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Sunday, October 5, 2025
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HUMBERTO POIDOMANI

Humberto Poidomani

HUMBERTO POIDOMANI
POMPEII. APOCALYPSE AND UTOPIA.

Humberto Poidomani
APOCALYPSE AND UTOPIA – HUMBERTO POIDOMANI


Pompei is the new sculpture by Humberto Poidomani. He has inscribed in this post-expressionist sculpture the vicissitudes and ordeals of humanity in its passing through this incessant COVID-19 pandemic. Poidomani’s Pompeii is based allegorically on the tumultuous and deadly eruption of the Vesuvius Volcano over the richest cities of Pompei and Herculaneum, in Campania, Italy, in 79AD, that instantly killed all its inhabitants. Human bodies, animals, artifacts, food, murals, were covered by layers of ashes, petrified, and encased at the moment of their dead, in a sort of horrific memento mori. The human victims buried by millions of tons of ashes, were captured frozen in contorted positions, in a time capsule.

APOCALYPSE AND UTOPIA – HUMBERTO POIDOMANI


Poidomani’s sculpture brings to present Pompeii’s tragedy and ordeal as a
metaphor for our troubled current times of collective suffering. The dazzlingly sculpture poses as a cast body as those archeological Pompeian ones, imposing its standing as a spirited presence that manifest crisis and calamity.

APOCALYPSE AND UTOPIA – HUMBERTO POIDOMANI


The sculpture is profusely intervened with an expressionistically approach, with bursting and contrasting colors, scribbling lines, and bitingly quotes and writings of intellectual perspective. The sculpture shows the names of climactic writers:
Albert Camus, Jean Paul Sartre, Dostoyevsky, Nietzsche, Kafka, Proust, Jorge Luis Borges, Paul Auster, as philosophers and writers that guide his philosophical quest. Phrases of political undertone and social criticism show in the back of the sculpture:
“A camel loaded with gold enters everywhere” quote from the 20 th century famous Spanish dramatist Jacinto Benavente (on the left buttock) or “Viva Yo. No Return Ithaca. Humberto Poidomani” a phrase of ontological implications alluding on Konstantin Cavafy’s Ithaca poem that reminds us that the journey in life is more important than the goal. On the upper back the phrase: “Importaculismo” (“I do not care”) the artist’s neologism and stanza that he does not care about what others could think about him.
The sculpture is crowded with incrusted red roses bleeding onto the ground base, as a precarious poured blood of our current moment. The arms are made of boards in shape of arrows, blended to thick chains, and profuse overflowing biased and subjective phrases critically signaling our human condition.

Humberto Poidomani
APOCALYPSE AND UTOPIA – HUMBERTO POIDOMANI

Pompeii stands as a poltergeist, as an imposing phantom evocating the demons of our humanity. Pompeii’s body that contains multitudes, is a swing confirmation of our contemporary apocalypse and utopia.


Milagros Bello, PhD.
Curator and art critic
Member of the International art critics Association (AICA)
/ October 2020

Arte contemporáneo:

NFT Art
NFT Art

Arte contemporáneo:

¿Qué es el arte contemporáneo?

Como arte contemporáneo se denomina el conjunto de manifestaciones artísticas surgidas a partir del siglo XX. … Esto significa que el arte que se produce en cualquier periodo histórico siempre será contemporáneo para sus coetáneos.

El arte contemporáneo, es en si el arte de nuestro propio tiempo, se produce y manifiesta en el ahora, respondiendo a la conciencia cultural del momento, a su sociedad, a las necesidades conjuntas, al espíritu de la época. Y es que el arte es inherente a lo humano, a su cultura y evolución.

¿Cuál es la función del arte contemporáneo?

El objetivo del arte contemporáneo es hacernos ver el mundo de otra manera. Nos obliga a plantearnos preguntas que tal vez preferiríamos evitar.

¿Cómo nos expresamos a través del arte contemporáneo resumen?

Arte contemporáneo nos lleva a viajar a través de los colores y formas que nos rodean, que representa los eventos actuales para que el espectador interprete las formas más variadas, junto con el hombre y su historia en los eventos que reflejan el contexto social del tiempo se introduce.

¿Dónde se desarrolla el arte contemporáneo?

A pesar de que se considera un movimiento genuinamente estadounidense, tuvo su origen en Londres, en una exposición de Richard Hamilton y otros artistas.

¿Cuáles son los tipos de arte contemporáneo?

Los principales tipos o corrientes de arte contemporáneo que compartieron la ideología fueron:

  • Cubismo. Se destacó por ser una de las primeras corrientes de vanguardia, surgida en Francia, rompió con el estilo renacentista y resultó una de las más influyentes para las corrientes siguientes. Se caracterizó por representar el mundo a través de figuras geométricas que recreaban imágenes fragmentadas. Los colores utilizados solían ser de una misma paleta de tonos. El artista español Pablo Picasso es considerado el padre del cubismo.
  • Dadaísmo. Se destacó por ser una de las corrientes más influyentes del arte contemporáneo. La palabra «dadaísmo» alude a la fantasía, a los primeros sonidos que emiten los infantes y a aquello alejado de la realidad. El término fue aplicado por el poeta rumano Tristan Tzara para designar a este movimiento que se originó en Alemania. El dadaísmo se basó en una fuerte crítica al arte tradicional, rompiendo con los estilos, conceptos y métodos. Se liberó de cualquier tipo de restricción, a tal punto que aborreció el concepto de belleza impuesto y valoraba el significado o intención que daba el artista al objeto, por sobre el objeto en sí. Alcanzó múltiples disciplinas, como la literatura, la escultura y la fotografía.
  • Fauvismo. El nombre proviene del francés fauve que significa “fiera” y alude a un arte intenso y de carácter. Se destacó por los dibujos simples, pinceladas enérgicas y el uso de colores intensos y diferentes respecto a los colores que se perciben en la realidad. Por ejemplo: un limón podía ser verde esmeralda o los árboles, naranja intensos. El artista francés Henri Matisse es considerado el padre del fauvismo.
  • Constructivismo. Se destacó por la abstracción, las formas geométricas planas y con perspectiva exagerada, las composiciones de tipo collage de fotografías sobre fondos con imágenes geométricas y los colores contrastantes. Se originó en Rusia como un arte popular en rechazo al arte de la burguesía.
  • Neoplasticismo. También denominado constructivismo neerlandés, surgió en Holanda en 1917. Se destacó por el uso de líneas rectas y colores primarios plasmados de manera bidimensional. Buscaba manifestar la pureza del arte desde la simplificación y las formas geométricas básicas, eliminando todo elemento superficial.
  • Expresionismo. Se destacó por el uso de colores de manera excesiva y de formas irreconocibles o distorsionadas que aludían al mundo de los sueños donde la realidad se percibe de manera diferente o irracional. Se originó en Alemania y se manifestó en múltiples disciplinas, además de las artes plásticas, como en la literatura, la música y la fotografía.
  • Surrealismo. Se destacó por la gran influencia del dadaísmo con representaciones de fantasía, relacionadas con lo irracional y el inconsciente. Surgió en Francia, en 1924, tras la publicación del “Manifiesto surrealista” del poeta André Bretón en el que planteaba la situación de posguerra de esa época y exigía a la sociedad la necesidad de indagar en lo más profundo del ser humano. Se incorporó el punto de vista del psicoanálisis de Sigmund Freud como método para las creaciones surrealistas y resultó un arte incongruente, vinculado a los sueños y original.
  • Futurismo. También denominado cubismo dinámico, se destacó por representar imágenes del mundo a través del dinamismo, la fuerza y la sensualidad. Resultó un arte que enfatizó la guerra y todo aquello considerado novedoso y tecnológico. Surgió en Italia, en 1909, tras la publicación del “Manifiesto del futurismo” del escritor Filippo Tommaso Marinetti en el que exaltaba la velocidad, la potencia y el movimiento de la nueva maquinaria de tecnología, como la industria y el automóvil. Se manifestó en múltiples disciplinas, como la arquitectura, el diseño gráfico y la publicidad, el cine y la poesía.
  • Minimalismo. Se destacó por el uso mínimo y básico de elementos y por representaciones del mundo reducidas a lo esencial. Surgió en Europa con el arquitecto y diseñador industrial germano-estadounidense Ludwig Mies Van Der Rohe, considerado uno de los pioneros de la arquitectura moderna. El término minimalismo fue designado por el filósofo inglés Richard Wollheim en 1965 y hace referencia a todo aquello que es reducido a lo básico, despojado de elementos accesorios o sobrantes. El minimalismo buscaba expresar la esencia de las cosas y eliminar lo superficial.

Caracteristicas.co

¿Cómo surgió el arte contemporáneo?

El arte contemporáneo viene de finales del S. XIX, este concepto creado en el siglo XX fue el resultado de arrastrar varias técnicas del siglo XIX, es más se considera que el principal punto de partida de este nuevo concepto fue del Impresionismo y el Postimpresionismo.

Investigación artística

Rafael Montilla Queen Nandi 2020 acrylic on canvas 45x40 inches
Rafael Montilla Queen Nandi 2020 acrylic on canvas 45x40 inches


¿Cómo se realiza la investigación artística?

La investigación artística no solo comprende el informarse sobre un tema para ilustrarlo en una obra, sino que hace evidente y comunica aquello que se incorpora y se revela al indagar desde diversas disciplinas, acciones y saberes, con el fin de intercambiar, cuestionar, ampliar y poner en práctica ideas o vivencias en contextos distintos a aquellos en los que normalmente tienen lugar, para experimentar cómo a partir de múltiples situaciones se manifiesta algo que quizá permanecía oculto.

Portavoz.tv

¿Cuáles son los tipos de investigación artística?

Se identifican dos tipos de investigación: investigación “sobre arte”, centrada en la historia y la crítica de obras artísticas y la investigación “en arte”, orientada a la reflexión sobre la creación misma, es decir, al análisis de las opciones contempladas  y las decisiones tomadas a lo largo de un proceso de descubrimiento y autodescubrimiento que lleva  a la consecución del producto artístico.
Pucp.edu.pe

¿Qué pasó con la investigación artística en las últimas decadas?

En la última década se ha ido consolidando el uso del concepto de investigación artística para referirse no solo a la naturaleza del proceso artístico, sino también a una nueva disciplina entre la práctica artística y la especulación teórica.

Masdearte.com

Explainer: what is artistic research?

The role of artistic researchers is not to describe their work – it’s something else entirely.

By Professor Barb Bolt, Faculty of Fine Arts and Music.

Talk about scientific research and a few things immediately spring to mind: randomised controlled trials, journal articles, momentous breakthroughs … And while those things are also true in the arts (one need only look at the University’s Music Therapy discipline for proof) the parameters are often different. So, what does “artistic research” in a Faculty such as ours look like?

The terms “artwork” and “work of art” tend to be used interchangeably but it’s useful to tease them apart. The artwork may be defined as the production – the performance, recital, painting, sculptural installation, drawing, film, screenplay, novel, poem or event that has emerged. Meanwhile, the work of art is the work that art does: the movement in concepts, understandings, methodologies, material practice, affect and sensorial experience that arises in and through art and the artwork.

The mapping of this movement allows artistic researchers to identify and argue for the research’s claim to new knowledge, or rather new ways of knowing – which, of course, is what all research does. But the positioning of the researcher as maker and observer, and the multi-dimensional qualities that arise in artistic research, gives artistic research its particularity.

The role of the artistic researcher is not to describe his or her work, nor to interpret the work, but rather to recognise and map the ruptures and movements that are the work of art in a way not necessarily open to others. The artist-as-researcher offers a particular and unique perspective on the work of art from inside-out as well as outside-in.

In August, Dr Simone Slee, former Head of Sculpture and Spatial Practice and now the Research Convenor at VCA Art, as well as being a successful practising artist, was awarded a 2018 University of Melbourne Chancellor’s Prize for Excellence for her PhD thesis: Help a Sculpture and other functional potentials – the first time an artistic research thesis has been recognised with this particular accolade.

As Simone observed in 2016:

Centering myself within the process of the artwork’s production was the most important factor in garnering my voice within the writing. Once I enabled this to occur the project began to drive its own agenda, developing an autonomy that was also akin to an artwork itself. Commencing with the artwork this firstly generated the research questions that then enabled these to be tested, sometimes contradicted, adjusted and clarified, and provoked new questions as they applied to the work.

This centering of oneself within the artwork’s production is the most important factor in giving voice to what has become known variously as practice-led research, practice as research (PAR), creative practice research (CPR) or, more simply, artistic research.

It is a truism to say that words are inadequate to the task of encapsulating the material fact and the experience of the artwork and one could argue that any the kind of discursive mapping process is a distancing device that creates objective “data” and denies the embodied experience that is central to our encounters with art. The artwork must stand eloquently in its own way, and if it doesn’t it fails. In this very important sense, elite art practice is necessarily at the heart of artistic research.

But through mapping the work of art as well as sending their artwork out into the world, artistic researchers offer a unique perspective on art, demonstrating and arguing for the impact of artistic research in the broader realm, and particularly in the academy.

In other words, artistic research has opened the possibility for artists to find their voice in a field where hitherto they have been the object of study by art historians, musicologists, critics, curators, and cultural theorists, amongst others.

WHAT IS FLUORESCENT COLOR?

FLUORESCENT COLOR IS EVERYWHERE IN MIAMI
FLUORESCENT COLOR IS EVERYWHERE IN MIAMI

WHAT IS FLUORESCENT COLOR?

FLUORESCENT COLOR IS EVERYWHERE IN MIAMI

Have you ever noticed that some colors catch your eyes more than others? Have you ever found yourself drawn to a particular product on the store shelf, because the packing design screams “Over here! Look at me”? What about the highlighter yellow athletic shorts you work out in? The traffic cones in the construction zones on your morning commute?

Fluorescent color is everywhere, and odds are, you come across it in your everyday routine at least once a day. But what exactly is fluorescent color, and what makes it so special?

What Is Fluorescent Color?

‘Fluorescent’ refers to colors that absorb and reflect more light than conventional colors. Because of this, these pigments are brighter, bolder and better. Some people refer to fluorescent color as neon. We call it DayGlo®.

The color spectrum moves from invisible, low-energy infrared rays to high-energy ultraviolet rays. When looking at the color spectrum, the middle of the range represents the colors we actually see (the ‘visible light spectrum’). Normal colors absorb and re-emit a portion of the visible spectrum that matches its principal wavelength, while the remaining colors are absorbed and dissipated as heat.

Fluorescent colors use a larger amount of both the visible spectrum and the lower wavelengths compared to conventional colors (your traditional ROYGBIV colors). The difference between these two types of colors is that fluorescents absorb and convert light energy of the dominant wavelength, but also the wavelengths of ultraviolet rays and other colors lower in the visible spectrum.

Because of this combination, your eyes view fluorescent colors far more intensely as if they’re “glowing” in front of you. That extra glow you see is called ultraviolet (UV) light.

UV-Reactive Vs. Glow-in-the-Dark

Fluorescent colors are ultraviolet reactive and convert light to a dominant wavelength or color. Without a source of light (like a black light), the colors won’t be visible. As soon as you add an ultraviolet light source, the DayGlo pigments will appear to glow, while conventional colors remain dull and hardly visible in the dark. Remove the light, and the glow of the pigments will disappear before you.

These types of pigments are different than glow-in-the-dark colorants, also known as ‘phosphorescent.’ Phosphorescent pigments store the light source as energy and continue to emit a glow after the lights are turned off. The pigments remained charged for a short period of time, and will only start to glow again if they are reintroduced to artificial or natural light.

The DayGlo Difference

With our bright, fluorescent color palette, DayGlo Color Corp’s iconic neon colors are up to three times brighter than conventional colors and work across all mediums- from plastics and graphic arts to coatings and textiles. Ditching conventional colors could be what sets your products apart from the competition and helps build brand identity and recognition.

Bright conventional colors are able to reflect a maximum of 90% of a color present in the spectrum, but fluorescent colors can reflect anywhere from 200% to 300% of color.

THE FLUORESCENT COLOR THEORY

So how exactly does a fluorescent color fluoresce? It’s all about energy!

A fluorescent dye molecule begins at the lowest state of energy possible – the Ground State. When light shines on it, a photon of light is absorbed by the molecule. In effect, energy is absorbed. This excites the electrons inside the molecule to higher energy states – known as the Excited State. The excited electrons soon lose some of their energy to their surroundings, which prompts them to transition back to their unexcited state – the Ground State. In order to transition back, the electrons need to emit the photon of light absorbed.

This flash of light (the emission of the photon) is the fluorescence we see.

FLUORESCENT COLORS

How do fluorescent colors behave differently?

Fluorescent colors use a larger amount of both the visible spectrum and the lower wavelengths compared to conventional colors. They not only absorb and convert light energy of the dominant wavelength but also the wavelengths of ultraviolet rays and other colors lower in the visible spectrum. As a result, your eye perceives a far more intense color.

Where a clean, bright conventional color is able to reflect a maximum of 90% of a color present in the spectrum, a fluorescent color can reflect as much as 200% to 300%.

THE MECHANISM OF COLOR

The color spectrum is much larger than we can perceive!

The range moves from invisible, low-energy infrared rays to high-energy ultraviolet rays. The ‘visible light spectrum,’ or the colors that we see, are actually in the middle of the range.

Normal color absorbs and re-emits a portion of the visible spectrum that matches its principal wavelength, while the remaining colors are absorbed and dissipated as heat. In this way, a regular orange color re-emits back to your eye just the narrow orange band of the visible light spectrum. Therefore, if there is little or no orange light around (such as early dawn or dusk) the orange surface would appear dark or even black.

Restaurant Interior Designers

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Wall Murals in Restaurant Design & Décor

The use of wall murals and other wall art in the interior design of your restaurant can offer a significant boost to your business.

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We offer FREE initial interior design consultation.

Cézanne

Cézanne
Cézanne

CICLO ESPECIAL: LOS POSTIMPRESIONISTAS

La actual exposición de Cézanne en el Moma es un éxito. El padre de la pintura moderna sigue marcando pauta en el mundo del arte. No en vano, fue el más votado en la encuesta que CULTURA MUNDIS hiciera con Uds, para iniciar las actividades de nuestro JUEVES DE ARTE

Y es por ello que hemos diseñado un CICLO ESPECIAL: LOS POSTIMPRESIONISTAS para todos Uds donde la magia de Cézanne brillará junto a la conmovedora vida de VAN GOGH y los colores de GAUGUIN

Cinco clases donde nos sumergiremos en las profundidades del nacimiento del arte moderno bajo la conducción del profesor Johnny Gavlovski especialista en arte y psicoanálisis.

Programa:

Jueves 23 de septiembre: CEZANNE, LOS INICIOS De cómo un artista pasa de la oscuridad a la luz

Jueves 30 de septiembre: PARÍS ES UNA MUJER El encuentro de Cézanne con lo femenino

Jueves 7 de octubre: CEZANNE, LA MADUREZ La puerta al arte moderno.

Jueves 14 de octubre: VAN GOGH: GIRASOLES La pasión por crear.

Jueves 21 de octubre: VAN GOGH, LA NOCHE ESTRELLADA El arte más allá de la locura

Vía #ZOOM ?

⏱ 6:30 pm Miami – Venezuela

⏱ 5:30 pm Perú

Información en www.culturamundis.com o por https://culturamundis.com/producto/ciclo-los-post-impresionistas-prof-johnny-gavlovski-23-09/ 

*Lo que me interesa es la inquietud de Cézanne, los tormentos  de Van Gogh,   es  decir,   el  drama  del  hombre*    *Pablo Picasso*

El cantante y compositor Kampi presenta el tema “Insomnia”, a dúo con Rey King

El cantante y compositor Kampi presenta el tema “Insomnia”, a dúo con Rey King

El cantante colombiano Bryant Guayara, mejor conocido como Kampi, es un intérprete y compositor que se crió con música, ya que su padre participó en una banda de Vallenato, y con su influencia. “Mi música es latina, pero artísticamente, me siento también americano, decidí mezclar las dos y me considero un cantante Spanglish. Mis raíces colombianas son una parte muy importante de mi y de mi carrera, siempre quiero poder expresar el amor a la música en ambos lenguajes”, comentó Kampi. Ahora, Kampi lanza su primer sencillo de reggaeton, titulado “Insomnia”, junto al rapero urbano Rey King, multipremiado compositor, productor y cantante, que fue ganador del premio ASCAP con el tema “Day One” de Leslie Grace. También cabe destacar que fue nominado al Grammy Latino por compositor en dos temas de Leslie. Temas como “Tijuana”, “Jealous”, “Solo”, “Fell in Love”, “Fiesta de Jumo”, entre otras, han marcado un antes y un después en su carrera. El sencillo “Insomnia” viene acompañado de un video musical espectacular, tipo película de Hollywood, donde los intérpretes le cantan a dos mujeres que los tienen con insomnia, y en una especie de reality virtual, se vuelven a encontrar con ellas en un desierto remoto para poder seguir su historia de amor. “Cuando vamos a grabar al estudio, no importa quién eres, si eres músico o no, lo que importa es el tema, el momento, tu sentir, en fin, es amor, arte, expresión”, expresó Kampi. Ya el tema está disponible en todas las plataformas digitales.

Jarosz Architect

VENETIAN ISLAND RESIDENCE_JAROSZ-ARCHITECT
VENETIAN ISLAND RESIDENCE_JAROSZ-ARCHITECT

Home Builder Digest

The 15 Best Residential Architects in Pinecrest, Florida

Jarosz Architect

3326 Mary St. Suite #500, Miami, FL 33133 

A firm associated with highbrow industry organizations like the American Institute of Architects (AIA), the Royal Institute of British Architects (RIBA), and the Polish Institute of Architects, Jarosz Architect has been recognized for its signature classical architecture. With a focus on residential architecture, this firm’s design approach is influenced by a deep understanding of historical precedents that range from classical to modern.

Among its many beautiful projects, its most notable might be the Venetian Islands home. A 1920s Mediterranean revival, it was transformed into a residence that involved replicating the traditional rough texture of the stucco and the handmade clay barrel tiles of the roof. Custom crafted windows and doors, gracefully arched, were also included to add to the period effect and able to withstand hurricane winds. The interior, meanwhile, includes details such as the reclaimed antique Dalle de Bourgogne French limestone flooring spread across the first floor. The home has several other notable features and this peaceful home is a great space for the homeowner’s growing children. With homes like this in its portfolio, the firm has been featured in publications like Luxe, Architectural Digest, Dream Homes South Florida, Florida Architecture, and The Miami Herald. 

Qué es un NFT: arte digital

NFT Art
NFT Art

Qué es un NFT: la explicación fácil del sistema que certifica el arte digital

La tecnología NFT, apoyada en blockchain, ha tenido un impulso importante tras la apuesta de artistas de renombre y creadores de contenido como Willyrex.

Izan González 

Comprar un cuadro o una escultura en una subasta con su sello de autenticidad es garantía de que nos estamos llevando a casa una pieza única y original. Pero, ¿qué pasa si es un archivo digital? El youtuber de España Willyrex o el fundador de Twitter Jack Dorsey ya han utilizado la tecnología denominada NFT (Non-Fungible Token, token no fungible), que certifica que lo que estamos adquiriendo es completamente original, aunque pertenezca al intangible mundo de lo digital.

Vídeos, imágenes, GIFs, todo tipo de arte digital y hasta la primera publicación en una red social. Absolutamente todo Internet, al igual que ocurre en objetos físicos, puede ser certificado con NFT para confirmar la autenticidad. En este sentido, y teniendo en cuenta la ‘magia’ de la informática que permite duplicar casi todo, cobra una especial relevancia para poder demostrar que tenemos delante una imagen única.

El último caso, y de los más sonados, ha sido el del creador de Twitter. Jack Dorsey ha vendido el primer tuit de la plataforma escrito y publicado en 2006. Para ello, lo ha puesto a la venta utilizando un certificado NFT validando que, efectivamente, es el original. Los 2,4 millones de euros que ha pagado por él Sina Estavi, CEO de Bridge Oracle, irán a parar a la ONG Give Directly.

Y esto es solo el principio. Existe actualmente una corriente de vendedores y creadores de ‘criptoarte’, como así se denomina, que utilizan la tecnología NFT como seña de garantía en diferentes plataformas.

¿Qué es un NFT?

Para comprender cómo funciona NFT hay que saber qué es una blockchain. “Blockchain es una tecnología que apareció en 2009 junto a la criptomoneda bitcoin. La característica más importante es que permite descentralizar servicios y transacciones”, nos ha contado Víctor García Font, experto en blockchain y criptomonedas de la Universidad Oberta de Cataluña.

Uno de los ejemplos más claros que nos pone el experto es la descentralización de los pagos. Tradicionalmente, hemos necesitado a los bancos para que gestionaran los pagos hechos en formato electrónico. Bien pasando la tarjeta de crédito en un establecimiento o comprando por Internet. “Necesitamos a un banco para que reste dinero de nuestra cuenta y sume la misma cantidad a la del comerciante”.

Con las criptomonedas no, “la blockchain es una base de datos compartida entre los usuarios donde se registran las transacciones monetarias”. Directamente y sin intermediarios en modo de entidades bancarias. Las criptomonedas como el bitcoin son tokens fungibles, “quiere decir que un activo es intercambiable por otro siempre y cuando sean iguales”. Nos da igual tener una moneda concreta de un euro que tener otra, porque tienen el mismo valor. Y es ahora donde llegamos a la segunda vuelta de tuerca: NFT.

“Alguien pensó en hacer tokens no fungibles, es decir, que de verdad sea diferente un token de otro. Más parecido a los cromos y no tanto a las monedas“, nos ha comentado García Font. “No es lo mismo tener un cromo de Iniesta, no es lo mismo que tenerlo de Griezmann”. Para hacer NFT, se crearon una serie de “cromos que pueden tener propietarios”.

Un activo digital que puede tener un propietario y que sea único. “Que ese cromo en concreto sea único para ti”. Con una gran diferencia, de los cromos se hacen tiradas de cientos de ejemplares, pero en el NFT cada ‘cromo’ es único para todo el mundo.

Podríamos tener un activo digital que representara a un piso, por ejemplo”. El propietario del piso podría transferir entonces el inmueble como si fuera una criptomoneda. Este último ejemplo es, por el momento, una quimera que está lejos de hacerse realidad. “Un piso está registrado en un notario, en este caso el papel del notario lo haría la blockchain“, asegura.

Pero existen otros mucho más mundanos y realistas que puedan verse en breve. “Por ejemplo, NFT representando ropa de marca como unas zapatillas“. Uno de los usos más importantes es en el mercado de segunda mano que tan de moda está para ese tipo de prendas. “Sería una forma de saber que las zapatillas son originales”.

“Se puede vincular un NFT a un par de zapatillas concretas y que eso lo haga el fabricante. Cuando se compren por primera vez, nos pueden transferir ese token que certifica que se trata de un producto original”. En el mercado de segunda mano, cuando el comprador vaya a vender las zapatillas, deberá transferir al nuevo dueño ese token o NFT. Lo único que se necesitaría es tener un monedero de criptomonedas donde transferir ese token, que cualquier persona puede crear.

¿Y qué hay del arte digital?

Para la transferencia de archivos de arte digital el funcionamiento es exactamente igual. “Si tienes una imagen y la asociamos con un NFT, alguien puede ser el dueño de esa imagen y que quede constancia como tal en la blockchain“.

Luego el dueño ya puede hacer lo que quiera con ella. Desde ceder los derechos para grabar un anuncio o cualquier otra aplicación que se nos pueda ocurrir. “Antes ya estaba regulado a través de los derechos de autor, pero con esta fórmula está mucho más claro quién es el propietario. Se pueden crear mecanismos automáticos para recompensar a los dueños de estas fotografías“.

Las fotografías son solo un ejemplo de lo que se puede vender dentro del universo del arte digital. En el caso de los artistas, la obra digital queda asociada a un NFT. Cuando el comprador pase por caja, el mismo creador deberá pasarle la obra artística digital junto al código único que certifica la autenticidad.

Cualquier creador de contenido -en verdad cualquier persona- puede registrar su creación en la blockchain y obtener su NFT. “Existen plataformas que, a cambio de una comisión, realizan el proceso de registro”, según nos apunta García Font. 

¿Quién vende con NFT?

Este sistema ha vivido un auténtico impulso en estas últimas semanas debido a una subasta multimillonaria. La casa de subastas Christie’s vendió el 11 de marzo la primera obra de arte íntegramente digital.

Se trata de la creación Everydays: The First 5000 Days del artista Beeple, un collage compuesto por imágenes digitales tomadas en el día a día del creador. La obra alcanzó en la subasta los 58,5 millones de euros y ha sido firmada como auténtica utilizando NFT.

Otro de los actores principales del impulso NFT es la NBA a través de la venta de clips de vídeos de canastas. Un vídeo de una jugada de Lebron James se vendió hace un tiempo por 200.000 dólares. En el caso del youtuber Willyrex, ha anunciado que tendrá un total de 5 piezas certificadas por NFT con precios que van desde 1 euro hasta los 2.000. Según las imágenes que ha mostrado, son dibujos animados en tres dimensiones.

Y como muestra de que el arte digital con certificación NFT se puede aplicar en cualquier sector, tenemos el golfista Bryson DeChambeau que ha creado un total de 73 tarjetas coleccionables de 5 modelos diferentes. Estas tarjetas se encuentran disponibles en una plataforma dedicada a la subasta de este tipo de objetos digitales NFT superando los 2.500 dólares cada una al cierre del artículo.

Bryson DeChambeau ha recurrido al mercado Opensea para colgar sus creaciones, una de tantas plataformas que han crecido al calor de esta nueva moda del arte digital único. En ellas, se encuentran todo tipo de creaciones desde un céntimo de euro. Algo así como un eBay o un AliExpress del arte digital donde comprar coleccionables.

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