Piet Mondrian

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Piet Mondrian

Piet Mondrian fue un pintor y teórico del arte neerlandés, considerado uno de los artistas más destacados del siglo XX. Es conocido por ser uno de los pioneros del arte abstracto del siglo XX, ya que cambió su dirección artística desde la pintura figurativa hacia un estilo cada vez más abstracto, hasta llegar a un punto en el que su vocabulario artístico se redujo a elementos geométricos simples.

Mondrian nació en Amersfoort, Países Bajos, en 1872. Estudió pintura en la Academia de Bellas Artes de Ámsterdam de 1892 a 1897. A principios de 1900, fue influenciado por el trabajo de los impresionistas y postimpresionistas, lo que se reflejó en un estilo más expresivo en sus pinturas.

En 1911, Mondrian se trasladó a París, donde estuvo expuesto a los últimos desarrollos en el arte moderno, incluyendo el cubismo y el fauvismo. Estos movimientos impactaron profundamente en su obra, y comenzó a experimentar con formas más abstractas.

En 1917, Mondrian cofundó el movimiento De Stijl, dedicado a crear un nuevo arte abstracto que expresara la armonía subyacente del universo. Mondrian fue un contribuyente significativo al movimiento De Stijl y desarrolló un nuevo estilo de pintura que llamó Neoplasticismo.

El Neoplasticismo se caracteriza por formas geométricas simples (como cuadrados y rectángulos), colores primarios (rojo, amarillo y azul), y blanco y negro. Mondrian creía que estos elementos podían utilizarse para crear un arte puro y armonioso que expresara la naturaleza esencial de la realidad.

Mondrian continuó desarrollando su estilo neoplástico hasta su muerte en 1944. Su obra ha influido profundamente en el arte moderno y sigue siendo admirada por artistas y amantes del arte en todo el mundo.

¿Por qué es famoso Piet Mondrian? Piet Mondrian es famoso por ser uno de los cofundadores del movimiento De Stijl, que rechazó la realidad percibida visualmente como tema y restringió la forma a los elementos más básicos. Su fama también se debe a su papel pionero en el desarrollo del arte abstracto, caracterizado por el uso de líneas rectas, formas geométricas y colores primarios. Su arte buscaba transmitir ideales espirituales y armónicos a través de la simplicidad, y su obra influyente ha dejado una huella duradera en los campos del arte abstracto, el diseño y la arquitectura, inspirando a artistas y creadores de todo el mundo hasta el día de hoy.

¿Fue Piet Mondrian integrante de los artistas de la la Bauhaus?
No, Piet Mondrian no fue parte ni un miembro activo de la Bauhaus. Aunque Mondrian fue un influyente artista abstracto conocido por su trabajo en el movimiento De Stijl, que compartía algunas similitudes en términos de enfoque en la abstracción geométrica con la Bauhaus, no estuvo directamente asociado con la escuela de la Bauhaus en Alemania.
La Bauhaus era una escuela de arte, diseño y arquitectura fundada por Walter Gropius en 1919 en Weimar, Alemania. Aunque atrajo a varios artistas y diseñadores prominentes de la época, como Wassily Kandinsky y Paul Klee, Piet Mondrian no fue uno de ellos. Mondrian desarrolló su trabajo principalmente effn los Países Bajos y estuvo más vinculado al movimiento De Stijl, que también promovía el uso de la abstracción y la simplificación en el arte, pero tenía sus propias características distintivas. Ambos movimientos influyeron en el desarrollo de la modernidad en el arte y el diseño, pero eran entidades separadas.

Fecha de nacimiento: Piet Mondrian nació el 7 de marzo de 1872 en Amersfoort, Países Bajos.

Primeros años: Mondrian estudió arte en Ámsterdam y comenzó su carrera artística como pintor de paisajes y naturalezas muertas en un estilo realista.

Mudanza a París: En 1911, se trasladó a París, donde entró en contacto con movimientos artísticos vanguardistas, como el cubismo y el futurismo. Esta experiencia en París tuvo un impacto significativo en su estilo artístico y su desarrollo hacia la abstracción.

Movimiento De Stijl: En los años 1910, Mondrian se unió al movimiento artístico De Stijl, que abogaba por la abstracción geométrica y la simplificación en el arte. Fue uno de los principales exponentes de este movimiento.

Estilo neoplástico: Mondrian es conocido por su estilo neoplástico, caracterizado por el uso de líneas rectas, formas geométricas y colores primarios (rojo, amarillo y azul) junto con blanco y negro. Creía que esta simplificación y armonía en el arte podían expresar una espiritualidad universal.

Carrera internacional: A lo largo de su carrera, Mondrian vivió en varias ciudades europeas, incluyendo París y Londres, antes de emigrar a Nueva York en 1940, escapando de la Segunda Guerra Mundial. En Nueva York, continuó desarrollando su estilo y produciendo obras importantes.

Fallecimiento: Piet Mondrian murió el 1 de febrero de 1944 en Nueva York.

La obra de Piet Mondrian ha tenido un impacto duradero en el arte abstracto y la arquitectura moderna, y su estilo distintivo sigue siendo reconocible y admirado en todo el mundo.

Piet Mondrian influyó en varios artistas latinoamericanos, especialmente a través de su estilo abstracto y geométrico. Aquí hay algunos artistas de América Latina que fueron influenciados por Mondrian:

Estos son solo algunos ejemplos de artistas latinoamericanos que fueron influenciados por Piet Mondrian y su enfoque en la abstracción geométrica. Su legado en el arte moderno tuvo un alcance global y dejó huella en diversas regiones del mundo.

• Gego (Gertrud Goldschmidt) (Venezuela): Gego fue una artista venezolana conocida por su trabajo escultórico y sus obras tridimensionales. Su uso de líneas y estructuras geométricas en sus esculturas tiene paralelismos con la influencia de Mondrian en el arte abstracto.
• Joaquín Torres-García (Uruguay): Torres-García fue uno de los artistas latinoamericanos más influyentes en el desarrollo del arte abstracto y geométrico. Estudió en Europa, donde entró en contacto con las corrientes artísticas vanguardistas, incluyendo el trabajo de Mondrian. Al regresar a Uruguay, fundó el movimiento Constructivismo y promovió el uso de la geometría y la abstracción en el arte.
• Lygia Clark (Brasil): Clark fue una influyente artista brasileña asociada con el movimiento neoconcreto. Su obra se caracteriza por su enfoque en las formas geométricas y la interacción del espectador con la obra de arte, influenciado en parte por las ideas de Mondrian sobre la relación entre el arte y la espiritualidad.
• Carmelo Arden Quin (Uruguay): Arden Quin fue otro artista uruguayo que estuvo influenciado por las ideas del Constructivismo europeo y Mondrian. Fundó el movimiento artístico Madí, que se basaba en la geometría y la abstracción.
• Wifredo Lam: El artista cubano Wifredo Lam fue uno de los primeros artistas latinoamericanos en adoptar el estilo de Mondrian. Su obra, que combina elementos del arte africano con el neoplasticismo, se caracteriza por sus formas geométricas simples y sus colores intensos.
• Felipe Ehrenberg: El artista mexicano Felipe Ehrenberg fue un gran admirador de Mondrian. Su obra, que combina el arte conceptual con la abstracción, se inspira en el uso de las líneas rectas y los colores primarios de Mondrian.
• Joaquín Torres-García: El artista uruguayo Joaquín Torres-García fue otro artista que adoptó el estilo de Mondrian. Su obra, que combina el arte abstracto con elementos del arte primitivo, se caracteriza por su uso de los colores primarios y las formas geométricas simples.
• Adolfo Schlosser: El artista argentino Adolfo Schlosser fue un pionero del arte abstracto en América Latina. Su obra, que se caracteriza por su uso de las líneas rectas y los colores primarios, se inspiró en el arte de Mondrian.
• Frida Kahlo: La obra de Kahlo, con sus colores vivos y sus composiciones abstractas, está claramente influenciada por el arte de Mondrian. En particular, se puede ver la influencia de Mondrian en pinturas como “La columna rota” (1944) y “Las dos Fridas” (1939).

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Bauhaus

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13 maestros de la bauhaus que inventaron la vida moderna

Fundada por Walter Gropius, de su cuerpo docente formaron parte desde Paul Klee y Vasili Kandinski, a Josef Albers, Marcel Breuer o Mies van der Rohe.

JAIME MARTÍNEZ SENA

Imagina por un momento que Steve Jobs hubiera fundado una escuela. Imagina también que en esa misma escuela todos los maestros fueran Steve Jobs, y que en un gracioso ejercicio de metamorfosis, la mayor parte de sus alumnos acabasen convertidos en él. Pues solo así podrías aproximarte —muy ligeramente— a todo cuanto fue y supuso la existencia de la Bauhaus. La escuela que asentaría las bases del estilo internacional y del diseño moderno, destinada a crear —como reza su propio manifiesto fundacional— “un nuevo gremio de artesanos sin las pretensiones clasistas que querían erigir una arrogante barrera entre artistas y artesanos”. Fundada por el arquitecto Walter Gropius, recordamos a 10 de sus maestros y a los 3 directores de esta institución, que en tan solo 14 años lograría revolucionar el campo del diseño y crear una de las colonias de artistas más importantes e influyentes del siglo XX.

Walter Gropius.

“Aun me acuerdo de cuando salí de la primera guerra mundial, y hubo un momento que nunca olvidaré, en el que de repente entendí que tenía que participar en algo totalmente nuevo que cambiara las condiciones de vida en las que yo había crecido”. De esta manera explicaba el propio Walter Gropius, las pulsiones internas que le empujarían a fundar la Bauhaus en Weimar en 1919 —la escuela se trasladaría a Dessau en 1925 y a Berlín en 1932—. Verdadera alma máter de la institución, fundador y su primer Director, él sería el responsable de seleccionar a la práctica totalidad de los maestros que contribuirían a hacer de la escuela esa cuna del estilo internacional y del diseño moderno.

Lyonel Feininger.

Nacido y criado en la Ciudad de Nueva York, Feininger tuvo el honor de ser el primero de todos los maestros designados por Gropius. Autor de la Catedral en madera que aparece junto al manifiesto fundacional de la escuela, en la Bauhaus ocuparía la posición de maestro de formas de su taller de impresión desde 1919 hasta 1925. Sería por tanto uno de los maestros que más años quedaría ligado a la escuela, en la que permaneció hasta 1932 y donde estudiarían sus dos hijos Andreas y Theodore Lux Feininger. Artista reconocido y vinculado al grupo de expresionistas “Der Blaue Reiter”, abandonaría Alemania después de que su trabajo pictórico —también era compositor—fuera considerado “Degenerado” por las autoridades Nazis. Hoy sus obras forman parte de colecciones tan importantes como las del Museo Metropolitano de Arte de Nueva York, el Museo Whitney o del Museo Nacional Thyssen-Bornemisza de Madrid.

Johannes Itten.

A pesar de que solamente estuvo vinculado a la escuela 4 años (de 1919 a 1923), Johannes Itten fue una de las figuras que más contribuyeron a convertir la Bauhaus en la primera escuela de diseño industrial del mundo. Itten sería precisamente el encargado de idear y desarrollar las bases del revolucionario curso básico de iniciación que debían superar todos los que aspirasen a formarse en la Bauhaus. Conocido como “Vorkurs” y con una duración de 6 meses, en él los alumnos no se dedicaban al dibujo de estatua, a pintar acuarelas o a copiar antiguas obras de arte —prácticas habituales en las escuelas tradicionales—, sino que eran empujados a descubrir y explorar su propia individualidad creativa, aprendiendo innovadoras teorías sobre el color y la forma, experimentando con nuevos materiales y texturas, y analizando a los antiguos maestros, no desde un punto de vista histórico, sino contemporáneo. Se les enseñaba, en definitiva, a desarrollar un pensamiento crítico y a crear en plena libertad sin atender a las restricciones marcadas por épocas pasadas.

Paul Klee.

Permanecería en la Bauhaus desde 1920 a 1931, tiempo durante el que principalmente se encargaría de impartir clases de pintura libre y teoría elemental del diseño; una de las asignaturas que conformaban el curso básico. Apasionado del color y de la pintura, que no dejó de practicar ni durante su etapa como soldado durante la primera guerra mundial, estuvo vinculado al igual que Feininger al grupo de expresionistas “Der Blaue Reiter”. Como maestro, sería uno de los más apreciados y admirados de la escuela, especialmente entre las alumnas del taller textil. Provocando una importante influencia en estudiantes como Gertrude Arndt, Ida Kerkovius, Marianne Brandt o Anni Albers, que llegó a traducir algunas de sus conferencias y a calificarlo como su “dios” y su auténtico maestro.

Vassily Kandinsky.

Considerado el creador del expresionismo abstracto, Kandinsky llegaba a la Bauhaus en 1922 como una de las figuras más relevantes del arte moderno. Convirtiéndose en una de las principales razones por la que muchos jóvenes se decidirían a realizar sus estudios en la escuela. Cofundador junto a Franz Marc de ese grupo de expresionistas “Der Blaue Reiter” al que estaban vinculados Feininger y Paul Klee, en la Bauhaus se encargaría de dirigir el taller de pintura mural e impartir clases de pintura abstracta y dibujo. Llegando a ostentar el puesto de subdirector de la escuela desde 1923 hasta su cierre definitivo en Berlín en 1933.

Oskar Schlemmer.

Bailarín, pintor, escultor, diseñador gráfico y coreógrafo, ningún arte parecía escaparse al talento de Oskar Schlemmer. Que durante sus ocho años en la Bauhaus (de 1921 a 1929) estaría al frente de talleres como el de pintura mural, los de escultura en piedra y madera o, temporalmente, del taller de metal. También impartiría clases de dibujo al natural, y de 1923 a 1929 sería el responsable del importantísimo taller de teatro. El lugar donde precisamente los estudiantes podían experimentar mejor con el verdadero espíritu de la Bauhaus, poniendo en práctica, y de manera simultánea, los principios aprendidos sobre arquitectura, escultura, textiles, formas y combinaciones de color; fabricando desde decorados a máscaras o trajes como los del Ballet Triádico. Una pieza compuesta por él mismo.

László Moholy-Nagy.

La llegada de Moholy-Nagy en 1923 supondría un giro en la doctrina académica de la escuela, que evolucionó desde la visión expresionista dominante de los primeros años, hacia corrientes más constructivistas y racionalistas. Acompañado de su esposa, la fotógrafa y escritora Lucia Moholy, permanecería en la escuela hasta 1928. Tiempo durante el que además de sustituir a Johannes Itten como nuevo Director del curso básico de iniciación, sería maestro de formas del prestigiosos taller de metal. Que se encargó de reorientar hacia la creación de prototipos y a la producción industrial; y donde formaría alumnos tan brillantes como Wilhelm Wagenfeld, Wolfgang Tümpel o Marianne Brandt, que le sustituiría brevemente como Directora del taller.

Josef Albers.

Entró como alumno en 1920 y antes de terminar sus estudios Walter Gropius ya le había ofrecido formar parte del cuerpo docente de la escuela. Convirtiéndose en 1925 en profesor adjunto y codirector del curso básico de iniciación junto a László Moholy-Nagy, y en su único director tras la salida de este en 1928 y hasta el cierra de la Bauhaus en 1933. Albers sería por tanto una de las personas que más años pasaron ligadas a la escuela, a la que estuvo vinculado 13 de los 14 años que permaneció abierta. Impulsor del ideario moderno y de la conexión entre los conceptos de función, materialidad y forma como elementos de diseño, en la Bauhaus conocería y se casaría con la también alumna Anni Albers, con quien formaría una de las parejas de artistas más influyentes de todo el siglo XX.

Gunta Stölzl.

Fue una de las mujeres más importantes de la historia de la Bauhaus, y la única que llegó a dirigir uno de sus talleres de forma prolongada. Al igual que Josef Albers, Gunta Stölzl destacó como una de las alumnas más aventajadas de la escuela antes de pasar a formar parte de su cuerpo docente. Llegó durante aquel primer año de 1919, y con un objetivo claro: “Weimar-sola-autosuficiente. (…) Me propongo hacer lo que quiera”, escribía en su diario con fecha de septiembre de aquel mismo año, destapando el sentimiento compartido que empujaba a la mayoría de las estudiantes a inscribirse en la Bauhaus: ser dueñas de su propio futuro. Durante los años en los que se mantuvo como directora del taller textil (de 1925 a 1931), este evolucionaría incorporando un lenguaje más moderno y nuevas técnicas de producción. “La consigna de esta nueva época fue: ¡modelos para la industria!”, escribía la propia Stölz en 1931.

Marcel Breur.

Estudiante del taller de carpintería —o de mobiliario—, Marcel Breuer pasaría a convertirse, al igual que Josef Albers y Gunta Stölzl, en un maestro más de la Bauhaus ocupando la posición de director de aquel mismo taller en el que se había formado. Un puesto que ocuparía de 1925 a 1928, y desde el que comenzaría a labrar su reconocimiento internacional gracias a diseños como el de la revolucionaria silla B3, o silla Wassily. Una pieza con la que se convertía en el primer diseñador en utilizar acero tubular para el diseño de muebles. Tras dejar la escuela, terminaría emigrando a Inglaterra y finalmente a Estados Unidos. Desde donde participaría junto a Pier Luigi Nervi y Bernard Zehrfuss en el diseño del nuevo edificio de la Unesco de París, o emprendería proyectos como el de la construcción del Museo Whitney de Nueva York.

Hannes Meyer.

Hannes Meyer llegó a la Bauhaus en 1927 para dirigir su recientemente inaugurado programa de arquitectura. Por entonces en Dessau comenzaban a reproducirse las mismas tensiones políticas que habían obligado a trasladar la escuela desde Weimar, y Walter Gropius, en un intento por calmar los ánimos, decidía dimitir y nombrarlo nuevo Director. “No me había contado su fuerte inclinación por tendencias políticas notoriamente izquierdistas”, confesaría años más tarde el propio Gropius. Y es que lejos de apaciguar las aguas, Meyer agudizó la politización de la escuela y de los alumnos, al tiempo que introducía su ideología comunista en el programa académico de la escuela y de los talleres. Frente a un clima tan enrarecido, maestros como Oskar Schlemmer o László Moholy-Nagy se decidieron a abandonar la escuela, y finalmente Meyer era cesado como director en 1930.

Walter Peterhans.

Nombrado por Hans Meyer durante su etapa como Director, Peterhans llegó a la Bauhaus de Dessau en 1929 como responsable del nuevo taller de fotografía. Un curso eminentemente práctico por el que pasarían Irene Blühová, Ellen Auerbach-Rosenberg o la pareja formada por Horacio Coppola y Grete Stern. Tras el cierre de la escuela, impartiría lecciones de fotografía en una academia privada de Berlín y lanzaría diferentes publicaciones hasta que, al igual que la mayor parte de los antiguos maestros de la Bauhaus, terminaba emigrando a Estados Unidos. Allí recalaría en el Instituto Tecnológico de Illinois, en Chicago, donde continuaría impartiendo sus lecciones de fotografía desde 1938 hasta su muerte en 1960.

Ludwig Mies van der Rohe.

Mies van der Rohe se convertía en el tercer y último director de la Bauhaus tras la destitución de Hannes Meyer en 1930. Desde su posición suprimiría la obligatoriedad del curso de iniciación y erradicaría el carácter productivo de los talleres, que perdían peso en beneficio de una enseñanza teórica que comenzaba a ser similar a la de cualquier escuela politécnica. En sus intentos por garantizar la salvación de la escuela, implementaría una política de más arquitectura y mayor despolitización. Unos esfuerzos que no lograrían dar sus frutos. Ya que finalmente el consejo municipal de Dessau decretaba la clausura de la Bauhaus. Mies intentaría nuevamente salvaguardar su legado, transformándola en centro privado y trasladándola a una vieja fábrica abandonada de Berlín, que era asaltada por la Gestapo el 11 de abril de 1933. Se hacia evidente la inviabilidad del proyecto, y tras 14 años, 3 sedes y 3 directores, Mies y el resto del cuerpo docente de la escuela decretaban la disolución de la Bauhaus el 20 de julio de 1933.

Principales exponentes de la Bauhaus

El nombre Bauhaus deriva de la unión de las palabras en alemán Bau, “construcción”, y Haus, “casa”; irónicamente, a pesar de su nombre y del hecho de que su fundador fuera arquitecto, la Bauhaus no tuvo un departamento de arquitectura en los primeros años de su existencia.

Wassily Kandinsky (1866-1944), pintor.
Lyonel Feininger (1871-1956), pintor y fotógrafo de artes.
Paul Klee (1879-1940), pintor.
Walter Gropius (1883-1969), arquitecto.
Lilly Reich (1885-1947), arquitecta y diseñadora de interiores.
Ludwig Mies Van der Rohe (1886-1969), arquitecto.
Lucia Moholy fotógrafa.
Ludwig Hilberseimer (1885-1967), arquitecto y urbanista.
Gertrud Arndt diseñadora y fotógrafa.
Lothar Schreyer (1886-1966), escritor, dramaturgo y pintor.
Anni Albers artista textil.
Josef Albers (1888-1976), pintor y docente de arte.
Alma Buscher diseñadora.
Johannes Itten (1888-1967), pintor y profesor de arte.
Marianne Brandt escultora.
Oskar Schlemmer (1888-1943), pintor.
Lilly Reich diseñadora.
Otti Berger artista texil.
Gerhard Marcks (1889-1940), pintor y escultor.
Hannes Meyer (1889-1954), arquitecto.
Lis Beyer-Volger artista textil.
Marianne Brandt (1893-1983), diseñadora en metal.
Joost Schmidt (1893-1948), tipógrafo y escultor.
Ellen Auerbach fotógrafa.
Lászlo Moholy-Nagy (1895-1946), diseñador visual.
Georg Muche (1895-1987), pintor y grafista.
Hilde Hubbuch fotógrafa.
Gunta Stölzl (1897-1983), tejedora.
Walter Peterhans (1897-1960), fotógrafo.
Elisabeth Kadow artista textil.
Annelise Kretschmer fotógrafa.
Hinnerk Scheper (1897-1957), colorista, pintor y conservador de monumentos.
Alfred Arndt (1898-1976), arquitecto.
Dörte Helm (1898-1941), pintora y diseñadora gráfica.
Anni Albers (1899-1994), diseñadora textil y grabadora.
Arieh Sharon (1900-1984), arquitecto.
Herbert Bayer (1900-1985), diseñador gráfico y pintor.
Marcel Breuer (1902-1981), arquitecto y diseñador
Lotte Beese, (1903-1988), arquitecta y urbanista
Xanti Schawinsky (1904-1979), Pintor, dibujante, diseñador y fotógrafo.
Grete Stern (1904-1999), diseñadora y fotógrafa.
Horacio Cóppola (1906-2012), fotógrafo.

Source: https://es.wikipedia.org/wiki/Escuela_de_la_Bauhaus#Nombre

¿Quién es el padre de la Bauhaus?

Aunque parece que la paternidad fue colectiva, cada vez hay más acuerdo en que el tutor fue Walter Gropius (1883-1969).

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“FOLDS” exposición de Sandra Szkolnik

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“FOLDS” exposición de Sandra Szkolnik en los espacios de IMAGO

La exposición titulada “FOLDS”, de la artista Sandra Szkolnik, será inaugurada el 9 de septiembre de 2023 a las 6:00 p.m., en los nuevos espacios expositivos del Centro Cultural IMAGO, en la ciudad de South Miami, bajo la curaduría de la investigadora de arte y curadora venezolana Katherine Chacón.

La muestra “es el resultado de la metódica y constante indagación que Sandra Szkolnik (Lima, Perú, 1968) viene llevando a cabo, desde hace más de cuatro años, en torno a las posibilidades expresivas de las líneas y volúmenes generados por pliegues rectos”, según afirma Katherine Chacón en el texto que acompaña la exposición.

De acuerdo a la curadora, “Tempranamente, Szkolnik fue inspirada por el origami, pero sus intereses no estuvieron dirigidos a la construcción de figuras —como en la tradicional técnica japonesa— sino al comportamiento de los módulos regulares que, progresivamente, crean los dobleces. Dentro de este aparentemente simple —pero ciertamente infinito— foco de exploración, la artista trazó las rutas de lo que serían las formulaciones plásticas de su práctica creativa. En esta, ha sido fundamental la investigación sobre los materiales. Los módulos triangulares, base de su lenguaje, requerían adquirir no sólo consistencia física sino expresar adecuadamente el estudiado cromatismo de la artista. Además, la flexibilidad del doblez debía hacerse manifiesta”.

“Szkolnik incorpora, asimismo, un juego háptico entre las posibilidades reales y sugeridas de intervención del espectador. Si bien sus primeras piezas fueron realizadas para que este las dispusiera ‘a su gusto’ y usando imanes sobre una superficie plana —dispositivo que se mantiene aún en su producción de pequeño formato—, la artista ha regulado esta intervención en su obra posterior, al establecer tensiones entre la invitación que generan las formas plegadas a ser manipuladas y las posibilidades reales de manipulación (…) Szkolnik actualiza en su obra un profundo interés por construir una gramática del espacio, en la que lo volumétrico y lo plano, lo visible y lo invisible, lo expandido y lo plegado, lo que se multiplica y lo que se divide, conformarían los signos a ser descifrados”, explica Katherine Chacón.

Sandra Szkolnik nació en Lima, Perú, en 1968. Estudió diseño gráfico en el Instituto Toulouse Lautrec de su ciudad natal (1986-1989), y Computer Applications/Aplicaciones informáticas, en Massachusetts College of Arts (Boston, MA, 1991-1992). Vivió en Venezuela durante 10 años, donde estableció importantes vínculos. Actualmente reside y trabaja en Miami. Su obra ha sido exhibida en diversas exposiciones colectivas, en Perú y en Estados Unidos.

La exposición “FOLDS”, de Sandra Szkolnik, permanecerá expuesta al público hasta enero de 2024 en los espacios del Centro Cultural IMAGO, ubicado en 4028 SW 57th Ave, Miami, FL 33155.

IMAGO es producto de la mente creativa de un grupo de personas apasionadas y de su necesidad de combinar en una sola idea su pasión por la educación, el arte, la música y la literatura.

Es un espacio de encuentro para disfrutar y aprender en familia, para despertar y estimular la creatividad de todos.

IMAGO es un espacio universal y flexible en el que la creatividad, las letras, la música y los movimientos son utilizados como forma de expresión por niños y adultos.

IMAGO es magia, diversidad, alegría, amor, diversión, tolerancia, respeto, pasión.

IMAGO es la casa de todos.

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Kube Minimal Earring Collection

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Kube Minimal Earring Collection

The Timeless Allure of Minimalist Earrings

In a world where trends come and go, the beauty of minimalist earrings remains timeless and captivating. With their understated elegance and refined charm, minimalist earrings have carved a special place in the realm of fashion. These unassuming pieces manage to make a statement without the need for extravagant designs or elaborate embellishments. This article delves into the allure of minimalist earrings, exploring their history, versatility, and enduring appeal.

The History of Minimalism in Earrings
The concept of minimalism in fashion emerged as a reaction against excess and opulence. Minimalist earrings, characterized by clean lines, geometric shapes, and simple materials, started gaining popularity in the mid-20th century. Influential figures like Audrey Hepburn and Coco Chanel embraced this style, demonstrating that elegance could be achieved through subtlety.

Versatility Meets Simplicity
One of the most compelling aspects of minimalist earrings is their versatility. These pieces effortlessly transition from day to night, complementing a wide range of outfits and occasions. A delicate pair of stud earrings can add a touch of sophistication to a casual ensemble, while a subtle hoop can accentuate the elegance of a formal gown. The simplicity of these earrings allows them to seamlessly integrate with various styles, making them a staple in any jewelry collection.

Materials and Design
Minimalist earrings celebrate the beauty of essential materials. From gleaming sterling silver and lustrous gold to the warmth of rose gold and the organic appeal of wood, the choice of material often takes center stage in these designs. The focus on quality materials highlights the craftsmanship and attention to detail, elevating even the simplest of designs.

Geometric shapes, such as circles, triangles, and squares, dominate minimalist earring designs. These shapes possess an innate elegance and convey a sense of balance and harmony. The absence of excessive ornamentation directs attention to the fundamental form of the earrings, allowing wearers to appreciate the beauty in simplicity.

Embracing Individuality
Minimalist earrings offer a canvas for personal expression. Wearers can mix and match different earring styles to create unique combinations that resonate with their individuality. Layering delicate studs, cuffs, and hoops allows for creative self-expression while maintaining an air of sophistication.

A Sustainable Choice
In an era when sustainability is a growing concern, minimalist earrings align with the values of conscious consumers. The focus on enduring design and quality materials ensures that these earrings stand the test of time, reducing the need for frequent replacements. This commitment to sustainability echoes the minimalist philosophy of “less is more.”

Minimalist earrings have transcended fleeting trends to become a symbol of timeless elegance and refined taste. Their journey from the mid-20th century to the modern age showcases their enduring allure. With their versatility, simple yet thoughtful designs, and sustainable essence, minimalist earrings continue to capture the hearts of those who appreciate the beauty in understated elegance. In a world of constant change, these earrings remain a steadfast reminder that sometimes, less truly is more.

Jewelry designers known for creating minimalist earrings:

Jennie Kwon: Jennie Kwon is a Los Angeles-based jewelry designer known for her delicate and minimalist designs. Her earrings often feature clean lines, geometric shapes, and subtle accents like diamonds or pearls.

Mizuki Goltz: Mizuki Goltz is a Japanese-born jewelry designer based in New York. Her designs often blend modern simplicity with an organic touch, incorporating pearls and precious metals into minimalist earring designs.

Sophie Buhai: Sophie Buhai is a contemporary jewelry designer recognized for her sculptural and minimalist pieces. Her earrings often feature bold shapes and high-quality materials, creating elegant yet statement-making designs.

Melissa Joy Manning: Melissa Joy Manning is known for her eco-friendly and sustainable jewelry designs. Her minimalist earrings showcase the beauty of raw and natural materials while maintaining a refined aesthetic.

Maria Black: Danish jewelry designer Maria Black is known for her sleek and minimalist designs with a touch of edge. Her earrings often feature geometric shapes and cleverly incorporated negative space.

Celine Daoust: Celine Daoust is a Belgian jewelry designer whose creations often exude a sense of mysticism and understated luxury. Her minimalist earrings often incorporate precious gemstones and a sense of delicate craftsmanship.

Mejuri: While not an individual artist, Mejuri is a brand that focuses on creating everyday luxury jewelry, including minimalist earrings. They collaborate with various designers to produce sleek and contemporary pieces.

Catbird: Catbird is a jewelry brand that offers a range of minimalist earrings designed for everyday wear. Their designs often emphasize simplicity and versatility.

Anita Ko: Anita Ko is known for her fine jewelry creations, including minimalist earrings that often feature diamonds and precious metals in clean and elegant designs.

Wwake: Wwake, founded by Wing Yau, is known for its innovative and minimalist designs that often play with negative space and unexpected arrangements of gemstones.

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Theosophy and Art

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The Theosophy, spiritual and philosophical movement and Art

Embracing Elegance: Theosophy, a spiritual and philosophical movement founded in the late 19th century by Helena Blavatsky, Henry Steel Olcott, and others, had a notable influence on modern art. The movement’s emphasis on spirituality, mysticism, and the exploration of deeper truths resonated with many artists of the time, leading to the incorporation of Theosophical concepts and themes into their works. Here’s how Theosophy influenced modern art:

Spiritual Exploration and Symbolism: Theosophy encouraged individuals to seek a deeper understanding of spiritual realities beyond the surface of everyday life. This emphasis on inner exploration and symbolism found its way into the art world. Artists began to use symbols, allegorical imagery, and metaphysical themes in their works to convey profound spiritual concepts and the interconnectedness of all things. Theosophical concepts inspired artists to explore abstraction as a means of representing spiritual realms beyond the physical. The abstract art movement, characterized by non-representational forms and an emphasis on emotion and spirituality, was influenced by Theosophical notions of unseen realities and inner experiences.

Synthesis of Religions and Cultures: Theosophy advocated for the idea that all religions and wisdom traditions shared a common spiritual essence. This concept inspired artists to explore and incorporate diverse cultural and religious motifs into their art. The result was a fusion of Eastern and Western spiritual symbols, creating a unique visual language that transcended traditional boundaries. Theosophy’s embrace of Eastern and Western spiritual traditions as interconnected sources of wisdom resonated with artists seeking to break free from traditional boundaries. This led to the incorporation of Eastern philosophies, symbols, and motifs into Western art, fostering a cross-cultural exchange of ideas.

Abstract and Symbolist Art: Theosophy’s emphasis on the unseen and the mystical resonated with artists exploring abstraction and symbolism. Abstract art, which aimed to convey emotions and spiritual insights through non-representational forms, found common ground with Theosophical ideas. Symbolist artists, too, sought to convey spiritual and philosophical concepts through evocative and often enigmatic imagery.

Wassily Kandinsky and Abstract Expressionism: The Russian painter Wassily Kandinsky is one of the most notable artists influenced by Theosophy. His belief in the spiritual power of art led him to create abstract works that aimed to evoke a higher state of consciousness. Kandinsky’s ideas and artistic approach laid the foundation for the Abstract Expressionist movement, which also explored the relationship between spirituality and art. The Russian painter Wassily Kandinsky was deeply influenced by Theosophy. His belief that art could communicate spiritual truths led him to create abstract works that aimed to evoke emotional and spiritual responses. Kandinsky’s approach laid the groundwork for abstract expressionism, which often conveyed deep inner experiences through non-representational forms.

Symbolism and Allegory: Theosophy encouraged artists to use symbols and allegorical imagery to convey profound spiritual ideas that transcended the material world. Artists began to incorporate esoteric symbols and hidden meanings into their work, inviting viewers to contemplate deeper truths and engage in a form of visual meditation.

Mysticism and Theosophical Imagery: Artists began incorporating mystical and esoteric imagery into their works. Theosophical concepts of astral planes, higher realms, and spiritual evolution inspired a sense of mystery and otherworldliness in their art. This imagery often aimed to convey the idea that there is more to reality than what meets the eye. Theosophy’s focus on mysticism and direct spiritual experience resonated with artists seeking to delve into the mysteries of existence. This led to the creation of artworks that aimed to capture the mystical and transcendent aspects of reality, often using rich and symbolic imagery.

Exploration of Inner Realities: Theosophy encouraged individuals to look beyond the material world and explore their inner selves. This introspective aspect of Theosophy influenced artists to create works that depicted inner psychological and spiritual states, reflecting the inner journey of the soul.

Inner Journeys and Self-Discovery: Theosophical teachings encouraged individuals to explore their inner selves and embark on a journey of self-discovery. Artists translated these ideas into visual narratives that depicted inner struggles, personal transformations, and the quest for enlightenment.

Alternative Perspectives on Reality: Theosophy challenged conventional perceptions of reality, suggesting that there were unseen dimensions beyond the material world. This idea encouraged artists to experiment with new visual languages that went beyond traditional representation, fostering innovation and creativity.

The Influence of Theosophical Writings: Helena Blavatsky’s writings, including “The Secret Doctrine” and “The Voice of the Silence,” had a direct impact on artists seeking spiritual inspiration. These texts presented complex cosmologies, spiritual hierarchies, and theories of evolution that artists incorporated into their visual narratives.

Spiritual Evolution and Cosmic Hierarchies: Theosophy’s theories of spiritual evolution and cosmic hierarchies found their way into art, inspiring depictions of divine beings, stages of spiritual growth, and the interconnectedness of all life. Artists sought to capture the grandeur and complexity of these metaphysical concepts.

Theosophy’s emphasis on spirituality, symbolism, and the exploration of inner realms profoundly influenced modern art. Artists found in Theosophical concepts a source of inspiration that allowed them to transcend the confines of the visible world and create works that tapped into deeper spiritual truths. This influence can be seen in the symbolism, abstraction, and spiritual themes that characterize much of modern art from the late 19th to the early 20th centuries.

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The Power of Open Calls for Artists

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The Power of Open Calls for Artists

In the dynamic and ever-evolving world of art, the concept of the “open call” has emerged as a transformative force that bridges the gap between artists and opportunities, encouraging a diverse array of talents to shine on a global stage. An open call for artists is more than just an invitation; it’s a mechanism that empowers both emerging and established creators to showcase their work, fostering an environment of collaboration, exploration, and innovation. This article delves into the significance of open calls for artists, highlighting how they enrich the artistic landscape and why they deserve a spotlight of their own.

A Gateway to Opportunity

An open call for artists is akin to a door flung wide open, beckoning all creative minds to step forward. It signifies an inclusive space where artists of all backgrounds, styles, and mediums can present their works to a wider audience, regardless of their level of fame or recognition. Such calls transcend geographical boundaries, embracing artists from every corner of the world and allowing them to be part of a global conversation.

Nurturing Emerging Talent

For budding artists, open calls represent a golden opportunity to gain exposure and validation. These calls often offer platforms where their works can be showcased in galleries, exhibitions, and digital spaces, thereby enabling them to receive feedback and critique from a diverse spectrum of viewers, mentors, and peers. This exposure is vital for nurturing artistic growth, as it encourages the development of skills and perspectives that might otherwise remain untapped.

Fueling Artistic Diversity

Diversity is the heartbeat of creativity, and open calls celebrate this by welcoming artists from varied walks of life. Whether it’s a call focused on a specific theme, technique, or social issue, these initiatives encourage artists to interpret concepts through their unique lenses. The result? A tapestry of artistic expression that challenges norms, questions conventions, and invites dialogue on an array of subjects.

Fostering Collaboration and Innovation

The collaborative spirit of open calls is a powerful catalyst for innovation. Often, these calls bring together artists from different disciplines, encouraging them to collaborate and create interdisciplinary artworks that push the boundaries of traditional artistic practices. This cross-pollination of ideas sparks innovation, leading to the birth of entirely new art forms and concepts that might otherwise remain undiscovered.

Empowering Artistic Entrepreneurship

Open calls not only ignite the creative spark but also ignite the entrepreneurial spirit within artists. When artists engage with open calls, they’re exposed to the business side of the art world—how to present their work professionally, adhere to deadlines, and manage the logistics of showcasing their art. This experience equips them with invaluable skills that are crucial for navigating the contemporary art scene.

The Digital Revolution: Expanding Horizons

In the digital age, open calls have found new avenues to flourish. Online platforms have democratized the process, making it easier for artists to submit their works and for organizers to reach a global audience. Virtual exhibitions, social media showcases, and digital portfolios have revolutionized how open calls are conducted and experienced, breaking down the barriers of physical distance.

Open calls for artists are more than just invitations; they are celebrations of creativity, diversity, and collaboration. They provide a stage for artists to unveil their visions, fostering growth, innovation, and meaningful connections. In an art world that thrives on breaking norms and embracing new perspectives, open calls stand as beacons of opportunity, inviting all artists to step into the spotlight and share their unique voices with the world.

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Speaking from the Future: Career Advice for Aspiring Artists

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Speaking from the Future: Career Advice for Aspiring Artists

Date/Time: Thursday, September 7th from 5:30 p.m. to 6:30 p.m.

Address: 1 E. Las Olas Boulevard, Fort Lauderdale, FL 33301

Parking: Street parking is available as well as surrounding parking garages.

How can young adults navigate a career path in the arts? Join us for Community Voices: Speaking from the Future, a panel discussion with exhibiting artists Nathalie Alfonso, Alejandro Piñeiro Bello and Lulu Sanchez from our current exhibition Future Past Perfect to explore how aspiring artists, community leaders, and young professionals can consider careers, college degrees, and alternative paths that focus on their interests to discover what kinds of opportunities are available. This conversation is moderated by students from the Teen Art Council at NSU Art Museum.

RSVP

Participating Artists:

Nathalie Alfonso

B. 1987, Bogota, Colombia. Nathalie Alfonso holds a Master’s in Fine Arts from Southern Methodist University in Dallas, TX, and a Bachelor’s in Fine Arts from Florida International University in Miami, FL. Her exhibitions include the NSU Art Museum Fort Lauderdale, Spinello Projects, Dimensions Variable, Art and Culture Center Hollywood, The Projects – Fat Village, Sweet Pass Sculpture Park, Marymount University, and the Modern Art Museum of Fort Worth. Alfonso received the South Florida Cultural Consortium award in 2020. She has also been selected for residency programs, including The Anderson Ranch Residency, the Home + Away, Oolite Arts, Atlantic Center for the Arts Residency, and Kinosaito. Alfonso was nominated for the Cultural Joan Mitchell Fellowship in 2021 and is currently selected for The United States Artist Fellowship for 2023-2024. Alfonso lives and works in South Florida.

Alejandro Piñeiro Bello

With a focus on Cuba, Caribbean diaspora, and the surrounding island nations’ identities, journeys, imagery, and history, Alejandro Piñeiro Bello paints the sociocultural mystic splendor of Caribbean culture. He uses traditional materials, such as oil on raw linen or burlap and employs a strong palette; vibrant accents of color swim between the layers in each painting, brightening certain areas of canvas against a backdrop of deep beige.

While Piñeiro Bello shares a visual language with his predecessors such as Wifredo Lam and Manuel Mendive, stylistic references to painters such as Paul Gauguin, Hokusai, Vincent Van Gogh, Edvard Munch, and Wassily Kandinsky appear throughout his oeuvre. Piñeiro honed his skills as an artist at The National Academy of Fine Arts San Alejandro, Havana, Cuba (2006–2010). He was awarded grants from The Shelley and Donald Rubin Foundation, New York and The Rockefeller Brothers Fund, New York in collaboration with Pioneer Works, New York. Piñeiro was a resident at the Vermont Studio Center in 2022. His works are held in public collections such as Leeum Museum of Art, Seoul; Amorepacific Museum of Art, Seoul; Marquez Art Projects, Miami; Rubell Museum, Miami; The Brownstone Foundation Collection, Paris; The Chrysler Museum, Virginia; and the Museum of Latin American Art, Los Angeles. The artist currently lives and works in Miami, Florida.

Lulu Sanchez

Lulu Sanchez (b. 1992 Miami, FL) is a Cuban-Slovenian interdisciplinary artist based in Miami, Florida. Her practice draws from a rich artistic lineage at its intersection with the cultural and natural landscape of disparate regions. The work traces a personal narrative with an eye towards the archive, and explores a fossilization of memory. Through painting, sculpture, and found object, she makes performative gestures toward her hyper specific source materials.

Sanchez earned her degree from The Cooper Union in New York City in 2016 and has studied abroad at the Gerrit Rietveld Academie in Holland and the European Exchange Academy in Germany. She can be found exhibiting locally, and internationally, from NSU Art Museum to De Brakke Grond in Amsterdam, and in several NY Historic House Museums. Lulu Sanchez was a founding member in several artist run spaces in New York City and Miami, FL.

Pre-registration required.

Teen Art Council is made possible by the generosity of the Jerry Taylor & Nancy Bryant Foundation, Wege Foundation, Lillian S. Wells Foundation, Fosco Family Foundation and Spirit Charitable Foundation.

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CHEF JUANMA BARRIENTOS Y MARÍA ANTONIA IDÁRRAGA

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CHEF JUANMA BARRIENTOS Y MARÍA ANTONIA IDÁRRAGA

EL CELEBRITY CHEF JUANMA BARRIENTOS Y MARÍA ANTONIA IDÁRRAGA SE COMPROMETEN TRAS RECORRER LA GRUTA AZUL EN CAPRI.

Sobre un bote en medio del mar Mediterráneo, tras recorrer la mágica gruta Azul, el famoso cocinero colombiano Juan Manuel Barrientos, acreedor de estrellas Michelin en sus restaurantes Elcielo en Washington DC y Miami, se comprometió con la modelo y especialista en marketing, María Antonia Idárraga. Como en un cuento de leyenda, sobre un yate tras conocer una de las maravillas naturales del mundo, el chef paisa le dió la sorpresa a su prometida.

Por motivo del preludio del cumpleaños de Maria Antonia el 5 de septiembre, se encontraban de vacaciones en Italia. Visitaron Roma, pues la modelo paisa es fanática de las pastas y su cultura, luego la costa Amalfitana, Positano y Capri con sus mágicas aguas azules, color favorito del chef que para él tiene un gran significado, tanto que su primera hija se llama Azul.

El chef quien acaba de abrir su primer restaurante a la carta, Elcielo en el hotel SLS South Beach, comentó detalles sobre el compromiso y entrega del anillo: “María A. estaba estudiando intensivamente francés en Niza, y yo estaba visitando mis restaurantes en Miami y Washington DC, haciendo pruebas de menú con mis equipos como suelo hacer cada mes. Le propuse encontrarnos en Roma, pero ella no sabía que le tenía de sorpresa un viaje relámpago a la Costa Amalfitana. Recorrimos Positano, Amalfi, Capri y Sorrento.

El día del compromiso, alquilé un bote y la llevé de Positano a Capri. Luego de visitar la cueva Azul, muy cerca está la cueva verde que es más pequeña y uno la puede recorrer nadando, justo a la entrada a la cueva, le pedí al capitán que parara el yate y le pedí a ella que nos tomáramos una foto antes de saltar al agua.

Posando para la foto, la tomé por sorpresa: me arrodillé y le entregué el anillo, ella se comenzó a reír y no me creía porque hasta el día anterior, yo le había hecho muchas bromas sobre el tema dándole anillos de juguete, incluso hasta le hice uno con una rama de lavanda. Como ella no me creyó, en vez de decirle las típicas palabras te quieres casar conmigo, le dije ¡Este si es de verdad!, ella preguntó: ¿pero es en serio? ¡Le dije sí es verdad! Ella emocionada entre risa y llanto me dijo que sí. Nos dimos un beso, le puse el anillo, nos tiramos al mar, cruzamos nadando la cueva y el capitán nos recogió al otro lado. Brindamos con prosecco, continuamos visitando otros lugares de Capri y cenamos en Positano” comentó emocionado Juanma.

El diamante lo consiguió en la India y el anillo es muy especial ya que lo diseñó y lo hizo él mismo, asistido por joyeros de una joyería muy reconocida en Medellín.

Llevamos 2 años y medio de novios y un año viviendo juntos. Nuestra relación es muy bonita, con mucho diálogo, risas, bromas, viajes y muchas comidas. A ambos nos gustan las mismas cosas. Sin orgullo, y con crecimiento espiritual. Nos encanta estar en casa haciendo nada o cocinando juntos, salir a restaurantes, disfrutamos viajar y recorrer nuevos lugares.
Ella tiene una extraordinaria relación con mi hija Azul, muy respetuosa, son amigas y se quieren mucho. Ambas aman los perros, Azul tiene a Vainilla y María A. a Oliver. Estoy muy enamorado, es una mujer con la que quiero compartir el resto de mi vida. Me ha dado una tranquilidad increíble, por la forma en que se relaciona con mi hija. Espero que duremos mucho tiempo. Somos una familia con mi hija Azul e incluso su perrito salchicha Oliver.” finalizó el chef.

María Antonia cumple 26 años en septiembre, es licenciada en mercadeo con una maestría en Marketing digital. También ha estudiado edición de video y fotografía. Es modelo profesional, ha hecho varias campañas publicitarias. Juanma y ella emprendieron una empresa de marketing digital y con la mejor amiga de María A. manejan todas las cuentas de Elcielo en Estados Unidos y Colombia, como empresa outsourcing.

Palabras de María Antonia: “Fue un momento mágico, realmente muy lindo. Me tomó por sorpresa porque habíamos hecho muchas bromas al respecto. En este tiempo que llevamos juntos hemos aprendido muchas cosas, crecido como seres humanos. Tenemos una relación muy bonita y con demasiado amor. Juanma es una persona con la que me entiendo muy bien, con la que puedo hablar, dialogar, tener todo tipo de conversaciones con transparencia y sin incomodidad. Estoy como dicen en Medellín demasiado feliz de poder seguir compartiendo mi vida a su lado y de esta forma tan divertida más. Lo amo profundamente, así como amo a su hija, son mi familia y la de Oliver.”

Acerca de Juan Manuel Barrientos:
El célebre chef y estrella Michelin Juan Manuel Barrientos, conocido en el mundo gastronómico como “Juanma”, nació en Medellín el 16 de junio de 1983. Es padre, cocinero, empresario, emprendedor, conferencista y líder por la paz con más de trece restaurantes, bares y un hotel. Es el creador y fundador de Elcielo Restaurants en Medellín, Bogotá, Miami, Washington, D. C., SLS South Beach, Elcielo Hotel boutique de lujo en Medellín, así como otros destacados restaurantes y bares, como La Sere, Cuon, Kaime, Classic, Aguafresca, Shibari Bar, El Navegante Bar y el Syrenka Bar, todos en Medellín, y AO en Bogotá.

Juanma Inició su carrera en 2005, junto a reconocidos chefs como Iwao Komiyama (Argentina) y Juan Mari Arzak (España). Actualmente, dirige un taller creativo en Medellín, un laboratorio de creatividad, bajo la dirección del chef Juanma, donde chefs, diseñadores y creativos de diferentes disciplinas. crean platos, conceptos y experiencias para Elcielo Hospitality Group.

1.Elcielo en DC fue el primer restaurante colombiano en todo el mundo en ganar una estrella Michelin. 2. Juanma hizo parte durante 4 años del listado de los 50 mejores chefs de Latinoamérica. 3. Juanma fue nombrado Chef Revelación Mundial. 4. Su empresa ha sido reconocida a nivel académico por las mejores universidades del mundo. 5. Juanma revolucionó la cocina tradicional natal al unir sus innovaciones culinarias con las raíces ancestrales de la cocina colombiana, incursionando de paso en las investigaciones en neurociencias para crear con todo ello magníficas experiencias que ayudan a estimular nuestros sentidos. 6. Lleva dos temporadas como jurado del reality show Top Chef que se transmite por Telemundo en Estados Unidos, Norte, Centro América y el Caribe.

Sigue a Juan Manuel Barrientos y Elcielo restaurant en:
Instagram: @juanmaelcielo
@elcielohospitality

Para más información de prensa y fotos
Mary Montero M&M The Agency

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Miami Artist Michael O’Khaen UnveilsThousands of Threatened Species

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Captivating Artwork Illuminates Biodiversity Crisis: Miami Artist Michael O’Khaen Unveils Thousands of Threatened Species

In a world grappling with the complexities of environmental issues, Miami-based visual artist and sculptor Michael O’Khaen presents his latest thought-provoking installation. The striking round mosaic provides a powerful visual representation of the world’s current state of biological diversity. Initiated on May 22nd, 2023, the International Day for Biological Diversity, this artwork carries a profound message.
With a daily dedication spanning three months, the artist meticulously assembled a vibrant 67” collage on wood comprising thousands of individually-painted labels, each bearing the handwritten scientific names of threatened animals and plant species. They were all classified as “Critically Endangered” by the International Union for the Conservation of Nature (IUCN) at the beginning of the work, standing as a testament to the fragility of our biosphere.
This artwork’s significance lies in its compelling capacity to draw attention to the state of our planet’s ecosystems.
Every piece of paper embodies a unique and irreplaceable life form, poised on the verge of extinction due to pollution, habitat loss, and the far-reaching impacts of climate change.
The sheer scale of the mosaic, created like a wall sculpture, resonates as a powerful statement of the ongoing biodiversity crisis, but also allows the viewer to build a personal interconnection. Through an appealing design, the artist aims to reach a large and diverse audience while showcasing vulnerable species, regardless of their size or perceived significance.
More than a contemporary creation, this artwork serves as an educational tool, a call to action, and a catalyst for dialogues concerning biodiversity evolution. O’Khaen’s casual pop art is made to ignite deep environmental conversations.

The artistic process is documented on the artist’s Instagram page:
https://www.instagram.com/okhaen/
and website www.okhaen.com
as well as in a Youtube short documentary
https://www.youtube.com/watch?v=BdBiiX6sKZs

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Cecilia Fajardo Hill

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Cecilia Fajardo Hill

Curadora venezolana

Cecilia Fajardo Hill (Venezuela – reside en Los Ángeles) es una destacada historiadora del arte y curadora de arte moderno y contemporáneo, cuyo enfoque se centra en el arte latinoamericano y latino en el sur de California. Su trayectoria es una amalgama de contribuciones al ámbito artístico, tanto en la curaduría de exposiciones como en la investigación y difusión del arte en estas regiones.

Con una formación sólida, obtuvo su doctorado en Historia del Arte en la Universidad de Essex, Inglaterra, y una maestría en Historia del Arte del Siglo XX en el Instituto de Arte Courtauld, de Londres, Inglaterra. A lo largo de su carrera, ha ocupado posiciones de liderazgo y responsabilidad en varias instituciones culturales y museos de renombre.

Actualmente, desempeña el cargo de Curadora Jefe en el Museum of Latin American Art – MoLAA en Long Beach, California. Su labor incluye la curaduría de exposiciones y el desarrollo de programas que enriquecen la comprensión del arte latinoamericano y latino en un contexto global. Además, fue Directora y Curadora Jefe de la Cisneros Fontanals Arts Foundation (CIFO) y de la Ella Fontanals Cisneros Collection en Miami entre 2003 y 2005. Continúa contribuyendo a esta colección como miembro de su Comité Asesor.

En su trayectoria, también ejerció como Directora General de la Sala Mendoza en Caracas, Venezuela, de 1997 a 2001, lo que subraya su conexión y compromiso con la escena artística de su país natal.

Cecilia Fajardo-Hill ha realizado una serie de exposiciones de gran relevancia, destacando su participación en la curaduría de la exposición “Radical Women: Latin American Art 1960-1985” en el Hammer Museum de Los Ángeles en 2017. Esta muestra, realizada bajo el paraguas de la iniciativa PST LA/LA de la Fundación Getty, exploró las prácticas artísticas radicales de mujeres artistas en América Latina y fue co-curada junto a Andrea Giunta.

Fajardo-Hill también se ha destacado como autora y editora, participando en proyectos editoriales que enriquecen la comprensión del arte contemporáneo y su contexto cultural. Su compromiso con la difusión del arte y su relevancia cultural se refleja en su activa colaboración con revistas internacionales de arte y en su labor docente en instituciones académicas.

La labor de Cecilia Fajardo Hill en el campo del arte contemporáneo y su enfoque en el arte latinoamericano y latino han contribuido de manera significativa al diálogo global sobre las expresiones artísticas y su influencia en la sociedad actual. Su trabajo como curadora, investigadora y autora ha dejado una huella enriquecedora en el panorama artístico contemporáneo.

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Piet Mondrian

13 maestros de la bauhaus que inventaron la vida moderna

Fundada por Walter Gropius, de su cuerpo docente formaron parte desde Paul Klee y Vasili Kandinski, a Josef Albers, Marcel Breuer o Mies van der Rohe.

Walter Gropius.

Lyonel Feininger.

Johannes Itten.

Paul Klee.

Vassily Kandinsky.

Oskar Schlemmer.

László Moholy-Nagy.

Josef Albers.

Gunta Stölzl.

Marcel Breur.

Hannes Meyer.

Walter Peterhans.

Ludwig Mies van der Rohe.

Principales exponentes de la Bauhaus

“FOLDS” exposición de Sandra Szkolnik en los espacios de IMAGO

Kube Minimal Earring Collection

The Timeless Allure of Minimalist Earrings

Jewelry designers known for creating minimalist earrings:

The Power of Open Calls for Artists

Speaking from the Future: Career Advice for Aspiring Artists

Nathalie Alfonso

Alejandro Piñeiro Bello

Lulu Sanchez

EL CELEBRITY CHEF JUANMA BARRIENTOS Y MARÍA ANTONIA IDÁRRAGA SE COMPROMETEN TRAS RECORRER LA GRUTA AZUL EN CAPRI.

Captivating Artwork Illuminates Biodiversity Crisis: Miami Artist Michael O’Khaen Unveils Thousands of Threatened Species

Cecilia Fajardo Hill

Curadora venezolana

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