ARMANDO REVERÓN ES EL ARTISTA PLÁSTICO VENEZOLANO MÁS ESTUDIADO
A los creadores en el Día Nacional del Artista Plástico el 10 de mayo. El pintor venezolano de quien quizás más se haya escrito e investigado su obra es Armando Reverón: artistas, escritores, críticos y periodistas han abundado para tratar de condensar la trascendencia de su magnífica e impresionante pintura, en particular Alfredo Boulton, su principal biógrafo quien descubrió una temporalidad asociada al uso predominante de ciertos colores, ubicados en tres diferentes períodos, azul, blanco y sepia. Para Boulton toda la obra de Reverón fue guiada por un sentimiento sumamente fino y sutil que da al espectador la visión brutal de un mundo mágico y terrible. “El color blanco significó para él como el resumen de todas las fórmulas, de todas las fuerzas, de todos los factores y de toda la concreta realidad del mundo. Todo quedó sometido a la fuerza de su potencialidad, por medio de la eliminación, a través de un proceso de análisis muy hondo en que cualquier otro matiz fue rechazado y sólo el blanco con su extraordinario vigor, permaneció intacto y predominó. Según Boulton, también tiene grande importancia su periodo azul, en el cual obtuvo inauditas profundidades poéticas. Durante la etapa sepia, igualmente inventó magníficos conceptos tonales de mágicos acentos de misterio. “En las tres fases que caracterizan su obra, en cada una de ellas creó una forma de muy alto valor artístico”.
ARMANDO REVERÓN
El poeta y crítico Juan Liscano apunta que Reverón pensó y vivió en su interior la pintura para resolverse finalmente en la acción pura de pintar. Según Manuel Quintana Castillo, la pintura fue para Reverón un acto de rebeldía. Mariano Picón Salas reconoce en su pintura retratos casi mágicos como los de la Ravenna del siglo IV. Alejo Carpentier acepta en Reverón la obra de un gran pintor, creador de un mito, constructor de un mundo plástico que le pertenecía por entero. Para Guillermo Meneses, después que Reverón vivió y trabajó, después que se echó a ser bailarín, payaso, actor, mono, sombra apenas, después que se metió en el oficio de pintor, la pintura misma es otra cosa y su pintura el milagro, el misterio, el prodigio de un hombre.
ARMANDO REVERÓN
Su particular obra pictórica, muñecas de trapo, objetos y El Castillete, han sido siempre motivo de exhaustivos estudios para muchos críticos y amantes del arte. Armando Reverón nació en Caracas el 10 de mayo de 1889 y en su honor el 10 de mayo fue decretado Día Nacional del Artista Plástico. Fue víctima de diferentes enfermedades que le afectaron a lo largo de su vida, entre ellas la fiebre tifoidea a los doce años y la esquizofrenia de sus últimos años, trastornos que le hicieron ganar el mote de “el loco de Macuto”. Tras una estancia de algunos años en Valencia, Venezuela, fue aceptado en la Academia de Bellas Artes de Caracas en 1907, donde tuvo por compañeros a los artistas Manuel Cabré y Rafael Monasterios, entre otros. En 1911 recibió una beca para estudiar en España, donde ingresó a la Escuela de Artes y Oficios de Barcelona y después a la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando en Madrid. Luego se trasladó a París, coincidiendo con el inicio de la Primera Guerra Mundial. En París, conoce la obra impresionista y se deja conmover profundamente por ella, dándole la espalda a los movimientos de vanguardia que comenzaban a emerger. Sintiendo amenazada su seguridad en pleno contexto bélico, pidió auxilio a su familia para retornar a Venezuela y se establece en Caracas. En 1918 conoció a Juanita Ríos, quien se convertirá en su sempiterna compañera, su esposa y su modelo. En 1921, con 32 años se mudó a Macuto y construirá su casa taller El Castillete, donde la complejidad de su trabajo se extiende a ese mundo mágico que crea, aún a la espera de su restauración al ser arrasado durante el deslave de Vargas en diciembre de 1999. La vida de Armando Reverón estuvo cargada de inestabilidad emocional desde su infancia y se manifestó en crisis psiquiátricas que afortunadamente no afectaron su capacidad creadora. Tras un año hospitalizado en la clínica de Báez Finol, murió en Caracas el 18 de septiembre de 1954, de 65 años.
Juan Jose Peralta
Armando Reverón was a Venezuelan painter and sculptor, precursor of Arte Povera and considered one of the most important of the 20th century in Latin America. While his mental health deteriorated throughout his life, his artistic abilities remained.
Born: May 10, 1889, Caracas, Venezuela
Died: September 18, 1954, Caracas, Venezuela
Spouse: Juanita Mota (m. 1946–1954)
Known for: Painting, Drawing, Sculpture
Books: Armando Reverón
Parents: Dolores Travieso Montilla, Julio Reverón Garmendia
¿Qué es la abstracción geométrica?
¿Qué es la abstracción geométrica?
Parte 1.- Origen y desarrollo del Arte Abstracto.-
En una web de Pintura y Dibujo como esta no puede faltar un apartado dedicado a la Historia de la Pintura por ello he decidido que publicaré de vez en cuando siquiera sea muy resumidamente algunas referencias a los pintores y movimientos pictóricos más importantes.
Por eso a modo de rápido apunte y de pequeño homenaje he querido traer aquí a los nueve pintores que en mi modesta opinión más influyeron en el origen y desarrollo de la Pintura Abstracta y consecuentemente en el Arte Moderno, Arte Contemporáneo y arte actual, junto con sus obras más representativas del movimiento artístico en el que militaron.
Ya antes del Impresionismo, el gran genio de las letras francesas que fue Gustave Flaubert, había presentido proféticamente un arte absolutamente distinto de su tiempo, el del realismo que el mismo defendía. Lo había descrito en su correspondencia: “La belleza se convertirá quizás en un sentimiento inútil para la humanidad y el arte será algo que se situará a mitad de camino entre el álgebra y la música”.
Gustave Flaubert (1821-1880) Autor de Madame Bovary
Retratado por Pierre François Eugène Giraud
Esta es la definición premonitoria de la abstracción geométrica, escrita en 1852, casi en el mismo momento en que Courbet había formulado su rigurosa definición de una pintura realista: “La pintura es un arte esencialmente concreto y no puede consistir más que en la representación de las cosas reales y existentes; un objeto abstracto, no visible ni existente, no pertenece al campo de la pintura”.
Gustave Courbet (1819-1877)
Autorretrato
El tiempo ha demostrado hasta que punto estaba equivocado el bueno de Courbet.
Flaubert, talento de igual realismo que Courbet, había previsto, sin embargo, un porvenir artístico situado más allá de los límites de la percepción visual. ¡¡Y eso hace 160 años!!
CUADRO SINÓPTICO
IMPRESIONISMO
Claude Monet. 1840-1926
Autorretrato
“Impression, soleil levant” 1872.- 48 x 63
POSTIMPRESIONISMO
Vincent Van Gogh. 1853-1890
Autorretrato
“Noche estrellada” 1889.- 73,7 x 92,1
Paul Cezanne. 1839-1906
Autorretrato.
“Monte Sainte Victoire” 1904.- 69,8 x 89,5
FOVISMO
Henri Matisse. 1869-1954
Autorretrato
“Madame Matisse” Retrato con una franja verde. 1905.- 32,4 x 40,6
EXPRESIONISMO
Ernst Kirchner.1880-1938
Autorretrato
“Aiuole di fiori nel parco di Dresde” 1905.- 77,4 x 94,5
CUBISMO
Pablo Ruiz Picasso. 1881-1973
Autorretrato
“Las señoritas de Avignon” 1907.- 237,7 x 243,9
FUTURISMO
Carlo Carrá. 1881-1966
Autorretrato. 1951
Ritmi di Oggetti 1911 53 x 67
ABSTRACCION LIRICA
Vasili Kandinsky. 1866-1944
Autorretrato
“Primera Acuarela Abstracta” 1910.- 50 x 65
ABSTRACCION GEOMETRICA
Pieter Mondrian. 1872-1944
Autorretrato
“Quadro nº 2” 1921.- 65 x 75
PARTE 2.- CUBISMO Y FUTURISMO
EL CUBISMO
Aunque escasamente precedido del Fovismo (que altera el color en relación a la realidad), el Cubismo (que altera las formas reales de lo representado) fue el más influyente movimiento del arte del siglo XX. Después del Cubismo ya nada fue igual.
El Cubismo fue el primero de los grandes movimientos del arte del siglo XX. Basado fundamentalmente en la estructuración espacial, formas geometrizadas con alternancia de planos triangulares y curvos, superficies cóncavas y convexas pero colores generalmente grises, negros, marrones y ocres.
El Cubismo fue un movimiento artístico desarrollado entre 1907 y 1914, nacido en Francia y encabezado por Pablo Picasso, Georges Braque y Juan Gris. Es una tendencia esencial pues da pie al resto de las vanguardias europeas del siglo XX. No se trata de un ismo más, sino de la ruptura definitiva con la pintura tradicional.
Arriba de izquierda a derecha: Pablo Picasso y George Braque
Debajo de Izquierda a derecha: Juan Gris y Louis Marcoussis
El término cubismo fue acuñado por el crítico francés Louis Vauxcelles el mismo que había bautizado a los fauvistas motejándolos de fauves (fieras). En el caso de Braque y sus pinturas de L’Estaque Vauxcelles dijo, despreciativamente, que era una pintura compuesta por «pequeños cubos». Se originó así el concepto de «cubismo».
Louis Vauxcelles (1870-1943).- Crítico de arte
Dio nombre despectivamente al Cubismo y al Fovismo. De fuerte espíritu conservador nunca comprendió la causa del Vanguardismo al que desacreditaba en sus artículos.
El primer cuadro cubista lo pintó Picasso en 1907: “Las señoritas de Avignon” origen de toda la pintura cubista, inmediatamente seguido por Georges Braque y Juan Gris, y más tarde por Metzinger, Gleizes y Leger. La fecha de 1907, puede tomarse como referencia para hablar de Cubismo. Este es el año del encuentro entre Braque y Picasso. Los críticos contemporáneos fueron unánimes a la hora de proclamar a Picasso como líder del movimiento. Es curioso el hecho de que las primeras obras cubistas fueron pintadas por Braque. Ambos, Picasso y Braque, rompieron con todas las tradiciones del arte occidental ofreciendo a los artistas la libertad de pintar sin normas. Puede afirmarse que Picasso es al Cubismo lo que Matisse al Fovismo.
“Las señoritas de Avignon” en 1907 se considera la piedra angular del arte del siglo XX. Una obra maestra marcaba un nuevo punto de partida. A partir de aquí Picasso elimina todo lo sublime de la tradición. El Cubismo sólo es comprensible si rompemos con lo anterior.
Se exalta el plano, se rescatan escenas de interiores. Pintura figurativa que “destroza” las formas. Se crea al gusto del pintor, rompe con los tabúes del arte occidental, no se pinta con normas. Se rompe con la perspectiva renacentista
Dentro del cubismo podemos distinguir: el Cubismo Analítico, el Cubismo Sintético, el Cubismo Órfico y el Grupo de Puteaux.
CUBISMO ANALÍTICO El Cubismo Analítico transcurrió entre 1909 y 1912. Los lienzos de esta época se caracterizaron por el análisis de la realidad y la descomposición en planos de los distintos volúmenes de un objeto para que la mente captase su totalidad.
Predominaban los ángulos y las líneas rectas y la iluminación no era real, ya que la luz procedía de distintos puntos. Las gamas de colores se simplificaron notablemente, en una radical tendencia al monocromatismo: castaños, grises, cremas, verdes y azules
CUBISMO SINTÉTICO
El Cubismo Sintético, de 1912 a 1914, trajo consigo la reconsideración de algunos de los modos expresivos de la anterior. El color volvió ahora a tener mayor protagonismo. Las superficies, aunque seguían apareciendo siempre fragmentadas, eran más amplias y decorativas. La novedad más singular fue, sin duda, el uso de materiales no pictóricos.
Esta técnica, conocida como collage, incorporó al lienzo elementos cotidianos como cajetillas de cigarrillos, páginas de periódicos, trozos de vidrio, telas y, en no pocas ocasiones, incluso arena.
Con la utilización de estos inusitados materiales en el lienzo, el cubismo, a la vez que aprovechó las diferencias de textura y de naturaleza de sus componentes, planteó, desde un ángulo original, la cuestión, siempre inquietante, de qué era realidad y qué ilusión
CUBISMO ÓRFICO
Una rama del cubismo fue el Orfismo, también llamado Cubismo cromático o Cubismo Abstracto o Cubismo Órfico o Simultaneísmo.
Cubismo Órfico fue nombre dado en 1913 por el poeta Guillaume Apollinaire a la tendencia colorista y abstracta del cubismo parisino cuyos máximos representantes son Robert y Sonia Delaunay, Auguste Macke, Francis Picabia y Frantisek Kupka quienes acabaron renunciando a la representación figurativa. Centrándose en el color se aproximaron a la abstracción geométrica.
De izquierda a derecha: Robert Delaunay, Sonia Delaunay y Frantisek Kupka
De izquierda a derecha: August Macke y Francis Picabia
Guillaume Apollinaire (1880-1918).- Poeta, novelista y ensayista.
Dio nombre al Orfismo. Es autor del ensayo crítico “Les peintres cubistes” (Los pintores cubistas), donde hace una defensa encendida del nuevo movimiento como superación del realismo.
GRUPO DE PUTEAUX
Además de Picasso y Braque, a los que se considera fundadores del cubismo, y Juan Gris y Marcoussis, sus más directos seguidores, el Cubismo fue seguido por una multitud de artistas entre 1911 y 1914.
En 1912, en las cercanías de París se reúnen algunos de los recién llegados a los que se llamará el Grupo de Puteaux o la Section d’Or asociado al Cubismo Órfico (Principalmente Albert Gleizes, Marcel Duchamp, Jean Metzinger, Fernand Léger y André Lothe.)
De izquierda a derecha: Albert Gleizes , Jean Metzinger y André Lothe
De izquierda a derecha: Marcel Duchamp y Fernand Leger
FUTURISMO
El Futurismo es un movimiento literario y artístico que surge en Italia en el primer decenio del S. XX (1909-1916) mientras el Cubismo apareció en Francia. Gira en torno a la figura de Marinetti, que no era pintor sino poeta, quien publica en el periódico parisiense Le Figaro el 20 de Febrero de 1909 el Manifiesto Futurista
En 1910 ya se puede hablar de un grupo liderado por Marinetti, formado por pintores como Russolo, Carrá, Boccioni, Balla o Severini. El Futurismo fue llamado así por su intención de romper absolutamente con el arte del pasado, especialmente en Italia, donde la tradición artística lo impregnaba todo.
Arriba de izquierda a derecha: Carlo Carrá, Umberto Boccioni y Giacomo Balla
Abajo de izquierda a derecha: Gino Severini, Luigi Russolo y Filipo Marinetti
La estética futurista difunde también una ética de raíz machista y provocadora, amante del deporte y de la guerra, de la violencia y del peligro. El futurismo fue politizándose cada vez más hasta coincidir con las tesis del fascismo, en cuyo partido ingresó Marinetti en 1919.
El futurismo procede directamente del cubismo, incluso los primeros cuadros, son de pleno derecho, cubistas, pero evolucionan rápidamente hacia una estética diferenciada, debido a su obsesión por representar la velocidad.
Fue uno de los primeros “ismos” o vanguardias artísticas, y su valor como movimiento de ruptura allanó el camino a otras corrientes que refrescaron el panorama artístico en los albores del siglo XX
Aunque el futurismo tuvo una corta existencia, aproximadamente hasta 1944 -acabado con la muerte de Marinetti- su influencia se aprecia en las obras de autores como Marcel Duchamp, Fernand Leger y Robert Delaunay en París, así como en el definitivo Constructivismo ruso.
CUADRO SINÓPTICO
CUBISMO ANALÍTICO
Pablo Picasso (1881-1973).- Muchacha con mandolina.- 1910
Juan Gris (1887-1927).- Retrato de Picasso.- 1912
George Braque (1882-1963).- Piano y Mandolina.-1910
Louis Marcoussis (1883-1941).- La Table.- 1930
CUBISMO SINTÉTICO
Pablo Picasso (1881-1973).- Naturaleza muerta con silla de rejilla.-1912
George Braque (1882-1963).- Frutero y Jarrón.-1912
Juan Gris (1887-1927).- Botella de anís del mono.-1914
CUBISMO ÓRFICO
Robert Delaunay (1885-1941).- La Torre Eiffel.- 1911
Frantisek Kupka (1871-1957).- La Catedral.- 1913
Francis Picabia (1879-1953).- Estrella danzante y su escuela de danza.- 1913
Luigi Russolo (1885-1947).- Dinamismo en un automóvil.- 1911
Umberto Boccioni (1885-1947).- The Street Enters the House.- 1911
Gino Severini (1883-1966).- Bailarina.- 1913
Parte 3.- Fovismo y Expresionismo
FOVISMO
Continuando con el desarrollo de los orígenes de la Pintura Abstracta, me gustaría aportar un breve apunte sobre los dos movimientos de los que surge la Abstracción Lírica.
El primer movimiento artístico importante de principios del siglo XX, es decir de las Vanguardias históricas que surgen antes de la II Guerra Mundial, fue el Fovismo, de escasa duración, caracterizado por el color brillante y puro.
Henri Matisse en 1905 crea el retrato “Madame Matisse con una franja verde” con un dibujo convencional pero con una calculada utilización del color nada convencional, más bien “feroz”, de fiera, “fauve” tal como lo definió el crítico Louis Vauxcelles al ver el envío hecho al Salón de Otoño de 1905. A este movimiento se unen Andre Derain, De Vlaminck, Kees Van Dongen, Albert Marquet, y Raoul Dufy. Fue un movimiento de efímera duración que sirvió de inspiración a los expresionistas.
Arriba de izquierda a derecha: Henri Matisse, André Derain y Maurice de Vlaminck
Abajo de izquierda a derecha: Kees Van Dongen, Albert Marquet y Raoul Dufy.
EXPRESIONISMO
De la utilización libre y exaltada del color surgió el Expresionismo, casi al mismo tiempo que el Cubismo y el Fovismo, hacia 1905, siendo una revolución artística básicamente alemana, que se desarrolló durante décadas en Centroeuropa y que ha ejercido una innegable influencia en alguno de los movimientos artísticos más destacados del siglo XX.
El nombre de Expresionismo lo usó el marchante Paul Cassirer para definir el arte de Pechstein pero lo popularizó el pintor y profesor de algunos expresionistas Lovis Corinth, uno de los representantes del movimiento artístico “Secesión de Berlín”, al referirse a un grupo de jóvenes pintores invitados a la “XXII Exposición de la Secesión” en 1911.
A la izquierda: Paul Cassirer (1871-1926) Marchante que promocionó la obra de los impresionistas.
A la derecha: Lovis Corinth (1858-1925) Pintor
Los dos principales grupos del Expresionismo son:
“Die Brücke” (“El Puente”)
En Dresde en 1905, cuatro jóvenes estudiantes de arquitectura (Kirchner, Erich Heckel, Karl Schmidt-Rottluff y Fritz Bleyl) fundaron un grupo, “Die Brücke”, que quería ser el puente que uniera el nuevo arte con la sociedad. Debido a la influencia que ejercía Van Gogh en la pintura de aquella época Emil Nolde quiso que el grupo se llamara “Van Goghiana”, pero triunfó la propuesta de Schmidt-Rottluff. Posteriormente se unieron Otto Müller y Max Pechstein, entre otros.
Arriba de izquierda a derecha: Ernst Ludwig Kirchner y Erich Heckel
Abajo de izquierda a derecha: Karl Schmidt-Rottluff y Fritz Bleyl
De izquierda a derecha: Emil Nolde, Otto Mueller y Max Pechstein
“Der Blaue Reiter” (”El Jinete Azul”)
En 1911 Vassily Kandinsky funda en Munich, junto a Franz Marc el segundo de los grandes grupos expresionistas al que después llamaron “Der Blaue Reiter” al que se sumarían Jawlensky, Marianne Von Werefkin, Gabrielle Münter y ocasionalmente Macke aunque a este se le considera el máximo representante del llamado Expresionismo Renano.
El Jinete Azul fue el título de una publicación que apareció en la Editorial Reinhard Piper en 1912 aunque originariamente debía ser un almanaque. En principio Kandisnky propuso que el grupo se llamase La Cadena. Finalmente decidieron el nombre de Der Blaue Reiter porque a Franz Marc le gustaban los caballos, que solía pintar en azul, y a Kandinsky los jinetes. El comienzo de la I Guerra Mundial disuelve “El Jinete Azul”.
Arriba de izquierda a derecha: Vasili Kandinsky, Franz Marc y Alexei Jawlensky
Abajo de izquierda a derecha: Marianne Von Werefkin, August Macke y Gabriele Münter
Kandinsky crea en 1910 su “Primera Acuarela Abstracta” considerada la primera obra abstracta de la Pintura, en 1912 escribe su libro “De lo espiritual en el Arte” y queda reconocido como el padre de la Abstracción.
“INDEPENDIENTES”
A los anteriores artistas habría que añadir otros expresionistas “independientes”:
Max Beckmann.- Fue miembro de la asociación “Secesión de Berlín” y de la “Nueva Secesión”. Estaba más cerca de la generación anterior (Corinth, Slevogt y Liebermann) que de los vanguardistas (Kirchner, Kandinsky y Marc)
Paul Klee.- Expone en la “Secesión de Berlín”. Formó parte de “Der Blaue Reiter”. Fue profesor en la Bauhaus de Weimar.
Oskar Kokoschka.- Fue uno de los representantes del Expresionismo en Viena. Participó en la creación de la revista “Der Sturm” (La Tormenta) Se “especializó” en retratos expresionistas de gran profundidad psicológica.
Edvard Munch.- Expone en la “Secesión de Viena” y forma parte de la “Secesión de Berlín”. Fue miembro de la Academia de Bellas Artes de Alemania.
Egon Schiele.- Fue la segunda personalidad sobresaliente del Expresionismo en Viena. Autor de desnudos fue condenado a tres días de cárcel por sus obras “pornográficas”. Su medio expresivo propio sería el dibujo sobre papel.
A los que habría que añadir Otto Dix, George Grosz, Conrad Felixmüller, Ludwig Meidner, Lyonel Feininger, Christian Rohls, Paula Modershon-Becker, Heinrich Campendonk.
De izquierda a derecha: Max Beckman, Paul Klee y Oskar Kokoschka
De izquierda a derecha: Edvard Munch y Egon Schiele
CUADRO SINÓPTICO
FOVISMO
Enri Matisse (1869-1954).- Chica leyendo.- 1906
Andre Derain (1880-1954).- Barcos en Colliure.- 1905
Maurice de Vlaminck (1876-1958).- El Circo.-1906
Kees Van Dongen (1887-1968).- Fernande Olivier.- 1905
Albert Marquet (1875-1947).- El 14 de Julio en El Havre.- 1906
Raoul Dufy (1877-1953).- Barcas en Martigues.- 1908
“DIE BRÜCKE”
Ernst Ludwig Kirchner (1880-1938).- Retrato de mujer.- 1911
Erich Heckel 81883-1970).- El estanque.-1910
Karl Schmidt-Rottluff (1884-1976).- Gaertnerei.-1906
Fritz Bleyl (1880-1966).- Poster para promover el show “Die Brücke”.-1906
Emil Nolde (1867-1956).- Las Máscaras.- 1911
Otto Mueller (1874-1930).-Pareja de enamorados.- 1909
Mex Pechstein (1881-1955) Paisaje Fluvial.- 1920
“DER BLAUE REITER”
Vasili Kandinsky (1886-1944).- La Calleja Grün en Murnau.-
Franz Marc (1880-19169).- Los pequeños caballos azules.-
Alexei von Jawlensky (1867-1941).- Costa Mediterránea.-
Marianne von Werefkin (1860-1938).- Autorretrato.-1910
August Macke (1887-1914).- Muchachas bajo los árboles.-1914
Gabriele Münter (1877-1962).- Autorretrato.- 1909
“INDEPENDIENTES”
Max Beckman (1884-1950).-Autorretrato como enfermero.- 1915
Oskar Kokoschka (1886-1940) Niña con muñecas.- 1921
Edvard Munch (1863-1944).- Mujeres sobre el puente.- 1902
Paul Klee (1879-1940).- Juego de cartas en el jardín.- 1913
Egon Schiele (1890-1918).- Casas en arco.-1915
Parte 4.- Abstracción Geométrica
Como ya vimos anteriormente el Futurismo, Cubismo, Fovismo y Expresionismo abrieron el camino llegando a las orillas de la Abstracción, es decir se produce un paso desde el arte mimético hasta el arte no-objetivo o como se conoce popularmente del arte figurativo al arte abstracto.
Este movimiento artístico niega que el arte se justifique por la imitación de la naturaleza sino por el significado de las cosas al margen de las apariencias visuales, una obra no tiene por qué representar una cosa concreta, dejando así de ser un medio de conocimiento, referido a un modelo natural, para convertirse en un medio esencial de comunicación, es decir en una fuente de sentimientos y emociones, marcando de este modo una ruptura con el arte anterior y ello casi coincidiendo con el final de la I Guerra Mundial.
El arte abstracto prescinde de la representación de un tema o un asunto figurativo y lo sustituye por un lenguaje visual autónomo, con significado propio. Se entiende por pintura abstracta aquella que prescinde por completo del objeto y de la figura y el cuadro se compone mediante la combinación de líneas y colores. Para decirlo a mi manera la pintura deja de ser un arte narrativo-descriptivo para convertirse en un potente lenguaje poético-emocional.
La corriente principal de la abstracción se basó en la geometría ya que la otra posibilidad, la orgánica o lírica, se practicó a título individual en los años veinte y treinta.
De este nuevo concepto surgen los dos polos fundamentales del arte abstracto: el orgánico o lírico, de Kandinsky (en Alemania) y el geométrico, de Malevich (en Rusia) y de Mondrian (en Holanda). El primero se basa en la libre sensibilidad y la pasión. El segundo en la reflexión intelectual expresado en formas geometrizantes.
A su vez en ambas tendencias hay dos períodos diferenciados el primero a partir de la I Guerra Mundial, llamado de la Primera Vanguardia Histórica, que se aplica ya al Cubismo y Futurismo aunque algunos autores la inician en el Impresionismo con Eduard Manet, y el segundo período a partir de la II Guerra Mundial, llamado de la Segunda Vanguardia Histórica (1945-1970)
En esta cuarta parte de los apuntes sobre los orígenes de la Abstracción sólo me referiré al primer período de la Abstracción Geométrica. Próximamente hablaré sobre la Abstracción Lírica.
Pioneros de la abstracción
La Abstracción Geométrica nació en la segunda década del siglo XX como reacción al Impresionismo. Fueron los postimpresionistas Cezanne y Seurat quienes preconizaron la armonía como objetivo y esencia de la pintura por encima de la percepción y registro de los fenómenos visuales dando prioridad al orden conceptual que exige una armonía paralela a la naturaleza y no una imagen de ella.
De izquierda a derecha: Paul Cezánne (1839-1906) y George- Pierre Seurat (1859-1891)
Es muy difícil establecer cuándo nació la primera obra típica de la noción de abstracción geométrica pero fue creada en el ámbito de la “Section d’Or”, un grupo de cubistas formado entre otros por Frantisek Kupka y Robert Delaunay
De izquierda a derecha, Frantisek Kupka y Robert Delaunay.
La obra de Kupka y de Delaunay, se convirtió en el punto de partida de un arte que, sobrepasando la figuración, permanecía fiel a los principios de la armonía.
Kupka fue el primero en 1909, un año antes de la “Primera acuarela Abstracta” de Kandinsky, en crear un cuadro alejado de cualquier referencia a la realidad y vagamente geométrico y abstracto, “El primer paso” (83,2 x 129,6)
Robert Delaunay, en 1912 abandonó el cubismo y pintó su cuadro “Primer disco simultáneo”, compuesto por círculos en forma rigurosamente geométrica.
Vanguardia rusa abstracta
RAYONISMO (1911-1914)
El Rayonismo es el último estadio del Futurismo sin embargo difícilmente se observa en él figura alguna. Pretende representar las radiaciones que se desprenden de los cuerpos, es la época en que se descubren los rayos X y la radioactividad.
El primer movimiento de la vanguardia rusa, el Rayonismo (del francés rayonner, irradiar) se anuncia en 1913, cuando aparece el Manifiesto Rayonista “como una síntesis de Cubismo, Futurismo y Orfismo”, creado por Lariónov y Gontcharova, pudiendo considerarse como la primera escuela rusa original de pintura no-objetiva preludio de la abstracción geométrica propiamente dicha.
Mijail Fyodorovich Lariónov está presente en la Exposición Internacional de Viena en 1907 y en la Der Blue Reiter (Múnich, 1912). En 1913 publica “Luczim” texto base del movimiento rayonista.
Natalia Sergéyevna Gontcharova, junto con Larionov desarrolló el Rayonismo y fueron los padres de la Vanguardia rusa. También participó en la exposición de Der Blaue Reiter de 1912, grupo del que fue miembro.
SUPREMATISMO (1913-1919)
El Suprematismo es una forma de abstracción que se caracteriza por las figuras simples, geométricas y los colores planos. Es un movimiento artístico enfocado en formas geométricas fundamentales –el círculo y el cuadrado-, que se basaba en la representación del universo sin objetos. Este movimiento ejerció una fuerte influencia en Occidente, en la evolución del arte y el diseño.
De izquierda a derecha: Kasimir Malevich, Olga Rozánova y El Lissitski
Kazimir Severinovich Malévich, formado en el Fovismo y el Cubismo Analítico, describía sus obras como “la supremacía de la pura sensibilidad del arte”, por ello a la abstracción geométrica que desarrolló desde 1913 la llamó Suprematismo y en 1915 publicó el manifiesto “Del Cubismo y el Futurismo al Suprematismo. El nuevo realismo pictórico” Su primera obra suprematista fue “Cuadrado negro sobre fondo blanco” de 1913. Finalmente abandonó el Suprematismo y colaboró en el desarrollo del Constructivismo. Junto con Mondrian está considerado como el padre de la Abstracción Geométrica.
Olga Vladímirovna Rózanova, se unió en 1916 a Supremus, un grupo de artistas vanguardistas dirigidos por Kazimir Malévich. Durante estos años sus pinturas, influidas entonces por el cubismo y el futurismo italiano, tomaron un punto de partida completamente original hacia la abstracción pura en la cual la composición está organizada por el peso visual y la relación con el color.
Eliazar Márkovich Lissitski, fue un artista ruso, diseñador, fotógrafo, maestro, tipógrafo, y arquitecto. Contribuyó junto con Malévich al desarrollo del Suprematismo creando el grupo artístico suprematista UNOVIS, donde desarrolló una serie suprematista variante propia, los Prouns, de corta duración, pero de gran influencia. Se le considera pionero del Constructivismo e influyó en la Bauhaus y en “De Stijl”
CONSTRUCTIVISMO (1917-1933)
Esta tendencia artística de la abstracción geométrica toma su nombre del escritor y crítico Nikolay Punin que lo utilizó por primera vez en 1913 al referirse a la obra de Vladimir Tatlin. Al igual que el Futurismo el constructivismo manifestaba su rechazo al arte burgués y descubría el proyecto de un nuevo lenguaje en las “propuestas” de la tecnología y la mecánica industriales. Surgió en el marco de los pintores de izquierdas y de los ideólogos de la acción de masas. Los constructivistas rusos querían nuevas opciones artísticas y culturales adecuadas a la nueva sociedad socialista.
En 1920 cuando el Manifiesto Realista (de Antoine Pevsner y de su hermano el escultor Naum Gabo) afirmó la existencia de un núcleo espiritual para el movimiento constructivista que se oponía a la versión del constructivismo adaptable y utilitario que sostenían Tatlin y Rodtschenko la vanguardia constructivista se escindió en dos corrientes:
Constructivismo Formalista.-
Fue una tendencia minoritaria practicada por Malevich, El (Eliazar) Lissitski, Antón Pevsner y su hermano Naum Gabo, que se dedicó a la investigación formal sin preocupaciones sociales.
Arriba de izquierda a derecha: Kazimir Malevich y El Lissitski
Abajo de izquierda a derecha: Antón Pevsner y Naum Gabo
Constructivismo Productivista.-
La mayoría de los artistas optó por la supresión del arte burgués individualista y se inclinó por un arte de producción, inspirado en la mecánica industrial y en la tecnología, con fines propagandísticos y de educación moral de las masas. El grupo principal lo componían Tatlin, Rodchenko, Vesnin, Popova, Ekster y Stepánova.
Arriba de izquierda a derecha: Vladimir Tatlin, Aleksandr Rodtschenko y Alexander Vesnin
Abajo de izquierda a derecha: Várvara Stepánova, Aleksandra Ekster y Liubov Popova.
Vanguardia holandesa abstracta
NEOPLASTICISMO (“DE STIJL”, 1917-1931)
Mientras los artistas rusos se ven implicados en la Revolución, en Holanda que permanece neutral ante el conflicto mundial, Théo van Doesburg funda, en Leyden, en el 1917 la revista De Stijl (El Estilo) al que se unieron Piet Mondrian, Bart van der Leck y Vilmos Huszár. Creándose en torno a ella el Neoplasticismo, que es el nombre que le dieron a la abstracción geométrica, practicado por estos fundadores a los que se añadieron otros como, Vantongerloo, Oud y Wils, todos ellos pintores, escultores y arquitectos. En 1918 se publicó el Manifiesto de De Stijl y al año siguiente la revista se difundió por toda Europa.
En el arte del Neoplasticismo dominan dos principios: la abstracción completa, es decir la exclusión a cualquier referencia figurativa, y segundo principio, la limitación a la línea recta y al ángulo recto (horizontal y vertical) evitando las líneas curvas y diagonales que son las que representan la perspectiva. Y en cuanto al color se limita a los tres colores primarios: azul, amarillo y rojo, con los tres no-colores primarios: el blanco, el gris y el negro. El neoplasticismo está considerado, junto con el Suprematismo de Malévich, el origen de la abstracción geométrica.
Arriba de izquierda a derecha: Piet Mondrian y Theo van Doesburg
Abajo de izquierda a derecha: Bart van der Leck y Vilmos Huszár
ESCUELA DE LA BAUHAUS (1919-1933)
No puedo cerrar este capítulo dedicado la Abstracción Geométrica sin hacer una referencia a la Escuela de la Bauhaus. Fue creada con el nombre de “Bauhaus del Estado de Weimar. Escuela Superior de Artes Plásticas y de Artes y Oficios reunidas”.
La Staatliche Bauhaus (Casa de la Construcción Estatal), o simplemente Bauhaus, fue la escuela de artesanía, diseño, arte y arquitectura fundada en 1919 por el arquitecto Walter Gropius en Weimar (Alemania) hasta 1923 y en Dessau a donde se trasladó desde 1925 hasta 1932 cuando fue cerrada por el Partido Nazi por primera vez y definitivamente cerrada por los nazis en Berlín en 1933 donde funcionaba de modo privado hasta 1933
Al igual que otros movimientos pertenecientes a la vanguardia artística, la Bauhaus no se marginó de los procesos políticos-sociales, manteniendo un alto grado de contenido crítico y compromiso de izquierda. La Bauhaus -como demuestran los problemas que tuvo con políticos que no la veían con simpatía- adquirió la reputación de ser profundamente subversiva.
La Bauhaus sentó las bases normativas y patrones de lo que hoy conocemos como diseño industrial y gráfico; puede decirse que antes de la existencia de la Bauhaus estas dos profesiones no existían como tales y fueron concebidas dentro de esta escuela. Se formó cuando Gropius une la Escuela de Bellas Artes con la Escuela de Artes Aplicadas o Escuela de Artes y Oficios, transformándose en la primera escuela de diseño del mundo.
Paul Klee llegó a la escuela en 1920 y en 1922 Kandinsky se incorporó al proyecto, ambos dieron clases en el curso de diseño básico.
La influencia del movimiento neoplástico se hizo sentir en la Bauhaus, con la cual había una fuerte corriente de intercambios. En 1923 Theo van Doesburg al llegar a la Bauhaus de Weimar, ejerció una influencia decisiva en los estudiantes y en Gropius que acabaría llevando a la escuela a tomar otro rumbo.
La incorporación a la Bauhaus de László Moholy-Nagy, un artista muy cercano a Van Doesburg, supuso la introducción en la escuela de las ideas del constructivismo ruso de El Lissitski y Tatlin, que abogaban por un arte comunal, basado en la idea y no en la inspiración.
Cuando comenzó la II Guerra Mundial, casi todo el arte que se había realizado durante las décadas anteriores sucumbió. Sólo el Surrealismo y sobre todo la Abstracción sobrevivieron para dar aliento a los nuevos movimientos que surgirían al finalizar la guerra.
Las enseñanzas de Paul Klee, Théo Van Doesburg, László Moholy-Nagy, El Lissitski, Vladimir Tatlin, Johannes Itten y Josef Albers influyeron decisivamente en el desarrollo del Informalismo en Europa y el Expresionismo Abstracto en Norteamérica, de hecho ya en 1937 Moholy-Nagy funda en Chicago la New Bauhaus y en 1940 Mondrian se traslada a Nueva York, pero eso ya lo veremos en el próximo apunte que publicaré.
De izquierda a derecha: Paul Klee, Théo Van Doesburg y László Moholy-Nagy
Arriba de izquierda a derecha: El Lissitski y Vladimir Tatlin
Abajo de izquierda a derecha: Josef Albers y Johannes Itten.
CUADRO SINÓPTICO
PIONEROS
Frantisek Kupka.- 1871-1957.- “Amorfa, fuga en dos colores”.- 1912
Robert Delaunay.- 1885-1941.- “Ventanas simultáneas”.- 1912
Piet Cornelis Mondrian.- 1872-1944.- “Composición en Gris y Ocre”.- 1918
Théo van Doesburg.- 1883-1931.- “Contraposición XIII”.- 1925
Bart van der Leck.- 1876-1958.- “Composición. Montañas con un pueblo en Argelia”.- 1917
Vilmos Huszár.- 1884-1960.- “Composición”.- 1920
BAUHAUS
Paul Klee.- 1879-1940.- “Flora sobre la arena”.- 1927
Théo van Doesburg.- 1883-1931.- “Pintura Pura”.- 1920
Lászlo Moholy-Nagy.- 1895-1946.- “Composición A XXI”.- 1925
Eliazar Márkovich Lissitski.-1890-1941.- “Globetrotters in time”.- 1923
Vladimir Yevgráfovich Tatlin.- 1885-1953.-“Constructivismo Cubista”.- 1920
Josef Albers.- 1888-1976.- “Sin título”.- 1921
Johannes Itten.- 1888-1967.- “Ascension y Pausa”.- 1919
Parte 5.- Abstracción Lírica
Como ya vimos en apuntes anteriores si el Cubismo y el Futurismo dieron lugar a la Abstracción Geométrica, de la mano de Malevich y Mondrian, será en el Fovismo y en el Expresionismo donde se encuentre la semilla de la Abstracción Lírica que Vasily Kandinsky y Paul Klee hicieron germinar.
La abstracción lírica es una tendencia contraria a la abstracción geométrica que enfatiza la expresividad de los colores, las formas y la materia, sin mostrar referencias directas de la realidad y con el fin de provocar emociones en el espectador. La abstracción pura, o no figurativa, es, probablemente, el culmen ideal del arte al quedarse exclusivamente con el concepto y la belleza. La obra de arte debe ser bella por sí misma, el cuadro como objeto bello. Era un concepto totalmente nuevo y opuesto al concepto de arte surgido en el Renacimiento.
“No se puede examinar o analizar el cuadro, o la estatua, sirviéndose de ese “lenguaje crítico” propio del arte de ayer, pero que se adapta mal al de hoy” (Gillo Dorfles, “Ültimas tendencias del arte de hoy”, Edit. Labor, 1965)
De izquierda a derecha: Vasily Kandinsky y Paul Klee
Cronológicamente, Mikalojus Konstantinas Čiurlionis está considerado, por sus composiciones no figurativas fechadas en 1904 y 1905, como el primer pintor abstracto, pero generalmente se acepta que la Abstracción Lírica “comienza” con la primera acuarela abstracta que Kandinsky pinta sin título en 1913 pero que adelanta su fecha datándola en 1910 según Volkmar Esser, autor de “Los Maestros de la Pintura Occidental”, Edit. Taschen 2000, obra que se conoce mundialmente como “Primera Acuarela Abstracta”.
En 1911 Kandinsky escribe, y publica en 1912, su obra teórica “De lo espiritual en el arte” donde relaciona principios de la música y de la pintura, especialmente conceptos del ritmo.
“Aunque en el dominio superespecializado del arte contemporáneo debe denominarse abstractas solamente las obras carentes de figuración el hecho es que el término abstracción tiene una acepción bastante más amplia incluyendo en ella lo que en la pintura del presente se denomina semiabstracción”. Juan-Eduardo Cirlot, “El espíritu abstracto”, Edit. Labor, 1965. De modo que la abstracción lírica se ha utilizado con frecuencia como cajón de sastre donde incluir las más variadas tendencias. Por ello bajo ella se cobijan tanto el Informalismo europeo como el Expresionismo Abstracto norteamericano, que teniendo importantes similitudes también tienen grandes diferencias como veremos más adelante
INFORMALISMO
Informalismo es la pintura capaz de mostrarse completamente ajena a cualquier forma de significado, sustentándose tan sólo en la identidad material de sus elementos plásticos.
El adjetivo “informal” fue utilizado por primera vez por el pintor Georges Mathieu en la mitad del siglo XX. Poco después en 1951 el crítico Michel Tapié lo redefinió como “Art Informel” y también como “Art Autre” (Otro Arte) utilizándolo en un sentido amplio para referirse a la pintura practicada entre la figuración apenas insinuada y lo estrictamente no-figurativo. De este modo el Informalismo se convierte en la denominación para las tendencias dominantes en la Segunda Vanguardia en Europa desde la II Guerra Mundial hasta avanzada la década de los sesenta, imponiéndose como un verdadero “estilo” europeo
“Informalismo” es un término ambiguo que sirve para designar obras de aspectos muy diversos agrupadas en distintas tendencias pero que todas tienen en común el lenguaje no figurativo (es decir abstracto) y no geométrico (es decir abstracto lírico) llegando a veces a la abstracción pura. Estas tendencias son principalmente el Informalismo Matérico, el Informalismo Gestual, el Tachismo y el Espacialismo, a las que habría que añadir la quinta tendencia, informalista pero no propiamente abstracta, con insinuaciones figurativas, el Art Brut o Arte Marginal.
TACHISMO
Fue una corriente dentro de la pintura abstracta que se desarrolló hacia 1954. Esta tendencia muestra una abstracción radical, ni geométrica ni verdaderamente gestual, que se centra en la difusión de la mancha de color.
La invención del término “tachisme” (del francés “tache”, es decir “mancha”) se le atribuye al crítico Pierre Guéguen (1951) pero se popularizó por el artículo del médico y escritor Charles Estienne publicado en 1954 para referirse a la obra expuesta en el Salón de Octubre. Por tanto traducido propiamente al castellano el término “tachisme” debería conocerse como “Manchismo” en lugar de Tachismo o Tachonismo como se le conoce.
Los principales representantes de esta tendencia fueron Alfred Otto Wolfgang Schulse, más conocido por Wols, George Mathieu, Hans Hartung, Nicolás de Staël y Pierre Soulages.
De izquierda a derecha: Wols, Mathieu y Hartung
De izquierda a derecha: Pierre Soulages y Nicolás de Staël.
INFORMALISMO GESTUAL
Esta tendencia del Informalismo se caracteriza por la planitud de la obra, no hay sombras, ni contrastes ni volúmenes, renunciando por completo a cualquier tipo de mímesis figurativa. Sólo pintura extendida sobre el lienzo, resaltando el valor de la pincelada, la mancha, como testimonio de la intervención consciente del artista que expresa las vivencias gestuales del propio acto pictórico. Es decir sin más proyecto previo que el desarrollado por el instinto del pintor en el proceso de ejecución.
Los más conocidos pintores que practicaron esta tendencia fueron Henri Michaux, Jean-Paul Riopelle, Antonio Saura Atarés, Emilio Vedova, José Viola Gamón conocido como Manuel Viola y Albert Ráfols Casamada.
Arriba de izquierda a derecha: Riopelle, Michaux y Saura.
Abajo de izquierda a derecha: Viola, Vedova y Casamada.
INFORMALISMO MATÉRICO
El informalismo Matérico se caracteriza por el uso eminentemente expresivo del óleo a base de chorreados y grandes empastes que viene acompañado por la importancia concedida a otros materiales ajenos a la pintura, tales como la tela metálica, la arpillera, papel, cuerdas, trapos y la arena. Se suele señalar a Jean Fautrier como el iniciador del Informalismo en Europa que efectivamente avanza el gusto por la materialidad de muchos artistas a través de distintas capas de pintura espesadas y el grattage. Fautrier expuso por primera vez en 1945 en la galería Drouin de París, donde llamó mucho la atención la textura y efectos matéricos de sus cuadros.
Entre los pintores del Informalismo Matérico podemos destacar Jean Fautrier, Alberto Burri, Antoni Tàpies i Puig, Manolo Millares Sall y Modest Cuixart i Tàpies.
De izquierda a derecha: Jean Fautrier, Alberto Burri y Antoni Tàpies.
De izquierda a derecha: Manolo Millares y Modest Cuixart.
ESPACIALISMO
El Espacialismo o Movimiento Espacial fue fundado por Lucio Fontana en Milán entre 1947 y 1952. Fue en la Galleria del Naviglio (Milán) donde se organizó en 1949 la exposición fundadora del Espacialismo con obras de Fontana. En 1952 en la misma galería se celebró la exposición Arte Espacial con Fontana, incluyendo obras de Giancarlo Carozzi, Roberto Crippa, Gianni Dova, Mario de Luigi, Bienamino Joppolo y Cesare Peverelli.
El Espacialismo se reconoce por la utilización de técnicas destructivas: perforaciones, cortes, acuchillados y desgarro del lienzo y de las arpilleras.
De izquierda a derecha: Lucio Fontana y Roberto Crippa.
ART BRUT Y EL GRUPO COBRA
“El Art Brut no es ni grupo ni movimiento, sino una definición creada por Jean Dubuffet para designar y valorizar las obras de los “singulares del arte”, de quienes se sitúan fuera de las instituciones culturales y de los ambientes artísticos”. Marisa Vescovo, “Abstracción” Edit. Planeta, 1998. De esta forma tan elegante describe Vescovo la obra de arte recogida por Dubuffet en hospitales psiquiátricos de Suiza y que presenta en 1947 y 1949 en la Galería René Drouin de París.
Dubuffet, y también Adolf Wölfli, realizó obras ricas en textura y materia, que por parecer hecha con la espontaneidad y libertad con la que se expresan los niños, solitarios, inadaptados, ancianos, delincuentes, visionarios, médiums, los locos o los aficionados, denominó “Art Brut” (arte tosco, arte en bruto) para quitarle a las obras el rótulo de arte de enfermos mentales. Por ello a este arte se le llamó también Arte Marginal, denominación debida al crítico Roger Cardinal que extendió la acepción del término a los artistas autodidactas o naïf, aunque nunca hubiesen sido internados en una institución psiquiátrica ni hubiesen recibido formación académica.
De izquierda a derecha: Dubuffet y Wölfli
En 1948 se funda en París un movimiento artístico, que sólo duró tres años, que de manera similar a Jean Dubuffet, veía en el arte primitivo de niños y enfermos mentales el ejemplo de arte libre y original frente a las obras clásicas de la historia del arte. Este grupo recibió el nombre de CoBrA, acrónimo resultante de los nombres de las capitales de los países de procedencia de sus miembros. (Copenhague, Bruselas, Ámsterdam). Los miembros más destacados del grupo fueron Asger Jorn, Karel Appel, Guillaume Cornelis van Beverloo, mejor conocido como “Corneille” y Pierre Alechinsky.
Arriba de izquierda a derecha: Asger Jorn y Appel
Abajo de izquierda a derecha: Corneille y Alechinsky
EXPRESIONISMO ABSTRACTO AMERICANO
“Desde el descubrimiento de América, todo lo que en este continente estaba destinado a satisfacer las necesidades superiores del hombre-y, por supuesto, también el arte- tenía que importarse de Europa. Al finalizar la Segunda Guerra Mundial, la situación había cambiado por completo.” Christa von Lengerke, “Los Maestros de la Pintura Occidental”, Edit. Tashen, 2000. La II Guerra Mundial, que arrasó Europa, supuso el fin del predominio europeo en el arte, que se desplazó a Norteamérica, lo que supuso la dispersión de sus artistas, mayormente hacia Nueva York, aunque Picasso, Miró, Braque o Matisse siguieron trabajando en Francia e influyendo en las nuevas generaciones. Nueva York conservará hasta nuestros días su posición como centro internacional del Arte. Desde 1945 y durante los veinte años siguientes vendría de allí las novedades más espectaculares y los impulsos renovadores de las artes plásticas. El Museum of Modern Art de N. Y. y el Guggenheim Museum se convirtieron en instituciones culturales muy influyentes.
Al margen de la evolución nacional, el origen de la llamada Escuela de Nueva York está estrechamente relacionado con los emigrantes europeos. Con el fin de la II Guerra Mundial y el regreso a Europa de gran parte de los artistas europeos comienza un movimiento genuinamente americano. Con Expresionismo Abstracto se define a la agrupación de una quincena de artistas que coincidieron en los años cuarenta en Nueva York. Fue Robert Motherwell en 1950 quien etiquetó al grupo como Escuela de Nueva York. Este primer grupo de pintores alcanzó la consagración con exposiciones individuales entre 1943 1946 en las Galerías de Peggy Guggenhein y de Betty Parson.
El término Expresionismo Abstracto fue utilizado por primera vez en 1929 por Alfred H. Barr Jr., primer director del MOMA de N.Y., para referirse a las “Improvisaciones” de Kansdinsky. Pero a inicios de los años cincuenta la gestualidad de las obras hizo al crítico Robert Coates recuperar el apelativo de “Abstract Expresionism” (Expresionismo Abstracto), aunque el primer teórico fue Clement Greenberg que propuso el término de “Painterly Abstraction” (Abstracción Pictórica) y el crítico Harol Rosenberg que sugirió en 1951 el de “Action Paintig” (Pintura de Acción), que finalmente sólo se aplicó a una tendencia específica dentro del Expresionismo Abstracto. Además surgieron otras tendencias como el “Simbolismo Abstracto” y el “Color-Fields Painting” (Pintura de campos de color)
ACTION PAINTING
El término Action Painting lo acuñó Harold Rosenberg, en Nueva York, el año 1952. Se puede considerar a esta pintura como un acto de pura existencia, de libre intencionalidad a través de la materia y el gesto, con pinceladas violentas en capas espesas que dejan partes del lienzo sin pintar. La técnica se ejecuta también por medio del dripping (goteando) pouring (chorreando) all-over (repitiendo por todo el lienzo) etc. liberándose así de las escuelas europeas. Es una pintura de acción, enérgica y emotiva según Rosenberg. No es una tendencia con un programa sino el resultado de una suma de individualidades.
Los pintores más representativos de esta tendencia fueron: Hans Hofman, considerado el decano del Expresionismo Abstracto, Jackson Pollock, Willem de Kooning, Franz Kline, Sam Francis y Philip Guston.
Arriba de izquierda a derecha: Hofman, Pollock y De Kooning.
Abajo de izquierda a derecha:Kline, Francis y Guston.
SIMBOLISMO ABSTRACTO
Al mismo tiempo que el Action Painting, se desarrolló en Nueva York una corriente expresionista más próxima al surrealismo simbólico y abstracto de Miró, Arp y Matta. Es una pintura muy intelectual orientada al Simbolismo Abstracto, entre el Action Painting y el Color-fields Painting. Es una corriente minoritaria dentro del Expresionismo Abstracto, intermedia entre la pintura gestual y violenta del Action Painting y la de las zonas de delicados cromatismos de los campos de color, La personalidad más representativa es Arshile Gorky, seguido por Williams Baziotes, Adolf Gottlieb y Mark Tobey.
Arriba de izquierda a derecha: Gorky y Baziotes.
Abajo de izquierda a derecha: Gottlieb y Tobey.
COLOR-FIELDS PAINTING
Otra tendencia es la pintura por campos coloreados o campos de color, de amplias superficies cromáticas, más meditada, de contenido más transcendental, de diálogo espiritual entre la obra y el espectador. Surgió como reacción a la expresividad del Action painting. Esta denominación fue empleada por el crítico Clement Greenberg en 1962. La intensidad del color depende de su extensión y los cuadros comprenden no más de dos o tres colores, siguiendo el criterio de Gauguin que afirmaba que “En un metro de verde se expresa más que en un centímetro de verde” (Inmaculada Julián, “Expresionismo Abstracto”, Arlanza Ediciones. 2000) reafirmado por Henri Matisse, para quien “Un metro cuadrado de azul es más azul que un centímetro cuadrado de azul” (Marisa Vescovo, “Abstracción”, Edit. Planeta. 2000)
En esta segunda tendencia destacaron Mark Rothko, Ad Reinhardt, Robert Motherwell, Clifford Still, Barnett Newman y Kenneth Noland.
Arriba de izquierda a derecha: Rothko, Reinhardt y Motherwell
Abajo de izquierda a derecha: Still, Newman y Noland.
CUADRO SINÓPTICO
TACHISMO
Alfred Otto Wolfgang Schulse, “Wols”.- (1913-1951).- “El barco ebrio”.- 1945
Georges Mathieu.- (1921-2012).- “Festival en Norwich”.- 1957
Hans Hartung.- (1904-1989).- “Sin título”.- 1948
Pierre Soulages.- (1919).- “Pintura”.- 1953
Nicolás de Stäel.- (1914-1955).- “Composición”.- 1947
Name given by the Russian artist Kasimir Malevich to the abstract art he developed from 1913 characterised by basic geometric forms, such as circles, squares, lines and rectangles, painted in a limited range of colours
The first actual exhibition of suprematist paintings was in December 1915 in St Petersburg, at an exhibition called O.10. The exhibition included thirty-five abstract paintings by Kazimir Malevich, among them the famous black square on a white ground (Russian Museum, St Petersburg) which headed the list of his works in the catalogue.
In 1927 Malevich published his book The Non-Objective World, one of the most important theoretical documents of abstract art. In it he wrote: ‘In the year 1913, trying desperately to free art from the dead weight of the real world, I took refuge in the form of the square.’ Out of the ‘suprematist square’ as he called it, Malevich developed a whole range of forms including rectangles, triangles and circles often in intense and beautiful colours. These forms are floated against a usually white ground, and the feeling of colour in space in suprematist painting is a crucial aspect of it.
Suprematism was one of the key movements of modern art in Russia and was particularly closely associated with the Revolution. After the rise of Stalin from 1924 and the imposition of socialist realism, Malevich’s career languished. In his last years before his death in 1935 he painted realist pictures. In 1919 the Russian artist El Lissitsky met Malevich and was strongly influenced by suprematism, as was the Hungarian born Laszlo Moholy-Nagy.
Kazimir Severinovich Malevich was a Russian avant-garde artist and art theorist, whose pioneering work and writing had a profound influence on the development of non-objective, or abstract art, in the 20th century.
The Art and Culture Center/Hollywood is thrilled to announce the Open Call for its 2020 Florida Biennial. This tenth edition of the Center’s Biennial is open to visual artists residing in the state of Florida to submit their artwork for the exhibition that opens on November 7, 2020. The 2020 Florida Biennial is juried by Juror/Guest Curator, Coralie Claeysen-Gleyzon, Associate Curator for Collections and Exhibitions at the Orlando Museum of Art.
The 2020 Florida Biennial will feature Artists Select, a special $500 honorarium that will go to two artists selected by the Juror/Guest Curator based on their site-specific proposals. Additionally, these two artists selected by the Juror/Guest Curator will receive solo exhibitions in the Center’s Middle and Interactive Galleries during the Biennial dates. Participating artists in the General Exhibition will be awarded a $40 honorarium and will receive a Friends-level membership, which provides free admission to more than 1,000 cultural institutions as part of the North American Reciprocal Museum (NARM) program.
TIMELINE Biennial Open for Submissions: Monday, April 13, 2020
Deadline for Submissions: Friday, July 10, 2020
Announcement of Participating Artists: Friday, August 21, 2020
Delivery of Artworks: October 13 – 26, 2020
Installation: November 2 – 6, 2020
Opening Reception: Saturday, November 7, 2020
Exhibition Closes: February 20, 2021
Return/Pick-up of Artwork: February 24 – March 1, 2021
ELIGIBILITY Proposals will be accepted from individual artists who live, work, study or maintain a studio in the state of Florida. Three artworks total may be submitted per entry for General Exhibition and two files total may be submitted per entry for Artists Select where you may be selected for a solo exhibition during the Biennial. Only one entry per artist.
ENTRY FEE Cost to submit an entry: $40
AWARDS
Artists Select: Two artists will be selected for solo exhibitions in the Middle and Interactive Galleries during the 2020 Florida Biennial. Each artist will receive a $500 honorarium
General Exhibition: $40 honorarium for all exhibiting artists in the Biennial exhibition
All Participating Artists: $150 Friend-Level membership, which provides free admission to more than 1,000 cultural institutions given to all exhibiting artists in the Biennial
SUBMISSIONS FOR GENERAL EXHIBITION 2020 BIENNIAL Artists are invited to submit up to three image(s) of artwork to be considered for inclusion of the 2020 Florida Biennial. Artwork may be any medium including: photography, video, prints, sculptural installations, crafts, textiles, drawing, painting, etc. Files must be jpg or pdf, no larger than 10MB per file. Please include all artwork information (Title, Size, Date, Medium, Edition, Insurance Value). Selected artists will receive a $40 honorarium and $150 Friend-Level membership. Submissions will only be accepted via our online form.
SUBMISSION INFORMATION FOR ARTIST SELECT (OPTIONAL) Artists are encouraged (but not required) to submit solo exhibitions/site-specific proposals to be considered for the Artist Select sections. Two artists will be selected and will receive a $500 honorarium and $150 Friend-Level membership. If selected, the participant will present the proposed project as a solo exhibition in the Middle or Interactive Gallery during the 2020 Biennial. If selected, the Juror/Guest Curator and Curator of Art and Culture Center/Hollywood will determine which Gallery the selected artist will present their work. The Middle Gallery is 31’9” x 11’4. The Interactive gallery is 26’7” x 9’2”. Click here to download floor plans. Please submit no more than two files (jpg or pdf, no more than 10 MB each) with a brief description of your exhibition proposal (1,000 words maximum) on the online submission form. Only electronic submissions may be considered.
CONDITIONS By submitting a proposal, each participant, if selected, agrees to the conditions below.
The applicant will receive an email notification on the status of their application no later than Friday, August 21, 2020. Artwork selected must be installed as described. The artist can propose to create a new body of work for exhibition. The artist must submit a description of the proposed work, and samples of previously created work for quality review. Participants may not change their exhibit between selection and exhibition without permission from the Juror/Guest Curator and Art and Culture Center/Hollywood. If the artwork is not as proposed originally, Art and Culture Center/Hollywood has the right to cancel the artist’s inclusion and the honorarium would be forfeited. The artist must be the sole author and owner of the copyright of all artwork entered. Once selected, the participant and Art and Culture Center/Hollywood staff will coordinate exhibition, opening reception, artwork drop off, installation, de-installation and pickup dates and times. Selected participants are responsible for the delivery and return of the artwork(s). Participants will receive and sign a loan agreement with Art and Culture Center/Hollywood stating the dates and exhibition terms. To receive honorariums, participants must submit a W-9 for payment purposes. Art and Culture Center/Hollywood has permission to photograph and reproduce any work submitted to the exhibition for publicity purposes is considered granted unless otherwise stated in writing. All artwork will be insured on premises as long as a list of artwork titles, descriptions, and values is presented before work is delivered and photographed on site. Artwork is not insured while on delivery to and from Art and Culture Center/Hollywood. Art and Culture Center/Hollywood cannot store artwork for a later pickup; artwork must be picked up on the days of de-installation.
ABOUT THE JUROR/GUEST CURATOR Born in France, Coralie Claeysen-Gleyzon was raised in the heart of the Sahara Desert in Niger, Africa, which has had a deep influence on her understanding of art, culture, color, and light. She has worked in museums and art galleries across the globe, including four years for Folly Gallery in the Lake District, UK; three years as a Creative Project Manager and Exhibitions Officer for the contemporary urban art museum URBIS in Manchester, UK; three years in the Middle East, as Gallery Director of The Third Line Gallery in Doha, Qatar, and as an Independent Art Consultant in Beirut, Lebanon. In Orlando, she worked as Associate Curator for Snap! Orlando from 2011-2013; and as Gallery Director of Jai Gallery from 2013-2017. Coralie joined the Orlando Museum of Art (OMA) in January 2018, where she has co-curated the Florida Prize in
Contemporary Art in 2018 and 2019, and curated The Figurative Continuum and Edward Steichen: In Exaltation of Flowers. She is the former Arts & Culture Editor for the luxury fashion and culture magazine: LAPALME. She has been an active member of the Orange County Public Arts Review Board since September 2015, helping develop public art commissions in and around Orlando. Coralie is also a member of the OMA’s Acquisition Trust, a collecting circle whose mission is to grow the museum’s permanent collection with new acquisitions in contemporary art.
Coralie Claeysen-Gleyzon received her MA in Visual Culture in 2003 and BA with Honors in Culture, Media and Communication (2001) both from Lancaster University, UK. She also holds a DEUG (Diplôme d’Etudes Universitaires Générales, a French BA-equivalent) in Language Sciences and Cultural Mediation (1999) from Université Paul Valéry, Aix-en-Provence, France.
Starting on Thursday, 4/23 at 10am, Arts & Business Council is hosting small group sessions on Zoom, featuring a business expert with vital information to support the arts & non-profit industry in Miami-Dade County. Limited to just 10 attendees, these valuable conversations will feature a presentation on relevant best practices and Q&A sessions with our expert.
NEW SESSIONS WILL BE ADDED REGULARLY.
ANNETTE MALKIN, CULTUREWISE COLLECTIVE
I help brands and Fortune 500 companies, including Amazon, Diageo, Tabasco, Post Cereals and Red Bull, amongst others, develop strategic and culturally mindful marketing communication platforms to reach and engage with diverse consumers and gain share of voice via traditional and social media. Specialties: Lifestyle and Consumer Public Relations, particularly in wine/spirits, food, health/beauty and U.S. Hispanic market.
THURSDAY 10/23: Annette Malkin, Founder of Culturewise Collective, discusses strategies for arts groups and small businesses in preparation for Social Distancing 2.0: Adjusting to our new reality for the foreseeable future. Limited to 10 attendees. REGISTER HERE.
JOHN COPELAND, GREATER MIAMI CONVENTION & VISITORS BUREAU
John Copeland leads the Cultural Tourism efforts at the Greater Miami Convention & Visitors Bureau through strategic development and implementation of cultural tourism programs that will expand global awareness of Miami’s art & culture assets. Previous work has included service with the Adrienne Arsht Center for the Performing Arts of Miami-Dade County, the Miami-Dade County Department of Cultural Affairs, the Arts & Business Council of Americans for the Arts, Youth Orchestra of Palm Beach County, and the Kravis Center for the Performing Arts in West Palm Beach. John has also worked in public education as Director of Bands at Fort Valley Middle School in Ft. Valley, GA. He is a graduate of Georgia College & State University with a Bachelor of Arts in Music Education. With a strong personal interest in serving the arts community, John volunteers as a Board Member for the Miami Music Project and the Arts & Business Council of Miami.
THURSDAY 10/30: John Copeland, Director of Cultural Tourism for Greater Miami Convention & Visitors Bureau, Posting Virtual Activations with the Greater Miami Convention & Visitors Bureau for maximum impact and audience development. Limited to 10 attendees. REGISTER HERE
ASOCIACIÓN ARTE CONCRETO-INVENCIÓN (CONCRETE-INVENTION ART ASSOCIATION)
Founded by Tomás Maldonado in 1944, the Asociación Arte Concreto-Invención (Concrete-Invention Art Association) was one of two artistic groups formed in Buenos Aires devoted to pure geometric abstraction (the other being Arte Madí)
Like their fellow constructivists the Asociación Arte Concreto-Invención embraced the purist aesthetics of Piet Mondrian and Theo van Doesburg, and created paintings on irregular shaped canvases. They were less experimental than the Arte Madí artists due to the tight creative constraints placed upon them by their Marxist leader Maldonado who had utopian ambitions for art in a new revolutionary society.
Artists associated with the group include Tomás Maldonado, Manuel Espinosa, Lidy Prati, Enio Iommi, Alfredo Hlito and Raúl Lozza.
Arte constructivismo, movimiento artístico y arquitectónico.
Arte constructivismo, movimiento artístico y arquitectónico.
¿Qué fue el constructivismo? 1 ¿Qué fue el constructivismo? 1.1 Características del Arte Constructimo 1.2 Surgimiento del movimiento constructivismo 1.2.1 El Constructivismo en la revolución 1.2.2 Campos de participación del constructivismo 1.2.3 Escultura del constructivismo 1.2.4 Pintura del arte constructivismo 1.2.5 Obras más importante del movimiento constructivismo 1.2.6 Artistas representativos del constructivismo ruso 1.2.7 Legado del movimiento constructivista
El constructivismo fue una corriente artística y arquitectónica que tuvo lugar luego de la Revolución de Octubre en el territorio de Rusia. El arte constructivista se basa especialmente en la corriente que proponía el movimiento del cubismo, de manera que el constructivismo empieza a tomar para las piezas artísticas los campos del tiempo y espacio con la finalidad de crear figuras dinámicas.
Se ha denominado constructivismo también al movimiento que estuvo en servicio de la revolución debido a un carácter utilitario donde los artistas empiezan a buscar mecanismos que les permitan crear piezas de utilidad en zonas como el diseño industrial, servicio a la sociedad comunista y la comunicación de tipo visual.
Características del Arte Constructimo
Una de las principales características por las que se distingue el arte constructivismo es por ser utilizado principalmente con el fin de difundir y propagar mensajes revolucionarios a partir de propagandas, carteles, ilustraciones, fotografías, entre otros medios.
Por otro lado, el arte constructivismo toma un predominio marcado por manejar la tridimensionalidad, motivos de carácter abstractos, formas y figuras geométricas y líneas inclinadas. Este movimiento también enfatizó en el uso de colores en específico, como lo fueron: el azul, el rojo, el amarillo, el blanco, el naranja y el negro. Se hacen constantes alusiones a elementos que simbolizaban el progreso, las formas pesadas y las tonalidades basadas en los colores anteriores.
El constructivismo expone una obra que está en comunicación con el espacio y el ambiente que rodea la pieza, cuenta con una estructura que se percibe como el espacio para materializarse e integrarse con el elemento. Con frecuencia se puede observar que los elementos tienen especialmente formas geométricas, son planas, son líneales y a veces transparentes, enfatizando en su intención.
Surgimiento del movimiento constructivismo
El constructivismo nace en el año 1914 en Rusia, posterior a la Revolución de Octubre, se escuchó el término como construction art (arte para construcción), se hizo con el fin de describir de manera despectiva el trabajo de Aleksandr Ródchenko, un artista escultor, diseñador gráfico, pintor y fotógrafo ruso calificado como un artista polifacético en el medio y fundador del movimiento, usada por Kasimir Malevich, pintor y creador del movimiento suprematismo. No obstante, es más adelante cuando empieza a tomar mayor forma e importancia.
Para el año 1920, en el Manifiesto Realista de Gabo Diem, aparece el término del ‘Constructivismo’, como un movimiento positivo, donde usó esta palabra como título para su libro y que posteriormente sería usado para simbolizar a su labor.
La Revolución Soviética, inicia la búsqueda de nuevos canales para poder expresarse en relación con su intención de sustituir al sistema capitalista por procesos democráticos con respecto a la distribución de bienes y acciones de producción. Es este el momento en el que artistas como Alexander Rodchenko, Vladimir Tatlin, Naum Gabo, Kasimir Malevich, Wassily Kandinsky y El Lissitzky, inician el proceso buscando una técnica estética que les permitiera tener nuevos diseños relacionados a la producción industrial. Esto permitió que sus creaciones carecieran de objetos fantasiosos y empezaron a basarse en la construcción matemática valorizando el tiempo y espacio como esencia de cada pieza.
La principal fuente de inspiración de estos artistas era, entonces, la producción técnica a partir de una perspectiva de carácter estética donde empezaron a usar diferentes medios artísticos, usando y participando en campos como: la fotografía, la tipografía, las ilustraciones, el diseño de carteles, diseños de moda, la arquitectura interior y las propagandas.
IMPORTANTE: Es así como el movimiento constructivista empieza a dejar de lado la intención de proyectar la razón o el valor de un sólo objeto dentro de cada obra, y empieza a generar la sensación de que es el elemento quien se integra con el espacio.
El Constructivismo en la revolución
Uno de los aspectos más representativos del movimiento constructivista tiene que ver con su servicio hacia la revolución, donde participó en una serie de eventos de alta importancia para este proceso, como lo fueron en los festivales públicos y en la creación de carteles para ubicar en la calle que realizó para el gobierno de la revolución bolchevique luego de la Revolución de Octubre. El constructivismo también estuvo fuertemente ligado a las artes escénicas, en especial al teatro para el cual realizó distintos trabajos
Alrededor de los años veinte, el constructivismo representado por una serie de artistas participantes está presente en lo que fue la campaña de información pública de los bolcheviques llamado “Ventanas ROSTA”, siendo un proceso cultural creado con el fin de responder a la necesidad de una estructura artística, este fue uno de los hechos más importantes para el movimiento.
Campos de participación del constructivismo Diferente a otras corrientes, el constructivismo participó de manera diferente en otros campos que explicaremos a continuación:
Diseños de tela Inicia el proceso de diseño de telas en los cuales se empieza a ver diseños gráficos audaces que han sido llevados al material textil, por lo que inicia la producción de estas. Los diseños estaban basados en la paleta de colores hacia los azules, rojos, naranjas, blancos y negros especialmente, algunos podían llevar por paletas o con dos tintes únicamente. La forma y las figuras geométricas también fue un elemento visible en cada una de las piezas textiles, donde se podían ver formas claras como: triángulos, cuadrados, círculos, rectángulos, entre otros, incluyendo líneas, rombos, etc. La intención era crear diseños que generaran una sensación de dinamismo y multidimensionalidad, lo cual se logró con los diseños variados que se crearon para entonces.
Ropa deportiva
Sin duda una de las prendas y materiales textiles que más importancia representaba para este momento era la ropa deportiva en la sociedad soviética. La nueva sociedad tenía al deporte como un elemento de estado, por lo que se veía como un deber con relación a lo revolucionario y donde también podía llegar a ser un requisito contar con un cuerpo renovado que tuviera una condición física adecuada para poder estar al servicio del estado del momento.
Ropa teatral
Actividades como el teatro y el cine fueron procesos sumamente importantes para el pueblo, por lo que se empezó a enriquecer cada uno de los dos campos en materia de espectadores. Esto llevó a que se buscaran nuevas presentaciones con textiles nuevos, diseños exclusivos y piezas que resaltaran. La necesidad, entonces, en cuanto al diseño de las ropas que vestían los personajes y representantes, eran diseños innovadores para las escenas, por lo que también era necesario contar con artistas de diversos campos que pudieran aportar a este proceso, tales como fotógrafos, arquitectos, pintores, diseñadores, entre otros que crearon piezas sumamente interesantes y únicas. Las prendas permitían que en presencia, las mujeres empezaran a igualar a los hombres.
Tal fue el éxito de las piezas realizadas que sirvieron de influencia no sólo en Rusia, sino también en otros países del continente europeo teniendo lugar en otros campos del arte. Los diseños incluían especialmente nuevos usos del color con diseños novedosos donde también estaba presente la aplicación de la imaginería industrial y que permitían fácilmente el movimiento.
Escultura del constructivismo Para la creación de obras en el campo de la escultura, era un requisito debido a la corriente artística, que en sí la escultura no debía ser una realidad en ella misma, sino que debía estar en relación y empezar a integrar el espacio que la rodea, esta será la finalidad del constructivismo.
La escultura empezó a implementar elementos muy variados para sus creaciones, como por ejemplo: alambres, vidrio, plástico, yeso, la madera, entre otros. Adicional a ello, dejan a un lado la intención del arte como forma de cumplir y ser de utilidad para la sociedad, sino que empiezan a basarse en lo abstracto, por lo que podremos ver luego la tecnología y la maquinaria moderna. Sin embargo, posteriormente empiezan a dirigirse a fin del utilitarismo para expresar al artista como ingeniero en el proceso de resolución de problemas y necesidades de la sociedad.
Cerámica: El constructivismo se dedica a la creación de cerámicas como uno de los pocos proyectos que la inestabilidad del tiempo en aquella época le permitió. La cerámica de esta corriente estaba decorada a partir de elementos suprematistas, los cuales se basaban en el diseño de figuras geométricas en un sólo plano y sobre un fondo de color blanco que daba la sensación de modernidad y de dinamismo.
Pintura del arte constructivismo En cuanto a la pintura constructivista, este fue un campo de gran importancia para otras áreas, ya que serviría especialmente para la fotografía y el diseño de los textiles y prendas que fueron desarrollados luego.
La pintura de la corriente constructivista se especializaba en diseños especialmente abstractos donde se empieza a observar el uso de formas geométricas y otros elementos que pretendían generar la sensación de cuerpos y actores con un mayor nivel de expresividad a través de sus trajes y la escenografía que estaba presente en relación con el espacio.
Obras más importante del movimiento constructivismo Las obras que fueron más importantes para el movimiento constructivista se relacionaron principalmente con creaciones textiles con las que innovaron en campos artísticos como la danza, el teatro y el cine. Veamos las más importantes del movimiento:
Cabeza de mujer
La figura creada por el escultor, también, Naum Gabo, muestra con una serie de elementos que van en línea y con pocas curvas, el rostro de una figura humana. Una de las más importantes características de esta obra es el uso de la geometría para la composición, saliendo también de la expresión subjetiva como idea del arte.
Monumento a la III Internacional
Esta obra, creada por Tlalín, es considerada como una de las piezas más importantes de todo el movimiento constructivista y en este sentido, una de las estructuras más impresionantes que se han hecho. Particularmente esta obra tenía la intención de convertirse en el símbolo de lo que sería el socialismo, además de convertirse también en la sede del Komintern.
La pieza tiene una estructura en forma de espiral que fue fabricado con vidrio y acero. Aunque si bien en el momento de su exposición tuvieron un gran éxito, pronto la decadencia económica que sufría el Estado y las fuertes críticas que recibió, fueron elementos suficientes para evitar su aspiración.
Artistas representativos del constructivismo ruso Dado el contexto en el que se desarrolló el movimiento constructivista, entre sus artistas más representativo es común encontrar figuras de diferentes campos artísticos, dentro de los cuales encontramos los siguientes:
Vladimir Tatlin (del año 1885 a 1953)
Este artista ruso, arquitecto, escultor y pintor, fue declarado “enemigo del pueblo” luego de que anunciara su declaración a favor de lo que era la Revolución de Octubre que tuvo lugar en el año 1917. Fue uno de los principales representantes del movimiento al estar destacado dentro de la vanguardia del continente creando obras en las que su principal elemento eran las chapas metálicas dobladas, la tensión de alambres, la modelación de yeso y el rompimiento de cristales para la creación de cada pieza que fue realizada. Cumple un desempeño fundamental en el proceso de la participación del arte con la sociedad que se estaba conformando.
Sus obras son evidencia del rechazo hacia el vestigio o la imitación de la escultura de carácter estilizada y perfecta para crear nuevas propuestas de escultura innovadoras que se ajustaban a sus límites. Su especialidad se basa en exponer las áreas internas de los materiales que son manipulados por él dando así paso a nuevos elementos, por lo que en su camino se aleja de la escultura clásica y busca elementos que se encuentran en espacios reales y cotidianos.
Aleksandr Rodchenko (del año 1891 a 1956)
En compañía de Vladimir Tatlin, este artista también fue uno de los que encabezaron la corriente del constructivismo de Rusia. Fue pintor, escultor, fotógrafo y diseñador gráfico, que realizó durante alguna época una serie de esculturas colgantes y fotomontajes, así como también en un período de tiempo empieza a elaborar piezas monocromáticas.
En sus obras es posible evidenciar una influencia del movimiento del cubismo pero también del futurismo. Realizó varias obras de pintura en las que predominaban los colores negros para luego empezar a diseñar quioscos excéntricos que servirían al proceso y situación a modo de contribución a la revolución bolchevique.
Naum Gabo (del año 1890 a 1977)
Escultor y pintor ruso que se dedica a la creación de obras constructivistas en el momento en el que se pone en contacto con otros artistas como Tatlin y Rodchenko. En compañía de su hermano proponen un manifiesto en el que rechazan directamente las corrientes del cubismo y el movimiento que proponía el futurismo, además de la combinación con los aspectos políticos. Será el momento en el que aparece el realismo socialista en el año 1920 y donde sus obras cinéticas tomarán vida.
Posteriormente se dedica al diseño de trajes de colectivos y grupos de las artes escénicas, danza y teatro donde también se ocupan de las decoraciones que pronto empezarán a trasladarse.
Varvara Stepánova (del año 1894 a 1958)
La artista rusa se interesa por crear elementos visuales que tuvieran nuevos lenguajes y que estuvieran al servicio de las masas, por lo que inicia con la creación de diseños de telas y prendas de vestir que en poco tiempo fueron reproducidas a nivel industrial y que eran usadas para artistas de las artes escénicas. Posteriormente sus creaciones se empezaron a comercializar.
Entre las principales características de estas piezas estaban forma de figuras geométricas impresas en las telas, variedad de colores y gamas implementadas, diseños siempre variados, líneas rectas, círculos, entre otros elementos claros de esta corriente. Las composiciones de la artista buscan llegar a un formato que tuviera dimensiones y generara también esta intención. No obstante, estos no fueron los únicos campos donde debutó la artista, pues también estuvo en el campo de la pintura tradicional, la fotografía, y el diseño de espacios públicos para realizar decoraciones.
Legado del movimiento constructivista Debido a que es el constructivismo una corriente que toma y aporta a diferentes campos del arte, usando técnicas experimentales, logra aportar significativamente al teatro, la danza, el cine, la arquitectura, las artes gráficas, la moda, entre otras a partir de influencias de otras corrientes importantes que habían tenido lugar, como el cubismo, especialmente, movimiento del cual incorpora varias herramientas y recursos.
En Latinoamérica, el constructivismo fue una pieza esencial para que los artistas empezaran a buscar nuevos caminos usando las nuevas combinaciones que proponen las corrientes de las vanguardias.
Abstracción geométrica se ha denominado a un capítulo del arte abstracto desarrollado a partir de los años 1920, y se basa en el uso de formas geométricas simples combinadas en composiciones subjetivas sobre espacios irreales. Surge como una reacción frente al excesivo subjetivismo de los artistas plásticos de épocas anteriores en un intento de distanciarse de lo puramente emocional. El discurso crítico de estos artistas se complementa con una exaltación exacerbada de las dos dimensiones frente al esfuerzo de la mayoría de los movimientos anteriores para tratar de representar una realidad tridimensional.
Basada en las leyes de la geometría y en las matemáticas, busca la simplificación de las formas hasta su presentación más elemental y genérica. El cubismo rompió con el realismo óptico, con el intento de representar la realidad tal y como se ve. Cezanne les había empujado a construir la realidad y no a copiarla, a través de un arte nuevo racional, a través de un nuevo clasicismo, a través de un arte constructivo. De ahí es de donde parten Piet Mondrian y Teo Von Doesburg, los dos neoplasticistas holandeses que fundan la revista “De Stijl” (El Estilo), en 1917, para practicar un arte abstracto y geométrico. El movimiento, además de artístico, tiene una raíz filosófica, teosófica en concreto. El absoluto es para ellos, como lo fue para los hombres del gótico, la luz, el blanco, la conjunción de todos los colores. El negro representa la oscuridad, el no ser, la muerte. Los colores se jerarquizan, los hay primarios (rojo, amarillo y azul), secundarios, complementarios, etc. Pues bien, si queremos conocer, si queremos llegar a conclusiones, si queremos ser científicos tenemos que experimentar. La experimentación es la madre de la ciencia. Para eso hay que partir del mínimo. Hay que reducir la realidad de la pintura al mínimo de sus componentes.
Hilma af Klint: Paintings for the Future
In 1905, the Swedish female artist Hilma af Klint began cleansing herself, in preparation for a series of artworks that would be executed at the directives of someone named Amaliel. More than a century later, those paintings would force a rewriting of the history of abstraction. According to the notebooks the artist left behind, Amaliel was one of several guiding spirits who spoke to her from above (and within), instructing her and even leading her hand. During her lifetime, at the behest of the spirits, af Klint produced more than one thousand works, but they remained largely within the confines of her studio. Even though she toiled as a commercial artist, painting portraits and landscapes, she exhibited only a few of the abstract paintings and drawings she created. She worried that the world wasn’t ready to see them, and when she died in a tram accident, in 1944, at the age of eighty-one, her will ordained that they not be shown for at least another twenty years.
Af Klint got her wish—and then some. She remained unknown until 1986, when she was included in the show “The Spiritual in Art: Abstract Painting 1890-1985,” at the Los Angeles County Museum of Art. I first encountered her art at the Hamburger Bahnhof in Berlin in 2013 as a traveling retrospective, which began at the Moderna Museet in Stockholm. A number of her furtively made paintings were shown there for the first time, almost seventy years after her death. Now, finally, five years later, an American institution is holding the first major exhibition of af Klint’s work in the U.S. In “Hilma af Klint: Paintings for the Future,” opening October 12, the Guggenheim is presenting a hundred and seventy-five of her paintings and drawings, and seven of her notebooks.
Wassily Kandinsky has long been widely regarded as the forefather of abstraction, but as the shows of af Klint’s work clearly establish, her abstract paintings predate his by several years. “As of 1906, that is, nearly six years before what is recognized as the inaugural date of abstract painting,” wrote Pascal Rousseau in the catalogue accompanying the Berlin show, “Hilma af Klint, who lives away from the axis of modernity (Paris/Munich/Milan), was painting abstract, sometimes monumental works.”
Piet Mondrian (Amesfoort, Países Bajos, 1872 – Nueva York, 1944) es un pintor holandés. Por educación y trayectoria vital, sus primeras obras participaron de la tradición paisajista holandesa y de su interés por los efectos lumínicos. En 1907, el conocimiento de la obra de los pintores postimpresionistas cambió por completo sus antiguas nociones sobre el color, cuyo tratamiento abordó a partir de entonces de manera mucho más audaz.
Tras contemplar las primeras obras cubistas de Braque y Picasso, en 1912 decidió trasladarse a París y adaptar los preceptos del cubismo, interesado en reducir las formas individuales a una fórmula general. Aunque plásticamente su obra respetaba los principios cubistas, desde 1913 experimentó un claro avance hacia la abstracción que culminó en 1917 con el abandono definitivo del referente externo.
La Primera Guerra Mundial le hizo regresar a los Países Bajos, donde conoció a Theo van Doesburg. Junto a él y otros dos artistas (Van der Leck y Huszar), fundó la revista y movimiento De Stjil, desde los cuales defendieron el rechazo completo de la realidad circundante como referente de la obra y la reducción del lenguaje pictórico a sus elementos básicos. Este estilo, bautizado por el propio Mondrian como neoplasticismo, pretendía alcanzar la objetividad real liberando a la obra de arte de su dependencia de la percepción individual momentánea y del temperamento del artista.
Tras residir varios años en París y Londres, en 1940 se trasladó a Nueva York, donde su obra se vio influida por el dinamismo de la vida urbana y por los ritmos de la música estadounidense, factores que implicaron una mayor atención a las posibilidades constructivas del color. Por influencia de la tradición puritana holandesa y de la Sociedad Teosófica, con la que estuvo en permanente contacto a lo largo de su vida, dio forma a un proyecto que se extendió más allá de lo pictórico hasta acabar por convertirse en una empresa ética: el arte como guía para la humanidad a través de la pureza y la claridad.
Robert Delaunay (n. París, 12 de abril de 1885 – Montpellier, 25 de octubre de 1941) fue un pintor francés pioneros del arte abstracto a principios del siglo XX.
Pintor francés. Comenzó su trayectoria pictórica influido por el trabajo de Georges Seurat, pasó luego por una breve etapa fauvista y derivó posteriormente hacia un estilo propio y colorista, basado en los principios del cubismo analítico.
Robert Delaunay investigó exhaustivamente las relaciones existentes entre forma y color: las obras que corresponden a su período de madurez se caracterizan por la utilización sistemática de formas circulares en colores planos, con el fin de dotar de movimiento a sus composiciones, tal y como aprendió de la teoría de simultaneísmo cromático de Chevreul.
Desde 1912 abrazó la abstracción, sin abandonar jamás su línea de experimentación, y hacia 1932 se adhirió al grupo Abstracción-Creación. De entre sus pinturas destacan las series de Saint-Severin, de la torre Eiffel y de ventanas sobre la ciudad, de la que partió el concepto de orfismo desarrollado por Guillaume Apollinaire. Desde mediados de los años treinta participó en diversos proyectos de integración del arte pictórico en la arquitectura de gran envergadura.
Ritmo, 1932Ritmo N° 1
KAZIMIR MALÉVICH
Kazimir Severínovich Malévich (11 de febrero de 1878, Kiev – 15 de mayo de 1935, Leningrado) fue un pintor ruso creador del suprematismo, uno de los movimientos de la vanguardia rusa del siglo XX.
Creó un estilo de formas básicas y de colores puros llamado Suprematismo. Busca reducir la pintura a elementos geométricos, rectángulo, cuadrado, círculo y triángulo, hasta llegar al cuadro como único elemento geométrico. También practica un uso restrictivo del color, hasta llegar al uso exclusivo del blanco y el negro.
1915 Cruz negra, Centro PompidouSuprematismo (Supremus No. 58), 1916, Museo de Arte, Krasnodar1915 Cuadrado negro, Galeria Tretiakov
Kenneth Noland nació en Asheville, Carolina del Norte, Estados Unidos. Entre 1946 y 1948 estudió en el Black Mountain College, cerca de su ciudad natal; allí Ilya Bolotowski le hizo conocer el movimiento neoplasticista y la abstracción geométrica de Piet Mondrian. Durante los dos años siguientes Noland estudió con Ossip Zadkine en París. Enseñó arte en en el Institute of Contemporary Art, la Catholic University of America y el Washington Workshop Center for the Arts, Washington D.C.
Influido por las enseñanzas de Josef Albers y su teoría de la interacción de colores, Noland pasó su vida experimentando con círculos concéntricos, formas similares a galones, romboides y largas líneas paralelas, a menudo ubicados en una tela con grandes áreas en blanco como parte de la composición.
Entre sus múltiples exposiciones se destacan la histórica “The Responsive Eye”, Museum of Modern Art (Nueva York, 1965); “New York Painting and Sculpture: 1940-1970”, Metropolitan Museum of Art (Nueva York, 1969); “Color and Field, 1890-1970”, Albright-Knox Art Gallery (Búfalo, 1970); “Kenneth Noland: A Retrospective”, Solomon R. Guggenheim Museum (Nueva York, 1977); Museo de Arte Moderno (México D.F., 1983); “Kenneth Noland: The Circle Paintings”, The Museum of Art (Houston, 1994); “Kenneth Noland: Recent Paintings”, André Emmerich Gallery (Nueva York, 1998); “Kenneth Noland: The Nature of Color”, Museum of Fine Arts (Houston, 2004); “Kenneth Noland: The Stripe Paintings”, Tate Modern (Liverpool, 2006), y “Kenneth Noland: Works on Paper”, The Butler Institute of American Art (Warren, Ohio, 2007). Falleció en Port Clyde, Maine.
Read more about the artists participating in the exhibition Concrete Matters. Here you find short biographies.
GERALDO DE BARROS (1923–1998)
Geraldo de Barros was a Brazilian-born artist who was considered part of the vanguard of photography within Grupo Ruptura and the Concrete movement in Brazil. De Barros received a formal painting education at Associaçião Paulista de Belas Artes and became a member of the Foto Cine Clube Bandeirante of São Paulo in 1949. The same year he began teaching at the Museu de Arte de São Paulo Assis Chateaubriand photo lab.
During a visit to Europe between 1951 and 1952, he studied lithography and engraving in Paris and graphic arts at the Hochschule für Gestaltung in Ulm, Germany, where he also met Max Bill. In 1960 de Barros participated in the exhibition Konkrete Kunst in Zurich. His photography can be seen as an exploration of geometric abstraction, which was later also translated into his painted works. The isolation of shapes distilling geometric forms within his photography and painting inspired de Barros to set up his cooperative Unilabor in 1954, which was dedicated to the design and production of furniture.
Max Bill was an artist, graphic designer, and architect born in Winterthur, Switzerland. He studied at Bauhaus under Wassily Kandinsky, Paul Klee, and Oskar Schlemmer. As a painter, he was a proponent of the non-figurative, purely geometric style in the spirit of Theo van Doesberg and he organized the first international exhibition of Concrete art in Basel in 1944.
In the late 1940s he came into contact with the Latin American art scene through the Argentine artists Tomás Maldonado and Juan Melé, who were travelling in Europe. A retrospective exhibition of Bill’s art in São Paulo in 1951 had a great impact on the Brazilian art world. The following year, he was awarded the first prize at the first São Paulo Biennale in the category International Sculpture, and in 1953 he was one of the founders of the design school Hochschule für Gestaltung in Ulm, Germany. The school built on the heritage of Bauhaus and was in operation until 1968.
As a graphic and industrial designer Bill was a central figure in Switzerland from the 1950s onward, and in 1960 his work was presented at the Zurich exhibition Konkrete Kunst.
ALUÍSIO CARVÃO (1918–2001)
Aluísio Carvão was a painter, illustrator, and scenographer. In 1952, he enrolled in Ivan Serpa’s painting course at the Museu de Arte Moderna (MAM) in Rio de Janeiro. Carvão was one of the original members of Grupo Frente, which was founded in 1954. His work was shown two years later in the first national exhibition of Concrete art, which took place in São Paulo and Rio de Janeiro.
In 1959, Carvão participated in the Neo-Concrete exhibitions in Brazil. He also took part in Konkrete Kunst in Zurich in 1960, at the invitation of Max Bill, one of the founders of the Bauhaus-inspired Ulm School of Design (Hochschule für Gestaltung). Carvão exhibited there as a visiting artist in 1960 after receiving a prize in the form of a travel grant from Salão Nacional de Arte Moderna.
WILLYS DE CASTRO (1926–1988)
Willys de Castro was a trained chemist when he embarked on his artistic career. He also worked as a graphic designer, scenographer, costume designer, and editor of an experimental theater magazine. He was one of the driving forces behind the Neo-Concrete Movement in Rio de Janeiro, as well as developing the references to pheno menology that became part of the Neo-Concrete credo.
De Castro participated in the exhibition Konkrete Kunst in Zurich in 1960 at the invitation of Max Bill. The following year his work was shown at the second Paris Biennale and in Brazilian Art Today in London. In the course of the same period he made his objetos ativos (“active objects”), paintings that took on a three-dimensional form.
Lygia Clark was born in Belo Horizonte, Brazil, and studied landscape architecture with Roberto Burle Marx in Rio de Janeiro and painting with Fernand Léger in Paris. She was part of Grupo Frente and was one of the driving forces behind the conversations that were the foundation of Neo-Concretism in 1959.
Clark’s early paintings were small and monochromatic, but she soon started to challenge the two-dimensionality of the canvas in different ways, work more conceptually and sculpturally and create “relational objects.” Interaction was central to Clark’s art, and in the 1960s she developed her proposições (propositions): gloves, masks, and other objects that stimulated and challenged the senses and were meant to be handled and used by the viewer. Clark is best known for her bichos (critter, beetles, insects), approximately seventy malleable and changeable works made from aluminum discs that are hinged together. In 1960 Clark participated in the group show Konkrete Kunst in Zurich.
WALDEMAR CORDEIRO (1925–1973)
Waldemar Cordeiro was one of the most prominent artists of the Concrete movement in São Paulo. In 1949 Cordeiro emigrated permanently from his native Rome to São Paulo and started making waves in the local art scene.
In 1952 he co-founded Grupo Ruptura, the group, driven by Cordeiro’s theories, that became known for its rationalistic rigor about art production. The Ruptura movement rejected naturalism in favour of an analytical, theoretical, and mechanical approach toward art production. In line with his ideas, his work cannot be pinned down to a specific medium; Cordeiro was an avid writer, journalist, architect, and painter. His work reflects a contemplative relationship in which art and theory are constantly in dialogue. In 1960 Cordeiro’s work could be seen in the international show Konkrete Kunst in Zurich.
CARLOS CRUZ-DIEZ (BORN 1923)
Venezuelan-born artist, illustrator, and designer Carlos Cruz-Diez rose to prominence in his home country primarily as a graphic designer and illustrator for the private sector and the newspaper El Nacional. After a brief stay in Barcelona in 1955, Cruz-Diez became interested in revitalizing abstract art. Upon his return to Venezuela in 1957, he opened his own artistic and graphic design studio.
In Venezuela, his artistic work evolved from being largely language-based to having a greater emphasis on the transformative qualities of color and geometric abstraction. Beyond painting, Cruz-Diez started experimenting with installation and kinetic art, moving the vibrancy from the canvas to the three-dimensional plane. Cruz-Diez has lived in Paris since 1960.
GEGO (1912–1994)
German-Jewish printmaker, sculptor, and architect Gertrud Louise Goldschmidt, best known under her moniker Gego, completed her studies in architecture in Stuttgart prior to fleeing the Nazi regime in 1939. In Venezuela, Gego continued to pursue architecture and furniture design, which gradually led to an interest in fine arts.
In the 1950s, alongside holding teaching positions, Gego turned to abstract drawing. She developed this further in the 1960s by employing materials such as steel wire, paper, and iron to create three-dimensional drawings that both defined volume and revealed the work’s construction. Perhaps her most important works are the Reticulárea, web-like installations of wire that placed abstraction in specific relation to its direct environment.
GYULA KOSICE (1924–2016)
The artist, poet, and theoretician Gyula Kosice was born Ferdinand Falk in Košice – at the time a Hungarian town, now part of Slovakia. He came to Buenos Aires as a four-year-old and was given the name Fernando Fallik upon arrival. In his twenties, he took the name of his home town.
Kosice became a pioneer of Concrete and Kinetic art, working with new materials such as luminous neon gas and water. He was also one of the founders of the magazine Arturo, one issue of which was published in 1944.
In the following years he co-founded the artist group Madí. Madí urged artists to let the principles of the movement permeate all artistic disciplines (music, dance, theatre, literature, architecture, and so on). The emphasis was on movement, development, and diversity. They wanted to free themselves from the strictures of expression, representation, and signification embodied by the older art. In 1960 Kosice participated in the exhibition Konkrete Kunst in Zurich and in 1964 he was commissioned to create Argentina’s pavilion for the Venice Biennial.
JUDITH LAUAND (BORN 1922)
Judith Lauand is a Brazilian printmaker and painter currently residing in São Paulo. Lauand began her education in printmaking and painting at the Escola de Belas Artes in Araraquara in the 1940s and finished in 1950. Lauand is the only woman to have joined the Grupo Ruptura, the São Paulo Concretist movement.
Lauand’s early work explores a combination of linear and geometric shapes, whereas her later work can be seen as more analytical. With the influence of Grupo Ruptura, Lauand’s style from 1954 onward gravitated toward structural lines and optical illusions. She was part of the Exposição Nacional de Arte Concreta in São Paulo and also participated in the exhibition Konkrete Kunst in Zurich in 1960.
Raúl Lozza was an artist, graphic designer, writer, and theoretician. He was one of the founding members of the group Contrapunto in 1943 and the art editor of the group’s eponymous magazine. Shortly thereafter he was also involved in forming the Marxist Asociación Arte Concreto-Invención in 1945. The group admired Piet Mondrian and Theo van Doesburg’s purist aesthetics. Here he was also one of the editors of the group’s periodical.
Together with Juan Alberto Molenberg he developed coplanar painting. Freestanding planar objects were assembled using metal wires in compositions that floated in front of the underlying wall. In 1947, Lozza and his brother Rembrandt V. D. started their own movement, which they called Perceptismo. They launched the manifesto of the movement in 1949 and published a magazine under the same name from 1950 to 1953.
TOMÁS MALDONADO (BORN 1922)
Tomás Maldonado is an artist, graphic designer, and theoretician born in Buenos Aires but living and working in Milan since 1967. He was a co-founder of Asociación Arte Concreto-Invención in 1945, a group that admired Piet Mondrian and Theo van Doesburg’s purist geometric abstractions. Group members created paintings on irregularly shaped canvases and panels and broke away from traditional painting’s illusionist relationship to the frame as a window on another reality.
By the end of the 1940s, Maldonado returned to the orthogonal format. The Marxist-oriented Maldonado had a revolutionary and utopian artistic vision. He also wanted to apply his principles to other areas of society and began working in industrial design. In 1951 he founded the magazine Nueva Vision (1951 – 59). Following an invitation from Max Bill in 1954, he started teaching at the Hochschule für Gestaltung in Ulm, Germany. Eventually he led the school for a few years. After focusing on writing, teaching, and researching for many years, he began painting again in 2000.
JUAN MELÉ (1923–2012)
The painter, sculptor, and critic Juan Melé was born in Buenos Aires but was part of the international art scene for many years. Melé joined the Asociación Arte Concreto-Invención in 1946, and created coplanar paintings and paintings with irregular frames.
A travel grant took him to Europe, where he studied under Sonia Delaunay and Georges Vantongerloo. He also traveled around Europe and in Zurich he came into contact with Max Bill and other Concrete artists. Back in Buenos Aires, he co-founded Grupo Arte Nuevo in 1955. He also started teaching art and writing art criticism. Between 1961 and 1986 he primarily lived and worked in New York, but from 1990 onward he divided his time between Buenos Aires and Paris.
Juan Alberto Molenberg, born in Buenos Aires, was a member of Asociación Arte Concreto-Invención and participated in a number of exhibitions held by the group. Molenberg is considered to have invented the so-called coplanar artwork in 1946, along with Raúl Lozza. By joining together individual flat geometric objects on a common plane, he solved the problem of the artwork as an illusory space within the unifying outer frame.
In the 1950s he collaborated with the journal Contemporánea. Molenberg also worked as a graphic designer and illustrator who specialized in packaging and logotypes.
HÉLIO OITICICA (1937–1980)
Hélio Oiticica studied painting in Rio de Janeiro under Ivan Serpa. From 1955 he participated in Grupo Frente’s exhibitions and he joined the Neo-Concrete Movement in 1960. With monochromatic paintings that hung freely from the ceiling of the exhibition space, he challenged the two-dimensionality of the picture plane. Oiticica developed ideas centered on activist and complex art presented in social contexts, such as in collaboration with residents of Rio’s favelas.
In 1960 Oiticica’s work could be seen in the exhibition Konkrete Kunst in Zurich. After the military coup in Brazil in 1964 he went into exile in New York. Oiticica wrote in an intricate Portuguese-English inspired by Concrete poetry and influenced by Inca aesthetics and popular culture; he also made films, sculptures, and architectural installations. The installation Tropicália was first shown in 1967 at the Museu de Arte Moderna in Rio de Janeiro and two years later in a solo exhibition at the Whitechapel Art Gallery in London. In 2017, his work was shown in a retrospective touring the United States, entitled To Organize Delirium.
ALEJANDRO OTERO (1921–1990)
Venezuelan painter and sculptor Alejandro Otero started out as a student of Agricultural Studies in the city of Maracay. In 1939, Otero began studying painting, sculpture, and stained-glass art at the Escuela de Arte Plásticas y Artes Aplicadas de Caracas. After finishing his studies in 1945, Otero traveled to Paris on a state scholarship. During this period, he joined the group Los Disidentes. He developed and eventually formalized the abstract geometric painting style he began to work with in the late 1940s.
He would call his later works Colorythms. These works showcase a rhythmic interplay between lines and colors based on an organic practice in which he attempted to achieve a form of unity. Together with Calder, Vasarely, Léger, and Soto, Otero was involved in the art for Carlos Vilanuevas’s newly constructed Caracas University Campus.
LYGIA PAPE (1927–2004)
Brazilian artist and filmmaker Lygia Pape was part of the Rio-based Grupo Frente before she signed the Neo-Concrete Manifesto in 1959. An early example from the Frente period is the series Relevo (Reliefs), for which painted surfaces were joined to create geometric shapes in relief and incorporate the wall in an optical rhythm.
Pape worked in a wide range of techniques, often in parallel, such as painting, woodcut, sculpture, film, and performance. In 1960 Pape’s work was included in the international exhibition Konkrete Kunst in Zurich. She tested boundaries and experimented with materials, at times in provocative ways like when she showed Caixa das baratas (Box of Cockroaches) in 1967, three years after the military coup, in an exhibition arranged by her friend Hélio Oiticica. In Livro da Criação (Book of Creation, 1959) viewers were invited to create their own narratives based on the loose parts of the book.
Carlos María (Rhod) Rothfuss was an artist and theoretician from Montevideo, Uruguay. He moved to Buenos Aires in 1942, where he joined Argentinian avant-garde circles. In an article about the problem of the frame in contemporary art published in the magazine Arturo, Rothfuss argued that the irregular canvas was the solution to the problem of the inability of painting to break away from illusionism. The edge of the canvas, he suggested, should interact with the painting’s inner composition and be an active part of the work.
Rothfuss participated in Asociación Arte Concreto-Invención’s first two exhibitions before he started the group Madí in 1946 with Gyula Kosice and Carmelo Arden Quinn. In the second half of the 1940s, Rothfuss created sculptures with mobile elements.
LUIZ SACILOTTO (1924–2003)
Born near São Paulo, Luíz Sacilotto enrolled in the Escola Profissional Masculina in São Paulo at the age of fourteen, later continuing his painting studies at the Escola Técnica Getúlio Vargas until 1943. While working as a technical designer at architecture studios, he co-founded Grupo Expressionista in 1945, through which he cemented his expressionistic style. He departed from this when joining Grupo Ruptura in São Paulo 1952.
Sacilotto developed his painting style primarily by experimenting with geometric shapes on canvas, all with the title Concreção and an individual number. His sculptures take on a monochromatic and linear approach to geometric abstraction, achieving the effects of an optical illusion.
MIRA SCHENDEL (1919–1988)
Mira Schendel was born in Switzerland and was raised a Catholic in Italy despite her family’s Jewish roots. In 1939, she lost her citizenship and was forced to flee to Sarajevo. She returned to Italy in 1946, only to move to Brazil three years later. From 1952 onward she lived in São Paulo, where she explored non-representational forms of expression in painting, sculpture, and drawing without belonging to any specific group.
Schendel had studied philosophy and was interested in theology, metaphysics, phenomenology, and Zen Buddhism. Many of her works explore how the line influences and activates the surrounding empty space. From the early 1960s onward, thin, translucent rice paper was a recurring element in Schendel’s work. In the series Droguinhas (Little Nothings) (1964 – 66) it was twisted into three-dimensional lines that challenge the very notion of drawing.
Ivan Serpa lived and worked in Rio de Janeiro and was one of the founders of Grupo Frente (1954 – 57). With its freer attitude, Grupo Frente stood in opposition to the São Paulo-based Grupo Ruptura’s more rationalistic interpretation of Concretism. Prior to that, Serpa had worked as an art therapist for psychiatric patients. He held art courses at the newly opened Museu de Arte Moderna in Rio de Janeiro and taught painting, sculpture, and theory to a growing number of interested people of different ages, including professional artists.
Of the fifteen artists in Grupo Frente, all but four had been taught by Serpa at some point. Serpa participated in the São Paulo Biennale on several occasions and the first time it was held, in 1951, he received the Young Artist Award. The following year his work was shown at the Venice Biennale.
JESÚS RAFAEL SOTO (1923–2005)
Jésus Rafael Soto studied at the Escuela de Artes Plásticas y Artes Aplicadas de Caracas in 1942 and became the director of the Escuela de Bellas Artes in Maracaibo, Venezuela, in 1947. In 1950 Soto moved to Paris, where he began to explore kinetic experiences, perception, and movement in his works. In 1958 Soto made Vibraciones, a kinetic mural with wires that seemed to move as audiences passed by. Soto became interested in the notion of “dematerialization,” presenting artworks beyond the Morbergconfines of space and time.
Throughout his career he sought to actively involve spectators, resulting, in the late 1960s, in his Penetrables, where the spectator is invited to move through the plastic strips that form the installation. He participated in Le Mouvement at Galerie Denise René in 1955, in Konkrete Kunst in Zurich in 1960, and in the exhibition Rörelse i konsten at Moderna Museet in 1961.
JOAQUÍN TORRES-GARCÍA (1874–1949)
Joaquín Torres-García was a central figure in the Latin American art scene. He moved from Montevideo to Catalonia with his family when he was young. In Barcelona he met Pablo Picasso, as well as Joan and Julio González. He also worked on glass windows for Antoni Gaudí’s large church project.
After living in New York, Italy, and southern France, he moved to Paris, where he was introduced to Neo-Plasticism by Theo van Doesburg and Piet Mondrian. He also tried to start a Constructivist movement in Madrid shortly before returning to Montevideo in 1934. That same year, a large retrospective exhibition comprising over two hundred of his works was held in Montevideo. The following year he founded Asociación de Arte Constructivo (AAC), and from 1936 to 1943 he published the art review Círculo y Cuadrado.
Torres-García wanted to bridge the gap between classical and modern art with his work. He brought together the abstractions of Constructivism and American pre-Colombian art and took these ideas in a new direction, which he called Constructive Universalism. He continued to propagate his ideas though the studio Taller Torres Garcia that he directed from 1944 onward.
RUBEM VALENTIM (1922–1991)
Rubem Valentim was born in Salvador da Bahia and grew up in São Paulo. Traces of his birthplace’s African heritage can be seen in his colorful paintings, woodcuts, and sculptures. Their geometric visual language incorporates ritualistic symbols and totems that are characteristic of Afro-Brazilian culture.
Valentim was a trained dentist but he took up painting and later completed a degree in journalism. He was a self-taught artist and member of a group that worked toward the artistic renewal of Bahia. After moving to Rio de Janeiro in 1957, Valentim was awarded a travel scholarship in 1962 that enabled a long sojourn in Europe. He returned to his homeland in 1966, invited by the art school in the newly established capital city Brasilia. In 1998, a part of Parque de Esculturas at the Museum of Modern Art in Bahia was dedicated to his memory.
FRANZ WEISSMANN (1914–2005)
Franz Weissmann was born in Austria but moved to Brazil at the beginning of the 1920s. In 1939, he began studying art and architecture at Rio de Janeiro’s Escola Nacional de Belas Artes. Weissmann obtained Brazilian citizenship in 1948 and taught sculpture at the Escola do Parque in Belo Horizonte from 1944 to 1956. In 1955 he joined the Rio-based Grupo Frente and exhibited with them. In 1959, he signed the Neo-Concrete Manifesto and participated in the exhibition Konkrete Kunst in Zurich in 1960.
In the early 1960s, Weissmann went on numerous journeys to Asia and Europe, returning to Rio de Janeiro in 1965. His first abstract works were influenced by Max Bill, but throughout his production he alternated between abstraction, expressionism, and informalism. He experimented with the transformation of different forms, and used iron, stainless steel, zinc, plaster, and aluminum, as well as color, to create visual effects. He was awarded the sculpture prize at the fourth São Paulo Biennale in 1957 and in 1972 he participated in the Venice Biennale.
ANATOL WŁADYSŁAW (1913–2004)
Anatol Władysław was born in Warsaw, Poland, but emigrated to Brazil in 1930 at the age of seventeen. Formally trained as an engineer, he became interested in painting through studying the work of his contemporary Lucy Citti Fereirra.
Prior to joining the São Paulo-based Grupo Ruptura in 1952, Władysław’s paintings showed a more figurative, Impressionistic style. In contrast to his fellow Ruptura peers, Władysław’s emphasis in painting was not on structure, but rather on color. Although there are similarities in how he tackled geometric abstraction, Władysław distinguished himself by employing warm, organic colors. His alliance with Grupa Ruptura was short-lived; in 1954 he left due to his “emotional temperament.” His stylistic and personal outlook in relation to the Ruptura movement has made it difficult to place him within the context of Brazilian art history.
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