Joyería Contemporánea Africana: El Renacimiento del Poder y la Identidad

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Joyería Contemporánea Africana: El Renacimiento del Poder y la Identidad

La joyería africana nunca ha sido solo decoración. Es historia, es política, es un mapa genético de culturas milenarias que se han expresado a través de cuentas de vidrio, metales sagrados, conchas y huesos. Pero lo que está ocurriendo ahora con la joyería contemporánea africana es otra cosa. Es una explosión. Es una revuelta silenciosa hecha de oro, bronce y materiales inesperados.

Las nuevas generaciones de diseñadores africanos no están interesadas en replicar el pasado. Lo están remezclando, reinterpretando, elevándolo a una forma de arte que grita presencia, orgullo e innovación. Mira el trabajo de nombres como Ami Doshi Shah en Kenia, Patrick Mavros en Zimbabue, o Pichulik en Sudáfrica. No están solo haciendo accesorios; están esculpiendo identidades.

Ami Doshi Shah trabaja con materiales como cuerno de vaca y minerales locales, creando piezas que desafían la noción de belleza tradicional. Sus collares y brazaletes parecen descubiertos en un sitio arqueológico del futuro: poderosos, primitivos, pero también modernísimos. Pichulik, en Sudáfrica, toma las cuerdas y los nudos de la tradición marítima y los transforma en amuletos urbanos llenos de color y textura.

La joyería contemporánea africana no se rinde a la lógica del lujo europeo. No busca ser “discreta” ni “sofisticada” en los términos de la alta joyería occidental. Aquí, el oro no es solo un símbolo de riqueza, sino de conexión espiritual. Las cuentas de vidrio no son simples adornos, sino fragmentos de memoria, ecos de comercio, migración y resistencia. Y lo mejor: estos diseñadores no están esperando validación de París o Nueva York. Están construyendo sus propios lenguajes visuales, sus propias plataformas, su propio canon.

Esto es lo que hace que la joyería africana contemporánea sea tan poderosa. Es una declaración de independencia creativa. Es el pasado canalizado en algo ferozmente nuevo. Es una joyería que no solo embellece, sino que desafía, provoca y exige que la miremos con la misma seriedad con la que observamos una escultura o una pintura.

Así que la próxima vez que veas una pieza de joyería africana contemporánea, no la mires como un simple accesorio. Mírala como lo que es: arte puro, sin concesiones. Porque eso es exactamente lo que es.

STEEL PULSE ’50th Anniversary Tour’ – MIAMI BEACH

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AMM

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STEEL PULSE ’50th Anniversary Tour’ – MIAMI BEACH

Thursday, July 10 · 6 – 10pm

Miami Beach Bandshell
7275 Collins Ave, Miami Beach, FL 33141
📞 (786) 453-2897 — miamibeachbandshell.com

Bearing witness to the accelerating negativity of global affairs, Steel Pulse emerges with musical vengeance to halt the disarray of humanity. The bands twelfth studio production, titled Mass Manipulation (Rootfire Cooperative), reflects four decades committed to bettering mankind through music. Steel Pulse continues to be revolutionary in engaging controversial topics of racial injustice and human rights on a global scale. Their musical stance and conceptualizations are as potent and relevant today as they were at the beginning of their career. The album’s uniquely thematic approach provokes thought as it presses forward, toward humanities unification. A manipulation of our minds has been influenced by a New World Order currently dominating humankind. Steel Pulse reappears at a fated moment, armed with compassion, encouraging all people to reject false ideals, set higher goals, and demand more from themselves to further this unification. Lead singer and guitarist, David Hinds’ creativity, human persona, and visionary views are revealed through inspiring compositions that capture the effects of the African Diaspora. These songs weave and interlock with each other, enticing all to stand together and unite.

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2025 TOUR DATES

Mar 31 Mon
50th Anniversary Tour @ 9:00 PM
Madrid, Spain

Apr 24 Thu
Tower Theatre @ 7:00 PM
Fresno, CA, United States

Apr 25 Fri
Ventura Music Hall @ 7:00 PM
Ventura, CA, United States

Apr 26 Sat
Ventura Music Hall @ 7:00 PM
Ventura, CA, United States

Apr 27 Sun
Holo Holo Music Festival 2025 @ 8:15 PM
Las Vegas, NV, United States

Apr 30 Wed
Fremont Theater @ 7:00 PM
San Luis Obispo, CA, United States

May 2 Fri
The Nile Theater @ 7:00 PM
Bakersfield, CA, United States

May 3 Sat
Steel Pulse & Los Lonely Boys @ 7:00 PM
Flagstaff, AZ, United States

May 4 Sun
The Marquee Theater @ 7:00 PM
Tempe, AZ, United States

May 5 Mon
Rialto Theatre @ 8:00 PM
Tucson, AZ, United States

May 8 Thu
Lensic Performing Arts Center @ 7:00 PM
Santa Fe, NM, United States

May 9 Fri
Boulder Theater @ 7:00 PM
Boulder, CO, United States

May 10 Sat
Washington’s @ 7:00 PM
Fort Collins, CO, United States

May 11 Sun
Belly Up Aspen @ 7:00 PM
Aspen, CO, United States

May 13 Tue
The ELM @ 7:00 PM
Bozeman, MT, United States

May 14 Wed
The Wilma @ 7:00 PM
Missoula, MT, United States

May 16 Fri
Airport Tavern @ 7:00 PM
Tacoma, WA, United States

May 17 Sat
Airport Tavern @ 7:00 PM
Tacoma, WA, United States

May 18 Sun
Wonder Ballroom @ 7:00 PM
Portland, OR, United States

May 20 Tue
Mateel Community Center @ 7:00 PM
Redway, CA, United States

May 22 Thu
The UC Theatre @ 7:00 PM
Berkeley, CA, United States

May 23 Fri
Grand Sierra Resort and Casino @ 8:00 PM
Reno, NV, United States

May 25 Sun
California Roots Festival 2025 @ 6:00 PM
Seaside, CA, United States

Jun 5 Thu
Mountains of Music at the GoPro Mountain Games 2025 @ 7:00 PM
Vail, CO, United States

Jun 8 Sun
California Vibrations 2025 @ 6:00 PM
Long Beach, CA, United States

Jun 19 Thu
The Stone Pony @ 7:00 PM
Asbury Park, NJ, United States

Jun 20 Fri
Ardmore Music Hall @ 6:45 PM
Ardmore, PA, United States

Jun 21 Sat
Ardmore Music Hall @ 6:45 PM
Ardmore, PA, United States

Jun 22 Sun
Ithaca Reggae Fest 2025 @ 8:00 PM
Ithaca, NY, United States

Jun 26 Thu
Hampton Beach Casino Ballroom @ 7:00 PM
Hampton Beach, NH, United States

Jun 27 Fri
Higher Ground @ 7:30 PM
South Burlington, VT, United States

Jun 28 Sat
The Capitol Groove Music Festival @ 12:00 PM
Hartford, CT, United States

Jun 29 Sun
Canoe Place Inn @ 7:00 PM
Hampton, NY, United States

Jul 1 Tue
New Realm Brewing @ 4:30 PM
Virginia Beach, VA, United States

Jul 2 Wed
French Broad River Brewery @ 6:00 PM
Asheville, NC, United States

Jul 3 Thu
Boathouse @ 6:00 PM
Myrtle Beach, SC, United States

Jul 5 Sat
The Refinery Charleston @ 6:00 PM
Charleston, SC, United States

Jul 6 Sun
Greenfield Lake Amphitheater @ 6:00 PM
Wilmington, NC, United States

Jul 8 Tue
The Ranch Concert Hall & Saloon @ 7:00 PM
Fort Myers, FL, United States

Jul 9 Wed
Jannus Live @ 7:00 PM
St Petersburg, FL, United States

Jul 10 Thu
Miami Beach Bandshell @ 6:00 PM
Miami Beach, FL, United States

Oct 3 Fri
Reggae Rise Up Presents: On High 2025 @ 7:00 PM
Salt Lake City, UT, United States

Biography

Bearing witness to the accelerating negativity of global affairs, Steel Pulse emerges with musical vengeance to halt the disarray of humanity. The bands twelfth studio production, titled Mass Manipulation, reflects four decades committed to bettering mankind through music. Steel Pulse continues to be revolutionary in engaging controversial topics of racial injustice and human rights on a global scale. Their musical stance and conceptualizations are as potent and relevant today as they were at the beginning of their career. The album’s uniquely thematic approach provokes thought as it presses forward, toward humanities unification. A manipulation of our minds has been influenced by a New World Order currently dominating humankind. Steel Pulse reappears at a fated moment, armed with compassion, encouraging all people to reject false ideals, set higher goals, and demand more from themselves to further this unification.

Lead singer and guitarist, David Hinds’ creativity, human persona, and visionary views are revealed through inspiring compositions that capture the effects of the African Diaspora. These songs weave and interlock with each other, enticing all to stand together and unite.

The album begins with a continuation of past struggles in attaining freedom. From the opening song, “Rize,” one can hear, feel, and be uplifted through urgency established in its cadence. This urgency compels participation in the Windrush generation’s cause to rise against evil and controlling forces. Ancient melodies paired with catchy lyrics in “Stop You Coming and Come” transport the mind to a period of time where secrets of an African dynasty are unmasked. “Thank The Rebels” follows as a classic Steel Pulse anthem with powerful messages of awareness and inspiration. From the opening trumpet call, Hinds picks up the torch of wisdom, rallying humanity toward great aspirations. In “Justice in Jena,” rolling drums and repeated chorus structure highlight the hatred and racial intolerance that persists, despite the notion that society has progressed into a post-racial world. Haunting organs and eerie guitar interplay in “Human Trafficking” emulate the atrocities of this underground world, while desperate drumming and frantic horns bolster an emotional plea to admonish this horror.

Mass Manipulation evolves and sets to navigate the political transformation of changing social and economic environments. Impassioned vocals convey the pain and suffering experienced throughout “Cry Cry Blood.” This song features blistering horns to help settle the nerves and uneasiness felt. “No Satan Side” follows with its intoxicating tempo, rhythmic chanting, and riveting lyrics, defining the African Diaspora with redemption cries for, “Rastafari and live.” “N.A.T.T.Y (Natural And True To Yourself)” explodes with syncopated drumming and purposeful bass to unburden the soul. It is here where we find Hinds at his most personal and reflective state. The album’s title track, “Mass Manipulation,” positions exploding horns to drive home its warning, bursting the corporate glass which would serve to protect the deceitful and corrupt. In “World Gone Mad,” a jolting rap broadcasts the horrifying consequences of madness. Ensnaring drums and seducing bass encapture those evil and controlling powers embodied in “Black and White Oppressors,” while defiant lyrics, weaponized with energetic horns, serve to penetrate Babylon’s evil and systematic ways.

The album comes full circle as Steel Pulse’s legendary musical abilities aim to achieve a greater community for all. The promise of mankind’s salvation is prominently positioned with vocals offered to still calm in “The Final Call.” Stunning harmonica jousts invoke inward reflection and set free courage to conquer. “Higher Love (Rasta Love),” a beautiful Hinds reggae reinterpretation of Steve Winwood’s “Higher Love,” exudes charisma and energy hailing for love across humanity. The album crowns with “Nations of the World.” Stabilizing lyrics, enforced by a commanding rhythm, beg freedom fighters, leaders, and citizens from all nations to come together in peace.

In the midst of today’s strife and turmoil, Mass Manipulation is Steel Pulse’s indispensable musical gift, as their forty year legacy continues to define the magnificent power and beauty of reggae music. As reggae revolutionaries, Steel Pulse is revered by the younger generation of artists and remains a powerhouse on stages around the globe. Through the example of Mass Manipulation, Steel Pulse demonstrates the endless possibilities that come from breaking down the walls of systemic greed and nurturing the fellowship of mankind.

Steel Pulse initially had difficulty finding live gigs, as club owners were reluctant to give them a platform for their “subversive” Rastafarian politics. Luckily, the punk movement was opening up new avenues for music all over Britain, and also finding a spiritual kinship with protest reggae. Thus, the group wound up as an opening act for punk and new wave bands like the Clash, the Stranglers, Generation X, the Police, and XTC, and built a broad-based audience in the process. In keeping with the spirit of the times, Steel Pulse developed a theatrical stage show that leavened their social commentary with satirical humor; many of the members dressed in costumes that mocked traditional British archetypes (Riley was a vicar, McQueen a bowler-wearing aristocrat, Martin a coach footman, etc.). The band issued two singles — “Kibudu, Mansetta and Abuku” and “Nyah Love” — on small independent labels, when they then came to the attention of Island Records after opening for Burning Spear.

Steel Pulse’s first single for Island was the classic “Ku Klux Klan,” which happened to lend itself well to the band’s highly visual, costume-heavy concerts. It appeared on their 1978 debut album, Handsworth Revolution, which was soon hailed as a classic of British reggae by many fans and critics, thanks to songs like the title track, “Macka Splaff,” “Prodigal Son,” and “Soldiers.” Riley departed before the follow-up, 1979’s Tribute to the Martyrs, which featured other key early singles in “Sound System” and “Babylon Makes the Rules,” and solidified the band’s reputation for uncompromising political ferocity. That reputation went out the window on 1980’s Caught You, a more pop-oriented set devoted to dance tracks and lovers rock. By that point, Steel Pulse was keen on trying to crack the American market, and went on tour over Island’s objections. Caught You was issued in the States as Reggae Fever, but failed to break the group, and they soon parted ways with Island.

Steel Pulse moved on to Elektra/Asylum, which released an LP version of their headlining set at the 1981 Reggae Sunsplash Festival. Their studio debut was 1982’s True Democracy, a generally acclaimed set that balanced bright, accessible production with a return to social consciousness. It became their first charting LP in America, making both the pop and R&B listings. The slicker follow-up, Earth Crisis, was released in 1984 and featured producer Jimmy “Senyah” Haynes subbing on guitar and bass for founding members Gabbidon and McQueen, both of whom left the group by the end of the recording sessions. They were replaced by guitarist Carlton Bryan and bassist Alvin Ewen for 1986’s Babylon the Bandit, another Haynes-produced effort that ranked as the group’s most polished, synth-centered record to date. It featured the powerful “Not King James Version” and won a Grammy for Best Reggae Album.

In 1988, Steel Pulse released State of Emergency, their most explicitly crossover-oriented album yet. They also contributed the track “Can’t Stand It” to the soundtrack of Spike Lee’s classic Do the Right Thing. In 1991, they released another heavily commercial album, the Grammy-nominated Victims, which featured the single “Taxi Driver.” Backing up the song’s views, Steel Pulse filed a class-action lawsuit against the New York City Taxi and Limousine Commission, charging that drivers discriminated against blacks and particularly Rastafarians. Founding member Fonso Martin left that year, reducing Steel Pulse to a core trio of Hinds, Nisbett, and Brown. Their backing band still featured Ewen and was elsewhere anchored by guitarist Clifford “Moonie” Pusey, keyboardist Sidney Mills, trumpeter Kevin Batchelor, Saxophonist Jerry Johnson and Trombonist Clark Gayton.

The 1992 live album Rastafari Centennial marked the beginning of a return to the group’s musical roots, and earned another Grammy nomination. The following year, they performed at Bill Clinton’s inaugural celebration, the first reggae band to appear at such an event. 1994’s studio album Vex completed Steel Pulse’s re-embrace of classic roots reggae, though it also nodded to contemporary dancehall with several guest toasters and a digital-flavored production. 1997’s Rage and Fury continued in a similar vein, and was nominated for a Grammy. In 1999, the group released another collection of live performances, Living Legacy.

Fast forward a long seven years since their previous album, Rage and Fury, Steel Pulse would return yet again, this time with African Holocaust, and yet again have their ranks dwindled. Core members David Hinds (vocals, rhythm guitar) and Selwyn Brown (keyboards, backing vocals) are the only ones to remain from the band’s original line-up, but they more than hold their own and they’re joined by a deep roster of supporting musicians, a list too long to list. As always, the music is what’s most important, and on that count, this Steel Pulse lineup indeed makes the mark. Granted, it did take them seven years to get the album out, but still it won a Grammy Awards Nomination for Best Reggae Album of the year. There’s really not too much else to say about African Holocaust. Longtime fans will know what to expect. Newcomers should know a few things: above all, Steel Pulse are known for performing well-written, Afrocentric songs that are rebellious without being negative or inflammatory, and though the band membership has changed over the years, the type of songs hasn’t, nor has the steady move away from dancehall that was apparent on the band’s previous album. the message and music remain true to the band’s principles and vision.

Steel Pulse is one of Britain’s greatest reggae bands, in terms of creative and commercial success. Steel Pulse started out playing authentic roots reggae with touches of jazz and Latin music, and earned a substantial audience worldwide. Their 1978 debut, Handsworth Revolution, is still regarded by many critics as a landmark and a high point of British reggae. By the late ’80s, Steel Pulse had won a Grammy and were working full-fledged crossover territory. They subsequently returned to a tough-minded, rootsy sound and have added touches of dancehall and hip-hop along the way.

USA Booking:

Mint Talent Group

Patrick McAuliff

[email protected]

International Booking:

ATC LIVE

Skully Sullivan Kaplan

[email protected]

Ustad Shahid Parvez Khan: The Storm Trio

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Ustad Shahid Parvez Khan: The Storm Trio

A magical evening of classical Indian music, by a new generation of maestros. Ustad Shahid Parvez Khan is the calm center around which “The Storm” swirls. His profound mastery of the sitar, honed over decades of rigorous sadhana, anchors the ensemble and provides a touchstone of tradition amidst the maelstrom of innovation. Shakir Khan is the fresh breeze that propels “The Storm” forward. Trained in the rich traditions of the Etawah Gharana but imbued with a restless creative spirit, Shakir brings a new energy and perspective to the sitar. His playing is marked by daring leaps of imagination, technical brilliance, and an infectious joy in musical exploration. Anubrata Chatterjee is the thundering heartbeat of “The Storm”. His tabla playing is a force of nature – powerful, precise, and endlessly inventive. Anubrata’s mastery of rhythm and his intuitive understanding of musical dialogue elevate him from a mere accompanist to an equal partner in the creation of The Storm’s sonic landscape. This program is presented by the Rhythm Foundation, in partnership with MAIACA (Miami Association of Indians for Art and Culture).

About MAIACA

MAIACA is the Miami Association of Indians for Art and Culture. In Hindi, “maiaca” means “mother’s house,” symbolizing a place where one is nurtured and cared for. This name reflects our organization’s goal: to create a welcoming space where Asian Indian-Americans feel at home and supported, fostering a sense of belonging and cultural connection. MAIACA’s mission is to bring visibility and appreciation to all forms of Indian art and culture within the local South Florida community.

Select your ticket in Section A and join MAIACA for a special VIP reception before the show! The reception will include complimentary South Asian bites & drinks. Section A is located closest to the stage. Seats are first come first serve by section.

MAIACA Reception – 7 pm

SHOWTIME – 8 pm

Miami Beach Bandshell
7275 Collins Ave, Miami Beach, FL 33141
📞 (786) 453-2897 — miamibeachbandshell.com

Nakatani Gong Orchestra

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Nakatani Gong Orchestra

The Nakatani Gong Orchestra (NGO) is a large ensemble touring contemporary sound art project. Gong master Tatsuya Nakatani trains a 16-member ensemble of locally-based musicians to play his adapted bowed gongs, then conducts them in a performance of his original compositions. In the last decade, the NGO has performed hundreds of concerts involving thousands of participants around the world in the creation of these transformative sound works. The kobo bows, mallets, and surrounding instrumentation equipment have all been developed and are hand crafted by Tatsuya Nakatani for this work. “Nakatani is billed as a percussionist and sound artist, but there’s something meditative, even sacral, about listening to both his extended and sometimes-cacophonous solo piece and his collaboration with a Gong Orchestra. I kept expecting the bowing and drumming of the gongs would eventually unleash a bigger sound, but at key moments Nakatani seemed to pull his musicians back, to encourage them to feel the silence amidst the notes. It was a mesmerizing experience.” – Hissing Lawns review This free performance is presented by Rhythm Foundation as part of the City of Miami Beach Arts in the Parks series.

Show time 7:00 PM

Doors open 6:00 PM

Event date Sun, March 30

All ages

Miami Beach Bandshell
7275 Collins Ave, Miami Beach, FL 33141
📞 (786) 453-2897 — miamibeachbandshell.com

LA MUCHACHA Y PASCUALA ILABACA & FAUNA

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LA MUCHACHA Y PASCUALA ILABACA & FAUNA

Una noche de folk subversivo y fronteras rotas en Miami

Si usted no conoce a La Muchacha ni a Pascuala Ilabaca y Fauna, está a punto de hacerlo. Y créame, no volverá a ser el mismo. Este doble cartel, que parece sacado de un sueño febril de quien ama las músicas que agitan el alma, aterriza en Miami con una promesa: sacudir cuerpos y conciencias a partes iguales.

Desde Colombia llega La Muchacha (Isabel Ramírez Ocampo), joven, feroz y luminosa, que no teme cantar lo que duele ni lo que arde. Su música es protesta, sí, pero también es gozo, ironía, y ternura. Armando un puente entre el legado rebelde del folk colombiano y las sonoridades urbanas de hoy, La Muchacha amasa en sus manos tiples, tambores y beats electrónicos, y los convierte en himnos que nos invitan a pensar, pero también a bailar con rabia y esperanza. Esta será su primera vez en Florida. No digan que no les advertimos.

Y desde Chile, la siempre vibrante Pascuala Ilabaca y su manada sonora Fauna, que ya es conocida por hacer del escenario una fiesta ritual. Pascuala, con su voz que parece venir de algún lugar entre las montañas andinas y la pista de baile de Valparaíso, trae cumbia, cueca, jazz, pop, rock y todo lo que le provoque, sin pedir permiso. Su inseparable acordeón rojo y su banda son la prueba viviente de que las tradiciones no son museo, sino presente palpitante. Y cuando invoca a Violeta Parra entre acordes, uno siente que la historia y el futuro bailan juntos.

Así que ya lo saben. Vengan con hambre, literal y metafóricamente. Habrá comida, bebida, y sobre todo, un festín sonoro que Miami no olvidará. La cita es en el Miami Beach Bandshell, un escenario al aire libre (¡pero techado!) donde, llueva o truene, la música no se detiene. Y esta noche, tampoco ustedes deberían.

Evento presentado por FundArte, Live Arts Miami, Miami-Dade County Auditorium y Rhythm Foundation, como parte de la serie MUNDO, celebrando la diversidad cultural que hace de esta ciudad un cruce de caminos único.

Miami Beach Bandshell
7275 Collins Ave, Miami Beach, FL 33141
📞 (786) 453-2897 — miamibeachbandshell.com

Joyería contemporánea india: Más que brillo, un golpe cultural

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Joyería contemporánea india: Más que brillo, un golpe cultural

La joyería india nunca ha sido tímida. No conoce la discreción. Es opulencia pura, misticismo materializado, un lenguaje que mezcla historia, rituales y desbordante creatividad. Desde las dinastías mogolas hasta Bollywood, el oro, las gemas y la filigrana han sido parte de la piel de la India. Pero aquí viene el giro: la joyería contemporánea india no se limita a la nostalgia ni al folclor. Está reinventando su legado con una audacia brutal, uniendo lo ancestral con lo radical, el lujo con el concepto, lo sagrado con lo profano.

Miremos lo que están haciendo nombres como Poonam Soni, Eina Ahluwalia o Studio Renn. No están solo haciendo joyas; están desafiando el peso de la tradición mientras la honran. Ahluwalia, por ejemplo, no diseña pendientes, sino manifiestos políticos en miniatura: piezas que cuestionan la opresión de género, la identidad y la resistencia. Studio Renn toma el diamante—ese símbolo de estatus monolítico—y lo desestructura, lo transforma en abstracción pura, en caos controlado.

La nueva joyería india no se trata solo de engarzar piedras preciosas. Se trata de narrativas. De contrastes. De jugar con la asimetría, con lo inacabado, con la imperfección como una forma de arte. En un país donde la joyería ha estado históricamente ligada a la opulencia y la tradición, estos creadores están llevando la conversación a otro nivel: explorando materiales inesperados, técnicas vanguardistas y significados que van más allá del adorno.

Pero lo más fascinante es cómo la joyería contemporánea india sigue siendo intensamente espiritual. No ha perdido su conexión con lo sagrado, con lo simbólico. Un brazalete puede seguir siendo un talismán, un collar puede invocar deidades, un anillo puede ser un recordatorio de transitoriedad. La diferencia es que ahora estas piezas coquetean con la abstracción, con la deconstrucción, con una estética que desafía tanto al mercado del lujo como a los puristas de la tradición.

Y es aquí donde la India da una lección al mundo. Mientras que en Occidente todavía debatimos si la joyería puede ser arte contemporáneo (spoiler: sí lo es), en la India los diseñadores ya están operando en esa intersección sin pedir permiso. Están tomando una herencia milenaria y empujándola hacia el futuro sin miedo.

Así que la próxima vez que veas una pieza de joyería india, no te limites a admirar su brillo. Pregunta qué historia está contando. Porque, te lo aseguro, está diciendo algo grande.

Oro

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AMM

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Oro

El oro, ese metal eterno que ha fascinado a la humanidad desde tiempos inmemoriales, no es solo una cuestión de brillo y opulencia. Es una declaración cultural, una huella de poder y espiritualidad, y, en el arte, una herramienta para plasmar lo sagrado y lo sublime. Vamos a sumergirnos en el mundo dorado y responder algunas preguntas fundamentales sobre el oro en el arte y en la joyería global.

¿Qué oro es utilizado en las obras de arte?

El arte y el oro han tenido un romance que atraviesa milenios. Desde los íconos bizantinos cubiertos con pan de oro hasta las esculturas doradas de Jeff Koons, este metal ha sido un elemento fundamental en la expresión artística. El pan de oro, extremadamente delgado y aplicado en capas sobre lienzos, frescos y esculturas, es uno de los materiales más utilizados. También se emplea en la orfebrería precolombina, donde el oro era moldeado y martillado con una destreza que parece imposible para su tiempo.

Los artistas contemporáneos siguen utilizando el oro en diversas formas: en resinas mezcladas con polvo de oro, en esculturas chapadas en oro de 24k, e incluso en instalaciones conceptuales donde el oro se convierte en metáfora del poder y la explotación.

¿Qué tipo de oro se usa en Estados Unidos?

Estados Unidos es un mercado con gustos diversos cuando se trata de oro, pero en joyería y arte predomina el oro de 14 quilates (14k), una aleación que contiene un 58.3% de oro puro mezclado con otros metales como plata, cobre y níquel para hacerlo más resistente.

Para piezas de lujo y arte de alto nivel, se emplea el oro de 18 quilates (18k), con un 75% de oro puro. En casos exclusivos, como en obras de arte de gran valor o en ediciones limitadas de diseñadores y marcas de lujo, se usa el oro de 24 quilates (24k), que es prácticamente puro y se encuentra en lingotes, monedas y algunas piezas de joyería de exhibición.

¿Qué país tiene el oro de mejor calidad?

Aquí entramos en un terreno delicado porque la “calidad” del oro no depende tanto del país, sino de su pureza y del proceso de refinamiento. Sin embargo, hay ciertos países reconocidos por su oro de alta calidad.

Suiza es famosa por su refinamiento de oro, creando lingotes y productos de la más alta pureza.
Dubai y la India son conocidos por su oro de 22k y 24k, con un color cálido y brillante que lo hace deseado en el mercado internacional.
Canadá es un gran productor de oro de alta pureza, con sus lingotes de la Royal Canadian Mint considerados de los más puros del mundo.

¿Cuál es el oro más puro del mundo?

El oro más puro es el oro de 24 quilates (24k), que contiene el 99.9% de oro sin aleaciones. Este oro es blando y maleable, lo que lo hace poco práctico para la joyería diaria pero perfecto para inversiones, lingotes y algunas obras de arte exclusivas.

En términos de pureza extrema, hay laboratorios y refinerías que han logrado crear oro de 99.999% pureza, conocido como “oro cinco nueves” (999.99), utilizado en aplicaciones científicas y en algunos lingotes de colección.

¿Cómo se llaman los tres tipos de oro?

El oro en joyería y arte se clasifica principalmente en tres tipos, basados en su color y composición:

Oro amarillo: Es el clásico, compuesto de oro puro mezclado con cobre y plata. Mantiene el color cálido y brillante que asociamos con la riqueza.
Oro blanco: Una aleación de oro con paladio, plata o níquel, dándole un tono más frío y moderno. Se suele recubrir con rodio para mayor brillo y durabilidad.
Oro rosa: Creado al mezclar oro con una mayor proporción de cobre, lo que le da su característico tono rosado y cálido, muy popular en la joyería contemporánea.

Cada tipo de oro cuenta su propia historia. En el arte, el oro amarillo sigue dominando por su simbolismo ancestral, mientras que en la joyería contemporánea, el oro rosa y el oro blanco han ganado popularidad por su estética sofisticada y versátil.

El oro es mucho más que un metal precioso: es un lenguaje, una declaración de intenciones y un reflejo de la historia humana. Desde los altares bizantinos hasta las esculturas de Damien Hirst, sigue siendo una de las materias primas más poderosas en el arte y la cultura.

Joyería contemporánea: El arte que aún subestimamos

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AMM

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Joyería contemporánea: El arte que aún subestimamos

A ver, hablemos claro: la joyería no es solo decoración. No es un accesorio bonito para combinar con tu ropa, no es una simple exhibición de estatus. La joyería, cuando se hace bien, cuando se concibe con la misma intensidad que una pintura de Basquiat o una escultura de Louise Bourgeois, es puro arte en miniatura. Es una declaración de intenciones, un manifiesto portátil, un acto de rebeldía o un testamento de belleza. Y sin embargo, el mundo del arte aún la trata como si fuera un pariente lejano y menor.

¿Por qué la joyería todavía lucha por ser tomada en serio dentro del circuito del arte contemporáneo? Tal vez porque está demasiado ligada a lo funcional, a lo personal, a lo íntimo. Y eso, irónicamente, es lo que la hace más poderosa. Piensa en las esculturas diminutas y radicales de Gijs Bakker, en las piezas conceptuales de Otto Künzli, en el trabajo de Lisa Walker, que literalmente desafía cualquier noción de lo “bello” en la joyería. Estos artistas no están haciendo meros adornos, están contando historias, cuestionando lo que valoramos, explorando materiales que van desde el oro hasta el plástico desechado.

El arte contemporáneo ama lo grande, lo monumental, lo que puede llenar una galería y hacer que la gente tome fotos con el celular. Pero la joyería tiene otra estrategia: es discreta, subversiva. Se cuela en los cuerpos, los transforma, los vuelve parte de la obra. Cuando alguien lleva un anillo de Ted Noten o un collar de Daniela Malev, no solo está usando algo bonito; está cargando un discurso, un objeto que puede hablar de feminismo, política, memoria o identidad.

El problema es que aún arrastramos el peso de lo que el mundo del lujo ha hecho con la joyería: la ha convertido en un símbolo de exclusividad más que de expresión. Se ha tratado de reducirla a un mercado de diamantes y etiquetas de moda, cuando en realidad debería estar en la misma conversación que el arte conceptual, la escultura o la instalación. ¿Acaso un broche de Manfred Bischoff no tiene la misma carga simbólica que una pieza de Joseph Beuys? ¿No es una pulsera de Kadri Mälk igual de visceral que un cuadro de Francis Bacon?

Afortunadamente, algo está cambiando. Los museos comienzan a prestarle más atención, las bienales la incluyen tímidamente en sus curadurías, y los artistas contemporáneos se apropian cada vez más de esta forma de expresión sin miedo a que les digan que están “haciendo artesanía”. Porque sí, la joyería es artesanía, pero también es política, es historia, es identidad. Y sobre todo, es arte.

La próxima vez que veas una pieza de joyería contemporánea, no te preguntes si combina con tu ropa. Pregúntate qué te está diciendo. Porque probablemente te esté diciendo mucho más de lo que imaginas.

The Art of Being Yourself

Por

AMM

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Be yourself

There is no one like you. There has never been anyone like you. There shall never be anyone like you. Therefore, know yourself. Be yourself. Authenticity is everything.

Art, at its core, is the radical act of being oneself—unfiltered, unapologetic, and wholly singular. The same could be said about life. In the grand, chaotic gallery of existence, every person is an original work. There is no duplicate, no reproduction, no limited edition. There is no one like you. There has never been anyone like you. There shall never be anyone like you.

This is the essence of authenticity, and it applies as much to art as it does to the artist. The greats—Basquiat, Frida, Louise Bourgeois, Ai Weiwei—didn’t ask permission to be themselves; they simply were. Their work was an extension of their being, a raw and often defiant declaration of their singularity. Their brushstrokes, sculptures, and installations were not about fitting in but about breaking through.

Authenticity is terrifying. It demands vulnerability. It means embracing every jagged edge and imperfect curve of your existence. But here’s the truth: the world does not need another copy, another echo, another artist trying to replicate the already-done. It needs you—your weirdness, your contradictions, your unpolished, unrepeatable self.

So, the real challenge is not just knowing yourself but having the courage to be yourself. To create not for approval, but from instinct. To stop sanding down the edges to fit neatly into someone else’s frame. To understand that the work of art that is you is already complete, already valid, already worthy.

After all, in a world oversaturated with replicas, the most radical thing you can do is be the masterpiece only you can be.

A Talk on the Intersection of Art & Architecture

Por

AMM

-

AIA A Talk on the Intersection of Art & Architecture

The Intersection of Art and Architecture: a panel discussion by Jessica Goldman Srebnick and Pat Bosch

Thursday, March 27th, 6:00 PM – 8:30 PM EDT

Details

Date:March 27 Time: 6:00 pm – 8:00 pm

Location

The LAB Miami 2750 NW 3rd Ave Miami, 33127

Join AIA Miami’s Women in Architecture Committee and the Miami Center for Architecture & Design at Steelcase Wynwood for a panel discussion on the synergies between art and architecture.

This lively discussion features Jessica Goldman Srebnick, Co-Chair of Goldman Properties, and Pat Bosch, Design Director of Perkins & Will Miami.

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