“Indebted to my art for keeping me alive and for telling my story for me.” – Madhura Srinivas.
Madhura Srinivas is a Visual Artist based in Bangalore. She has a background in Psychology, Movement arts and somatic work. Madhura has a Professional Certificate in Visual Storytelling from Maine Media College, USA. Her lived experience has driven her to explore how intergenerational displacement and trauma finds their expression through bloodlines and how one can use Art to process and transmit the gifts and burdens of this inheritance. The creative process is the closest she has come to experiencing spirituality.
A few years ago, I was enrolled in an art program in mid-coast Maine, USA and I was amidst the kind of silence and solitude that I had never experienced in my life as a city girl from India. In the dead of winter, without access to a car or public transport. In a landscape, so foreign and yet very familiar, I began creating these self-portraits as a tool of self-inquiry. It began as a play of light and a practice of photographic technique but soon I found myself being drawn into a deeper process of connecting with my physical body. Seeing myself, as I am, for the first time.
A woman, a woman from India A woman now one knew there How does she look to them? How did she want to be seen? Who was she away from the Male Gaze, the cultural gaze? What was in her heart, in her spirit?
I wanted to tell the story of my life. Without words. Through a veil and unspoken poetry, it came rushing through me. In a language so personal that even I could not understand or explain what I was saying through these images. But I felt seen, I felt heard and for the first time, I felt like I existed. There was the world outside of me and a world within me. That I am a person. I am not my trauma or pain. I am real, My name is Madhura. I spiralled through this process for a few months until I just stopped creating these self-portraits one day. It felt like I sat in ritual to tell a story and now I was done. I was exhausted. A few months later, I returned to India and was diagnosed with Thyroid Cancer.
These self-portraits had captured the slow progression of cancer. Now when I look at these images, in cryptic language, my photographs are telling me where to look. For the source of my discomfort and disease, the source of my grief. I am fully recovered from cancer now and I feel indebted to my art for keeping me alive and for telling my story for me.
Top Miami Architects: Residential and commercial architecture
Top Miami Architects: Residential and commercial architecture
Zaha Hadid: A Vision Realized in Miami
Zaha Hadid, a true pioneer architect, left an indelible mark on the design world, a mark that extends to Miami. Just before her passing in March 2016, she brought her visionary talents to bear on ‘The Magic City’ with the design of One Thousand Museum. Her legacy, a testament to her pioneering vision, continues to inspire and shape the ever-evolving Miami skyline.
This sky-rocketing, 62-story marvel is not just another skyscraper. It’s a complex and captivating structure enveloped by an exoskeleton of thousands of lightweight, glass-fiber-reinforced concrete pieces. The building’s design has been compared to something straight out of Star Trek, a striking vision brought to life in the 21st century.
One Thousand Museum is not just a testament to Hadid’s pioneering vision; it’s a testament to the ever-evolving Miami skyline. This iconic structure has garnered such acclaim that it will be showcased in a documentary film titled ‘Impossible Builds’ on both PBS and the Discovery Channel. Hadid’s legacy endures not just in the pages of architectural history books but also in the very fabric of Miami, significantly influencing the city’s architectural landscape.
Zeb Jarosz: $40 Million Miami Beach Mansion Designed
Zeb Jarosz is a prominent American architect known for his innovative designs that blend modern aesthetics with sustainable practices. With a background in architecture and a passion for creating functional yet visually striking spaces, Jarosz has become recognized for his ability to design structures that reflect the environment and the culture they inhabit. His work spans various architectural types, from residential homes to commercial spaces, often focusing on creating harmonious relationships between the built environment and nature.
One of the defining features of Zeb Jarosz’s approach to architecture is his unwavering commitment to sustainability. He integrates eco-friendly materials, energy-efficient systems, and natural light to reduce his projects’ environmental footprint. His designs not only create beautiful spaces but also foster a sense of well-being for the people who inhabit them, reassuring us about the future of architecture.
Jarosz’s projects have been showcased in numerous design publications, and his reputation as a forward-thinking architect continues to grow. His work is often described as innovative, thoughtful, and deeply connected to its surroundings. Whether working on new construction or renovation, Zeb Jarosz consistently brings a level of sophistication and creativity that challenges traditional notions of architectural design.
Through his continued exploration of form, space, and function, Zeb Jarosz stands out as a leader in modern architecture. He shapes the built environment with a vision that values both aesthetics and sustainability.
Richard Meier & Partners: Masters of Modern Light
Richard Meier & Partners’ unique modernist approach to architecture has left an indelible mark on over 130 projects worldwide. Their philosophy, centered around the transformative power of light, sets them apart. Meier’s advocacy for white as the most captivating color, reflecting the entire spectrum of the rainbow, is a testament to their innovative thinking.
One such example of this philosophy in action is The Beach House. Completed between 2004 and 2011, this 12-story masterpiece redefines luxury beachfront living. It’s not just the floor-to-ceiling glass walls that create a seamless connection between the interior living spaces and the breathtaking Atlantic Ocean, but also the unique use of white as the most captivating color, reflecting the entire spectrum of the rainbow, a testament to their innovative thinking. Residents can enjoy unobstructed ocean views while basking in the warm Miami sunshine.
The Beach House boasts a prime location. It is near the prestigious Bal Harbour Shops and offers convenient access to high-end retail therapy. The famous South Beach district is just a stone’s throw away for those seeking a taste of Miami’s vibrant nightlife or a stroll along iconic Art Deco beaches. The Beach House embodies the best of Miami living: sophisticated design, unparalleled ocean views, and proximity to the city’s cultural and entertainment hub.
Norman Foster: Redefining the Miami Skyline
Norman Foster, the Pritzker Prize-winning architect and founder of Foster + Partners, has cast his visionary eye on Miami. His proposed ‘Towers by Foster + Partners’ project promises to redefine the city’s skyline. These twin skyscrapers, reaching 1,049 and 1,018 feet, respectively, would be among the tallest buildings in the Southeast region, significantly altering Miami’s architectural profile and setting a new standard for the architectural community.
But the project goes beyond sheer height. Foster, known for his innovative and socially conscious designs, envisions the towers as isolated giants and as integrated parts of the urban fabric. The base of the towers will feature a public plaza, complete with shops, restaurants, and art galleries. This plaza will serve the towers’ residents and the wider community, fostering a sense of vibrancy and connection.
Foster’s commitment to community engagement isn’t new. He was also the architect behind the record-breaking Faena House condo tower design in Miami Beach. The “Towers by Foster + Partners” project has the potential to be another landmark achievement, not just for Foster but for Miami’s architectural landscape. It will be a testament to Foster’s ability to blend bold design with a focus on creating a thriving urban environment.
Jean Nouvel: A Parisian Vision Reimagines South Beach
Pioneering French architect Jean Nouvel has made a splash with his debut Miami project, the Monad Terrace. This innovative residential development isn’t just about luxury living; it’s a testament to Nouvel’s thoughtful approach to design and environmental concerns.
South Beach is no stranger to flooding, so Nouvel cleverly elevated the Monad Terrace 11 feet above sea level. This ingenious solution ensures breathtaking views and peace of mind for residents. But functionality is just one aspect of Nouvel’s brilliance.
The Monad Terrace seamlessly blends with the historic Art Deco district, a neighborhood steeped in architectural heritage. Nouvel’s design pays homage to these iconic structures, initially crafted by Lawrence Murray Dixon, while infusing a contemporary twist.
The 59 waterfront residences at the Monad Terrace offer a lifestyle of unparalleled luxury, each featuring breathtaking views of Biscayne Bay. The innovative floor plan divides the residences into two wings, framing a central outdoor oasis with a sparkling pool and a lagoon. As Nouvel himself puts it, ‘It’s all about the water. And all the design work is to create a vision framing the lagoon and the bay.’
The Monad Terrace isn’t just a collection of condos; it’s an experience. It’s a place where residents can connect with Miami’s natural beauty while enjoying the unparalleled vision of a master architect.
Rem Koolhaas: A Parking Garage Reimagined in Miami
Rem Koolhaas, the Dutch architect and Pritzker Prize winner, has redefined the parking garage concept with his latest project in Miami. The Faena Car Park, completed by his firm OMA in 2016, is anything but ordinary.
This isn’t just a place to leave your car. It’s a statement piece, a futuristic vision brought to life. The most intriguing feature? The building’s “perforated skin.” This innovative facade is more than just aesthetically pleasing; it serves a purpose. The porous design facilitates ventilation, a vital consideration in Miami’s hot and humid climate.
The Faena Car Park is more than just a standalone structure. It’s a harmonious part of the Faena Art Center within the Faena District. Located in Miami Beach, this six-block stretch on Collins Ave. is a vibrant hub of creativity. The Faena District encompasses the car park, a beachside condominium tower designed by Foster + Partners, and the meticulously restored landmark Saxony Hotel.
The Faena Car Park is a testament to Koolhaas’s ability to push boundaries. He transforms a utilitarian structure into a work of art, seamlessly integrating it into Miami’s rich cultural fabric.
Collages and Displacing Art History: An Interview with Nirvana Kamala
Nirvana Kamala is an 18-year-old artist (although she’d hate you calling her that) from the Kurdish states. Her collages work primarily with the art of displacement. With a rich knowledge of art history and an active imagination, many of Nirvana’s collages have found praise in their careful subversion of gender and the female body. The paratext of how we receive many things about a work of art- it’s fame, its beauty, is struck down the moment this 18-year-old artist appears displaces even a single element in the composition of the painting. This is evident in her series on Mona Lisa- in which she, at one point, shows Mona Lisa smoking a cigarette, at another, dawning a Gucci shirt. In doing this, she participates and enters a very different set of relations in the perception of paintings, their “authors” and what their subjects have come to mean to us. Working primarily with Renaissance and early modern paintings, our short conversation with Nirvana is enclosed below.
Anandita: So, tell us about yourself. Where did you grow up, and what did you study? What made you take up art?
Nirvana: I’m 18 years old and I’m still in high school. I’m a painter, primarily. I do watercolors and oil and I took up making collages 2 years ago after seeing some popular collage works on Tumblr and I wanted to make my own and collect them. In one place. That is all, really. My art is quite self-sustained.
Anandita: Your work is very innovative. In some sense, you break the spatiotemporal barrier of art- because you take work from a different period in history and then you add the contemporary to it. What inspired you to do this, and which artists do you draw this influence from?
Nirvana: A lot of wonderful artists do collage but I don’t really get inspiration from anyone. I love art history and find art so subjective and I think how much art has changed throughout time proves that art can be anything you want and I think my collages show that. I like to show how much art evolves throughout the centuries and reinterpreting artworks.
I do not ever refer to my collages as art because I don’t own the photographs, nor do I make the paintings. I am merely an inspector who’s changing a little detail. I’m just observing art I like and mixing it with modern elements I like, to show how various and subjective art can be. I am not an artist because of my collages.
Anandita: Ah. I understand. But, how do you read your interjection into the history of these paintings- as a female viewer and creator, in some sense, even if the word artist does not fit?
Nirvana: I love painting women and I love looking at paintings and sculptures and photos of women. The female body is definitely my favorite subject because it’s so beautiful and unique to me. I love to show female beauty, I come from a country where women are oppressed and their voices are shut down and art, in general, isn’t valued let alone the art of women, so to me it’s nice that I, a young Kurdish girl can make”art” collages that go viral worldwide. I think that in itself is a big change.
Anandita: When you work, what makes you decide which element to displace? For instance, in the Mona Lisa portrait, you at different times provocatively inserted the consumption of fruit, Mona Lisa displaced with an image of modern womanhood with the Gucci shirt and the cigarette image as well. What made you choose these different elements, at different times, while working with the same painting?
Nirvana: The Mona Lisa is one of my favorite paintings to work with. There’s the technical aspect, the angle of her face and the width and length of the painting make it easy to mix it with a lot of photos, and also because it is the world’s most known painting, yet we still don’t really know that much about Mona Lisa herself. In her time female sexuality, female beauty, women’s rights, the representation and vision of women was COMPLETELY different, I think we perceive her as a mysterious or reserved woman, and she was well respected, I like to sexualize her or make her more “badass” once again, to show how things change overtime. Also with my other collages, for example I have one with Michelangelo’s “The birth of Adam”. Hands touching, but a cigarette or a joint is in one of the hands. For Michelangelo, religious art was a way to reach a divine universe and I think it’s refreshing or funny to replace a divine gesture with something more modern like a cigarette or a spliff.
Anandita: In your paintings, then, there is humour but also subversion. As an artist, how do you read the role of humour in making a statement? Have you received any negative response to your work, because of what you do to these paintings?
Nirvana: I do try to incorporate humor in some of them, for example, one of the Virgin Mary wearing a shirt that says “I am so a virgin!” Or one with a religious woman being gagged, I am thankful 99.99% of the comments and feedback I get is all positive. People have gotten annoyed with me when I’ve mixed pictures of Jesus/Mary or Greek gods with sexual imagery. I understand that perspective completely. It’s personal.
Anandita:Where do you see your work going, as an artist? Are there any future projects we may look forward to?
Nirvana: I love what I do and I’m just so thankful for the support that’s all! Thank you for giving me the chance to talk about my collages with you.
En el panteón de los fotógrafos que han definido el siglo XX, Daido Moriyama emerge como una figura singular, un artista cuya obra trasciende los límites de la fotografía documental y se adentra en el terreno de la expresión subjetiva y la provocación estética. Su estilo audaz, caracterizado por el alto contraste, el grano grueso y la composición desenfadada, ha capturado la esencia de la vida urbana japonesa de la posguerra, revelando tanto su belleza cruda como su inquietante alienación.
Moriyama, nacido en 1938 en Ikeda, Japón, comenzó su carrera fotográfica en la década de 1960, un período de intensa transformación social y cultural en su país. Influenciado por el movimiento Provoke y por fotógrafos como William Klein y Andy Warhol, Moriyama desarrolló un estilo fotográfico que desafiaba las convenciones estéticas y sociales de la época.
Sus fotografías, tomadas principalmente en las calles de Tokio, retratan una ciudad en constante movimiento, un laberinto de luces y sombras, de cuerpos y objetos en colisión. Moriyama se sumerge en el caos urbano, capturando fragmentos fugaces de la realidad con su cámara, como un cazador furtivo de imágenes. Su estilo, a menudo descrito como “are, bure, boke” (granulado, borroso, desenfocado), refleja la naturaleza efímera y fragmentaria de la experiencia urbana moderna.
Pero la obra de Moriyama va más allá de la simple documentación de la realidad. Sus fotografías son un espejo de su propia subjetividad, de sus obsesiones y deseos, de su búsqueda de sentido en un mundo en constante cambio. Sus imágenes, a menudo provocadoras y perturbadoras, nos confrontan con la crudeza de la vida urbana, con la soledad y la alienación que acechan en las calles, pero también con la belleza inesperada que puede encontrarse en los rincones más oscuros.
La influencia de Moriyama en la fotografía contemporánea es innegable. Su estilo ha inspirado a generaciones de fotógrafos, y su obra ha sido objeto de numerosas exposiciones y publicaciones en todo el mundo. Moriyama nos ha enseñado a ver el mundo de una manera diferente, a encontrar la poesía en lo cotidiano, la belleza en lo imperfecto.
Daido Moriyama es, sin duda, un artista clave del siglo XX, un visionario que ha redefinido los límites de la fotografía y nos ha legado un cuerpo de trabajo que sigue siendo tan relevante y provocador hoy como lo fue en su momento. Su legado perdurará como un testimonio de la capacidad del arte para capturar la esencia de nuestro tiempo y desafiar nuestra percepción del mundo.
Kubes in Action Miami Gets a Makeover: Guerilla Knitting and Cube Storming Hit the Magic City
Miami, known for its vibrant art scene and Art Deco architecture, is no stranger to creative expression. But a new form of artistic intervention adds a whimsy and warmth to the city’s urban landscape: guerilla knitting and cube storming.
This global phenomenon, known as yarn bombing or knit graffiti, involves adorning public spaces with colorful knitted or crocheted creations. No object is safe from the yarn bombers’ crafty touch, from lampposts and trees to benches and statues.
While the movement has its roots in Texas with Magda Sayeg, often hailed as the “mother of yarn bombing,” Miami’s yarn stormers make their mark with unique installations reflecting the city’s vibrant culture and tropical flair. Imagine strolling down Ocean Drive and encountering palm trees wrapped in vibrant hues or discovering a lifeguard stand adorned with a crocheted coral reef. These unexpected bursts of color and texture bring a smile to passersby and challenge traditional notions of public art. But guerilla knitting is more than just a whimsical aesthetic. It’s a form of creative activism, a way to reclaim public spaces and inject them with personality and warmth. By transforming everyday objects into works of art, yarn bombers encourage us to see our surroundings with fresh eyes and appreciate the beauty in unexpected places. Miami’s diverse communities have embraced this art form, using it to express their cultural heritage and social concerns. From Little Havana to Wynwood, yarn installations are popping up to celebrate the city’s multiculturalism and raise awareness about environmental conservation and social justice issues. So, watch for these unexpected bursts of yarn the next time you explore Miami. You might stumble upon a knitted masterpiece that adds a touch of magic to your day.
What is yarn bombing?
Yarn bombing is a form of street art that uses textiles instead of paint. It involves adding color and life to objects by covering them with yarn. Yarn bombing is also known as Guerilla Knitting and cube Storming. It can include adding tags, putting up murals, leaving messages, or covering parts or whole inanimate objects.
The projects I have been involved in have taken months to produce and assemble. I always seek permission before yarn bombing and make sure to remove the knitting after a month. I haven’t done any random yarn bombing.
In Melbourne, wool graffiti is generally accepted, but it’s considered polite to ask for permission before putting it on private property and to remove it in a timely manner.
Yarn bombing a tree requires detailed measurements to ensure that the yarn fits well and looks its best. The yarn should cover all joints between branches and the main trunk.
A yarn bombing typically stays up for about six weeks, but it can last for as long as two to three months depending on the location, time of year, and exposure to the elements. Yarn-bombed trees should be uncovered for their health after six to eight weeks.
You can find yarn bombing groups on social media and start one of your own by asking your knit and crochet-loving friends to join you or by creating a group on Facebook. When starting a yarn bombing project, plan the size and time frame, what you will cover, the colors and patterns you will use, and when and how you will install it. Start small, document your progress, and share your results using #yarnbombing.
MADI, the art movement championing “movement, abstraction, dimension and invention,” has attracted numerous talented artists over the years. Let’s explore the works
Paul Abbott: Escultor estadounidense conocido por sus vibrantes construcciones geométricas y móviles, que capturan la esencia lúdica y experimental del MADI.
Fariba Abedin: Artista iraní-estadounidense que fusiona la caligrafía persa con principios MADI, creando obras que exploran la intersección entre lenguaje y forma.
John Samuel Abrams: Pintor estadounidense que utiliza formas geométricas y colores vivos para crear composiciones dinámicas y enérgicas, reflejando la libertad creativa del MADI.
Arthur Aeschbacher: Escultor suizo cuyas obras tridimensionales, a menudo suspendidas en el aire, desafían la gravedad y juegan con la percepción espacial, características distintivas del MADI.
Shafaq Ahmad: Artista paquistaní que incorpora elementos de la arquitectura islámica en sus pinturas y esculturas MADI, creando un diálogo intercultural entre tradición y vanguardia.
Josef Albers: Aunque no se le considera estrictamente un artista MADI, sus experimentos con el color y la interacción de las formas geométricas influyeron en el desarrollo del movimiento.
James Allumbaugh: Escultor estadounidense conocido por sus estructuras geométricas a gran escala que invitan a la interacción y exploran la relación entre el arte y el espacio público.
Rebecca Alston: Pintora australiana que utiliza formas geométricas y patrones repetitivos para crear obras vibrantes y llenas de energía, que evocan la alegría y el optimismo del MADI.
Gissieline Amiuny: Artista brasileña que combina elementos de la naturaleza con formas geométricas en sus esculturas y pinturas, creando un diálogo entre lo orgánico y lo abstracto.
Alfredo Anghinelli: Pintor uruguayo que utiliza líneas y planos de colores para crear composiciones abstractas y poéticas, que exploran la armonía y el equilibrio visual.
Carmelo Arden Quin: Uno de los fundadores del MADI, este artista uruguayo es conocido por sus “copias”, cuadros recortados que desafían la noción tradicional del marco y la composición. Sus obras son un ejemplo icónico de la inventiva y la experimentación del movimiento.
PAUL ABBOTT: Abbott, a geologist turned artist, creates visually intriguing works blending his scientific background with artistic expression. He employs digital techniques and photography to create images that shift between recognizable forms and abstract patterns depending on the viewer’s perspective. His art often invites contemplation on the relationship between the micro and macro, the seen and unseen.
FARIBA ABEDIN: Abedin’s vibrant and playful compositions explore the intersection of geometry and color. Her works often feature overlapping shapes, playful lines, and bold hues, creating a sense of movement and dynamism. Abedin’s art is a celebration of life and energy, inviting the viewer to experience a sense of joy and wonder.
JOHN SAMUEL ABRAMS: Abrams is known for his meticulously crafted geometric sculptures. He utilizes various materials, including wood, metal, and acrylic, to create intricate structures that play with light, shadow, and form. His sculptures embody a sense of balance and precision, inviting the viewer to appreciate the beauty of geometric abstraction.
ARTHUR AESCHBACHER: Aeschbacher’s art is characterized by its bold colors, geometric shapes, and playful sense of humor. His paintings and sculptures often feature unexpected juxtapositions and optical illusions, challenging the viewer’s perception of space and form. Aeschbacher’s work is a testament to the power of imagination and the endless possibilities of geometric abstraction.
SHAFAQ AHMAD: Ahmad’s art explores the interplay of geometric forms and organic elements. Her works often feature delicate lines, intricate patterns, and subtle textures, creating a sense of harmony and balance. Ahmad’s art is inspired by nature and the human experience, inviting the viewer to connect with their inner selves.
JOSEF ALBERS: While not strictly a MADI artist, Albers’ iconic “Homage to the Square” series profoundly influenced the movement. His exploration of color theory and the interaction of squares within squares resonates with MADI’s emphasis on geometric abstraction and its potential to evoke emotional responses.
Un recuento breve de la Trienal de Tijuana: 2 Internacional Pictórica
Roberto Rosique1.
Una historia que comenzó en 2018, impulsada por la insistencia del pintor Álvaro Blancarte, el compromiso de la directora del Centro Cultural Tijuana, Dra. ViankaR. Santana, y la invitación que nos hiciera a mí y al Dr. Heriberto Yépez para desarrollar un proyecto expositivo y de concurso enfocado en el campo expandido de la pintura. El resultado fue un modelo que promueve la liberación del formato,el tema y las técnicas, con el objetivo de fomentar la libertad creativa de los participantes. La única directriz es mantener un vínculo con lo pictórico, entendidocomo un recurso universal que puede encontrarse en todo lo que nos constituye,desde lo plástico, visual, objetual y conceptual. Asimismo, se definió una modalidad de premiación alejada de lo tradicional.
El proyecto se desarrollaría en dos etapas. La primera consiste en la selección de los artistas que participarán en la exposición representativa de la Trienal, a cargodel curador general, quien realiza la selección de acuerdo con los criterios establecidos en las bases de la convocatoria. La segunda etapa abarca la selección y premiación, llevada a cabo mediante un innovador sistema tripartito. En esta fase,un curador invitado específicamente para este propósito selecciona 10 de las obras finalistas, de entre las cuales podrían elegirse las ganadoras; además, los artistas seleccionados emiten un voto único para reconocer la obra que consideren más destacada. Por último, la comunidad participa a través de una plataforma virtual institucional, emitiendo su voto. Todo el proceso se realiza bajo la supervisión de un notario público, quien garantiza la legalidad del evento. Los resultados de esa primera edición (2021), cuya selección general estuvo a cargo de la curadora venezolana Carmen Hernández, incluyeron 145 obras de 16 países. A través del sistema de votación tripartita, se otorgó el primer premio a la argentina Belén Basombrio por su obra En blanco. Pintura en el campo expandido, de la serie Del silencio a la denuncia. Asimismo, se concedieron dos menciones honoríficas: una al mexicano Salvador Díaz, por La pelea, de la serie Panorámicos, y otra a la venezolana Sofía Saavedra, por Línea fronteriza. Los premios consistieron en $1,000,000 MXN para el primer lugar y $250,000 MXN para cada una de las menciones.
La segunda edición de la Trienal (2024), cuya selección de 86 obras de artistas provenientes de 14 países estuvo a cargo de la curadora brasileña Leonor Amarante una curadora respetada por su imparcialidad y amplia experiencia comprobada en el campo contemporáneo del arte, nos ofrece —como bien declara—una dilatada cartografía de una geografía creativa abierta e vintegradora. Esta selección cumple con las expectativas de la Trienal y amplía nuevamente el espectro de lo plástico, no desde la tradición, sino respaldado por la solidez del discurso y la justificación conceptual propuesta por cada artista, lo que eleva sus obras al rango contemporáneo y las hace merecedoras de su participación. El comité curatorial considera esta decisión pertinente, ya que el espíritu de la Trienal se basa en la libertad y la democracia, lo que se refleja en esta muestra plural, donde es posible apreciar una variedad de géneros, con cada obra destacando por sus aportaciones, todas ellas sustentadas en lo pictórico. Las decisiones del jurado ternario fueron completamente autónomas, y como institución confiamos plenamente en sus juicios, libres de cualquier coerción. En cuanto al curador invitado para la fase final de premiación, el Dr. Humberto Chávez Mayol, investigador, teórico, crítico, docente en artes y creador conceptual con amplia trayectoria y reconocimientos, fue para nosotros un respaldo clave.
“Sobre su selección de obras, explicó: “Las piezas fueron analizadas desde su construcción y calidad sintáctica, su sentido semántico, y los factores pragmáticos planteados en cada propuesta. He procurado mantener el espíritu conceptual del proyecto, valorando la diversidad de manifestaciones y siguiendo el enfoque de una pictorialidad expandida. Se eligieron piezas orientadas hacia la re-objetualización, la instalación y la integración de nuevas tecnologías”
En cuanto al voto libre de los artistas seleccionados (de los cuales participó el 60 % en esta ocasión), sus decisiones fueron determinantes e indiscutibles para la adjudicación de los premios. El reconocimiento que otorgan con su voto demuestra que la obra cumple con los criterios establecidos para su participación y que, según su valoración, resultaban meritorias. De manera similar, el voto libre de la comunidad, previamente analizado y validado por un programa de seguridad y control implementado por la empresa contratada, garantiza la autenticidad del resultado. Según lo estipulado en las bases de la convocatoria, si al menos dos de las tres votaciones coinciden, la obra con mayor número de votos será declarada ganadora, y de manera decreciente se otorgarán las menciones honoríficas. De acuerdo con este criterio, los resultados finales fueron los siguientes: El primer premio fue otorgado a la obra “Pese a todo, la alegría del encuentro” de Samara Colina, con 3 votos coincidentes: 549 votos del público, 3 votos de los artistas participantes y 1 voto del curador invitado para la fase final. El Segundo Premio (Primera Mención Honorífica) fue para “Woolander” de Enrique Rubio, que también obtuvo 3 votos coincidentes, aunque con menor apoyo del público (56 votos), 1 voto de los artistas participantes y 1 del curador. El Tercer Premio (Segunda Mención Honorífica) fue para “Después de 10 años, entre el mar y mi afecto, nos volvimos a encontrar” de María Orozco, con 2 votos coincidentes: 1 del curador y 332 votos del público. Aunque esta obra obtuvo un mayor número de votos del público, no recibió el respaldo de los artistas seleccionados.
El resultado es claro y contundente según los números obtenidos, lo que reafirma que en el arte, las subjetividades juegan un papel crucial en las decisiones.
Aunque cada votante asume la responsabilidad de su elección, a la institución solo le corresponde reconocer la honestidad de los juicios emitidos. Del mismo modo, el voto libre del público fue considerado por la institución como un acto legítimo, pero bajo el principio de equidad, siendo validado a través del programa establecido. Este garantizó que cada persona emitiera un único voto, identificado por su correo electrónico, y descartó aquellos que no cumplieran con las normas.
La libertad implícita en todo proceso de creación conforma el espíritu autónomo del arte, un acuerdo sino tácito, si entendido y declarado abiertamente, por lo menos en el arte contemporáneo; un convenio que parece justificar la osadía de construirlo validando el soporte con toda la implicación que el término tiene, admitiendo el proceso no únicamente como ritual constructivo sino como fin, y aceptando el concepto como justificación cognitiva y/o apuesta estética; oportunidades que hace que el ejercicio creativo circule por igual en una dirección o la deriva, se alíe a todo lo que el autor considere pertinente, se emulsione en la inter o transdisciplina todo ello sin esperar la autorización de aquel que lo ha mantenido direccionado; ese espíritu emancipado invita también a que quien lo consume lo valide o lo rechace o que aquel que lo observe lo acepte como tal, lo etiquete y que también desde su particular criterio lo interprete; opiniones, todas que tienen sus fortalezas y debilidades pero que reflejan, sin duda, nuevos tiempos en el cual la correspondencia, el sentido de equidad, el respeto al disentir del otro son indicativos de maneras diferentes de ver, entender y aceptar la vida, en donde, por supuesto, el arte debe ser participe relevante.
Esta apuesta por fomentar oportunidades menos restrictivas para que las creaciones adquieran también otros sentidos fue una preocupación constante para quienes construíamos el espíritu de la trienal, una inquietud que debía reflejarse con hechos; de ahí que el riesgo tomado al proponerlo desde lo pictórico, el respetar las libertades creativas y evaluativas, no fue tal, pues siempre estuvo claro que se asumían como posturas articulantes, que darían que hablar pero también que pensar sobre el valor de la emancipación en el arte, de la que no hay justificación para su ausencia.
Hoy que estamos aprendiendo a mirar la vida desde polos distintos como consecuencia de acciones negligentes que, desde el poder desmedido y riqueza inconmensurable centrada en unos pocos, contravienen las leyes naturales y trastocan la vida sin una señal de remordimiento; nos hemos visto forzados a modificar estándares con tal de atenuar y desaparecer calamidades, estamos obligados a reaprender el valor de la responsabilidad, la que en esta era postcovid se tendrá que asumir sin objeciones, si es que realmente queremos una mejor forma de vida.
Son tiempos para pensarnos en la diferencia, reconocernos en el otro y asumirnos en el compromiso que como declaración de principio sea invariable y nos confronte si se incumple, es momento de seguir de la mano con la responsabilidad como medida incuestionable para enmendar equívocos y ser justos, y el arte, estoy seguro, no tiene por qué desestimar estos escenarios, de ahí que no podría ser másoportuno este momento de transformaciones inevitables derivadas de la pandemia para generar espacios de intercambio y expectativas, favorecer el pensamiento crítico y cambiar el paradigma de lo plástico por la libertad en el abordaje de lo pictórico sin restricciones.
1 Roberto Rosique. Nace en Cárdenas, Tabasco, México, en 1956. Radica en Tijuana, B. C., desde 1986. Médico General, con Especialidad en Pediatría y Subespecialidad en Oftalmología Pediátrica, es a su vez artista plástico-visual, curador, escritor y crítico de arte. Es MaestroFundador de la Facultad de Artes de la Universidad Autónoma de Baja California (2003). Docente de la misma institución, en la actualidad es el coordinador general de la Trienal de Tijuana 2 Internacional Pictórica, Secretaría de Cultura / Cecut.
Sagarika Sundaramcreates sculpture, relief works, and installation using raw natural fiber and dyes. Drawing on natural imagery, the work meditates on the impossibility of separating the human from the natural, suggesting the intertwined nature of reality. Sundaram’s work has been exhibited at the Bronx Museum of the Art, NY; Al Held Foundation with River Valley Arts Collective, Boiceville NY; the Moody Center for the Arts at Rice University, Houston, TX; British Textile Biennial, Liverpool, UK; the Chicago Architecture Biennial and Nature Morte gallery, New Delhi, India. Her work has been reviewed in the New York Times (Roberta Smith, Martha Schwendener) ARTnews (Alex Greenberger) and been featured on PBS and Artnet News. Sundaram graduated with an MFA in Textiles from Parsons / The New School, NY. She studied at the National Institute of Design, Ahmedabad, and at MICA in Baltimore. She is currently a Visiting Assistant Professor at Pratt Institute. Sundaram lives and works in New York City.
Sagarika Sundaram (b. 1986 Kolkata, India)
Education
Selected Group Exhibitions
Solo Exhibitions
Parsons School of Design, The New School, New York, NY – MFA Textiles
National Institute of Design (NID), Ahmedabad, India – B.Des, Visual Communication
Maryland Institute College of Art (MICA), Baltimore, MD – Exchange Semester in Graphic Design
Nature Morte, New Delhi, India
Palo Gallery, ‘Source’, New York, NY
Manitoga / The Russel Wright Design Center, ‘The Source of Everything’, Garrison, NY
Bronx Museum, “Bronx Calling: The Sixth AIM Biennial”, Bronx, NY
Salon 94, New York, NY
UBS VIP Lounge, Art Basel Miami Beach, Miami, FL
Al Held Foundation & River Valley Arts Collective, ‘On the Grounds’, in dialogue with Anina Major, Boiceville, NY
Chicago Architecture Biennale, ‘CAB 5: This is a Rehearsal’, Chicago Cultural Center, Chicago, IL
British Textile Bienniale, The Whitaker Museum and Art Gallery, Lancashire, UK
Moody Center, Rice University, ‘Narrative Threads: Fiber Art Today’, Houston, TX
Visitor Center Gallery, ‘Provenance’, Newburgh, NY
Bannister Gallery, Rhode Island College, New Explorations in Memoryscapes, Providence, RI
Opening Gallery, ‘A/Typical Now’, New York, NY
Frestonian Gallery, ‘Form/Symbol’, in dialogue with Sonia Deluaney and Eddy Austin, London, UK
Iron Velvet Gallery, ‘How to Love in Many Ways’, New York, NY
Nature Morte Gallery, ‘New Forms of Thought’, New York, NY
New York Live Arts, NYFA IAP Group show, ‘In/Between 2022’, New York, NY
Mana Contemporary, ‘Materialistic’, Jersey City, NJ,
Ace Hotel Brooklyn, ‘Textiles’: A Group Show, Brooklyn, NY
West Harlem Art Fund, ‘Elements’, Governors Island, NY
Roulette Intermedium, ‘Let’s Go Out and Play’, Brooklyn, NY
Nature Morte Gallery, ‘Hanging Gardens’, New Delhi, India
Mana Contemporary, ‘Hybrid’, Jersey City, NJ
Casa Pedregal, ‘TEXTO’, Mexico City, MX
2018 – 2020
2004 – 2008
2007
2025
2023
2024
2023
2022
2021
2020
Fellowships & Residencies
Sharpe Walentas Studio Program, New York, NY
Fountainhead Residency, Miami, FL
Senior Fellow, Silver Arts Residency, New York, NY
Silver Arts Residency, New York, NY
Art Omi Residency, Ghent, NY
Bronx Museum AIM Fellow, Bronx, NY
New York Foundation for the Arts IAP Program: Visual and Multidisciplinary Arts Fellow, NY
Walkin Studios Residency, Bangalore, India
2024-25
2024
2023
2022
2022
2022
2022
2017
Sagarika Sundaram CV, Page 1/2Bibliography
• Smith, Roberta. “What to See in N.Y.C Galleries in January.” The New York Times, Jan 4, 2024.
• “NYC-Arts Top 5 Picks: January 19 – January 25.” NYC-Arts – The Complete Guide. Accessed March 27, 2024.
LA OBRA DE: JORGE OTEIZA, YVES KLEIN y ANISH KAPOOR Y EL VACÍO, LA NADA
LA OBRA DE: JORGE OTEIZA, YVES KLEIN y ANISH KAPOOR Y EL VACÍO, LA NADA
La obra de Jorge Oteiza, Yves Klein y Anish Kapoor aborda la estética del vacío y la nada de formas profundamente diferentes, pero todas exploran la relación entre el espacio vacío, la materia y la percepción humana. Cada uno de estos artistas utiliza el concepto de vacío como una herramienta para desafiar la percepción tradicional del arte y la realidad, invitando al espectador a una reflexión sobre lo no-visible, lo ausente y lo intangible.
Jorge Oteiza:
El escultor vasco Jorge Oteiza es uno de los artistas más influyentes en la exploración del vacío en el arte contemporáneo. Su trabajo, especialmente sus vacíos escultóricos, se caracteriza por una profunda reflexión sobre la ausencia. Oteiza no ve el vacío simplemente como la falta de materia, sino como un elemento esencial en el proceso creativo. En sus obras, los vacíos no son simples espacios vacíos, sino que se convierten en la estructura misma de la escultura. Al vaciar la forma, Oteiza invita al espectador a percibir la importancia de lo ausente, desafiando las ideas convencionales de volumen y presencia. Su serie de “vacíos” establece una relación directa entre el espacio interior y exterior, entre la forma y el vacío, y busca una nueva forma de comunicación con el espectador.
Yves Klein:
El artista francés Yves Klein introdujo el vacío de una manera radical y conceptual en su obra. Klein es conocido por su fascinación por el vacío como un espacio lleno de potencial, donde la nada no es simplemente ausencia, sino una zona de posibilidad infinita. En su obra, el vacío se convierte en un lugar de la pureza espiritual. Su célebre obra “Le Vide” (El Vacío), presentada en 1958 en la Galería Iris Clert en París, es una manifestación de su exploración del vacío. Klein llenó la galería con un espacio vacío, invitando a los espectadores a experimentar la nada como una presencia tangible. La nada de Klein no es solo la falta de objetos, sino la expansión de la mente y la apertura a lo invisible. A través del vacío, Klein propone una experiencia sensorial y espiritual, donde el espacio vacío se convierte en un vehículo para la introspección.
Anish Kapoor:
Anish Kapoor es otro artista contemporáneo que explora la nada a través de la escultura. Su obra está profundamente influenciada por la física, el espacio y la percepción. Kapoor utiliza el vacío no solo como una ausencia, sino como un espacio que absorbe, distorsiona y altera nuestra percepción de la realidad. Sus famosas obras, como “Descent into Limbo” o “Sky Mirror”, juegan con la relación entre lo vacío y lo lleno, entre lo visible y lo invisible. En el caso de “Descent into Limbo”, Kapoor crea un vacío en el que la ausencia de fondo parece desbordar los límites de la percepción. El vacío en sus obras no es solo un espacio físico, sino una metáfora de lo desconocido, de lo que se encuentra más allá de nuestra comprensión. Kapoor crea un espacio donde la nada parece invadir la forma, jugando con la ambigüedad entre la presencia y la ausencia.
En la obra de Oteiza, Klein y Kapoor, el vacío se convierte en un espacio dinámico y reflexivo, lejos de ser una mera ausencia. Cada uno, a su manera, utiliza el vacío para generar una experiencia estética profunda que invita al espectador a enfrentarse a lo invisible, a lo intangible y a lo ausente. Para Oteiza, el vacío es parte fundamental de la forma; para Klein, es una puerta a lo espiritual y lo infinito; y para Kapoor, un espacio que transforma nuestra percepción de la realidad. La nada en sus obras se convierte en una presencia poderosa, que abre nuevos caminos para entender el arte, el espacio y la condición humana.
We are One Kube Man performance by Rafael Montilla Venecia
Los términos “performance” y “performativo” están estrechamente relacionados, pero tienen connotaciones diferentes dependiendo del contexto en el que se utilicen, especialmente en el arte contemporáneo, la filosofía y la teoría. A continuación, desglosaré ambos términos para aclarar sus diferencias y su relación:
Performance
El término performance se refiere principalmente a una forma de arte que implica la acción en vivo, en la que el cuerpo del artista y la interacción con el público son centrales. En el contexto del arte contemporáneo, el performance se entiende como una disciplina artística en la que el artista realiza una acción o serie de acciones frente a una audiencia, a menudo desafiando las convenciones tradicionales del arte visual y la experiencia estética.
El performance es un medio a través del cual se exploran temas como la identidad, el cuerpo, la política, el género, la sociedad y la espiritualidad, entre otros. Puede involucrar una variedad de elementos, como la danza, el teatro, la música, el discurso y el uso de medios digitales. Los performances pueden ser temporales, improvisados, estructurados o colaborativos, y el público a menudo juega un papel importante en la experiencia.
Algunos artistas pioneros en el campo de la performance son:
Marina Abramović: Conocida por sus audaces y a menudo dolorosas performances, como The Artist is Present (2010).
Yoko Ono: En sus performances, fusiona la poesía, la música y la participación del público, explorando las fronteras del arte y la vida cotidiana.
Joseph Beuys: Su enfoque de “arte como política” y sus performances rituales fueron fundamentales en el desarrollo del arte contemporáneo.
Vito Acconci: Fue un artista que utilizó el cuerpo de formas extremas para explorar temas de deseo, control y poder en sus performances.
Performativo
El término performativo tiene una connotación más filosófica y lingüística, y se refiere a algo que no solo representa una acción, sino que la realiza al llevarla a cabo. En filosofía y teoría del lenguaje, el concepto fue introducido por el filósofo J.L. Austin en su obra How to Do Things with Words (1962). Según Austin, un enunciado performativo no solo describe una acción, sino que la ejecuta al ser pronunciado. Por ejemplo, en una ceremonia de bodas, cuando alguien dice “los declaro marido y mujer”, esa declaración no solo describe una acción, sino que la realiza.
Un enunciado performativo tiene la capacidad de generar una acción o una transformación en la realidad. En el caso del arte, “performativo” se utiliza para describir una obra, acción o evento en el que la propia ejecución de la obra lleva a cabo el significado o el efecto que se busca transmitir. Por ejemplo, una acción artística puede ser “performativa” si al ejecutarla, se genera un cambio en el entendimiento de una idea o en la percepción de una situación.
Diferencias y relaciones:
En el arte contemporáneo:
Performance: Es un acto en vivo, una representación o acción que involucra al cuerpo del artista y puede estar dirigida a un público. El performance se puede entender como la manifestación de una acción que puede implicar múltiples medios, como el teatro, la danza, o incluso la vida misma.
Performativo: Se refiere a la capacidad de una acción o palabra de generar un cambio o significado en el contexto en que se presenta. El término también se utiliza para describir ciertas obras de arte que no solo representan ideas, sino que las activan, las realizan o las hacen “reales” al ser ejecutadas.
En la filosofía:
Performance: El concepto de performance no tiene un lugar relevante dentro de la teoría del lenguaje filosófico, ya que se enfoca más en las manifestaciones físicas y corporales de las acciones.
Performativo: En la filosofía del lenguaje, algo performativo es un acto lingüístico que crea realidad. Los enunciados performativos, como “te prometo que…”, son ejemplos de cómo las palabras pueden generar efectos reales en el mundo, más allá de simplemente describirlo.
Ejemplo en el arte:
Un ejemplo contemporáneo donde se puede ver la relación entre performance y performativo es el trabajo de Judith Butler, filósofa que utilizó estos conceptos en el análisis de las identidades de género. En su libro Cuerpos que importan (1993), Butler sostiene que el género no es algo fijo, sino que se “performativiza”, es decir, que se constituye a través de actos repetidos (como vestirse de una cierta manera o hablar de una forma particular). En este sentido, los actos performativos son aquellos que no solo representan un género, sino que lo crean y mantienen.
En el contexto de una performance artística, esto podría significar que el acto de un artista al involucrarse en una actividad en vivo (como vestir un traje, realizar movimientos específicos o hacer ciertas declaraciones) no solo es una representación, sino una acción que activa y redefine una realidad, ya sea cultural, política o social.
Performance hace referencia a una práctica artística en vivo que implica la acción del cuerpo y la interacción con el público.
Performativo se refiere a la capacidad de una acción (ya sea verbal, gestual o simbólica) de crear una realidad o transformar la percepción a través de su ejecución.
Ambos conceptos se interrelacionan en el arte contemporáneo, ya que muchas obras de performance no solo presentan una acción, sino que realizan cambios o activan realidades, desafiando las normas y transformando el entendimiento del arte y de la vida misma.
