Amilcar de Castro

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Amilcar de Castro: Un Maestro de la Geometría Escultural

Amílcar Augusto Pereira de Castro
• Nació: 6 de junio de 1920; Paraisópolis, Minas Gerais, Brazil
• Falleció: 21 de noviembre de 2002 en Belo Horizonte, Minas Gerais, Brasil
• Nacionalidad: Braziliaña
• Movimiento: Neo-Concretismo
• Género: pintura abstracta
• Campo: pintura, escultura, gráficos

Amilcar Augusto Pereira de Castro, un ilustre escultor brasileño, dejó una marca indeleble en el mundo del arte con su enfoque minimalista y geométrico. Nacido en Paraisópolis, Minas Gerais, en 1920, su trayectoria artística se caracterizó por una maestría en la forma y el espacio.

Influenciado por el arte concreto y abstracto, Amilcar de Castro exploró el potencial expresivo del metal, en particular el acero Corten, en sus esculturas. Su búsqueda de la simplicidad y la pureza resultó en obras visualmente impactantes, caracterizadas por líneas rectas, volúmenes simples y la ausencia de ornamentación.

La simplicidad de sus creaciones revela una profunda comprensión de la relación entre la forma, el espacio y el material. Sus esculturas, a menudo monumentales, transmiten una sensación de armonía y equilibrio, invitando al espectador a explorar los matices de la composición.

Amilcar de Castro dejó un legado significativo en el arte brasileño, ganando reconocimiento internacional por sus contribuciones. Sus obras se encuentran en colecciones y museos importantes en todo el mundo, perpetuando su visión artística y su impacto perdurable.

Su carrera comenzó en Río de Janeiro en 1953, cuando se convirtió en diseñador gráfico para las revistas “Manchete” y “A Cigarra”. Luego, llevó a cabo el rediseño gráfico del periódico Jornal do Brasil de 1957 a 1959. En los años sesenta, aunque se centró cada vez más en la escultura, realizó diseño gráfico para varios otros periódicos brasileños y trabajó como diseñador de libros para la editorial Editora Vozes.

A partir de la década de 1960, se centró en la escultura y, junto con Lygia Clark, Lygia Pape y Helio Oiticica, fue una de las figuras destacadas del movimiento neoconstructivista brasileño.

Después de recibir una beca de la Fundación Guggenheim y el premio “Viaje al Extranjero” en el 15º Salón Nacional de Arte Moderno en 1957, viajó a Estados Unidos y se estableció en Nueva Jersey. En 1971 regresó a Belo Horizonte y se dedicó a actividades artísticas y educativas. Dirigió la Fundación Escola Guignard de 1974 a 1977, donde enseñó “expresión bidimensional y tridimensional”. Fue profesor de escultura en la Escuela de Bellas Artes de la UFMG de 1979 a 1990 y de escultura en la Fundación de Arte de Ouro Preto-FAOP en 1979.

Amilcar de Castro es especialmente conocido por sus esculturas de hierro simples y audaces, casi siempre caracterizadas por un diseño basado en “un corte, un doblez”. Su método puede relacionarse tanto con su trabajo anterior en diseño gráfico y papel como con la herencia minera de su estado natal de Minas Gerais.

No solo produjo esculturas de acero, sino que también utilizó madera, mármol y vidrio. Reflejando su formación bajo Alberto de Guignard y su trabajo como diseñador gráfico, también produjo miles de obras gráficas, dibujos, grabados y pinturas a gran escala, así como objetos y joyas.

Amilcar de Castro estuvo casado con Dorcilia Caldeira Castro y tuvieron tres hijos. Falleció en Belo Horizonte, Brasil, el 21 de noviembre de 2002.

Las esculturas de Amilcar de Castro, con su enfoque en la geometría y la simplicidad, continúan inspirando a generaciones de artistas y admiradores del arte en todo el mundo. Su capacidad para transformar el metal en poesía visual es un tributo duradero a su genio creativo.

Perez Art Museum PAMM

“Un acto de ver que se despliega”

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“Un acto de ver que se despliega”

Fecha: 22 de mayo de 2023

Textos: Museo Reina Sofía y Sensación

Fotos: Museo Reina Sofía

El Museo Reina Sofía acoge, hasta octubre, la exposición Un acto de ver que se despliega, que plantea una aproximación a la Colección Susana y Ricardo Steinbruch.

La selección compuesta por más de cien obras reúne diferentes temporalidades y geografías, y se centra, sobre todo, en la contemporaneidad latinoamericana, especialmente brasileña, y en las prácticas artísticas que tuvieron lugar en la segunda mitad del siglo XX en la Europa Central y del Este.

Para ello, la exposición propone un recorrido que comienza con un proyecto específico de Fernanda Gomes (Brasil, 1960) y que transita desde los movimientos antiarte de la antigua República Federativa Socialista de Yugoslavia, al neoconcretismo o las respuestas artísticas que suscitaron los contextos políticos de las décadas de los sesenta y setenta.

Se dedica un ámbito a Mira Schendel (Suiza 1919-Brasil 1988), que incluye un conjunto muy importante de obras que abarca casi la totalidad de la trayectoria de la artista: en ellas se bordea la idea de territorio o se instalan en la experimentación con y desde el lenguaje.

También está representado el artista Leonilson (Brasil 1957-1993), siendo la primera vez que en España se exhibe un conjunto tan grande de obras del brasileño. Asimismo, destaca la pieza de Jonathas de Andrade (Brasil 1982), artista del Pabellón de Brasil de este año en la Bienal de Venecia.

Por su parte, cabe mencionar que esta exposición quiere evidenciar las relaciones y cruces que unen obras de diferentes autores en apariencia dispares y al tiempo se percibe una línea conceptual que sustenta la práctica de buena parte de sus artistas.

Teoría de los gestos
Las piezas seleccionadas para la exposición se articulan en torno a la teoría de los gestos, acuñada por el pensador checo-brasileño Vilém Flusser. Para él, estos rituales de la percepción –que pueden parecer mínimos y no responder a una causalidad determinada– no solo posibilitan nuestro propio reconocimiento estético y afectivo; también están en la base de una cartografía de relaciones y cruces que une artistas en apariencia dispares.

A pesar de que a mediados de los años 90 en Europa occidental se despierta cierto interés por las prácticas artísticas desarrolladas tras la Segunda Guerra Mundial en la Europa Central y del Este, es en los últimos años cuando han comenzado los acercamientos a algunos autores; aun así, en España no se han exhibido demasiado ni los trabajos a modo individual ni en un contexto común.

Reordenación de la Nueva Colección
Precisamente uno de los puntos fuertes de esta exposición es que los trabajos se muestran en una narración más amplia, no como como un mero correlato -casi un apéndice- al arte hecho en Europa Occidental como hasta ahora. Este aspecto se empezó a abordar en el Museo a partir de la reordenación de la Nueva Colección en que se incorporan estos artistas.

Por todo ello es interesante destacar, sobre todo en este momento en que se está produciendo un interés creciente a nivel internacional por el arte de los países del este, que los Steinbruch fueran pioneros al realizar hace ya varios años numerosas adquisiciones de artistas procedentes de esa parte del mundo.

Source: https://revistasensacion.com/revista/restaurantes/un-acto-de-ver-que-se-despliega/

Reseña: “Un Acto de Ver que se Despliega” y la Inmersión en el Neoconcretismo

El Museo Reina Sofía nos invita a un viaje visual y estético con su exposición “Un acto de ver que se despliega”, centrada en la Colección Susana y Ricardo Steinbruch. Esta muestra nos ofrece una mirada profunda y reflexiva sobre el arte contemporáneo latinoamericano, con un énfasis especial en el Brasil del siglo XX, sin dejar de lado influencias y movimientos clave de la Europa Central y del Este.

Es evidente la intención de crear un puente entre diferentes tiempos y espacios, y esto se refleja en la diversidad de las obras seleccionadas, transitando desde el antiarte yugoslavo hasta el neoconcretismo, movimiento que, en particular, desafió y redefinió las nociones de abstracción y representación en el arte.

Mira Schendel y su multifacética trayectoria artística merecen una mención especial. A través de sus obras, el visitante puede experimentar con las ideas de territorio, lenguaje y experimentación. Por otro lado, la presencia significativa de Leonilson, cuyas obras se exhiben por primera vez en España en tal magnitud, añade un valor inestimable a la exposición.

El concepto que articula la exposición, la “teoría de los gestos” del pensador checo-brasileño Vilém Flusser, propone una perspectiva intrigante. Flusser sugiere que estos gestos, aunque puedan parecer triviales, son fundamentales para entender las interconexiones entre artistas y obras que, a primera vista, podrían parecer no relacionadas.

Es crucial reconocer la importancia de presentar estas piezas dentro de un contexto amplio y cohesivo, en lugar de simplemente anexarlas a las prácticas artísticas más predominantes de Europa Occidental. Esta reordenación y reinterpretación del arte en la Nueva Colección del museo desafía las narrativas artísticas convencionales y propone una visión más inclusiva y global del arte del siglo XX.

En un momento en el que el arte de Europa del Este está ganando reconocimiento internacional, la exposición “Un acto de ver que se despliega” no solo destaca por su riqueza y diversidad, sino también por ser una ventana al legado visionario de los coleccionistas Steinbruch, quienes, con perspicacia y pasión, abrazaron el arte de una región a menudo eclipsada en la escena global.

En resumen, el Museo Reina Sofía, con esta exposición, nos brinda la oportunidad de explorar y apreciar las multifacéticas expresiones del neoconcretismo y otros movimientos artísticos, reafirmando la relevancia y la resonancia de estas obras en el contexto contemporáneo. Es una muestra esencial para cualquier amante del arte que busque expandir su horizonte estético y comprender las intersecciones culturales y artísticas del siglo XX.

Perez Art Museum PAMM

Studio Museum

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The Studio Museum in Harlem Artist-in-Residence

Please Click And Support

Proposed as a founding initiative in 1968, the Artist in Residence program has earned The Studio Museum in Harlem recognition for its catalytic role in advancing the work of visual artists of African and Afro-Latinx descent. 

Every year, the Museum offers an eleven-month residency for three local, national, or international artists working in any media. Individuals selected for the residency receive institutional guidance and professional development, research support, studio space, and a stipend paid out over the course of the residency. In addition to their time in the studio, artists participate in Museum public programs and educational studio visits with community partners. The residency culminates with a group exhibition featuring artworks made by each of the artists during their time in the program.

History

The Museum’s iconic Artist-in-Residence program, envisioned by artist William T. Williams, gives emerging artists an unparalleled opportunity to develop their practice in an eleven-month residency, and offers audiences the chance to view this work in annual exhibitions. 

Alumni of the program include some of today’s most significant and innovative artists, such as Njideka Akunyili Crosby, David Hammons, Titus Kaphar, Simone Leigh, Kerry James Marshall, Julie Mehretu, Wangechi Mutu, Mickalene Thomas, and Kehinde Wiley. These artists have exhibited their work around the nation and the world in solo and group exhibitions, entered their work into important museum collections, and received many prestigious fellowships and awards. 

How to Apply

2023–24 Artist-in-Residence Program Dates: October 16, 2023—September 27, 2024 

Application Period: April 10—May 22, 2023

Application Deadline: May 22, 2023, at 11:59 pm EST 

Applicants to the Artist-in-Residence program are required to submit a resume or CV, up to ten but no less than five images or videos of examples of artworks, and an artist statement; letters of recommendation are encouraged but not required.

More About the Residency Program

The residency offers each artist a private studio space throughout the duration of the program.
A stipend of $37,500 paid out over the course of the residency.
Artists are required to engage with their studio practice at a minimum of twenty hours per week.  
A selection of artworks made by the artists throughout the course of the residency will be featured in a culminating exhibition.  
Over the course of the residency program, artists are required to participate in the Museum’s annual Open Studios, a number of public programs and educational studio visits, and a rigorous engagement with the Museum’s Curatorial Department and other Museum departments.  
Artists cannot be in school or committed to another residency while in the Studio Museum Artist-in-Residence program. 
Artists should apply to the residency with the understanding that they may be asked to work remotely. As the Museum remains committed to the health and safety of the artists in residence and staff, the Museum reserves the right to establish a remote residency, if necessary, at any point throughout the residency period. 
Artists should be prepared to follow appropriate COVID-19 safety regulations in accordance with CDC guidelines.

The Studio Museum in Harlem Artist-in-Residence program is funded by the Glenstone Foundation. Additional support for the Artist-in Residence program provided by The American Express Kenneth and Kathryn Chenault Sponsorship Fund; National Endowment for the Arts; Joy of Giving Something; Robert Lehman Foundation; Doris Duke Charitable Foundation; Jerome Foundation; Anonymous; Milton and Sally Avery Arts Foundation; and by endowments established by the Andrea Frank Foundation; the Jacob and Gwendolyn Knight Lawrence Trust; and Rockefeller Brothers Fund. Additional funding is generously provided by The New York City Department of Cultural Affairs and New York State Council on the Arts.

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New York, New York 10027

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Perez Art Museum PAMM

Thelma Golden

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Thelma Golden

Thelma Golden is Director and Chief Curator of The Studio Museum in Harlem, an art museum founded in 1968 whose mission is to serve as the nexus for artists of African descent locally, nationally and internationally. Golden began her career at the Studio Museum in 1987 before joining the Whitney Museum of American Art in 1988. In a decade at the Whitney, she was a member of the curatorial team for the 1993 Biennial, organized numerous groundbreaking exhibitions including 1994’s Black Male: Representations of Masculinity in American Art, and served as Director of the Whitney Museum at Phillip Morris. She returned to the Studio Museum in 2000 and was named Director and Chief Curator in 2005. While at the Studio Museum, Golden has organized many notable exhibitions including Chris Ofili: Afro Muses 1995-2005, Black Romantic, Freestyle, Frequency, Glenn Ligon: Stranger and Gordon Parks: A Harlem Family 1967. Under her leadership, the Studio Museum has gained increasing renown as a global leader in the exhibition of contemporary art, a center for innovative education and a site for diverse audiences to exchange ideas about art and society.

Golden holds a B.A. in Art History and African American Studies from Smith College and honorary doctorates from Bard College, the City College of New York, Columbia University, and Smith College. Golden was appointed to the Committee for the Preservation of the White House by President Obama in 2010, and in 2015 joined the Barack Obama Foundation’s Board of Directors. Golden was the recipient of the 2016 Audrey Irmas Award for Curatorial Excellence. In 2018, Golden was awarded a J. Paul Getty Medal. She is an active lecturer and panelist speaking about contemporary art and culture at national and international institutions.

Experience

The Studio Museum in HarlemThe Studio Museum in Harlem 23 years 9 months
- Director and Chief Curator 2005 – Present · 18 years 9 months
- Deputy Director for Exhibitions and Programs 2000 – 2005 · 5 years
Special Projects Curator Peter Norton Family Foundation 1998 – 1999
Whitney Museum of American Art Whitney Museum of American Art 7 years
- Associate Curator and Director of Branch Museums 1993 – 1995
- Branch Director Branch Director 1991 – 1993
Curatorial Assistant to Dr. Kellie Jamaica Center for Arts and Learning, Inc. 1990 – 1991
Curatorial Assistant Whitney Museum of American Art 1988 – 1990
Curatorial Fellow The Studio Museum in Harlem 1987 – 1988

Perez Art Museum PAMM

Miyoko Ito

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Miyoko Ito (1918–1983) A Luminous Legacy from Abstract Reveries

Review: “A Sanctuary Between Japan and America” by Jerry Saltz

In the evocative portrayal “A Sanctuary Between Japan and America,” Jerry Saltz crafts a poignant journey through the life and artistry of Miyoko Ito. The piece is a vivid tapestry, interweaving personal memories with art critique. Saltz captures Ito’s resilience amidst hardships— from racial tensions in Berkeley to the traumatic Japanese internment camps, echoing the vibrancy and depth of Ito’s paintings. The meticulous description of Ito’s artworks, like “beads and bumps of paint accumulate,” offers readers an almost tactile experience. It is particularly intriguing how Saltz juxtaposes Ito’s adventures with her artistic expressions, suggesting that her early years in Japan deeply informed her art. The article doesn’t just introduce us to an artist but immerses us in her world, revealing the “shimmers of supernal otherness” that pervade Ito’s works. An essential read for anyone keen to explore the intersection of personal history, cultural heritage, and artistic expression.

Miyoko Ito, the luminous American painter of Japanese descent, intricately wove her unique life experiences into her canvases, culminating in a legacy of introspective and intricate abstract art. Born in Berkeley, CA, in 1918, her early life was marked by the significant disruption of being incarcerated in the Tanforan internment camp for Japanese Americans during World War II. This painful chapter didn’t deter her spirit, and she subsequently pursued her passion for art, attending institutions like the University of California at Berkeley, Smith College, and finally, the School of the Art Institute in Chicago, where she blossomed as a painter.

Miyoko Ito, Island in the Sun, 1978. Oil on canvas, 38 x 33 inches. Courtesy John B. Pittman. [Gradient red and green, curved and cusped shades. A red pointed mound sits atop a pale green inverted triangle inside angular red and green rectangles.]

Ito’s technique was one of laborious love. Often working from sunrise to sunset, she immersed herself in her art, building layers of paint, each brushstroke meticulously crafted. While her paintings remained abstract, they resonated with the atmospheric evocations of landscapes, interiors, and the human body. Chicago, with its vibrant art scene, influenced Ito profoundly. She once remarked how the city bestowed a “sense of surrealism upon her.”

Despite the initial observational quality of her paintings, Ito’s artistry began to veer towards the abstract under the influence of masters like Georges Braque and Hans Hofmann. Yet, her abstracts always retained their sense of grounding. Her canvases, whether invoking the landscapes of Japan or the vistas of California, were suffused with a profound sense of place, albeit not bound to a specific geographical location. Her work often embodied an otherworldly aura, creating mirages from the mind that encapsulated the “no place and every place.”

Remarkably, even in a landscape dominated by the Chicago Imagists, Ito carved out a distinctive niche for herself. Despite her art’s pictorial ambiguity, by the 1960s, she became a beacon in the realm of abstract painting in Chicago. While her images emerged from a solitary space, often a spare bedroom in her home, they resonated deeply with a broader audience.

One of the defining characteristics of Ito’s later works is how she treated her canvases. Attaching the canvas edges with partially driven nails, she emphasized the raw materiality of her medium. This elemental treatment of canvas paralleled the pure, non-objective compositions she painted, creating a cohesive unity in her work.

While Miyoko Ito may have once described herself modestly as “a painter wife who has raised two children,” her legacy is far-reaching. Her contributions to the world of abstract art are celebrated, with her works gracing esteemed institutions like the Whitney Museum of American Art, the Art Institute of Chicago, and the Smithsonian American Art Museum.

In Ito’s art, we witness a relentless spirit, an artist undeterred by societal and personal challenges. Her canvases glow, not just with the meticulously layered paint, but with the intensity of a life fully lived, of challenges faced head-on, and of a profound understanding of both the world and the self.

Biography

Miyoko Ito was born in Berkeley, California, to Japanese parents in 1918. As a young girl, she spent several years with her mother and sister in Japan, where she first experimented with calligraphy and painting. Ito followed her father in attending the University of California, Berkeley, where she studied watercolor under John Haley, Erle Loran, and Worth Ryder. Months before her graduation in 1942, Ito was sent to Tanforan, an internment camp south of San Francisco. Released years before her new husband, she briefly matriculated at Smith College before transferring to the School of the Art Institute of Chicago, where she received a scholarship but never graduated. Although her efforts were highly susceptible to regionalization, Ito participated in the 1975 Whitney Biennial and was honored with a retrospective exhibition at the Renaissance Society in 1980. She was represented by Phyllis Kind Gallery in Chicago and New York from the late 1960s through her death in 1983. Recent exhibitions include solo presentations at the University of California, Berkeley Art Museum and Pacific Film Archive, 2017; Adam Baumgold Gallery, New York, 2006 and 2014; VeneKlasen/Werner, Berlin, 2012; and No Vacancies, a group presentation at Marianne Boesky Gallery, New York, 2015.

Cover photo: https://www.macdowell.org/special-projects/legacy-miyoko-ito

Artwork: Artistsspace.org

Perez Art Museum PAMM

Raúl Lozza

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Exploring the Vibrant Geometry of Raúl Lozza

Concrete Art Movement Artist.

Among the pioneers of the Latin American concrete art movement, Argentinian artist Raúl Lozza stands out for his meticulous compositions brimming with color, dynamism, and optical intrigue. Though largely immersed in geometry, his body of work reveals a creative spirit enraptured by the interplay of shapes, colors, and the effects they produce on the viewer.

From Buenos Aires to Paris

Born in Buenos Aires in 1911, Lozza embarked on his artistic journey through drawing and painting classes as a teenager. In the 1930s, he co-founded the Asociación de Arte Concreto-Invención, an artistic collective that propelled the concrete art style in Argentina. This movement centered on abstract geometric forms and precise aesthetic order rather than figural representation.

In 1936, Lozza traveled to Paris to further hone his skills. There he mingled with giants of modern art like Piet Mondrian, connecting with European abstractionists. Back in Buenos Aires, he continued developing his signature style based on geometric abstraction.

The Magnetic Pull of Geometry

At the core of Lozza’s visual language sits his passion for geometry. Reminiscent of artistic contemporaries like Josef Albers, Lozza explored the dynamic interplay of squares, rectangles, circles, and lines. By subtly tweaking shapes and the relationships between them, his compositions generate flux, rhythm, and intrigue.

Lozza produced varied series where geometry takes center stage. The “Perfection of Forms” pays homage to the grandeur of geometric purity. The “Movimiento Generativo” series reveals shapes progressively transforming into new configurations. Other series highlight hypnotic vibrations produced through color and line.

Kinetic Illusions and Optical Effects

While grounded in geometry, Lozza’s work activates visual perception through clever illusions and optical effects. By leveraging contrast, repetition and placement, his designs seem to pulsate, swell and contract before the viewer’s eye. These kinetics usher the viewer into an experience that feels alive.

Lozza also produced actual moving pieces such as his “Cinetic Sections,” marrying concrete art and technology. These mobiles used geometry to showcase perpetual motion.

Universal Language

While concrete art flourished in Latin America, Lozza’s aesthetic vocabulary transcends boundaries. His work speaks a universal language where shapes, colors and composition produce visceral reactions. While intensely rational, his designs unlock new ways of seeing through a sublime interplay of forms.

Over his decades-long career until his death in 1991, Raúl Lozza helped propel concrete art from Latin America onto the global stage. Through masterful geometric compositions, he proves that precision and technical rigor can unleash boundless visual fascination.

Concrete Art Movement Artists:

Joaquín Torres García, Spanish, 1874–1949
Theo van Doesburg, Dutch, 1883–1931
Georges Vantongerloo, Belgian, 1886–1965
Josef Albers, German, 1888–1976
Alberto Magnelli, Italian, 1888–1970
Camille Graeser, Swiss, 1892–1980
Adolf Fleischmann, German, 1892–1968
Leo Leuppi, Swiss, 1893–1972
Henryk Stazewski, Polish, 1894–1988
Marcelle Cahn, French, 1895–1981
Galliano Mazzon, Italian, 1896–1978
Atanasio Soldati, Italian, 1896–1953
Otto Gustav Carlsund, Russian, 1897–1948
Robert Strubin, Swiss, 1897–1965
Fritz Glarner, American, 1899–1972
Friedrich Vordemberge-Gildewart, German, 1899–1962
Cesar Domela, Dutch, 1900–1992
Lolo Soldevilla, Cuban, 1901–1971
Hans Hinterreiter, Swiss, 1902–1989
Richard Paul Lohse, Swiss, 1902–1988
Leon Arthur Tutundjian, French, 1905–1968
Bruno Munari, Italian, 1907–1998
Sandu Darie, Romanian, 1908–1991
Luigi Veronesi, Italian, 1908–1998
Max Bill, Swiss, 1908–1994
Richard Mortensen, 1910–1993
Aurelie Nemours, French, 1910–2005
Raul Lozza, Argentinean, 1911–2008
Olle Baertling, Swedish, 1911–1981
Lothar Charoux, Austrian, 1912–1987
Verena Loewensberg, Swiss, 1912–1986
Mario Ballocco, Italian, 1913–2008
Carmelo Arden Quin, French, 1913–2010
Carmen Herrera, American, 1915
Pablo Palazuelo, Spanish, 1916–2007
Lennart Rodhe, Swedish, 1916–2005
Gottfried Honegger, Swiss, 1917
Mario Nigro, Italian, 1917–1992, 10
Nadir Afonso, Portuguese, 1920
Lidy Prati, Argentinean, 1921–2008
Tomás Maldonado, Argentinean, 1922
Ivan Serpa, Brazilian, 1923–1973
Günter Fruhtrunk, German, 1923–1982
Luis Sacilotto, Brazilian, 1924–2003
Gyula Kosice, Argentinean, 1924
François Morellet, French, 1926
Yaacov Agam, Israeli, 1928
Cesar Paternosto, Argentinean, 1931
Rubem Ludolf, Brazilian, 1932–2010
Andrzej Nowacki, Polish, 1953
Silvestre, Cuban, 1966

Perez Art Museum PAMM

JÓVENES CON FIA

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JÓVENES CON FIA

Por: Nicomedes Febres Luces

Hoy se inaugura a las 11 a.m. en medio de inmensas dificultades el Salón de Jóvenes con FIA en la Universidad Católica Andrés Bello por vigésima tercera vez consecutiva y bajo la curaduría de Elizabeth Marín. Verán el trabajo de unos sesenta jóvenes elegidos por ella y que representa sin dudas el Arte de nuestros jóvenes artistas. Gracias a Elizabeth, a la Universidad Católica Andrés Bello, a nuestros patrocinantes, a nuestros jóvenes artistas participantes y a todos aquellos que apuestan por el futuro de Venezuela. Ha sido un esfuerzo titánico.

Perez Art Museum PAMM

JOSE GREGORIO Y GALLEGOS

Por

AMM

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JOSE GREGORIO Y GALLEGOS

Por, Nicomedes Febres Luces

Antes de hacerse famoso por su novela Doña Bárbara una década después, Rómulo Gallegos escribió en el número 27 del 6 de julio de 1919 de la revista femenina Actualidades, muy exitosa entonces y sin ser un chupacirios, un artículo muy sentido sobre la muerte de José Gregorio Hernández que conmocionó a la ciudad por lo abrupta e inesperada. Dice al respecto nuestro novelista: “Pocas veces he visto en Caracas una manifestación de duelo más espontánea, general y profunda por la muerte del señor Doctor José Gregorio Hernández. Fue arrollado el domingo 29 de junio pasado. La noticia dolorosa se divulgó pronto produciendo una dolorosa impresión de estupor y pena.” Luego el escritor apunta sobre el personaje: “Unía a sus vastísimos conocimientos y a su inteligencia lúcida aquél don especial del médico por vocación, que con pronta penetración acierta a desentrañar los males del organismo”. “El doctor Hernández era un hombre raro en nuestros días por su humildad sincera, condición predominante de su carácter y por sus ideas y costumbres profundamente religiosas. Ajusto su vida leal y estrictamente a los principios de su credo católico: desprendido de los intereses y vanidades del mundo”. Luego señala: “No tuvo jamás miras interesadas, propósito de lucro, ni siquiera la vanidad del sabio seducido por el brillo de la ciencia moderna. Fue un sacerdote de la ciencia. Nunca hizo distinciones entre el cliente opulento y el mísero, y en el tugurio del proletario desamparado y enfermo solía dejar las monedas con el que el magnate recompensara sus servicios. Por eso el clamor de duelo del pueblo de Caracas era voz entrañable y sincera, que lamentaba la desaparición eterna de aquél justo que fue siempre su amigo invariable en las horas de quebranto e infortunio”. “Los altos dignatarios nacionales tomaron parte en ese duelo: el señor Ministro de Instrucción Pública participó la infausta nueva al señor general Juan Vicente Gómez, presidente electo de la República”. “El Doctor Márquez Bustillos, presidente provisional hizo acto de presencia en la capilla ardiente en uno de los salones del edificio de la Universidad. Solemnísimo fue el acto. El pueblo llevó en hombros el féretro hasta el Cementerio General del Sur y los jardines del Ávila despojáronse de sus flores para la tumba del ilustre desaparecido y las lágrimas de dolor corrieron incontenibles y copiosas como la mejor y más pura ofrenda a su memoria”.

En la foto Rómulo Gallegos antes de ser presidente electo más de dos décadas después en 1947

Perez Art Museum PAMM

Geometría Diversa

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Geometría Diversa

Un Hito Artístico en Tiempos de Renovación y Solidaridad

El arte siempre ha sido un medio de expresión que trasciende fronteras y tiempos difíciles, y “Geometría Diversa” es un claro ejemplo de cómo el arte puede ser una fuente de inspiración y ayuda en momentos críticos. Esta exposición de gran envergadura, que marca la inauguración de los nuevos espacios de la Quinta San Pedro, sede de la Fundación Centro de Terapias Integrales de Venezuela (CTIVE), representa un hito significativo en la vida cultural del país. Organizada bajo la curaduría de María Antonia González y la museografía de Nanín García, “Geometría Diversa” presenta una selección impresionante de obras de 37 artistas cinéticos de renombre, junto con emergentes talentos del mundo del arte.

Este evento artístico no solo celebra la belleza de la geometría y el movimiento en el arte, sino que también se erige como un símbolo de resiliencia en un momento en el que el mundo se recupera de los impactos de la pandemia. Después de un período de limitaciones y distanciamiento, “Geometría Diversa” es un recordatorio de la importancia del arte como un medio para unir a las personas y restaurar el espíritu humano.

La lista de artistas participantes en esta exposición es impresionante y diversa, abarcando desde los maestros consagrados como Jesús Soto, Carlos Cruz-Diez y Víctor Vasarely, hasta artistas emergentes como J.J. Moros y Mechi de Tulio. Cada uno de ellos aporta su visión única al mundo de la geometría cinética, explorando la interacción entre formas y colores de una manera que desafía la percepción y estimula la mente.

Sin embargo, “Geometría Diversa” va más allá de ser simplemente una exhibición de arte; también tiene un propósito noble. Los fondos recaudados a través de la venta de estas obras se destinan a beneficiar a los niños con diversidad funcional que reciben atención terapéutica sin costo en CTIVE. Esta iniciativa solidaria es un testimonio del poder del arte para marcar una diferencia en la vida de las personas y brindarles esperanza y apoyo en momentos difíciles.

En resumen, “Geometría Diversa” no es solo una exposición de arte, sino un símbolo de resiliencia, renovación y solidaridad. Es un recordatorio de que el arte tiene la capacidad de unir a las personas, inspirar el cambio y, en este caso, hacer una diferencia tangible en la vida de los más vulnerables. En un mundo que busca sanar y avanzar, “Geometría Diversa” brilla como un faro de esperanza y creatividad.

Jesús Soto
Carlos Cruz-Diez
Victor Vasarely
Julio Le Parc
Pancho Salazar
César Andrade
Édgar Negret
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Aurélie Nemours

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AMM

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Aurélie Nemours: La Maestra de la abstracción geométrica

Nurélie Nemours fue una pintora abstracta geométrica francesa que vivió entre 1910 y 2005. Su obra se caracteriza por el uso de formas simples y colores planos, organizados en composiciones equilibradas y armoniosas.

Nemours es considerada una de las principales figuras del arte abstracto geométrico del siglo XX. Su obra es un ejemplo de la belleza y la complejidad del arte no figurativo.

A lo largo de su carrera, Nemours siguió explorando y desarrollando su estilo. Su obra es un ejemplo de la diversidad y la riqueza del arte abstracto geométrico.

Influencias

Las principales influencias de Nemours fueron el movimiento De Stijl, el constructivismo ruso y el minimalismo. De Stijl, en particular, tuvo un gran impacto en su obra, inspirándole el uso de formas simples y colores planos.

Nemours comenzó su carrera artística en la década de 1930, pero no fue hasta la década de 1950 que desarrolló su estilo característico. En esta época, se interesó por el movimiento De Stijl, que buscaba crear un arte que fuera puro, objetivo y universal. Las obras de Nemours de esta época se caracterizan por el uso de líneas rectas, cuadrados y rectángulos, organizados en composiciones geométricas.

En la década de 1960, Nemours comenzó a experimentar con nuevos materiales y técnicas. Utilizaba materiales industriales como el metal y el plástico, y técnicas como el collage y el assemblage. Sus obras de esta época son más abstractas y complejas que sus obras anteriores.

El mundo del arte ha estado marcado por innumerables talentos a lo largo de la historia, pero pocos han logrado cautivar la imaginación de la manera en que lo hizo Aurélie Nemours. Esta artista francesa, nacida el 29 de octubre de 1910 en París y fallecida el 27 de febrero de 2005, se convirtió en una de las figuras más influyentes en el arte abstracto del siglo XX. Su obra no solo trascendió las fronteras geográficas, sino que también desafió las barreras convencionales del arte.

Los Primeros Pasos en el Arte
Aurélie Nemours descubrió su pasión por el arte desde una edad temprana. Aunque su formación académica fue en música, finalmente decidió estudiar pintura en la prestigiosa Academia de la Grande Chaumière de París. Allí, desarrolló sus habilidades y comenzó a experimentar con diferentes estilos y técnicas artísticas.

Abrazando lo Abstracto
A mediados del siglo XX, el mundo del arte estaba experimentando una revolución. El arte abstracto estaba en pleno auge, y Nemours se encontraba en el epicentro de esta revolución. Inspirada por las obras de artistas como Piet Mondrian y Kazimir Malevich, Aurélie Nemours abrazó el arte abstracto como su forma de expresión.
Su trabajo se caracteriza por la simplicidad geométrica, la precisión matemática y la exploración del color y la forma. Sus obras se componen principalmente de líneas rectas y formas geométricas básicas, como cuadrados y rectángulos. A través de la repetición y la variación de estos elementos, logró crear composiciones visualmente impactantes y altamente evocadoras.

La Importancia del Color
Aurélie Nemours entendía que el color tenía un poder innegable en la percepción visual y emocional del arte. Sus obras presentaban una paleta de colores cuidadosamente seleccionados y distribuidos de manera precisa. A través de la yuxtaposición de colores y la interacción entre ellos, lograba transmitir una sensación de profundidad y movimiento en sus obras, a pesar de su aparente simplicidad.

El Impacto Duradero
La obra de Nemours no solo fue influyente en el ámbito artístico de su época, sino que también dejó una huella perdurable en las generaciones futuras de artistas abstractos. Su enfoque en la simplicidad, la geometría y el color siguió siendo una fuente de inspiración para artistas contemporáneos y continúa influyendo en el arte abstracto en la actualidad.

Reconocimiento y Legado

Las obras de abstracción geométrica de Aurélie Nemours son un testimonio de su genio artístico y su profundo compromiso con la exploración de la forma y el color. A través de la geometría, Nemours crea composiciones que son al mismo tiempo rigurosamente estructuradas y visualmente cautivadoras. Sus obras a menudo se componen de líneas rectas, cuadrados y rectángulos dispuestos con precisión matemática, lo que da como resultado una sensación de orden y equilibrio. Sin embargo, lo que distingue a sus creaciones es la manera en que juega con el color. Nemours emplea una paleta de colores cuidadosamente seleccionados para lograr una interacción dinámica entre las formas geométricas, creando así una experiencia visual que va más allá de lo puramente estético. Sus obras son un estudio de cómo el color puede transformar la percepción y la interpretación de la forma, lo que brinda al espectador una experiencia única y enriquecedora.

Cada obra de Nemours es un mundo en sí misma, una invitación a la contemplación y la reflexión. A medida que el espectador se adentra en sus creaciones, se encuentra inmerso en un diálogo silencioso entre las formas y los colores, una conversación que evoca emociones y reflexiones profundas. La abstracción geométrica de Aurélie Nemours no solo desafía las convenciones del arte, sino que también despierta la mente y el espíritu, recordándonos la capacidad del arte para trascender las palabras y comunicar a un nivel intuitivo y emocional.

El legado de Aurélie Nemours perdura a través de su arte atemporal y su contribución invaluable al movimiento abstracto. Su capacidad para llevar la simplicidad a un nivel de profundidad y significado asombrosos sigue siendo una inspiración para artistas y amantes del arte en todo el mundo. A través de su obra, Aurélie Nemours nos recuerda que la belleza y el poder del arte a menudo residen en la pureza de la forma y el color, invitándonos a explorar el vasto mundo de lo abstracto y contemplar la profundidad que puede encontrarse en la simplicidad aparente.

Obras destacadas

Algunas de las obras más destacadas de Nemours incluyen:

“Le navire Argo” (1957): una pintura geométrica que representa un barco en un mar de color azul.
“Composition 277” (1964): un collage que combina materiales industriales y formas abstractas.
“Sans titre (carré noir)” (1970): una pintura minimalista que consiste en un cuadrado negro sobre un fondo blanco.
Reconocimiento

Aurélie Nemours recibió numerosos premios y reconocimientos a lo largo de su carrera, incluido el prestigioso Premio Nacional de Artes en Francia en 1986, el Premio Guggenheim (1964) y el Premio de la Fundación de Arte Contemporáneo (1980).. Su trabajo se exhibe en museos y galerías de todo el mundo, y sus obras se encuentran en colecciones permanentes de algunas de las instituciones artísticas más importantes. Su obra se ha expuesto en museos de todo el mundo, incluyendo el Museo de Arte Moderno de Nueva York, el Museo de Arte Contemporáneo de Los Ángeles y el Museo Nacional de Arte Moderno de París.

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