a explorar y comprender las perspectivas de los demás, enriqueciendo así nuestra experiencia humana.

semiotica

1. Concepto de Semiótica

La semiótica es la ciencia que estudia los signos y su significado. Los signos son cualquier cosa que representa algo más, desde palabras y gestos hasta imágenes y sonidos. En el contexto de las artes, la semiótica analiza cómo los artistas utilizan los signos para comunicar ideas y emociones.

2. Semiología vs. Semántica

Es importante distinguir entre semiología y semántica. La semiología se enfoca en el estudio de los signos en general, mientras que la semántica se centra específicamente en el significado de las palabras y el lenguaje.

3. Signos en las Artes

En las artes, los signos pueden ser cualquier elemento de una obra que comunica significado. Por ejemplo, en una pintura, los colores, las formas y las líneas pueden ser signos que transmiten emociones o ideas. En una obra de teatro, los gestos, el vestuario y la escenografía también pueden ser signos que contribuyen al significado de la obra.

4. La Definición de Signo según Umberto Eco

Umberto Eco, un destacado semiólogo, define el signo como la unidad mínima de significado. Un signo puede ser cualquier cosa que represente algo más, desde una palabra en una conversación hasta una línea en un dibujo.

5. Clasificación de los Signos según Charles Sanders Peirce

Charles Sanders Peirce, otro importante semiólogo, clasificó los signos en tres categorías:

  • Iconos: Signos que se asemejan a lo que representan. Por ejemplo, una fotografía es un icono porque se parece a la persona o cosa que representa.
  • Índices: Signos que están relacionados causalmente con lo que representan. Por ejemplo, el humo es un índice de fuego.
  • Símbolos: Signos que están relacionados convencionalmente con lo que representan. Por ejemplo, la palabra “gato” es un símbolo que representa al animal gato.

Profundizando en la Semiótica de las Artes

La semiótica ofrece una herramienta poderosa para analizar y comprender las artes. Al examinar los signos utilizados en una obra de arte, podemos descubrir capas de significado que de otro modo podrían pasar desapercibidas. La semiótica también puede ayudarnos a entender cómo las obras de arte se relacionan con la cultura y la sociedad en general.

Ejemplos de Semiótica en las Artes:

  • Pintura: El uso del color rojo en una pintura puede simbolizar pasión, peligro o violencia.
  • Escultura: La forma de una escultura puede representar la figura humana, un animal o un objeto abstracto.
  • Música: El ritmo y la melodía de una pieza musical pueden evocar emociones específicas.
  • Cine: Los ángulos de cámara y la iluminación pueden utilizarse para crear suspense o tensión.

La semiótica es un campo de estudio fascinante que puede enriquecer nuestra apreciación y comprensión de las artes. Al aprender a identificar y analizar los signos utilizados en las obras de arte, podemos desarrollar una comprensión más profunda de su significado y su impacto.

La Semiótica y las Artes: Profundizando en los Signos

6. Iconos: Semejanzas Directas

Los iconos son signos que se asemejan directamente a lo que representan. Son representaciones visuales que guardan una relación de semejanza con la realidad. Ejemplos claros son las pinturas, dibujos, fotografías, mapas, etc. Estos signos nos permiten reconocer fácilmente lo que representan debido a su similitud visual.

7. Índices: Sugerencias de la Realidad

Los índices son signos que sugieren o indican una realidad, estableciendo una conexión directa con ella. No son representaciones exactas, pero nos dan pistas sobre lo que está sucediendo o ha sucedido. Por ejemplo, el humo es un índice de fuego, las huellas en la arena son un índice de que alguien caminó por allí, y un rayo es un índice de tormenta.

8. Símbolos: Asociaciones Convencionales

Los símbolos son signos que representan una realidad a través de una asociación simbólica establecida por convención. No tienen una relación directa o de semejanza con lo que representan, sino que su significado se basa en acuerdos culturales o sociales. Ejemplos de símbolos son las señales de tránsito, los logotipos, los gestos, las palabras y los números.

9. La Semiótica Más Allá de las Artes

La semiótica no se limita al estudio de los signos en las artes. Autores como Roland Barthes, Ferdinand de Saussure y Umberto Eco han aplicado el concepto de signo a todos los aspectos de la sociedad humana. La moda, las costumbres, los espectáculos, los ritos y ceremonias, los objetos cotidianos, todos ellos pueden ser analizados desde una perspectiva semiótica para comprender su significado y su papel en la cultura.

10. El Mundo de las Imágenes: Signos Omnipresentes

Los signos están presentes en todas partes, especialmente en el mundo de las imágenes. Cada imagen, ya sea una pintura, una fotografía o un anuncio publicitario, está llena de signos que transmiten mensajes y significados. Al comprender cómo funcionan estos signos, podemos interpretar y analizar las imágenes de manera más crítica y profunda.

La semiótica nos proporciona una herramienta poderosa para comprender cómo los signos dan forma a nuestro mundo y cómo nos comunicamos a través de ellos. Al estudiar la semiótica, podemos desarrollar una mayor conciencia de cómo los signos influyen en nuestra percepción de la realidad y cómo podemos utilizarlos para crear y comunicar significado.

La Semiótica de la Imagen en el Diseño

11. La Imagen como Lenguaje Específico

Como diseñadores, entendemos que la imagen es un lenguaje con sus propias reglas y herramientas. A través de signos particulares, las imágenes pueden representar la realidad de manera objetiva o subjetiva. Nuestra labor como diseñadores es comprender estas herramientas y cómo su presencia o ausencia influye en el mensaje que transmitimos.

12. La Sociedad de la Comunicación y la Importancia de la Imagen

La explosión audiovisual de las últimas décadas ha transformado nuestra sociedad en una “sociedad de la comunicación”, donde la imagen se ha vuelto fundamental en nuestra vida cotidiana. La televisión, el cine, la publicidad y, más recientemente, internet y las redes sociales, nos bombardean constantemente con imágenes que influyen en nuestra percepción del mundo.

13. Análisis Semántico de la Imagen: Signos Plásticos

Al analizar una imagen desde una perspectiva semiótica, debemos prestar atención a sus signos plásticos, aquellos elementos visuales que contribuyen a su significado. Estos signos incluyen:

  • El color: Los colores tienen asociaciones culturales y emocionales que pueden influir en nuestra interpretación de una imagen.
  • La composición: La forma en que los elementos de una imagen están dispuestos puede crear jerarquías visuales y dirigir nuestra atención hacia ciertos puntos.
  • La textura: La textura puede añadir realismo o abstracción a una imagen, y puede evocar sensaciones táctiles.
  • Las líneas y formas: Las líneas y formas pueden crear movimiento, dirección y profundidad en una imagen.
  • Los espacios: Los espacios vacíos o negativos también pueden ser significativos, creando equilibrio o contraste en una imagen.

14. La Ciencia del Color

La ciencia del color es fundamental para comprender cómo los colores interactúan entre sí y cómo afectan nuestra percepción. Como diseñadores, debemos tener en cuenta la ciencia del color al elegir paletas de colores para nuestros proyectos, ya que los colores pueden evocar emociones, crear atmósferas y transmitir mensajes específicos.

15. El Color y su Multitud de Significados

El color es un elemento complejo que puede tener múltiples significados dependiendo del contexto cultural y personal. Los colores pueden estar asociados a emociones, ideas, objetos o incluso marcas comerciales. Por ejemplo, el rojo puede representar pasión, amor, peligro o prohibición.

16. El Blanco: Pureza y Positividad

El blanco se asocia comúnmente con la luz, la bondad, la inocencia, la pureza y la virginidad. En muchas culturas, el blanco es el color de la perfección y la limpieza. En el diseño, el blanco se utiliza a menudo para crear una sensación de espacio, simplicidad y elegancia.

Al comprender la semiótica de la imagen y la ciencia del color, los diseñadores podemos crear imágenes más efectivas y comunicativas. Podemos utilizar los signos plásticos y los colores de manera estratégica para transmitir mensajes específicos, evocar emociones y conectar con nuestro público objetivo.

La Semiótica del Color en el Diseño

17. Amarillo: Luz, Alegría y Energía

El amarillo, color del sol, evoca luz, alegría, felicidad, inteligencia y energía. Su brillo estimula la actividad mental y genera energía muscular. Sin embargo, en exceso, puede resultar perturbador e inquietante. En diseño, el amarillo puro y brillante atrae la atención, pero debe usarse con moderación.

18. Naranja: Entusiasmo y Creatividad

El naranja combina la energía del rojo con la felicidad del amarillo. Representa entusiasmo, felicidad, atracción, creatividad, determinación, éxito y estímulo. Es un color cálido que produce sensación de calor y vigor, estimulando la actividad mental sin la agresividad del rojo.

19. Rojo: Pasión, Peligro y Energía

El rojo, color del fuego y la sangre, se asocia con peligro, guerra, energía, fortaleza, determinación, pasión, deseo y amor. Es un color emocionalmente intenso que acelera el metabolismo, aumenta la respiración y eleva la presión sanguínea. Su alta visibilidad lo hace ideal para señales de advertencia y llamadas de atención.

20. Púrpura (Violeta): Nobleza, Lujo y Creatividad

El púrpura combina la estabilidad del azul con la energía del rojo. Se asocia con la realeza, el poder, la nobleza, el lujo y la ambición. Sugiere riqueza, extravagancia, sabiduría, creatividad e independencia. Es un color preferido por muchos niños y adolescentes, y representa magia y misterio.

21. Azul: Calma, Estabilidad y Confianza

El azul, color del cielo y el mar, evoca estabilidad, profundidad, lealtad, confianza, sabiduría, inteligencia, fe y verdad. Es un color beneficioso para el cuerpo y la mente, ya que retarda el metabolismo y produce un efecto relajante. Se asocia fuertemente con la tranquilidad y la calma.

22. Verde: Naturaleza, Armonía y Seguridad

El verde es el color de la naturaleza, representando armonía, crecimiento, exuberancia, fertilidad y frescura. Evoca una fuerte sensación de seguridad, en contraste con el rojo que indica peligro. El verde tiene propiedades curativas, es relajante para la vista y sugiere equilibrio y resistencia.

Comprender la semiótica del color permite a los diseñadores utilizar los colores de manera estratégica para evocar emociones específicas, crear atmósferas y transmitir mensajes de manera efectiva. Al elegir los colores adecuados, podemos influir en la percepción del público y lograr que nuestras creaciones sean más impactantes y memorables.

La Semiótica del Color en el Diseño (Continuación)

23. Negro: Poder, Elegancia y Misterio

El negro es un color complejo y lleno de contrastes. Representa poder, elegancia, formalidad, muerte y misterio. Es el color más enigmático, asociado al miedo y lo desconocido, pero también a la autoridad, la fortaleza y la intransigencia. En el diseño, el negro transmite prestigio, seriedad y sofisticación.

Connotaciones Positivas del Negro:

  • Elegancia y sofisticación: El negro es un color clásico que se asocia con la alta costura, la moda de lujo y los eventos formales.
  • Poder y autoridad: El negro transmite una sensación de poder, control y autoridad. Se utiliza a menudo en uniformes, trajes de negocios y logotipos de marcas de lujo.
  • Misterio y enigma: El negro puede crear una atmósfera de misterio e intriga, lo que lo hace ideal para diseños relacionados con el cine negro, la literatura gótica o la música dark.

Connotaciones Negativas del Negro:

  • Muerte y luto: En muchas culturas, el negro es el color del luto y se asocia con la muerte, el dolor y la pérdida.
  • Miedo y maldad: El negro también puede representar el mal, la oscuridad y lo desconocido. Se utiliza a menudo en películas de terror y en personajes villanos.

El Negro en el Diseño:

El negro es un color versátil que puede utilizarse de muchas maneras diferentes en el diseño. Puede ser el color principal de un diseño, o puede utilizarse como color de acento para resaltar otros colores. El negro también se utiliza a menudo en tipografía, ya que es un color legible y fácil de leer.

Al utilizar el negro en el diseño, es importante tener en cuenta sus múltiples connotaciones y elegir cuidadosamente cómo se combina con otros colores y elementos visuales. Un uso adecuado del negro puede añadir profundidad, contraste y sofisticación a un diseño, mientras que un uso excesivo o inapropiado puede resultar en un diseño lúgubre o abrumador.

La Semiótica de la Imagen en el Diseño: Elementos Visuales Clave

24. La Composición: Equilibrio y Armonía Visual

La composición es la distribución equilibrada y armoniosa de los elementos dentro de una imagen. Estos elementos pueden ser imágenes, texto o espacios en blanco. La composición se logra mediante el uso de herramientas como el tamaño, la posición, el peso cromático, la proporción, la luminosidad, el contraste, la textura, la perspectiva y la diversidad de planos. Puede ser realista, abstracta, simbólica, geométrica o irregular, reflejando diferentes tendencias pictóricas.

25. La Textura: Sensaciones Táctiles y Visuales

La textura es la cualidad de una superficie que puede ser percibida tanto visual como táctilmente. En el ámbito visual, la textura se describe mediante sus cualidades rítmicas, como la repetición, el movimiento, la rugosidad, la suavidad, el brillo y la calidez. La textura puede añadir profundidad, realismo y riqueza sensorial a una imagen.

26. Líneas y Formas: Dinamismo y Expresividad

Las líneas y formas son elementos fundamentales en el diseño. Las líneas pueden ser rectas, curvas, gruesas, finas, continuas o discontinuas. Las formas pueden ser geométricas, orgánicas, abiertas o cerradas. Cada línea y forma tiene su propia expresividad y puede evocar diferentes sensaciones. Las líneas curvas pueden sugerir suavidad y feminidad, mientras que las rectas pueden transmitir fuerza y masculinidad. Las formas abiertas pueden representar libertad y expansión, mientras que las cerradas pueden sugerir encierro o protección.

27. Los Espacios: Creando Profundidad y Perspectiva

El espacio es el área en la que se distribuyen los elementos dentro de una imagen. Puede ser positivo (ocupado por elementos) o negativo (vacío). El espacio negativo es tan importante como el espacio positivo, ya que crea equilibrio, contraste y puede dirigir la atención del espectador. La distribución de los elementos en el espacio puede crear profundidad, perspectiva y jerarquía visual.

Comprender la semiótica de estos elementos visuales permite a los diseñadores crear imágenes más efectivas y comunicativas. Al utilizar la composición, la textura, las líneas, las formas y los espacios de manera estratégica, podemos transmitir mensajes específicos, evocar emociones y guiar la mirada del espectador a través de la imagen.

La semiótica de la imagen es una herramienta poderosa para analizar y comprender el lenguaje visual. Al conocer los diferentes signos y su significado, podemos interpretar las imágenes de manera más crítica y profunda, y utilizar este conocimiento para crear diseños más impactantes y efectivos.

Análisis Semiótico de Obras Pictóricas: Signos Plásticos en Acción

28. Del Conocimiento a la Práctica: Análisis de Obras Pictóricas

Después de explorar los signos plásticos en teoría, es hora de aplicar este conocimiento al análisis de obras pictóricas concretas. Examinaremos cómo los artistas utilizan la forma, la línea, la composición, el color y la textura para transmitir mensajes y emociones.

29. “El Tejar de Horta” de Pablo Picasso: Un Ejemplo de Análisis

Forma/Línea: Predominan formas geométricas como cubos, cilindros y paralelepípedos, creando una sensación de encierro y pesadez. Las líneas convergen en un punto de fuga distorsionado, generando una perspectiva confusa y fragmentada.

Composición: La composición se caracteriza por el amontonamiento de formas geométricas que llenan todo el espacio, creando una sensación de saturación y ahogo. La falta de un horizonte claro y la ausencia de figuras humanas contribuyen a un ambiente deshumanizado y pesimista.

Color: Los colores planos y apagados, en tonos cálidos como ocres, naranjas, verdes y grises, crean una atmósfera sofocante y opresiva.

Textura: La textura rugosa y el relieve de la tela añaden una dimensión táctil a la obra, reforzando la sensación de pesadez y densidad.

30. Actividad: Análisis Semántico de Obras Pictóricas

Objetivo: Analizar las obras pictóricas enlistadas, identificando los signos plásticos presentes y su contribución al significado de cada obra.

Obras a Analizar:

  • “Persistencia de la Memoria” (1931) de Salvador Dalí
  • “Guernica” (1937) de Pablo Picasso
  • “El Grito” (1893) de Edvard Munch
  • “La Danza” (1910) de Henri Matisse
  • “Hortensia Azul” (1986) de Claudio Bravo
  • “Impresión, Sol Naciente” (1872) de Claude Monet

Instrucciones:

  1. Formar grupos de máximo 2 alumnos.
  2. Analizar cada obra, identificando los signos plásticos presentes (forma/línea, composición, color, textura).
  3. Interpretar el significado de cada signo y cómo contribuyen al mensaje general de la obra.
  4. Presentar un informe escrito con los resultados del análisis.

Este ejercicio práctico permitirá a los alumnos aplicar los conceptos de semiótica aprendidos al análisis de obras de arte reales, desarrollando así su capacidad de interpretación y análisis crítico de imágenes.

31. Más allá de lo básico:

  • Signos Kinésicos: Además de los signos plásticos, las imágenes pueden contener signos kinésicos, relacionados con el movimiento y la postura de las figuras representadas. Estos signos pueden transmitir emociones, acciones y relaciones entre los personajes.
  • Signos Proxémicos: La distancia entre los elementos de una imagen (o entre la imagen y el espectador) también puede ser significativa. La proxémica estudia cómo el uso del espacio puede comunicar poder, intimidad o distancia.

32. Análisis de “El Tejar de Horta”:

Podríamos añadir:

  • Contexto Histórico: El cuadro fue pintado durante un período de agitación social y política en España, lo que podría influir en la atmósfera opresiva y fragmentada de la obra.
  • Influencias Artísticas: Picasso estaba experimentando con el cubismo, un movimiento que desafiaba las convenciones de la representación realista. Esto se refleja en la fragmentación de las formas y la perspectiva distorsionada.

33. Actividad:

Para enriquecer el análisis, se podría pedir a los estudiantes que:

  • Investiguen el contexto histórico y artístico de cada obra.
  • Comparen y contrasten las diferentes obras, identificando similitudes y diferencias en el uso de los signos plásticos.
  • Presenten sus hallazgos en una presentación oral, utilizando imágenes y ejemplos para ilustrar sus puntos.

Más allá de la Pintura:

La semiótica no se limita a la pintura. Se puede aplicar a cualquier forma de comunicación visual, como la fotografía, el cine, la publicidad, el diseño gráfico y la arquitectura.

Aplicaciones Prácticas:

Comprender la semiótica de la imagen puede ayudar a los diseñadores a crear imágenes más efectivas y comunicativas. Al tener en cuenta los diferentes signos y su significado, pueden elegir los elementos visuales más adecuados para transmitir el mensaje deseado y conectar con su público objetivo.

Invitación a la Reflexión:

La semiótica nos invita a mirar más allá de la superficie de las imágenes y a descubrir las capas de significado que se esconden debajo. Al desarrollar nuestra capacidad de análisis semiótico, podemos convertirnos en espectadores más críticos y conscientes del poder de las imágenes en nuestra sociedad.

La Semiótica del Arte: Hacia una Ontología de la Significación Visual

NORTH AMERICA MUSEUMS

Por
Editorial
-
NORTH AMERICA Museums

Canada

National Gallery of CanadaNational Gallery of Canada, Ottawa – Exhibits one of the greatest collections of paintings in North America, with works by Van Gogh, Cezanne, Picasso and Pollock

Vancouver Art Gallery, Vancouver – This dynamic and original Museum exhibits a large group of contemporary Art in a beautiful Neoclassical buildingUSA

MetropolitanThe Metropolitan Museum of Art, New York – Arguably America’s greatest museum. Its spectacular collection of contemporary art includes ‘Autumn rhythm’ by Jackson Pollock.

MOMAThe Museum of modern Art (MOMA), New York – Houses the world’s best collection of modern and contemporary Art, featuring masterworks as Picasso’s Demoiselles d’Avignon

GuggenheimThe Guggenheim Museum, New York – Designed by the famous architect Frank Lloyd Wright. The Guggenheim Fundation has also important galleries in Bilbao, Venice, Berlin and Las Vegas.

Brooklyn Museum, Brooklyn, New York – Houses an extensive collection of Art, including works by artists such as Hans Hofmann

Withney Collection of American Art, New York – Houses more than 18,000 American works by American artists, including Hopper, Pollock and de Kooning

Museum of Fine Arts, BostonThe Museum of Fine Arts, Boston is one of the oldest and most respected Art institutions of North America. It exhibits works by Joseph Beuys and Takashi Murakami, among others

The National Gallery of WashingtonThe National Gallery of Washington features a complete collection of painting from the 13th to the 20th century. Includes works by Pollock or Ruscha

Toledo Museum of Art, Toledo – Opened in 1901, exhibits a good collection of European and American Art, with works by Willem de Kooning

Philadelphia Museum of ArtPhiladelphia Museum of Art, Philadelphia – One of the greatest Museums in North America, with a great collection of contemporary Art, including works by Cy Twombly and Jasper Johns

Art Institute of ChicagoThe Art Institute of Chicago houses one of the most outstanding Art collections of the United States, featuring masterpieces by Andy Warhol and Willem de Kooning

Museum of Art, Cleveland – One of the most complete art collections in America, from antiquities to modern masterpieces, with works by Pollock and Warhol

Walker Art Center, Minneapolis – Focused in modern and contemporary Art, includes works by Picasso, Moore and Warhol

Dallas Art Museum, Dallas – Exhibits a good collection of contemporary painting, including works by abstact expressionists like Rothko, Pollock or Kline

Denver Art Museum, Denver – Focused in American Art, this Museum also exhibits a good collection of contemporary Art, with works by Motherwell and Warhol

Menil Collection, Houston – This museum, designed by Renzo Piano, houses a great collection of contemporary Art, from Picasso to Cy Twombly

Museum of Modern Art (SFMOMA), San Francisco – Its collection of modern and contemporary painting includes works by Matisse, Diebenkorn and Jasper Johns

Seattle Art Museum, Seattle – The collections of this Museum have drastically grown in the last decades, and now include contemporary works by Andy Warhol or Richard Serra

ART FAIRS

Por
Editorial
-
ART FAIRS

America

Art Basel Miami Beach
Leading galleries from North America, Latin America, Europe, Asia and Africa show significant work from the masters of Modern and contemporary art, as well the new generation of emerging stars.
Miami Beach, USA
www.artbasel.com/miami-beach

Frieze Los Angeles
Frieze Los Angeles 2019 will bring together around 70 of the most significant and forward-thinking contemporary galleries from across the city and around the world.
Los Angeles, USA
frieze.com/fairs/frieze-los-angeles

Armory Show New York
Established in 1994 and held annually on Piers 92 & 94, The Armory Show is New York’s premier international art fair, showcasing over 200 galleries from around the world.
New York, USA
www.thearmoryshow.com/

Frieze New York
Frieze New York brings together the most exciting contemporary galleries from around the globe.
New York, USA
friezenewyork.com/
Europe

London Art Fair
Founded in 1989 by London’s Business Design Centre in Islington with the aim of providing a space to showcase the most exceptional modern and contemporary art of our time
London, United Kingdom
www.londonartfair.co.uk

ARCO Madrid
The leading art fair in Spain.
Madrid, Spain
www.ifema.es/arcomadrid_06/

TEFAF Maastricht
At TEFAF Maastricht, the world’s greatest art and antiques fair, you can buy masterpieces of art, antiques and design, showing 7,000 years of art history.
Maastricht, Netherlands
www.tefaf.com/

Art Cologne
ART COLOGNE is the world’s oldest art fair for modern and contemporary art of the 20th and 21st century.
Cologne, Germany
www.artcologne.com/ART-COLOGNE/index-2.php

Art Basel
Art Basel is one of the most important contemporary Art Fairs in the world, with more than 280 of the world’s leading galleries showing the work of over 4,000 artists.
Basel, Switzerland
www.artbasel.com/basel
Asia

Art Dubai
Art Dubai is the leading inter­national art fair in the Middle East, Africa and South Asia.
Dubai, UAE
www.artdubai.ae/
Australia and Oceania

New Zealand Art Show
It’s New Zealand’s best one-stop shop for original New Zealand art.
Wellington, New Zealand
www.artshow.co.nz

IVAN AIVAZOVSKY

Por
Editorial
-
AIVAZOVSKY, IVAN

AIVAZOVSKY, IVAN (1817-1900) Russian landscape painter.

Ivan Aivazovsky: “The Ninth Wave” – 1850 – oil on canvas – Saint Petersburg, State Museum

Born in Crimea in 1817, to an Armenian family, is arguably the most famous Russian seascape painter. The quality of his paintings made him one of the most respected artists in Russia, earning the Gold Medal at the Saint Petersburg Academy of Arts, and opening his own school at home town of Feodosiya. Aivazovsky painted more than 6,000 works, most notably the famous “The ninth wave”, and a large group of large paintings glorifying the Russian navy. Today Aivazovsky is the most sought-after 19th century Russian painter, and his works are sold for more than $3 million at auctions.

“The ninth wave” is a true masterwork. Aivazovsky reaches in this painting an absolute technical perfection, representing a group of unlucky castaways trying to survive under the merciless charges in form of oceanic waves. Nevertheless, the centre of the composition is the powerful, almost mystical and diffuse representation of the sun, which illuminates the scene with a strange, oneiric range of green and pink shades. This painting is often called “the most beautiful painting in Russia”

1881 – oil on canvas – The Tretyakov Gallery, Moscow, Russia

Son of a Greek shoemaker who emigrated to Mariupol (now Ukraine), Arkhip Kuindzhi (1842-1910) was one of the most important 19th century Russian painters, quite influenced by previous masters as Ivan Aivazovsky. Kuindzhi was a professor in the Saint Petersburg Academy of Arts untill he was fired for support student’s protests.

“Dnepr in the morning” (as “Dnepr in the night”, executed a year before) is considered as one of the first works finished with Kuindshi’s “mature” style, with stunning light and atmospheric effects. This panoramic view is especially remarkable for its simple but very strong composition.

“Dnepr in the morning” (as “Dnepr in the night”, executed a year before) is considered as one of the first works finished with Kuindshi’s “mature” style, with stunning light and atmospheric effects. This panoramic view is especially remarkable for its simple but very strong composition.

Isaac Levitan: “Lake”

1900 – oil on canvas

“Lake” is Levitan’s last painting, an unfinished masterpiece by the Russian painter (born in Kaunas, Lithuania) who mastered the landscape of mood, a very emotional interpretation of the Russian landscape.

While Levitan, as many other Russian landscape painters, was clearly influenced by the Barbizon School, this late work is (un)finished in a somewhat impressionist way.

Alexei K. Savrasov: The rooks have returned

1871 – oil on canvas – Tetryakov Gallery, Russia

Savrasov was one of the most important -arguably the most important- of all the 19th century Russian landscape painters, considered the creator of the “lyrical landscape style”. A trully emblematic work, “the rooks have returned” (or “the rooks have come back”) is Savrasov’s most famous painting, a lovely elegy to the spring announced by the rooks return The canvas shows Savrasov’s love for the rural Russian landscape, very influenced by John Constable. One of Savrasov’s most famous pupils is Isaac Levitan.

Ivan Shishkin: “Morning in a pine forest”

1886 – oil on canvas – Tetryakov Gallery, Russia

Ivan Shishkin (1832-1898) was one of the most important 19th century Russian landscape painters. He was a very famous artist in life, being a professor of painting in the Imperial Academy of Saint Petersburg and in the Higher Art School of Moscow

“Morning in a pine forest” is a marvelous pictorial fantasy that goes beyong the pure realism developed by many other Russian painters of the era. Shishkin has chosen one of his favorite motifs, the dense Russian pine forest, adding the unusual and rather bucolic presence of a family of bears

Fyodor Vasilyev: “Wet Meadow”

1872 – oil on canvas – The Tretyakov Gallery, Moscow, Russia

Died at the age of 23 victim of a tuberculosis, Feodor Vasilyev was a brillian “boy genius” who established himself as one of the most important and respected Russian painters of his era, introducing the lyrical landscape style in Russian painting. “Wet meadow” is a beautiful, lyric masterwork done completely from memory and a few sketches of the Russian plains.

Vasilyev was a fierce competitor to Ivan Shishkin, who was later accused of predujice Vasilyev using his important influences.

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