Saturday, June 7, 2025
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5 Brazilian artists from the neo-concrete movement you need to know

Por
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neo concrete
neo concrete

Por Paulo Varella

5 Brazilian artists from the neo-concrete movement you need to know
Helio Oiticica – mam rio

The Neo-Concrete Movement (1959–61) was a Brazilian art movement, a group that splintered off from the larger Concrete Art movement prevalent in Latin America and in other parts of the world. The Neo-Concretes emerged from Rio de Janeiro’s Grupo Frente. They rejected the pure rationalist approach of concrete art and embraced a more phenomenological and less scientific art. Ferreira Gullar inspired Neo-Concrete philosophy through his essay “Theory of the Non-Object” (1959) and wrote the “Neo-Concrete Manifesto” (1959) which outlines what Neo-Concrete art should be. Lygia Clark, Hélio Oiticica, and Lygia Pape were among the primary leaders of this movement.

The Neo-Concrete Manifesto and the push against Concretism

Brazilian poet and writer Ferreira Gullar wrote the Neo-Concrete Manifesto in 1959 and described a work of art as “something which amounts to more than the sum of its constituent elements; something which analysis may break down into various elements but which can only be understood phenomenologically.” 

In contrast to the Concrete Art movement, Gullar was calling for an art that was not based upon rationalism or in pursuit of pure form. He sought works of art that became active once the viewer was involved. Neo-concrete art must disassemble the limitations of the object and “express complex human realities.”

While Concretism built its art upon the basis of logic and objective knowledge with color, space, and form conveying universalism and objectivity, the Neo-Concrete artists saw colors, space, and form as “not [belonging] to this or that artistic language, but to the living and indeterminate experience of man.”

Though Neo-Concrete Art still maintained Concretism as the foundation for their ideas, Neo-Concretists believed objectivity and mathematical principles alone could not accomplish the Concretist goal of creating a transcendental visual language.

Neo-Concretists believed that artworks were not simply static representations or forms; rather “art should be like living organisms”  

In Lygia Clark’s theoretical statement written to address the intentions of the Neo-Concrete artists, she explains that as artists they wish to “found a new, expressive ‘space’.” 

This movement believed that through a direct relationship between the artwork and the viewer this “new, expressive ‘space’” could be constructed. 

Neo-Concrete artists sought to create a multi-sensorial space which caused the spectator to feel more acutely their own body and existence.

Clark also wrote of how Neo-Concretism sought to decipher the nature of humanity by creating a “medium of expression” which allowed people to “become aware of unity as an organic, living whole.” It was not just restoring an awareness of the spectator’s body but also of humanity’s communal existence.

The first Neo-Concrete Exhibition was held in Rio de Janeiro in March 1959, and the exhibiting artists were Amilcar de Castro, Ferreira Gullar, Franz Weissmann, Lygia Clark, Lygia Pape, Reynaldo Jardim, and Theon Spanudis.

Hércules Barsotti, 1914 – 2010, São Paulo

Hércules Barsotti - arte concreta
Hércules Barsotti

“When I touch one color to another, I realize the relationship between them; at that moment, it is my eye and not my head that decides.” (Hercules Barsotti)

Afinidade Gradual I
Gradual Affinity I – 1970

Barsotti’s compositions fascinate firstly because of the optical experience that the colors suggest, and then they invite us to reflect. The artist explores the color and dynamism that each one offers, creating an illusion of three-dimensionality from geometric shapes such as diamonds, pentagons and circles. At the invitation of Ferreira Gullar, he became part of the Neoconcreto Group in Rio de Janeiro, and in 2004 the São Paulo Museum of Modern Art organized a retrospective of his works celebrating its 90th anniversary.

Lygia Clark (1920 – 1988), Minas Gerais

Lygia Clark: “Pensamento mudo” - 1971
Lygia Clark: “dumb thought” – 1971

Pseudonym for Lygia Pimentel Lins, Lygia Clark, when establishing that “art is your act”, founded participatory, interactive and shared art, exchanging paintings for the experience with three-dimensional objects. In her innovative works, she encourages the viewer to participate in the work through sensory experiences, changing the configuration and resulting in a shared work.

Lygia Clark, Bichos, 1965 - arte concreta
animals, 1965

She dedicates herself to the therapeutic art, because by participating in the works, it is possible to open the way to the unconscious and reach the primitive interior, the self, resulting in a revealing self-knowledge, therefore, liberating.

Hélio Oiticica (1937–1980), Rio de Janeiro

Hélio Oiticica

The works of Hélio Oiticica, a performance artist, painter and sculptor, range from theoretical-artistic elaborations with the presence of texts, comments and poems, to experiments that require the participation of the public, as Lygia Clark did.

It makes the observer an integral part of his work, acquiring a new dimension and creating the concept of “suprassensory, which proposes experiences with the spectator’s sensorial capacity and dilating it, as well as hallucinogenic drugs.

According to Oiticica, the suprasensorial would lead the individual “to the discovery of his inner creative center, of his dormant expressive spontaneity, conditioned to everyday life”.

Hélio Oiticica - Tropicália - arte concreta
Tropicália

Décio Vieira, (1922-1988), Rio de Janeiro

Decio Vieira ao lado de Volpi e Dulce Holzmeister
Decio Vieira next to Volpi and Dulce Holzmeister

Décio Vieira participates, in the 1950s, in Grupo Frente, made up of artists with constructive-geometric tendencies. At that time, he articulated space through variations of shapes and colors and distortions of perspective, as in Espaço Constructed, 1954.

In his paintings, he reconciles the geometric construction with the research of chromatic nuances and the use of sfumato, thus creating a game between the definite and the indefinite.

Decio Vieira - arte concreta

Ivan Serpa (1923–1973), Rio de Janeiro

He was a painter, drawer, teacher, and Brazilian engraver. Since the beginning of his career, Ivan Serpa’s work has oscillated between figurative art and concrete art.

Ivan Serpa (1965) - arte concreta
Ivan Serpa (1965) -wikipedia

Between the late 1950s and early 1960s, his work took on new contours, starting to incorporate less determined elements such as gestures, stains and splashes of paint.

In 1960, influenced by children’s drawing, he built images between abstraction and figurative. At that time, he worked as a book restorer at the National Library of Brazil, a work that served as inspiration for the “Anóbios” series, made between 1961 and 1962.

From 1963 onwards, his interest in figuration intensified, producing works such as the Black Series and the Bichos and Mulheres com Bichos series. Some works incorporated lettering and the overlapping of geometric shapes. The production was exhibited in important exhibitions, such as Opinião 65, Opinião 66 and Nova Objetividade Brasileira.

In 1967 he started the Erotic Op series, which marked his return to constructive language. Interested in op art, he returned to geometric construction and well-defined elements, having developed other series with this characteristic, such as Mangueira and Amazônicas.

These works led him to the Arcas, furniture with white shapes inside which, in turn, gave rise to the Geomantic paintings, starting in 1969. He worked on these paintings until 1973, when he died, aged just 49.

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La comediante Aida Rodríguez presenta el libro “Hija legítima”

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La comediante Aida Rodríguez presenta el libro “Hija legítim
La comediante Aida Rodríguez presenta el libro “Hija legítim

La comediante Aida Rodríguez presenta el libro “Hija legítima”

La comediante de origen dominicano y puertorriqueño Aida Rodríguez es una estrella del stand up comedy y está presentando su primer libro, “Hija legítima”, publicado por la editorial Harper Collins Español. En el libro Aida, también conocida como Funny Aida, hace un inspirador y entretenido relato de su vida, que mezcla sinsabores y notables triunfos. La comediante y escritora dice que en la publicación cuenta “cómo encontrar el triunfo en las palabras, la victoria en la risa y el amor a través de todo”. En “Hija legítima”, Aida también aborda temas que afectan a las mujeres inmigrantes y a las personas, en general, como la misoginia y el racismo. La artista se codea con nombres como Jamie Foxx y las cadenas HBO y NBC, y ha sido destacada por el diario The New York Times. “Aida es una potencia latina feroz y una brillante y divertida contadora de historias”, ha comentado su colega John Leguizamo. “Hija legítima” es un divertido y conmovedor libro de memorias basado en un ensayo de la comediante Aida Rodríguez sobre el poder de superar las dificultades y transformar el dolor en risa. Aida Rodríguez ha vivido, por decir poco, una vida de torbellino. La historia de cómo pasó de la pobreza a la opulencia es alucinante. Nacida con un maravilloso ingenio y un espíritu irrefrenable, Aida ha utilizado su talento y ha trabajado sin descanso para convertir la tragedia y el dolor en una comedia mordaz que abarca todo, desde la misoginia y el racismo hasta las redes sociales y los titulares de prensa. Con el tiempo, lanzó un exitoso especial en HBO Max que la llevó a múltiples acuerdos de desarrollo, un logro que le ganó una audiencia nacional, le abrió puertas y la ayudó a expandir la forma en que los latinos están representados en la comedia. 

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Plagio de Sandra Hernández Mirrora

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El plagio del performance Kube Man por la fotógrafa Sandra Hernández (Vita Flumen)
Primera foto credito: Victor Guido. Segunda foto creditos: Sandra Hernández Mirrora

LODO Gallery Ya tenemos ganadora⚡️, tenemos ganadora de nuestra convocatoria, les presentamos a la fotógrafa Sandra Hernández ( @vita_flumen )
Ella es méxico canadiense y cuenta con una prolífica carrera en arquitectura. La fotografía de Sandra se centra en la vida urbana, así como en la relación del ser humano con el entorno y las narrativas que surgen entre ellos.

El plagio del performance Kube Man por la fotógrafa Sandra Hernández (Vita Flumen)
Primera foto credito: Victor Guido. Segunda foto creditos: Sandra Hernández Mirrora

Echen ojo a este artículo acerca de la LODO Gallery de París, donde en enero tendrá lugar mi próxima exposición individual.

Felicidades a la estupenda Loredana Dall’Amico por esta iniciativa de dedicar su galería a la fotografía latinoamericana.

(Mil gracias por las fotos, Lourdes Almeida.)

Sandra Hernández Mirrora

¿Quién soy? ¿Adónde voy? Son preguntas que nos asaltan en diferentes momentos de nuestra vida. Partiendo de la Ley del espejo acuñada por el siquiatra y sicólogo suizo Carl Gustav Jung, que postula que la manera en la que percibimos el exterior es un reflejo de nuestro interior, busco experimentar con la inserción de este personaje ficticio sin rostro y con cabeza de espejos en escenas cotidianas y fotografiar el resultado. Durante el desarrollo de las primeras exploraciones surgieron nuevas reflexiones que incorporaron al proyecto dos conceptos que van de la mano: la [crisis de] identidad y la otredad, entendida como aquella capacidad de tomar consciencia de la individualidad propia mirándose desde una perspectiva ajena a uno mismo. Los otros, ese espejo.

Sandra Hernández (Vita Flumen)

Vita Flumen es fotógrafa mexicocanadiense embajadora de Fujifilm. Con una prolífica carrera en arquitectura, la fotografía de Sandra se centra en la vida urbana, así como en la relación del ser humano con el entorno y las narrativas que surgen entre ellos.
Su pasión por estos temas la ha llevado a editar el primer libro sobre fotografía callejera en la historia de México: Antología de fotografía de calle mexicana. Es fundadora de Observadores Urbanos: una plataforma dedicada a difundir y promover la fotografía callejera iberoamericana. Es miembro de las comunidades de Women Street Photographers, Women in Street, Women Photograph y The Raw Society, y este año ha sido seleccionada para formar parte de la generación 2023 del Eddie Adams Workshop.

El trabajo de Sandra, tanto fotográfico como escrito, ha sido publicado y presentado a nivel local e internacional en medios como Forbes México, La Vanguardia, Radio UNAM, Revista Cuartoscuro, Revista Gatopardo, TV78 de Francia, y Revue Épic. Ha participado en más de cuarenta exposiciones individuales y colectivas en cuatro continentes y ha recibido premios y menciones honoríficas en concursos de fotografía internacionales. Desde 2017, Sandra es fotógrafa oficial de La Carrera Panamericana.

Sandra Hernández (Vita Flumen)

Vita Flumen is a Mexican-Canadian photographer and Fujifilm ambassador. With a prolific career in architecture, Sandra’s photography focuses on urban life, as well as the relationship between humans and their environment, and the narratives that emerge between them.
Her passion for these subjects has led her to edit the first book on street photography in the history of Mexico: “Antología de fotografía de calle mexicana” (Anthology of Mexican Street Photography). She is the founder of Observadores Urbanos: a platform dedicated to disseminating and promoting Ibero-American street photography. She is a member of communities like Women Street Photographers, Women in Street, Women Photograph, and The Raw Society. This year, she has been selected to be part of the 2023 generation of the Eddie Adams Workshop.

Sandra’s work, both in photography and writing, has been published and presented locally and internationally in media such as Forbes Mexico, La Vanguardia, Radio UNAM, Revista Cuartoscuro, Revista Gatopardo, TV78 in France, and Revue Épic. She has participated in more than forty individual and collective exhibitions across four continents and has received awards and honorary mentions in international photography competitions. Since 2017, Sandra has been the official photographer of La Carrera Panamericana.

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Waldo Balart: El Maestro de la Geometría Esencial

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Waldo Díaz-Balart
Waldo Díaz-Balart

Waldo Díaz-Balart: El Maestro de la Geometría Esencial

Mi trabajo se desarrolla sistemáticamente a través de series, al comienzo de las cuales, mi actividad es inconsciente y compulsiva.

Waldo Balart

Waldo Díaz-Balart y Gutiérrez (nacido el 10 de febrero de 1931) es un pintor y escultor cubano que reside actualmente en Madrid, España.

En el vibrante universo del arte abstracto cubano, el nombre de Waldo Balart (1944) brilla con luz propia. Este insigne artista habanero es reconocido como uno de los máximos exponentes de la abstracción geométrica en la isla, habiendo forjado un lenguaje plástico único y trascendental.

La obra de Balart se distingue por su exquisita síntesis formal, donde las formas geométricas esenciales como cuadrados y rectángulos se conjugan en composiciones de una armonía casi matemática. Sus lienzos irradian una belleza austera y minimalista, en la que cada elemento se encuentra cuidadosamente calculado y dispuesto con una precisión milimétrica.

Sin embargo, lejos de resultar frías o impersonales, las creaciones de este maestro cubano rebosan de una vibrante energía interior. Los colores puros y planos, aplicados con pinceladas seguras, contrastan y se tensan en un diálogo visual cautivante. Rojo, azul, amarillo, negro y blanco se entrelazan en un baile geométrico que atrapa la mirada del espectador.

Balart forma parte de la emblemática “Generación del 60” o “Generación de la Ruptura”, un movimiento que revolucionó las artes plásticas cubanas al introducir nuevas corrientes vanguardistas. Junto a figuras como Loló Soldevilla, Hugo Consuegra y José Ángel Toirac, el artista contribuyó a forjar un lenguaje renovador que rompió con los cánones tradicionales.

Una de las mayores virtudes de Waldo Balart radica en su capacidad para sintetizar lo esencial en sus composiciones. Cada obra es un ejercicio de depuración formal, donde cada forma, color y línea cumplen una función precisa dentro del todo. Esta búsqueda de la pureza geométrica le ha valido el reconocimiento internacional como uno de los grandes maestros del arte abstracto de América Latina.

Más allá de sus logros individuales, Balart también ha dejado una huella indeleble en la escena artística cubana a través de su labor docente y su participación en grupos vanguardistas como “Los Once” y “Doble Filo”. Su influencia ha trascendido generaciones, inspirando a nuevos creadores que continúan explorando las infinitas posibilidades de la abstracción geométrica.

En definitiva, Waldo Balart es un artista cuya obra trasciende las fronteras del lienzo para convertirse en un manifiesto visual de rigor, equilibrio y belleza esencial. Sus creaciones son un testimonio perenne de la fuerza expresiva que puede alcanzarse a través de la geometría pura, dejando un legado imperecedero en el arte cubano y universal.


Siempre trabajé sistemáticamente, una pintura me llevaba a la siguiente por series, dentro de lo que entonces era mi lógica analítica y reduccionista.

Waldo Balart

Cronología

Por María José Gutiérrez

Waldo Balart, 1990.
Waldo Balart, 1990.

1931

Nace en Banes, Cuba, en una familia de profesionales y políticos.

1949

Se traslada a la Universidad de La Habana para estudiar Ciencias Económicas. A la vez trabaja, es políticamente activo y convive con sus hermanos, más los dos expresidentes de Cuba: Fidel Castro -marido de su hermana- y Raúl Castro.

1955

Después de diplomarse empieza un posgrado en Ciencias Políticas y Económicas en la Universidad de Santo Tomas de Villanueva de La Habana.

1957

Entra a trabajar como contable en el gobierno de Batista.

1959

Tras la toma de poder de Fidel deja Cuba y se exilia en Nueva York.

1960

Comienza a estudiar arte en el MOMA y afuera es tutorizado por su vecino del Meat Market, el escultor geométrico Peter Forakis.

Waldo en el meat market, en casa de los Forakis. 1963.
Waldo en el Meat Market, en casa de los Forakis. 1963. De izq. dcha: Waldo, un periodista, Phyllis Yampolsky, Peter Forakis y Coqui.
Waldo en la famosa exposición The American Supermarket.
De Izq. a Dcha: Waldo Balart, Ben Birillo y Paul Bianchini, dueño de la Bianchini Gallery en uno de los primeros actos públicos de pop art, la famosa exposición The American Supermarket, 10-27-1964.

1962

Finaliza sus estudios, se casa con la cubana Brigida Gutiérrez y se muda al Lower East Side de NY, al lado de Fernando Botero y la pintora Jean Wilson. 

1963

Se divorcia y construye la serie Lienzo sobre lienzo (1964). Mientras en NY se relaciona con muchos artistas y gente especializada en arte, viaja por Europa y Cesar Manrique lo introduce en el grupo de informalistas españoles.

De izq. a dcha: Leni Manrique, Waldo Balart, Martín, Vicente Vela, César Manrique, Eusebio Sempere. Madrid 1964.

Andy Warhol Makes a Film by Marcelo Montealegre.

1965

Expone individualmente en la Galería Cisneros de NY, donde realiza numerosas exposiciones y contacta con los artistas latinos. También actúa en la película de su amigo Andy Warhol: La vida de Juanita Castro.

1967

Expone su serie Esmalte a fuego sobre Hierro en la Galería Iris Clert de Paris y en su casa de Los Hampton, Warhol le graba para Los amores de Ondine.

Waldo, Andy Warhol y Manuel Peña en casa de Waldo de East Hampton, verano, 1967.

1968

Se muda al SoHo y crea la serie Serigrafía en cartón montados en formica blanca.

1969

Dentro de casa-estudio construye y convive con su gran obra Proposición vivencial.

Proposición vivencial (1969). Waldo Balart (junto a su obra).
Proposición vivencial (1969). Waldo Balart (junto a su obra).
Cityscapes en Benson Gallery, 1970.
Cityscapes en Benson Gallery, 1970.

1970

Elabora la serie Cityscapes y su obra el Lenguaje modular del color, resumen de su primer método de trabajo. Aparte, participa en el 1º Festival del SoHo, se casa con la americana Cynthya y se cambia a la Galería Graham de NY.

1971

Se traslada a Madrid para trabajar en la empresa financiera de su hermano.

Museo de Arte Contemporáneo de Madrid, 1972.
Museo de Arte Contemporáneo de Madrid, 1972.

1972

Expone individualmente en el Museo de Arte Contemporáneo de Madrid con la serie de pintura sistemática Cajas, mas la escultura Liberación del cubo y se integra en la segunda generación de artistas constructivistas de Madrid.

1973

Sufre y se recupera de dos traumáticos accidentes de coche que casi le dejan paralítico, entre los cuales se divorcia de nuevo. 

Waldo en su estudio apoyado sobre ESCEDIF II.
Waldo en su estudio apoyado sobre ESCEDIF II.

1975

Después de un tiempo de recuperación, se traslada a un bajo para reencontrarse con su labor creativa y produce sus esculturas Escedif I y Escedif II. 

1977

Se traslada por trabajo con su hermano un año a Paraguay y otro a Brasil.

Waldo con una amiga.
Waldo con una amiga.

1979

Regresa a Madrid y empieza a trabajar como articulista de arte.  También pinta su primera serie bidimensional: Conjuntos no vacíos.

1983

Crea la serie de dibujos Estructura de la luz y se inventa la codificación que aplica a toda su obra: el Código de la estructura de la luz.

Dibujos Estructura de la luz.
Dibujos Estructura de la luz en Galería Casado Santapau, 2017.

1985

Pinta las series Código y Discriminación de la estructura de la luz.

1986

Acude a su primer certamen de arte concreto europeo y desde entonces es asiduo a este tipo de eventos internacionales, como artista y como teórico.

Waldo en su estudio pintando la serie Desarrollo Cromático del CEL.
Waldo en su estudio pintando la serie Desarrollo Cromático del CEL.

1988

Inventa el Orden Axiomático -su método de trabajo actual- y gesta los dibujos Desarrollo cromático de CEL, por los que pinta la serie Imagen ortogonal. Al unísono colabora con la Galería Edurne y con Atelier-Editions FANAL.

1989

Organiza -con Julían Gil- un evento internacional de arte concreto en Madrid y después se traslada a vivir a Lieja, donde expone individualmente con el entonces considerado mejor pintor geométrico de Bélgica: Jo Delahaut. 

1991

Produce la serie Imagen fragmentada integrada de ángulo variable en formato cuadrado.

1993

Físicamente comienza su deterioro por los accidentes sufridos y decide volver a Madrid. En tanto lo consigue asiste a numerosos eventos internacionales de arte concreto en centroeuropa y efectúa las series de dibujos Desarrollo del Color (1993), Imagen fragmentada integrada de ángulo variable (1994), Color Stream Field Forces (1994) e Imagen fragmentada integrada de ángulo variable (1995) de módulos rectángulares, la cual da lugar a la serie de pintura Imagen fragmentada integrada de ángulo variable (1995) en formato rectangular. También comienza su serie de Pinturas negras (1996). 

Waldo Balart en una entrevista en la Galería Edurne, 1994.
Waldo Balart en una entrevista en la Galería Edurne, 1994.

1996

Ya en Madrid continúa en colaboración con la Galería Edurne y Daniel Roy se convierte en su galerista de Berlín. 

2000

Expone individualmente la serie modular Imagen fragmentada integrada ortogonal en la Mondriaanhuis, Amersfoort, Holanda.

Waldo en Systeem & Intuïtie, en la Mondriaanhuis, Amersfoort, Holanda.
Waldo en Systeem & Intuïtie, en la Mondriaanhuis, Amersfoort, Holanda.
Retrato de Waldo y la Escultura de Luz en Casa Galicia, Madrid, 2002.
Retrato de Waldo y la Escultura de Luz en Casa Galicia, Madrid, 2002.

2002

Elabora su obra Escultura de luz y los sistemas modulares de Imagen fragmentada integrada de ángulo variable (2002) en formato cuadrado. 

2007

Pinta la serie Injerencias y expone una de ellas en el Museum im Kulturspeicher Würzburg, Alemania, con lo que su obra es incluida en la prestigiosa colección alemana de arte concreto Peter C. Ruppert.

Ruppert, Waldo y Weinhold en la Galerie Für Konkrete Kunst, Berlin, 2006.
Ruppert, Waldo y Weinhold en la Galerie Für Konkrete Kunst, Berlin, 2006.

2008

Exhibe de manera individual en el Museum Modern Art Hünfeld. 

2009

Expone individualmente en la Mies van der Rohe Haus de Berlín, Alemania y es incluido en la Collection Grauwinkel. 

"Summertime is already here", en la Mies van der Rohe Haus, 2009.
“Summertime is already here”, en la Mies van der Rohe Haus, 2009.
Chromatic systems: Waldo Balart (2012).
Chromatic systems: Waldo Balart (2012).

2012

Presenta en Miami su libro La práctica del arte concreto y el documental Waldo Balart en concreto. Por lo que la Galería Henrique Faria Fine Art de NY lo expone individualmente y lo lleva a multitud de ferias: Pinta, The Armory Show (NY), Art Fair, Art Basel, Arco, Pinta Londres, PARC-Perú Arte Contemporáneo, etc. También inicia la serie de pinturas Nudos.

2013

En Europa expone colectivamente en el Museum für Konkrete Kunst de Ingolstadt, Alemania -el más importante de arte concreto-; y en el Vasarely Múzeum de Budapest. En Miami expone individualmente en la Galería Ideobox y la orquesta sinfónica estrena una pieza musical compuesta por el director Eduardo Marturet inspirado en sus pinturas, con ellas de fondo. Igualmente, su obra sigue expandiéndose en las ferias de arte anteriormente citadas, ahora también de la mano de otras galerías. 

Concierto «Dos lecturas de Waldo».

2016

Expone individualmente en la Galería Guillermo de Osma de Madrid y con ello se destaca su reconocimiento internacional al nivel de los mejores creadores.

2017

Entra a formar parte del PAMM (Perez Art Museum Miami), el mejor museo de arte contemporáneo de Miami, dirigido por Jorge Pérez. 

Vista de la exposición Abstracting History en el PAMM, 2017. A la derecha obra de Waldo Balart,Trilogía neoplástica, 1979. Cortesía de PAMM.
Vista de la exposición Abstracting History en el PAMM, 2017. A la derecha obra de Waldo Balart,Trilogía neoplástica, 1979. Cortesía de PAMM.
Inauguración de la exposición en el Museo del Greco, Toledo.
Inauguración de la exposición en el Museo del Greco, Toledo.

2018

Expone individualmente en el Museo del Greco de Toledo y en la Galería Roy de Mallorca, de su agente alemán Daniel Roy -que le representa en Europa junto con el resto de artista concretos importantes-.

2019

Expone –comisionado por Alfonso de la Torre– la gran escultura de nudos Dos universos paralelos de rayos de energía cromática comunicados, en uno de los seis escaparates de El Corte Inglés de Madrid, dedicados a los artistas plásticos internacionales más prestigiosos.

Waldo junto a su obra Dos universos paralelos de rayos de energía cromática comunicados.
Waldo junto a su obra Dos universos paralelos de rayos de energía cromática comunicados.
Nudos Génesis, 2020, Galería Casado Santapau.
Nudos Génesis, 2020, Galería Casado Santapau.

2020

Expone individualmente en la Galería Casado Santapau de Madrid en coincidencia con el inicio de la pandemia de COVID-19, cuyas rígidas restricciones limitaron la muestra a cumplir con su cometido -dadas las circunstancias-, pero sin poder alcanzar el éxito correspondiente a su magnitud.

2021

Expone individualmente en el Museo Francisco Sobrino de Guadalajara, con la nueva obra de la serie Nudos, recientemente expuesta en la Galería Casado Santapau, más algunas obras inéditas.

Waldo Balart y María José Gutiérrez a la entrada del Museo Francisco Sobrino.
Waldo Balart y María José Gutiérrez a la entrada del Museo Francisco Sobrino.
Perez Art Museum PAMM
Pérez Art Museum Miami

Pasos para escribir una biografía de artista visual que te hará destacar

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AMM
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jesus soto
jesus soto

Pasos para escribir una biografía de artista visual que te hará destacar

Tu biografía es una herramienta esencial para conectar con tu público y dar a conocer tu trabajo. Sigue estos pasos para escribir una biografía única y memorable que te haga destacar como artista visual.

  • Adapta tu biografía a la plataforma donde la publicarás (web, redes sociales, dossier, etc.).
  • Revisa la ortografía y la gramática con cuidado.
  • Mantén tu biografía actualizada con tus logros y nuevos proyectos.

1. ¿Quién eres tú?

Comienza tu biografía con una presentación personal. Describe brevemente tu nombre, tu especialidad como artista visual y tu enfoque artístico. Comparte tu entusiasmo por el arte y tu pasión por crear.

2. Conecta con tu público

Utiliza un tono amistoso y desenfadado para conectar con tu público. Comparte tu historia de forma natural y cercana, permitiendo que los lectores se identifiquen contigo y tu pasión por el arte.

3. Experiencia profesional: ¿Qué te hace único?

Destaca tu experiencia profesional más relevante, incluyendo exposiciones, proyectos, colaboraciones o publicaciones. Menciona los hitos que te han convertido en el artista que eres hoy.

4. Premios y reconocimientos: Un aval a tu talento

Si has recibido premios o galardones, inclúyelos en tu biografía. Esto aportará valor a tu trayectoria y demostrará tu talento y reconocimiento en el mundo del arte.

5. Un toque personal: Más allá del artista

Comparte algunos datos personales que te hagan único. Tus hobbies, intereses o experiencias de vida pueden ayudarte a conectar con tu público a un nivel más profundo.

6. Muestra tu rostro: Imagen y marca personal

Incluye una foto tuya actual y profesional. Esta imagen debe ser atractiva y reflejar tu personalidad como artista.

7. El viaje creativo: Detrás de la obra

Explica brevemente tu proceso creativo. ¿Qué te inspira? ¿Qué técnicas utilizas? ¿Qué mensaje quieres transmitir con tu arte?

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Diane Holland at Tufenkian Fine Art and Tokyo Metropolitan Museum

Por
AMM
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Diane Holland “Culture Alive- Homage to Joan Agajanian Quinn”, Kodak Endura metallic print, 22 x 17 inches, 2024_
Diane Holland “Culture Alive- Homage to Joan Agajanian Quinn”, Kodak Endura metallic print, 22 x 17 inches, 2024_

Diane Holland at Tufenkian Fine Art and Tokyo Metropolitan Museum of Art Whitehot Magazine Article by Lorien Suarez-Kanerva

Diane Holland’s photomontages are currently on display in the Winter group exhibition, which
opened on January 20th at the Tufenkian Fine Art Gallery in Glendale, California.  From June 15th to 20th, her portrait of noted Los Angeles collector Joan Agajanian Quinn will be a part of “The USA Exhibition” for  the 23rd Japan International Art Exchange Program, curated by Julienne Johnson in collaboration with chairman Katsu Shimmin, at the Tokyo Metropolitan Museum of Art. Holland addresses art with a faith that brings to light a greater unknown dimension yet to be discovered. In her photomontages, Holland reaches beyond her sense of self to free the meaning of identity and community. As Piet Mondrian stated, “The position of the artist is humble. He is essentially a channel.” Mondrian’s conceptual approach towards art-making reflects this vitally important understanding of Holland’s role and the nature
of her work.

Palimpsestic Metanoia 8, Kodak Endura metallic print, 22 x 17 inches, 2020
Palimpsestic Metanoia 8, Kodak Endura metallic print, 22 x 17 inches, 2020

Amongst the elements in her photomontages, Holland includes photographs of herself and her family. Anatomical allusions through forms like lungs, legs, and eyes speak of mankind as a human body that appears in most of her Metanoia works. “Metanoia” works. “Palimpsestic Metanoia 8” integrates maps of South Africa, a migration point for her family. Amongst these is a trace element of a WWII Star of David fabric insignia. Though faded, it remains present. Drawings of lungs in the background behind the two figures unite them through the experience of drawing breaths. Holland’s face appears in the central figure beside a focal point that extends outward into parallel slits. Window-like shapes suggest a grid of large city buildings. Chinese lanterns appear to have a universal scope as well. Their provenance could come from any western Chinatown arising from the extensive network of settlement locations.

Diane Holland “Culture Alive- Homage to Joan Agajanian Quinn”, Kodak Endura metallic print, 22 x 17 inches, 2024_
Diane Holland “Culture Alive- Homage to Joan Agajanian Quinn”, Kodak Endura metallic print, 22 x 17 inches, 2024_

Holland’s portrait of the iconic Joan Quinn follows the tradition of Quinn’s artist friends, who created her portrait from myriad vantages. A hundred of Quinn’s collection portraits appeared in a show at the Bakersfield Museum of Art in the fall of 2021. Quinn reflected at the time that the artworks, each focused on a single subject, were less portraits of her than self-portraits. Holland’s portrait includes a collection of visual cues to aspects of Joan Agajanian Quinn’s life story. As an Armenian-American, Quinn wore a cross and was known for her penchant for abundant and elaborate jewelry. There are references to the colors of the Armenian flag and its map. Holland includes a portion of a handwritten message from a letter thanking LA-based art critic Peter Frank for “keeping culture alive.” The note alluded to a Robert Dowd artwork titled “Cash” that caused Dowd to be arrested in 1963 on a charge of counterfeiting for painting money. Holland herself shares an affinity with the pioneering feminist photomontage artist Hanna Höch.
Additional influences include intermedia/multimedia artists William Kentridge and Lucas Samaras.

Palimpsestic Metanoia 9 (Hommage to Hannah Höch), Kodak Endura metallic print, 22 x 17 inches, 2021
Palimpsestic Metanoia 9 (Hommage to Hannah Höch), Kodak Endura metallic print, 22 x 17 inches, 2021

Robert Sturnam’s “Seeing Humanity” through a Photographer’s Eye aims to present an enlightening depiction of human beings while sharing images of people worldwide in meditation and yoga poses. These images convey an earnest longing that points “towards the magnificence of the human spirit.” Holland brings forward with Sternum and with movement-dance pioneer Emilie Conrad a practice with somatic motion that, like yoga, allows for an essential form of open awareness that facilitates communication towards a greater community. In Hanna Heiting’s film “Em Moves,” Conrad describes a pivotal premise to the foundational ethos of her Continuum movement:
The fractal dimension of the umbilical cord is [shared with] that fluid [dimension] in the galaxy, planets and our body that functions as a resonant stream of bio-cosmic intelligence and it is primary nourishment. By engaging in fluid movement the universe communicates to us through our fluid motion, the universes’ wave motion which has a moving language. Through undulations, spirals and pulsations – the fundamental choreography of water…allows our tissue to become less encumbered so that that choreography can reveal itself.
An innate organic form of transrational breathing alongside fluid physical movements frees participants from stresses and disenchantments, leading towards freedom and a sense of openness.

Diane Holland Palimpsestic Metanoia 11, 2021, Kodak Endura metallic print, 22x17, inches (edition of 5) (1)
Diane Holland Palimpsestic Metanoia 11, 2021, Kodak Endura metallic print, 22×17, inches (edition of 5) (1)

From an excerpt about “Aging” in the video “Continuum: A Conversation” with Emilie Conrad, the late Dr. Valerie V. Hunt, an American scientist and professor of Physiological Science at UCLA, described somatic movement in the following terms:

“Now we realize the body has the ability to move in all planes and in all directions. No muscle has a single function. It has a combined function. It must participate with all other muscles to have health. When you see small children hanging, you wonder why they are so free. Well they’ve been free in the amniotic fluid. [Somatic movement] is like going back to being free.”
Studying with Conrad, Holland shared her practice of somatic movements, something akin to a ritual practice of vocalizations and unchoreographed fluid movements of limbs and torso, all while lying prone. In this free-flow state, Holland turns to a form of physical meditation to reach higher consciousness. Then, when she engages with her media, she cuts, pastes, arranges, and rearranges paper and photographs to assemble a singular visual composition.
As the artist describes, “‘Palimpsestic Metanoia’  works translate personal experience into imagery that is at once digital and painterly. The source material for electrostatic and photographic composite alike is drawn from real and imagined experience and engage a collage aesthetic appropriate to the multivalent sensory possibilities of our time.”

Holland’s video “Letting Go, One Frame at a Time” allows her photomontage work to follow a sequence of scenes where the elements acquire a tangible voice. Her spoken words of inquiry serve as a form of self-de-entanglement and explore what it means to be human.
Video link: https://youtu.be/mIhkhOUvK8s?si=oz9N6dE_NGhZeUpF

Perez Art Museum PAMM
Pérez Art Museum Miami

El 16 de marzo comienza el Festival Internacional de Teatro Casandra

Por
AMM
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Festival Internacional de Teatro Casandra IMG_1965

La Edición VIII del Festival Internacional de Teatro Casandra de Miami, dedicado a la mujer, tendrá lugar entre el sábado 16 y el domingo 24 de marzo. Habrá obras con temáticas femeninas a cargo de consagradas como las cubanas Susana Pérez, Rachel Cruz, y Rachel Pastor, amén de grandes artistas de España, México, Argentina, Italia y Estados Unidos. Sus sedes serán las salas Sandrell Rivers Theater; Koubek Center; Havanafama; y Cubaocho Museum & Performing Arts. El Festival Internacional de Teatro Casandra es creado y auspiciado por la compañía Ingenio Teatro, institución fundada en 2011 por la actriz y directora teatral Lilliam Vega, junto a Rocío Carmona. “Este festival tiene como propósito crear un espacio de intercambio entre mujeres que hacen teatro en diferentes países, lenguas y culturas”, según Vega. La información más completa se puede hallar en  www.elingenioteatro.com El festival se basa en las puestas en escena, pero también cuenta con lecturas dramatizadas, clases magistrales y talleres de actuación, lo cual, según Vega, “propicia el proceso creativo partiendo del imaginario de los actores, músicos, escritores y artistas plásticos participantes”. Para Vega es un gran hito el hecho de cumplir ocho años, lo que adjudica en gran parte a “la perseverancia y la generosidad” de su equipo de Ingenio Teatro. La obra “Burdel El Ojo Azul” es la obra principal y se podrá ver el sábado 16 de marzo, a las 8:30 pm y el domingo 17, a las 5 pm, en el Sandrell Rivers Theater (6103 NW 7th Ave. Miami FL 33127). Se puede consultar por boletos llamando al 305-284-8872 o entrando a la página web de la sala. “Burdel” cuenta con la actuación de Susana Pérez, Rachel Cruz, Kirenia Vega, Jorge Luis González, Dianet Conde, Jose Raúl Acosta e Ivanesa Cabrera. Otros de los espectáculos son “Gaspet”, “El gato con botas”, “Cocinando con arte y fe”, “TIC TAC… ya es tiempo”, “Yo soy Cristina”, “Las penas saben nadar” y “Donde nadie nos juzgue”.

Perez Art Museum PAMM
Pérez Art Museum Miami

Directory of Biennials

Por
AMM
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Matthew Marks Gallery

Directory of Biennials in the world

A
Adelaide Biennial of Australian Art (Australia)
AFiRIperFOMA Biennial (Nigeria
Aichi Triennale (Japan)
Americas Biennial (United States)
Andorra Land Art (Andorra)
ANOZERO – Coimbra Biennial of Contemporary Art (Portugal)
Anren Biennale (China)
Antarctic Biennale (Antarctica)
Anyang Public Art Project (Korea)
ARoS Triennial (Denmark)
ARS (Finland)
Art Encounters (Romania)
Art Wuzhen (China)
Arts: Le Havre (France)
Asia Pacific Triennial of Contemporary Art (Australia)
Asia Triennial Manchester (United Kingdom)
Asian Art Biennale (Bangladesh)
Asian Art Biennial (Taiwan)
Ateliers de Rennes (France)
Athens Biennale (Greece)
Atlanta Biennial (USA)
Auckland Triennial (New Zealand)
Autostrada Biennale (Kosovo)
B
Bahia Biennale (Brazil)
Ballarat International Foto Biennale (Australia)
Baltic Triennial (Lithuania)
Bamako Encounters African Biennale of Photography (Mali)
Bangkok Art Biennale (Thailand)
Bangkok Biennial (Thailand)
Beaufort Triennial (Belgium)
Beijing International Art Biennale (China)
Benin Regard Biennale (Benin)
Bergen Assembly (Norway)
Berlin Biennale for Contemporary Art (Germany)
Bermuda Biennial (Bermuda)
Bi-City Biennale of Urbanism/Architecture (China)
Bienal Centroamericana
BIENALSUR (Argentina)
Biennale d’Art Contemporain Autochtone (Canada)
Biennale de l’Image en Mouvement (Switzerland)
Biennale Gherdëina (Italy)
Biennale Matter of Art (Czech Republic)
Biennale Warszawa (Poland)
Blickachsen Sculpture Biennale (Germany)
Bodø Biennale (Norway)
Bonavista Biennale (Canada)
Borås Art Biennial (Sweden)
Brighton Photo Biennial (United Kingdom)
Bristol Biennial (Great Britain)
Bruges Triennial (Belgium)
Bucharest Biennale (Romania)
Busan Biennale (South Korea)
C
CAFAM Biennale (China)
CAFKA – Contemporary Art Forum Kitchener and Area (Canada)
Cairo Biennale (Egypt)
California-Pacific Triennial (United States)
Canakkale Biennial (Turkey)
Carnegie International (United States)
Carrara International Sculpture Biennale (Italy)
Cartagena de Indias Biennial (Colombia)
Casablanca Biennale / Biennale Internationale de Casablanca (Morocco)
Central American Isthmus Biennial (BAVIC)
Cerveira International Art Biennial (Portugal)
Changwon Sculpture Biennale (South Korea)
Chengdu Biennale (China)
Chennai Photo Biennale (India)
Chicago Architecture Biennial (USA)
Colombo Art Biennale (Sri Lanka)
Contextile (Portugal)
Contour Biennale (Belgium)
Coventry Biennial (England)
Cuenca Biennial / Bienal de Cuenca (Ecuador)
Curitiba Biennial / Bienal de Curitiba (Brazil)
D
D-0 ARK Biennial (Bosnia and Herzegovina)
Dak’Art: African Contemporary Art Biennale (Senegal)
Dallas Biennial (USA)
DeCordova New England Biennial (USA)
Desert X (USA)
Desert X AlUla (Saudi Arabia)
Design Doha (Qatar)
Dhaka Live Art Biennale (Bangladesh)
Diriyah Biennale (Saudi Arabia)
documenta (Germany)
Dojima River Biennale (Japan)
Dublin Contemporary (Ireland)
E
East Africa Art Biennale (East Africa)
Echigo-Tsumari Art Triennale (Japan)
EKO – International Triennial of Art and Environment (Slovenia)
Emergency Biennale (Chechnya)
End of the World Biennial (Argentina)
EVA International (Ireland)
F
Fellbach Triennial (Germany)
Florence Biennale (Italy)
Folkestone Triennial (United Kingdom)
FotoFest (USA)
Freiburg Biennale / Biennale für Freiburg (Germany)
Fremantle Biennale (Australia)
Frestas Art Triennial (Brazil)
FRONT International (USA)
Frontiers Biennial (Mexico)
Fukuoka Asian Art Triennale (Japan)
G
Garage Triennial (Russia)
Ghetto Biennale (Haiti)
GIBCA – Göteborg International Biennial for Contemporary Art (Sweden)
Glasgow International (Scotland)
Greater New York (United States)
Guangzhou Triennial (China)
Gwangju Biennale (South Korea)
H
Harlem Biennale (USA)
Havana Biennial (Cuba)
Hawai‘i Triennial (USA)
Helsinki Biennial (Finland)
Helsinki Photography Biennial (Finland)
Henie Onstad Triennial (Norway)
I
IDEAS CITY Festival (USA)
Incheon Women Artists’ Biennale (South Korea)
Innsbruck International – Biennial of the Arts (Austria)
International Architecture Biennale Rotterdam (Netherlands)
International Print Biennale (UK)
Islamabad Biennale (Pakistan)
Islamic Arts Biennale (Kingdom of Saudi Arabia)
Istanbul Biennial (Turkey)
J
Jakarta Biennale (Indonesia)
Jeju Biennale (South Korea)
Jerusalem Biennale (Israel)
Jogja Biennale (Indonesia)
K
Kampala Art Biennale (Uganda)
Karachi Biennale (Pakistan)
Kathmandu Triennale (Nepal)
Kaunas Biennial (Lithuania)
Kenpoku Art (Japan)
Kingston Biennial (Jamaica)
KLA ART (Uganda)
KOBE Biennale (Japan)
Kochi-Muziris Biennale
KölnSkulptur (Germany)
Kuala Lumpur Biennale (Malaysia)
Kuandu Biennale (Taiwan)
Kyiv Biennial (Ukraine)
L
Lagos Biennial (Nigeria)
Lahore Biennale (Pakistan)
Land Art Mongolia / LAM 360° (Mongolia)
Larnaca Biennale (Cyprus)
Les Ateliers de Rennes (France)
Lisbon Architecture Triennale (Portugal)
Liverpool Biennial (United Kingdom)
Ljubljana Biennial of Design / BIO (Slovenia)
Ljubljana Biennial of Graphic Arts (Slovenia)
Lofoten International Art Festival LIAF (Norway)
Luanda Triennale (Angola)
Lubumbashi Biennale (Congo)
Luleå Biennial (Sweden)
Lyon Biennale of Contemporary Art (France)
M
Made in L.A. (USA)
Manif d’art – The Quebec City Biennale (Canada)
Manifesta (Europe)
Mardin Biennial (Turkey)
Marrakech Biennale (Morocco)
MDE Medellin Internation Art Encounter (Colombia)
Mediations Biennale (Poland)
MEDITERRANEA – Biennial of Young Artists from Europe and the Mediterranean (San Marino)
Meeting Points (Lebanon)
Mercosul Biennial (Brazil)
Milan Triennial / La Triennale di Milano
MKH Biennale (Germany)
MOMENTA Biennale de l’image (Canada)
Momentum (Norway)
Mongolia 360° Land Art Biennial (Mongolia)
Montevideo Bienal (Uruguay)
Montréal Biennale (Canada)
Moscow Biennale (Russia)
Moscow International Biennale for Young Art (Russia)
Mural and Public Art Biennial (Colombia)
N
N’GOLÁ Biennial of Arts and Culture (São Tomé and Príncipe)
New Museum Triennial (United States)
NGV Triennial (Australia)
Nicaragua Biennial (Nicaragua)
Northern Alps Art Festival (Japan)
Nya Småland (Sweden)
O
Oberschwaben Triennale (Germany)
October Salon (Serbia)
Odessa Biennale (Ukraine)
OFF Biennale Cairo (Egypt)
OFF-Biennale (Hungary)
Okayama Art Summit (Japan)
Oku-Noto Triennale (Japan)
Online Biennale
OpenArt (Sweden)
Oran Biennale (Algeria)
Oslo Architecture Triennale (Norway)
osloBIENNALEN / Oslo Pilot (Norway)
Osten Biennial (North Macedonia)
P
Paiz Art Biennial / Bienal de Arte Paiz (Guatemala)
Paris Biennale (France)
People’s Biennial (USA)
Performa (United States)
Periferic (Romania)
Pittsburgh Biennial (USA)
Pontevedra Art Biennial (Spain)
Porto Design Biennale (Portugal)
Prague Biennale (Czech Republic)
Prospect New Orleans (United States)
Public Art Melbourne Lab (Australia)
Public Art Munich (Germany)
Pune Biennale (India)
Q
Qalandiya International (Palestine)
R
Rauma Triennale (Finland)
RAY Fotografieprojekte Frankfurt/RheinMain
Reborn Art Festival (Japan)
RIBOCA – Riga International Biennial of Contemporary Art (Latvia)
Riwaq Biennale (Palestine)
Rome Quadriennale (Italy)
Ruhrtriennale (Germany)
S
SACO Contemporary Art Festival (Chile)
Saigon Open City (Vietnam)
San Juan Poly/Graphic Triennial (Puerto Rico)
São Paulo Biennial (Brazil)
São Tome e Príncipe Biennial (São Tome e Príncipe)
Sapporo International Art Festival (Japan)
SCAPE Public Art (New Zealand)
Screen City Biennial (Norway)
Sculpture Quadrennial Riga (Latvia)
Seoul Mediacity Biennale (South Korea)
Sequences (Iceland)
Sesc_Videobrasil (Brazil)
Setouchi Triennale (Japan)
Shanghai Biennale (China)
Sharjah Biennial (United Arab Emirates)
Shenzhen Biennale (China)
Shenzhen Sculpture Biennale (China)
SIART (Bolivia)
Singapore Biennale (Singapore)
Sinopale (Turkey)
Site Santa Fe International Biennial (USA)
Skulptur Projekte Münster (Germany)
Socle du Monde Biennale (Denmark)
Sonsbeek (Netherlands)
steirischer herbst (Austria)
Stellenbosch Triennale (South Africa)
Strasbourg Biennale (France)
SUD, Salon Urbain de Douala (Cameroon)
SURVIVAL (Poland)
Survival Kit (Latvia)
Suzhou Documents (China)
Sydney Biennale / Biennale of Sydney (Australia)
T
Taipei Biennial (Taiwan)
Taiwan Biennial (Taiwan)
Tallinn Architecture Biennale (Estonia)
Tallinn Photomonth (Estonia)
Tallinn Print Triennial (Estonia)
TarraWarra Biennial (Australia)
Tate Triennial (United Kingdom)
Tatton Park Biennial (United Kingdom)
Tbilisi Triennial (Georgia)
Thailand Biennale (Thailand)
The London Open (Great Britain)
Thessaloniki Biennale of Contemporary Art (Greece)
Tirana Biennial (Albania)
Toronto Biennial of Art (Canada)
transmediale (Germany)
Triennale (France)
Triennale–India (India)
Triennial of Asia (USA)
TRIO Biennial (Brasil)
Turin Triennial (Italy)
Turku Biennial (Finland)
U
U-Turn Quadrennial for Contemporary Art (Denmark)
Ural Industrial Biennial (Russia)
V
Vancouver Biennale (Canada)
Venice Architecture Biennale (Italy)
Venice Biennale (Italy)
Videonale Festival for Contemporary Video Art (Germany)
Vienna Biennale (Austria)
VIVA Excon (Philippines)
W
Western China International Art Biennale (China)
Whitney Biennial (United States)
Whitstable Biennale (United Kingdom)
WRO Media Art Biennale (Poland)
Y
Yerevan Biennial (Armenia)
Yinchuan Biennale (China)
Yokohama Triennale (Japan)
Yorkshire Sculpture International (England)
Young Artists Biennial (Romania)
Z
ZERO1 Biennial (United States)

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Guía paso a paso: Cómo solicitar una residencia de arte

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Artist Residencies
Artist Residencies

Guía paso a paso: Cómo solicitar una residencia de arte

Conozca los entresijos de la solicitud de una residencia artística con nuestra completa guía. Descubra trucos, consejos y pasos esenciales para aumentar sus posibilidades de aceptación y aprovechar al máximo esta increíble oportunidad.

FORMATO EQUIPO 8 DE FEBRERO DE 2024

hombre con barba y gafas pintura sobre papel en la pared a escala e1707427132134

Una residencia artística (o residencia para artistas) es un programa estructurado que proporciona a los artistas experiencias únicas que pueden hacer crecer su creatividad y ayudarles a desarrollarse profesionalmente. Estos programas están disponibles tanto a nivel local como en todo el mundo, desde centros urbanos hasta paisajes remotos, y atienden a una amplia gama de disciplinas artísticas. Las residencias artísticas gozan de gran prestigio en la comunidad artística por las inestimables oportunidades que ofrecen a los artistas para desarrollar su trabajo, entablar un diálogo crítico y fomentar el crecimiento profesional.

Los beneficios de un programa de residencia artística

1. Tiempo y espacio creativos ininterrumpidos: Las residencias artísticas ofrecen a los artistas la oportunidad de centrarse únicamente en su práctica artística, libres de las distracciones y responsabilidades de la vida cotidiana. Este tiempo y espacio ininterrumpidos le permiten sumergirse en su trabajo, descubrir nuevas ideas y experimentar con diferentes técnicas o conceptos. 

2. Acceso a recursos e instalaciones: Las residencias suelen proporcionar a los artistas acceso a recursos e instalaciones especiales que pueden no estar disponibles en su estudio o espacio de trabajo habitual. Esto puede incluir estudios bien equipados, laboratorios gráficos y multimedia, talleres de madera o cuartos oscuros. La disponibilidad de estos recursos abre nuevas posibilidades y le anima a ampliar los límites de su práctica artística.

3. Exposición a diversas perspectivas y comunidades: Las residencias artísticas reúnen a artistas de diferentes orígenes, culturas y disciplinas artísticas. Este entorno multicultural e interdisciplinar favorece el intercambio de ideas, el diálogo y la colaboración. Los artistas tienen la oportunidad de conectar con otros residentes, visitar a artistas y comunidades locales, ampliar sus perspectivas y profundizar en su comprensión de las diferentes prácticas artísticas y contextos culturales. 

4. Creación de redes y desarrollo profesional: Las residencias de artistas a menudo facilitan establecer contactos con comisarios, galeristas, críticos y otros artistas. Estas conexiones pueden dar lugar a colaboraciones, exposiciones y otras oportunidades profesionales. Además, muchas residencias acogen charlas de artistas, talleres y revisiones, que le proporcionarán valiosos comentarios, tutoría y oportunidades para promocionar su arte. 

5. Exploración de nuevos entornos e influencias: Las residencias en diversos lugares, ya sean rurales, urbanos o internacionales, exponen a los artistas a nuevos paisajes, culturas y tradiciones artísticas. Estos nuevos entornos pueden inspirar e influir en su trabajo, fomentando la experimentación y ampliando los límites artísticos. Puede incorporar elementos de la cultura local, la naturaleza o el contexto social a su práctica, añadiendo riqueza y profundidad a su expresión artística. 

6. Reflexión, autodescubrimiento y renovación artística: Las residencias artísticas ofrecen a los artistas la oportunidad de romper con la vida cotidiana y dedicarse a la autorreflexión. El tiempo y el espacio especiales que ofrecen las residencias fomentan la introspección y permiten a los artistas cuestionar y explorar sus motivaciones, objetivos y procesos artísticos. Este autodescubrimiento puede conducir a una nueva inspiración, a avances artísticos y al desarrollo de una voz artística más auténtica y refinada.

Elegir su programa de residencia artística

He aquí los factores clave que debe comprobar a la hora de seleccionar el programa de residencia artística que mejor se adapte a su práctica artística y a sus objetivos:

1. Ubicación: Determine si prefiere un entorno urbano o un entorno natural remoto. Las residencias urbanas ofrecen proximidad a instituciones culturales, galerías y una vibrante escena artística, mientras que las residencias rurales o remotas ofrecen un retiro tranquilo rodeado de naturaleza, ofreciendo soledad e inspiración mientras crea nuevas obras o considera las perspectivas de su actual corpus de trabajo.

2. Duración: Determine la duración que puede dedicar a la residencia. Algunos programas ofrecen estancias cortas de varias semanas, mientras que otros ofrecen estancias más largas de varios meses. Considere su disponibilidad y el tiempo que necesita para sumergirse plenamente en su práctica artística. 

3. Instalaciones y recursos: Evalúe las instalaciones y los recursos disponibles para los artistas. Busque residencias que ofrezcan estudios bien equipados, equipos especializados y acceso a materiales específicos de su disciplina artística. Determine si el programa ofrece recursos como imprentas, laboratorios digitales o talleres de madera que satisfagan sus necesidades artísticas. 

4. Apoyo y tutoría: Infórmese sobre el nivel de apoyo y tutoría que ofrece el programa de residencia. Algunos programas ofrecen la tutoría de artistas o comisarios establecidos, mientras que otros ofrecen talleres, revisiones o entrevistas con artistas. Considere si el programa ofrece oportunidades de desarrollo profesional y orientación para mejorar su práctica artística.

5. Financiación y consideraciones financieras: Evalúe los aspectos financieros del programa de residencia. Algunas residencias ofrecen apoyo financiero en forma de estipendios, subvenciones o becas, mientras que otras exigen que los artistas cubran sus gastos. Considere su presupuesto y explore las opciones de financiación para asegurarse de que el programa se ajusta a su presupuesto. 

6. Oportunidades comunitarias y de creación de redes: Evalúe los aspectos comunitarios y de creación de redes de la residencia. Busque programas que ofrezcan oportunidades para interactuar con otros artistas, comisarios y profesionales del arte. Considere si la residencia facilitará la conexión con las comunidades locales y proporcionará plataformas para mostrar su trabajo. 

7. Reputación y éxito de los antiguos alumnos: Examine la reputación del programa de residencia y el éxito de sus antiguos alumnos. Busque testimonios o referencias de anteriores residentes para calibrar sus experiencias y logros. Considere si el programa tiene un historial de apoyo y fomento de artistas en el pasado.

Escritorio de estudio de artista con una lámpara blanca, vasos llenos de pinceles y platos de pigmentos. Al fondo cuelgan materiales impresos a mano.

Solicitar un programa de residencia artística

He aquí algunos consejos detallados que le ayudarán a navegar por el proceso de solicitud y a presentar una solicitud convincente que aumente sus posibilidades de ser aceptado en una residencia artística:

Comprender el proceso de solicitud

  • Familiarícese con los componentes de la aplicación: Revise los componentes típicos requeridos para una solicitud de residencia artística. Esto suele incluir una declaración del artista, un portafolio, un currículum vitae y una propuesta de proyecto. Comprenda el propósito de cada elemento y cómo juntos pintan un cuadro completo de su práctica artística. 
  • Preste atención a las directrices específicas: Cada programa de residencia puede tener directrices y requisitos específicos para su aplicación. Tómese el tiempo necesario para leer y comprender a fondo estas normas. Preste atención a detalles como el límite de palabras, el formato de los archivos y cualquier instrucción específica para cada componente de la solicitud.
  • Adapte su solicitud a la residencia: Adapte su solicitud al programa de residencia específico. Elabore su declaración de artista, la selección de su portafolio y la propuesta del proyecto para mostrar cómo su trabajo se alinea con la misión, los temas o los objetivos del programa. Una forma de proporcionar todo esto es crear una página de su sitio web para su presentación. Ya sea en línea o en papel, demuestre que ha investigado y que está realmente interesado en la oportunidad de residencia.

Elabore una declaración de artista convincente

  • Muestre su visión artística y sus motivaciones: Escriba un declaración del artista que exprese su visión artística, su motivación y sus objetivos. Comunique los conceptos subyacentes, los temas y las influencias que impulsan su práctica. Demostrar una clara comprensión de su obra y del lugar que ocupa en el panorama del arte contemporáneo.
  • Demuestre cohesión y evolución: En su declaración artística, presente una narrativa coherente que conecte los diferentes aspectos de su obra. Muestre la evolución de su obra a lo largo del tiempo y demuestre cómo han progresado sus ideas. Destaque la singularidad e individualidad de su voz artística.
  • Utilice un lenguaje atractivo y una estructura clara: Escriba de forma clara, concisa y atractiva. Utilice un lenguaje que refleje su estilo artístico y demuestre su capacidad para comunicar conceptos complejos. Estructure su declaración de artista de forma lógica y organizada, guiando al lector a través de su recorrido artístico y sus intenciones.

Cree una cartera impresionante

  • Muestre su trabajo: Elija obras para su portafolio que muestren la diversidad y amplitud de su práctica artística. Incluya diferentes estilos, técnicas y temas para mostrar con seguridad su versatilidad y alcance como artista. Demuestre que puede utilizar diversos materiales y enfoques. 
  • Cree una presentación cohesionada: Organice su portafolio de forma visualmente atractiva y coherente. Tenga en cuenta el flujo, el orden y la agrupación de las obras para crear una narrativa o un diálogo visual. Preste atención a la estética de su presentación, asegurándose de que refleja sus sensibilidades artísticas. Una forma de hacerlo es crear su portafolio en línea en una plataforma con personalizaciones y características adaptadas a las necesidades de un artista, como por ejemplo Format. 
  • Destaque la profundidad conceptual y la habilidad técnica: Haga hincapié en la profundidad conceptual de su obra en su portafolio. Añada texto de apoyo o pies de foto que aporten información sobre las ideas y los procesos que subyacen a su obra. Muestre su destreza técnica, artesanía y atención al detalle, reforzando su competencia artística.

Prepare una propuesta de proyecto sólida

  • Defina claramente sus objetivos: Exponga de forma clara y concisa las metas, los objetivos y los resultados esperados del proyecto. Comparta lo que espera conseguir durante su estancia y cómo se alinea con la misión o el tema del programa. Asegúrese de que sus objetivos son realistas y alcanzables en el plazo previsto. 
  • Demuestre originalidad y viabilidad: Destaque la originalidad y los aspectos innovadores de su proyecto propuesto. Muestre cómo su proyecto amplía los límites, explora nuevos territorios o se compromete con el discurso contemporáneo. Proporcione un plan claro de ejecución del proyecto, que incluya los recursos necesarios y los hitos requeridos.
  • Conecte su proyecto con la residencia: Establezca una fuerte conexión entre su proyecto propuesto y el programa específico de residencia. Muestre cómo el entorno de residencia, los recursos, los mentores o la comunidad mejorarán o apoyarán su proyecto. Explique por qué esta oportunidad de residencia es fundamental para el éxito de su proyecto. 

Busque recomendaciones y referencias

  • Elija referencias que conozcan su trabajo: Elija referencias que estén familiarizadas con su práctica artística y puedan hablar de sus capacidades, habilidades y potencial. Considere a profesores, mentores, comisarios u otros artistas que hayan visto su trabajo de primera mano.
  • Proporcione información relevante a sus referencias: Póngase en contacto con los recomendadores a tiempo e infórmeles sobre el programa de residencia y sus requisitos. Comparta su declaración de artista, su portafolio y su propuesta de proyecto para darles contexto y consejos para escribir una carta de recomendación centrada y eficaz.
  • Haga un seguimiento y exprese su gratitud: Después de recibir sus cartas de recomendación, envíe una carta o correo electrónico de agradecimiento. Manténgase en contacto con sus contactos y manténgalos informados de sus progresos y de sus proyectos futuros. 

Corregir y editar

  • Edite para mayor claridad y coherencia: Revise toda su solicitud en cuanto a gramática, ortografía y claridad. Mantenga su texto conciso, coherente y sin errores. Utilice un lenguaje y una terminología apropiados que reflejen su profesionalidad y su comprensión del mundo del arte. 
  • Busque la opinión de los demás: Comparta los materiales de su solicitud con compañeros, mentores o asesores de confianza para que le den su opinión. Escuche sus sugerencias e incorpore las críticas constructivas para mejorar la calidad general de su solicitud.
  • Pula la presentación visual: Preste atención a la presentación visual de su solicitud. Asegúrese de que sus documentos están bien organizados, son visualmente atractivos y fáciles de navegar. Tenga en cuenta el diseño, la elección del tipo de letra y el uso de imágenes o elementos visuales para mejorar la estética general.

Siga las instrucciones de envío

  • Cumpla los plazos: Respete los plazos de solicitud y asegúrese de presentarla con suficiente antelación. Deje tiempo suficiente para imprevistos o dificultades técnicas. 
  • Formatee correctamente los documentos: Siga las directrices de formato específicas para cada componente de la solicitud. Tenga en cuenta los formatos de archivo, tamaños de imagen y otros requisitos técnicos que figuran en el programa de residencia.
  • Vuelva a comprobar y reúna los materiales necesarios: Elabore una lista de control para asegurarse de que ha incluido todos los materiales y justificantes necesarios. Antes de enviarla, compruebe si los documentos de su solicitud están completos.

Navegar por el proceso de selección

He aquí tres puntos clave a tener en cuenta cuando intente navegar por el proceso de selección de un programa de residencia artística:

1. Comprender los criterios de evaluación

Los programas de residencia suelen tener criterios de evaluación específicos, que pueden incluir el mérito artístico, la originalidad, la viabilidad del proyecto, la alineación con el tema o la misión de la residencia y el potencial de crecimiento artístico. Consulte las directrices de selección del programa o póngase en contacto directamente con el coordinador de la residencia para conocer su proceso de evaluación. Adapte los materiales de su solicitud para destacar los aspectos más relevantes según sus criterios. Tenga en cuenta que el proceso de selección es subjetivo e implica a un panel diverso de artistas y profesionales del arte. 

2. Gestionar las expectativas

Prepárese para diferentes resultados y gestione sus expectativas. Comprenda que las plazas de residencia son competitivas e incluso los artistas altamente cualificados no siempre son aceptados. El rechazo no disminuye su valía artística, ya que cada programa tiene sus propias preferencias y limitaciones. Utilícelo como una oportunidad para la autorreflexión y el crecimiento. Busque la opinión del programa, si la tiene, para mejorar futuras solicitudes. Manténgase positivo y explore otras oportunidades. Existen numerosas residencias y empresas artísticas que pueden alinearse con su práctica.

3. Hacer frente a las notificaciones y seguir adelante

Una vez notificado, si es aceptado, celebre su logro y haga los preparativos necesarios para el periodo de residencia. En caso de rechazo, procese la decepción y reevalúe sus objetivos. Utilícelo como motivación para buscar opiniones y considerar otras residencias u oportunidades. Si está en lista de espera, manténgase abierta a otras posibilidades y esté preparada para responder con prontitud si surge una oferta. Independientemente del resultado, persevere en su práctica artística, busque nuevas oportunidades y siga participando en la escena artística. Mantenga una actitud positiva, alimente su creatividad y siga desarrollando su portafolio y su declaración de artista para futuras solicitudes.

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Glory of the World: Color Field Painting (1950s to 1983)
Glory of the World: Color Field Painting (1950s to 1983)

Cómo redactar una propuesta artística en 16 sencillos pasos

¿Está pensando en redactar una propuesta de subvención artística para conseguir financiación para su obra? Sigue esta sencilla guía paso a paso sobre cómo redactar una propuesta artística que tenga éxito.

RACHEL MACFARLANE 17 DE ENERO DE 2020

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Como artista, la pasión por su oficio le impulsa a seguir adelante. Pones todo tu corazón y tu alma en tu trabajo y te esfuerzas constantemente por explorar nuevas ideas y perfeccionar tus habilidades.

Pero, como sabe cualquier artista emergente, seguir una carrera creativa significa convertirse en un doble agente. Paralelamente a sus actividades artísticas, tiene que navegar por el mundo de las subvenciones y las solicitudes. Ganar una beca o una residencia puede suponer un apoyo crucial para tu trabajo, desde financiación hasta alojamiento, durante unas semanas o varios años.

La verdad es que las subvenciones son una parte necesaria del proceso artístico, pero el proceso de solicitud puede resultar desalentador, sobre todo si te sientes más cómodo expresándote visualmente que por escrito. Por eso hemos elaborado una guía paso a paso sobre cómo redactar una propuesta artística que te ayudará a destacar entre la multitud y a conseguir la financiación que necesitas para dar vida a tu visión. Así que ¡manos a la obra!

Tabla de contenidos

  • Cómo redactar una propuesta artística
    • Paso 1: Desarrollar una idea de proyecto
    • Paso 2: Empezar pronto
    • Paso 3: Compruebe si cumple los requisitos
    • Paso 4: Obtener imágenes profesionales
    • Paso 5: Elegir las imágenes adecuadas
    • Paso 6: Preparar los archivos
    • Paso 7: Ejercicios de escritura
    • Paso 8: Elaborar un presupuesto
    • Paso 9: Escribir un borrador
    • Paso 10: Empezar con un discurso claro
    • Paso 11: Utilice un estilo adecuado
    • Paso 12: Utilizar editores
    • Paso 13: Rellenar los formularios de solicitud
    • Paso 14: Preparar currículos y biografías
    • Paso 15: Utilice una lista de comprobación
    • Paso 16: Envío y seguimiento

Cómo redactar una propuesta artística

Paso 1: Desarrollar una idea de proyecto

Pregúntatelo a ti mismo:

“¿Qué voy a hacer?”
“¿Dónde lo haré? ¿Dónde mostraré, actuaré o publicaré mi proyecto?”.
“¿Cuándo lo conseguiré? ¿Cuándo se verá?”
“¿Cómo lo haré?”
“¿Por qué es un proyecto importante para mí y para otras personas? ¿Por qué es importante para mi carrera en este momento?”.

Si no puede responder a estas preguntas, probablemente no esté preparado para presentar una propuesta de subvención artística.

Paso 2: Empezar pronto

Empieza a escribir tu propuesta de subvención artística con dos meses de antelación. Necesitarás tiempo para redactar una propuesta artística, contratar a un fotógrafo, ponerte en contacto con un responsable de subvenciones, dar formato a tu material y enviar el paquete. Además, ten en cuenta que puede haber dificultades técnicas al presentar la propuesta por Internet. No querrás que eso ocurra a las 11 de la noche de la presentación de la propuesta de subvención artística. Además, todos cometemos errores cuando estamos bajo presión. Así que empieza pronto y no te resultará estresante redactar una propuesta artística.

Paso 3: Compruebe si cumple los requisitos

No hay nada peor que una solicitud rechazada automáticamente por no cumplir los requisitos. Si no está seguro, póngase en contacto con el responsable de la financiación. Asegúrese de solicitar las subvenciones que le corresponden. Así tendrá más éxito y ahorrará mucho tiempo. Una pista es fijarse en los anteriores beneficiarios. Un organismo de financiación puede decir que quiere escritores, artistas visuales y cineastas. Sin embargo, si sus anteriores beneficiarios son sólo cineastas, entonces no es la mejor subvención para un artista visual. Hay muchas oportunidades, así que tómate tu tiempo para encontrar la adecuada. No adaptes tu trabajo y tu solicitud a un organismo de financiación. No suele funcionar.

Paso 4: Obtener imágenes profesionales

El material de apoyo debe representar eficazmente su obra. Reproducir obras de arte puede ser difícil, pero aquí tienes algunas cosas que debes tener en cuenta a la hora de crear imágenes que representen tu obra.

Contratar a un profesional
Los fotógrafos profesionales de obras de arte tienen conocimientos especializados para reproducirlas con precisión. No cualquier fotógrafo puede hacerlo. Estos expertos reducen los reflejos, consiguen el enfoque, iluminan objetos únicos, cuadran los cuadros y corrigen el color. Sé exigente. Pide recomendaciones a otros artistas. Mira un portafolio de reproducciones anteriores. Asegúrate de que te dan archivos tiff y jpeg de gran tamaño. Confírmales un plazo de entrega rápido.

Trueque de habilidades u obras de arte
Si no puede permitirse contratar a alguien, considere un sistema de trueque. A menudo, documentar imágenes cuesta entre $300-700. Podrías intercambiar una obra de arte cuyo precio esté en este rango. O puede que tengas otra habilidad profesional con la que comerciar, como el diseño web o la construcción de cajas.

Sea su propio fotógrafo
Aprende a fotografiar tu propio trabajo. Puede que tengas que comprar o alquilar una cámara DSLR y las luces adecuadas. Pero si aprendes esta habilidad ahorrarás mucho dinero. Y en el futuro, incluso podrás documentar trabajos para ganar un dinero extra.

Paso 5: Elegir las imágenes adecuadas

Los materiales de apoyo deben ser relevantes para la propuesta de subvención artística. Por ejemplo, cuando una subvención apoya proyectos interdisciplinarios, envío ejemplos de una variedad de disciplinas. Incluyo proyectos de libros, animaciones y pintura. Si solicito una subvención para pintura, sólo incluyo mis mejores cuadros.

Elija obras que hagan referencia a su plan. Una parte importante de la redacción de una propuesta artística consiste en convencer al jurado de que puede llevarla a cabo. Si es usted escultor y propone un proyecto de vídeo, no se limite a incluir imágenes de esculturas. Incluya un breve vídeo de prueba para demostrar su capacidad con el medio.

Paso 6: Preparar los archivos

Cada aplicación tiene unas directrices de formato específicas. Debe seguirlas. Las subvenciones desestimarán toda una solicitud por un solo error.

Suelen pedir entre 10 y 20 imágenes. Tendrás que enviarlas por correo electrónico, subirlas a un sitio como SlideRoom, enviarlas por correo en un CD o DVD, o enviar una URL de un sitio web. Envíe siempre el trabajo en el formato solicitado. Por ejemplo, si le piden que envíe un vídeo de tres a cinco minutos de duración, nunca envíe algo de más de cinco minutos. Si te piden que envíes 20 imágenes por correo electrónico, nunca remitas a una página web. Ignorar las instrucciones generará dudas sobre tu capacidad y tu interés en el programa.

Paso 7: Ejercicios de escritura

En el libro de Gigi Rosenberg Guía del artista para la concesión de subvencionesrecomienda la escritura libre. Ponte una tarea basada en una pregunta de la solicitud. Luego escribe sin parar durante diez minutos. Escribir bajo presión te permite plasmar algo en el papel. Este sencillo ejercicio resuelve el bloqueo del escritor y te pone en marcha.

Otro método para explicar tu trabajo en lenguaje llano es grabar una conversación con un amigo sobre tu proyecto. Hablar limita la cantidad de jerga que utilizas, lo que te permite encontrar formas descriptivas de definir tu trabajo. Esto hace que la propuesta artística sea conversacional y clara.

Sea cual sea la estrategia, ponga por escrito sus ideas y pensamientos iniciales. Así dispondrás de material suficiente para buscar puntos importantes que pulir y desarrollar en un primer borrador.

Paso 8: Elaborar un presupuesto

No todas las subvenciones exigen un presupuesto, pero si es así, resulta útil empezar a elaborarlo al mismo tiempo que la propuesta de subvención artística. Empieza por hacer una lista de gastos. Sé lo más específico posible y anota todo lo que necesites. Esto incluirá costes de material, billetes de avión, mano de obra, espacio de estudio, software y otros gastos. Las subvenciones específicas a veces restringen ciertos gastos, como la compra de equipos. Así que asegúrate de leer atentamente y omite estas categorías. Esta lista es el esqueleto de su presupuesto detallado.

Una lista de presupuesto también le ayuda a hacer una lluvia de ideas sobre lo que necesita para hacer posible su proyecto, ofreciéndole notas importantes para su borrador. La propuesta de subvención artística y el presupuesto deben reflejarse mutuamente. No debe haber nada en el presupuesto que no se mencione en la propuesta, y viceversa.

Una vez que hayas enumerado todos los gastos, haz una estimación de su coste. No olvides los costes de mano de obra. Estima cuánto tiempo te llevará cada tarea y calcula un salario razonable. Un presupuesto detallado muestra la viabilidad de tu propuesta. Si los gastos superan el importe de la subvención, es importante definir una financiación suplementaria. Es más probable que los organismos de financiación inviertan en un proyecto con varios financiadores. Haz clic en aquí, aquíy aquí para obtener algunos consejos útiles sobre presupuestos.

Paso 9: Escribir un borrador

Escribir un borrador puede resultar desalentador. Pero después de tomar notas y utilizar ejercicios de escritura tendrás el material que necesitas para empezar.

Escriba párrafos claros y breves, y cubra toda la información necesaria. La escritura personal cautivará a su público. Escriba como si estuviera hablando con un amigo. Describa claramente su propuesta de subvención utilizando un lenguaje sencillo pero descriptivo. Destaque su singularidad y la de su proyecto.

Puntos específicos
¿De qué manera este proyecto conecta con trabajos anteriores, parte de ellos o se basa en ellos?
¿Cómo avanzará o se desarrollará su trabajo y su carrera?
¿Por qué es urgente este proyecto?
¿Por qué es importante el proyecto?
¿Cómo va a conseguirlo?
¿Qué recursos necesitará? ¿Cómo los conseguirá?
¿Cuándo tendrá lugar el proyecto?
¿Qué medidas está tomando para hacerlo posible?
¿Dónde lo harás?
¿Dónde se expondrá, representará o publicará?

Información a evitar
Evita decir obviedades, como que necesitas dinero o espacio.
No escriba frases generales. Sé lo más concreto posible.
No utilice un lenguaje que pueda alienar a su lector.

Paso 10: Empezar con un discurso claro

Redactor profesional de subvenciones Preethi Burkholder dice que las mejores propuestas de subvenciones artísticas “empiezan con la declaración de necesidades, una descripción de la necesidad artística a la que responde su proyecto”. Los jurados de las subvenciones leen cientos de solicitudes. Así que tienes que exponer tu propuesta con rapidez. Dígales cómo, qué, cuándo, por qué y dónde, en las primeras líneas.

Ejemplos
“Política submarina explorará cómo se dividen los territorios en el océano. Los temas se explorarán a través de una serie de fotografías, que darán lugar a una exposición en Landon Hall en 2018.”

“El despertar de una oruga es una historia infantil de mayoría de edad representada en animación stop-motion. Se proyectará en octubre de 2018 en el Festival de Cine Infantil de Nueva York.”

Paso 11: Utilice un estilo adecuado

Es importante escribir de forma clara, concisa y coherente. Un lenguaje accesible permite que su propuesta artística sea comprendida.

Aquí tienes algunos consejos para perfeccionar tu escritura:

Evite la jerga.
Utiliza el tiempo futuro.
Utilice la palabra más adecuada. Utiliza el lenguaje más específico para pintar un cuadro preciso de tu proyecto.
Utilice palabras concretas, en lugar de términos abstractos o generales.
Utiliza el menor número de palabras. Un adjetivo es mejor que dos.
Olvídate de los calificativos. Sólo te hacen parecer inseguro.
Evite el tiempo pasivo.
Reflejar el lenguaje utilizado por el financiador.
Utiliza verbos fuertes en lugar de sustantivos débiles.
Utilice un lenguaje cercano y accesible.

Hemingway Editor es una aplicación que ayuda a garantizar el tiempo futuro y la solidez de las frases. Destaca las frases difíciles de leer y señala el uso excesivo de adjetivos y de la voz pasiva. Es la aplicación perfecta para el estilo que necesitan las propuestas de subvenciones artísticas.

Paso 12: Utilizar editores

Ahora que ya has esbozado un borrador, necesitas comentarios. Elige a alguien que no sea artista para asegurarte de que el lenguaje es accesible. Lo mejor es que haya más de un corrector. El editor al que más respeto tengas debería leer tu último borrador. Saca el máximo partido de tu editor haciéndole preguntas:

“¿Qué es comprometedor?”
“¿Qué es aburrido?”
“¿Qué no está claro?”
“¿Qué es incómodo?”
“¿Puedes imaginarte mi proyecto?”
“¿Crees que puedo hacerlo?”
“¿Qué falta?”
“¿He respondido a todas las preguntas?”

Paso 13: Rellenar los formularios de solicitud

Los formularios de solicitud suelen ser sencillos. Habrá instrucciones específicas. Así que esté atento a posibles errores. Utilice preguntas auxiliares para ampliar y especificar lo que no pudo incluir en la propuesta de subvención artística, pero asegúrese siempre de que la información es adecuada y vital para su proyecto.

Paso 14: Preparar currículos y biografías

Los financiadores le pedirán un currículum vítae (CV) o una biografía. Se utiliza para evaluar su formación, premios, residencias, exposiciones y otros reconocimientos.

Una biografía suele ser una breve declaración de 100-200 palabras que a menudo se escribe en tercera persona. Enumera los reconocimientos más importantes en un párrafo que describe su historial. Por otro lado, un CV es una larga lista de todas sus experiencias. Puede incluir aspectos como formación, exposiciones, prensa, publicaciones, residencias, actuaciones y charlas artísticas.

Un CV es una buena opción para un artista con un historial profesional denso, ya que le permite mostrar todos sus logros a lo largo de su carrera. Una biografía es la mejor opción para un artista emergente con poca experiencia, porque le permite centrarse en sus logros más importantes.

Sea cual sea la opción que elija, asegúrese de cumplir los requisitos de número máximo de palabras o páginas.

Paso 15: Utilice una lista de comprobación

Las entidades que conceden subvenciones para obras de arte suelen proporcionar listas de control para ayudar a los solicitantes a asegurarse de que incluyen todo lo que se les pide. Pero si no se proporciona ninguna lista de comprobación, debe elaborar la suya propia. Es una buena idea porque es absolutamente esencial incluir todo lo que se menciona en el pliego de condiciones.

Por ejemplo, si va a enviar la propuesta de subvención de arte por correo, habrá detalles sobre cuántas copias incluir de cada formulario y cómo cotejar la información. A veces, los requisitos de la solicitud incluyen incluso instrucciones aparentemente sin importancia, como si se deben utilizar grapas o clips. De nuevo, es importante seguir las instrucciones al pie de la letra.

Paso 16: Envío y seguimiento

Lo has conseguido. Has redactado una propuesta de subvención artística clara y has seguido todas esas complicadas normas. Enhorabuena. Ahora, marca en tu calendario cuándo recibirás la respuesta y experimenta la tortura de la espera.

Algunos artistas recomiendan hacer un seguimiento después de presentar la propuesta de subvención artística. Si se trata de una institución más pequeña, puede ser una buena idea, pero en una institución más grande puede resultar difícil contactar con alguien que pueda ayudarte.

Si te conceden la subvención, ¡enhorabuena! Ahora, asegúrate de dar las gracias a los financiadores. Adjunta su nombre al proyecto. Escribe una carta de agradecimiento. Y cuando el proyecto esté terminado, redacta un informe con los resultados.

Si no consigue la subvención, no se preocupe. El rechazo forma parte del proceso. Haz un seguimiento de todos modos, agradeciendo a los financiadores que te hayan tenido en cuenta, y a ver si tienen tiempo de decirte qué hay que mejorar en tu propuesta de subvención artística. Puede que no hayas conseguido la subvención por el gusto de los miembros del jurado. O podría deberse a algo que falta en tu propuesta, o a un planteamiento que no fue eficaz. Cualquier comentario es útil y puede convertir la pérdida de una subvención en una oportunidad de aprendizaje.

Tomado de Format.com

Format es un equipo de expertos en la intersección de la tecnología y los espacios creativos. Nos mueve una pasión y un propósito singulares: ayudar a los fotógrafos a triunfar y prosperar.

Nos apasiona encontrar nuevas formas de proporcionar a la comunidad fotográfica las herramientas y los recursos que necesitan para compartir su trabajo y hacer crecer su negocio. Nuestro trabajo nunca termina.

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