Dos artistas en la Van Der Plas Gallery Alejandro Caiazza y Doug Groupp

Por: José Gregorio Noroño

“La casa de la risa” (“Fun House”), título empleado por la Van Der Plas Gallery, complementado con el lema “Abraza lo extraño, celebra lo absurdo”, para la exposición inaugurada el 18 de abril de 2025, indican el propósito curatorial de este espacio expositivo, con respecto a las obras de los artistas que la conforman, Alejandro Caiazza (1972), venezolano, y Doug Groupp (1970), estadounidense, en cuyas producciones visuales la Galería presume que “exploran la paradoja del carnaval”, aunque lo carnavalesco no sea esencialmente la intención estética explícita en la obra de ambos artistas.

Si bien el estilo y la temática de estos dos autores son diferentes entre sí, Van Der Plas Gallery se ha planteado acercarlos bajo la noción de lo carnavalesco, noción que me inclino a orientar más allá de lo meramente festivo, pensando en el crítico y teórico literario Mijaíl Bajtín (1895-1975), quien concibió lo grotesco desde la perspectiva de lo cómico, que por extraño y absurdo tiende a inducir a la risa; pero una risa que celebra, cuestiona y destruye al mismo tiempo, ya que se burla del orden establecido. Además de generar risa, lo grotesco también puede producir otras reacciones, tales como disgusto, perturbación, horror o suspicacia. 

Para Bajtin, lo grotesco es un problema de existencia real, que se manifiesta en la naturaleza, en la historia, en la conducta colectiva e individual del hombre, y deviene en categoría estética, luego de que el escritor ─que en el caso nuestro serían los artistas─ toma conciencia de su entorno, de los problemas de su tiempo, de las circunstancias histórico-culturales de su momento, y asume un compromiso con la sociedad y el tiempo en el que le ha correspondido vivir y crear.

Lo grotesco es una categoría estética a la que recurre el arte contemporáneo para desafiar las narrativas tradicionales ─valores, creencias y costumbres sociales─, para explorar, cuestionar y reflexionar sobre la condición humana, sobre la existencia de un mundo perturbado y deshumanizado. En este caso, Caiazza, mediante un repertorio de procedimientos técnicos mixtos, así como de estilos diferentes ─el primitivismo, el arte marginal, el art brut, la bad painting, el neoexpresionismo y algo de pop art─, hace uso de este recurso de la estética contemporánea, de lo grotesco, para impugnar aspectos de la sociedad, de la política y la cultura, mostrando así sus absurdas y destructivas acciones. 

Caiazza es un artista de larga trayectoria, quien realizó su primera exposición individual en 1999, en la Sala de Arte Sidor, Venezuela. Desde entonces, su obra ha sido expuesta en varias ciudades, tales como París, Yokohama, Roma, Houston y Nueva York.

Vale acotar que entre las actividades más recientes de Caiazza, está su participación en la primera edición en físico de Art Miami Magazine, lanzada  en diciembre de 2024, en el marco de Art Basel Miami Beach; así como su participación en el artículo sobre “Cinco artistas venezolanos que plasman la migración en su obra”, publicado en febrero de 2025 en https://polivision.modlangs.gatech.edu/5-venezuelan-artists-capturing-migration-in-their-work/; de igual modo, recientemente participó en la exposición colectiva “The Artful Dozen”, conformada por 12 artistas, quienes fueron presentados por la Van Der Plas Gallery en el marco de  Affordable Art Fair 2025, en los espacios del Metropolitan Pavilion, en  New York City.

La obra de Caiazza se encuentra en numerosas colecciones, tanto privadas como públicas, tales como La Fondazione Filiberto e Bianca Menna, Centro Studi d’Arte Contemporánea, Roma, Italia; en el Museo de Arte Conmemorativo Tanaka Isson, Amami Oshima, Japón; en la Sala de Arte de Sidor, Ciudad Guayana, Venezuela; y en el Museo de Arte Contemporáneo de Cleveland, MOCA, Ohio, EE. UU. 

Doug Groupp también cuenta con una amplia trayectoria artística, la cual comienza a principios de los años 90. Con relación a su trabajo visual, particularmente su obra más reciente, me atrevo a decir que congrega elementos del arte pop y del surrealismo, que, al conjugarlos, lo emparentan, bajo un estilo muy personal, con una suerte de surrealismo pop de configuración sutil; movimiento cuyas fuentes de inspiración provienen de la cultura de masas, del consumo popular, tales como el cómic, las historietas, los cuentos de hadas, imágenes del cine, de la televisión y de la psicodelia; así como de las regiones del inconsciente, de lo onírico, de los sueños y la fantasía como medios para liberar la imaginación, ingredientes estos que al ser combinados conciertan un estilo grotesco, seres fuera de lo común, amorfos, híbridos, extraños, absurdos, con un sentido del humor sarcástico e irónico, propensos a inducir la risa, el horror o a la perplejidad.

Efectivamente, en su extraña narrativa visual, suerte de rosario o cadena de coloridas y heterogéneas imágenes, dispuestas en forma de líneas verticales, Doug Groupp entremezcla iconos y objetos cotidianos pertenecientes a la cultura de masas, de consumo popular, tema central del pop art, con elementos propios del surrealismo. 

En fin, a estos dos artistas, Caiazza y Groupp, a pesar de sus diferencias estilísticas y temáticas ─más allá de la voluntad de establecer un diálogo entre sus obras en un mismo espacio expositivo─, los emparenta lo grotesco, la sátira y la ironía, que si bien no inducen espontáneamente a la risa, por no ser de ambos la intención estética principal, potencialmente ella está allí, subyace en cada una de sus transgresoras imágenes, en espera de la comprensión e interpretación de cada espectador, frente a lo extraño y absurdo. 

Bogotá, 2025 

Van Der Plas Gallery
156 Orchard St.
New York, NY.
10002

https://www.meer.com/en/search?utf8=%E2%9C%93&query=Alejandro+caiazza

El artista venezolano Alejandro Caiazza expone su obra en Nueva York

El artista venezolano Alejandro Caiazza participará junto al artista estadounidense Doug Groupp, en una exposición titulada “Fun House”, que será inaugurada el 18 de abril de 2025 a las 6:00 p.m., en Van Der Plas Gallery, en la ciudad de Nueva York.

“Fun House” reúne a dos artistas que exploran la paradoja del carnaval, tanto su extravagancia como su locura, según se afirma en el texto de presentación de la exposición. “Troncos rodantes, torbellinos, plataformas de balanceo, pisos móviles, trampas de silbatos, laberinto de jaulas, tejo, parachoques, nenúfares. Estamos a principios del siglo XX y acabas de entrar en el paraíso de Estados Unidos: la Casa de la Risa. Surgida de la Exposición Mundial Colombina de 1893 en Chicago, el Carnaval Americano pronto se convertiría en un caleidoscopio de maravillas y rarezas, trayendo un espectáculo anual a pueblos y ciudades por igual. Antes de convertirse en la actual fiebre de neón, la Casa de la Risa, un componente de la feria ambulante, era un laberinto interactivo de ilusiones: una sala de espejos, suelos irregulares, pasillos oscuros, efectos de sonido; Una humilde estructura de madera donde, en su interior, nada era lo que parecía”.

De acuerdo con el texto, “Esta exposición captura el espíritu salvaje de la cultura estadounidense: la emoción del espectáculo, la búsqueda de pertenencia, la belleza de lo absurdo. Celebra el encanto onírico de la casa de la risa a la vez que ofrece un espacio para la nostalgia, la emoción pura y los ecos de una época más esperanzadora”.

El artista Alejandro Caiazza (n. 1972) creció en Ciudad Guayana, Venezuela. Su primera exposición individual tuvo lugar en 1999 en la Sala de Arte de Sidor y en el año 2000 se mudó a París donde cursó pintura en L’École Supérieure des Beaux-Arts con Ouanes Amor como mentor. Más tarde se mudó a Nueva York, donde reside actualmente. A lo largo de sus 20 años de trayectoria artística, ha exhibido su obra en Venezuela, Francia, Italia, Japón y Estados Unidos.

Su obra se encuentra en numerosas colecciones privadas de todo el mundo, así como en prestigiosas instituciones públicas, como La Fondazione Filiberto e Bianca Menna–Centro Studi d’Arte Contemporanea (Roma, Italia), el Museo de Arte Conmemorativo Tanaka Isson (Amami Oshima, Japón), la Sala de Arte de Sidor (Ciudad Guayana, Venezuela) y el Museo de Arte Contemporáneo de Cleveland (MOCA, Cleveland, Ohio, EE. UU.). Actualmente, vive y trabaja en Nueva York.

Sus collages y pinturas en técnica mixta, según se expresa en la presentación de la exposición, “combinan el neoexpresionismo y el art brut, evolucionando a medida que aprendió a adaptarse a través de viajes y mudanzas intercontinentales. Su obra a menudo se integra con su entorno, incorporando objetos reales, y explora temas relacionados con los animales, la diversión, la política, personajes cotidianos y emociones como el amor, la locura y la muerte. Con humor y colores vibrantes, sus piezas son a la vez lúdicas y emotivas”.

Por su parte, Doug Groupp, (n. 1970), creció en el condado de Rockland y se graduó de SUNY Purchase con una Licenciatura en Bellas Artes, tal y como se explica en el texto de la muestra. “Ha trabajado en diversos medios a lo largo de su carrera, incluyendo óleo, acrílico, gouache, acuarela, frottage, collage, serigrafía, escultura y arte callejero en forma de pasta de trigo, murales y adquisiciones publicitarias. La obra de Groupp se basa en una interpretación caprichosa de su propio sentido del humor, que a menudo se desarrolla de maneras inesperadas. Profundamente inspirado por la historia y la energía excéntrica de Coney Island, ha desarrollado un lenguaje artístico distintivo a lo largo de décadas. Su obra anterior se inspiró en narrativas satíricas, mientras que sus piezas más recientes se inclinan hacia la abstracción, utilizando formas y figuras de tipo jeroglífico (…) Su uso del humor y la alegría se mantiene constante, revelando capas de significado que emergen con el tiempo”.

“Como una casa de la risa, la obra de Alejandro Caiazza y Doug Groupp ofrece una nueva experiencia en cada encuentro. Su arte invita al espectador a un mundo donde el humor y la nostalgia se entrelazan con lo extraño y lo surrealista. Mediante composiciones audaces y yuxtaposiciones lúdicas, esta exposición revive el espíritu del carnaval como refugio para los excéntricos, los marginados y los errantes”.

La exposición “Fun House” permanecerá en exhibición hasta el 4 de mayo de 2025, en la galería Van Der Plas Gallery, ubicada en 156 Orchard St, New York, NY 10002, Estados Unidos.

@alejandro_caiazza

@caiazza_archive    

www.alejandrocaiazza.com

El talento no basta: una carta a los artistas visuales que creen en el trabajo.

Nadie improvisa una gran obra. Ni siquiera Mozart.

A todos los artistas visuales que alguna vez escucharon un “qué talento” como si eso fuera todo lo que se necesita: este texto es para ustedes. Y también para los que, como yo, piensan que ese halago puede ser una trampa dulce, una palmada en la espalda que muchas veces esconde una dosis de veneno. Porque sí, el talento es hermoso, poderoso, magnético. Pero está sobrevalorado. El talento sin trabajo es apenas una chispa en la oscuridad. Una promesa incumplida.

Miren, yo veo cientos de obras cada semana. Exposiciones en Chelsea, ferias en Miami, estudios en Brooklyn, portfolios en Instagram. Y puedo decirles algo sin rodeos: he visto artistas “talentosos” que nunca salieron de la fase boceto, que se desinflaron en la primera crítica, que no soportaron la frustración, que se escondieron detrás de su potencial. Porque sí, el talento sin disciplina es como tener una Ferrari sin gasolina. Se ve brillante. Pero no te lleva a ningún lado.

¿Y saben qué sí te lleva lejos? La obstinación. La constancia. El volver al estudio cuando estás agotado. El rehacer una obra hasta que grite verdad. El seguir creando cuando nadie te mira, cuando nadie te compra, cuando la cuenta de banco tiembla.

El arte no es magia. Es insistencia.

Nos enamoramos del resultado, del óleo final, del trazo maestro. Pero ignoramos lo que lo hizo posible: años de mirar, de estudiar, de fracasar. El arte no es una epifanía repentina. Es una acumulación de decisiones difíciles. Es prueba y error. Y error. Y más errores.

Edison decía que el genio es 1% inspiración y 99% transpiración. No porque no valorará la chispa, sino porque sabía que sin trabajo esa chispa se apaga. Y lo mismo pasa en el arte: esperar a que “llegue la musa” es una excusa barata. La inspiración no llega cuando estás viendo Netflix. Llega cuando estás en el taller, con las manos manchadas, cuando ya vas por la tercera versión de algo que aún no entiendes.

La frustración no es el enemigo: es el umbral.

Todo artista visual se va a enfrentar con ese momento oscuro: la obra que no funciona, el curador que te ignora, el concurso que no ganas. Y ahí, justo ahí, es donde se separan los que se quedan de los que avanzan. El talento no te va a salvar. Lo que te salva es saber atravesar la incomodidad. Convertir el error en material. Usar el fracaso como pigmento.

Miguel Ángel lo entendía bien. No solo tenía un don descomunal, sino que lo forzó a través del cuerpo. Pintó la Capilla Sixtina con la espalda arqueada, casi ciego, con la pintura cayendo en los ojos. ¿Eso suena glamoroso? No. Suena a oficio. A entrega. A que el arte también es físico, sucio, cansado.

La formación no es opcional. Es la base.

¿Quieres libertad creativa? Aprende técnica. ¿Quieres romper reglas? Conócelas primero. La educación artística no tiene por qué ser académica ni formal. Puede venir de libros, de ver obras, de copiar a los grandes. Pero es necesaria. Nadie improvisa una gran obra. Ni siquiera Mozart. Detrás de cada aparente genialidad hay años de repetición, corrección, ensayo.

Y si me dicen: “Es que yo soy autodidacta”, fantástico. Pero eso no significa que no estudies. Significa que decidiste estudiar por tu cuenta. Pero igual tienes que estudiar.

¿Dónde están tus borradores?

Beethoven dejó cientos de páginas de borradores para su Novena. ¿Y tú? ¿Dónde están tus errores? ¿Tus versiones? ¿Tus intentos fallidos? El proceso es la obra. Y a veces es más valioso que el resultado final.

El problema de idealizar el talento es que nos hace creer que lo difícil no vale la pena. Que si algo no nos sale fácil, no somos “verdaderos” artistas. Y eso es una falacia peligrosa. El arte real nace del esfuerzo, de la terquedad, del compromiso.

No se trata de sufrir. Se trata de sostener.

No estoy romantizando el agotamiento. No se trata de glorificar el burnout. Se trata de entender que crear exige algo de ti. Que cada obra que vale la pena tiene una historia invisible de trabajo detrás. Que la disciplina no es el enemigo de la inspiración: es su aliada.

Y si alguna vez sentiste que no eras “suficientemente bueno” porque todo te cuesta, porque no eres “naturalmente talentoso”, déjame decirte esto: eso no te descalifica. Al contrario. Quizás seas tú quien más lejos puede llegar. Porque sabes lo que cuesta. Porque sabes lo que vale.

El arte es un maratón, no una carrera de velocidad. Y el verdadero talento no es hacer algo brillante una vez. Es poder volver a hacerlo. Y luego otra vez. Y otra más. Incluso cuando no tengas ganas. Incluso cuando estés solo. Incluso cuando nadie aplauda.

El talento puede abrir una puerta. Pero eres tú quien tiene que atravesar. Con el cuerpo, con la mente, con el alma. Cada día.

A los artistas visuales: no esperen a sentirse geniales. Trabajen como si ya lo fueran. Porque en ese trayecto —en ese cansancio sagrado, en esa lucha con la forma, con el color, con el tiempo— está la verdadera obra.

No es magia. Es voluntad. Es práctica. Es coraje.

Y sí, un poco de locura también.

Ahora ve y pinta. Y luego vuelve a pintar. Y después, vuelve a empezar.

Ahí está el arte. No en el talento. Sino en todo lo que haces con él.