Opened this November in Gallery Two of S|2 is a great exhibition of Cuban artist Ernesto Briel’s works from the sixties and seventies. Born in 1943, Ernesto Briel found inspiration in Optical Art amidst the constraints and limitations of his native country following the Cuban revolution. Facing both the isolation imposed by the US cultural embargo of the sixties, and the relentless persecution by the Castro regime against homosexuality during the early seventies, Briel found motivation in these challenges that would nurture his prolific artistic life.
He was instrumental in the circulation of geometric abstraction in Cuba at this time. Many of his artworks that are included in this exhibition were printed in Signos; a national magazine published in a conscious effort to prevent cultural isolation. Briel left Cuba through the Mariel boatlift in 1980 and continued his practice in New York, receiving the Cintas Foundation fellowship award in 1988-1989 and exhibiting in a number of solo and group shows. These exhibitions included the now historically relevant Duo Geo show in 1992, which featured Briel’s work alongside his friend and fellow Cuban artist, Carmen Herrera. Briel died of AIDS-related complications in 1992. His legacy lives through the myriad of challenges he overcame and his commitment to his artistic practice, especially the international language of Op Art, as a means to transcend cultural boundaries.
Ernesto Briel 24th November – 26th January 2018 S|2 gallery www.sothebys.com/s2
About The Artist Born in Guanabacoa, Cuba in 1943, Ernesto Briel was instrumental in the circulation of geometric abstraction in Cuba during the 1960s and 1970s. The artist, whose work is currently on display at S|2 London, found inspiration in Optical art amidst the constraints and limitations of his native country in the two decades following the triumph of the Cuban revolution.
From an early age Briel took to representing things he saw around him on paper and became initially inspired by images of modern art he discovered within books and magazines. Rather than simply representing what he saw, he slowly began to reinterpret objects that inspired him through a geometric lens. In 1961, Briel entered the Academy of San Alejandro in Havana, but discovered that the art school’s politics were completely opposed to the modern tendencies that had inspired him to attend in the first place. Briel had to fight hard for his more modern approach to be acceptanced in the confines of the school and experienced a considerable amount of rejection directed towards his work. Whilst studying at the Academy of San Alejandro, Briel was employed as an actor at the National Theatre of Guiñol, one of the most avant-garde theatres in Cuba’s history.
Briel would later reflect on these two experiences as complete opposites, having attended art school due to his passion for painting, whereas his involvement in the theatre was in order to earn a living. However, the young artists’ attendance at the theatre allowed him to become well known within Cuba’s artistic and theatrical circles. In 1966, Briel’s work was shown alongside Cuban artist Mario Carreño Morales in his first exhibition, entitled Morales y Briel. Dibujos OP y POP at the Galiano Gallery in Havana. The exhibition set about exploring optical illusions in his practice. It gained acclaim and a wider reach following an article published in the centrefold of the Sunday edition of Cuba’s El Mundo newspaper and shortly after the exhibition his work was reproduced in Islas Magazine, a publication with an international scope. Many of Briel’s artworks, several of which are included in the current S|2 exhibition, were also printed in Signos; a national magazine published from the late 1960s into the 1970s in a conscious effort to prevent cultural isolation.
In 1978, whilst completing a design course at the National School of Design in Havana, Briel became part of a short-lived art group known as the Grupo Cubano de Arte Óptico (The Cuban Group of Op Art). The artist would continue to exhibit his work, in the early months of 1980, he showed his recent work at the vestibule of CMQ (also known as Radiocentro), Havana’s premier TV station. The exhibition further explored the relationship between the kinetic and the optical in art, including an array of drawings, paintings and three-dimensional works.
Whilst working as an actor Briel was given the opportunity to tour Europe with the theatre, but on his return to Cuba he was confronted with a country of increasing totalitarianism. In 1980 the artist made the decision to leave Cuba for New York through the now historic Mariel boatlift. In New York, Briel had access to the work of other artists who had similar concerns, such as Bridget Riley and Frank Stella. Most importantly, Briel encountered the work of two other Cuban geometric abstractionists: Carmen Herrera and Waldo Balart. The three artists learnt to appreciate and admire each other’s work, developing a lifelong friendship.
In 1989, Briel was presented with the Cintas Foundation fellowship award and continued to exhibit in a number of solo and group shows in New York. These exhibitions included the now historically relevant Duo Geo show in 1992 at Jadite Galleries in New York City, which featured work by Carmen Herrera and Briel alongside one another. Sadly, the following year Briel died from AIDS related complications, but the artist’s legacy lives through his commitment to his artistic practice, especially the international language of Op Art, as a means to transcend cultural boundaries.
MIAMI FILM FESTIVAL, TOWER THEATER MIAMI PRESENT OSCARS 2022 INTERNATIONAL FEATURE SHORTLIST SCREENING SERIES FROM JAN. 4 – FEB. 7
MDC’s Tower Theater to screen 13 films in the Best International Feature Film category including five Miami premieres prior to the 94th Academy Awards nominations announcement
MIAMI (January 4, 2022) – The countdown to the 94th Academy Awards is on! The Oscars have unveiled a shortlist of 15 finalists for the Best International Feature Film category, out of 93 submissions from countries around the world. From January 4 – February 7, Miami Film Festival and Miami-Dade College’s (MDC) Tower Theater Miami are proud to present an INTERNATIONAL FEATURE SHORTLIST SCREENING SERIES, featuring big screen theatrical opportunities to view 13 of the contenders at the historic theater in Little Havana. Five of the selections are Miami premieres, the public’s first chance to see these great films!
This series adds to the excitement of the previously announced Miami Film Festival-Variety nominee roundtable to be held in March and provides South Floridians with the opportunity to see several of the shortlisted films leading up to the announcement of the Academy Awards nominations on February 8, 2022.
See them all and make your best prediction about which films will receive the five nominations:
Tuesday, Jan 4 –THE WORST PERSON IN THE WORLD (Norway). The opening night of the series is one of the clear frontrunners. Joachim Trier’s film was named Best Foreign Language Film by the New York Film Critics Circle. (6:50pm start time)
Thursday, Jan 6 –A HERO (Iran). Filmmaker Ashgar Farhadi is already a two-time Oscar winner for these previous films, A SEPARATION and THE SALESMAN. (6:50pm start time)
Saturday, Jan 8 –HIVE (Kosovo).Miami Premiere! Winner of multiple awards at the 2021 Sundance Film Festival.
Tuesday, Jan 11 –LAMB (Iceland). Starring Noomi Rapace (The Girl With the Dragon Tattoo).
Thursday, Jan 13 –THE HAND OF GOD (Italy). Paolo Sorrentino’s love letter to his native Naples has an epic sweep.
Saturday, Jan 15 –DRIVE MY CAR (Japan).Miami Premiere! Ryusuke Hamaguchi’s stunning film is another clear frontrunner for this year’s Oscar. The film has been named Best Picture of the Year by both the New York Film Critics Circle and the Los Angeles Film Critics Association, one of the rare times the two critics groups voted for the same film. (6:00pm start time)
Tuesday, Jan 18 –PRAYERS FOR THE STOLEN (Mexico).
Thursday, Jan 20 –GREAT FREEDOM (Austria).
Saturday, Jan 22 –COMPARTMENT NO. 6 (Finland).Miami Premiere! A moving cinematic experience. Winner of the Grand Jury Prize at the 2021 Cannes Film Festival.
Tuesday, Jan 25 –LUNANA: A YAK IN THE CLASSROOM (Bhutan).Miami Premiere! This beloved feel-good film marks Bhutan’s first-ever appearance on the Oscar shortlist.
Thursday, Jan 27 –PLAYGROUND (Belgium). Miami Premiere! In French with English subtitles, presented by TV5 Monde.
Saturday, Jan 29 –I’M YOUR MAN (Germany).
Tuesday, Feb 1 –FLEE (Denmark). Another major frontrunner. An Audience Award runner-up at the recent Miami Film Festival GEMS, and winner of major prizes from Sundance, New York Film Critics Circle, Los Angeles Film Critics Association.
Tickets on sale for all films a minimum of one week prior to their showtime. Tickets range from $12.75 per adult to $5 for members (weekday and weekend pricing vary). MDC’s Tower Theater Miami is located at 1508 SW 8th Street. Visit www.towertheatermiami.com for showtimes and more information.
About Miami Dade College’s Miami Film Festival Miami Film Festival is an international film event that serves as a major film showcase for world cinema. Considered the preeminent film festival for highlighting Ibero-American cinema in the U.S., Miami Film Festival has become renowned for championing films made by the South Florida community, first-time feature filmmakers, and International Feature Film submissions to the Academy Awards. The annual Festival, produced and presented by Miami Dade College, attracts more than 60,000 audience members and more than 400 filmmakers, producers, talent, and industry professionals. Since 1984, the Festival has screened over 2,500 films from more than 75 countries and given out more than $2 million USD in cash awards to filmmakers and distributors. Miami Film Festival is the oldest major festival housed in a university or college and also operates a year-round art cinema, Tower Theater Miami and Miami Film Festival GEMS in November. For more information, visit miamifilmfestival.com or call 305-237-FILM (3456).
Constructivism was an artistic and architectural philosophy that originated in Russia beginning in 1913 by Vladimir Tatlin. This was a rejection of the idea of autonomous art. He wanted ‘to construct’ art. The movement was in favour of art as a practice for social purposes. Constructivism had a great effect on modern art movements of the 20th century, influencing major trends such as the Bauhaus and De Stijl movements. Its influence was pervasive, with major effects upon architecture, graphic design, industrial design, theatre, film, dance, fashion and to some extent music.
The term Construction Art was first used as a derisive term by Kazimir Malevich to describe the work of Alexander Rodchenko in 1917. Constructivism first appears as a positive term in Naum Gabo’s Realistic Manifesto of 1920. Aleksei Gan used the word as the title of his book Constructivism, printed in 1922. Constructivism was a post-World War I development of Russian Futurism, and particularly of the ‘counter reliefs’ of Vladimir Tatlin, which had been exhibited in 1915. The term itself would be invented by the sculptors Antoine Pevsner and Naum Gabo, who developed an industrial, angular style of work, while its geometric abstraction owed something to the Suprematism of Kazimir Malevich.
Constructivism as theory and practice was derived largely from a series of debates at INKhUK (Institute of Artistic Culture) in Moscow, from 1920–22. After deposing its first chairman, Wassily Kandinsky, for his ‘mysticism’, The First Working Group of Constructivists (including Liubov Popova, Alexander Vesnin, Rodchenko, Varvara Stepanova, and the theorists Aleksei Gan, Boris Arvatov and Osip Brik) would develop a definition of Constructivism as the combination of faktura: the particular material properties of an object, and tektonika, its spatial presence. Initially the Constructivists worked on three-dimensional constructions as a means of participating in industry: the OBMOKhU (Society of Young Artists) exhibition showed these three dimensional compositions, by Rodchenko, Stepanova, Karl Ioganson and the Stenberg brothers. Later the definition would be extended to designs for two-dimensional works such as books or posters, with montage and factography becoming important concepts.
As much as involving itself in designs for industry, the Constructivists worked on public festivals and street designs for the post-October revolution Bolshevik government. Perhaps the most famous of these was in Vitebsk, where Malevich’s UNOVIS Group painted propaganda plaques and buildings (the best known being El Lissitzky’s poster Beat the Whites with the Red Wedge (1919)). Inspired by Vladimir Mayakovsky’s declaration ‘the streets our brushes, the squares our palettes’, artists and designers participated in public life during the Civil War. A striking instance was the proposed festival for the Comintern congress in 1921 by Alexander Vesnin and Liubov Popova, which resembled the constructions of the OBMOKhU exhibition as well as their work for the theatre. There was a great deal of overlap during this period between Constructivism and Proletkult, the ideas of which concerning the need to create an entirely new culture struck a chord with the Constructivists. In addition some Constructivists were heavily involved in the ‘ROSTA Windows’, a Bolshevik public information campaign of around 1920. Some of the most famous of these were by the poet-painter Vladimir Mayakovsky and Vladimir Lebedev.
Constructivism Movement Artists
Joaquin Torres Garcia, Spanish, 1874 – 1949 Aleksandra Ekster, Russian, 1882 – 1949 Vadym Meller, Ukrainian, 1884 – 1962 Janos Mattis-Teutsch, Hungarian, 1884 – 1960 Vladimir Tatlin, Russian, 1885 – 1953 Ludwig Mies van der Rohe, German, 1886 – 1969 Lajos Kassak, Hungarian, 1887 – 1967 Josef Albers, German, 1888 – 1976 Oskar Schlemmer, German, 1888 – 1943 Sophie Taeuber-Arp, Swiss, 1889 – 1943 Lyubov Popova, Russian, 1889 – 1924 Peter Laszlo Peri, British, 1889 – 1967 Naum Gabo, Russian, 1890 – 1977, 16 Carl Buchheister, German, 1890 – 1964 Vytautas Kairiukstis, Lithuanian, 1890 – 1961 El Lissitzky, Russian, 1890 – 1941 Erich Buchholz, German, 1891 – 1972 Alexander Rodchenko, Russian, 1891 – 1956 Emilio Pettoruti, 1892 – 1971 Sandor Bortnyik, Hungarian, 1893 – 1976 Henryk Stazewski, Polish, 1894 – 1988 Vasyl Yermylov, Ukrainians, 1894 – 1968 Henryk Berlewi, French, 1894 – 1967 M. H. Maxy, Jewish, 1895 – 1971 Anatol Petrytsky, Ukrainian, 1895 – 1964 Alexander Khvostenko-Khvostov, Russian, 1895 – 1968 Marcel Janco, Jewish, 1895 – 1984 Laszlo Moholy-Nagy, Hungarian, 1895 – 1946 Katarzyna Kobro, Russian, 1898 – 1951 Anni Albers, American, 1899 – 1994 Anton Prinner, Hungarian, 1902 – 1983 Richard Paul Lohse, Swiss, 1902 – 1988 José Pedro Costigliolo, Uruguayan, 1902 – 1985 Burgoyne Diller, American, 1906 – 1965 György Kepes, Hungarian, c.1906 – c.2001 Petre Otskheli, Georgian, 1907 – 1937 Edgar Negret, Colombian, 1920 – 2012 Ramirez Villamizar, Colombian, 1922 – 2004 Mateo Manaure, Venezuela, 1926- 2018
Lo apolíneo y lo dionisíaco en el pensamiento de Nietzsche.
Autor: Rafael Montilla.
Dionisíaco: Propio de la naturaleza atribuida al dios griego Dionisio (dios del vino y de la sensualidad) o relacionado con ella.
Apolíneo. 1. adj. Perteneciente o relativo al dios griego Apolo. 2. adj. Que posee las cualidades de serenidad y elegante equilibrio atribuidas a Apolo, en contraposición al dionisíaco. 3. adj. Dicho de un hombre: Que posee gran perfección corporal.
Este trabajo surge motivado inicialmente a indagar lo referido al pensamiento de Friedrich Nietzsche (1844-1900) en cuanto a lo apolíneo y lo dionisíaco en las manifestaciones artísticas. Para Nietzsche los dos dioses más importantes del panteón griego son Dionisio y Apolo. Lo apolíneo expresa las formas acabadas y bellas que se presentan en las artes figurativas, mientras que lo dionisiaco se refiere a aquellas basadas en el ritmo y la pasión. A partir de la lectura de varias investigaciones publicadas en las redes, pude componer este breve ensayo desde mi posición de neófito en la materia, pero con gran interés en conocer la personalidad y el legado de este pensador. Al mencionar a Nietzsche y su influencia en la cultura y las mentes, junto con la vigencia que revisten los debates en torno a su obra, es imposible no sentir motivación por saber algo o mucho de la vida de este hombre incomparable, que vino al mundo en una época en que Alemania y Europa entera se estaban reacomodando a una serie de impactos culturales y sociales. En el caso de Alemania, orientados a convertirlo en un estado moderno, mientras se elevaba el nivel cultural del pueblo. Y, aunque al principio, la intención sería lograr una nueva república, letrada y humanística, no se hizo así, sino que se encauzaron hacia la economía y la producción.
Proveniente de un hogar protestante, pierde a su padre a la edad de cuatro años y se cría en un hogar intensamente puritano, con su madre, hermanas y tías, todas mujeres. A raíz de la lectura de Schopenhauer (1788-1860), se sintió fuertemente identificado con su obra y nunca abandonó esos principios.
“…partiendo de la aceptación de que primeramente somos una naturaleza infinita y primigenia: “La Voluntad”, que surgió antes de la concepción racional o lógica occidental. Por tanto, no se trata de reprimir lo que somos sino asumirlo, aceptar de una vez por todas nuestra esencia primeramente natural en cuanto que emerge en la naturaleza misma”.
Arthur Schopenhauer was a German philosopher.
De esta idea de Schopenhauer brota lo que será unos de los pilares del pensamiento nietzscheano sobre la libertad individual, la naturaleza, la cultura y el arte. Al conocer a Richard Wagner queda fuertemente impresionado de su personalidad y conocimientos y se inicia una estrecha amistad, a pesar de existir entre ellos una gran diferencia de edades, a Nietzsche le importaba era el genio creativo de Wagner, que a su opinión, justificaba todos los sufrimientos que involucraba la vida. Ambos compartían la influencia del pensamiento de Schopenhauer, quien consideraba la vida como esencialmente trágica, enfatizando el valor de las artes para ayudar a los seres humanos a hacer frente a las miserias de la existencia y colocando a la música en un lugar privilegiado. Es así que se fue intensificando su amistad y se fue compenetrando con el compositor al punto de que fue un excelente apoyo para la causa de Wagner, que era la de crear una ópera alemana para la nación alemana, dejando ya de depender de la italiana que era la más popular en la época. Wagner había escrito mucho sobre música y cultura en general y Nietzsche también trataba de revitalizar la cultura a través de nuevas formas de arte. En El nacimiento de la tragedia, primera obra que publicará, argumentaba que la tragedia griega había surgido del espíritu de la música, alimentada por un impulso oscuro e irracional, dionisíaco, que se aprovechaba de los principios de orden apolíneo para dar lugar a las grandes tragedias, como las de Esquilo y Sófocles; pero luego sería dominado por el enfoque filosófico de Sócrates. “Lo que ahora se necesita, es un nuevo arte dionisíaco para combatir el dominio del racionalismo socrático”, señalaba, afirmando que Wagner era la mejor esperanza de salvación.
Wagner y su esposa Cósima estaban encantados con el libro. Y aunque su entusiasmo por Nietzsche era sincero, también indirectamente lo veían como alguien que podría serles útil como defensor de sus causas entre los académicos; ya que Nietzsche había sido nombrado, a los 24 años de edad, catedrático en la universidad de Basilea y era importante tener el apoyo de una personalidad tan bien valorada en el medio intelectual. Tan sólida lucía esa amistad, que Nietzsche, apasionado de la música, pasaba días en la casa de Wagner y ayudaba hasta en los mínimos mandados, motivo por el cual algunos biógrafos señalan que podía haber estado enamorado de Cósima. Sin embargo, Nietzsche, por mucho que venerara a Wagner y su música, tenía sus propias ambiciones. Y aunque siempre estaba a la orden, prestando su colaboración, llegó un momento que comenzó a ver el carácter de Wagner con ojos críticos. Y si bien ambos eran férreos defensores del arte y su importancia suprema en el mundo, el estilo de vida de Wagner chocaba con las costumbres de Nietzsche, así como sus maneras histriónicas, su lenguaje y sus chistes. Además de que Wagner era antisemita, también alimentaba agravios contra los franceses y su cultura y simpatizaba con el nacionalismo alemán. En 1876 tuvo lugar el primer festival de Bayreuth, sueño largamente acariciado por Wagner, que lo situaba en el centro de todas las miradas y comentarios y que se ha seguido realizando hasta la actualidad. Nietzsche, al principio pensó participar, pero cuando el evento estaba en marcha encontró desagradable la frenética escena social que giraba alrededor de Wagner, las otras celebridades y la superficialidad del entorno, de modo que se retiró del acto antes del final. Ese mismo año escribiría la número cuatro de sus Meditaciones Intempestivas: Richard Wagner en Bayreuth, donde señalaba que “Wagner no es el profeta del futuro como quisiera parecernos, sino el intérprete y clarificador del pasado”. Se vieron por última vez en noviembre de 1876 y de allí se distanciaron en lo personal y filosófico; y aunque nunca dejó de reconocer la originalidad y la grandeza de la música de Wagner, desconfiaba de ella y le encontraba una cualidad embriagadora que elogiaba la muerte, como una decadente y nihilista droga artística que solamente amortigua el dolor de la existencia en lugar de afirmar la vida. Pero continuemos con el tema que da origen a este trabajo, que es lo apolíneo y lo dionisíaco en el pensamiento de Nietzsche: Apolíneo y dionisíaco son dos fuerzas creadoras o dos tipos de atributos que utiliza el artista para plasmar sus anhelos e inquietudes. Es así que al explicar el arte, junto con las perfecciones en las formas y claridad de conceptos se encuentra presente el dios Apolo, tal y como se aprecia en la arquitectura clásica, la poesía con una métrica convencional o en la pintura. Estas manifestaciones artísticas son apolíneas porque se fundamentan en un anhelo de sabiduría y serenidad estética. Por su parte el dios Dionisio representa los instintos primarios, destacando en el arte su componente pasional. Es así como se puede encontrar en algunas danzas, en la música no cultivada y cualquier expresión que conecte con las más profundas y complicadas inclinaciones humanas. Muchos artistas y filósofos han tomado la mitología griega como una permanente fuente de inspiración, y en el caso de Nietzsche no podía ser menos, es de esta forma como toma como referencia simbólica a los dioses Apolo y Dionisio para exponer su visión sobre el arte y la cultura occidental. La primera mención a ambos dioses apareció en su obra “El nacimiento de la tragedia” En ella señalaba que Dionisio y Apolo no eran totalmente antagónicos, pues en todo arte se manifiestan los dos componentes, es decir que la fuerza inspiradora del dios Apolo lleva en su interior a Dionisio e igualmente dentro de cualquier expresión dionisíaca se puede encontrar lo apolíneo. Por lo que se puede apreciar en Nietzsche algo de este modo como una reinterpretación de los conceptos, colocándolos bajo la luz de un mundo en el que cohabitan las apariencias, la paz, el desorden, el silencio y el ruido, la oscuridad y la luz, en fin factores que componen la vida. El concepto de apolíneo también puede utilizarse para elogiar el cuerpo de un hombre que muestra belleza estética y armónica, acordes con los cánones de belleza que han predominado a través de la historia, tal como se aprecia en el célebre David, de Miguelángel (1501-1504), donde se puede afirmar que se mezclan ambas deidades en la pasión y hermosura de su obra. Pero volviendo a Nietzsche, éste consideraba como uno de sus objetivos el acercamiento estético principalmente hacia el estudio de la tragedia de la Grecia antigua, y al conocer y penetrar el genio y la obra del arte dionisio-apolíneo, presentir la naturaleza de este agregado misterioso, enfocado hacia los aspectos positivos de esa tensión apolínea-dionisíaca y aquellas nociones netamente apolíneas del arte, que sería también una crítica contra la visión del hombre racional (socrático). Las diferencias que se presentan entre ambos dioses, Apolo, dios del ensueño, de las artes plásticas; Dionisio dios de la música, de la embriaguez, hacen ver como imposible que pueda existir una conciliación entre ellos, y es aquí donde surge el pensamiento de Nietzsche planteando una ordenación del mundo mediante un pensar diferente a las ideas predominantes en cuanto a filosofía, y recordando que esa hegemonía del idealismo en cuanto a sistema filosófico, separa al mundo entre lo aparente y lo metafísico. Y parafraseando, diré que Nietzsche, como crítico impetuoso, plantea esa conciliación al manifestar, que los filósofos se han acostumbrado a colocarse delante de la vida y de la experiencia como se hace delante de un cuadro que representa invariablemente, la misma escena. Y reflexiono que realmente la vida está formada por los Apolos y Dionisios vigentes en nuestro presente. Pero ¿por qué conciliarlos? La respuesta estaría en una evolución progresiva del arte que Nietzsche considera ser resultado de la unión de esos espíritus. Mencionaba que “la conciliación de los opuestos, tal como se dio en la tragedia griega, entre la danza y la música, es la que permite entender que no pueden vivir una sin la otra”, tal como reflejan estas citas. ¿En qué sentido pudo Apolo ser convertido en dios del arte? Únicamente en la medida en que es el dios de las representaciones oníricas. Él es el resplandeciente de modo radical, en su más profunda raíz es el dios del sol, de la luz que se manifiesta en su fulgor. La “belleza” es su elemento. A él le corresponde la eterna juventud. Pero también la bella apariencia del mundo de los sueños es su reino. La suprema verdad de sus estados, su perfección frente a la fragmentaria inteligibilidad de la realidad cotidiana, hacen de él el dios de los vaticinios, pero también ciertamente un dios del arte (Nietzsche 2004: pp. 120-121). La cita anterior explica la orientación que establece Nietzsche en cuanto al arte, vista desde la óptica de Apolo; resaltando el aspecto relativo a la ilusión y la belleza y con ello la superación de la descomposición de la vida cotidiana. También conduce a reconocer que este espíritu se ajusta a la necesidad de atenuar la fea realidad y embellecerla. Y continúa: El arte dionisíaco en cambio se basa en el juego con la embriaguez, con el éxtasis. Dos son ante todo las fuerzas que elevan al hombre natural ingenuo hasta el olvido de sí propio de la embriaguez: el impulso de la primavera y la bebida narcótica. Sus efectos se simbolizan en la figura de Dionisio. El principium individuaionis se quiebra en ambos estados, lo subjetivo desaparece por completo ante la impetuosa fuerza de lo humano en general, de lo natural-universal (Nietzsche 2004: pp. 121-122).
Nietzsche recomienda no quedarse en el mundo de lo apolíneo, ya que sería estancar el proceso de la individualidad y condenarnos a esconder los instintos detrás de un velo socialmente construido, para permanecer en la costumbre y la apariencia que determine la sociedad. Es en este origen donde se evidencia que el espíritu dionisíaco no es una mera abstracción reflexiva, sino un ser en el mundo, un proyecto que se construye desde una estética de la existencia que a su vez se expresa como resistencia frente a las modelaciones del espíritu y el cuerpo por parte del poder y las instituciones, que intentan disciplinar junto con los discursos dominantes y sus prácticas. Asimismo señala, junto a Schopenhauer la importancia de asumir lo que somos y aceptar nuestra esencia natural que no es otra que la misma naturaleza. Es esta idea de Schopenhauer punto de partida del que será unos de los pilares del pensamiento nietzscheano sobre la libertad individual, la naturaleza, la cultura y el arte.
Conclusión A lo largo de la lectura de diferentes trabajos relacionados con el tema, a título personal puedo concluir que Nietzsche fue un defensor de la libertad de opinión y de creación y opuesto al encasillamiento en cuanto a creación y a etiquetas de patriotismo o de lo que es moral o lo que no. Lo importante es la creación individual y, ¿por qué no?, un rescate de lo dionisíaco como posibilidad de resistencia y de hacerse a sí mismo, Constituirse en rebeldía significa beber de la copa dionisíaca y disfrutar la vida, pero respetando con constancia una disciplina artística.
Bibliografía
Nietzsche F. 1986. Humano, demasiado humano. Ed. Mexicanos Unidos, México D.F. México, pp. 13-16. Nietzsche F. 2004. El pensamiento trágico de los griegos. Ed. Biblioteca Nueva, Madrid, España, pp. 120-122. Nietzsche F. 2007. El origen de la tragedia. Ed. Espasa Calpe, Madrid, España, pp. 47- 71. Senilia: Reflexiones de un Anciano. Arthur Schopenhauer. Pág 285.Trad Juan David Mateo Alonso. 2009
Más información sobre lo apolíneo y lo dionisíaco
¿Qué diferencia hay entre lo apolíneo y lo dionisíaco?
Lo apolíneo expresa las formas acabadas y bellas que se manifiestan en las artes figurativas, mientras que lo dionisíaco se refiere a aquellas manifestaciones artísticas basadas en el ritmo y la pasión.
¿Qué es lo apolíneo y lo dionisíaco en la actualidad?
Lo apolíneo significa, mesura, lo racional, lo limitado, el orden, la luz; mientras lo dionisíaco representaba la embriaguez, el exceso por los placeres, la vida subjetiva de los individuos. Los denomino así por el dios griego Apolo, divinidad del Sol y Dionisos, divinidad de la fertilidad y el vino.
¿Qué es apolíneo ejemplos?
Un ejemplo de lo apolíneo en el arte es la representación de la calma y luz contenida en lo divino. En la Europa Medieval esto se opone al demonio, o dios terrenal, quien encierra en sí el desenfreno e impulso vital propio de lo dionisíaco.
El escritor puertorriqueño Xavier Navarro Aquino presenta la novela “Velorio”
Xavier Navarro Aquino
Lanzada por la editorial HarperCollins Español, “Velorio” es la primera novela del escritor puertorriqueño Xavier Navarro Aquino. Realismo y fantasía se unen en una historia que transcurre en los días posteriores al terrible paso del Huracán María por Puerto Rico, en 2017. Se encuentra disponible en Amazon y todas las plataformas, en español e inglés, desde el 4 de enero. “‘Velorio’ es un testimonio de la resiliencia, los triunfos y las tribulaciones de una familia, de una isla y de su gente”, opina el prestigioso autor estadounidense Víctor LaValle. “Velorio” narra la historia ficcionada de unos jóvenes supervivientes del arrasador huracán -dejó miles de muertos- que establecen una sociedad independiente en un pueblo montañoso y padecen a un líder autoritario. Xavier Navarro Aquino es profesor en el programa de maestría de inglés de la Universidad de Notre Dame. Estudió en la Universidad de Puerto Rico, y en Nebraska-Lincoln. El escritor nació y se crió en Puerto Rico. Sus obras han sido publicadas en las revistas literarias Tin House, McSweeney’s Quarterly Concern y Guernica. Ha recibido numerosas becas de parte de Bread Loaf Writers’ Conference, Sewanee Writers’ Conference y la prestigiosa MacDowell Fellowship. Es recomendado por la revista Publishers Weekly. HarperCollins Español es una de las más importantes editoriales de habla hispana en Estados Unidos y ofrece a sus lectores una variada selección de los libros más destacados y los autores con más talento. Según Justin Torres, autor bestseller de “We The Animals”, en “Velorio” Navarro Aquino “nos lleva en un fascinante y desgarrador viaje por el período post huracán, donde la violencia natural es intensificada por la destrucción capitalista; donde los muertos persiguen a los vivos, donde decisiones imposibles son tomadas y donde nacen futuros, en principio, impensables”.
Realizados entre 1955 y 1960, los coloritmos son el resultado más acabado de las búsquedas de Alejandro Otero en el campo de la abstracción. Coloritmo 34 es una de las noventa piezas de esta serie, que se subdivide en ochenta y cuatro coloritmos y seis coloritmos en movimiento. Estas obras aparecen como el producto de un diálogo, comenzado en 1951, entre Otero y la obra de Mondrian. Los coloritmos son realizados con una pintura industrial, el duco, aplicada con pistola de aire o rulo sobre soportes rectangulares —ensanchados— de madera laminada o plexiglás. Pueden ser verticales u horizontales, pero todos se estructuran sobre un mismo esquema: una estructura de base, compuesta por intervalos regulares de rayas oscuras sobre el fondo blanco, al interior del cual el artista dispone una serie de planos geométricos y coloreados de manera uniforme —en general, con colores primarios, pero no exclusivamente-. Estos planos geométricos varían de número, tamaño, forma e intervalo en cada pieza y, al insertarse entre las rayas verticales, producen el efecto de activar la composición, tanto bajo el aspecto del color como bajo el aspecto rítmico. De ahí el nombre de color-ritmos. Pero parece haber algo más. Tal como sucede en la obra de Mondrian, los coloritmos de Otero permiten entrever, tras ellos, una reflexión filosófica. La estructura de fondo, con sus rayas regulares de contornos bien definidos, obtenidos mediante el uso de cintas adhesivas, tiene una función similar a la de una partitura musical o a la de las rayas en un cuaderno. Representa una especie de orden universal, objetivo, preordinado e inmutable. Mientras tanto, los planos de colores equivalen a accidentes particulares, subjetivos, cuyo carácter es esencialmente expresivo. De este modo, cada coloritmo viene a ser una canción de color diferente, escrita sobre la misma partitura. El artista venezolano Alejandro Otero estudia en la Escuela de Artes Plásticas de Caracas y da sus primeros pasos como artista exponiendo pinturas realistas en salones nacionales a principios de los años cuarenta. Pero una larga estadía en París (1945-1952) lo conduce a alejarse de la representación mimética. En una primera etapa (1946-1948), realiza una serie de variaciones sobre temas estáticos, como cafeteras y candelabros, combinados con un lirismo colorido, gestual y estructurados a través de angulosas líneas negras. Expuestas en 1949, en el Museo de Bellas Artes de Caracas, las obras provocan controversia, pero le confieren la posición de liderazgo en el movimiento de avanzada de su país. Sin embargo, al regresar a París, en 1950, se vuelca hacia un abstraccionismo más radical. Ese mismo año funda, junto con otros connacionales radicados en Francia, el grupo Los Disidentes, que ataca el conservadurismo artístico venezolano y aboga por la abstracción geométrica. Surge, entonces, la influencia de Piet Mondrian, a quien estudia durante un viaje a Holanda en 1951. De ahí en adelante, todo el trabajo de Otero de los años cincuenta dialogará con la obra de Mondrian: las Líneas de color sobre fondo blanco (1951) y los Collages ortogonales (1951-1952), que exploran los efectos ópticos y dinámicos de la línea y el color, a partir del entrelazamiento de tiras de papel de distinto color; los murales y los vitrales que ejecuta para el proyecto de la Ciudad Universitaria de Caracas de Carlos Raúl Villanueva; hasta los célebres coloritmos que realiza entre 1955 y 1960, luego de desilusionarse frente a la posibilidad de una integración efectiva entre arquitectos y artistas. En efecto, a través de los coloritmos alcanza notoriedad internacional. Con ellos entra en la colección del MoMA, 1956, gana el Premio Nacional de Pintura en el Salón Nacional venezolano y una Mención de Honor en la Bienal de São Paulo de 1959. Entre 1960 y 1964 vuelve a París buscando abrir nuevas rutas en su trabajo. Experimenta con el informalismo en collages, ensamblajes y objets trouvés. En la década del sesenta comienza a realizar esculturas públicas al aire libre en Latinoamérica, Estados Unidos y Europa. En 1971 gana una beca Guggenheim y pasa una temporada como artista visitante de MIT. – A.Ar
Bernando Buontalenti entered the scene in the second half of the 16th century. He was a famous painter, architect, and engineer in addition to being an amateur cook. He is generally credited today as being the inventor of gelato, as he seems to be the first to introduce milk and eggs to the mixture.
Why is gelato called gelato?
Gelato is the Italian word for ice cream derived from the Latin word “gelātus” (frozen). Gelato is lower in fat because it contains less cream and more milk, and is churned slower resulting in less air and a richer flavour.
Gelato dates back to the 16th century. There is some confusion in the origin as to where or who really invented gelato. As most stories go, it is credited to Bernardo Buontalenti, a native of Florence, who delighted the court of Catherina dei Medici with his creation. Italians are certainly credited with introducing gelato to the rest of Europe; with Sicilian born Francesco Procopio dei Coltelli who undoubtedly was one of the most influential individuals in the history of gelato, as one of the first to sell it to the public. Summoned to Paris in 1686, he opened a cafe named after himself called “Cafe Procope”, which quickly became one of the most celebrated meeting places of the literary establishment in France. In Italy meanwhile, the art of traditional gelato making was passed on from father to son, improved and perfected right up to the 20th century, when many gelato makers began to emigrate, taking their expertise to the rest of Europe.
THE HISTORY OF GELATO
Gelato in Italian means “frozen”, but it is basically used to indicate the Italian type of ice cream. One of the basic differences between Gelato and the ice cream we know of in the United States is that it contains two thirds less butterfat and it doesn’t have as much air, therefore has a more intense flavor. Gelato is healthier than American-style ice cream since it is made with all natural ingredients and contains fewer calories and less butter fat.
Gelato is served 10-15 degrees warmer than ice cream. Since it is less solidly frozen, gelato’s taste is further enhanced as it melts in the mouth.
Our Gelato is made fresh on the premises so that we can bring you the highest quality product that is recognized by discriminating food lovers everywhere. We proudly use locally grown products for the freshest taste possible.
GELATO HEALTH FACTS…..
Gelato typically offers fewer calories, less sugar and lower fat content per serving than ice cream. … serving of vanilla gelato contains 90 calories and 3 grams of fat, compared to 125 calories and 7 grams of fat in the average vanilla ice cream.
Gelato is both lower in fat and calories compared to traditional American ice cream. In the U.S. ice cream is generally made with cream, and is classified by its butterfat content (12% – 25%).
Gelato is made from milk or water, which accounts for a lesser percentage of butterfat (0%-5%) and therefore calories and fat. Gelato, especially when made with milk and/or nuts, contains a high amount of protein, which is needed daily in the human diet.
Gelato also contains a high number of vitamins. Fruit sorbettos tend to have a higher amount of vitamins in them, but even cream flavors made from milk contain essential vitamins.
Because gelato is made from milk, it a great source of calcium for non-milk drinkers.
GELATO: ITS HISTORY AND HOW IT DIFFERS FROM ICE CREAM
Gelato–which translates to “frozen” from Italian–is a frozen treat from Italy which was originally created in the 16th century. Historians are not sure who originally invented it, but the one of the most popular versions of the story is Bernardo Buontalenti, a native of Florence, created a form of the modern gelato. He impressed the court of Catherina dei Medici with his delicious frozen treat. From there is spread across Italy and then the rest of Europe. Shops began opening and the tradition passed from father to son for generations. This continues into today, all across the world.
Gelato came to the United States in 1770. It was introduced to the Americas by Italian native Giovanni Biasiolo. Unfortunately, it was around the same time that the hand crank freezer was invented and ice cream overshadowed gelato. In fact, historians don’t see much about this Italian dessert again until the 1900s. Now it’s become incredible popular across not only Italy and the United States, but across the world!
How is Gelato Different from Ice Cream?
You might wonder how these sweet treats are different. Gelato has much less butterfat, about two thirds less. It is also is more dense because is churned slowly and air is not whipped into the product, like ice cream. This makes for a much more flavorful final product. Although this Italian treat contains less butterfat, it contains more sugar. One fact about the differences between gelato and ice cream that you may not know is that gelato is served at a slightly higher temperature than ice cream. Normally, it is usually stored at 0° to 10°F, and served at 10° to 20°F, while ice cream can be stored in a deep-freeze of -20°F or colder.
Electro Freeze offers gelato machines for shops who want to treat their customers to this delicious Italian dessert. Contact us today to learn more about our products as well as what we have available. We have machines for ice cream, frozen yogurt, frozen cocktails, milkshakes, and more!
First, Asian cultures discovered they could consume crushed ice and flavorings. Five hundred years later, it became a custom for Egyptian pharaohs to offer their guests a cup of ice sweetened with fruit juices. Romans later began the ritual of eating the ice of the volcanoes Etna and Vesuvius, covering it with honey. Then came the Italian Renaissance during the 14th century, when gelato was officially developed by famous artist and architect Bernardo Buontalenti.
From that point, gelato began dominating taste buds all over the world, including the U.S. beginning in 1770 after being introduced to this continent by Italian native Giovanni Biasiolo. At this point, there were two types of gelato – one made by mixing water with fruits such as lemon and strawberries (also known as Sorbetto), and another made by mixing milk with cinnamon, pistachio, coffee or chocolate. But due to the invention of the hand-crank freezer, and the subsequent birth of the industrial ice cream industry, gelato would take a back seat to American-made ice cream (which contains more air), and would not begin to re-emerge in popularity again until the late 1900s. However, as it stands today, gelato is one of the hottest commodities on the frozen dessert market, writing a new chapter in culinary history as one of the greatest success stories in dessert innovation.
Luis Fernando Madrid López, nace en la ciudad e Bogotá en septiembre de 1969 en el seno de una familia con especialidades profesiones disimiles, la crianza multicultural enmarca el principio de su vida y el desarrollo de su carrera profesional. Mas adelante y en medio de sus estudios como bachiller se acerca a la academia de artes David Manzur donde empieza a descubrir su técnica y el gusto por plasmar parte del dolor y la crítica en sus pinturas, la admiración por lo estético dentro del propio caos,}. Gran aporte del Maestro Manzur de quién el artista está permanentemente agradecido, así como la influencia del Maestro Luis Caballero del que también fue estudiante ya que fueron ellos los que dieron inicio a este viaje del artista.
Posteriormente después de realizados sus estudios de Bachillerato, se postula para un trabajo como diseñador gráfico para una empresa reconocida del medio editorial, en dicho trabajo y por mera coincidencia su jefe inmediato fue el Maestro caleño Ennio Moreno quién con mucha sabiduría le enseñó a visualizar otros tipos de arte como el diseño gráfico para su desarrollo profesional así como lo estético del abstracto y su estudio permanente, así pues ingresa al Centro de Diseño taller 5 para cursar su carrera universitaria nunca dejando atrás la pintura y escultura como parte de su vida, para estas fechas participó en varias exposiciones individuales y colectivas organizadas por la galería arte 19 y otras galerías de la ciudad.
Una vez finalizados sus estudios universitarios su participación en exposiciones básicamente desapareció, dedicándose por completo al diseño gráfico, siendo partícipe como diseñador, asistente de producción y jefe de producción en diferentes agencias de publicidad y editoriales. Siempre con el arte rondando su mente y después de desarrollarse en diferentes artes y oficios que la vida puso en el camino, se especializó por varios a años en el arte de la carpintería y el diseño de joyas con materiales reciclados con la intención de aplicar una base estética en la elaboración de sus piezas donde el sello de su percepción y su sentimiento artístico están latentes. Mi regreso a la pintura: En 2005 y con la necesidad de sentirse más completo espiritualmente, decide con el apoyo incondicional de su esposa Sarah Esperanza Bethencourt retomar su proyecto de vida con respecto a las artes plásticas y retoma su carrera realizando una variedad de obras generalmente sobre materiales no convencionales como tablones de madera, MDF, metales sobre materiales aglomerados destacándose piezas con ¨mujer a gatas¨ elaborada en madera tallada a manera de rompecabezas, pinturas como ¨Labios rojos¨, ¨Espacio en políptico¨, ¨Bailarina en negro, Espermatozoide¨ etc. Reposan en colecciones privadas de Venezuela, donde residía en esos momentos y Estados unidos.
En el año 2018 y debido a situaciones de tipo político el artista y su familia se desplazan a la ciudad Cartago en Colombia, ese encuentro con sus raíces incrementó su capacidad creativa y deseos de pintar, en 2019 fue invitado realizar una exposición individual en la Fundación para la cultura y las artes FUNDARTE, en eta muestra participó con aproximadamente 21 obras pictóricas, algunas de estas obras están siendo disfrutadas por sus coleccionistas en diferentes partes del mundo como Irlanda, Australia, Estados Unidos y Colombia. Se destacan obras relacionadas con la crítica al maltrato hacia el medio ambiente como ¨Minería ilegal¨, Obras de reflexión como ¨Hortensia¨ y obras con un sentido meramente estético como ¨Boca abajo¨. Para el año 2020 fue seleccionado por La III Bienal Internacional de artistas contemporáneos de Armenia Colombia como invitado participó con 3 obras elegidas por un panel de Maestros de 6 países en esta importante muestra se destacó su trabajo y fué premiado con la mención de honor en 2 de ellas, ´Ciudad subterranea¨ y ¨La tierra se abre paso¨ lo que sin duda alguna posicionó su obra y avanzó en reconocimiento. Actualmente Luis Fernando desarrolla su obra de manera permanente, demostrando su creatividad y amplio espectro, no se encasilla en un temática o en una técnica específica, por el contrario redescubre nuevos materiales y modifica su propio estilo.
Trayectoria: 1995 Exposición individual Galería Arte 19 Bogotá 2004 Exposición colectiva Galería Cummings Miami FL. 2005 Exposición individual Galería ArtEspacio Valencia, Venezuela 2007 Exposición individual Fundarte Cartago, Valle del cauca, Colombia 2020 Bienal Internacional de arte contemporáneo de Armenia (Biarco) 2021 Exposición Colectiva Galería MAGA Bogotá (Open San Felipe) 2021 Exposición colectiva Fundación Casa del Virrey, Cartago Valle de Cauca, Colombia 2021 Casa de la cultura y turismo de Cartago Valle del Cauca, Colombia 2021 Tierras de esperanza exposición individual Casa de la cultura de Génova, Quindío.
Premiaciones:
Galardón 3er. Puesto en la categoría Abstracto en la IV Bienal de arte contemporáneo de Salerno, Italia Noviembre 2021.
2 Obras con mención de honor en la IV Bienal Internacional de artistas contemporáneos de Armenia Colombia. 2020.
Proximamente:
Arte en Hacienda Castilla en Diciembre Cerritos- Pereira, Diciembre
Gran Subasta Arte en Hacienda Castilla Cerritos- Pereira, Febrero
DECLARACIÓN ARTÍSTICA LUIS FERNANDO MADRID LÓPEZ
Soy un artista plástico bogotáno con una carrera profesional joven y fructífera. Cuento con estudios de Diseño Gráfico y Bellas Artes, pero no fue sino hasta hace 10 años que pude dedicarme de lleno a mi verdadera pasión, el arte y la pintura.
Mi obra se inspira en la relación del mundo onírico y la sociedad. Busco trazar el vínculo, el secreto y lo escondido que ocurre entre la realidad y la ficción.
Mi objetivo es conseguir que el público mismo descubra, en base a sus circunstancias y experiencias, el significado de la obra desarrollando conclusiones alternas que pueden mostrarse en alegría ó festividad, en nostalgia o profundidad ó cualquier sentimiento humano que forme parte de la reacción real del individuo. Veo todas mis obras como un proyecto que insta a la sensibilidad, y en algunos casos, a la intimidad; justifico esto a través de las texturas profundas y fuertes al igual que los colores vibrantes que aparecen en mi composición artística. Al final, es una obra creada para generar experiencias significativas y no únicamente estéticas.
Me permito ser libre ante mi creatividad, sin embargo, al mismo tiempo me vuelvo impaciente ante el desarrollo de una obra. Mis técnicas son muy diversas, al igual que la implementación de materiales, las espátulas, las texturas con yeso mezclado con caolín y cola para carpintería, la limpieza de capas con paños húmedos, el uso de soplete para el quiebre de pintura, entre otras tantas. Esto trae como conclusión que en una misma obra es posible conseguir varias técnicas utilizadas. En el fondo, coincido junto con otros artistas en la importancia de utilizar el arte como medio de expresión ante los conflictos sociales de la humanidad. Algunas de mis obras incluso hacen referencia a deterioros de los espacios vitales para los individuos, la destrucción de los recursos naturales y al mismo tiempo se refiere al mundo existente donde la madre tierra se defiende del maltrato con líneas de esperanza a un mundo mejor.
For the past 24 years, Artistic Director Vladimir Issaev’s passion and commitment to bringing the best ballet productions, has contributed to the success of Arts Ballet Theatre of Florida developing it as a solid organization where company dancers have also devoted their time and creativity. As a result, the South Florida area has a stunning ballet company for all its residents to enjoy. Since its inception in 1997, Arts Ballet produces a full season of excellent works of classical Russian-style ballets, New-Classical ballets and Contemporary dance works, making professional ballet performances accessible to broad audiences including students, the elderly and to the diverse residents and visitors of our area. The company dancers are awarded international artists who have received the greatest accolades due to the high quality and technique they bring to the stage. They have made our company a sundry organization that truly represents the diversity of South Florida.
Bringing the Arts en Pointes to live is a dream come true. We were scheduled to open this exhibit in 2020, however, the worldly events have marked a “before and after”. We are thankful to every artist for their talent, their gift, their art pieces, and their patience. We are also thankful to our patrons and followers who have been waiting for this moment and have been supporting us all this time. We also thank our dancers, past and present for their artistry and passion.
Vladimir Issaev, Artistic Director
Ruby Romero-Issaev, Executive Director
Aguasanta Erminy Alicia Erminy Ana Cristina Carmona Ana Gutierrez Ana Maria Leonardi Andrea Molero Cuartin Andrea Sideregts Anna Bella Guedez Becky Franco Carolina Dulanto Cynthia Cabrera Dalia Berlin Diana Albadan Eduardo Sanabria – EDO Eva G. De Luigi Fernando Sucre Freddy Osorio Gian Pablo Polito Golden Gutemberg Salinas Haiskeel Delgado Isaac Azulay Isabella Kennedy Javier Hidalgo Kodiak Aguero Lauramar Yee Leda Scattolini Marianella Arocha Marianela Perez Mary Paz Alvarez Mercedes Dulanto Oriana Montenegro Patricia Laine Romero Rafael Montilla Rafael Muci Roger Mari Sabrina Blanco Stephanie Del Otero Tiago Magro Valentina Bilbao Vilma Voldames
Wednesday, November 17, 2021
at the HILTON AVENTURAMIAMI
2885 NE 191st St, Aventura, FL 33180
at 6:00pm – 8:00pm
Silent Auction of more than 40 Art pieces created over Pointe Shoes.
Support Arts Ballet Theatre of Florida.
Meet the creative artists and our ballet dancers.
Enjoy cocktails and hors d’oeuvres.
Arts Ballet Theatre of Florida receives the support of the Department of Cultural Affairs of Miami-Dade County, Broward Cultural Division and Florida Arts & Culture, Funding Arts Broward, Citizens Interested in Arts, and The Children’s Trust
At Arts Ballet Theatre of Florida, diversity and inclusion are part of who we are. Together, we continue to build an inclusive environment that encourages, supports and celebrates the passion for dance, the diversity of our dancers, staff, board and employees with enthusiasm. It fulfills our mission and it inspires us to joyfully connect with our audiences, patrons and communities we serve.
LA ESCUELA es una plataforma conducida por artistas para el aprendizaje radical en espacios públicos. Entendemos el arte como forma de producción de conocimiento y la educación como una práctica artística en sí misma. La Escuela busca acercar el arte y la educación a las realidades sociales de lugares específicos, asociándose con universidades, instituciones y comunidades para la creación de proyectos formativos en Latinoamérica. La Escuela tiene raíces en una larga genealogía de educadores y artistas latinoamericanos, cuya obra se ha vinculado activamente con contextos tangibles, para aprender y actuar sobre ellos. Mediante un aprendizaje público, proponemos un programa transdisciplinario donde diversas formas de prácticas coinciden en la capacidad transformadora de la educación.
LA ESCUELA es una plataforma de libre acceso para la educación gratuita. El campus tiene lugar en línea y en sitio, a través de un sistema híbrido de laboratorios digitales y aulas que se desarrollan en espacios públicos como obras cuyo medio es la educación. Son proyectos formativos —performances, intervenciones, entre otras manifestaciones— que trascienden las paredes institucionales y reúnen a artistas, escuelas y localidades en la construcción de saberes a través de acciones colectivas. El calendario se organiza en dos períodos semestrales, a lo largo de los cuales se desarrollan programas públicos en colaboración con instituciones afiliadas e invitadxs académicxs, que definen los ejes curatoriales de cada semestre. Nuestra comunidad es una red translocal de artistas y educadores latinoamericanxs, que construyen un archivo colectivo de mapeos históricos y contemporáneos ubicados en un contexto global. Desde la creación, formación e investigación, deseamos estimular prácticas educativas y modelos participativos bajo la premisa de crear nuevos espacios de acción social.
LA ESCUELA es fundada por el artista y arquitecto Miguel Braceli y la fundación internacional Siemens Stiftung. Se basa en las iniciativas de Siemens Stiftung en el campo cultural en Latinoamérica —desarrollando programas de cocreación e intervenciones artísticas— y el trabajo de Miguel Braceli dentro de las prácticas sociales y las obras formativas. Producto de las preocupaciones surgidas en su experiencia en la educación —tanto como estudiante como profesor, dentro y fuera de Latinoamérica— Braceli plantea un ensayo en respuesta al estado actual de la educación superior en artes.
«A las escuelas hay que desnudarlas, derrumbar todos sus muros para quedarnos con su estructura, con lo que es medular. Ellas serían entonces edificios sin fachadas totalmente expuestos a la realidad. Se mojarían, se ensuciarían, y se impregnarían de sus contextos; se sacudirían sin desplomarse, habitarían experiencias que redefinirían su sentido. El reto de los espacios educativos es acercarse a la realidad sin replicarla. Eso exige la transformación de las estructuras internas del mundo académico para luego romper con las estructuras del mundo exterior. Las escuelas no deben emular el sistema del arte y replicar sus dinámicas para el ejercicio de la profesión. La educación debe proveer las herramientas para crear modelos alternativos de la práctica artística; crear nuevas formas de legitimación, nuevos espacios de acción, y nuevas estructuras de emancipación.»
Miguel Braceli, La Escuela Desnuda, 2020.
Adrián Balseca Agremiação LATIDOS Agustín Díez Fischer Aldones Nino Alex Brahim Alina Marinelli Ana Laura López de la Torre Ana Luiza Braga Ana Marcela França Ana Paula Santana Andrés Pereira Paz Antonieta Landa Arte a 360 Grados Benvenuto Chavajay Brian Smith Hudson CAIO Carolina Castanho Carolina Castro Jorquera Catalina Tenorio Catarina Duncan Cayo Honorato Cecilia Vicuña Clara Melniczuk Claudia Calirman Cristiana Tejo Cristina Ribas Daniela Medina Poch Daniela Ricciardi Danie valencia sepúlveda Débora Oelsner Lopes Eduardo Burger Eduardo Carrera Elizabeth Catoia Varela Elizabeth Gallón Droste Elizabeth Marín Hernández Eloisa Brantes Emmanuel Tepal Calvario Enrique Maraver Ernesto Rivera Esteban King Álvarez Esvin Alarcón Lam Fabiana Serviddio Felipe Rivas San Martín Félix Suazo Galería MUY Gerardo Zavarce Gracia Salazar Gustavo Ciríaco Jaime Ruiz Martínez Jessica Briceño Cisneros Jessica Gogan Jesús Torrivilla Jjoão Paes John Burstein Jordi Ferreiro Jorgge Menna Barreto José Luis Macas Paredes Juliana M. Streva Juliana Steiner Julian Dupont Karen Bernedo Morales Katherine Chacón Labo Ciudadano Lara Marmor La Ruidosa Oficina Laura Anderson Barbata Laura Uribe Lia Rodrigues Lior Zisman Zalis Luis Camnitzer Luis Romero Luiza Proença Maciá Pintó Manuel Vásquez-Ortega Marga Sequeira Marialejandra Maza Marianela Díaz Cardozo Mariela Richmond Martha Alejandro María Elena Ramos María Galindo María José Machado Gutiérrez María Paola Malavasi María Victoria Guzmán Michelle Farias Sommer Michelle Ricardo Miguel Braceli Miguel Rubio Zapata Mónica Amieva Mónica Mayer Mônica Hoff Natalia Arcos Salvo Nayari Castillo Nelson Garrido Nicolás Paris Nicolás Pradilla NOMASMETAFORAS Pablo Pineau Pamela Cevallos Patricia Domínguez Quisqueya Lora Renata Cervetto Ricardo Basbaum Rodolfo Andaur Ronald Duarte Rosario García Martínez Ruth Auerbach Sara Garzón Sebastián Calfuqueo Sebastián Vidal Mackinson Sheroanawe Hakihiiwe Sofía Olascoaga Sol Astrid Giraldo Escobar Susana Tambutti Tomás Straka Ulisses Carrilho Valentina Soares Valeria Paz Moscoso Víctor Vich Yina Jiménez Suriel Éricka Flórez
