Deseo que mi hijo se inicie en el ballet, pero desde casa. ¡Felicitaciones..! Su niño va a recibir muchos beneficios, entre ellos el refuerzo de su desarrollo psicomotor y va a adquirir equilibrio, coordinación y lo mejor de todo es que a través del ballet, se inculca a los niños un gran sentido de disciplina que es importante para su progreso intelectual y significativo para su vida futura. Así como educarle en cuanto a la apreciación de la música indicada.
¿Tiene el ballet una edad específica para iniciar? No realmente, pero en el caso de los niños sí se recomienda los 3 ó 4 años. Su aparato locomotor está evolucionando y así ellos pueden asimilar y fijar con más facilidad en cuanto a soltura de los movimientos y las técnicas de la danza.
Posteriormente se puede ir avanzando hacia la danza clásica. Esto se logra con cursos de iniciación, entre los 5 ó 6 años y continuar hasta conseguir magníficos resultados. Es importante tener en cuenta que el ballet clásico es la base de todos los bailes y es esencial aprender desde muy temprano las técnicas y posiciones, tanto de pies como brazos. En esta etapa de las primeras clases de ballet, es la oportunidad de aprender, lentamente y con cuidado, los pasos y movimientos, que se efectúan, haciéndolo acompañados por música, dirigidos a adquirir coordinación.
Siendo el ballet un estilo de danza clásico y por lo regular de manera grupal, al iniciarse en su disciplina los niños que lo practican obtienen diversos beneficios. Se van familiarizando con el desempeño de una buena interpretación, así como con la vestimenta, y demás elementos decorativos, lo cual redunda en un mejor bagaje cultural de los pequeños.
Si usted apoya el baile de su hijo desde casa y le gusta participar, es importante que antes de comenzar tenga escogida o en mente, una lista de reproducción, y visualizar la fluidez de su clase, también que busque planes de lecciones de clase de baile para comenzar, así como la asesoría y guía de un profesional, bien sea a distancia o presencial. Durante el calentamiento, los bailarines pueden necesitar ayuda para redirigir su enfoque y si la actividad es entre amigos, es un buen momento para incorporar música ligera para estirar.
Existen siete pasos básicos en el ballet, estos son: Plié. (doblado).Según el diccionario de la danza, es una flexión de las rodillas que colabora a flexibilizar los músculos y tendones, desarrollando un buen sentido del balance. Tiene unas subdivisiones que son el demiplié y el grandplié. Todos se hacen con la ayuda de la barra y con énfasis en la correcta posición de la cadera. Relevé: Su nombre en francés significa «levantarse«. Literalmente, es empinarse, subiendo los talones del suelo hasta sólo mantener los dedos en el suelo. El secreto es imaginar que el cuerpo está siendo estirado suavemente hacia el techo, a la vez que se elevan los talones, bajando luego suavemente. Este movimiento refuerza piernas, tobillos y pies y desarrolla el arco plantar. Es un paso considerado como fundamental en la danza y uno de los primeros movimientos que se deben realizar al empezar la clase. Arabesque: Una de las posiciones básicas en ballet clásico. Es una posición del cuerpo que ha de ponerse de perfil, apoyado respecto a una pierna, que puede ser recta o demi-plié o en relevè, y la otra pierna levantada detrás y estirada. Battement tendu: Es un ejercicio para forzar los empeines hacia fuera. El pie de trabajo sale de la primera o quinta posición hacia la segunda o cuarta posición sin la elevación del dedo del pie de la tierra. Ambas rodillas se deben mantener estiradas. Es un movimiento de rutina.
Battement fondu: Es un ejercicio en el cual la pierna soporte está doblada lentamente en demi plie (como hundiéndose) y el pie que trabaja señala el tobillo y se estira hacia el suelo o hacia el aire. Mientras que se endereza, se extiende la pierna soporte. El fondu puede ejecutarse con punta en el piso o en el aire. Se puede ejecutar en varias posiciones: al frente, al lado o atrás. Jeté: Un salto a partir de un pie al otro, aquí la pierna de trabajo está doblada en el aire y parece haber sido lanzada. Hay una variedad amplia de jetés, y pueden ser realizados en todas las direcciones.
Rond de jambe: Movimiento redondo de la pierna, es decir, un movimiento circular de la pierna sin mover las caderas y la pelvis. El rond de jambe se utiliza como ejercicio en la barra. Una vez que se manejan las posiciones básicas, es posible atreverse con algunos pasos. Las cinco posiciones básicas del ballet de brazos y piernas para aprender en casa 1ra posición. Con los talones pegados se gira los pies hacia afuera hasta formar una línea horizontal. 2da posición. Los pies siguen en línea pero los talones y las piernas se separan. 3ra posición. Los pies vuelven a juntarse y rompen la línea para situarse uno delante del otro. 4ta posición. los pies están cruzados, el talón de un pie está a la altura de los dedos del otro, con un espacio entre ambos pies .Al igual que en la tercera posición se puede tener el pie derecho como el pie izquierdo delante… 5ta posición. es igual que la cuarta posición, pero ambos pies se tocan y no hay espacio entre ellos.
¿El ballet en cinco pasos? Estas cinco posiciones básicas son parte del pilar esencial y son la base para realizar el resto de movimientos y pasos de ballet. Estas posiciones se practican apoyando una mano en la barra de ballet.
¿Quién determinó que son básicas esas posiciones del ballet? Según la historia, fue en el siglo XVII, en el Ballet de la Ópera de París, primera escuela y compañía profesional de ballet de la historia creada por el rey francés Luis XIV, donde se codificaron las cinco posiciones básicas del ballet. Específicamente fue el maestro de danza de la corte de Luis XIV, Pierre Beauchamp, el que creó y estableció las cinco posiciones básicas de pies y la técnica en dehors.
¿qué significa dehors? Se considera uno de los fundamentos técnicos del ballet; por lo general, la práctica del ballet orienta la pierna hacia afuera desde la cadera, lo cual es esencial en la colocación correcta de los pies en las correspondientes posiciones.
Dehors: Traduce externo o hacia afuera. En pasos y ejercicios la palabra dehors indica que la pierna, en una posición, bien sea en el piso o en el aire, se mueve en una dirección circular, en el sentido de las agujas del reloj. Si se hacen piruetas, el término indica que una pirueta es hecha externa hacia la pierna que trabaja.
Y ya que como padres y madres responsables de niños pequeños desean aumentar la cultura de sus hijos, estas nociones pueden servir de ayuda en la aventura de iniciar a los pequeños en una clase de danza en casa, aunque siempre es recomendable insistir en la guía y orientación de un profesional en el área para ir más seguros en cuanto a la eficacia de las posiciones y movimientos. Hoy existe la ventaja de las redes, donde puede solicitar asistencia de profesores expertos en danza para niños y constante comunicación.
Y, lo más importante: ese profesional le va a orientar en cuanto a la música apropiada en la etapa de iniciación y posterior. Ese paso no se puede dejar a la ligera, pues de la música depende que el estudiante se sienta “conectado” con la actividad que esté llevando a cabo. De modo que es el momento de consultar la apreciación y recomendaciones que les vamos a suministrar para que su adquisición de la música indicada para la clase de danza de sus niños sea la mejor y, por ende, lograr un progreso estimulante en cuanto al entusiasmo de los pequeños por este arte escénico.
PHOTOGRAPHY BY ADA RIVERA. LINGUISTICS OF THE LANDSCAPE. THE HEROIC LANDSCAPE.
By Milagros Bello, PhD*
‘Photographs cannot create a moral position, but they can reinforce one—and can help build a nascent one.’ Susan Sontag On Photography
Ada Rivera creates powerful photographs that resignify the linguistics of classical photography. Her photographs, focused on landscape as a genre, establish a game of symbolic references that lead to a critical reflection on nature. Her works, both in black and white and in color, show montages of opposing visual signs, of a landscape in apparent calm and harmony that hides and metaphorizes its crisis in heroic survival. The work shows generic landscapes, unidentified places of tropical references, common to all parts of the planet where the sun prevails as a mobilizing force of the wild fauna and the profusion of groves. In that landscape it shows sceneries that overflow in bucolic forces, – in its luminous sunsets, its flashes, backlighting and silhouetted forms – reminiscences of forgotten paradises, or dream wastelands. However, within this apparent visual harmony appear compelling assemblages, frontal wooden frames that are installed undaunted next to trees or exposed over the infinite panorama of a horizon. Is this nature befallen under the hand of men? In other photographs, there are no industrial assemblages on the landscape but there are superimposed geometries that enigmatically float in the clouds or frame over on the trees; they are geometric structures that the artist has intentionally created with software programs. Radial, crisscrossing rectilinear shapes, squares in movement, create centrifugal tractions, or reclusive quadrature forms, in tensional enclosures that interfere the organic sinuosity of the nature. In both cases, Ada Rivera’s photography resignifies the landscape genre, away from traditional transcription of reality, portraying a landscape as a space of confrontations, and a dwelling of discrepancies. The landscape in this contemporary photography is not a site of complacency and enjoyment but a besieged and captive terrain. Breaking with the melancholia of a romantic landscape, the artist creates a place of socio-anthropological reflections on nature and its regression in this era of the Anthropocene. In Rivera’s photography there are no visual narratives but metaphorical discourses towards a topology of a crisis in the arbitration of the landscape between survival and destruction. The landscape in Rivera’s images is a heroic visual entity that subsists in the collision of investment capital interests and the conscience for preservation, debating between erasure and permanence.
Ada Rivera Broken Nature Series II, 2020
Rivera, in her prolific production, has greatly expanded her investigation of mediums to the point to originally adding to her photographic image, the use of neon lights in intercrossing geometric shapes, that superimpose over the image, creating remarkable luminous effects, locating her work into the most contemporary languages of Photography.
Ada Rivera Broken Nature Series III, 2020
Rivera’s work is well established as an aesthetic body of work reflecting solid photographic achievements and skills, a singular way of landscape framing, well-balanced compositions, as well as an accomplished handling of lights, backlights and visual milieux with strong chromatics on the scenes, however, her true artistic contribution lays on Rivera’s envisioning of the landscape as a metaphor for our dealings with the planet and its perilous consequences.
Her work aligns with other voices of women photographers who consciously look at our earth’s current condition and its precarious future in the hands of a civilization project of dubious results.
Ada Rivera Broken Nature Series IV, 2021
*Ada Rivera was born in the city of La Vega, Dominican Republic, where at a very early age, she attended various disciplines including painting, sculpture, and music at the Palace of Fine Arts in her beloved town. He studied Design and Decoration at the University “Pedro Henríquez Ureña”, then traveled to Europe where he studied a degree in Fine Arts at the University of La Sorbonne in Paris, adding to this, studies of Painting at the Academy of the Grande Chaumiere. Later she moved to Italy where she continued to broaden her knowledge in Art History and Styles. Afterwards, he studied Art Curatorship at Saint Martin Lane School of Arts, in London.
This long journey through art, has led her to the world of photography, where she formalizes her lifelong passion for this discipline which seeks to share her perception of everything she has learned. Currently, she develops her photographic work focused on the uses of contemporary photography, including the use of neon added to the surface of the photographic work. She has developed a conceptual photography in which she directs her attention to the planet and the transformations of nature in contemporary industrial society.
Ada has participated in countless exhibitions, including two important shows in 2021, Cross Aesthetics and Concurrences/Oblique Views/Art Basel Season, curated by Dr. Milagros Bello at the MIA Curatorial Projects curatorial space in Miami. From September 1 to October 15, he participates in the X Edition of the International Festival of Photography and Video Photo imagen curated by Carlos Acero Ruiz at the Museum of Modern Art in Santo Domingo, Dominican Republic. She will soon exhibit at ARS Contemporáneo where he will continue to present his series on Nature in Captivity.
Ada Rivera Broken Nature Series V, 2021
This long journey through art, has led her to the world of photography, where she formalizes her lifelong passion for this discipline which seeks to share her perception of everything she has learned. Currently, she develops her photographic work focused on the uses of contemporary photography, including the use of neon added to the surface of the photographic work. She has developed a conceptual photography in which she directs her attention to the planet and the transformations of nature in contemporary industrial society.
Ada Rivera Broken Nature Series VI, 2021
Ada has participated in countless exhibitions, including two important shows in 2021, Cross Aesthetics and Concurrences/Oblique Views/Art Basel Season, curated by Dr. Milagros Bello at the MIA Curatorial Projects curatorial space in Miami.
From September 1 to October 15, he participates in the X Edition of the International Festival of Photography and Video Photo imagen curated by Carlos Acero Ruiz at the Museum of Modern Art in Santo Domingo, Dominican Republic. She will soon exhibit at ARS Contemporáneo where he will continue to present his series on Nature in Captivity.
Ada Rivera Broken Nature Series VII, 2021
Ada Rivera Broken Nature Series VIII and IX, 2021
Ada Rivera Broken Nature Series VIII, 2021
*Curator Dr. Milagros Bello holds a Ph.D. in Sociology with a doctoral thesis in Sociology of Art from Sorbonne University (Paris VII-Jussieu), Paris, France. Dr. Bello is an art critic member of the International Association of Art Critics (AICA). Dr. Bello has curated numerous shows in contemporary art locally and nationally. Outstandingly, in the context of the 59th Venice Biennale, she curated the exhibition “Americans. Current Imaginaries.” and gave a lecture at Personal Structures/Reflection, in the European Cultural Center, in Venice, Italy. She is an art writer for local and international art magazines, and a former Senior Editor of Arte Al Dia International art magazine. From 2000-2014, she has taught as professor of art in graduate and undergraduate levels at the Florida International University, Florida Atlantic University, Miami International University (The Art Institute/Miami), and the Istituto Marangoni/Miami. Currently, she is the director and chief curator of MIA Curatorial Projects in Miami, former Curator’s Voice Art Projects founded in 2010 in Wynwood Art District, Miami. Dr. Bello is an artist mentor and motivator of young emerging artists.
Cómo Se Convirtió La Música De Ballet En Música Clásica
Por Ryan Spooner
El mundo de la música clásica es amplio. A pesar de su amplitud, nuestro enfoque en lo que constituye el canon de lo clásico tiende a ser estrecho. Vemos las sinfonías, óperas, conciertos, y música de cámara de maestros como Beethoven, Brahms y Mahler como las obras maestras del género. Sin embargo, algunas de las piezas de música clásica más reconocibles provienen de otros lugares. El Ballet es uno de esos lugares.
Actualmente, vemos la música creada para ballets de compositores como Tchaikovsky y Stravinsky como obras maestras, pero antes de ellos, la música de ballet era vista como inadecuada para los maestros sinfónicos.
He aquí la historia de cómo la música de ballet pasó de una ocurrencia tardía a una forma de arte – a música clásica que pudo ser apreciada, incluso cuando no había nadie bailando.
Una Breve Historia Del Ballet
El ballet se originó durante el Renacimiento Italiano en los siglos quince y dieciséis. Gracias a la influencia de Catherine de’ Medici, una dama de la nobleza italiana quien se casó con el Rey Henry II, se extendió a Francia, donde se desarrolló aún más. Los bailarines en estos primeros ballets de la corte eran mayormente novatos nobles, no los profesionales con los que estamos familiarizados hoy en día.
La profesionalización de los bailarines de ballet ocurrió bajo el reinado del Rey Louis XIV. Louis fundó la Académie Royale de Danse (Academia Real de Danza) en 1661, para establecer estándares y certificar a instructores de baile.
Durante la mayor parte de su historia temprana, el rol de la música en el ballet fue secundario, con el énfasis principal en el baile. La música era simplemente una compilación de música de baile de salón. Los compositores “serios” eran aquellos que componían sinfonías; los compositores de ballet eran vistos como mucho menos importantes o talentosos que sus iguales.
El Compositor Revolucionario del Ballet
Nadie hizo avanzar la música de ballet como Pyotr Ilyich Tchaikovsky (1840-1896). Antes de Tchaikovsky, componer para ballet se consideraba que estaba separado de las sinfonías. La música de ballet era mucho más directa y fácil de bailar, mayormente creada como un acompañamiento para los bailes. El Lago de los Cisnes de Tchaikovsky revolucionó la composición para ballet; fue la primera partitura creada por un compositor sinfónico.
Inspirado por la innovación de Tchaikovsky, la composición para ballet se volvió más compleja, con la música volviéndose una parte de la actuación por derecho propio. A finales del siglo 19, Marius Petipa, un coreógrafo y bailarín de ballet francés, colaboró con Tchaikovsky en la creación de los ballets La Bella Durmiente y El Cascanueces e incluso ayudó a revisar El Lago de los Cisnes después de la muerte de Tchaikovsky.
La Música de Ballet, a la Manera de Stravinksy
Igor Stravinsky (1882-1971) fue un compositor nacido en Rusia y uno de los más influyentes contribuidores a la música del siglo 20. Alrededor de los 8 años de edad, Stravinsky asistió a una actuación del ballet de Tchaikovsky La Bella Durmiente. Afortunadamente para nosotros, esto comenzó un interés en los ballets de por vida.
Aunque tuvo una larga carrera con una diversidad de estilos, fue la música de ballet la que lo ayudó a lograr la fama internacional. Estos tres ballets, El Pájaro de Fuego (1910), Petrushka (1911), y La Consagración de la Primavera (1913), transformaron cómo pensaban los subsecuentes compositores acerca de la estructura rítmica y le ganaron a Stravinsky una reputación como un músico revolucionario que expandió los límites del diseño musical.
Los Beneficios de la Música de Ballet
Escuchar música tiene muchos beneficios psicológicos. No sólo estimula el centro de placer y recompensa en la corteza orbitofrontal, justo detrás de los ojos, también activa el cerebelo en la base del cerebro, el cual es responsable de nuestra coordinación y movimiento.
Además, la música y el baile son una forma divertida de ponerse en movimiento. La teoría de la música, estado de ánimo y movimiento (MMM) propone que “la música altera el estado de ánimo, es una señal para el movimiento, y hace más disfrutable la actividad física llevando a resultados de salud mejorados de peso, presión arterial, azúcar en sangre y manejo del factor de riesgo cardiovascular, y calidad de vida mejorada.” Así que ¿qué está esperando? ¡Levántese y póngase en movimiento!
Música de Ballet Clásica en Calm Radio
Estamos aquí para ayudarle a ponerse en movimiento. Permita que la elegancia y belleza sonora de las obras de arte de ballet de Tchaikovsky, Stravinsky, y todos los compositores ofrecidos en nuestro canal Ballet le pongan de pie.
Además de buscar música para moverse, tenemos música para meditar, dormir, trabajar, y relajarse. Visite nuestra Guía de Canales para explorar.
Compositor ruso del periodo del romanticismo, escribió algunos conciertos y música teatral, incluyendo los ballets El lago de los Cisnes, La Bella durmiente y EL Cascanueces. Su familia quería que fuera un abogado, sin embargo abandonó sus estudios y entró al Conservatorio de San Petersburgo en 1962. Fue un gran compositor de música lírica y dramática para el Ballet Imperial Ruso, lo que le valió los honores del zar y una pensión vitalicia. Murió a los 53 años de edad, aún no se conoce claramente las causas de su muerte.
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Tomada de: wikimedia.org/wiki/Portada
JEAN BAPTISTE LULLY (1632 -1687)
Fue uno de los primeros compositores de ballet para la corte de Luis XIV. Inició como bailarín y se convirtió en director de la Académie Royale de Musique. Una de sus obras más famosas fue Royal de la Nuit, donde Luis XIV interpreta a Apolo, el dios Sol.
Luis XIV interpretando al Sol en el Ballet de la Nuit Tomado de WWW.saranieto
FRÉDÉRIC CHOPIN (1810- 1849)
Pianista Polaco, compositor de numerosas obras, no escribió piezas musicales para ballet, pero su música ha sido utilizada por muchos de ellos. La más conocida quizás es Les Sylphides, con coreografía de Fokine. Otros coreógrafos como Jerome Robbins y Ashton utilizaron piezas como: The concert y Dances at a Gathering y Un mes en el país. Su técnica ha sido comparada con la de Mozart, Bach y Beethoven, ya que ha perdurado a través de los tiempos. Sus obras representan el estilo romántico de forma más pura.
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Única fotografía de Chopin. Se cree que fue tomada en 1849, poco antes de su muerte. Tomada de Wikipedia.
IGOR STRAVINSKY (1882- 1971)
Compositor y director de orquesta ruso, fue uno de los más influyentes compositores del siglo XX. Sus obras más reconocidas a nivel mundial fueron sus ballets Pájaro de Fuego, Petrushka, Las bodas y La consagración de la primavera. “Para muchos, estos ballets clásicos, atrevidos e innovadores, prácticamente reinventaron el género” (15, Wikipedia). Stravinsky pasa por
tres periodos estilísticos bien definidos. Fue un artista muy dinámico por lo cual se convirtió no sólo en el compositor principal para Sergei Diaghilev de los Ballets Rusos, sino también colaboró con Pablo Picasso (Pulcinella, 1920), Jean Cocteau (Oedipus Rex, 1927) y Georges Balanchine (Apollon Musagete, 1928).
70 Los bailarines de ballet son agrupados por compañías, las cuales tiene un director y se encarga de coordinar el trabajo de los coreógrafos, bailarines, escenógrafos, iluminadores, maquilladores y todos los que entran en juego en el montaje de un espectáculo de ballet. Algunas de las principales compañías de ballet del mundo son:
American Ballet Theatre (Estados Unidos)
Ballet Australiano
Ballet Bolshoi (Ruso)
Ballet de Nueva York
Ballet Kirov (Rusia)
Ballet Nacional de Canadá
París Opera Ballet
Royal Ballet (Inglaterra)
La Bayadère – Bayerischen Staatsballett – Foto: Charles Tandy
Ya que en el primer capítulo nos acercamos al desarrollo del ballet en Cuba, por ser uno de los países latinoamericanos, con mayor desarrollo en esta disciplina artística, hacemos ahora una reseña de la compañía del Ballet Nacional de Cuba:
BALLET NACIONAL DE CUBA
Esta compañía desde 1959, aún como Ballet de Cuba, hizo gira por Sudamérica incluyendo Venezuela, Brasil, Uruguay, Argentina y Chile.
71 En 1960 visitó México para participar en la toma de posesión del Presidente de ese país. En el mismo año se llevó a cabo la celebración del I Festival Internacional de Ballet de La Habana, con la participación de agrupaciones danzarias de varias partes del mundo, y grupos nacionales recién creados, como el Conjunto Nacional de Danza Moderna que fundara el maestro Ramiro Guerra.
En 1960 bajo el nombre de Ballet Nacional de Cuba, y la dirección de Alicia y Fernando Alonso realizaron una extensa gira por los entonces países socialistas, en estos países de la Unión Soviética, Alemania, Polonia, China, Corea, Checoslovaquia, Hungría y Bulgaria, recibieron a los danzantes cubanos en una agotadora pero fructífera gira que les serviría para reafirmar su nivel profesional y su altura artística, comparada con territorios conocedores del ballet y poseedores de compañías y escuelas con tradiciones centenarias.
Para 1964 con motivo del I Concurso Internacional de Ballet en la ciudad búlgara de Varna, donde acudieron Bailarines de todo el mundo; Alicia Alonso fue invitada como miembro del jurado, mientras tanto Cuba estuvo representada por una pequeña delegación con Mirta Plá y Josefina Méndez acompañada por el primer bailarín argentino Rodolfo Rodríguez.
Un logro asombroso, tuvo la delegación de la isla frente a rusos, franceses, daneses, ingleses, búlgaros, italianos, quien se alzó con las medallas de plata (Mirta Plá) y bronce (Josefina Méndez y Rodolfo Rodríguez).
Este logro ante todo, marcó una nueva visión del ballet cubano en la arena internacional. La manera de expresarse a través del movimiento de nuestras bailarinas, dentro del más estricto rigor académico, diferían del resto de las intérpretes; había una sensualidad, una forma de atacar la música, una interacción especial en el baile en pareja que, si bien poseía la individualidad de cada artista, reflejaba la unicidad de un estilo nuevo en el panorama del ballet.
El decano de la crítica danzaria, el inglés Arnold Haskell, presente en esas competencias, llamó a este fenómeno “el milagro cubano”.
72 “Fue en los concursos internacionales de ballet de Varna durante los tres
sucesivos de 1964, 1965 y 1966, cuando empecé a comprender que se había abierto un nuevo capítulo en la historia del ballet, que había nacido una nueva escuela, la escuela cubana, de formación estrictamente clásica, pero con características propias bien definidas”. (Arnold Haskell)
Surgía así el concepto escuela cubana de ballet que no sólo identifica la forma peculiar de bailar del cubano, el modo de acometer los pasos de la tradición académica, sino la estética que refleja –también al decir de Haskell– un
carácter nacional.
Este reconocimiento, producto de años de trabajo de Alicia y Fernando Alonso, y de Alberto Alonso, quien ya había realizado experimentos como Antes del alba (1947) y que para 1965 había producido Espacio y movimiento, verdadero manifiesto coreográfico de lo cubano en lo internacional, sería otro logro de la empresa que los Alonsos iniciaron el 1948 con la fundación de la compañía profesional de ballet y en 1951 con la creación de la academia.
Muchas figuras cubanas han participado en galas y compañías extranjeras, en Paris, en Espartaco, han logrado Premios y reconocimientos uno de ellos fue Fernando Alonso por la obra de toda una vida, Alicia Alonso, por su talento y profesionalismo, el joven Luvien Mederos, la coreógrafa camagüeyana Tania Vergara, los estudiantes de la Escuela Nacional de Ballet Estheysis Méndez, todos con premios por la excelencia artística, Couneux, con medallas de oro y de plata en competencias mundiales.
El 29 de abril, durante la gala por el Día Internacional de la Danza celebrada en el Teatro Mella, le fue otorgado el Premio Nacional de Danza 2008 a la maestra y coreógrafa Lorna Burdsall, norteamericana de nacimiento y cubana por adopción, fundadora y pionera de la contemporaneidad del movimiento danzario en la Mayor de las Antillas.
El primero de enero de 2008, la cultura cubana perdía al maestro Alberto Alonso, uno de los pilares de la escuela cubana de ballet y su principal coreógrafo, a la edad de 90 años, en Gainsville, Florida. Luego durante la VII
73 Muestra de Jóvenes Realizadores, se estrenó en Cuba el documental Danza de mi corazón del creador Ricardo Acosta, sobre su vida, reiterado en el XXX Festival Internacional del Nuevo Cine Latinoamericano. Los eventos del XXI del festival Internacional de Ballet de la Habana inundaron los 366 días de 2008.
La leyenda cubana de la danza, Alicia Alonso, continúa estrenando obras de ballet y aportando en el mundo de la danza de cuba.
El pasado año 2008, ha sido otro año lleno de danza, con logros e hitos pero también con carencias y deficiencias: los estragos de los huracanes que nos atacaron dañaron ostensiblemente muchos teatros de provincia, lo que deprimió la producción y redujo las presentaciones, sin embargo los eventos del XXI Festival Internacional de Ballet de la Habana, inundaron todo el calendario del año. Para este año 2009, la recuperación no se detiene ni la danza cubana se detendrá
Una guía completa de la mejor música de ballet para niños
Si su conocimiento de la danza clásica no se extiende más allá de los episodios fílmicos de los grandes bailarines, como Rudolf Nureyev, huyendo de la tiranía soviética, es el momento de ampliarlo y por lo tanto es hora de comenzar su port de bras, que es un conjunto de movimientos básicos o colocación de los brazos, consta de 5 posiciones básicas y se recomienda aprenderlos y desarrollarlos con disciplina. Pero si quiere aumentar su conocimiento sobre este hermoso arte escénico, es propicio compartir algunos detalles históricos sobre el ballet. Se afirma que desde el principio, los humanos nos comunicábamos corporalmente los diversos estados de ánimo en acontecimientos, tales como bodas, defunciones, etc. Siempre como rituales o ceremonias relacionadas con las cosechas o las guerras. Con la evolución de las civilizaciones surgieron los instrumentos de percusión y algunos de viento que acompañaban esas danzas rituales. Pero el ballet, tal como se conoce hoy en día surgió en la Italia del Renacimiento (1400-1600), Gracias a la influencia de Catalina de Médici, una noble italiana que se casó con el rey Enrique II; de allí se extendió a Francia, donde se desarrolló aún más. Los bailarines de estos primeros ballets de la corte eran en su mayoría aficionados nobles, no los profesionales con los que estamos familiarizados hoy en día. Es durante el reinado de Luis XIV, que aumenta su difusión y se crea una escuela de baile en 1661. (Real Academia de la Danza), efectuando, en 1700, una clasificación y codificación de los pasos y figuras, y en 1725 sale a la luz un Tratado de Maestros de Danza, donde se perfeccionan todas las técnicas conocidas para el momento. Sin embargo, el papel de la música en el ballet fue secundario, con el énfasis principal en la danza. La música era simplemente una compilación de música de baile de salón. Los compositores “serios” eran los que componían sinfonías; los compositores de ballet eran vistos como mucho menos importantes o artísticos que sus compañeros. El mundo de la música clásica es extenso; y a pesar de ello, el enfoque en lo que constituye el canon de lo clásico tiende a ser estrecho. Se considera obras de Beethoven, Mahler o Brahms como maestras, aunque algunas de las piezas más reconocibles de la música clásica provienen de otros países, como los rusos Tchaikovsky y Stravinsky, con obras hoy en día reconocidas como obras maestras para ballet. Piotr Ilich Tchaikovsky (1840-1896) fue un creador revolucionario del ballet. Nadie hizo avanzar la música de ballet como él. Antes, la música de ballet era más directa y fácil de bailar, en su mayoría creada como acompañamiento para danzas. El Lago de los Cisnes de Chaikovski revolucionó la composición del ballet; fue la primera partitura de ballet creada por un compositor sinfónico. Gracias a su obra, la composición del ballet se volvió más compleja, y la música en el ballet adquirió preeminencia y se convirtió en parte indispensable de la actuación de los bailarines. A finales del siglo 19, Marius Petipa, un coreógrafo y bailarín de ballet francés, colaboró con Tchaikovsky en la creación de los ballets La Bella Durmiente y El Cascanueces e incluso ayudó a revisar El lago de los cisnes después de la muerte de Tchaikovsky. Asimismo, uno de los contribuyentes más influyentes a la música del siglo 20 fue Igor Stravinsky (1882-1971); también ruso. A la edad de ocho años, Stravinsky asistió a una representación del ballet de Tchaikovsky La Bella Durmiente, lo que produjo en él una pasión por el ballet que duraría toda su vida. Tuvo larga vida y larga carrera, y aunque con diversidad de estilos, fue la música de ballet lo que lo ayudó a alcanzar la fama internacional. Estos tres ballets, El pájaro de fuego (1910), Petrushka (1911) y La consagración de la primavera (1913), significaron una reforma para los compositores jóvenes en cuanto estructura rítmica y para Stravinsky el título de revolucionario musical.
Música para ballet
La palabra ballet la utilizó por primera vez Balthazar de Beaujoveulx, definiéndola como “una mezcla geométrica de personas que bailan juntas, acompañadas por varios instrumentos musicales” Sin embargo, Bastiano di Rossi lo definió como una especie de pantomima bailada y con música. Hoy en día, se define el ballet como una forma de danza cuyos movimientos están basados en el control total y absoluto del cuerpo, y se recomienda empezar su práctica desde temprana edad debido a su grado de dificultad. A diferencia de otras danzas, en el ballet cada paso está codificado. Participan invariablemente las manos, brazos, tronco, cabeza, pies, rodillas, todo el cuerpo en una conjunción simultánea de dinámica muscular y mental que debe expresarse en total armonía de movimientos.
Mi niño tiene habilidades para el ballet ¿puedo iniciarlo en casa? Si puede, aunque el primer paso debe ser tener la música adecuada, y esto es esencial, bien sea que lo esté ayudando a aprender o simplemente iniciarlo en la escucha de los grandes compositores y de la música académica. Pero lo más importante es saber que no cualquier CD clásico le servirá. Es necesario acudir a profesionales que posean una guía completa de la mejor música de ballet para niños, que incluye indicaciones útiles para orientar en cuanto a cuáles ejercicios practicar.
¿Existen piezas musicales para niños pequeños? Algunas de las mejores obras musicales de ballet para niños tienen piezas ligeras y juguetonas, sin embargo, es recomendable que los niños mayores se beneficien y comiencen a relacionarse específicamente con la música de ballet clásico efectuando la práctica de barre, lo cual es una disciplina que se realiza con el apoyo o soporte de una barra de ballet, y se combina con ejercicios en el suelo.
¿Existen piezas musicales sólo para ballet o sirve cualquiera? Existen partituras clásicas que fueron compuestas específicamente para la danza, o se han hecho famosas porque los coreógrafos, tradicionalmente las han empleado para ballets; y a efectos de informacíón, hemos hecho una selección de diez de ellas, que fueron compuestas para la danza, esto simplificará su escogencia de la música adecuada para su hijo. Las composiciones de Tchaikovsky: Ballet Suites, con El lago de los cisnes, La bella durmiente y El Cascanueces interpretadas por la Filarmónica de Berlín dirigida por Mstislav Rostropovich. Pero siempre nos preguntamos:
¿Cómo saber que estoy escogiendo una buena música de ballet para niños? Si es un niño pequeño, una melodía simple y que sea familiar al oído lo anima a comenzar a moverse libremente. Pueden ser canciones de películas de Disney, canciones de rima, se prestan como calentamiento o enfriamiento a movimientos espontaneos, no muy estructurados. Y siempre hay que tomar en cuenta que muchos CD están dirigidos a un público de bailarines adolescentes o adultos, canciones que son diferentes a las adecuadas para una clase de ballet infantil. Para calentamiento-enfriamiento, es recomendable alternar entre piezas lentas y piezas enérgicas, y en todo caso es bueno preguntarles cuáles son sus canciones favoritas y, si estas tienen buena calidad para ellos, se pueden incorporar a la clase. Para la práctica en la barra, la mayoría de la música es clásica y tiende a ser piezas cortas. Y muchos CD de música clásica para ballet, incluyen los ejercicios apropiados, enumerados junto a cada pieza. Si usted apoya el baile de su hijo desde casa y le gusta participar, es importante que antes de comenzar tenga escogida o en mente, una lista de reproducción, y visualizar en la fluidez de su clase, también que busque planes de lecciones de clase de baile para comenzar. Durante el calentamiento, los bailarines pueden necesitar ayuda para redirigir su enfoque y si la actividad es entre amigos, es un buen momento para incorporar música ligera para estirar.
¿Cuáles son los beneficios de la música de ballet? Es reconocido que el escuchar música tiene muchos beneficios fisiológicos. No solo como estimulante del centro de placer y recompensa, situado en la corteza cerebral, sino que también activa el cerebelo, que es responsable de nuestra coordinación y movimiento. Aunado a ello, la música y el baile representan una forma amena de ponerse en movimiento, ya que según la teoría de la música, ésta altera positivamente el estado de ánimo, emitiendo una señal para el movimiento y hace que la actividad física sea más agradable, lo que lleva a mejores resultados de salud del peso, la presión arterial, el azúcar en la sangre y el manejo de los factores de riesgo cardiovascular, y una mejor calidad de vida”.
IMPORTANCIA DE LA MÚSICA EN LA EXPRESIÓN ARTÍSTICA DE LA DANZA
Por María Dolores Moreno Bonilla. Profesora de Danza.
La música posee la capacidad de despertar en las personas sentimientos de diversa índole, experimentando reacciones de alegría, melancolía, tensión, relajación etc. Esta misma circunstancia ocurre en el bailarín/a, produciéndole una enorme acción emotiva que le impulsa a expresarse a través de sus movimientos. La música aporta al bailarín/a la fuerza y la motivación que necesita para comunicarse. Pero para que la danza fluya, es necesario realizar previamente un análisis de la música que va a acompañar al movimiento, a fin de identificar aquellas estructuras que van a permitir desarrollar al máximo la expresión y la interpretación del bailarín/a.
Existen una serie de elementos de la música que inciden en el desarrollo de la expresión artística de la danza. Estos son: la melodía, la armonía, el estilo y el carácter.
1. La melodía:
Se puede definir como la combinación heterogénea de los sonidos musicales, o la sucesión de sonidos de diversa altura con la que el compositor expresa un sentimiento. A través del ritmo los diferentes sonidos de la melodía se agrupan unos con otros. El ritmo es importante en la danza, pero no es conveniente bailar sólo a golpe de tambor. La melodía aporta un soporte natural para la expresión y ayuda al uso de la respiración durante la interpretación.
La respiración del bailarín y la melodía actúan como cómplices que caminan juntos en la construcción de frases de movimientos. Una manera de agrupar la melodía es a través de la frase musical. Ésta es una unidad conceptual, que suele constar de ocho compases, aunque pueden tener menos. En danza, se suele trabajar con frases musicales de ocho compases, que permiten realizar frases de movimientos.
Estas frases de movimientos tienen un comienzo, un desarrollo y un final y se realizan respetando las frases musicales. La continuidad en el encadenamiento de cada frase es fundamental tanto para los músicos como para los bailarines y en el caso de la danza, dará lugar a una coreografía.
Los brazos tienen más soltura que las piernas a la hora de ligar los movimientos y de darle continuidad a las frases, es por ello que se les confía la misión de subrayar dicha continuidad.
2. La armonía.
Se define como la adicional textura de la melodía, o cómo la ciencia que estudia los acordes. Un acorde es un conjunto de tres o más sonidos que se oyen simultáneamente.
La armonía sirve de unión entre la melodía y el ritmo, enriqueciendo la melodía y aportándole variedad y carácter. Al bailarín/a le ayuda a ser más consciente de la respiración en los movimientos, mejorando así la calidad de las ejecuciones.
La respiración permite la preparación, el desarrollo y la finalización de los movimientos, la matización de los gestos y de los sentimientos y el encadenamiento de los pasos. Por todo ello la armonía juega un papel importante.
En este apartado nos encontramos con dos conceptos: tonalidad y modalidad.
La tonalidad se puede definir como el producto que se obtiene tras organizar los sonidos de una escala, donde el más importante se llama tónica y da nombre a la tonalidad.
La modalidad es una forma de construir una escala, y va a estar en función del lugar que ocupen los tonos y los semitonos. Puede ser Mayor o Menor.
Tonalidad y modalidad otorgan a la pieza musical un carácter determinado.
Los cambios de modalidad o la transposición en la tonalidad, ayudan al bailarín a sacar fuerzas renovadas para continuar realizando la variación de movimientos. Les otorga un aporte extra de energía muy útil para desarrollar la coreografía.
3. Estilo y carácter.
El carácter es el elemento expresivo que nos va a decir como es la composición musical. Indica qué cualidad tiene: si es alegre o triste, si tiene fuerza o es sensible, etc. Los términos usados para expresarlo son entre otros: amábile , appasionato, brillante, delicato, furioso, tranquilo etc. etc.
Cada instrumento tiene un carácter particular, y al igual que el músico opta por uno determinado para componer, porque es el que necesita para desarrollar el sentimiento que quiere expresar, en danza ocurre lo mismo.
El bailarín/a o coreógrafo busca aquellas músicas que mejor se adaptan al sentimiento que quiere transmitir. Así escoge un piano o un violonchelo o una pieza orquestada o lo que necesite, eligiendo además si lo que le conviene es que esa pieza sea adagio, allegro etc.
Esto es porque la música despierta en el bailarín/a una serie de emociones que le permiten transmitir un sentimiento.
Los estilos de las piezas musicales son diversos y es importante que el bailarín/a los conozca, para poder decidir qué clase de música es la que le conviene para el montaje de su coreografía.
La danza por su parte engloba diversos estilos que son específicos. Cada uno de ellos tiene un carácter determinado y nos indica el ritmo, la dinámica y la velocidad con la que se ejecuta un movimiento.
Es importante hacer coincidir el estilo de la música y su carácter, con el estilo y carácter de la danza que se vaya a desarrollar, a fin de fundir ambas disciplinas en una interpretación rica que llegue al espectador como un todo de expresión de sentimientos.
Todo lo expuesto nos lleva a una reflexión:
La música y la danza son dos disciplinas que necesitan tener algo que comunicar para poder crear o interpretar, y el bailarín utiliza la música como medio para hacer fluir sus sentimientos y comunicarse.
9 Steps to Become a Freelance Artist (and Crush It) in 2022
Being a freelance artist is shrouded in stereotypes. You’ve probably heard the term “starving artist” enough to last a lifetime.
The truth is the starving artist stereotype is outdated, proven false by millions of freelance artists around the world who are making good money doing work that fulfills them.
I won’t tell you becoming a freelance artist is easy. It takes a lot of hard work and dedication.
But it is 100% possible.
Thanks to the Internet and an ever-growing need for visual content both online and off, there are more opportunities to make money as an artist than ever before.
********* Nick’s Notes: Preston Lee contributed this post. Preston is the founder of Millo, an 8-year side-hustle that finally became his full-time business. He and his team help freelancers get clients and grow their business.
If that name sounds familiar, he was featured in episode 300 of The Side Hustle Show!
*********
Whether you want to become a full-time freelance artist or pursue art as a side-hustle, the world needs the art you have to offer.
This post will outline 10 steps to becoming a freelance artist—with tips and advice that have worked for artists before you.
Here are 9 steps to become a freelance artist in 2020:
Table of Contents show
1. Start with a Business Model
The biggest mistake most artists make when going freelance is failing to understand and decide on a business model.
As a freelance artist, you have two critical jobs:
Make Art
Run (and Grow) a Business
If the second job on the list sounds dreadful to you, I suggest you stop now and look for a job working for a company as an in-house artist. You’re not ready to be a freelancer and run your own business.
There’s no getting around it. If you want to thrive as a freelance artist, you can’t phone in the second job—running and growing your business.
Luckily, there are plenty of ways to make money as an artist in today’s world.
Decide on a Basic Business Plan
You don’t need to put together a 50-page business plan with financials, monthly tasks, projections, and other details. In fact, if you try to start that way, you’ll probably never make the leap to becoming a freelance artist.
But “making art first and monetizing later” should not be your business strategy.
Instead, take time to review ideas on how to make money as an artist and decide on one or two that you’ll pursue from day one.
Deciding on a business plan means determining what kind of work you’ll primarily offer.
Are you a fine artist? A graphic artist? A cartoonist? An illustrator? A musician?
What media do you work with? Are you a digital artist? An environmental artist?
Answering questions on who you are and what you offer is critical in moving on to step two of this process.
2. Find Your First Few Clients
Remember how I said you have two primary jobs as a freelance artist? Well, you literally can’t do the second job (run a business) until you have clients.
Clients are the definitive line between an artist who has a nice hobby and a freelance artist who has a business.
To get your first freelance art clients, start with these simple steps:
Tap Into Your Personal Network
Talk to family, friends, coworkers, fellow artists, and others in your network, letting them know that you’re currently offering work as a freelance artist. New clients will come out of the woodwork if you do this long enough.
Search Freelance Art Job Sites
Depending on the kind of art you want to sell, there are thousands of new job listings for freelance artists on all kinds of sites around the web each month.
For example, a quick search on FlexJobs, LinkedInJobs, Jooble, or Glassdoor reveals art jobs with well-known companies around the world.
(Save 30% on your FlexJobs membership w/ promo code FLEXLIFE.)
Do Some Strategic Pro Bono Work
While you should avoid doing too much work for free, finding the right strategic pro bono work in the early days of your freelance art career can pay off big-time down the road. Try targeting organizations and companies who have robust networks (hello, word-of-mouth referrals) or long-term art needs (great for future paid work).
Finding freelance clients can be a tedious process filled with rejection. Take courage, however, because as you practice, you’ll get better at it and begin to enjoy it more.
3. Build a Basic (but Powerful) Portfolio
As you begin working to find your first few freelance art clients and build a nice solid base on which you can grow your business, it’s time to create a simple portfolio.
Notice, I have emphasized “basic” and “simple” when it comes to creating your portfolio.
As an artist, you’ll have a tendency to want to go overboard with your portfolio—making it the most impressive thing anyone has ever laid eyes on.
And while that could be really great for business (debatable), it will also take a really long time.
The goal of this process is to get your freelance artist career started and humming along quickly so you don’t burn out and give up.
But building a simple portfolio doesn’t mean it has to be weak. Even with just one or two total pages on your portfolio site, you can still create a client-converting portfolio that will grow your business reliably.
With that in mind, here are a few tips I have for building your first portfolio:
Make in Online-Only at First
While your art may be more impressive in person, word can spread faster online which means focusing on your online portfolio first offers some definite advantages.
You can use a service like Wix or Squarespace to quickly and easily set up a nice looking portfolio to get yourself started.
Keep it 1-2 Pages
It can be tempting to create a whole list of pages you want to include in your portfolio:
about me
contact
work
my story
my philosophy
and on and on.
But don’t. In the beginning, keep it simple and reduce your pages to one (or maybe two) that focus entirely on capturing new clients (more on that next).
Focus on Client Conversions
Instead of focusing on how pretty your portfolio looks, make sure you concentrate on whether or not this portfolio will convert site visitors to paying clients.
Avoid any weird dead ends (like light boxes or empty pages) or off-ramps (like social media buttons or blog links) that take visitors away from your primary goal: getting them as a client.
4. Create, Create, Create
Remember I said you had two jobs as a freelance artist? To build your business yes (we’ve been doing mostly that so far) and to make art.
Now comes the time where you make art…a lot.
Start working on projects for the clients you’ve booked and the pro bono opportunities you secured in step 2. These pieces will eventually fill up the portfolio you built in step 3.
Most importantly, the work you do for clients now will lead to future work and word-of-mouth referrals from current freelance clients.
Many new freelance artists are tempted to start with this step: make, make, make. And while you should, of course, have some background in art to know it’s what you want to do for the long-term, far too many would-be freelance artists never actually get their creative business off the ground because they spend all their time on job 1 (making art), and no time on job 2 (building their business).
For this reason, I left “make lots of art” all the way until step 4 when you have the basic foundation of a freelance art business laid and you’re ready to move forward.
5. Deliver a Highly Satisfying Experience
As you continue to balance both jobs of being a freelance artist, you should focus on both sides of your work:
Making perfect art vs. satisfying a client perfectly.
There are dozens of arguments we could get into when it comes to balancing your art with your business.
For example, some artists consider it “selling out” to adjust your creative work based on client feedback. And while that may be fine and good for a well-known fine artist who has paid their dues, it’s a different story if you’re just getting started as a freelance artist.
In the early days of your freelance art business, you’ll want to focus on client satisfaction—sometimes even at the expense of your own artistic taste.
Why?
Because satisfied clients are the bedrock of a solid freelance art business. Satisfied clients refer you to other clients, which ultimately saves you from having to do endless outreach just to find more work.
Constraint Breeds Creativity
If you’re concerned about letting a client have too much say in your artistic process, think of it this way:
Part of the creative challenge of being an artist is to work within the confines of the work itself. For painters, they’re limited to their canvas of choice. For photographers, they’re limited to their surroundings. And for freelance artists, you must work and create within the confines of the client’s creative brief or guidelines.
The more you focus on client satisfaction, the faster your business will grow. And the faster it grows, the more flexibility you’ll ultimately have.
A young freelance artist with no work can’t assert their artistic liberty on a client nearly as easily as a seasoned, high-demand artist who’s booked out for months.
This leads me to my next piece of advice…
6. Don’t Get Too Selective Early On
If you’ve done much research about getting your first art clients, you’ve probably heard more seasoned artists tell you to “raise your rates” or “charge what you’re worth.”
This advice can be harmful.
Why? Because it leads freelancers to get too picky too early.
In the early days of your freelance art career, the key is to get as much business in the door as possible.
While it may be tempting to chase prestige and huge paychecks as a young artist, history tells us that those things are earned over time—not handed out early on as a reward for simply showing up.
Instead of being overly selective about the types of clients and projects you’ll work on, try to take on as many projects as you possibly can. This singular action will help you accomplish a few critical things:
You’ll Learn What You Like (and Dislike)
By taking on a wide variety of projects and clients, you’ll learn what you like and dislike so, later in your career, you can get more picky.
You’ll Build Up a Nice Foundation
If you take on a high number of (maybe) lower paying projects in the early days of your freelance artist career, you’ll be able to build up a nice foundation of both money and experience.
Set aside some of your money so you can, ultimately, begin to be more selective about projects, turning down clients that don’t match your mission.
And set aside your very best pieces into your portfolio in order to land more of the kinds of clients you want.
After you’ve built up a nice foundation of revenue and client projects, you should begin to be more selective about what kinds of clients you’re attracting. Eventually, if done correctly, this is how highly paid freelancers end up raking in big clients.
7. Find Another Round of Clients (and Keep Them!)
You might think I’m sounding like a broken record here: find clients, then find clients, then find clients.
But the truth of the matter is, if you don’t want to end up becoming subject to the feast-famine cycle that eats up so many freelance artists, you have to focus on consistently getting clients in the door.
Here are a few things you might consider doing to continually attract new freelance clients:
Set up alerts on freelance job sites to notify you when new freelance art jobs become available.
Partner with an agency, offering to take on any run-off work for them or their clients.
Nurture and grow your professional network both online (like on Linkedin) and off (like with local meetups).
You’ll quickly find that part of the secret to staying booked out with clients far into the future takes two key things:
A constant flow of new interested clients
A way to convert them to monthly recurring clients (instead of one-off jobs)
For a more in-depth look at how to accomplish both of these objectives, I suggest you read this list of suggestions from 20 pro freelancers who have figured it out.
8. Diversify Your Income Streams
Once you’re humming along as a freelance artist with a steady stream of clients and revenue, you may want to consider diversifying your income streams.
Relying solely on client revenue has its advantages and disadvantages—its biggest down-side perhaps being that it’s all “active” revenue, meaning you only get paid when you’re actively working.
On the flip side, many artists are finding way to generate additional more passive income with their art.
Here are just a few examples to get your mind going:
Turn your best art into merchandise you can then list for sale with tools like Printful or Merch by Amazon.
Use your talent to create digital bundles or other assets you can sell on marketplaces like CreativeMarket.
Use a platform like Udemy or Skillshare to teach courses to other artists who want to learn how to create the kind of art you do.
By diversifying, you’re adding stability and longevity to your business. You’re also giving yourself some wiggle room so you don’t become trapped by creating “just another job” for yourself as a freelance artist.
If you don’t rely 100% on client work, you’re free to take more time off, plan for the future, and get more picky about the clients you do take on.
It’s a major win.
9. Master the Skills it Takes to Run a Business
Just like it has taken you years (and will take you decades more) to refine your skill as an artist, becoming a good entrepreneur or freelancer takes time, hard work, and dedication.
You wouldn’t expect someone to pick up a paintbrush today and immediately paint a masterpiece.
Neither should you expect yourself to become a freelance artist and suddenly run your business perfectly.
It will take time.
In order to do it right, you’ll want to focus on the right skills—the talents needed to excel at business. For that, you can take business courses on Udemy or find a business coach that can help you through the process.
Just like becoming a talented artist, the key is consistency. Stick with it and don’t give up.
Freelance Artists, You’ve Got This!
I’d like to end by telling you what I tell my elementary school art students when I volunteer twice a week:
The world needs your art.
I’m personally saddened by how many people grow up loving art and then ultimately give it up because it’s “not a viable career option.”
Imagine our world without art, without creativity. It wouldn’t be a place I would personally want to live.
Becoming a freelance artist is an incredibly viable and popular way to both put your art out into the world and make a good living. Using the steps I’ve outlined above (and studying other resources), I hope being a freelance artist is a path you’ll consider—and even thrive on.
Good luck. You’ve got this!
The award-winning Side Hustle Show is a Top 10 Entrepreneurship podcast with over 1,100 5-star ratings!
Like That? There’s More!
Join the 100,000 Who Get My Best Stuff via Email
I’ll also send you my free guide: The 5 Fastest Ways to Make More Money.NameEmail Address
I’m a Hustler!
About the Author
Nick Loper is a side hustle expert who loves helping people earn more money and start businesses they care about. He hosts the award-winning Side Hustle Show, where he’s interviewed over 500 successful entrepreneurs, and is the bestselling author of Buy Buttons, The Side Hustle, and $1,000 100 Ways.
His work has been featured in The New York Times, Entrepreneur, Forbes, TIME, Newsweek, Business Insider, MSN, Yahoo Finance, The Los Angeles Times, The San Francisco Chronicle, Hubspot, Ahrefs, Shopify, Investopedia, VICE, Vox, Mashable, ChooseFI, The Penny Hoarder, GoBankingRates, and more.
LAST UPDATED JUNE 25, 2021
7 thoughts on “9 Steps to Become a Freelance Artist (and Crush It) in 2022”
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Comenzamos por aprender todo sobre los espacios de trabajo con acuarelas. Es importante tener todas sus herramientas disponibles para trabajar. Discutiremos los muchos aspectos de los pinceles, desde cómo manejar físicamente un pincel, hasta cómo diluir adecuadamente las pinturas.
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Y finalmente, una vez que tengamos una base sólida de conocimientos, aprenderemos sobre los tres métodos de aplicación diferentes: aplicación de acuarela controlada, semicontrolada y no controlada.
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A quién está dirigido
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“El mueble” también tendrá funciones el 18, 23, 24 y 25 de septiembre.
(Debajo de la foto, más información)
Sinopsis de “El mueble”
Una pareja instalada en la rutina decide ir a la tienda Ikea un sábado por la tarde a comprar una estantería. Tati es una mujer organizada y segura; Carlos es un hombre desorganizado e inseguro. Tati quiere ir a la mueblería El Dorado y comprarse un mueble “mueble”. Carlos prefiere una estantería barata en Ikea. Al final, se hace siempre lo que él quiere, aunque ella siempre tenga la razón. Tati cede, compran en Ikea, y el montaje se convierte en un infierno, de desencuentros, desavenencias y reproches. En definitiva, que hay cosas que hay que decirlas, pero también cosas que hay que callarlas. Con cada tornillo, taquito y bisagra saltan por los aires las quejas ocultas y las reclamaciones evidentes. Y es que, cuando un mueble entra por la puerta, el amor sale por la ventana.
