AWA CULTURA CELEBRA SU PRIMER ANIVERSARIO CON EL LANZAMIENTO DE SU “LABORATORIO CURATORIAL”, LA MUESTRA [RE]CONOCIMIENTO DE RENZO RIVERA Y DOS MUESTRAS VIRTUALES

El próximo 6 de marzo, AWA Cultura celebra su primer aniversario con la inauguración de la muestra presencial [Re]conocimiento, con pinturas de Renzo Rivera y texto de Antonio Odehnal. Esta muestra es el primer producto de su proyecto #Laboratoriocuratorial, es un proyecto conjunto del Centro Cultural UCAB, Incubadora Visual y AWA Cultura, diseñado por Humberto Valdivieso y Ricardo Arispe con el apoyo de nuestros curadores y colaboradores habituales. Con este proyecto no solo buscan promover el trabajo de artistas emergentes, sino fomentar el trabajo de investigación y la formación de nuevos curadores e investigadores.

En palabras de Odehnal: “La obra de Renzo Rivera en su gestualidad pictórica refleja a través de las formas, pinceladas, trazos agitados e impetuosos, atmósferas llenas de tensiones que expresan su preocupación por asir la pintura en su movimiento hacia la apariencia. El elemento místico-religioso presente como metáfora estético-filosófica de la revelación de la luz como proceso trascendental del espíritu, acompaña la poética del horror y el vacío, la presencia-ausencia en el acto contemplativo y la decadencia, lo efímero, lo ilusorio. Se convierte así en una borradura emblemática cuyas líneas expresivas del dibujo desaparecen de nuestra vista por efecto de una sutil aniquilación intencional”.

Adicional a la muestra presencial, AWA Cultura y sus aliados, inaugurarán las muestras virtuales “2+2=5 Insomnia digital” de Luis Moros con la curaduría filosófica de Humberto Valdivieso y Lorena Rojas Parma, y ”Poemas” de Alejandro Coutinho con texto de Aglaia Berlutti.

La muestra presencial de Renzo Rivera estará abierta al público a partir del 6 de marzo en AWA Cultura del Hatillo (calle La Paz, casa Nro. 34), en horario comprendido de 11:00 a.m. a 4:00 p.m., se sugiere confirmar la hora de asistencia por medio de mensaje directo a la cuenta de instagram de AWA Cultura (@awacultura), permitiéndoles organizar de mejor manera sus aforos. También podrán asistir visitantes sin confirmación previa, teniendo en cuenta que se dará prioridad a las personas confirmadas y el acceso a las personas sin confirmar se otorgará en función de la disponibilidad del aforo de su espacio. Por su parte, las muestras virtuales estarán disponibles en #AWAVR (el espacio virtual de AWA Cultura https://vr.awacultura.com) a partir de las 00:00 del 6 de marzo.

Más información en: https://awacultura.com; redes sociales: @awacultura

Jorge Oteiza, Caja metafísica

Francisca Pérez Carreño

Catedrática de Estética y Teoría de las Artes de la Universidad de Murcia

Como para otros grandes artistas de la vanguardia clásica para Jorge de Oteiza abstracción era otra palabra para “mística”. Oteiza consideraba el arte como un modo genuino y quizá el más adecuado de expresión de las aspiraciones humanas de trascendencia, el lugar de manifestación de lo sagrado. Como en el caso de Malevich, a quien tanto admirara, esta aspiración está ligada al uso de la razón y de la investigación artística formal. Es así porque la abstracción permite evitar aquello que dentro del arte lo desvía de lo verdaderamente importante: el subjetivismo, la anécdota, el sentimentalismo. Por el contrario, la abstracción permite que el arte se una al pensamiento filosófico en la investigación racional de lo real, en la búsqueda de sentido. Como en las vanguardias clásicas, confiar en la capacidad de conocimiento del arte y en la tarea intelectual del artista están en Oteiza ligadas a la justificación ideológica del arte como utopía, a la realización del hombre nuevo. La Caja metafísica de 1957 es el resultado de años de investigación y trabajo sobre estas ideas: ejemplo de fuerza y pureza, de la elevación espiritual a través del arte.

Al contrario de los minimalistas americanos, que en la década posterior buscarán en la geometría el modo de hacer evidentes los rasgos de la experiencia humana del mundo, Oteiza -aunque en ocasiones haya sido considerado un minimalista español- busca en la geometría el modo de trascender esa experiencia intramundana. La geometría platónica le sirve para pensar artísticamente las grandes ideas, que exceden a los modos de percepción y de conocimiento sensibles, aunque sea dotándolas de forma  sensible. El único modo de llevar a cabo la tarea con total coherencia es despojando a estas ideas metafísicas y a su exposición sensible de cualquier rasgo determinante, de anécdotas temporales o espaciales, de argumentos representacionales o detalles personales. Curiosamente, es la escultura la forma artística que permite una expresión más ajustada de alguna de estas ideas. A pesar de su ineludible carácter material, de su literalidad, Oteiza trabaja sobre las posibilidades de espiritualización a partir de uno de los principales elementos descubiertos para ella por la vanguardia: el hueco, el vacío. Sus obras escultóricas abstractas de “desocupación” son ejercicios de activación del espacio tridimensional, como las pinturas de Malevich lo eran del espacio pictórico. La Caja metafísica  de 1957 es uno de sus resultados finales, como lo fuera el Cuadrado negro sobre blanco en 1915 para la pintura.

En una posible comparación con el Cuadrado negro sobre blanco, la Caja metafísica se me presenta como una obra madura, resultado de una serie, en relación a la cual tiene sentido. Su aparente simplicidad formal es en realidad el resultado de una investigación cuyas etapas anteriores -como siempre sucede en arte- le dan sentido. En este caso, la fórmula más sencilla de desocupación espacial es también la más elegante. Como lo era la elipse para las órbitas de los planetas y Kepler sólo lo vio tras ensayar con otras formas geométricas. Homenaje a Malevich de Oteiza activaba el espacio al inducir una percepción del espacio sugerido dentro o fuera de los planos curvados que conforman materialmente la escultura. En otro homenaje a un vanguardista, Homenaje a Mallarmé, es la relación entre los planos, sus intersecciones, los ángulos creados, o el dibujo del contorno y las sombras los que tematizan el espacio. Dentro de una poética vanguardista, el equilibrio, la relación entre la horizontal y la verticalidad, el exterior y lo interior, son trabajados en estas obras a través de la construcción, la relación entre los elementos en la composición. Considero que la Caja metafísica es un paso en esta serie que significa un gran cambio. El cambio reside en que el procedimiento artístico ya no es constructivo, es decir, ya no se persigue crear una unidad a través de la combinación de elementos (en los casos anteriores, planos,) aislados. No se trata, evidentemente, de que la caja no se haya construido, pero el procedimiento mediante el que ha llegado a ser no se recupera en la percepción interpretativa de la obra, como sucede en la escultura constructiva vanguardista. Ahora, la obra es una unidad lograda: una pieza en la que el procedimiento, el trabajo de composición o de ensamblaje de los elementos no es fundamental. Por esa razón las tensiones constitutivas no se dan entre los distintos elementos y el todo, la horizontal y la vertical, ni siquiera entre el hueco y el volumen, o el espacio y el plano. La tensión fundamental parece ser más abstracta, y ya no de índole estrictamente escultórico, sino también filosófica: la tensión entre el ser y la nada.

Así pues, en principio, una caja no es una construcción en el espacio, un ensamblaje o composición, sino un contenedor, un delimitador de espacio. Y en ese sentido, una caja vacía delimita un espacio vacío. Pero no es solo eso la caja de Oteiza, porque ella no retiene un vacío, sino que señala a lo que hay antes, el espacio como lugar, como extensión originaria. El vaciado, o la desocupación, no tienen finalidad en sí mismas, son el modo de señalar el espacio absoluto. Las delgadas paredes de bronce de la Caja metafísica no ocupan un lugar, ni muestran un vacío, no encierran un espacio ni lo rellenan, sino que son el edificio mínimo con que se señala a lo absoluto. Caja metafísica es un cubo geométrico, un cuerpo ideal cuyas depuradas líneas sirven a la creación de un vacío ideal, sagrado, según Oteiza. El cubo es el lugar desde el que pensar lo absoluto, pero también en elque pensarlo, un lugar de “protección espiritual”, como en una casa o en un refugio, después de todo. De este modo, la nada a la que aspira a dar forma con la escultura me parece un modo de plasmación de oscuros y primitivos miedos. La pureza platónica de la forma geométrica y el espacio desocupado contribuyen a expresar quizá lo que en el fondo no es sino el mismo sentido de experiencias infantiles como la de la oscuridad, la inmensidad del cielo, la profundidad de un pozo…

La Caja metafísica es el pensamiento plástico de la relación entre el individuo y el cosmos que tiene una expresión formal y también metafísica, pero no olvida en el arte el carácter emocional que tiñe ciertas experiencias de la naturaleza en las que se sugiere la relación entre el individuo y el universo. En el arte abstracto más serio este carácter expresivo no tiene el contenido de una emoción concreta negativa o positiva, pongamos de soledad o angustia, en el primer caso, o de exaltación, en el segundo, de un sujeto ante la naturaleza. Algunos rasgos formales de las Cajas metafísicas sugieren la pertinencia de una interpretación expresiva, que ha sido señalada en ocasiones, es decir, contribuyen a la carga expresiva de esta escultura. Esta expresividad de la escultura no va en contra de su intención como pensamiento estético, sino que retoma el tema central del vacío, la relación del hombre con el universo, y, por tanto, su carácter experiencial. La perfección está reñida con lo sublime; por eso, a pesar de la pureza formal, de la regularidad del cubo que inscribe el espacio, de los ángulos rectos de sus aristas y  vértices, de la nitidez del corte, el espacio desocupado del cubo tiene la forma que le proporcionan los cortes en sus lados. Y es una forma expresiva, en la que ninguna recta es perpendicular o paralela a las otras, ningún corte es previsible, ningún modo de dejar paso a la nada idéntico a otro. Las diferentes Cajas metafísicas son diversas porque no hay un único pensamiento del vacío o de la nada. Por eso, cada Caja metafísica sugiere el pensamiento de la nada a partir de una determinada configuración del corte en lo que hay, de una desocupación concreta del espacio.

Source https://www.march.es/arte/coleccion/ficha.aspx?p0=11&l=2

La exposición titulada “Rhythms”

Obras de Félix Carmelo se exhiben en Miami en los espacios expositivos de Imago

La exposición titulada “Rhythms”, del artista puertorriqueño Félix Carmelo, será inaugurada en Miami el 20 de febrero de 2021 a las 12 pm, en la nueva sede del centro cultural Imago, con un conjunto de obras que parten de los lenguajes derivados de la abstracción geométrica asociados al minimalismo bajo la curaduría de Katherine Chacón.

Vistas formadas por las superposiciones e interacciones arquitectónicas de algunos edificios de Coral Gables –como fachadas, cornisas y portones–, así como de objetos y elementos naturales del paisaje, fueron el punto de partida de la propuesta que presenta en esta ocasión Félix Carmelo, según explica la curadora de la muestra, Katherine Chacón.

De acuerdo a la curadora, el artista parte de estas imágenes, captadas fotográficamente,  “para emprender —vía digital o a través de bosquejos a lápiz— una ‘caza de formas’, ejecutada tras un mirar cuidadoso de cada detalle. Focalizándose en aquellos cuya calidad estética escapa a simple vista, el artista hace surgir nuevas composiciones, cuyas formas y ritmos acentúa, continúa, o combina con los de otras imágenes obtenidas de modo similar. Incluso, estas ‘composiciones encontradas’ le sirven a menudo de origen para buscar nuevos detalles, en un proceso que va insistentemente de lo macro a lo micro. La intuición y la sensibilidad del artista juegan un papel preponderante en este ejercicio post-fotográfico de búsqueda, encuentro, selección, combinación y creación”.

Félix Carmelo (Arecibo, Puerto Rico, 1968) es un artista visual residenciado en Miami, Florida, que desde niño demostró pasión y valoración por el diseño y el arte, lo que lo llevó a graduarse como técnico en dibujo arquitectónico en el Liceo de Arte y Tecnología de Puerto Rico y, posteriormente, a realizar estudios de diseño interior en la Miami International University of Arts and Design. Su refinado sentido estético ha sido decantado por las experiencias que le dejaron sus viajes, visitas a exposiciones, y amor a los libros. Desde 2016 pertenece al grupo de artistas contemporáneos Generación Reactiva, consolidado con el respaldo de la Galería Petrus de San Juan, Puerto Rico. En 2020 realizó estudios de pintura con el artista y profesor Guillermo García-Cruz en la Abstract Art School S35 de Madrid, España. Ese mismo año, inició sus sesiones de guiatura artística con la curadora venezolana Katherine Chacón. Su trabajo se encuentra representado en varias colecciones privadas de Puerto Rico, Estados Unidos, Italia, Brasil y México.

La exposición “Rhythms” de Félix Carmelo se estará presentando en la nueva sede de Imago, ubicada en 150 Madeira Ave. Coral Gables, FL 33134. La inauguración de la muestra será el 20 de febrero de 2021, de 12 a 6 pm (confirmación de asistencia requerida, grupos de máximo 10 personas por hora) y permanecerá en exhibición hasta el mes de mayo del presente año. Mayor información por el teléfono 786-8576967

Redes: @imagoartinaction

Web: https://imagoartinaction.com/

Link para reservar para el opening: https://imagoartinaction.com/rhythms/

Carol Illanes, curadora.

Carol Illanes (Santiago, 1987)Curadora e investigadora en arte chileno y latinoamericano contemporáneo. Magíster en Historia y crítica de arte de la Universidade Federal do Rio de Janeiro. Sus proyectos han abordado temas diversos entre ellos la relación entre arte y espacio público, el video experimental y la teoría de la historia en el arte latinoamericano. Entre sus curatorías están “Señales Aleatorias: retrospectiva de arte sonoro en Chile” (Parque Cultural, 2016), “Chulos chunchules chilenos: Piero Montebruno y Paz Errázuriz” (Galería D21, 2018) y “Agorafilia” (M100, 2020). Se ha desempeñado como co-editora de distintas revistas como Arte y Crítica que dirigió entre el 2014-2016. Se desempeñó como investigadora de la Colección del Museo de Artes Visuales, MAVI y actualmente lleva el cargo de productora del Centro de Extensión Palacio Pereira, un nuevo espacio programático abocado a la difusión del patrimonio cultural nacional.

Amalia Cross, curadora.

Amalia Cross (Viña del Mar, 1989)es historiadora del arte y curadora. Licenciada en Arte por la Pontificia Universidad Católica de Valparaíso (PUCV), magíster en Teoría e historia del arte por la Universidad de Chile y candidata a Doctora en Historia por la Pontificia Universidad Católica de Chile (beca CONICYT). Entre 2013 y 2015 trabajó como investigadora para el Catálogo razonado del Museo de Arte Contemporáneo de la Universidad de Chile. Y entre 2016 y 2020 se desempeñó como profesora en el Instituto de Arte de la PUCV. Ha centrado su trabajo de investigación y escritura sobre museos, colecciones y archivos de arte latinoamericano. Ha sido co-curadora, junto a María Berríos, de la exposición “Alberto Cruz: El cuerpo del arquitecto no es el de un solo hombre” (MAVI-2017) y curadora de las exposiciones “El museo en tiempos de revolución” (MNBA – 2019) y “1872” (Palacio Pereira – 2021). Entre sus publicaciones recientes destacan: “¡Las musas se tomaron el museo!” (Seminario internacional de investigación, 12 Bienal del Mercosur, 2020), “El Happening de las gallinas de Carlos Leppe: documentación y peritaje” (D21 Editores, 2020), “Historias de boicot: sobre las causas y consecuencias de la participación de Chile en el boicot a la X Bienal de Sao Paulo, 1969” (Peter C. Marzio Award , ICAA – Museum of Fine Arts, Houston, 2019) y el libro Álvaro Guevara La tela, el papel y el cuadrilátero (Mundana Ediciones, 2019). Es co-editora del sello independiente Ediciones JGV.