The Theosophy, spiritual and philosophical movement and Art
Embracing Elegance: Theosophy, a spiritual and philosophical movement founded in the late 19th century by Helena Blavatsky, Henry Steel Olcott, and others, had a notable influence on modern art. The movement’s emphasis on spirituality, mysticism, and the exploration of deeper truths resonated with many artists of the time, leading to the incorporation of Theosophical concepts and themes into their works. Here’s how Theosophy influenced modern art:
Spiritual Exploration and Symbolism: Theosophy encouraged individuals to seek a deeper understanding of spiritual realities beyond the surface of everyday life. This emphasis on inner exploration and symbolism found its way into the art world. Artists began to use symbols, allegorical imagery, and metaphysical themes in their works to convey profound spiritual concepts and the interconnectedness of all things. Theosophical concepts inspired artists to explore abstraction as a means of representing spiritual realms beyond the physical. The abstract art movement, characterized by non-representational forms and an emphasis on emotion and spirituality, was influenced by Theosophical notions of unseen realities and inner experiences.
Synthesis of Religions and Cultures: Theosophy advocated for the idea that all religions and wisdom traditions shared a common spiritual essence. This concept inspired artists to explore and incorporate diverse cultural and religious motifs into their art. The result was a fusion of Eastern and Western spiritual symbols, creating a unique visual language that transcended traditional boundaries. Theosophy’s embrace of Eastern and Western spiritual traditions as interconnected sources of wisdom resonated with artists seeking to break free from traditional boundaries. This led to the incorporation of Eastern philosophies, symbols, and motifs into Western art, fostering a cross-cultural exchange of ideas.
Abstract and Symbolist Art: Theosophy’s emphasis on the unseen and the mystical resonated with artists exploring abstraction and symbolism. Abstract art, which aimed to convey emotions and spiritual insights through non-representational forms, found common ground with Theosophical ideas. Symbolist artists, too, sought to convey spiritual and philosophical concepts through evocative and often enigmatic imagery.
Wassily Kandinsky and Abstract Expressionism: The Russian painter Wassily Kandinsky is one of the most notable artists influenced by Theosophy. His belief in the spiritual power of art led him to create abstract works that aimed to evoke a higher state of consciousness. Kandinsky’s ideas and artistic approach laid the foundation for the Abstract Expressionist movement, which also explored the relationship between spirituality and art. The Russian painter Wassily Kandinsky was deeply influenced by Theosophy. His belief that art could communicate spiritual truths led him to create abstract works that aimed to evoke emotional and spiritual responses. Kandinsky’s approach laid the groundwork for abstract expressionism, which often conveyed deep inner experiences through non-representational forms.
Symbolism and Allegory: Theosophy encouraged artists to use symbols and allegorical imagery to convey profound spiritual ideas that transcended the material world. Artists began to incorporate esoteric symbols and hidden meanings into their work, inviting viewers to contemplate deeper truths and engage in a form of visual meditation.
Mysticism and Theosophical Imagery: Artists began incorporating mystical and esoteric imagery into their works. Theosophical concepts of astral planes, higher realms, and spiritual evolution inspired a sense of mystery and otherworldliness in their art. This imagery often aimed to convey the idea that there is more to reality than what meets the eye. Theosophy’s focus on mysticism and direct spiritual experience resonated with artists seeking to delve into the mysteries of existence. This led to the creation of artworks that aimed to capture the mystical and transcendent aspects of reality, often using rich and symbolic imagery.
Exploration of Inner Realities: Theosophy encouraged individuals to look beyond the material world and explore their inner selves. This introspective aspect of Theosophy influenced artists to create works that depicted inner psychological and spiritual states, reflecting the inner journey of the soul.
Inner Journeys and Self-Discovery: Theosophical teachings encouraged individuals to explore their inner selves and embark on a journey of self-discovery. Artists translated these ideas into visual narratives that depicted inner struggles, personal transformations, and the quest for enlightenment.
Alternative Perspectives on Reality: Theosophy challenged conventional perceptions of reality, suggesting that there were unseen dimensions beyond the material world. This idea encouraged artists to experiment with new visual languages that went beyond traditional representation, fostering innovation and creativity.
The Influence of Theosophical Writings: Helena Blavatsky’s writings, including “The Secret Doctrine” and “The Voice of the Silence,” had a direct impact on artists seeking spiritual inspiration. These texts presented complex cosmologies, spiritual hierarchies, and theories of evolution that artists incorporated into their visual narratives.
Spiritual Evolution and Cosmic Hierarchies: Theosophy’s theories of spiritual evolution and cosmic hierarchies found their way into art, inspiring depictions of divine beings, stages of spiritual growth, and the interconnectedness of all life. Artists sought to capture the grandeur and complexity of these metaphysical concepts.
Theosophy’s emphasis on spirituality, symbolism, and the exploration of inner realms profoundly influenced modern art. Artists found in Theosophical concepts a source of inspiration that allowed them to transcend the confines of the visible world and create works that tapped into deeper spiritual truths. This influence can be seen in the symbolism, abstraction, and spiritual themes that characterize much of modern art from the late 19th to the early 20th centuries.
In the dynamic and ever-evolving world of art, the concept of the “open call” has emerged as a transformative force that bridges the gap between artists and opportunities, encouraging a diverse array of talents to shine on a global stage. An open call for artists is more than just an invitation; it’s a mechanism that empowers both emerging and established creators to showcase their work, fostering an environment of collaboration, exploration, and innovation. This article delves into the significance of open calls for artists, highlighting how they enrich the artistic landscape and why they deserve a spotlight of their own.
A Gateway to Opportunity
An open call for artists is akin to a door flung wide open, beckoning all creative minds to step forward. It signifies an inclusive space where artists of all backgrounds, styles, and mediums can present their works to a wider audience, regardless of their level of fame or recognition. Such calls transcend geographical boundaries, embracing artists from every corner of the world and allowing them to be part of a global conversation.
Nurturing Emerging Talent
For budding artists, open calls represent a golden opportunity to gain exposure and validation. These calls often offer platforms where their works can be showcased in galleries, exhibitions, and digital spaces, thereby enabling them to receive feedback and critique from a diverse spectrum of viewers, mentors, and peers. This exposure is vital for nurturing artistic growth, as it encourages the development of skills and perspectives that might otherwise remain untapped.
Fueling Artistic Diversity
Diversity is the heartbeat of creativity, and open calls celebrate this by welcoming artists from varied walks of life. Whether it’s a call focused on a specific theme, technique, or social issue, these initiatives encourage artists to interpret concepts through their unique lenses. The result? A tapestry of artistic expression that challenges norms, questions conventions, and invites dialogue on an array of subjects.
Fostering Collaboration and Innovation
The collaborative spirit of open calls is a powerful catalyst for innovation. Often, these calls bring together artists from different disciplines, encouraging them to collaborate and create interdisciplinary artworks that push the boundaries of traditional artistic practices. This cross-pollination of ideas sparks innovation, leading to the birth of entirely new art forms and concepts that might otherwise remain undiscovered.
Empowering Artistic Entrepreneurship
Open calls not only ignite the creative spark but also ignite the entrepreneurial spirit within artists. When artists engage with open calls, they’re exposed to the business side of the art world—how to present their work professionally, adhere to deadlines, and manage the logistics of showcasing their art. This experience equips them with invaluable skills that are crucial for navigating the contemporary art scene.
The Digital Revolution: Expanding Horizons
In the digital age, open calls have found new avenues to flourish. Online platforms have democratized the process, making it easier for artists to submit their works and for organizers to reach a global audience. Virtual exhibitions, social media showcases, and digital portfolios have revolutionized how open calls are conducted and experienced, breaking down the barriers of physical distance.
Open calls for artists are more than just invitations; they are celebrations of creativity, diversity, and collaboration. They provide a stage for artists to unveil their visions, fostering growth, innovation, and meaningful connections. In an art world that thrives on breaking norms and embracing new perspectives, open calls stand as beacons of opportunity, inviting all artists to step into the spotlight and share their unique voices with the world.
Speaking from the Future: Career Advice for Aspiring Artists
Date/Time: Thursday, September 7th from 5:30 p.m. to 6:30 p.m.
Address: 1 E. Las Olas Boulevard, Fort Lauderdale, FL 33301
Parking: Street parking is available as well as surrounding parking garages.
How can young adults navigate a career path in the arts? Join us for Community Voices: Speaking from the Future, a panel discussion with exhibiting artists Nathalie Alfonso, Alejandro Piñeiro Bello and Lulu Sanchez from our current exhibition Future Past Perfect to explore how aspiring artists, community leaders, and young professionals can consider careers, college degrees, and alternative paths that focus on their interests to discover what kinds of opportunities are available. This conversation is moderated by students from the Teen Art Council at NSU Art Museum.
B. 1987, Bogota, Colombia. Nathalie Alfonso holds a Master’s in Fine Arts from Southern Methodist University in Dallas, TX, and a Bachelor’s in Fine Arts from Florida International University in Miami, FL. Her exhibitions include the NSU Art Museum Fort Lauderdale, Spinello Projects, Dimensions Variable, Art and Culture Center Hollywood, The Projects – Fat Village, Sweet Pass Sculpture Park, Marymount University, and the Modern Art Museum of Fort Worth. Alfonso received the South Florida Cultural Consortium award in 2020. She has also been selected for residency programs, including The Anderson Ranch Residency, the Home + Away, Oolite Arts, Atlantic Center for the Arts Residency, and Kinosaito. Alfonso was nominated for the Cultural Joan Mitchell Fellowship in 2021 and is currently selected for The United States Artist Fellowship for 2023-2024. Alfonso lives and works in South Florida.
Alejandro Piñeiro Bello_Headshot
Alejandro Piñeiro Bello
With a focus on Cuba, Caribbean diaspora, and the surrounding island nations’ identities, journeys, imagery, and history, Alejandro Piñeiro Bello paints the sociocultural mystic splendor of Caribbean culture. He uses traditional materials, such as oil on raw linen or burlap and employs a strong palette; vibrant accents of color swim between the layers in each painting, brightening certain areas of canvas against a backdrop of deep beige.
While Piñeiro Bello shares a visual language with his predecessors such as Wifredo Lam and Manuel Mendive, stylistic references to painters such as Paul Gauguin, Hokusai, Vincent Van Gogh, Edvard Munch, and Wassily Kandinsky appear throughout his oeuvre. Piñeiro honed his skills as an artist at The National Academy of Fine Arts San Alejandro, Havana, Cuba (2006–2010). He was awarded grants from The Shelley and Donald Rubin Foundation, New York and The Rockefeller Brothers Fund, New York in collaboration with Pioneer Works, New York. Piñeiro was a resident at the Vermont Studio Center in 2022. His works are held in public collections such as Leeum Museum of Art, Seoul; Amorepacific Museum of Art, Seoul; Marquez Art Projects, Miami; Rubell Museum, Miami; The Brownstone Foundation Collection, Paris; The Chrysler Museum, Virginia; and the Museum of Latin American Art, Los Angeles. The artist currently lives and works in Miami, Florida.
Lulu Sanchez
Lulu Sanchez
Lulu Sanchez (b. 1992 Miami, FL) is a Cuban-Slovenian interdisciplinary artist based in Miami, Florida. Her practice draws from a rich artistic lineage at its intersection with the cultural and natural landscape of disparate regions. The work traces a personal narrative with an eye towards the archive, and explores a fossilization of memory. Through painting, sculpture, and found object, she makes performative gestures toward her hyper specific source materials.
Sanchez earned her degree from The Cooper Union in New York City in 2016 and has studied abroad at the Gerrit Rietveld Academie in Holland and the European Exchange Academy in Germany. She can be found exhibiting locally, and internationally, from NSU Art Museum to De Brakke Grond in Amsterdam, and in several NY Historic House Museums. Lulu Sanchez was a founding member in several artist run spaces in New York City and Miami, FL.
Pre-registration required.
Teen Art Council is made possible by the generosity of the Jerry Taylor & Nancy Bryant Foundation, Wege Foundation, Lillian S. Wells Foundation, Fosco Family Foundation and Spirit Charitable Foundation.
EL CELEBRITY CHEF JUANMA BARRIENTOS Y MARÍA ANTONIA IDÁRRAGA SE COMPROMETEN TRAS RECORRER LA GRUTA AZUL EN CAPRI.
CHEF JUANMA BARRIENTOS Y MARÍA ANTONIA IDÁRRAGA
Sobre un bote en medio del mar Mediterráneo, tras recorrer la mágica gruta Azul, el famoso cocinero colombiano Juan Manuel Barrientos, acreedor de estrellas Michelin en sus restaurantes Elcielo en Washington DC y Miami, se comprometió con la modelo y especialista en marketing, María Antonia Idárraga. Como en un cuento de leyenda, sobre un yate tras conocer una de las maravillas naturales del mundo, el chef paisa le dió la sorpresa a su prometida.
Por motivo del preludio del cumpleaños de Maria Antonia el 5 de septiembre, se encontraban de vacaciones en Italia. Visitaron Roma, pues la modelo paisa es fanática de las pastas y su cultura, luego la costa Amalfitana, Positano y Capri con sus mágicas aguas azules, color favorito del chef que para él tiene un gran significado, tanto que su primera hija se llama Azul.
El chef quien acaba de abrir su primer restaurante a la carta, Elcielo en el hotel SLS South Beach, comentó detalles sobre el compromiso y entrega del anillo: “María A. estaba estudiando intensivamente francés en Niza, y yo estaba visitando mis restaurantes en Miami y Washington DC, haciendo pruebas de menú con mis equipos como suelo hacer cada mes. Le propuse encontrarnos en Roma, pero ella no sabía que le tenía de sorpresa un viaje relámpago a la Costa Amalfitana. Recorrimos Positano, Amalfi, Capri y Sorrento.
El día del compromiso, alquilé un bote y la llevé de Positano a Capri. Luego de visitar la cueva Azul, muy cerca está la cueva verde que es más pequeña y uno la puede recorrer nadando, justo a la entrada a la cueva, le pedí al capitán que parara el yate y le pedí a ella que nos tomáramos una foto antes de saltar al agua.
Posando para la foto, la tomé por sorpresa: me arrodillé y le entregué el anillo, ella se comenzó a reír y no me creía porque hasta el día anterior, yo le había hecho muchas bromas sobre el tema dándole anillos de juguete, incluso hasta le hice uno con una rama de lavanda. Como ella no me creyó, en vez de decirle las típicas palabras te quieres casar conmigo, le dije ¡Este si es de verdad!, ella preguntó: ¿pero es en serio? ¡Le dije sí es verdad! Ella emocionada entre risa y llanto me dijo que sí. Nos dimos un beso, le puse el anillo, nos tiramos al mar, cruzamos nadando la cueva y el capitán nos recogió al otro lado. Brindamos con prosecco, continuamos visitando otros lugares de Capri y cenamos en Positano” comentó emocionado Juanma.
El diamante lo consiguió en la India y el anillo es muy especial ya que lo diseñó y lo hizo él mismo, asistido por joyeros de una joyería muy reconocida en Medellín.
Llevamos 2 años y medio de novios y un año viviendo juntos. Nuestra relación es muy bonita, con mucho diálogo, risas, bromas, viajes y muchas comidas. A ambos nos gustan las mismas cosas. Sin orgullo, y con crecimiento espiritual. Nos encanta estar en casa haciendo nada o cocinando juntos, salir a restaurantes, disfrutamos viajar y recorrer nuevos lugares. Ella tiene una extraordinaria relación con mi hija Azul, muy respetuosa, son amigas y se quieren mucho. Ambas aman los perros, Azul tiene a Vainilla y María A. a Oliver. Estoy muy enamorado, es una mujer con la que quiero compartir el resto de mi vida. Me ha dado una tranquilidad increíble, por la forma en que se relaciona con mi hija. Espero que duremos mucho tiempo. Somos una familia con mi hija Azul e incluso su perrito salchicha Oliver.” finalizó el chef.
María Antonia cumple 26 años en septiembre, es licenciada en mercadeo con una maestría en Marketing digital. También ha estudiado edición de video y fotografía. Es modelo profesional, ha hecho varias campañas publicitarias. Juanma y ella emprendieron una empresa de marketing digital y con la mejor amiga de María A. manejan todas las cuentas de Elcielo en Estados Unidos y Colombia, como empresa outsourcing.
Palabras de María Antonia: “Fue un momento mágico, realmente muy lindo. Me tomó por sorpresa porque habíamos hecho muchas bromas al respecto. En este tiempo que llevamos juntos hemos aprendido muchas cosas, crecido como seres humanos. Tenemos una relación muy bonita y con demasiado amor. Juanma es una persona con la que me entiendo muy bien, con la que puedo hablar, dialogar, tener todo tipo de conversaciones con transparencia y sin incomodidad. Estoy como dicen en Medellín demasiado feliz de poder seguir compartiendo mi vida a su lado y de esta forma tan divertida más. Lo amo profundamente, así como amo a su hija, son mi familia y la de Oliver.”
Acerca de Juan Manuel Barrientos: El célebre chef y estrella Michelin Juan Manuel Barrientos, conocido en el mundo gastronómico como “Juanma”, nació en Medellín el 16 de junio de 1983. Es padre, cocinero, empresario, emprendedor, conferencista y líder por la paz con más de trece restaurantes, bares y un hotel. Es el creador y fundador de Elcielo Restaurants en Medellín, Bogotá, Miami, Washington, D. C., SLS South Beach, Elcielo Hotel boutique de lujo en Medellín, así como otros destacados restaurantes y bares, como La Sere, Cuon, Kaime, Classic, Aguafresca, Shibari Bar, El Navegante Bar y el Syrenka Bar, todos en Medellín, y AO en Bogotá.
Juanma Inició su carrera en 2005, junto a reconocidos chefs como Iwao Komiyama (Argentina) y Juan Mari Arzak (España). Actualmente, dirige un taller creativo en Medellín, un laboratorio de creatividad, bajo la dirección del chef Juanma, donde chefs, diseñadores y creativos de diferentes disciplinas. crean platos, conceptos y experiencias para Elcielo Hospitality Group.
1.Elcielo en DC fue el primer restaurante colombiano en todo el mundo en ganar una estrella Michelin. 2. Juanma hizo parte durante 4 años del listado de los 50 mejores chefs de Latinoamérica. 3. Juanma fue nombrado Chef Revelación Mundial. 4. Su empresa ha sido reconocida a nivel académico por las mejores universidades del mundo. 5. Juanma revolucionó la cocina tradicional natal al unir sus innovaciones culinarias con las raíces ancestrales de la cocina colombiana, incursionando de paso en las investigaciones en neurociencias para crear con todo ello magníficas experiencias que ayudan a estimular nuestros sentidos. 6. Lleva dos temporadas como jurado del reality show Top Chef que se transmite por Telemundo en Estados Unidos, Norte, Centro América y el Caribe.
Captivating Artwork Illuminates Biodiversity Crisis: Miami Artist Michael O’Khaen Unveils Thousands of Threatened Species
In a world grappling with the complexities of environmental issues, Miami-based visual artist and sculptor Michael O’Khaen presents his latest thought-provoking installation. The striking round mosaic provides a powerful visual representation of the world’s current state of biological diversity. Initiated on May 22nd, 2023, the International Day for Biological Diversity, this artwork carries a profound message. With a daily dedication spanning three months, the artist meticulously assembled a vibrant 67” collage on wood comprising thousands of individually-painted labels, each bearing the handwritten scientific names of threatened animals and plant species. They were all classified as “Critically Endangered” by the International Union for the Conservation of Nature (IUCN) at the beginning of the work, standing as a testament to the fragility of our biosphere. This artwork’s significance lies in its compelling capacity to draw attention to the state of our planet’s ecosystems. Every piece of paper embodies a unique and irreplaceable life form, poised on the verge of extinction due to pollution, habitat loss, and the far-reaching impacts of climate change. The sheer scale of the mosaic, created like a wall sculpture, resonates as a powerful statement of the ongoing biodiversity crisis, but also allows the viewer to build a personal interconnection. Through an appealing design, the artist aims to reach a large and diverse audience while showcasing vulnerable species, regardless of their size or perceived significance. More than a contemporary creation, this artwork serves as an educational tool, a call to action, and a catalyst for dialogues concerning biodiversity evolution. O’Khaen’s casual pop art is made to ignite deep environmental conversations.
The artistic process is documented on the artist’s Instagram page: https://www.instagram.com/okhaen/ and website www.okhaen.com as well as in a Youtube short documentary https://www.youtube.com/watch?v=BdBiiX6sKZs
Cecilia Fajardo Hill (Venezuela – reside en Los Ángeles) es una destacada historiadora del arte y curadora de arte moderno y contemporáneo, cuyo enfoque se centra en el arte latinoamericano y latino en el sur de California. Su trayectoria es una amalgama de contribuciones al ámbito artístico, tanto en la curaduría de exposiciones como en la investigación y difusión del arte en estas regiones.
Con una formación sólida, obtuvo su doctorado en Historia del Arte en la Universidad de Essex, Inglaterra, y una maestría en Historia del Arte del Siglo XX en el Instituto de Arte Courtauld, de Londres, Inglaterra. A lo largo de su carrera, ha ocupado posiciones de liderazgo y responsabilidad en varias instituciones culturales y museos de renombre.
Actualmente, desempeña el cargo de Curadora Jefe en el Museum of Latin American Art – MoLAA en Long Beach, California. Su labor incluye la curaduría de exposiciones y el desarrollo de programas que enriquecen la comprensión del arte latinoamericano y latino en un contexto global. Además, fue Directora y Curadora Jefe de la Cisneros Fontanals Arts Foundation (CIFO) y de la Ella Fontanals Cisneros Collection en Miami entre 2003 y 2005. Continúa contribuyendo a esta colección como miembro de su Comité Asesor.
En su trayectoria, también ejerció como Directora General de la Sala Mendoza en Caracas, Venezuela, de 1997 a 2001, lo que subraya su conexión y compromiso con la escena artística de su país natal.
Cecilia Fajardo-Hill ha realizado una serie de exposiciones de gran relevancia, destacando su participación en la curaduría de la exposición “Radical Women: Latin American Art 1960-1985” en el Hammer Museum de Los Ángeles en 2017. Esta muestra, realizada bajo el paraguas de la iniciativa PST LA/LA de la Fundación Getty, exploró las prácticas artísticas radicales de mujeres artistas en América Latina y fue co-curada junto a Andrea Giunta.
Fajardo-Hill también se ha destacado como autora y editora, participando en proyectos editoriales que enriquecen la comprensión del arte contemporáneo y su contexto cultural. Su compromiso con la difusión del arte y su relevancia cultural se refleja en su activa colaboración con revistas internacionales de arte y en su labor docente en instituciones académicas.
La labor de Cecilia Fajardo Hill en el campo del arte contemporáneo y su enfoque en el arte latinoamericano y latino han contribuido de manera significativa al diálogo global sobre las expresiones artísticas y su influencia en la sociedad actual. Su trabajo como curadora, investigadora y autora ha dejado una huella enriquecedora en el panorama artístico contemporáneo.
Wassily Kandinsky nació el 4 de diciembre de 1866 en Moscú. En 1871 se mudó a Odessa, poco después sus padres se divorciaron y Kandinsky fue criado por una de sus tías. Tres años más tarde, comenzó a tomar clases de dibujo y música, donde aprendió a tocar el piano y el violonchelo. 1886 ingresa en la Universidad de Moscú, donde estudia derecho y economía. No eligió las artes porque pensara que sus habilidades no eran suficientes, pero aun así, continuó con su contacto con la pintura y la música. Con una misión etnográfica para estudiar las costumbres de las comunidades campesinas del norte de Rusia, descubre la riqueza de los interiores de los pueblos y las bellezas naturales, se maravilla con los colores, el paisaje, las cúpulas iluminadas por el crepúsculo, hechos naturales que le hacen desear para pintar paisajes coloridos. Con dos hechos decisivos, Kandinsky hace su elección por el arte. El primero fue la fascinación por una obra de Claude Monet en una exposición expresionista en Moscú. La segunda fue una ópera de Wagner en el teatro de Moscú. Kandinsky afirmó que había relaciones entre los colores y los sonidos. La música y la pintura fascinaron al artista, que se convirtió en el punto de partida de todas sus obras. A la edad de 30 años, se mudó a Munich. Luego ingresó a Anton Azbé, una escuela de pintura, se sintió desanimado con el tipo de enseñanza, pero se sometió a la disciplina de dibujar un modelo vivo. Al mismo tiempo, conoció a Paul Klee, de quien más tarde se harían grandes amigos. Insatisfecho con la enseñanza, se matricula en el curso del Prof. Von Stuck, pero fue rechazado. Un año después, consiguió el trabajo y permaneció hasta 1900. En enero de 1909, comienza a pintar sobre vidrio, inspirado en la tradición bávara, al mismo tiempo, nace la NKVM (Nueva Asociación de Artistas de Munich). Pinta Composición II (pintura perdida durante la 2ª Guerra Mundial, y también la que se consideraba la más importante de sus obras). Los críticos reaccionaron de manera polémica, todos coincidieron en que fue obra de un loco de la morfina o del hachís. Luego comienza a dividir sus obras en tres grupos: Impresiones – con referencia a un modelo naturalista. Improvisaciones: destinadas a reflejar emociones espontáneas. Composiciones –la más complicada y alta, en la que alude a la música dando los títulos de Improvisación y Composición. También por analogía con la música que veía vibrar y resonar colores y formas. En 1910, publicó el libro Do Espiritual na Arte, pintando su primera obra no figurativa, una acuarela abstracta. El libro fue muy comentado en el mundo artístico y bastante representativo para los jóvenes que inician su carrera artística con nuevas fuentes de conocimiento. La NKVM terminó en diciembre de 1911, cuando el jurado de la 3ª Exposición rechazó la Composición V, alegando que su trabajo no correspondía a las normas de la asociación. Como ya sabía de la disolución con la NKVM, ya tenía planes para una nueva manifestación artística. Titulado Der Blaue Reiter (El caballero azul), él y sus compañeros trataron la publicación no solo como una manifestación de la nueva pintura en Alemania, sino como un llamado a la renovación del arte y la cultura. Su primera exposición colectiva fue a fines de 1911, la cual fue presentada por tres obras: Impresión – Moscú. Improvisación 22 y la controvertida Composición V. Tras romper con la era materialista, nació para él un nuevo ámbito espiritual, la pintura abstracta. Un hito importante en este camino es el Cuadro con borde blanco, pintado en 1913. Es la obra principal expuesta en el Primer Salón Alemán de Otoño. Al estallar la Primera Guerra huyó a Suiza, pasando por los Balcanes hasta llegar a Moscú. Conoce a Nina Andreewsky, en 1917, quien se convierte en su esposa. Se casaron en el mismo año, ya finales de ese mismo año nació su hijo Vsevdov, quien murió tres años después. Las obras abstractas están marcadas por una creciente tendencia a geometrizar cada uno de los elementos. Durante los años 1918 a 1921 colaboró con la reforma de los museos, vinculado a una organización llamada IZO (Seção das Artes Plásticas), publicó seis largos ensayos y trabajó en un análisis de sus “características personales” y comenzó a editar el primer volumen. de una enciclopedia de las bellas artes, que nunca se publicó. En 1921 fue invitado a dar clases en la Bauhaus, asumiendo la cátedra de Pintura Mural, donde aprovechó los métodos de enseñanza que experimentó en el Instituto de Cultura Artística. Después de 1922 comenzó la influencia del partido bolchevique en la función y el objeto del arte, lo que condujo al realismo socialista. Sus pinturas fueron retiradas de los museos y sus obras ya no se exhibieron en la entonces Unión Soviética. En 1923 tuvo su primera exposición individual en Nueva York en Sociedade Anônima. En Munich, en 1926, se publicó su segundo trabajo teórico. Punto y línea en relación con la superficie: el primer número de la revista Bauhaus está dedicado a Kandinsky como regalo por su 60 cumpleaños. En julio de 1933 se trasladó con su mujer a París, donde esperaba reanudar rápidamente los contactos. Pero Francia sólo reconoció a sus propios pintores. Su expectativa falla. A pesar de las dificultades, no pierde el entusiasmo por su trabajo y sigue escribiendo artículos defendiendo el arte abstracto. Su último gran trabajo, Around the Circle, se completó en 1940. Continuó pintando pequeñas tarjetas, incluso cuando estaba incapacitado por la arteriosclerosis. Wassily Kandinsky murió el 13 de diciembre de 1944 en Neuilly-sur-Seine a la edad de 78 años.
Equilibrio El centro de gravedad sigue siendo el concepto básico. El problema no consiste en el equilibrio de un cuerpo en el espacio sino en el de todos los partes de un campo definido. Lo mas fácil de abordarlo es pensar en el como una igualdad de oposición. Ello implica un eje o punto central fuerzas opuestas están en equilibrio. A partir de esta concepción básica se desarrollan 3 tipos distintos de equilibrio. Equilibrio axial Significa el control de atracciones opuestas por medio de un eje explícito, vertical, horizontal o ambos. Simetría Es la forma más simple de este tipo de organización del equilibrio. Es un esquema exactamente simétrico, los elementos se repiten como imágenes reflejadas a un espejo a ambos lados del eje o de los ejes. Es el tipo mas obvio de equilibrio y en consecuencia, el más pobre en cuanto a variedad. Resulta especialmente útil en esquemas decorativos o en composiciones muy formales. Simetría aproximada Los dos lados pueden ser realmente diferentes en su forma, pero, a pesar de ello, bastante similares como para que el eje se pueda sentir positivamente. Equilibrio radial Significa el control de atracciones opuestas por la rotación alrededor de un punto central , el que puede ser un área positiva del esquema o un espacio vacío. En los ejemplos literales, dos o mas elementos idénticos giran al rededor de dicho punto. la diferencia entre un esquema radial con uno simétrico equilibrado radica en que un esquema radial debe tener movimiento giratorio mientras que el simétrico es estático. Equilibrio oculto Es el control de atracciones opuestas por medio de una igualdad sentida entre las partes del campo. No utiliza ejes explícitos ni puntos centrales sin embargo un centro de gravedad que se sienta resulta esencial. Primero la ausencia de ejes reales o centros focales acentúa la relatividad de todos os elementos en el campo. Segundo, implica elementos opuestos cuyas diferencias son más acentuadas que las similitudes. Resulta evidente que el equilibrio oculto constituye sobradamente el tipo mas importante, así como el mas difícil, ya que proporciona mas libertad pero exige mayor control. El equilibrio oculto posee una escala infinita de variedad de expresión. Se puede hacer con el todo lo que la imaginación y la sensibilidad sugieran. Ritmo simple El ritmo difiere de la repetición simple en este sentido: es una recurrencia esperada. El termino ritmo se ha tomado del arte a fin de la música. En los diseños visuales físicamente estáticos, el movimiento es subjetivo , pero no por ello menos real. Orden sucesivo de progresión y alternación Existen otras dos formas de recurrencias , en vez de repetir la misma unidad o idéntico intervalo, podemos introducir una progresión regular en uno o en ambos términos , aumentar la altura o el ancho de las unidades por medio de una cantidad proporcionada o modificar o modificar los intervalos dimensiones visuales , tales como configuración, tamaño. Ritmo oculto Aparecen aquí diferencias similares a las que existen entre el equilibrio explicito y el culto. También el ritmo puede estar oculto, por asi decirlo. Me refiero a que se repitan no solo las formas o clores obvios, sino también todo el sistema de relaciones. Ello aclara la sutil relación existente entre ritmo y razón. Nivelación y aguzamiento Armonía y estabilidad son polos de lo visualmente inesperado y de lo generador de tensiones en la composición. Estos opuestos se denominan en psicología nivelación y aguzamiento. La situación del punto al centro de un plano rectangular, es totalmente armoniosa (nivelación). La colocación del punto en una esquina provoca un aguzamiento el punto es excéntrico (aguzamiento). Pero existe un tercer estado de la composición visual que ni esta nivelado ni aguzado y en el que el ojo a de esforzarse por analizar el estado de equilibrio de los componentes. Equilibrio Su importancia primordial se basa en el funcionamiento de la percepción humana y en la intensa necesidad de equilibrio, que se manifiesta tanto en el diseño como en la reacción ante una declaración visual. Inestabilidad La inestabilidad es la ausencia de equilibrio y da lugar a formulaciones visuales muy provocadoras e inquietantes. Simetría/ asimetría El equilibrio se puede lograr en una declaración visual de dos maneras, simétrica y asimétricamente. La simetría es el equilibrio axial estamos ante formulaciones visuales totalmente resueltas en las que a cada unidad situada a untado de la línea central corresponde exactamente otra en el otro lado. Es perfectamente lógico y sencillo de diseñar pero puede resultar estático e incluso aburrido. Regularidad La regularidad en el diseño consiste en favorecer la uniformidad de elementos, el desarrollo de un orden basado en algún principio o método respecto a la cual no se permiten desviaciones. Irregularidad La irregularidad como estrategia de diseño, realiza lo inesperado y lo insólito, sin ajustarse a ningún plan descifrable. Simplicidad El orden contribuye considerablemente a la síntesis visual de la simplicidad, técnica visual que impone el carácter directo y simple de la forma elemental, libre de complicaciones o elaboraciones secundarias. Complejidad La complejidad que implica una complicación visual debido a la presencia de numerosas unidades y fuerzas elementales, que da lugar a un difícil proceso de organización del significado. Unidad La unidad es un equilibrio adecuado de los elementos diversos en una totalidad que es perceptible visualmente. La colección de numerosas unidades debe ensamblarse tan perfectamente que se perciba y considere como un objeto único. Fragmentación La fragmentación es la descomposición de los elementos y unidades de un diseño en `piezas separadas que se relacionan entre si, pero conservan su carácter individual. Economía La presencia de unidades mínimas de medios visuales es típica de la técnica de la economía, que contrasta con su opuesta de la profusión. La economía es una ordenación visual frugal y juiciosa en la utilización de elementos. Es visualmente fundamental y realza los aspectos conservadores y reticentes de lo pobre y lo puro. Profusión La profusión esta muy recargada y tienden a la presentación de adiciones discursivas, detalladas e inacabables al diseño básico que, idealmente ablandan y embellecen mediante la ornamentación. Reticencia La reticencia es una aproximación de un gran comedimiento que persigue una respuesta máxima del espectador ante elementos mínimos. La reticencia en un intento de engendrar grandes efectos es la imagen especular de su puesto visual Exageración La exageración para ser visiblemente efectiva, debe recurrir a la ampulosidad extravagante, ensanchando su expresión mucho más allá de la verdad para intensificar y amplificar.
Predictibilidad La predictibilidad, como técnica visual, sugiere un orden o un plan muy convencional. Sea a través de la experiencia de la observación o de la razón, hemos de preveer de antemano lo que será todo el mensaje visual, basándonos para ello en un mínimo de información. Espontaneidad La espontaneidad en cambio, se caracteriza por una falta aparente de plan. Es una técnica, de gran carga emotiva, impulsiva y desbordante. Actividad/pasividad La actividad como técnica visual debe reflejar el movimiento mediante la representación o la sugestión. La postura enérgica y viva de una técnica visual activa resulta profundamente modificada en la fuerza inmóvil de la técnica de representación estática que produce, mediante un equilibrio absoluto, un efecto de aquiescencia y reposo. Sutileza La sutileza, es en el mensaje visual, la técnica que utilizaríamos para establecer una distinción afinada, rehuyendo toda obviedad o energía de propósitos. Aunque la sutileza indica una aproximación visual de gran delicadeza y refinamiento, debe utilizarse muy inteligentemente para conseguir soluciones ingeniosas. Audacia La audacia es por si misma naturaleza, una técnica visual obvia, el diseñador debe usarla con atrevimiento, seguridad y confianza en si mismo, pues su propósito es conseguir una visibilidad optima. Neutralidad/acento Afirmar que un diseño puede tener un aspecto neutral. Parece casi una contradicción en sus términos, pero lo cierto es que hay ocasiones en que el marco menos provocador para una declaración visual puede ser el mas eficaz para vencer la resistencia o incluso la beligerancia del observador. La atmosfera de neutralidad es perturbada en un punto por el acento, que consiste en realzar intensamente una sola cosa contra un fondo uniforme. Trasferencia/opacidad Las técnicas opuestas de la transparencia y la opacidad se definen físicamente una a otra; la primera implícita un detalle Visal a través del cual es posible ver, de modo que lo que esta detrás es percibido por el ojo; la segunda es justamente lo contrario, el bloqueo y la ocultación de elementos visuales. Coherencia La coherencia es la técnica de expresar la compatibilidad visual desarrollado una composición dominada por una aproximación temática uniforme y consonante. Variación Permite la diversidad y la variedad. Pero la variación refleja en composición visual el uso de ese mismo fenómeno en la composición musical, en el sentido de que las mutaciones están controladas por un tema dominante. Realismo Es el realismo es la técnica natural de la cámara, la opción del artista. Nuestra experiencia visual y natural de las cosas es el modelo del realismo en las artes visuales, cuyo empleo puede recurrir a numerosos trucos y convenciones calculadas para reproducir las mismas claves visuales que el ojo transmite al cerebro Distorsión La distorsión fuerza el realismo y pretende controlar sus efectos desviándose de los contornos regulares y a veces también de la forma autentica. Es una técnica que responde a un intenso propósito y que bien manejada produce respuestas también muy intensas. Plana/profunda Estas dos técnicas visuales se rigen fundamentalmente por el uso o la ausencia de la perspectiva y se ven reforzadas por la reproducción fiel de la información ambiental, mediante la imitación de los efectos de luz y sombras propios del claroscuro, para sugerir o eliminar la apariencia natural de la dimensión.
Singularidad/yuxtaposición La singularidad consiste en centrar la composición en un tema aislado e independiente, que no cuenta con el apoyo de ningún otro estimulo visual , sea particular o general. El principal efecto de esta técnicas la trasmisión de un énfasis especifico. La yuxtaposición expresa la interacción de estímulos visuales situando al menos dos claves juntas activando la comparación relacional. Secuencialidad/aleatoriedad Una disposición en el diseño esta basada en la respuesta compositiva a un plan de presentación que se dispone en un orden lógico. La ordenación puede responder a una formula, pero por lo general entraña una serie de cosas dispuestas según un esquema rítmico. La técnica aleatoria de la impresión de una falta de plan, de una desorganización planificada o de una presentación accidental de la información visual. Agudeza/difusividad La agudeza, como técnica visual , esta intimadamente ligada a la claridad del estilo físico y a la claridad de expresión . Mediante el uso de contornos netos y de la precisión, el efecto final es nítido y fácil de interpretar. La difusividad es blanda, no aspira tanto a la precisión, pero crea mas ambiente, más sentimiento y mas color. Continuidad/episodicidad La continuidad se define por una serie de conexiones visuales interrumpidas, que resultan particularmente importantes en cualquier declaración visual unificada. En el cine, la arquitectura el grafismo, la continuidad no solo es el conjunto de pasos interrumpidos que llevan de un punto a otro , sino también la fuerza cohesiva que mantiene unida una composición de elementos diversos.
Rojo El rojo está asociado con diferentes sentimientos como coraje y valentía, y fuertemente ligado a la pasión y el amor. También está relacionado con advertencias o peligros. Reconocido como un estimulante, la cantidad de rojo está directamente relacionado con el nivel de energía percibido. Se ha comprobado que el rojo mejora el metabolismo humano, aumenta el ritmo respiratorio y eleva la presión sanguínea.
Ejemplos de utilización del ROJO -Por su capacidad de sobresalir en la gama de colores (pregnancia) el rojo es usado frecuentemente por los diseñadores para llamar la atención sobre un elemento en particular. -Por aumenta el ritmo cardíaco y crear una necesidad de urgencia a menudo es utilizado en gráfica para destacar ofertas o descuentos especiales. -Tiene una visibilidad muy alta, por lo que es muy usado en señales de advertencia, semáforos y equipo para combatir el fuego.
Azul Es uno de los colores más populares y poderosos. Es el color de la frescura, la espiritualidad, la libertad, la paciencia, la lealtad, la paz y la honradez. El azul se asocia fuertemente con la tranquilidad y la calma y puede implicar tristeza o depresión. A diferencia de colores cálidos como el rojo, el naranja y el amarillo, el azul está ligado a la conciencia y al intelecto y algunos estudios sugieren que es más aceptado entre los hombres.
Ejemplos de utilización del AZUL -Para promocionar productos y servicios relacionados con la limpieza (filtros de purificación de agua, líquidos de limpieza, etc.) -Promocionar productos o actividades relacionadas con el aire y el cielo (líneas aéreas, aeropuertos, purificadores y acondicionadores de aire, etc.) – Promocionar productos o actividades relacionadas con el agua y el mar (cruceros, agua mineral, filtros de agua, etc.) -El azul es el color favorito de muchas empresas porque sugiere responsabilidad e inspira confianza. Los azules más oscuros implican autenticidad, confianza, seguridad, fidelidad y dignidad. Los azules más pálidos pueden implicar frescura y limpieza, aunque pueden implicar debilidad. Como se ha comprobado que el azul suprime el apetito, debe evitarse su uso cuando se promocionan alimentos o recetas de cocina. Cuando se usa en conjunto con los colores cálidos como el amarillo o el rojo, el azul puede crear gran impacto, por ejemplo la combinación azul-amarillo-rojo es perfecta para un superhéroe.
Amarillo Es el color del sol y se traduce en emociones como optimismo, felicidad, brillo y alegría. Tonos de color amarillo dorado implican la promesa de un futuro promisorio. Se ha comprobado que el color amarillo provoca pensamientos creativos. Si el amarillo es usado en exceso, puede tener un efecto perturbador. Por ejemplo, es un hecho comprobado que los bebés lloran más en habitaciones pintadas de color amarillo.
Ejemplos de utilización del AMARILLO -Se lo utiliza para evocar sensaciones agradables y alegres, por lo que es común verlo en promociones de artículos o servicios relacionados con el ocio o productos para niños. El amarillo simboliza la luz del sol. Representa la alegría, la felicidad, la inteligencia y la energía. El amarillo sugiere el efecto de entrar en calor, provoca alegría, estimula la actividad mental y genera energía muscular. Con frecuencia se le asocia a la comida. El amarillo puro y brillante es un reclamo de atención, por lo que es frecuente que los taxis sean de este color en algunas ciudades. En exceso, puede tener un efecto perturbador, inquietante. Es conocido que los bebés lloran más en habitaciones amarillas.Los hombres suelen percibir al amarillo muy alegre o infantil, por lo que no se recomienda su uso para
promocionar productos caros o de prestigio para hombres de negocios. Nadie que presume de su seriedad va a comprar un traje de color amarillo o usar un reloj de ese color.
Verde El verde es el color del crecimiento, la primavera, la renovación y el renacimiento. Está asociado con la salud, la frescura, la paz y la solución de los problemas ambientales. Sugiere fertilidad, libertad, sanación y tranquilidad. También estabilidad y resistencia, aunque a veces denota falta de experiencia (al novato se lo asocia con el fruto verde, no terminado). Por ser el color del dólar americano también esta usualmente relacionado con las ganancias y el dinero.
Ejemplos de utilización del VERDE -En todo lo relacionado con la naturaleza como actividades al aire libre, servicios de jardinería, cuidado del medio ambiente y la ecología. -El verde opaco y un poco más oscuro es asociado comúnmente con el dinero, el mundo de las finanzas, la banca y Wall Street. -Productos relacionados con la salud como medicamentos o productos médicos.
Naranja El naranja es un color cálido, vibrante y extravagante. Transmite energía combinada con diversión, es el color de las personas que toman riesgos y son extrovertidas y desinhibidas. Significa aventura, optimismo, confianza en sí mismo, sociabilidad y salud. También sugiere placer, alegría, paciencia, generosidad y ambición. El color naranja hace que un producto caro parezca más accesible. El naranja impacta a una amplia gama de personas, tanto hombres como mujeres.
Es un color que encaja muy bien con la gente joven, por lo que es muy recomendable para comunicar con ellos. Color cítrico, se asocia a la alimentación sana y al estímulo del apetito. Es muy ádecuado para promocionar productos alimenticios y juguetes Es el color de la caída de la hoja y de la cosecha. En heráldica el naranja representa la fortaleza y la resistencia. El color naranja tiene una visibilidad muy alta, por lo que es muy útil para captar atención y subrayar los aspectos más destacables de una página web. El naranja combina la energía del rojo con la felicidad del amarillo. Se le asocia a la alrgría, el sol brillante y el trópico.
Blanco El color blanco implica inocencia y pureza. Implica un nuevo comienzo: El blanco representa la pizarra limpia, nos ayuda en momentos de estrés, y nos ayuda a seguir adelante y a poner el pasado atrás. Significa igualdad y unidad. Contiene todos los colores del espectro y representa lo positivo y lo negativo de cada uno de ellos.
Ejemplos de utilización del BLANCO Es el mejor color como fondo para todo tipo de textos porque facilita la lectura y nunca pasa de moda. El blanco enfoca la atención del usuario en la calidad del contenido. Aquellos sitios web que tienen un blanco predominante en sus diseños transmiten al usuario una sensación confortable y tranquila. El blanco se asocia a la luz, la bondad, la inocencia, la pureza y la virginidad. Se le considera el color de la perfección. El blanco significa seguridad, pureza y limpieza. A diferencia del negro, el blanco por lo general tiene una connotación positiva. Puede representar un inicio afortunado.
En heráldica, el blanco representa fe y pureza. En publicidad, al blanco se le asocia con la frescura y la limpieza porque es el color de nieve. En la promoción de productos de alta tecnología, el blanco puede utilizarse para comunicar simplicidad. Es un color apropiado para organizaciones caritativas. Por asociación indirecta, a los ángeles se les suele representar como imagenes vestidas con ropas blancas.
Negro Ejemplos de utilización del NEGRO El color negro está asociado con el poder, la elegancia, el secreto y el misterio. Es autoritario y puede evocar emociones fuertes, su exceso puede ser abrumador. El negro representa la falta de color, el vacío primordial. Es un color clásico para la ropa, posiblemente porque hace que el portador parecer más delgada y sofisticado. -El color negro es útil para transmitir elegancia, sofisticación, o tal vez un toque de misterio (Clubes nocturnos, limosinas, etc.) -El negro funciona bien con joyas como diamantes y brillantes. -Las fotografías con frecuencia se ven más brillantes contra un fondo negro.
Gris Implica seguridad, madurez y fiabilidad. Es el color del intelecto, el conocimiento y la sabiduría. Se percibe como clásico y de larga duración y a menudo elegante y refinado. El gris es considerado un color de compromiso, tal vez porque se encuentra entre los extremos de blanco y negro. Implica una perfecta neutralidad, razón por la cual los diseñadores a menudo lo utilizan como color de fondo..
El gris también puede ser asociado con la melancolía, la tristeza, los fantasmas, las cenizas, las telarañas y las casas embrujadas. Ejemplos de utilización del GRIS -Como color de fondo el gris es considerado un color de gran conversión porque genera confianza en el comprador.
EL COLOR CON EL QUE USTED SE IDENTIFICA. El color con el que yo me identifico es el color NEGRO, ya que para mi significa secreto, misterio, elegancia, además de ello, para mi significa un triunfo, me hace sentir bien, ya que combina con cualquier color. Cuando me visto con colores negros mi personalidad se vuelve mas estilizada y segura, y en lo sentimental no me afecta en nada, al contrario para mi no significa soledad, ni tristeza, tampoco significa el recuerdo de un ser querido para mi simboliza libertad y elegancia.
Hélio Oiticica (1937 – 1980) is widely regarded as one of Brazil’s leading artists of the twentieth century and a touchstone for much contemporary art made since the 1960s, primarily through his freewheeling, participatory works of art, performative environments, avant-garde films and abstract paintings. Even before the age of 20, Oiticica was a key member of the historic Rio de Janeiro-based Grupo Frente (1954-56), his radical play with geometric form and vibrant colors transcending the minimal lines of European constructivism and imbuing his work with an exuberant rhythm that resonated with the avant-garde music and poetry of his native Brazil. In the late 1950s, Oiticica would go on to become a leading figure of Brazilian Neo-Concretism (1959-61) that included other ground breaking artists such as Lygia Clark, Lygia Pape and the poet Ferreira Gullar, ultimately giving rise to the artistic movement known as Tropicalismo, named for a work of Oiticica’s from 1967.
Increasingly, Oiticica became a countercultural figure and underground hero, foregrounding bodily interaction with spatial and environmental concerns over pure aesthetics. “Ambient art,” he wrote, “is the overthrow of the traditional concept of painting-frame and sculpture – that belongs to the past. It gives way to the creation of ‘ambiences’: from there arises what I call ‘anti-art,’” which he later defined as “the era of the popular participation in the creative field.” This generous and generative practice would become highly influential for subsequent generations of artists, especially his Parangolés or ‘habitable paintings’ and all-encompassing series of installations, known variously as Núcleos (ceiling-hung geometric panels forming gradual chromatic experiences) and Propositions or Penetrables (labyrinth-like architectural environments made of sand and semi-permeable cabins). This supra-sensorial approach continued until his untimely death in 1980 at the age of 42.
In the realm of modern and contemporary art, few names shine as brightly as Hélio Oiticica. A visionary Brazilian artist, Oiticica redefined the boundaries of art through his innovative works that blend vibrant colors, dynamic forms, and immersive experiences. Born in Rio de Janeiro in 1937, Oiticica’s artistic journey transcended traditional artistic paradigms and led him to create a body of work that not only reflected his personal experiences but also encapsulated the cultural and social essence of Brazil. From his early experiments with painting to his groundbreaking “Parangolés” and revolutionary “Tropicália” installations, Oiticica’s legacy continues to captivate and inspire art enthusiasts around the world.
The Transformative Power of Color and Form
Hélio Oiticica’s artistic evolution was marked by his exploration of color and form. His early paintings exhibited an inclination towards geometric abstraction, heavily influenced by the artistic movements of the time. However, it was his shift towards three-dimensionality that truly set him apart. Oiticica began incorporating everyday materials and objects into his art, creating tactile and interactive pieces that blurred the line between art and life. This marked the inception of his revolutionary approach to art-making.
Parangolés: Art in Motion
One of Oiticica’s most iconic contributions to the art world is the series of works known as “Parangolés.” These wearable sculptures combined elements of painting, sculpture, and performance. Oiticica believed that art should not be confined to gallery spaces but should be experienced and lived. The Parangolés were designed to be worn by dancers during performances, allowing the artwork to come alive in motion. These vibrant and flowing creations celebrated the sensuality and dynamism of Brazilian culture while challenging the traditional notions of static art.
Tropicália: An Immersive Experience
In the late 1960s, Hélio Oiticica introduced “Tropicália,” a groundbreaking installation that transcended artistic boundaries and embodied his vision of an all-encompassing sensory experience. Inspired by the tropical landscapes and cultural diversity of Brazil, the installation combined visual, auditory, and tactile elements to create an environment that immersed visitors in a multisensory journey. The inclusion of sand, plants, and live animals blurred the line between art and reality, inviting participants to engage with the artwork on a profound level. Oiticica’s “Tropicália” anticipated the immersive art installations that would become popular in subsequent decades.
Legacy and Influence
Hélio Oiticica’s artistic legacy extends far beyond his physical creations. His work has had a profound impact on contemporary art practices, inspiring generations of artists to explore new mediums, challenge conventional norms, and engage with their cultural contexts. Oiticica’s emphasis on interactivity and participation anticipated the rise of participatory and socially engaged art forms, underscoring his status as a visionary ahead of his time.
Hélio Oiticica’s artistic journey was a dynamic exploration of color, form, and the fusion of art with life. Through his revolutionary concepts and daring experiments, he shattered the confines of traditional art, inviting viewers to step into a world of vibrant experiences and cultural connections. Oiticica’s legacy endures as a testament to the power of art to transcend boundaries, provoke thought, and ignite the senses. As we continue to engage with his work, we are reminded that art is not merely an object to behold, but a journey to embark upon—an experience that can change our perception of the world around us.
Hélio Oiticica (1937 – 1980) is widely regarded as one of Brazil’s leading artists of the twentieth century and a touchstone for much contemporary art made since the 1960s, primarily through his freewheeling, participatory works of art, performative environments, avant-garde films and abstract paintings. Even before the age of 20, Oiticica was a key member of the historic Rio de Janeiro-based Grupo Frente (1954-56), his radical play with geometric form and vibrant colors transcending the minimal lines of European constructivism and imbuing his work with an exuberant rhythm that resonated with the avant-garde music and poetry of his native Brazil. In the late 1950s, Oiticica would go on to become a leading figure of Brazilian Neo-Concretism (1959-61) that included other ground breaking artists such as Lygia Clark, Lygia Pape and the poet Ferreira Gullar, ultimately giving rise to the artistic movement known as Tropicalismo, named for a work of Oiticica’s from 1967.
Increasingly, Oiticica became a countercultural figure and underground hero, foregrounding bodily interaction with spatial and environmental concerns over pure aesthetics. “Ambient art,” he wrote, “is the overthrow of the traditional concept of painting-frame and sculpture – that belongs to the past. It gives way to the creation of ‘ambiences’: from there arises what I call ‘anti-art,’” which he later defined as “the era of the popular participation in the creative field.” This generous and generative practice would become highly influential for subsequent generations of artists, especially his Parangolés or ‘habitable paintings’ and all-encompassing series of installations, known variously as Núcleos (ceiling-hung geometric panels forming gradual chromatic experiences) and Propositions or Penetrables (labyrinth-like architectural environments made of sand and semi-permeable cabins). This supra-sensorial approach continued until his untimely death in 1980 at the age of 42.
Hélio Oiticica with Bólides and Parangolés in his studio in Rio de Janeiro c.1965
SUPRA-SENSORIAL
Supra-sensorial is a term devised by the Brazilian artist Hélio Oiticica to describe the experience of being in one of his installations – environments that were designed to encourage the viewer’s emotional and intellectual participation. Supra-sensorial was about activating all the senses, in order to promote the idea of individual freedom. The brutal military dictatorship in Brazil during the 1960s and 1970s had caused Oiticica to advocate the radical potential of hanging out, rather than complying with society’s demands. He would invite the audience to walk barefoot on sand and straw or listen to Jimi Hendrix records while relaxing in a hammock.
Hélio Oiticica Bio
Hélio Oiticica (1937 – 1980) was a Brazilian visual artist, sculptor, painter, performance artist, and theorist, best known for his participation in the Neo-Concrete Movement, for his innovative use of color, and for what he later termed “environmental art”, which included Parangolés and Penetrables, like the famous Tropicália. Oiticica was also a filmmaker and writer. He is widely regarded as one of Brazil’s leading artists of the twentieth century and a touchstone for much contemporary art made since the 1960s, primarily through his freewheeling, participatory works of art, performative environments, avant-garde films and abstract paintings. Even before the age of 20, Oiticica was a key member of the historic Rio de Janeiro-based Grupo Frente (1954-56), his radical play with geometric form and vibrant colors transcending the minimal lines of European constructivism and imbuing his work with an exuberant rhythm that resonated with the avant-garde music and poetry of his native Brazil. In the late 1950s, Oiticica would go on to become a leading figure of Brazilian Neo-Concretism (1959-61) that included other ground breaking artists such as Lygia Clark, Lygia Pape and the poet Ferreira Gullar, ultimately giving rise to the artistic movement known as Tropicalismo, named for a work of Oiticica’s from 1967. Increasingly, Oiticica became a countercultural figure and underground hero, foregrounding bodily interaction with spatial and environmental concerns over pure aesthetics. “Ambient art,” he wrote, “is the overthrow of the traditional concept of paintingframe and sculpture – that belongs to the past. It gives way to the creation of ‘ambiences’: from there arise what I call ‘antiart,’” which he later defined as “the era of the popular participation in the creative field.” This generous and generative practice would become highly influential for subsequent generations of artists, especially so his Parangolés or ‘habitable paintings’ and all-encompassing series of installations, known variously as Núcleos (ceiling-hung geometric panels forming gradual chromatic experiences) and Propositions or Penetrables (labyrinth-like architectural environments made of sand and semi-permeable cabins). This supra-sensorial approach continued until his untimely death in 1980 at the age of 42. Oiticica’s work has been the subject of major recent museum exhibitions, including the critically acclaimed retrospective Hélio Oiticica: To Organize Delirium, which debuted at the Carnegie Museum of Art in Philadelphia in 2016 and traveled to the Art Institute of Chicago and the Whitney Museum of American Art in 2017. Hélio Oiticica: The Body of Color was exhibited at The Museum of Fine Arts, Houston in 2006-2007 and in London at the Tate Modern in 2007. His work is included in the collections of numerous international institutions including Carnegie Museum of Art, Pittsburgh, PA, USA; Inhotim Centro de Arte Contemporãnea, Belo Horizonte, Brazil; Los Angeles County Museum of Art, Los Angeles, CA, USA; Museo de Arte Reina Sofia, Madrid, Spain; Museu de Arte Moderna, Rio de Janeiro, Brazil; Museum of Fine Arts, Houston, TX, USA; Museum of Modern Art, New York, NY, USA; Tate Modern, London, UK; and Walker Art Center, Minneapolis, MN, USA, among others. The Projeto Hélio Oiticica was established in Rio de Janeiro in 1980 to manage the artist’s estate.
Hélio Oiticica CV
1980 Died in Rio de Janeiro, Brazil 1937 Born in Rio de Janeiro, Brazil
Selected Solo Exhibitions 2022 ‘Hélio Oiticica: Penetrável Macaléia’, Perez Art Museum Miami, Miami, FL, USA ‘Subterranean Tropicália Projects: PN15 1971/2022’, Socrates Sculpture Park, Queens, NY, USA ‘PN 23 Penetrável, Magic Square 3 – Invention of Color 1978’, Centro Hélio Oiticica, Brasília, Brazil ‘Hélio Oiticica’, Lisson Gallery, London, UK 2021 ‘PN10’, Centro Municipal de Arte Hélio Oiticica, Rio de Janeiro, Brazil 2020 ‘Hélio Oiticica: Dance in my Experience’, Museu de de Arte Moderna do Rio de Janeiro, Rio de Janeiro, Brazil ‘Hélio Oiticica’, Lisson Gallery, New York, NY, USA ‘Hélio Oiticica: Dance in my Experience’, Museu de Arte de São Paulo, São Paulo, Brazil 2018 ‘Hélio Oiticica: Spatial Relief and Drawings’, 1955-59, Galerie Lelong & Co., New York, NY, USA Usina del Arte, Buenos Aires, Argentina 2017 ‘Hélio Oiticica: To Organize Delirium’, Art Institue of Chicago, Chicago, IL, USA ‘Hélio Oiticica: To Organize Delirium’, Whitney Museum of Art, New York, NY, USA 2016 ‘Hélio Oiticica: To Organize Delirium’, Carnegie Museum of Art, Pittsburgh, PA, USA 2014 ‘Hélio Oiticica: Propositions’, The Irish Museum of Modern Art, Dublin, Ireland 2013 ‘Hélio Oiticica: The Great Labyrinth’, MMK Museum für Moderne Kunst, Frankfurt am Main, Germany ‘COSMOCOCA Programa in Progress: Hélio Oiticica/Neville d’Almeida’ Hamburger Bahnhof-Museum für Gegenwartskunst, Berlin, Germany 2012 ‘Penetrables’, Galerie Lelong, New York, NY, USA 2010 ‘Hélio Oiticica: Museu É O Mundo’, Fundação Itaú Cultural, Sao Paulo, Brazil ‘Hélio Oiticica: Museu É O Mundo’, Paço Imperial and Casa Fraça-Brasil, Rio de Janeiro, Brazil ‘Hélio Oiticica: Museu É O Mundo’, Museu Colecção Berardo, Lisbon, Portugal ‘Hélio Oiticica Museu É O Mundo’. Museu Nacional do Conjunto Cultural da República. Brazil ‘Hélio Oiticica Museu É O Mundo’. Museu Histórico do Pará, Belém. Brazil 2009 ‘Drawings: 1954-58’, Galerie Lelong, New York, NY, USA 2008 ‘Penetrables’, Centro Municipal de Arte Hélio Oiticica, Rio de Janeiro, Brazil 2007 ‘Hélio Oiticica/Neville D’Almeida: Cosmococa Programa in Progress – QuasiCinema CC1 Trashiscapes’, Alison Jacques Gallery, London, UK 2006 ‘Hélio Oiticica: The Body of Color’, Museum of Fine Arts, Houston, TX, USA ‘Hélio Oiticica: The Body of Color’, Tate Modern, London, UK ‘Hélio Oiticica/Neville D’Almeida: Cosmococa Programa in Progress’, Colección Constantini, Museo de Arte Latinoamericano de Buenos Aires, Buenos Aires, Argentina 2003 ‘Exposição Momentos: Frames, Cosmococa’, Galeria Fortes Vilaça, São Paulo, Brazil ‘Hélio Oiticica: Cor, Imagem, Poética’, Centro de Arte Hélio Oiticica, Rio de Janeiro, Brazil 2002 ‘Hélio Oiticica: Obra e Estratégia’, Museu de Arte Moderna, Rio de Janeiro, Brazil ‘Hélio Oiticica: Quasi-Cinema’, Whitechapel Gallery, London, UK ‘Paisagem Zero’, SESC Pompéia, São Paulo, Brazil 2001 ‘Construção do Penetrável Magic Square No. 5’, Museu de Açude, Rio de Janeiro, Brazil ‘Hélio Oiticica: Quasi-Cinemas’, Wexner Center for the Arts, Ohio State University, Columbus, OH, USA ‘Hélio Oiticica: Quasi-Cinemas’, Kolnischer Kunstverein, Cologne, Germany ‘Hélio Oiticica: Quasi-Cinemas’, Whitechapel Gallery, London, UK ‘Hélio Oiticica: Quasi-Cinemas’, New Museum of Contemporary Art, New York, NY, USA 2000 ‘Beyond Space’, Havana Biennial, Havana, Cuba ‘Beyond Space’, Centro de Arte Hélio Oiticica, Rio de Janeiro, Brazil ‘Beyond Space’, Espaços Públicos, Rio de Janeiro, Brazil 1998 ‘Hélio Oiticica e a Cena Americana’, Centro de Arte Hélio Oiticica, Rio de Janeiro, Brazil ‘Hélio Oiticica DesenHOs’, Centro de Arte Hélio Oiticica, Rio de Janeiro, Brazil ‘Hélio Oiticica DesenHOs’, Centro de Estudos Brasileiros, Buenos Aires, Argentina ‘Hélio Oiticica Fotografias’, Galeria Paparazzi, São Paulo, Brazil 1996 ‘Hélio Oiticica’, Centro de Arte Hélio Oiticica, Rio de Janeiro, Brazil 1992 ‘Hélio Oiticica’, Witte de With, Rotterdam, the Netherlands ‘Hélio Oiticica’, Galerie nationale de Jeu de Paume, Paris, France ‘Hélio Oiticica’, Fundació Antoni Tâpies, Barcelona, Spain ‘Hélio Oiticica’, Centro de Arte Moderna da Fundação Calouste Gulbenkian, Lisbon, Portugal ‘Hélio Oiticica’, Walker Art Center, Minneapolis, MN, USA 1990 ‘Hélio Mangueira Oitcica’, Universidade Estadual do Rio de Janeiro, Rio de Janeiro, Brazil 1989 ‘Grupo Frente e Metaesquemas’, Galeria de Arte São Paulo, São Paulo, Brazil 1987 Museu de Arte Contemporânea da Universidade de São Paulo, Universidade de São Paulo, Brazil 1986 ‘O Q Faco e Musica’, Galerie de Arte São Paulo, São Paulo, Brazil Paço Imperial, Rio de Janeiro, Brazil 1981 ‘Homanagem a Mário Pedrosa’, Museu de Arte Moderna, Rio de Janeiro, Brazil 1980 ‘Hélio Oiticica’, Galeria Chaves, Porto Alegre, Brazil 1972 ‘Metaesquemas’, Galerie Ralph Camargo, São Paulo, Brazil 1969 ‘Hélio Oiticica’, Whitechapel Gallery, London, UK 1968 ‘Apocalipopotesis’, Aterro Park, Rio de Janeiro, Brazil 1967 ‘Collective Parangole’, Aterro Park, Rio de Janeiro, Brazil 1966 ‘Environment of Nuclei and Bodies’, Galeria G4, Rio de Janeiro, Brazil 1961 ‘Os Projectos de Hélio Oiticica’, Museu de Arte Moderna, Rio de Janeiro, Brazil Group Exhibitions 2022 ‘Assembly Required’, Pulitzer Arts Foundation, St. Louis, MO, USA ‘Waiting for Tear Gas’, Philadelphia Museum of Art, PA, USA 2021 ‘This Must Be the Place: Latin American Artists in New York, 1965–1975’, the Americas Society, New York, NY, USA 2020 Lisson Gallery, London, UK ‘Spectrum’, Lisson Gallery, New York, NY, USA 2018 ‘Comfortably Numb’, Another Space, New York, NY, USA ‘Room 2 Installation’, Glenstone Museum, Potomac, MD, USA ‘O Rio do samba: Resistencia e reinvencao’, Museu de Arte do Rio, Rio de Janeiro, Brazil ‘AI-5 50 Anos’, Tomie Ohtake Institute, São Paulo, Brazil ‘Conceptual Strategies’ ‘Signals: If You Like I Shall Grow’, Thomas Dane Gallery, London, UK ‘Southern Geometries’, Foundation Cartier pour l’art contemporain, Paris, France ‘Memories of Underdevelopment: Art and the Decolonial Turn in Latin America, 1960-1985’, Museo Jumex, Mexico City, Mexico ‘Géométries Américaines: Du Mexique á la Terre de Feu’, Fondation Cartier pour l’art contemporain, Paris, France ‘A Tale of Two Worlds. Experimental Latin American Art in Dialogue with the MMK Collection 1940s-1980s’, MMK Museum für Moderne Kunst Frankfurt am Main, Frankfurt am Main, Germany; Museo de Arte Moderno, Buenos Aires, Argentina ‘The Everywhere Studio’, The Institute of Contemporary Art, Miami, FL, USA 2017 ‘Memories of Underdevelopment: Art and the Decolonial Turn in Latin America, 1960-1985’, Museum of Contemporary Art San Diego, CA, USA ‘Performer and Participant’, Tate Modern, London, UK ‘Delirious’, The Met Breuer, New York, NY, USA ‘Ismo, Ismo, Ismo: Cine Experimental en America Latina’, Getty Institute, Los Angeles, CA, USA ‘Making Concrete: Works from Argentina and Brazil in the Colleccion Patricia Phelps de Cisneros’, Pacific Central Time, Getty Center, Los Angeles, CA, USA ‘Purity is a Myth’, Galaria Nara Roesler, São Paulo, Brazil ‘Grupo Frente’, Galerie Lelong, New York, NY, USA ‘Color’, Waddington Custot, London, UK ‘L’emozione dei COLORI nell’arte’, GAM, Castello de Rivoli, Italy 2016 ‘Collection Fadel’, Museo de Arte Latinoamericano de Buenos Aires, Buenos Aires, Argentina ‘Antropogagia y Modernidad: Arte brasileño en la Colección Fadel, Museo de Arte Latinoamericano de Buenos Aires, Buenos Aires, Argentina ‘Narrative/Collaborative’, Galerie Lelong, New York, NY, USA 2015 ‘International Pop’, Philadelphia Museum of Art, Philadelphia, PA, USA ‘What Comes After a Sudden Death’, Staatliche Kunsthalle Baden-Baden, Germany ‘Possibilities of the Object: Experiments in Modern and Contemporary Brazilian Art’, The Fruitmarket Gallery, Edinburgh, UK ‘International Pop’, Walker Art Center, Minneapolis, MN, USA ‘Adventures of the Black Square: Abstract Art and Society 1915-2015’, Whitechapel Art Gallery, London, UK ‘From the Object to the World: Inhotim Collection’, Itaú Cultural, São Paulo, Brazil 2014 ‘Artevida (Política)’, Museu de Arte Moderna Rio de Janeiro, Rio de Janeiro, Brazil ‘Radical Geometry: Modern Art of South America form the Patricia Phelps de Cisneros Collection’, Royal Academy of Arts, London, UK ‘América Latina 1960-2013. Photos + Text’, Museo Amparo, Puebla, Mexico ‘Alimentário – Arte e patrimônio alimentar brasilerio’, Museu de Arte Moderna, Rio de Janeiro, Brazil ‘Tupi Or Not Tupi’, Museu Oscar Niemeyer, Curitiba, Brazil ‘Do Valongo á Favela: imaginário e periferia’, Museu de Arte do Rio, Rio de Janerio, Brazil ‘Unbound: Contemporary Art after Frida Kahlo’, Museum of Contemporary Art Chicago, Chicago, IL, USA ‘Playgrounds. Reinventing the Square’, Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Madrid, Spain ‘Josephine Baker and Le Corbusier in Rio – A Transatlantic Affair’, Museu de Arte do Rio, Rio de Janeiro, Brazil ‘Vontade Construtiva na Coleção Fadel’, Museu de Arte Moderna de São Paulo, São Paulo, Brazil ‘Impulse, Reason, Sense, Conflict’, Cisneros Fontanals Art Foundation, Miami, FL, USA ‘Other Primary Structures: Others 1’, The Jewish Museum, New York, NY, USA ‘Drawings & Works on Paper’, Galerie Lelong, New York, NY, USA 2013 ‘America Latina, 1960-2013’, Fondation Cartier pour l’art contemporain, Paris, France ‘White’, Dickinson Roundell Inc., New York, NY, USA ‘Encuentros / Tensiones. Arte latinoamericano contemporáneo. Colección Malba + Comodatos, MALBA Colección Costantini’, Museo de Arte Latinoamericano de Buenos Aires, Buenos Aires, Argentina ‘Brasiliana Installations From 1960 To The Present’, Schirn Kunsthalle, Frankfurt/Main, Germany ‘Tropicalia Negra’, Museo Experimental El Eco, Mexico City, Mexico ‘Curators’ Series #6. Friends of London. Artists from Latin America in London from 196X – 197X’, The David Roberts Art Foundation, London, UK ‘The Content of Form’, Generali Foundation, Vienna, Austria ‘Concrete Remains: Postwar and Contemporary Art from Brazil’, Tierney Gardarin Gallery, New York, NY, USA ‘Discussion, envoy enterprises’, New York, NY ‘Pop, Realismi e Politica. Brasile – Argentina, anni Sessanta’, Galleria d’Arte Moderna e Contemporanea di Bergamo, Bergamo, Italy ‘Constructive Will in the Fadel Collection’, Museu de Arte do Rio, Rio de Janeiro, Brazil ‘sous influences – arts plastiques et psychotropes’, La Maison Rouge, Paris, France ‘Foreign body – Corpo Estranho’, another vacant space, Berlin, Germany ‘Open Work in Latin America, New York & Beyond: Conceptualism Reconsidered, 1967-1978’, Hunter College, New York, NY, USA ‘CC6 Coke’s Head Soup – Hélio Oiticica/Thomas Valentin, Hamburger Bahnhof, Museum für Gegenwart, Berlin, Germany ‘La invención concreta. Colección Patricia Phelps de Cisneros, Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Madrid, Spain ‘Sex, Money and Power’, Maison Particulière Art Center, Brussel, Belgium ‘Tate Modern displays’, Tate Modern, London, UK ‘Constructive Will in the Fadel Collection’, Museu de Arte do Rio, Rio de Janeiro, Brazil ‘DLA Piper Series: Constellations’, Tate Liverpool, Liverpool, UK ‘Summer Exposure’, Galerie Lelong, New York, NY, USA ‘EDGE, ORDER, RUPTURE’, Galerie Lelong, New York, NY, USA ‘Arts Under Influences’, La Maison Rouge, Paris, France ‘Open Work in Latin America, New York & Beyond: Conceptualism Reconsidered, 1967-1978’, The Bertha and Karl Leubsdorf Art Gallery, CUNY Hunter College, New York, NY, USA 2012 ‘Roesler Hotel #21 – Buzz’, Galeria Nara Roesler, São Paulo, Brazil ‘América do Sul, a Pop Arte das contradições’, Museu Oscar Niemeyer, Curitiba, Brazil ‘Specters of Artaud: Language and the Arts in the 1950s’, Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Madrid, Spain ‘Arte de contradicciones. Pop, realismos y política. Brasil – Argentina 1960’, Fundación PROA, Buenos Aires, Argentina ‘De La Generosidad: Obras De La Colección Helga De Alvear’, Centro Gallego de Arte Contemporánea, Santiago de Compostela, Spain ‘Suprasensorial: Experiments in Light, Color and Space’, Hirshhorn Museum and Sculpture Garden, Washington D.C., USA ‘Concrete Parallels’, DAN galeria, São Paulo, Brazil ‘Topsy Turvy’, De Appel arts centre, Amsterdam, The Netherlands ‘Lygia Pape’, Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Madrid, Spain 2011 ‘The 1950s: (Neo-) Concretism’, Palais des Beaux-Arts, Brussels, Belgium in conjunction with Europalia.Brasil ‘Brazil.Brazil’, Palais des Beaux-Arts, Brussels, Belgium, in conjunction with Europalia.Brasil ‘Terra Brasilis’, ING Cultural Center, Brussels, Belgium, in conjunction with Europalia.Brasil ‘A Rua (The Street)’, Museum van Hedendaagse Kunst Antwerpen, Antwerpen, Belgium ‘Malba: Ten Years’, Malba-Fundación Costantini (Museo de Arte Latinoamericano de Buenos Aires), Argentina ‘Playing with Form: Concrete Art from Brazil’, Dickinson, New York, NY, USA Galería de Arte Ipanema, Rio de Janeiro, Brazil Athena Galería de Arte, Rio de Janeiro, Brazil ‘Reinvention of the Modern’, Gagosian Gallery, Project space, Paris, France ‘Art and Confrontation in Latin America: 1910-2010’, Palacio de Bellas Artes and Ex Teresa Arte Actual, Mexico City, Mexico ‘Interventions in the Landscape’, Galerie Lelong, New York, NY, USA 2010 ‘Territories of Desire’, Museo Universitario Arte Contemporaneo, Mexico D.F., Mexico São Paulo Biennial, São Paulo, Brazil ‘Suprasensorial: Experiments in Light, Color, and Space’, The Geffen Contemporary at the Garden, Washington D.C., USA ‘Hélio Oiticica, Lygia Clark e Lygia Pape’, Baró Galeria, São Paulo, Brazil ‘Everlasting Gobstopper’, Michael Benevento, Los Angeles, CA, USA ‘Expanded Horizon’, Santander Cultural, Porto Alegre, Brazil ‘The Shape of Abstraction’, Boston University Art Gallery, Boston, MA, USA ‘Hélio Oiticica/Rirkit Tiravanija: Contact’, Walker Art Center, Minneapolis, MN, USA ‘Arsenal’, Baró Galeria, São Paulo, Brazil 2009 ‘Textiles: Art and the Social Fabric’, Museum of Contemporary Art Antwerp, Belgium ‘Mexico: Expected/Unexpected’, TEA Tenerife Space for the Arts, Canary Islands; Stedelijk Museum Scheidam, The Netherlands; Museum of Contemporary Art San Diego, CA, USA ‘Target Practice: Painting Under Attack 1949-78’, Seattle Art Museum, Seattle, WA, USA ‘Brazil Contemporary’, Museum Boijmans van Beuningen, Rotterdam, The Netherlands ‘North Looks South: Building the Latin American Art Collection’, Museum of Fine Arts, Houston, TX, USA ‘NÓS’, Museu da República, Rio de Janeiro, Brazil ‘Hot Spots: Rio de Janeiro / Milan – Turin / Los Angeles, 1956-1969’, Kunsthaus Zurich, Zurich, Switzerland ‘Intersections: The Grand Concourse at 100’, The Bronx Museum of Arts, Bronx, NY, USA 2008 ‘Here is Every: Four Decades of Contemporary Art’, Museum of Modern Art, New York, NY, USA ‘Color in to Light: Selections from the MFAH Collection’, Museum of Fine Arts, Houston, TX, USA ‘Isabel and Agustin Coppel Collection, Mexico: Expected / Unexpected’, La Maison Rouge, Paris, France ‘When Lives Become Form – Contemporary Brazilian Art: 1960-Present’, Museum of Contemporary Art Tokyo, Tokyo, Japan; Yerba Buena Center for the Arts, San Francisco, CA, USA ‘Untitled (Vicarious): Photographing the Constructed Object’, Gagosian Gallery, New York, NY, USA ‘Latin American and Caribbean Art: Selected Highlights from the Collection of The Museum of Modern Art’, New York State Museum, Albany, NY, USA ‘Time & Place: Rio de Janeiro 1956-1964’, Moderna Museet, Stockholm, Sweden ‘Face to Face: Part 2’, The Daros Collections, Zurich, Switzerland ‘Arte ≠ Vida: Actions by Artists of the Americas, 1960-2000’, El Museo del Barrio, New York, NY, USA ‘Correspondences: Contemporary Art from the Coleccion Patricia Phelps de Cisneros’, Beard Gallery and Weil Gallery, Watson Fine Arts, Wheaton College, Norton, MA, USA 2007 ‘New Perspectives in Latin American Art, 1930-2006: Prints, Photographs, and Media Works’, Museum of Modern Art, New York, NY, USA ‘Face to Face’, The Daros Collections, Zurich, Switzerland ‘Sympathy for the Devil: Art and Rock and Roll since 1967’, Museum of Contemporary Art, Chicago, IL, USA ‘Dimensions of Constructive Art in Brazil: The Adolpho Leirner Collection’, Museum of Fine Arts Houston, Houston, TX, USA ‘Dimensions of Constructive Art in Brazil: The Adolpho Leirner Collection’, Haus Konstruktiv, Zurich, Switzerland ‘Constructing a Poetic Universe: The Diane and Bruce Halle Collection of Latin American Art’, Museum of Fine Arts Houston, Houston, TX, USA ‘The Geometry of Hope: Latin American Abstract Art from the Patricia Phelps de Cisneros Collection’, Blanton Museum of Art, University of Texas at Austin, Austin, TX, USA; Grey Art Gallery at New York University, New York, NY, USA 2006 ‘Certain Encounters: Daros-Latinamerica Collection’, Morris and Helen Belkin Art Gallery, Vancouver, Canada ‘Concreta ’56: A Raiz da Forma’, Museum of Modern Art, São Paulo, Brazil ‘Defamation of Character’, P.S.1 Contemporary Art Center, Long Island City, NY, USA 2005 ‘Collection Remixed’, The Bronx Museum of the Arts, The Bronx, NY, USA ‘Open Systems: Rethinking Art c.1970’, Tate Modern, London, UK ‘Spectrum’, Galerie Lelong, New York, NY, USA ‘Tropicália: A revolution in Brazilian Culture’, Museum of Contemporary Art, Chicago, IL, USA ‘Tropicália: A revolution in Brazilian Culture’, The Barbican Gallery, London, UK; The Bronx Museum, the Bronx, NY, USA 2004 ‘Beyond Geometry: Experiments in Form, 1940’s-70’s’, Los Angeles County Museum of Art, Los Angeles, CA, USA; Miami Art Museum, Miami, FL, USA ‘Inverted Utopias: Avant-Garde Art in Latin America’, Museum of Fine Arts, Houston, TX, USA ‘MoMA at El Museo: Latin American and Caribbean Art from the Collection of the Museum of Modern Art’, El Museo del Barrio, New York, NY, USA ‘Organized Delirium: New York 1970-1978’, Galerie Lelong, New York, NY, USA 2003 ‘The Last Picture Show: Artists Using Photography, 1960-1982’, Walker Arts Center, Minneapolis, MN, USA; UCLA Hammer Museum, Los Angeles, CA, USA; Fotomuseum, Winterthur, Switzerland ‘X-Screen: Film Installations and Actions of the 1960’s and 1970’s’, Factory Museum Moderner Kunst Stiftung Ludwig Wien, Vienna, Austria 2002 ‘Brazil: Body and Soul’, Guggenheim Foundation, New York, NY, USA ‘Caminhos do Contemporâneo, Paço Imperial, Rio de Janeiro, Brazil ‘Parallels: Brazilian Art of the Second Half of the Twentieth Century in Context – Colección Cisneros’, Museu de Arte Moderna, São Paulo, Brazil; Museu de Arte Moderna, Rio de Janeiro, Brazil ‘poT’, Liverpool Biennial, Liverpool, UK; Galeria Fortes Vilaçia, São Paulo, Brazil ‘St. Petrischnee’, Migros Museum, Zürich, Switzerland 2001 ‘Central Cities’, Tate Modern, London, UK ‘Da Adversidade Vivemos’, Musée d’Art Moderne, Paris, France ‘Geometric Abstraction in Latin American Art: the Patricia Phelps de Cisneros Collection’, Fogg Art Museum, Harvard University, Cambridge, MA, USA 2000 ‘Beyond Preconceptions: The Sixties Experiment’, National Gallery of Prague, Prague, Czech Republic; Zacheta National Gallery of Contemporary Art, Warsaw, Poland; Museo de Arte Moderno, Buenos Aires, Argentina; Paço Imperial, Rio de Janeiro, Brazil; Museu de Ate Moderna, São Paulo, Brazil; Freedman Gallery, Albright Center for the Arts, Reading, PA, USA; Samuel P. Harn Museum, University of South Florida, Gainesville, FL, USA; Berkeley Art Museum, University of California, Berkeley, CA, USA ‘Campos de Fuerzas: Un Ensayo Sobre lo Cinético’, Museu d’Art Contemporani de Barcelona, Barcelona, Spain ‘Force Fields’, Museo de Arte Contemporaneo, Barcelona, Spain ‘Heterotipos Faces del Cinetico’, Museo Reina Sofia, Madrid, Spain ‘Mostra Redescobrimento – Brasil 500 Anos’, Museu de Arte Moderna, São Paulo, Brazil ‘Vivencias’, Generali Foundation, Vienna, Austria 1999 ‘Circa 1968’, Fundação Serralves, Porto, Portugal ‘Exercise of Freedom’, Museum of Contemporary Art, Los Angeles, CA, USA ‘Global Conceptualism’, Queens Museum of Art, Queens, NY, USA; Walker Art Center, Minneapolis, MN, USA; Museum of Modern Art, Miami, FL ‘Objecto’, Itacultural, São Paulo, Brazil; Museu de Arte Moderna, Rio de Janeiro, Brazil ‘Poéticas da Cor’, Centro Cultural Light, Rio de Janeiro, Brazil ‘Trouble Spot Painting’, Museum of Contemporary Art, Antwerp, Belgium 1998 ’30 Anos de Tropicalismo’, Museo de Arte Moderna da Bahia, Salvador, Bahia, Brazil ‘Il Bienal Internacional de Fotografia’, Curitiba, Paraná, Brazil 1997 ‘Bienal do Mercosul’, Porto Alegre, Brazil ‘Documenta X’, Kassel, Germany 1995 ‘Bloco Experiences’, Marian Goodman Gallery, New York, NY, USA ‘Hall of Mirrors’, Museum of Contemporary Art, Los Angeles, CA, USA 1994 ‘22 Bienal da São Paulo: Fundaçnão Bienal, Sala Especial Bloco – Experiêncas in Cosmococa – Program in Progress’, Galeria de Arte São Paulo, São Paulo, Brazil 1992 ‘Brazilian Art’, Kunsthaus, Zürich, Switzerland ‘Artistas latinoamericanos del siglo XX’, Comisaria de la Ciudad de Sevilla para 1992; ‘Art d’Amerique Latine 1911-1968’, to Centre Georges Pompidou, Paris, France; Josef-Haubrich Kunsthalle, Museum Ludwig, Cologne, Germany; Museum of Modern Art, New York, NY, USA 1991 ‘Experiência Neoconcreta: Rio de Janeiro, 59/60’, Museu de Arte Moderna, Rio de Janeiro, Brazil ‘Imagem sobre Imagem’, Espaço Cultural Sérgio Porto, Rio de Janeiro, Brazil 1989 ‘Art in Latin America – The Modern Era, 1820-1980’, Hayward Gallery, London, UK; National Museum Stockholm, Stockholm, Sweden; Palacio de Velásquez, Madrid, Spain ‘Mundo Abrigo’, Galeria 110 Arte Contemporânea, Rio de Janeiro, Brazil ‘The Latin American Spirit: Art and Artists in the United States 1920-1970’, The Bronx Museum of the Arts, the Bronx, NY, USA 1988 ‘Arte Brasileira do Século XX’, Museu de Arte Moderna, São Paulo, Brazil ‘Brazil Projects’, PS1 – the Institute for Art and Urban Resources, Inc. and Sociedade Cultural Art-Brasil, Long Island City, NY, USA 1987 ‘Latin American Artists in New York since 1970’, Archer M. Huntington Art Gallery, University of Texas at Austin, Austin, TX, USA ‘Modernidade: Art Brésilien du 20e Siècle’, Musée d’Art Moderne de la Ville de Paris, Paris, France ‘Palavra Imagica’, Museu de Arte Contemporana, São Paulo, Brazil ‘Tropicalia: 20 Anos’, Centro de Lazer SESC Pompeia, São Paulo, Brazil 1986 ‘IX Salão Nacional’, FUNARTE, Rio de Janeiro, Brazil ‘JK e Os Anos 50 – Uma Visão da Cultura e do Cotidiano’, Galeria Investiarte, Rio de Janeiro, Brazil ‘Lygia Clark e Hélio Oiticica’, Sala especial do 9 Salão Nacional de Artes Plasticas, Paço Imperial, Rio de Janeiro, Brazil; Museu de Arte Contemporãnea, São Paulo, Brazil 1985 ‘i’, FUNARTE, Rio de Janeiro, Brazil ‘A Arte e Seus Materiais-Atitudes Contemporaneas’, Sala Especial do Salão Nacional de Artes Plasticas, Rio de Janeiro, Brazil ‘Opinião 65’, Galeria de Arte BANERJ, Rio de Janeiro, Brazil ‘Tropicália, Gil-20 Anos Luz’, Anhembi, São Paulo, Brazil 1984 ‘Colecão Gilberto Chateuabriand – Retrato e Auto-Retrato da Arte Brasileira’, Museu de Arte Moderna, São Paulo, Brazil ‘Grupo Frente 1954-1956; I Exposicao Nacional de Arte Astrata – Hotel Quitandinha 1953’, Galeria de Arte BANERJ, Rio de Janeiro, Brazil ‘Neoconcretismo 1959-1961’, Ciclo de Exposicoes sobre Arte no Rio de Janeiro – Galeria de Arte BANERJ, Rio de Janeiro, Brazil ‘Portrais of a Country – Brazilian Modern Art from the Gilberto Chateaubriand Collection’, Barbican Art Gallery, London, UK 1983 ‘Quase Cinema’, FUNARTE / Museu de Arte Moderna, Rio de Janeiro, Brazil 1981 ‘Latin American Artists’, Edinburgh International Festival, Edinburgh, Scotland 1978 ‘Objecto na Arte: Brasil Anos 60’, Museu de Arte Brasileira da FAAP, São Paulo, Brazil 1976 ‘Arte Brasileira, Seculo XX – Caminhos e Tendencias’, Galeria de Arte Global, São Paulo, Brazil 1973 ‘Expoprojeção’, São Paulo, Brazil 1972 ‘Exposição’, Museu de Arte Moderna, Rio de Janeiro, Brazil 1970 ‘Abstracao Geometrica – Concretismo e Neoconcretismo’, Galeria FUNARTE, Rio de Janeiro, Brazil ‘Information’, Museum of Modern Art, New York, NY, USA ‘Ogramurbana’, Museu de Arte Moderna, Rio de Janeiro, Brazil 1967 ‘IV Modern Art Salon’, Brasil ‘V Biennale de Paris’, Musee d’Art Moderne de la Ville de Paris, Paris, France ‘Apresentacao da Vanguarda Brasileira’, Universidade Federal de Minas Gerais, Belo Horizonte, Brazil ‘Barata, Waldemar Cordeiro, Hélio Oiticica’, Museu de Arte Moderna, Rio de Janeiro, Brazil ‘I Bienal Nacional de Artes Pasticas’, Secretaria de Educacao e Cultura da Bahia, Salvador, Bahia, Brazil ‘Ninth International Art Exhibition of Japan’, Tokyo, Japan ‘Nova Objetividade Brasileira’, Museu de Arte Moderna, Rio de Janeiro, Brazil 1966 Galeria Atrium, São Paulo, Brazil ‘Opinião 66’, Museu de Arte Moderna, Rio de Janeiro, Brazil 1965 ‘VIII Viennial’, São Paulo, Brazil ‘Opinião 65’, Museu de Arte Moderna, Rio de Janeiro, Brazil ‘Quarta Exposicao do Grupo Frente’, Cia Siderúgica Nacional, Volta Redonda, Rio de Janeiro, Brazil 1961 ‘Exposicao Neoconcreta’, Museu de Arte Moderna, São Paulo, Brazil 1960 ‘Konkrete Kunst’, Zürich, Switzerland 1959 ‘Exposicao Neoconcreta’, Museu de Arte Moderna, Rio de Janeiro, Brazil/ Ministerio da Educacao e Cultura, Rio de Janeiro, Brazil; Museu de Arte Moderna, Parque Ibirapuera, São Paulo, Brazil; Salvador, Bahia, Brazil 1957 ‘Arte Moderno en Brasil: Esculturas, Pinturas, Dibujos, Grabados’, Museu Nacional de Bellas Artes, Buenos Aires, Argentina ‘Biennial’, São Paulo, Brazil ‘Modern Art of Brazil’, Museo Nacional de Buenos Aires, Buenos Aires, Argentina 1956 ‘Secuondo Exposicao do Grupo Frente’, Resende, Rio de Janeiro, Brazil; Volta Redonda, Rio de Janeiro, Brazil ‘Exposicao Neoconcreta’, Museu de Arte Moderna, São Paulo, Brazil; Ministerio da Educacao e Cultura, Rio de Janeiro, Brazil ‘Pintura Brasileña Contemporanea’, Montevideo, Uruguay 1955 ‘Premiero Exposicao do Grupo Frente’, Museu de Arte Moderna, Rio de Janerio, Brazil Filmography Agripina é Roma-Manhattan, 1972, super-8 (unfinished) Brasil Jorge, c. 1971, super-8 Cosmococa Programa in Progress, 1973, ‘Experience-Blocks’ composed of slides, soundtrack and instructions, designated CC1 to CC9 CC1 – Trashiscapes, with Neville d’Almeida CC2 – Onobject, with Neville d’Almeida CC3 – Maileryn, with Neville d’Almeida CC4 – Nocagions, with Neville d’Almeida CC5 – Hendrix-war, with Neville d’Almeida CC6, with Thomas Valentin, 1973, slides, soundtrack and instructions CC7, with Guy Brett, 1973, slides, soundtrack and instructions CC8, alone or with Vigilia / Über Coca, proposal for Silviano Santiago, 1973, slides, soundtrack and instructions CC9 – Coca Oculta proposal for Carlos Vergara, 1973, slides, soundtrack and instructions Helena inventa Ângela Maria, 1975, 5 ‘Experience-Blocks’, with slides, soundtrack and instructions that vary according to the situation Neyrotika, 1973, 80 slides with soundtrack and instructions (unfinished) Norma inventa La Bengell, 1975 (unfinished) Awards 1970 Guggenheim Fellowship, New York, NY, USA 1969 Artist-in-Residence, Sussex University, Brighton, UK Monographs Basualdo, Carlos. Hélio Oiticica: Quasi-Cinemas. Ostfildern, Germany: Hatje Cantz, 2001. Brett, Guy and Luciano Figueiredo. Oiticica in London. London, UK: Tate Publishing, 2007. D’Almeida, Neville and Hélio Oiticica. Cosmococa: Programa in Progress. Rio de Janeiro: Projecto Hélio Oiticica, 2005. Figueiredo, Luciano. Hélio Oiticica: Painting Beyond the Frame. Rio de Janeiro: Silvia Roesler edicoes de arte, 2008. Ramírez, Mari Carmen. Hélio Oiticica: The Body of Color. Houston: Museum of Fine Arts, Houston, 2007. Small, Irene. Hélio Oiticica: Folding the Frame. Chicago: University of Chicago Press, 2016. Zelevansky, Lynne, Elisabeth Sussman, James Rondeau, et al. Hélio Oiticica: To Organize Delirium. Pittsburgh, PA: Carnegie Museum of Art, 2016. Collections Carnegie Museum of Art, Pittsburgh, PA, USA Cisneros Fontanals Art Foundation, Miami, FL, USA Colección Isabel and Agustin Coppel, Mexico Daros-Latinamerica, Zürich, Switzerland Frankel Foundation, Bloomfield Hills, MI, USA Glenstone Foundation, Potomac, MD, USA Guggenheim Abu Dhabi, Abu Dhabi, United Arab Emirates Inhotim Centro de Arte Contemporânea, Belo Horizonte, Brazil Los Angeles County Museum of Art, Los Angeles, CA, USA Museo de Arte Latinoamericano de Buenos Aires, Buenos Aires, Argentina Museo de Arte Reina Sofia, Madrid, Spain Museu d’Art Contemporani de Barcelona, Barcelona, Spain Museu de Arte Contemporânea da Universidade de São Paulo, São Paulo, Brazil Museu de Arte Contemporanea de Niterói, Brazil Museu de Arte Moderna, Rio de Janeiro, Brazil Museum of Fine Arts, Houston, TX, USA Museum of Modern Art, New York, NY, USA Pérez Art Museum Miami, FL, USA Tate Modern, London, UK Walker Art Center, Minneapolis, MN, USA
