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Sunday, October 5, 2025
Pérez Art Museum Miami
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JORGE BUCAY EN MIAMI

Por
Editorial
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JORGE BUCAY en Miami

JORGE BUCAY

Llega a Miami el célebre psicólogo y escritor argentino
Se presentará el 5 de septiembre, en el Teatro Manuel Artime
Ofrecerá la conferencia “EL CAMINO DE LA FELICIDAD ES POSIBLE”

Más sobre Bucay y su conferencia
Para dimensionar la importancia de Bucay hay que señalar que sus libros se han convertido en best sellers internacionales, traducidos a una veintena de idiomas.​ Los más relevantes son “Cartas para Claudia”, “Déjame que te cuente”, y “Cuentos para pensar”
Sobre la conferencia de Miami, Bucay apunta que “hay un camino posible hacia la felicidad y ese camino es personal e intransferible, y se logra cumpliendo las obligaciones de ser lo mejores personas posibles, siendo felices, y ayudando a que otros se ocupen de serlo”
En pocas palabras, en “El camino de la felicidad es posible”, el psicólogo propone al público: “Tener compromiso, aceptación, entrega y apertura; estar en paz con su pasado, no tenerle miedo al futuro, y vivir intensamente el presente”

JORGE BUCAY en Miami

“69th ANNIVERSARY MEMBERS'” EXHIBIT

Por
Editorial
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Opening & Awards Reception 
Saturday, August 17, 2019 from 4:00-5:30pm

Gallery 6 
Broward County Library

100 S. Andrews Avenue 
6th Floor

Fort Lauderdale, FL 33301

Members of the prestigious Broward Art Guild, the longest running art guild in Broward County, will display paintings, drawings, photography, sculpture, etc. at this annual event. Enjoy viewing the artwork and meet and greet the artists. You can cast a ballot for the People’s Choice award.

Location: Broward Main Library, Gallery Six, 100 S. Andrews Ave. Ft. Lauderdale 33301

Gallery Hours: Mon, Tue, Wed 9am-8pm. Thu, Fri, Sat 10am-6pm. Closed Sunday.

Free Public Reception: Saturday, August 17, 2019 from 4:00-5:30pm

Exhibition Run Dates: August 12, 2019 to August 30, 2019

MissionBelieving that art is vital to a thriving community, the Broward Art Guild’s mission is to create opportunities for visual artists to grow professionally and expand audiences for their art.

art

Oliver Mtukudzi and the Black Spirits

Por
Editorial
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Oliver Mtukudzi and the Black Spirits

Oliver “Tuku” Mtukudzi (22 September 1952 – 23 January 2019) was a Zimbabwean musician, businessman, philanthropist, human rights activist and UNICEF Goodwill Ambassador for Southern Africa Region. Tuku was considered to have been Zimbabwe’s most renowned and internationally recognised cultural icon of all time. https://en.wikipedia.org

Oliver Mtukudzi and the Black Spirits

Paint Me Miami 2019

Por
Editorial
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Paint Me Miami 2019

Paint Me Miami Opening Reception and Award Ceremony

Bakehouse Art Complex

561 Northwest 32nd Street, Miami, Florida 33127

The City of Miami Arts and Entertainment Council invites you to the 8th annual Paint Me Miami juried painting competition.

Please join us for the opening reception and awards presentation on August 9, 2019 from 6:30 – 9:00pm at the Bakehouse Art Complex.

Live music accompaniment by Eddy Balzola & Yoel Del Sol. Libations and beverages to be served throughout the evening.

This event is sponsored by: The City of Miami, Miami Arts and Entertainment Council, and the Bakehouse Art Complex.

*The exhibition will be on view from August 10 – August 16, 2019 from 12:00 – 5:00pm.

Paint Me Miami 2019

Paint Me Miami is an annual juried painting competition sponsored by The City of Miami Arts & Entertainment Council. Every year, artists are invited to submit paintings that are inspired by, and celebrate, the City of Miami. A group of professional jurors selects the finalists, who are invited to exhibit their work in a prestigious gallery space. There are also exciting rewards for a First, Second and Third Prize in the competition.

ART WORLD ASSOCIATIONS

Por
Editorial
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Oil paint
Oil paint

ART DEALER ASSOCIATIONS

Art Dealers Association of America (ADAA)

The Art Dealers Association of America (ADAA) is a non-profit membership organization of the nation’s leading galleries in the fine arts. Founded in 1962, ADAA seeks to promote the highest standards of connoisseurship, scholarship and ethical practice within the profession.

Art Dealers Association of California

Members deal primarily in fine painting, sculpture and graphic arts. They advocate the highest standards of connoisseurship, scholarship, and ethical practice within the profession, and seek to increase public awareness of the importance and responsibilities of reputable art dealers. ADAC members are committed to honest and responsible business dealings with artists, the art collecting public, museums and other art dealers.

Art Dealers Association of Canada (ADAC)

Is a not-for-profit organization founded in 1966. The association is the largest representation of major private commercial galleries in Canada, and members represent the country’s leading artists. ADAC’s mandate includes: stimulating the art market in Canada; and, encouraging the awareness of the visual arts, both nationally and abroad.

Association of International Photography Art Dealers (AIPAD)

With members in the United States, Australia, Canada, Europe and Japan, the Association has become a unifying force in the field of photography. AIPAD is dedicated to creating and maintaining high standards in the business of exhibiting, buying and selling photographs as art.

Boston Art Dealers Association

The Boston Art Dealers Association was formed in 1989 to foster cooperation among Boston’s contemporary art galleries and to create a unified voice of advocacy for contemporary art in Boston.

Charleston Gallery Association (CGA)

Charleston Gallery Association was formerly the French Quarter Gallery Association which was established over 20 years ago and included more than 25 galleries. Now we have an all-inclusive group incorporating the greater Charleston area with more than 40 art galleries currently participating.

The American Print Alliance

This should be considered as an archive site. As an organization they are not currently active. On the website you will find resources and useful links that might help in print research. The American Print Alliance is or was a consortium of non-profit printmakers’ councils in the United States and Canada.

Dallas Art Dealers Association (DADA)

The Dallas Art Dealers Association is an affiliation of established, independent gallery owners and not-for-profit art organizations in the metroplex. As a group, DADA is pledged to a high standard of ethical conduct, a devotion to consistent public service, and a dedication to professional integrity.

Denver Art Dealers Association

Members are selected for their individual contributions to the cultural life of greater Denver and adhere to ethical and lawful business practices. The art dealers and fine art galleries provides a unified voice on issues of mutual concern; to advance standards of excellence, raise awareness and stimulate growth in the visual arts throughout the front-range.

Fine Art Dealers Association (FADA)

Founded in 1990 as a non-profit membership organization of respected and established dealers from across the United States. Its members are dedicated to promoting and maintaining the highest degree of professionalism, scholarship and integrity in all business conducted with colleagues, institutions and the art buying public. Membership in FADA is highly selective and by invitation only.

Fort Worth Art Dealers Association (FWADA)

The members of the Fort Worth Art Dealers Association include independent art dealers, non-profit exhibition spaces, museums and university galleries. Association members are pledged to the maintenance of the highest standard of ethical conduct, committed to public service and dedicated to professional integrity.

International Fine Print Dealers Association (IFPDA)

IFPDA is a non-profit organization dedicated to ensuring the highest ethical standards and quality among fine print dealers, and to promoting greater appreciation of fine prints among art collectors and the general public. They support a wide variety of activities that foster a deeper understanding and appreciation of fine prints. Each year, the organization sponsors the IFPDA Fine Art Print Fair in New York City, the largest and most celebrated art fair dedicated to fine prints.

National Antique & Art Dealers Association of America

Is a nonprofit trade association of America’s leading dealers mutually pledged to safeguard the interests of those who buy, sell or collect antiques and works of art. Founded in 1954, NAADAA seeks to promote the best interests of the antique and art trade; to sponsor and organize antique and art exhibitions: and, to promote just, honorable and ethical trade practices

Portland Art Dealers Association (PADA)

The Portland Art Dealers Association, PADA, includes the city’s foremost art galleries, committed to representing the highest standards of fine art. Members of the association recognize the importance of integrity and responsibility in working with artists, collectors, museum professionals, and the entire cultural community.

San Francisco Art Dealers Association (SFADA)

Founded in 1972, is a non-profit organization composed of member galleries throughout the Bay Area. The Association is dedicated to promoting public awareness of the visual arts and furthering art education in the community. Members must be exhibiting art galleries who mount regularly changing exhibitions. All members are galleries of reputation with expert knowledge in the field of work they represent and have the highest ethical and professional standards in conducting business.

Seattle Art Dealers Association (SADA)

Established in 1990, the Seattle Art Dealers Association (SADA) consists of the city’s foremost dealers committed to representing the highest standards of fine art. Elected by their peers, members of the association adhere to the principles of integrity and responsibility in working with artists, collectors, museum professionals and the entire cultural community. The association works together to promote increased awareness of Seattle as the major international art center of the northwest.

The Antique Tribal Art Dealers Association (ATADA)

The ATADA members represent a Who’s Who of the American Indian and Tribal Art worlds. Members, offer buyers a guarantee that objects sold are as represented regarding age, authenticity and extent of restoration (if any). Furthermore, the guarantee allows buyers a full refund if the object proves to be other than represented. They also ensure that objects have been properly acquired and fall within the restrictions of laws.

Instituto de Bellas Artes publica artículo sobra la obra de Rafael Montilla

Por
Editorial
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rafael montilla

Revista del Instituto Nacional de Bellas Artes de México publica artículo sobra la obra en las calles del venezolano Rafael Montilla

La obra del artista venezolano Rafael Montilla fue objeto de análisis en uno de los artículos publicados en el más reciente número de la revista académica arbitrada Discurso Visual (Nº44 julio/diciembre 2019), que edita el Instituto Nacional de Investigación, Documentación e Información de Artes Plásticas (Cenidiap) del Instituto Nacional de Bellas Artes de México.

“El arte urbano como exploración de la cotidianidad. Consideraciones a partir de la obra de Rafael Montilla” es el título de este artículo que, escrito por la investigadora, comunicóloga y curadora venezolana Johanna Pérez Daza, forma parte del contenido del número 44 de la revista, conformado por seis trabajos de diferentes autores en torno al tema del arte urbano.

En su artículo, Johanna Pérez Daza analiza el arte urbano desde una perspectiva sociocultural y comunicacional que permite abordar la ciudad y pensar el espacio público, según describe el resumen del mismo. “La cotidianidad inserta en este plano de reflexión ofrece algunas pistas para aproximarnos a la triada artista-obra-comunidad a partir del trabajo de Rafael Montilla, quien ha asumido la calle como un soporte que amplía el alcance de su propuesta y establece vínculos con los espectadores, al tiempo que desafía la recepción pasiva y la monotonía de la urbe”.

Según destaca la autora, el trabajo de Rafael Montilla se ha expuesto en ferias, museos y galerías de Francia, Holanda, España, Venezuela, Canadá, Estados Unidos e Italia, y sin embargo su aspiración fundamental se asocia al arte urbano, por lo que toma la ciudad como soporte con la intención de estimular la contemplación y la observación, a fin de romper la rutina y la monotonía visual presentando piezas geométricas que van tejiéndose entre sí, camuflándose con el paisaje urbano.

Asimismo, Pérez Daza afirma en su artículo, entre otros aspectos, que para Montilla la calle es la vía de comunicación directa con el espectador, por lo que afirma “La calle es mi galería. Las calles son mis redes sociales”; además la investigadora se refiere a la propuesta Kubos in Action, como la marca reconocible con la que el artista recorre la geografía urbana apropiándose de espacios públicos que utiliza como base de una obra que muta de lo individual a lo colectivo, “en la que acertadamente se adopta el cubo como cuerpo sólido y congruente, características extrapolables a la experimentación visual a través de formas, líneas y movimientos, donde lo lúdico y lo rígido parecen platicar argumentadamente, sin negar los puntos de encuentro entre el sistema y la unidad, las coincidencias entre lo macro y lo particular, aquello que se repite y lo que muta a la singularidad».

Los otros artículos que se incluyen en el número 44 de la revista Discurso Visual son: “Amor de lejos… De arte urbano y distopías”, de Alfredo Gurza; “De Electronic Billboards a pantallas urbanas para la Ciudad de México”, de Adriana Dávila Ulloa; “La participación del Mujam y del arte urbano en el proceso de regeneración de la colonia Doctores”, de Christopher Vargas Reyes;“Destroy the media. La reapropiación de la imagen pública”, de Pamela Xochiquetzal Ruiz Gutiérrez; y “Bansky: catalizador del arte contemporáneo”, de Antonio Pedro Molero Sañudo.

Marisela Montes

KUBE/MAN: RAFAEL MONTILLA EN DOS MOMENTOS

Por
Editorial
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KUBE/MAN: RAFAEL MONTILLA EN DOS MOMENTOS

Xiomara Jiménez

Kube/man, propuesta que entiende como una suerte de quiebre en el devenir creativo de Rafael Montilla y que lo ubica en la tradición del uso del propio cuerpo como un instrumento de dislocación de la identidad, búsqueda en la que estuvieron también artistas como Yenny y Nan y Nela Ochoa:

“Mirando algunas imágenes sueltas en la página de Facebook de Rafael Montilla, me detengo en las secuencias de un video en el que el artista aparece en un primer plano, sentado en el piso, maniobrando pequeños segmentos cuadriformes hechos con algún tipo de material acrílico para una composición bidimensional en proceso. movimiento acelerado con el que se sucede cada toma, hace que autor luzca como un personaje entregado al puro juego, a la manera de un verdadero infante gozoso, al finalizar la ejecución, vemos una obra concluida y expuesta en la pared de alguna galería en la ciudad de Miami; en un formidable «paño» negro centellean los blanquísimos cuadraditos, como si estuviésemos delante del propio firmamento.“Desde sus primeras colecciones, presentadas de manera expresa a partir del año 2014, Rafael Montilla ha desarrollado una gama de indagaciones sobre esa forma primaria y espacializante que representa el cubo. Tal como se define en el Diccionario de símbolos de Juan Eduardo Cirlot, esa prolongación del cuadrado es la figura de la solidez, de la tierra, incluso, Dionisio El Cartujano, agrega que el cuerpo cúbico no está destinado a la rotación, y por ello aparece asociado a la virtud de lo estable.“El artista trata el motivo, en primer término, bajo los códigos de la abstracción geométrica y en las claves de una especie de representación más bien inacabada o sugerida. Rafa Montilla ⎯como se hace llamar este creador caraqueño residenciado en Miami desde hace unos 18 años⎯ bordea en cierto sentido una preocupación por lo conceptual, formalmente nos ubica frente a un objeto que más que algo definido, plantea una idea de materialidad virtual a través del juego con intensos planos cromáticos. De esta manera, nos invita a completar una geometría básica y al mismo tiempo tan compleja; consideremos que se trata de un esquema de progresión, un primer enunciado del espacio tridimensional en su condición más depurada. Más tarde terminará en el propio espacio, mediante una serie de recursos que lo impulsan a crear artefactos y formas introducidas en ambientes reales del paisaje de la ciudad.“Pero, volvamos al punto de partida, retornemos al video preliminar, a esa ocurrencia iniciática que lo lleva a una de sus obras más recientes, Kube/man; aquí se vislumbra una suerte de quiebre, una nueva incursión. El performance aparece de manera más plena con esta propuesta de acción en la que obra y artista se convierten en uno solo. En este punto, me gustaría mencionar unos pocos ejemplos que se ubican en la tradición del uso del propio cuerpo como un instrumento de dislocación de la identidad. Recordemos por ejemplo: las acciones de la dupla creativa Yenny y Nan, pioneras en el movimiento del performance en Venezuela entre los años 1977-1986. También, el proyecto, Lejana (Caracas, 1999 Colección Museo Alejando Otero), video-instalación donde la artista Nela Ochoa se confunde entre la multitud asumiendo la identidad de una indigente urbana. Así mismo, otra variante con igual preocupación sobre el tema de una identidad desdibujada, es el memorable performance del colombiano Rosemberg Sandoval, Mugre, 1999, una propuesta transgresora en donde se anudan cuerpo y violencia urbana, a través de la manipulación de un sujeto de la calle a quien Sandoval alza en hombros, para luego utilizarlo como un «pincel humano» y así dibujar en las blancas paredes de una sala de exposiciones, la estampa de su miseria con la grasa y la suciedad que ha logrado acumular.“En una primera impresión, lo que nos propone Kube/man está cerca de la humorada; la farsa, la impostación teatral de un individuo que graciosamente irrumpe en el espacio de una sala, así como en otros ambientes de la ciudad, ataviado con un traje «cuasi espacial», no deja de ser un acto hilarante. Sin embargo, en una segunda lectura, el hecho se torna en un gesto provocador, nos confronta con una asepsia incómoda, el propio autor ha usado una caja reflectante en la cabeza a fin de instrumentalizar la cancelación de su identidad, y así mimetizarse con el espacio de sus recorridos. Este hombre-cubo se presenta como el asomo de un episodio perturbador y lleno de interrogantes por explorar, diría que en el performance nos emplaza ante sentimientos tan complejos; una figura oculta bajo la «máscara» de un cajón acristalado es una verdadera imagen de la decepción, del escepticismo, es un encuentro con la incertidumbre y hasta con el desencanto por la condición humana”.

Xiomara Jiménez, artista visual, antropóloga y curadora independiente.

El arte como invención y comunicación. Carlos Cruz-Diez

Por
Editorial
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Carlos Cruz-Diez

El arte como invención y comunicación. Carlos Cruz-Diez. TEDxPuntaPaitilla

Carlos Cru\-Diez reflects on his career and on art as a medium for invention and communication. Carlos Cruz-Diez is a visual artist. Originally from Caracas, Venezuela, he has lived and worked in Paris since 1960. His artistic roots reach back to the Movimiento Cinético [Kinetic Movement] of the 1950s and 1960s. As his thinking on the visual arts has evolved, his ideas have changed attitudes on how color is perceived in art. He believes color is an autonomous reality, devoid of anecdotes, that evolves in real time and space with no need of form or support. Carlos’s artistic proposal is based on eight research projects that reveal the myriad ways in which color behaves: Couleur Additive [Additive Color], Physichromie, Induction Chromatique [Chromatic Induction], Chromointerférence, Transchromie, Chromosaturation, Chromoscope, and Couleur dans l’espace [Color in Space].

COLECTIVA_19

Por
Editorial
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COLECTIVA_19

En BEATRIZ GIL galería se esta presentando COLECTIVA_19 Referencias y diálogos. El propósito de esta exposición es presentar el arte producido por un destacado repertorio de artistas venezolanos y latinoamericanos contemporáneos, cuyos proyectos son concebidos mediante soportes, materiales y técnicas diversas. En su conjunto, la selección de estas piezas representa la pluralidad de exploraciones y prácticas artísticas que configuran el perfil de la galería. 
Alexander Apóstol
Sigfredo Chacón
Carlos Cruz Diez
Darío Escobar
Eugenio Espinoza
Gego
Dulce Gómez
Fernando Irazábal
Pepe López
Cipriano Martínez
Jesús Matheus
Daniel Medina
Roberto Obregón
Cecilia Paredes
Jorge Pizzani
Paul Parrella
Liliana Porter
Adrián Pujol
Luisa Richter
Jesús Soto
Ana Tiscornia
Tony Vázquez-Figueroa

Esta exposición ha contado con la selección de obras y guión museográfico de Ruth Auerbach, la museografía de Aixa Sánchez y el montaje de Raúl Moreno.

Mayor información puede ser consultada a través de la página www.beatrizgilgaleria.como a través de Facebook: Beatriz Gil Galeria Twitter: @beatrizgilgal Instagram: @beatrizgilgaleria y Youtube: Beatriz Gil Galeria.

Horario: 10:00 AM – 7:00 AM

+58 212-9434047

alisco con california edif. san carlos PB las mercedes, 1060 Caracas (1,367.99 mi) Caracas 1060

Return to Koyaanisqatsi

Por
Editorial
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REGRESO A KOYAANISQATSI
REGRESO A KOYAANISQATSI

REGRESO A KOYAANISQATSI

A solo project by Willy Castellanos, within the framework of the exhibition “Lágrimas Negras”, curated by Isabel Pérez with invited artists Nadal Antelmo, Rogelio López Marín (Gory), Ana Olema and Mel Rossitch.

KENDALL ART CENTER
Jul.19 – Aug. 30, 2019
Opening Reception: July 19th from 6:00 – 11:00pm
12063 SW 131st Ave., Miami, Fl. 33186

Willy Castellanos (Aluna Curatorial Collective)

En la lengua Hopi -un pueblo ancestral que habitó la zona central de los Estados Unidos-, “Koyaanisqatsi” es una palabra que significa “vida fuera de balance”. El cineasta Godfrey Reggio la usó en 1982 para titular el primer filme de una trilogía experimental que documentó –con la sugerente música de Phillip Glass y prescindiendo del diálogo–, la pérdida del equilibro en este “mundo en el que vivimos”, según palabras de su director.

Hace cerca de cuatro décadas, el lenguaje de la cámara rápida usado por Reggio en varias escenas describía mejor que ningún otro medio la velocidad de nuestro modo de vida, el frenetismo asociado al movimiento de las grandes aglomeraciones humanas y a los ritmos acelerados de la producción seriada de bienes de consumo colectivo. En contraposición, la cámara lenta permitía observar con detenimiento la acelerada destrucción de tantos espacios vitales, esbozada como metáfora de la voracidad humana sobre el planeta, una voracidad paralela a la acumulación excesiva y opuesta al mismo tiempo, al ritmo del mundo natural, donde los grandes espacios vacíos y la calmada contemplación aún son permisibles.

Regreso a “Koyaanisqatsi” –una exposición compuesta por fotografías, instalaciones y objetos–, revisita el espíritu de esa documentación del paroxismo urbano y del consumo, a partir de otro proceso de investigación visual (la cámara de negativos 4×5), en una serie realizada en la ciudad de Miami en varias instalaciones de recolección y reciclaje de chatarra. Las cámaras tradicionales de “gran formato” (un medio prácticamente en desuso) imponen desde el proceso mismo del registro y la operatoria, una oportuna lentitud de la mirada y del hacer, mientras garantizan al tiempo, una nitidez de detalles superior al medio digital con sus rápidas velocidades de registro.

¿Y por qué los basureros? Porque nunca antes, en toda la historia de la civilización humana, los desechos constituyeron una amenaza semejante a la que enfrentamos en este momento, donde se tornan proféticas las palabras enviadas en 1855 por el jefe Seattle de la tribu Duwamish, al entonces presidente de los Estados Unidos Franklin Pierce: : “My words are like the stars –they do not set. How can you buy or sell the sky –the warmth of the land? The idea is strange to us. Yet we do not own the freshness of the air or the sparkle of the water (…) This earth is precious to him [God], and to harm the earth is to heap contempt on its Creator. The whites, too, shall pass – perhaps sooner than other tribes. Continue to contaminate your bed, and you will one night suffocate in your own waste”.

He documentado reiteradamente, en visitas espaciadas a lo largo de un año, el testimonio de la cultura de lo obsoleto y la constancia de la velocidad con la que usamos, acumulamos y desechamos objetos consumidos, en una dirección diametralmente opuesta a la preservación del ambiente, en una península como la Florida, severamente amenazada por el cambio climático. Fotografiando los basureros de chatarra también he registrado la belleza formal de la basura, he rescatado objetos encontrados y los he asistido -los he reciclado– para darles una nueva vida, como un gesto imaginativo. Y me he hecho la pregunta que extiendo con una consciencia clara de que el tiempo de resistencia frente al paroxismo se nos acorta: ¿De qué modo podremos oponernos a la obsolencia programada, al exceso acumulativo, a la velocidad enloquecida de la vida? ¿Cómo podemos encontrar formas comunes de evitar “ahogarnos entre nuestros desperdicios” y recobrar el balance que hemos perdido? He vuelto de estos basureros con otra claridad sobre la urgencia de una vida común más lenta, menos voraz y destructiva, más llena de humor e imaginación, y sobre todo, capaz de construir una cultura sostenible para nuestra propia especie y también para todas las demás. Es el único modo de cambiar el tiempo que se avecina, ese tiempo en donde comenzaría según el jefe Seattle, “the end of living and the beginning of survival”.

“Estimados amigos, están todos cordialmente invitados a la inauguración de la exposición en la que participare esta vez como artista, y que será este próximo viernes a las 6:00pm en el Kendall Art Center. Gracias miles a Leonardo Rodriguez y Henry Ballate de KAC por la gentil invitación. Estaré exponiendo mi ultima serie “Regreso en Koyaanisqatsi” en el marco de la exposición “Lagrimas negras” curada por Isabel Perez, junto con los artistas y amigos Gory, Nadal Antelmo, Ana Olema y Mel Rossitch. Les dejo aqui el texto en español. Espero darles un abrazo personalmente!”
Willy Castellanos

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