¿Qué es Mono-Ha?

Su significado es «La escuela de las cosas» y tiene sus orígenes en Tokio a mediados de 1960. En vez de obras tradicionales, los artistas del Mono-Ha hacían uso de diferentes materiales en sus obras para mostrar su desánimo con la industrialización que estaba teniendo lugar en Japón en aquella época. El movimiento acabó obteniendo atención internacional y es una forma de arte muy respetada.

Mono-ha (も の 派) es el nombre que se le da a un movimiento artístico liderado por artistas japoneses y coreanos del siglo XX. Los artistas de Mono-ha exploraron el encuentro entre materiales naturales e industriales, como piedra, planchas de acero, vidrio, bombillas, algodón, esponja, papel, madera, alambre, cuerda, cuero, aceite y agua, ordenándolos en su mayoría inalterados. , estados efímeros. Las obras se centran tanto en la interdependencia de estos diversos elementos y el espacio circundante como en los propios materiales.

Origen del término “Mono-ha” y sus miembros

“Mono-ha” generalmente se traduce de manera literal, como “Escuela de cosas”. Los artistas de Mono-ha afirman regularmente que “Mono-ha” fue un término acuñado con desdén por los críticos (específicamente Teruo Fujieda  y Toshiaki Minemura  en la revista Bijutsu Techo en 1973) mucho después de haber comenzado a exhibir su trabajo, y no comenzaron como un colectivo organizado. Los escritos y las conversaciones de los artistas se publicaron antes de que los críticos acuñaran el término, incluido el artículo fundamental de Lee “Mundo y estructura: colapso del objeto [Pensamientos sobre el arte contemporáneo]” en 1969  y la mesa redonda de artistas dignos de mención “Voces de artistas emergentes: del reino del no arte ”  publicado en 1970. Muchos de los artistas de Mono-ha se exhibieron por primera vez en las galerías Tamura y Maki en Tokio, propiedad de Nobuo (Shinro) Yamagiishi, quien también era escritor de arte y cuyos archivos se encuentran en la colección del Centro Nacional de Arte de Tokio .

Toshiaki Minemura explica en su ensayo de 1986 “¿Qué fue Mono-ha?” Que, en términos de su formación académica e intercambio intelectual, los artistas de Mono-ha se dividen en tres grupos: 

1. “La conexión Lee + Tamabi “. Esto incluye a Nobuo Sekine , Kishio Suga , Shingo Honda, Katsuhiko Narita y Katsurō Yoshida en el departamento de pintura, y Susumu Koshimizu en el departamento de escultura en Tama Art University (también conocido como Tamabi), así como Jiro Takamatsu y Lee Ufan , un artista coreano que es un amigo cercano de Sekine.
2. “The Geidai Connection “, un grupo de artistas en torno a Kōji Enokura y Noboru Takayama, ambos graduados de la Universidad de las Artes de Tokio (también conocida como Geidai), y Hiroshi Fujii y Makoto Habu, que más tarde participaron en Mono-ha.
3. “The Nichidai Connection”, estudiantes del Departamento de Bellas Artes de la Universidad de Nihon (también conocido como Nichidai), cuya figura central era Noriyuki Haraguchi, también conocido como el “Grupo Yokosuka”, debido a la crianza de Haraguchi en Yokosuka y su crítica de la presencia militar local de EE. UU. a través de su trabajo. 

Contexto sociopolítico

Mono-ha surgió en respuesta a una serie de precedentes sociales, culturales y políticos establecidos en la década de 1960. Con la excepción de Lee Ufan, que era una década mayor, la mayoría de los artistas de Mono-ha apenas comenzaban sus carreras cuando ocurrieron las violentas protestas estudiantiles de 1968-1969.

Al mismo tiempo, hubo muchas protestas contra la segunda extensión del Tratado de Seguridad entre Estados Unidos y Japón (conocido en japonés abreviado como Anpo ) en 1970, obligando a Japón a brindar apoyo logístico para la guerra de Estados Unidos en Vietnam. Unido a las demandas de reversión de Okinawa en 1972 y la retirada de las armas nucleares con base allí, el clima de protesta durante este período fue sintomático de una creciente desconfianza en las intenciones de Estados Unidos hacia Asia y su posición dominante en la relación bilateral con Japón. . El activismo de la ” generación Anpo ” dio lugar a una contracultura altamente intelectual que era a la vez crítica del ” imperialismo ” estadounidense y muy consciente de su identidad japonesa. 

Los artistas de Mono-ha típicamente niegan involucrarse con movimientos activistas estudiantiles en ese momento, aunque se cree que el clima político tenso influyó en su trabajo, lo que les permitió lidiar y dar sentido a su malestar y desilusión con la modernidad de posguerra en sus diferentes formas.

Atención reciente en los Estados Unidos

En 2012, la galería Blum & Poe introdujo el arte de Mono-ha en los EE. UU. Con la exposición de encuestas “Requiem for the Sun: El arte de Mono-ha”, comisariada por Mika Yoshitake . La galería también ha realizado exposiciones individuales de Lee Ufan , Kishio Suga , Susumu Koshimizu , Koji Enokura y Nobuo Sekine .

Fase-Madre Tierra

La Phase-Mother Earth de Nobuo Sekine se considera el trabajo inicial del movimiento Mono-ha.  Creado originalmente en el parque Suma Rikyu en Kobe , y sin permiso oficial. La obra fue recreada en 2008  y 2012. Se trataba de una gran torre cilíndrica de tierra compactada, que se extraía de un agujero cilíndrico de la misma forma.

Miembros

• Jiro Takamatsu
• Nobuo Sekine
• Lee Ufan
• Kishio Suga
• Koji Enokura
• Susumu Koshimizu
• Noboru Takayama
• Katsuhiko Narita
• Noriyuki Haraguchi
• Katsuro Yoshida
• Kenji Inumaki
• Shingo Honda
• Keiji Uematsu

Mono-Ha es el nombre comúnmente atribuido a una corriente artística, y al grupo de sus miembros, que operó en Japón entre finales de los años sesenta y principios de los setenta. Aunque radicalmente diferente, y diversa, entre ellas, la obra de cada artista De La Mono – Ha, comparte algunas características comunes, tales como: el uso de materiales naturales, la asimilación de ciertos aspectos de Occidente, el desafío al concepto tradicional de arte.

El uso de materiales simples, tanto naturales como manipulados (preferiblemente de tal manera que creen formas orgánicas), es un aspecto fundamental y unificador de los diversos exponentes del movimiento: se prefiere la planta, las telas, las rocas, la madera, el papel, las cuerdas, las sustancias de vidrio y, en la mentalidad del artista, se convierten en los medios que empujan a reconsiderar bajo una visión diferente de la relación entre el arte, el hombre y materia y realidad El término Mono-Ha, acuñado por los miembros del grupo artístico, traducido del japonés al italiano significa “la escuela de las cosas” . Emergiendo como una expresión de la vanguardia del arte japonés a finales del siglo XX, el interés de la Mono-Ha es buscar y revelar la realidad más allá de la apariencia: el conceptualismo de la Mono – Ha, entonces, no es estéril o fin en sí mismo, sino que se convierte en la ocasión de la revelación y expresión del vacío : un objeto, una obra nunca es diferente del espacio que lo ocupa, sin embargo, coincide con él. Ambos, por otro lado, contribuyen a crear el significado: devenir, de nacimiento o de disolución. Por lo tanto, es importante el aspecto dinámico y la transformación, la cambiabilidad impermanente de las cosas y, por extensión, de la realidad. La seriedad de estos principios es demostrada por los artistas Mono – Ha: sus obras, su naturaleza efímera, no se prestan al contexto de colecciones o museos (nadie posee uno). El rechazo de la perfección, de lo definitivo, de lo realizado, es, por tanto, total. El gesto creativo es aún más fundamental que el trabajo. La conexión de las obras con el lugar donde nacen, y su carácter efímero, a menudo causa problemas logísticos, si no incluso de especificidad con el lugar donde nacen. La primera exposición de Mono-Ha se celebró en 1969: bastante raro el siguiente, algunos de los cuales se llevaron a cabo en Francia, Italia y la U. S.A.

• MONO-HA. Se lleva a cabo a finales de los sesenta e inicios de los setenta. Es un movimiento artístico contemporáneo japonés que se centra en las relaciones entre los materiales y las percepciones más que la expresión o la intervención. Trabajan sus obras con materias primas, materiales simples y naturales que apenas manipulan. Uno de los artistas más importantes de este movimiento es Lee Ufan. Comparte características del movimiento Land Art, Fluxus y el arte conceptual. Su objetivo era simple, hacer “cosas” juntos en la medida de lo posible en su estado natural. Algunos expositores de este movimiento son: Nobuo Sekine, Ufan Lee, Yoshida Katsuro, Koshimizu Susumu, Enokura Koji, Suga Kishio, Takayama Noboru y Narita Katsuhiko.
• SUPPORT SURFACE. En 1970 por Vincent Bioulès. Es un movimiento pictórico que surge en Francia alrededor del 1966, dedicado a la pintura y la escultura. Este término fue propuesto por Vicent Bioulès. Otro nombre por el que se conoce es Nuevo Reduccionismo. Algunos expositores de este movimiento: François Rouan, Marc Devade, Louis cane, André Valansi, Claude Viallat y Vicent Bioulès.
• NEO DAD. Surge a finales de los años 50 y principios de los 60. Es un movimiento que surge como reacción al arte del expresionismo abstracto, creando un arte opuesto a este, aunque sin ser frío y despersonalizado, continua con los principios del surrealismo, pero llevados a otra escala, a otro nivel y lenguaje artístico. Continúa los principios del surrealismo, pero llevados a otra escala. El movimiento neo dadaísta innova con otros materiales. La temática es extraída del medio ambiente urbano de las grandes ciudades, de sus aspectos sociales y culturales: comics, revistas… Los artistas más representativos son Robert Rauschenberg y Jasper Johns.
• JUNK ART. Surge en los años 50 como movimiento americano. con reacción al idealismo del Expresionismo Abstracto. Su pionero fue L. Alloway. Su interés por el objeto de consumo le convirtió en antesala del Por Art. Era similar al “arte basura”. Era similar al Collage L. Alloway. Algunos de los principales artistas del Junk Art. Son Chamberlain, Stankiewics, Di Suvero, Samaras, Dine, Oldenburg, César, Kaprow y Grooms.

http://explorandoinstalaciones.blogspot.com/2016/12/movimientos-antecesores.html

Hugo Basualdo es un gran aporte al panorama musical de Miami

Miami continúa siendo un imán para talentos de la música latina, una suerte de base de operaciones conveniente en varios sentidos, y el argentino Hugo Basualdo es una buena prueba de ello. Luego de haberse destacado en su país, este artista portentoso ha recalado en la ciudad en 2018 y tiene una agenda profesional bastante nutrida. “La música es mi forma de vida; me alimenta el alma; me apasiona, no es una carga sino una bendición poder dedicarle mi mayor esfuerzo”, manifiesta. 

  En cuanto a Miami, el guitarrista, productor, compositor e ingeniero de sonido asegura que la ciudad “tiene una mezcla de culturas, una gran profesionalidad, y un ambiente divertido, predispuesto al disfrute”. Hugo estudió en la Escuela de Música Contemporánea de Buenos Aires, cuyo programa curricular está validado por la Berklee School of Music.

  En estos tres años en Estados Unidos se ha mantenido a todo ritmo y con una versatilidad laboral encomiable. Actualmente Hugo, que es miembro activo de la Academia Latina de las Grabaciones, matriz de los premios Latin Grammy, es el encargado artístico de la conocida Cervecería La Tropical, del barrio Wynwood. Es co-fundador de la productora Clix International, con la cual busca sumar más colores a la escena musical local, produciendo conciertos de artistas como Larry Carlton, Gustavo Santaolalla y Simon Phillips, entre otros.

  Hugo es productor musical en el estudio de grabación Monosonico; colabora con el sello discográfico Neworld Music; y con la empresa de eventos Limelight Miami. 

  A lo largo de su carrera, el músico ha producido 15 discos, ha colaborado en la banda sonora de casi una decena de audiovisuales, y ha compuesto medio centenar de canciones. A la hora de elegir una rama musical favorita Hugo no duda:“La instrumental porque da más espacio para la creatividad”. Uno de los planes inmediatos del músico es producir un disco con temas propios, que estaría listo para fin de año. “Tengo muchas ganas de mostrar mis nuevas creaciones”, señala, confiado.

Su incuestionable talento y sus ideales sobre las virtudes humanas, sus temas pictóricos inclinados al abstracto figurativo y su paleta ausente de temores que utiliza una importante gama de colores, le han dado un atractivo singular a sus obras.La amplia trayectoria de la maestra Sonia Uribe emprende con un marcado interés por el arte a temprana edad cuando contaba los cuatro años y observaba a su primo Carlos Pardo, también artista, ejecutando de manera magistral las corridas de toros de los años 70`s. Refiere la artista que su primera infancia queda marcada y para siempre, por el respeto, la serenidad y la sensualidad de las obras de su primo, al que admiraba en silencio sentada en una pequeña butaca de madera; obras de donde emergía la sutil danza del torero con su traje de luces y el toro con feroz translación destacaba a su mirada de niña un tímido rojo alizarín sobre los lomos del animal en su inevitable faena. A partir de ahí para esta artista queda completamente expuesta su inquietud por la vida que era posible plasmarla en lienzo blanco para reescribirla con lenguaje propio en su complejidad y fascinación.Desde entonces no ha detenido su lápiz ni su pincel; cientos y cientos de pinturas, una maestra activa, comprometida con el arte limpio, honesto, con una colosal gratitud hacia Dios, Él su latente inspiración y su amada madre que con su nobleza, amor y dulzura siempre la ayudó a buscar las condiciones de su creatividad en las artes visuales. Las firmes creencias de Sonia Uribe simbolizan para esta gran artista la corporeidad del amor sublime, las pinturas alejadas de violencia entendiendo temas colmados de luz, de ensueño que muestran la otra realidad de su país; pero en una lucha sin término y con el anhelo sumido en ruegos, para que pueda tener la fortuna de que sus trabajos pictóricos día a día tengan eco eterno y sosegado en la cotidianidad de las gentes como un paradigma derivativo.Aunque para la artista su vida en muchos eventos ha sido sobrecogedor, no así sus cálidas obras, que han viajado por varios países buscando sean una presencia sentida en cada espectador, con la hondura necesaria de quien ha realizado una estricta configuración en cada tema de sus lienzos. Una mujer cautivada por la vida, por el arte y sus posibilidades, una maestra que contempla con fundamental ternura cada pincelada y cada trazo de sus sueños recurrentes.

Alexis Valdés se presentará en el Miami Dade County Auditorium el Día de las Madres

La mejor manera de celebrar el Día de las Madres. Un espectacular show de Alexis Valdés, “La comedia está de madre”. Domingo 8 de Mayo, Miami Dade County Auditorium. Alexis con dos de sus grandes personajes: “Cristinito” y “Nereida”, más artistas invitados de lujo como la comediante Claudia Valdés, el cantautor Amaury Gutiérrez, y el presentador Mónico Pino. Boletos ya a la venta en www.ticketmaster.com

Con el patrocinio de Drama Hair & Nail Salon. Un espectáculo imperdible, producido por Claudia Valdés, con un Alexis a plenitud, haciendo stand up comedy, e interpretando a “Cristinito” y “Nereida”. “Vengan a gozar, vengan a reírse, que la risa es como el orgasmo del corazón”, afirma el actor, director, dramaturgo, poeta y músico. “Será una tremenda gozadera que las madres se merecen”, agregó. “No es lo mismo ver a estos personajes en participaciones breves de televisión o redes sociales que desarrollándose completamente en el escenario, contando todo e improvisando”, manifiesta Alexis. “Cristinito” fue creado por Alexis hace décadas y se ha lucido en programas de televisión, redes sociales y presentaciones teatrales, mientras que “Nereida” es más nueva y ha sido un suceso en las redes sociales y en Youtube. Alexis pasa por un gran momento profesional ya que mantiene sus producciones en el Teatro Trail a sala llena y, además, viene de haber filmado una serie para HBO, “Los fontaneros de la Casa Blanca”, junto a Woody Harrelson y otras figuras de Hollywood.

Entrevista a Lucio Stuer Artista Visual Argentino

Hablemos un poco de tu trayectoria 

Nací en Las Flores Provincia de Buenos Aires, Argentina, dibujo desde muy pequeño, una revista del lugar publicaba mis trabajos infantiles. En la adolescencia trabaje haciendo separadores para el canal de tv local. Soy técnico electromecánico y en 1994 me recibí de arquitecto en la Universidad de Buenos Aires (UBA), desde entonces, ejerzo la profesión de forma independiente. Durante los años de carrera, recibí una formación con marcada orientación racionalista que definió mi gusto y que fue creciendo por mi admiración a las obras del racionalismo porteño de los años 1930-1950. 

La búsqueda de simplicidad y depuración me llevo a desarrollar la serie “Volumetrías” y este proceso, origino en mí un entusiasmo progresivo que me animo a mostrar los trabajos en las redes y luego derivó en muestras virtuales, presenciales y concursos. 

¿Qué significa para ti la palabra arte? 

Creo que la palabra arte define el resultado de un proceso creativo que sigue reglas conceptuales precisas, innovadoras, originales o no sigue ninguna regla, y puede provocar sentimientos particulares. 

¿Dónde encuentras la inspiración de tus obras? 

Pienso que la obra está influenciada por la estética de la arquitectura racionalista, la opacidad de los volúmenes ciegos y las sombras que definen las siluetas rectilíneas, puras y contundentes. 

 Mi trabajo tiene que ver con mi formación académica, con una búsqueda por provocar sensaciones, usando la mínima cantidad de recursos. Me seduce la simplicidad del color plano y los matices de este mismo color en distintas posiciones con respecto a la luz. 

Las volumetrías que aparecen en casi todos los cuadros son generalmente aristas de un cubo perfecto, cuyo tamaño es desconocido, la posición en que se encuentran con respecto al otro volumen y el encuadre es lo que lo hace ver irregular o más desarrollado en un sentido que en otro. 

También debo admitir que en la obra es fundamental el juego de composición visual y el equilibrio de las partes y colores que forman el todo 

Los planos son amplios y de color puro, sin necesidad de degrade que acentúe la profundidad ya que el ojo del espectador recibe ese efecto naturalmente y este, como otros, es un recurso del que preferí prescindir en post de la simplicidad del mensaje. 

4- ¿Qué consejo aportas al arte de la geometría abstracta? 

Que la obra esté definida por la simplicidad y que porte un mensaje puro y contundente es el objetivo que persigo cuando planteo los trabajos y ese sería mi aporte: la síntesis del mensaje mediante la utilización de la menor cantidad de recursos. 

Mi intención es ofrecer una imagen volumétrica de un solo color capturada en el bastidor donde se vean las facetas del mismo iluminadas según su posición. 

En cuanto al desarrollo del trabajo pienso que la consecuencia de los lineamientos originales, la seriedad y la claridad de objetivos mediante la búsqueda elaborada, es fundamental para que el resultado sea un pequeño aporte para este tipo de arte 

 5- ¿Cómo podemos ayudar a los nuevos artistas que les atrae esta forma de expresión? 

Pienso que cuando mostramos lo que hacemos estamos predicando con el ejemplo. Difundir nuestra obra y expresar las ideas que la generan es fundamental para todos los nuevos emprendedores. También el acompañamiento en las redes sociales, el seguimiento en el desarrollo de sus obras y la ponderación de los trabajos destacados es de gran ayuda. 

6- ¿algún proyecto pendiente que te gustaría realizar? 

Siempre supe que el origen de la serie “Volumetrías”, que en ese momento no tenía nombre, ni la certeza de ser geométrica, fue inevitable, que a pesar de la falta de tiempo y espacio no pude detener la realización de los primeros trabajos, sin conocer las técnicas precisas ni tener en claro cuál sería el resultado, no pude frenar la necesidad de plasmar algo que todavía no sabía bien lo que era, la sucesión de trabajos y la realización de bocetos fue definiendo la obra y fui encontrando un camino en el que me siento motivado y en el que creo que tengo mucho por recorrer. Mi intención es seguir haciendo y mostrando lo que hago, creo que la mayor variedad de opciones enriquece y dan fuerza a la obra en su conjunto, que cada trabajo en particular es muy diferente a otro, aunque tenga las mismas características, que sensibles cambios dan un carácter totalmente distinto a cada obra y que el cuidado de las pautas iniciales y la insistencia en la búsqueda de los objetivos primarios me llevaran a obtener resultados más acertados. 

7- Háblanos de la geometría abstracta o arte concreto en Argentina y por último ¿Qué artista te gustaría que sea entrevistado y por qué? 

 En Argentina desde siempre se le dio lugar a todo tipo de expresión artística y hay escenarios variados, tanto institucionales como galerías privadas para el arte conceptual, abstracto o figurativo, pienso que a pesar de la situación económica del país hay un público susceptible a conmoverse por una obra, atento a las novedades, concurrente a las muestras y predispuesto al disfrute. 

En cuanto a artistas, realizadores se refiere, existe una gran oferta de desconocidos, desarrolladores de trabajos totalmente originales dentro del arte abstracto o figurativo, empecinados en seguir caminos inciertos sorprendiendo con resultados maravillosos. 

Alberto Abelisa es un dibujante de miniaturas enmarañadas que teje grandes obras repleta de información y de trabajo minucioso en cada centímetro. Es un artista muy interesante y su trabajo muy innovador. Ig: @albertoabeliza. 

En cuanto al arte conceptual o geometría abstracta admiro a César Paternosto, un artista consagrado, de la ciudad de la Plata, actualmente reside en España, purista y obsesionado por las composiciones minimalistas. Ig: @cesarpaternosto. 

Lucio Stuer 

IG: @luciostuer 

as obras hablan de la relación entre dos cuerpos materiales, dos personas, dos ideas antagónicas, dos sentimientos o lo que se nos pueda ocurrir, las distintas formas de relacionarse entre ellas y la poética que desata cada relación, la diversidad de estas conjunciones y los sentimientos que inspiran. En algunas, los cuerpos se aproximan en son de paz y se presupone un ensamble perfecto, en otras la relación es punzante y sugiere un encuentro violento donde alguna de las partes o las dos saldrán lastimadas, otras muestran un quiebre, una ruptura exacta que genera el alejamiento paulatino de las partes sin remedio, como pasa en la vida con todo tipo de relaciones solo que en estas imágenes el movimiento esta sugerido, muy lento y en el imaginario del espectador. 

Algunas obras muestran un solo volumen, siempre indefinido, como levitando o en una posición de aparente inestabilidad.

Celia Cruz en Cuba: Investigar, escribir y no morir en el intento

Una charla magistral por Rosa Marquetti

Presentada por Ana Dopico

MIÉRCOLES 27 DE ABRIL 2022, 12:30-2PM EST

El libro Celia en Cuba (1925-1962) es el resultado de una investigación minuciosa sobre los antecedentes, orígenes y desarrollo de la carrera musical de Celia Cruz en su país de nacimiento. La presencia de Celia en la música recorre de modo transversal el siglo XX cubano en diversos espacios, géneros y modos de expresión, e impacta en el ámbito caribeño y latinoamericano, y luego universal, como una de las figuras más auténticas y solventes. ¿Qué debió ocurrir para que Celia representará la continuidad y expansión de los logros de las mujeres afrocubanas en la música popular? ¿Cómo asumió las posibilidades expresivas de los géneros que cultivó y los espacios en los que actuó? ¿Cuál fue la trascendencia de su etapa cubana? ¿Por qué fue posible su extraordinario éxito en un espacio multicultural, social y generacional diferente? Éstas son algunas de las preguntas que su autora, Rosa Marquetti, abordará en su Charla Magistral.

Bios

Rosa Marquetti Torres

Nacida en Alquízar, La Habana, Cuba, Rosa Marquetti Torres es Licenciada en filología por la Universidad de La  Habana. Su vinculación profesional con la música cubana comenzó en 1993 siendo ejecutiva en la Fundación Pablo Milanés, primera iniciativa institucional privada afrodescendiente en la cultura cubana, y se extiende desde entonces abarcando amplias zonas como la industria del disco, propiedad intelectual; archivística, producción, asesoría y supervisión musical en filmes y documentales; curaduría, e investigación historiográfica y musicográfica. Autora de los libros Chano Pozo: La vida (1915-1948), El Niño con su tres. Andrés Echevarría Callava, Niño Rivera, Desmemoriados—Historias de la música cubana, además de Celia en Cuba (1925-1960) (en fase de edición), creadora y redactora del blog Desmemoriados: Historias de la música cubana (www.desmemoriados.com), fundado en 2014, ha trabajado además en Magic Music Records, la Sociedad General de Autores y Editores de España y la Colección Gladys Palmera, entre otros. Textos e investigaciones suyas sobre hitos, aspectos y figuras de la música cubana han sido publicados en revistas especializadas y generalistas de Cuba, Colombia, España, Francia y Estados Unidos. Durante su residencia, Marquetti compartirá el trabajo de su próximo libro Celia en Cuba (1925-1960), centrándose en la importancia de los sellos discográficos con sede en Nueva York en los inicios de la carrera de Celia Cruz.

Ana Dopico

Ana Dopico es Directora del Instituto Hemisférico de la Universidad de Nueva York (NYU) y especialista en los estudios comparativos de las Américas, Cuba, el Caribe y el Sur Global. Ella es profesora en el Departamento de Literatura Comparada y en el Departamento de Español y Portugués en NYU. Entre 2014 y 2019 fue directora del Centro Rey Juan Carlos l de España en NYU. Sus ensayos y periodismo cultural sobre la actualidad cubana han sido publicados y traducidos en medios impresos y revistas literarias, entre ellos The New York Times, NACLA, Al Adab (Arabic), L’Avenc (Catalan) y en el proyecto Bridges a/desde Cuba. En su proyecto de libro Cubanologies, Altered States of the Nation, la professor Dopico examina la “desunión imaginada” de la nación presente en la cultura cubana del siglo XX, donde estados políticos alterados fracturan los mitos políticos y raciales unificadores de la cubanidad.

El evento se transmitirá en vivo a través de Zoom. Para ver la transmisión en vivo, por favor regístrese
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