1977 – Buenos Aires, Argentina.Egresó de la Escuela Nacional de Bellas Artes Prilidiano Pueyrredón en el 2002 y en el 2006 de la carrera de Diseño Gráfico.Asistió regularmente a los talleres de los pintores Miguel Dávila y Jorge Demirjián. Realizó clínica de pintura con Tulio de Sagastizábal.En el año 2000 comenzó a dar clases en su taller particular de Monserrat y desde el 2009 en su taller de Retiro. Entre 2001 y 2016 fue docente de la carrera de Diseño Gráfico de la Facultad de Arquitectura, Diseño y Urbanismo de la Universidad de Buenos Aires. En el 2006 coordino Apice Arte, proyecto que involucró a diferentes artistas plásticos emergentes, cuyo objetivo fue la creación de un espacio que les permitiera exhibir, difundir sus obras y establecer vínculos con espectadores y con otros artistas. En la actualidad continúa con el desarrollo de su trabajo en la pintura y participa de muestras individuales y colectivas. Realiza encargos de diseño gráfico en forma independiente.
Luz inocua
POSEEN OBRAS DE SU AUTORIA
MACBA, Museo de Arte Contemporáneo. Colección Aldo Rubino. Colecciones particulares de Argentina, Uruguay, Brasil, EEUU, Reino Unido, Israel, Suiza y Holanda.
DISTINCIONES Y PREMIOS:
2019 Seleccionada Premio MACSUR a las artes visuales, Buenos Aires, Argentina. 2018 Seleccionada Bienal MACSUR, categoría collage, Buenos Aires, Argentina. 2018 Seleccionada Salón Manuel Belgrano Muséo Sívori, Buenos Aires, Argentina. 2018 Bienal de Artes Visuales Areatec 2018, Buenos Aires, Argentina. 2018 MENCION, Salón Soler 1era Edición, Buenos Aires, Argentina. 2017 MENCION, XIII Salón Nacional de Pintura, MACA, Junin, Buenos Aires, Argentina. 2017 Seleccionada 45 Certamen Salón de Tucumán, Museo Timoteo Navarro, Tucumán. 2017 Seleccionada en la Bienal de Pintura Museo Dr. Urbano Poggi, Rafaella, Santa Fé. 2017 Seleccionada Salón de pintura Piccolo Spazio, Pergamino, Buenos Aires, Argentina. 2016 Seleccionada XLVII Salón “Fernán Félix de Amador”, Vicente Lopez, Bs. As., Argentina. 2016 Seleccionada IX Premio Banco de Córdoba, Museo Tamburini, Córdoba, Argentina 2016 El Cultural San Martín, selecciona su Mural “Comunidad Cromática” para ser exhibido. 2015 MENCION, Bienal 2016 de Pintura M. Dr. Urbano Poggi, Rafaela, Santa Fé, Argentina. 2014 Seleccionada en la Bienal Areatec, Buenos Aires Argentina. 2014 Seleccionada en el Salón de la Universidad de Belgrano. Buenos Aires Argentina. 2013 1º PREMIO, Salón Centenario Ward, Buenos Aires, Argentina. 2009 Seleccionada Premio Museo B. Quinquela Martín. Buenos Aires, Argentina. 2009 Seleccionada por la Academia Nacional de Bellas Artes, Premio Estímulo B. del Carril.
PRINCIPALES EXHIBICIONES INDIVIDUALES
2018 Continuidad Cromática, Teatro Italiano, Chacabuco, Buenos Aires, Argentina. 2016 Mural Comunidad Cromática, El Cultural San Martín, Buenos Aires, Argentina. 2013 Comunidad Cromática II, Alianza Francesa, Buenos Aires, Argentina. 2013 Comunidad Cromática, Areatec, Buenos Aires, Argentina. 2008 La isla, Apice Arte, Buenos Aires, Argentina
PRINCIPALES EXHIBICIONES COLECTIVAS
2019 ONCESIETE, “Contrapuntos”, Buenos Aires, Argentina. CASSA LEPAGE, “Selección de Areatec”, Buenos Aires, Argentina. MACSUR, “Premio a las artes visuales”, Buenos Aires, Argentina. MACBA, “Vértigo, geometría e inestabilidad”, curada por Lucía Savloff. Bs. As., Argentina.
2018 MUSEO SIVORI, Salón Manuel Belgrano, Buenos Aires, Argentina. AREATEC, Bienal de pintura, Buenos Aires, Argentina. MACSUR, Bienal de collage, Buenos Aires, Argentina. PACO URONDO – FILO/UBA, “Conecciones Progresivas”, Buenos Aires, Argentina. ESPACIO SOLER, 1º Salón Soler, Buenos Aires, Argentina.
2017 MOTP CAMARA ARG DE LA CONSTRUCCION, “Pulso”, Mar del Plata, Bs. As., Argentina. MACA, XIII Salón Nacional de Pintura, Junin, Buenos Aires, Argentina. MUSEO TIMOTEO NAVARRO, Tucumán, Buenos Aires, Argentina. MUSEO URBANO POGGI, Rafaella, Santa Fé, Argentina. PICCOLO SPAZIO, Pergamino, Buenos Aires, Argentina.
2016 SAATCHI ART SHOW, “Pattern Play», curada por Katherine Henning, Los Angeles, USA. QUINTA TRABUCCO, XLVII Salón “Fernán Félix de Amador”, Buenos Aires, Argentina. MUSEO TAMBURINI, IX Premio Banco de Córdoba, Museo Tamburini, Córdoba, Argentina
2015 HOY EN EL ARTE, “El eterno femenino”, Buenos Aires, Argentina. MUSEO URBANO POGGI, Bienal, Rafaella, Santa Fé, Argentina.
2014 AREATEC, Bienal, Buenos Aires Argentina. UNIVERSIDAD DE BELGRANO, Buenos Aires Argentina. 2013 WARD, Salón Centenario, Buenos Aires, Argentina.
2012 FUNDACION M. FORCADA, Agrupación “144 cómplices”, Navarra, España. GALERIA DOSMILVACAS, Agrupación “144 cómplices”, Ponferrada, España. GALERIA ARTE MENUDO, Agrupación “144 cómplices”, Lugo, España. SARA GARCIA URIBURU, “Saratón” (feria de arte), Buenos Aires, Argentina. POP AP ART EVENT, curada por Violeta Quesada y Kenia Mihura, Buenos Aires, Argentina. PACO URONDO, Exposición de Graduados Prilidiano Pueyrredón, Buenos Aires, Argentina.
2010 CHEZ VAUTIER. “Del piso al techo”, curada por Eduardo Stupia, Buenos Aires, Argentina. CARLA REY Y TAGLIT. “Aviones intervenidos”, Buenos Aires, Argentina. CHEZ VAUTIER. “El diorama del mundo”, curada por David Nahon, Buenos Aires, Argentina. ARTE BA / BARRIO JOVEN. Galería Chez Vautier. Buenos Aires, Argentina.
2009 MUSEO BENITO QUINQUELA MARTIN. Salón de pintura. Buenos Aires, Argentina. CENTRO CULTURAL RECOLETA. Premio Estímulo Bonifacio del Carril. Bs. As., Argentina.
2008 GALERIA BACANO, “9 artistas en estado natural”. Buenos Aires, Argentina. APICE ARTE, “Ellos”, Buenos Aires, Argentina.
Adriana Ablin Taller de Arte Juncal 685, C1001 CABA, Argentina
“It seems to me that the modern painter cannot express this age, the airplane, the atom bomb, the radio, in the old forms of the Renaissance or of any other past culture.” —Jackson Pollock
Abstract Expressionism signaled a new age of American artistic expression in the immediate postwar period (the late 1940s and 1950s). Though never a formal movement or school, “AbEx” grouped together artists—including Jackson Pollock, Willem de Kooning, Mark Rothko, and Clyfford Still, amongst others—with interest in spontaneity, monumental size, the individual psyche, and universal expressions of feeling. Historically, AbEx has been broken into two tendencies: Gestural Abstraction (or Action Painting), which emphasized the energy of the painter’s mark, and Color Field Painting, which focused on the creation of vast, seemingly floating areas of color. The rise of Abstract Expressionism has been attributed to the influence of European movements like Cubism and Surrealism, which reached New York in the 1930s and ’40s via museum exhibitions, academic institutions, and the stateside relocation of many major European artists due to World War II.
Abstract expressionism is a post–World War II art movement in American painting, developed in New York in the 1940s. It was the first specifically American movement to achieve international influence and put New York City at the center of the western art world, a role formerly filled by Paris.
Report AdIt is a widely accepted notion among painters that it does not matter what one paints as long as it is well painted. This is the essence of academic painting. However, there is no such thing as good painting about nothing.
Summary of Abstract Expressionism
“Abstract Expressionism” was never an ideal label for the movement, which developed in New York in the 1940s and 1950s. It was somehow meant to encompass not only the work of painters who filled their canvases with fields of color and abstract forms, but also those who attacked their canvases with a vigorous gestural expressionism. Still Abstract Expressionism has become the most accepted term for a group of artists who held much in common. All were committed to art as expressions of the self, born out of profound emotion and universal themes, and most were shaped by the legacy of Surrealism, a movement that they translated into a new style fitted to the post-war mood of anxiety and trauma. In their success, these New York painters robbed Paris of its mantle as leader of modern art, and set the stage for America’s dominance of the international art world.
Key Ideas
Political instability in Europe in the 1930s brought several leading Surrealists to New York, and many of the Abstract Expressionists were profoundly influenced by Surrealism’s focus on mining the unconscious. It encouraged their interest in myth and archetypal symbols and it shaped their understanding of painting itself as a struggle between self-expression and the chaos of the subconscious.
Most of the artists associated with Abstract Expressionism matured in the 1930s. They were influenced by the era’s leftist politics, and came to value an art grounded in personal experience. Few would maintain their earlier radical political views, but many continued to adopt the posture of outspoken avant-gardists.
Having matured as artists at a time when America suffered economically and felt culturally isolated and provincial, the Abstract Expressionists were later welcomed as the first authentically American avant-garde. Their art was championed for being emphatically American in spirit – monumental in scale, romantic in mood, and expressive of a rugged individual freedom.
Although the movement has been largely depicted throughout historical documentation as one belonging to the paint-splattered, heroic male artist, there were several important female Abstract Expressionists that arose out of New York and San Francisco during the 1940s and ’50s who now receive credit as elemental members of the canon.
Abstract Expressionism is a term applied to a movement in American painting that flourished in New York City after World War II, sometimes referred to as the New York School or, more narrowly, as action painting. The varied work produced by the Abstract Expressionists resists definition as a cohesive style; instead, these artists shared an interest in using abstraction to convey strong emotional or expressive content.
Abstract Expressionism is best known for large-scale paintings that break away from traditional processes, often taking the canvas off of the easel and using unconventional materials such as house paint. While Abstract Expressionism is often considered for its advancements in painting, its ideas had deep resonance in many mediums, including drawing and sculpture.
America in the 1950s
Abstract Expressionism emerged in a climate of Cold War politics and social and cultural conservatism. World War II had positioned the United States as a global power, and in the years following the conflict, many Americans enjoyed the benefits of unprecedented economic growth. But by the mid-1950s the spirit of optimism had morphed into a potent mix of power and paranoia. Fueled by the fear of Communist infiltration, Senator Joseph McCarthy of Wisconsin unleashed a series of “witch-hunts” against alleged Communist sympathizers. Any hint of subversion could make an individual suspect. One scholar later reflected: “It is ironic but not contradictory that in a society…in which political repression weighed as heavily as it did in the United States, abstract expressionism was for many the expression of freedom: the freedom to creative controversial works of art, the freedom symbolized by action painting, by the unbridled expressionism of artists completely without fetters.”1
Abstract Expressionist Artists in New York City
Abstract Expressionism marked the beginning of New York City’s influence as the center of the Western art world. The world of the Abstract Expressionist artists was firmly rooted in Lower Manhattan. A walk along 8th Street would take you from the Waldorf Cafeteria, where penniless artists made “tomato soup” from the free hot water and ketchup; past the Hans Hofmann School of Fine artists founded by the painter of the same name; to The Club, a loft where lectures and heated arguments about art carried on late into the night. Jackson Pollock’s studio was on East 8th Street, Willem de Kooning’s and Philip Guston’s were on East 10th, and although Franz Kline moved among various homes and studios in the area, most nights found him and many of his contemporaries at the Cedar Street Tavern on University Place.
Abstract Expressionism and Jazz Many artists are influenced by the music of their time. Jazz was improvisational and expressive, and several Abstract Expressionists, including Jackson Pollock, cite listening to the music while painting. Norman Lewis worked in Harlem, a predominantly African American neighborhood in New York City known for its artistic, musical, and literary accomplishments, and he often depicted Harlem jazz clubs in his early figurative works. His later abstract paintings seem to integrate the lyricism and spontaneity of jazz. Comparing his technique with that of legendary trumpeter Miles Davis, Willem de Kooning once wrote: “Miles Davis bends the notes. He doesn’t play them, he bends them. I bend the paint.”
CURATOR’S VOICE ART PROJECTS CURATOR’S VOICE ART PROJECTS (CVAP) is in Miami, Florida, USA, where all the leading contemporary art galleries present the most avant-garde shows in South Florida. CURATOR’S VOICE ART PROJECTS focuses on curatorial projects in Cutting Edge and Contemporary Art. CVAP is lead by Miami-based curator Dr. Milagros Bello, director and chief curator of this space. Dr. Bello obtained a Doctorate in Sociology of Art, and a French Master degree in Art History, both at Sorbonne University. She teaches art at South Florida Universities. She writes about art on different media. She has worked as an independent curator in the arts for over 20 years. CVAP is committed to fostering the contemporary arts and in presenting curatorial exhibitions focused on new art practices. CVAP invites other curators to submit curatorial projects based on quality and artistic strength. CVAP is conceived as a platform set as a debate and dialogue on modern-postmodern part, from cutting edge to classic, juxtaposing and contrasting current works and new tendencies. In CVAP all exhibitions are curated and adhere to a theoretical point of view.
About Selling contemporary international, national and local artists. Art coaching and art training for artists. Art courses in history of art and contemporary
Company Overview Gallery fosters contemporary art. It presents curated shows. It presents art talks, guided tours, art courses, lectures in art. Curator Dr Milagros Bello coaches artists in the development of their careers
Aqua Art Miami – Wednesday, December 4th from 3:00pm to 10:00pm at the Aqua Hotel (1530 Collins Avenue) in Miami Beach. Aqua’s unique environment – in a classic South Beach hotel with spacious exhibition rooms that open onto a breezy, intimate courtyard – has become a favorite gathering spot for collectors, curators and art lovers to discover fresh talent and acquire new works while exchanging cultural ideas and forming meaningful connections.
about AQUA
Aqua’s unique environment – in a classic South Beach hotel with spacious exhibition rooms that open onto a breezy, intimate courtyard – has become a favorite gathering spot for collectors, curators and art lovers to discover fresh talent and acquire new works while exchanging cultural ideas and forming meaningful connections.
Aqua Art Miami, which will kick off with a VIP Preview on Wednesday, December 4 and open to the public December 5 – 8, has become the premier destination for prominent collectors and art aficionados to procure works by young, emerging and mid-career artists. Throughout the years, Aqua Art Miami has continued to solidify itself as a completely unique art fair, consistently staying true to its signature relaxed yet energetic vibe. The 15th anniversary edition features 60 international exhibitors showcasing fresh new works, and set in the intimate exhibition rooms that open into a beautiful courtyard, all within a classic South Beach hotel.
CONTEXT Art Miami – Tuesday, December 3rdh from 4:30pm to 10:00pm at The Art Miami Pavilion (One Miami Herald Plaza @ NE 14th Street) in Downtown Miami on Biscayne Bay. CONTEXT Art Miami Announces 2019 Exhibitor List (Miami, Florida – December 3, 2019 – December 8, 2019) (MIAMI, FL – September 16, 2019) – CONTEXT Art Miami (www.contextartmiami.com) the international contemporary fair dedicated to the development and reinforcement of emerging and mid-career artists, has announced the 2019 exhibitor list for its eighth edition. Taking place December 3 – 8, 2019, the fair will feature 96 galleries from 28 countries including Australia, Brazil, Canada, Colombia, Cuba, Denmark, France, Germany, Greece, Hungary, Israel, Italy, Japan, Mexico, Nigeria, The Netherlands, South Africa, South Korea, Spain, Ukraine, United Kingdom and United States. This year’s fair will kick off with an invitation-only Platinum VIP Preview for top collectors, curators, and members of the press on Tuesday December 3rd, from 4:30PM – 6:00PM to benefit the Pérez Art Museum Miami (PAMM). The VIP Preview will open for all VIP Cardholders at 6:00PM and continue until 10PM. This is the ninth consecutive year that PAMM has been the fair’s exclusive VIP Preview benefactor and Art Miami LLC has already donated more than $200,000 to further the museum’s collection and mission. The partnership remains an integral part of the Art Miami Group’s larger commitment to the city of Miami. CONTEXT Art Miami continues to develop and push boundaries on the conversation about contemporary art. The Fair offers an exceptionally strong platform for collectors to discover and acquire fresh and significant works in today’s primary art market from emerging and established galleries. The fair will be held alongside Art Miami at the prestigious waterfront location of One Miami Herald Plaza on Biscayne Bay, nestled between the Venetian and MacArthur Causeways in the heart of Downtown Miami. The 2019 edition welcomes new exhibitors including: Everard Read, Cape Town making their Miami debut with a selection of contemporary artists including Liza Groble, who through her participatory environments, explores the interactions between the physical presence of the viewer, the space in which the work is experienced and the constructed form. Chimento Contemporary from Los Angeles is presenting the work of Pamela Smith Hudson. Pamela’s stylistic abstractions explore her own city living experience through an arch of topographical minimalism work. Gallery SU: from Seoul will present the work of Fay Shin. metroquadro from Torino/Miami will present the new body of work by artist Monique Rollins. HOFA from London/Los Angeles/Mykonos, is presenting a group of contemporary artists including Wang Miling, whose work explores perception of external surroundings through reforming the structure of how one sees and perceives. Galerie Koo from Hong Kong is presenting the work of French-Swiss Amélie Ducommun, whose work lies mainly in a questioning of memory, perception of landscape and the interrelationship of natural elements. AHA Fine Art from New York is presenting the work of Jen Dwyer, a contemporary artist who makes socially engaged multidisciplinary work in relation to current social issues. SMO Contemporary Art Ventures from Lagos is presenting the work of Nigerian artists Olumide Onadipe, one of Africa’s finest mixed media experimental artists today. Anthony Brunelli Fine Arts, from Binghamton is presenting a group of contemporary artists including British artist Jamie Salmon. From Chile, Galeria Animal is presenting British artist Jamie Salmon. From Chile, Galeria Animal is presenting Pablo Benzo. Aurora Vigil-Escalera Art Gallery from Gijón will debut with work by Ismael Lagares, Pablo Armesto, Jorge Hernández among others. New works from returning galleries include: Eike König presented by Heitsch Gallery, Munich. Diana Copperwhite presented by 532 Gallery Thomas Jaeckel, New York. Vanessa Barragão presented by Galeria Casa Cuadrada, Bogota. Luis Selem presented by Galeria Alfredo Ginocchio, Mexico City. Daniele Papuli presented by GALLERIA STEFANO FORNI, Bologna. Kim Cogan is presented by Hashimoto Contemporary, San Francisco. Salustiano presented by Galerie Benjamin Eck, Munich. Luis Efe Velez presented by The light Gallery, Medellin. Matthias Verginer presented by Liquid art system, Capri. 2019 CONTEXT ART MIAMI EXHIBITOR LIST 532 Gallery Thomas Jaeckel | New York; ABCYNTH GALERIE | Lille; Able Fine Art NY Gallery | New York; AHA Fine Art | New York; Ai Bo Gallery | New York; Aldo Castillo Gallery | Estero; Analog Contemporary | Philadelphia; Anthony Brunelli Fine Arts | Binghampton; art space SAY | Seoul; Aurora Vigil-Escalera Art Gallery | Gijón; BEL AIR FINE ART | Miami; BLANK SPACE | New York; Blink Group Fine Art Gallery | Miami; Bruce Lurie Gallery |Los Angeles; Castle Fitzjohns | New York; Chiefs & Spirits |The Hague; Chimento Contemporary | Los Angeles; CHUNG JARK GALLERY | Seoul; Connect Contemporary | Atlanta; Counterpoint Contemporary | Bridgehampton; Cube Gallery | London; District & Co. The Gallery | Santo Domingo; ELKA BRONNER GALLERY | Guethary; Emmanuelle G. Contemporary | Greenwich; ESTUDIO ARTE CONTEMPORANEO | Havana; ETERNITY GALLERY | Miami; Evan Lurie Gallery | Carmel; Everard Read |Cape Town; Fabrik Projects |Los Angeles; FREDERIC GOT | Paris; french art studio | London; Galeria Alfredo Ginocchio | Mexico City; Galeria Animal | Santiago; Galería Casa Cuadrada | Bogotá; Galeria Contrast | Barcelona; Galeria La Sala | Santiago; Galerie Artima | Paris; Galerie Barrou Planquart | Paris; Galerie Benjamin Eck | Munich; Galerie Brésil | São Paulo; Galerie Calderone Dinard; Galerie heissingsart | Luebeck; Galerie Koo |Hong Kong; Galerie LeRoyer |Montreal; Galeries Bartoux | New York; GALLERIA STEFANO FORNI | Bologna; Gallery AE | Namyangju-si; GALLERY ARTPARK | Karlsruhe; Gallery BK | Seoul; Gallery G-77 | Kyoto; GALLERY SU: | Seoul; Gallery TABLEAU | Seoul; Gallery83 – Kyiv; GAMA GALLERY | Istanbul; GW Gallery | São Paulo; Hashimoto Contemporary | New York; HAVOC Gallery | Burlington; Hazelton Galleries | Toronto; HEITSCH GALLERY | Munich; HOFA Gallery | Los Angeles; In The Gallery | Copenhagen; K+Y gallery | Paris; Khankhalaev Gallery | Moscow; Liquid art system | Capri; Lise Braun collection | Paris; Liss Gallery | Toronto; Luan Gallery | Seoul; Lustre Contemporary |Toronto; Marcel Katz Art | Miami; Melissa Morgan Fine Art | Palm Desert; metroquadro | Torino; MRG Fine Art | Los Angeles; NB7 | Madrid; NINE Gallery | Gwangju; NOX Contemporary Art Gallery | Tel Aviv; Oliver Cole Gallery | Miami; PEIMBERT ART GALLERY | Los Angeles; Peritechnon Karteris | Athens; Projects Gallery | Miami; Rebecca Hossack Art Gallery | London; Retrospect Galleries |Byron Bay; RHODES | London; Samuel Owen Gallery Greenwich; Simons Gallery | The Hague; SMO Contemporary Art Ventures | Lagos; Space1326 | Seoul; Spoke Art | San Francisco; Station 16 Gallery | Montreal; ten|Contemporary | Nevada City; The light Gallery | Medellin; Ural Vision Gallery | Yekaterinburg; VK Gallery | Amsterdam; Winterowd Fine Art | Santa Fe; Woolff Gallery | London; ZK Gallery | San Francisco
Alongside the Main section, the 2019 edition will feature a series of dynamic exhibitions, solo presentations, sound, video, and sculptures throughout the fair and public outside areas. The Fair will also have these programs and details for Special Projects announced via press release in October. CONTEXT Sculpture Park is a dynamic curated program for installations and sculptures works by artists represented by 2019 exhibitors. The program will be presented a cutting-edge and innovative developments in contemporary sculpture throughout the fair public outside areas. CONTEXT Video is an energetic curated program for video art, experimental film and moving image works by artists represented by 2019 exhibitors. The program will be present a contemporary view on the medium, and will be presented within the main floor of the fair. CONTEXT Sound Positions started at CONTEXT Art Miami in 2014, and since then it has been a strong platform for the presentation of Sound Art in our fair editions in Miami and New York. Sound Positions creates an intimate experience for listening to work of emerging and established sound artists. The program will be presented within the main floor of the fair. Fair Hours: ● Opening Night Platinum VIP Preview | Tuesday, Dec 3: 4:30PM – 6:00PM ● Opening Night VIP Preview | Tuesday, Dec 3: 6:00PM – 10PM ● General Admission | Wednesday, Dec. 4 – Sat, Dec. 7, 11AM –8PM; Sunday, Dec. 8; 11AM – 6PM Location: The CONTEXT Art Miami Pavilion, One Herald Plaza @ NE 14th Street, Downtown Miami. On Biscayne Bay between the Venetian & MacArthur Causeways TRANSPORTATION ● A courtesy shuttle from the fairs to the JW Marriott Marquis and the Perez Art Museum Miami will operate during fair hours for Art Miami and CONTEXT Art Miami For more information, please call 1.305.517.7977, email [email protected] or visit http://www.contextartmiami.com.
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VIP RELATIONS, MARKETING, SPONSORS + PARTNERS Pamela Cohen, Director of Marketing, VIP Relations & Sponsorship [email protected] MEDIA RELATIONS R. Couri Hay Creative Public Relations, T: (212) 580-0835 Contact: Denise Finnegan ([email protected]) ABOUT CONTEXT ART MIAMI: Context Art Miami is the sister fair to Art Miami dedicated to the development and reinforcement of emerging and mid-career artists. Launched in 2012, CONTEXT Art Miami’s open atmosphere creates a meaningful dialogue between artists, galleries and collectors while providing the ultimate platform for the presentation of mid-career, emergent and cutting-edge talent by emerging and established galleries. Ninety-five international galleries, vetted by the CONTEXT Art Miami Selection Committee, exhibit highlights from their gallery programs, solo artist exhibitions and curated projects. The combined efforts of CONTEXT Art Miami and Art Miami provide a unique and alternative opportunity for leading primary dealers and their artists to be marketed and promoted internationally during the most important week for contemporary art in America. About Informa Markets: Informa Markets creates platforms for international markets to trade, innovate and grow. Through over 500 leading brands, their exhibitions, specialist digital content and data solutions allow customers operating in specialist markets to meet and trade, and for their businesses and markets to thrive. Informa Markets has over 4,000 colleagues worldwide, with a large presence in markets including the US, Brazil, Dubai, India and China https://informa.com/divisions/informa-markets About Informa: Informa PLC is a leading, international business to business information services group, operating in over 30 countries. We create transaction-led exhibitions and content-based events, specialist data, intelligence and marketing services products, as well as scholarly research and specialist reference-led academic content. Informa is listed on the London Stock Exchange and is a member of the FTSEhttps://informa.com/
ART MIAMI CELEBRATES 30TH EDITIONAMERICA’S FOREMOST CONTEMPORARY ART SHOW PRESENTS MORE THAN 170 INTERNATIONAL GALLERIES
Art Miami – Tuesday, December 3th from 4:30pm to 10:00pm at The Art Miami Pavilion (One Miami Herald Plaza @ NE 14thStreet) in Downtown Miami on Biscayne Bay.
In its 30th edition, Art Miami maintains a preeminent position in America’s modern and contemporary art fair market and is globally recognized as a primary destination for the acquisition of the most important works from the 20th and 21st centuries.
Art Miami, returning for its 30th edition on December 3–8, 2019, has announced its 2019 exhibitor list. Recognized as one of the preeminent international modern and contemporary art fairs, Art Miami will showcase an array of iconic and important art works, dynamic projects and special installations from more than 170 international galleries from nearly 22 countries representing 69 cities. This year’s fair will kick off with an invitation only Platinum VIP Preview for top collectors, curators, and members of the press on Tuesday, December 3rd, from 4:30PM – 6:00PM to benefit the Pérez Art Museum Miami (PAMM). The VIP Preview will open for all VIP Cardholders at 6:00PM and continue until 10PM. This is the tenth consecutive year that PAMM has been the fair’s exclusive VIP Preview benefactor and Art Miami has already donated more than $200,000 to further the museum’s collection and mission. The partnership remains an integral part of Art Miami’s larger commitment to the city of Miami. Art Miami is the top ranked international art fair for attendance in the U.S. and second most attended globally, visited annually by established and budding collectors, curators, museum professionals, members of the press and art world luminaries. For the third year, the fair will be held at the prestigious waterfront location of One Miami Herald Plaza on Biscayne Bay nestled between the Venetian and MacArthur Causeways in the heart of Downtown Miami. The 2019 line-up will present the finest investment quality paintings, photography, prints, drawings, design, sculpture and video art, with works from the 20th and 21st centuries. The fair will feature leading international galleries showcasing renowned modern masters and blue-chip contemporary works, as well as the most sought-after living artists from around the world. Thousands of works from more than 900 artists will be on display at this year’s Art Miami, including Marcel Duchamp, Wilfredo Lam, David Hockney,Jackson Pollock, Joseph Albers, Alexander Calder, Yayoi Kusama, Anish Kapoor, Robert Rauschenberg, Jeff Koons, Pablo Picasso, Willem de Kooning, Roy Lichtenstein, John Chamberlain, Damien Hirst, Marc Chagall, Donald Judd, Ed Ruscha, Michelangelo Pistoletto, Donald Sultan , Gerhard Richter, Andy Warhol, Keith Haring, Frank Stella, Richard Serra, Salvador Dali, Kenneth Noland, and many more.
2019 PARTICIPATING GALLERIES
3 Punts Galeria | Barcelona; Adelson Galleries | New York; Allouche Gallery | New York; AMS | Santiago; Amy Li Gallery | Beijing; Andrea Schwartz Gallery | San Francisco; Andreas Binder Gallery | Munich; Anna Zorina Gallery | New York; Arcature Fine Art | Palm Beach; ARCHEUS/POST-MODERN | London; ART NOUVEAU GALLERY | Miami; Art of the World Gallery | Houston; Art Park | Seoul; Arthur Roger Gallery | New Orleans; ARTITLEDcontemporary | Oslo; Artscape Lab | Miami; Ascaso Gallery | Miami; Atelier Aki | Seoul; Avant Gallery | Miami; Axel Pairon Gallery | Knokke; Barbara Paci Galleria d’Arte | Pietrasanta; Bernice Steinbaum Gallery | Coconut Grove; Berry Campbell | New York; BOCCARA ART | New York; BOGENA GALERIE | Saint-Paul de Vence; Bowman Sculpture | London; C. Grimaldis Gallery | Baltimore; C24 Gallery | New York; Casterline|Goodman Gallery | Aspen; Catherine Edelman Gallery | Chicago ; Cavalier Ebanks Galleries | New York; Caviar20 | Toronto; Cernuda Arte | Coral Gables; Chase Contemporary | New York; Christopher Cutts Gallery | Toronto; Citco | Verona; CONNERSMITH | Washington, DC; Contessa Gallery | Palm Beach; Cynthia Corbett Gallery | London; David Benrimon Fine Art | New York; David Klein Gallery | Detroit; Dean Project | Miami Beach; Debra Force Fine Art | New York; Diana Lowenstein Gallery | Miami; DIE Galerie | Frankfurt/Main; Donghwa Ode Gallery | New York; DS Projects | Miami; Duran|Mashaal | Montreal; Durban Segnini Gallery | Miami; Espace Meyer Zafra | Paris; Ethan Cohen Gallery | New York; Fabien Castanier Gallery | Los Angeles; Flowers Gallery | New York; Forum Gallery | New York; Foster Gwin Gallery | San Francisco; FREDERIC GOT | Paris; Fremin Gallery | New York; Galería Casa Cuadrada | Bogotá; Galeria de Arte Ascaso | Caracas; Galeria Duque Arango | Bogotá; Galeria Freites | Caracas; Galería La Cometa | Bogotá; GALERIA MIQUEL ALZUETA | Barcelona; Galerie Barbara von Stechow | Frankfurt-Main; Galerie Bhak | Seoul; Galerie de Bellefeuille | Montreal; Galerie Ernst Hilger GmbH | Vienna; Galerie Forsblom | Helsinki; Galerie Francesco Vangelli De Cresci | Paris; Galerie Mark Hachem | Paris; GALERIE ROTHER WINTER | Wiesbaden; Galerie Terminus GmbH | Munich; Galerie Thomas Fuchs | Stuttgart; GALLERIA CA’ D’ORO | Rome; Galleria Luigi Proietti | Milan; Galleria Seno | Milan; Gallery Delaive | Amsterdam; Gallery Henoch | New York; Gallery TABLEAU | Seoul; Gerald Peters Contemporary | Santa Fe; Gilden’s Art Gallery | London; Goya Contemporary Gallery | Baltimore; Grosvenor Gallery | London; HackelBury Fine Art | London; Hashimoto Contemporary | New York; Heather Gaudio Fine Art | New Canaan; Heller Gallery | New York; Helwaser Gallery | New York; HEXTON | Modern and Contemporary | Chicago; HOHMANN | Palm Desert; Holden Luntz Gallery | Palm Beach; Hollis Taggart | New York; Horrach Moya | Palma de Mallorca; James Goodman Gallery | New York; Jerald Melberg Gallery | Charlotte; Jerome Zodo Gallery | London; JONATHAN FERRARA GALLERY | New Orleans; Jonathan Novak Contemporary Art | Los Angeles; Katharina Rich Perlow Fine Arts | New York; Keumsan Gallery | Seoul; Kuckei + Kuckei Gallery | Berlin; LESLIE FEELY | New York; LICHT FELD Gallery | Basel; Liquid Art System | Capri ; Long-Sharp Gallery | Indianapolis; Louis K. Meisel Gallery | New York; LUDORFF | Dusseldorf; Luz Art Space | Miami Beach; Lyndsey Ingram | London; Maddox Gallery | London; Mark Borghi | New York; Markowicz Fine Art | Miami; Martinelli Art Gallery | Milan; Masterworks Fine Art Gallery | Oakland; Maybaum Gallery | San Francisco; Michael Goedhuis | London; Mizuma Art Gallery | Tokyo; MODERNISM Inc. | San Francisco; Nancy Hoffman Gallery | New York; NanHai Art | San Francisco; Olga Korper Gallery | Toronto; Omer Tiroche Gallery | London; Onishi Gallery | London; OPERA GALLERY | Miami; Osborne Samuel | London; Pablo Goebel Fine Arts | Mexico City; Pan American Art Projects | Miami; PENTIMENTI GALLERY | Philadelphia; PLACIDO/SCOGNAMIGLIO | Milan; Polka Galerie | Paris; Pontone Gallery | London; Praxis | New York; Priveekollektie Contemporary Art I Design | London; PYO Gallery | Seoul; QG Gallery | Brussels; Ranivilu Art Gallery | Miami; Raphael | Frankfurt; Robert Fontaine | Miami Beach; Rosenbaum Contemporary | Miami; Rosenberg & Co. | New York; Rosenfeld Gallery | New York; RUDOLF BUDJA GALLERY | Miami Beach ; RUKAJ GALLERY | Toronto; Schacky | Dusseldorf; SCOGNAMIGLIO/GUASTALLA | Milan; Shapero Modern | London; Simoens Gallery | Knokke; Simon Capstick-Dale | New York; Sims Reed Gallery | London; Skipwiths | London; Sladmore | London; SmithDavidson Gallery | Miami; Sous Les Etoiles Gallery | New York; Sponder Gallery | Boca Raton; Sundaram Tagore Gallery | New York; Surovek Gallery | Palm Beach; TAI Modern | Santa Fe; Tanya Baxter Contemporary | London; Taylor | Graham | New York; The Bonnier Gallery | Miami; Timothy Yarger Fine Art | Beverly Hills; Tresart | Miami; UNIX Gallery | London; Vallarino Fine Art | New York; Vertes | Zurich; Vertu Fine Art | Boca Raton; Vroom & Varossieau | Amsterdam; Waltman Ortega Fine Art | Miami – Paris | Miami; | Wanrooij Gallery | Amsterdam; Watanuki Ltd | Tokyo; WATERHOUSE & DODD | New York; Wellside Gallery | Seoul; Wexler Gallery | Philadelphia; William Weston | London; Yufuku | Tokyo; Zemack Contemporary Art | Tel Aviv; Zolla I Lieberman Gallery | Chicago
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LocationThe Art Miami PavilionOne Herald Plaza @ NE 14th Street | Miami, FL 33132On Biscayne Bay between the Venetian & MacArthur Causeways. Platinum VIP Preview by invitation onlyTuesday, Dec 3 | 4:30PM-6:00PM VIP PreviewTuesday, Dec 3 | 6:00PM–10PMAdmission for Art Miami | CONTEXT Art Miami | Aqua Art Miami VIP Cardholders and Press General AdmissionWednesday, Dec 4 – Saturday, Dec 7 | 11AM–8PMSunday, Dec 8 | 11AM–6PM Courtesy ShuttleA courtesy shuttle from the fairs to the JW Marriott Marquis and the Perez Art Museum Miami will operate during fair hours. For more information1.800.376.5850 | [email protected] | www.artmiami.com
El arte urbano como exploración de la cotidianidad. Consideraciones a partir de la obra de Rafael Montilla
URBAN ART AS AN EXPLORATION OF EVERYDAYNESS. CONSIDERATIONS FROM THE WORK OF RAFAEL MONTILLA
Resumen
El presente artículo analiza el arte urbano desde una perspectiva sociocultural y comunicacional que permite abordar la ciudad y pensar el espacio público. La cotidianidad inserta en este plano de reflexión ofrece algunas pistas para aproximarnos a la triada artista-obra-comunidad a partir del trabajo de Rafael Montilla, quien ha asumido la calle como un soporte que amplía el alcance de su propuesta y establece vínculos con los espectadores, al tiempo que desafía la recepción pasiva y la monotonía de la urbe. Estos planteamientos estimulan la observación y la sensibilidad, centrando la atención en los puntos de encuentro y la sutil brecha que emerge entre lo individual y lo colectivo, lo público y lo privado.
Abstract
This article analyzes urban art from a sociocultural and communicational perspective that allows a critical approach to the city and public space. From this standpoint, everydayness offers some clues regarding the artist-work-community triad, based on the work of Rafael Montilla. For Montilla, the street is a material support that broadens the scope of his proposal and establishes links with the spectators, while challenging passive reception and the monotony of the city. These approaches stimulate observation and sensitivity, focusing attention on the meeting points and the subtle gap that emerges between the individual and the collective, the public and the private.
El arte no es lo que ves, sino lo que haces que otros vean.
Edgar Degas
Imbuido en la inmediatez y absorto en las rutinas, el ser humano del siglo XXI ha construido una cápsula tecnológica que lo hiperconecta y aísla de forma simultánea mientras repite rutinas que loinsensibilizan y disminuyen su capacidad de asombro y observación. En este contexto, la ciudad puede pasar inadvertida dentro de la vida cotidiana a pesar de su presencia extendida en las prácticas urbanas y su influencia implícita. En muchas ciudades el contacto con el espacio se ve interrumpido, las relaciones sociales quebrantadas y las conductas solapadas por la monotonía que desdibuja el paisaje urbano y lo vuelve imperceptible, opacado y obnubilado. En estos escenarios el arte urbano irrumpe con fuerza, al punto de convertirse en puente comunicante entre el artista y los ciudadanos.
Desde el arte urbano, la ciudad es asumida como nicho de la diversidad cultural propia de las fuerzas globalizantes y localizantes, fragmentarias e integradoras —en las que bullen los conceptos de glocalización y fragmegración y, en consecuencia, genera dinámicas sociales e identidades compartidas que inciden en los modos de socialización e interacción entre las personas y entre éstas y el espacio público. El arte urbano funciona como punto de encuentro y llamado de atención, contenedor y generador de propuestas que modifican el espacio logrando relevancia y alcance. Calles y avenidas devienen en lienzos de gran formato que, a su vez, pueden entenderse como medios de comunicación visual. En ambos casos, los lazos entre lo urbano y lo comunicacional se estrechan, pues “estamos ante unos procesos urbanos que tienen cada vez más de procesos de comunicación”. En palabras de Marta Rizo “quizás sea imposible comprender los fenómenos urbanos contemporáneos sin acudir a indagaciones que pongan en juego distintos aspectos de lo comunicacional”.
Rafael Montilla, Kubes in Action, Wynwood, North Miami Ave y Calle 29, Miami, Florida.
La triangulación comunicación-arte-sociedad sostiene algunas prácticas culturales vinculadas con la cotidianidad que, en el caso del arte urbano, se focalizan en la triada artista-obra-comunidad facilitando el acercamiento con el contexto, posibilitando la proyección de las intenciones del artista y la recepción del espectador. Surge así una experiencia que alberga y produce múltiples interpretaciones, una construcción colectiva y en gerundio, inacabada y en constante proceso de resignificación, ya que como expresa Adorno, “El arte al irse transformando, empuja su propio concepto hacia contenidos que no tenía”.
El arte urbano reta el espacio y confronta los límites, desafiando la mirada indiferente que arropa la cotidianidad. Incluye propuestas que recorren la urbe a través de la apropiación y la intervención de lugares públicos que sirven de soporte a una obra que deja de ser individual y se convierte en colectiva. Este entramado impacta la cotidianidad y no es exagerado decir que también influye en la vida social, pues como afirma Ágnes Heller, “La existencia humana implica necesariamente la existencia de la vida cotidiana. No hay como desunir existencia y cotidianidad, ni como vivir totalmente inmerso en la no cotidianidad. Lo cotidiano —o mundo de la vida— es el conjunto de actividades que caracterizan la reproducción de los individuos sociales particulares, que crean posibilidad para la vida social”.
Rafael Montilla, Kubes in Action, Wynwood, Miami Design District, Calle 39 y salida de la Autopista 195, Miami, Florida.
Las exploraciones suscitadas a partir del arte urbano atañen no solamente al artista sino también a los espectadores; cada transeúnte, cada ciudadano, cada conductor se convierte en un receptor interpelado dentro de su propia dinámica. El arte urbano trasciende las estructuras convencionales, indaga, examina y reinventa, logran llegar a más personas, por lo que resulta una opción atractiva y una ruta alterna a los espacios expositivos tradicionales, tal y como señala Elena García Gayo:
Rafael Montilla, Kubes in Action, entrada de The Wynwood Walls, Miami, Florida.
Si algo es constante entre los siglos XX y XXI es la búsqueda de nuevos espacios para la expresión artística y ese es el motivo por el que cada vez más artistas salen de los museos y buscan nuevas formas y fórmulas de exposición. La calle es el ámbito social donde existe una clara necesidad por significar espacios que son cada vez más impersonales y parece el entorno idóneo para crear obstáculos visuales con propuestas artísticas atractivas. El Arte Urbano es un medio útil para vincular socialmente a las personas con el territorio, porque lo interiorizan y “se hacen a sí mismas mediante las propias acciones en un contexto sociocultural e histórico”.
Rafael Montilla, Kubes in Action, Wynwood, Calle 23, Miami, Florida.
En consonancia, el arte urbano puede ser entendido a partir de sus posibilidades expresivas, sin desestimar su irrupción en el espacio público y las subsiguientes relecturas de la ciudad en la que habita —o por la que se desplaza eventualmente— y la cotidianidad que le es inherente: “La vida cotidiana es la vida de todo hombre. Todos la viven, sin ninguna excepción, cualquiera que sea su puesto en la división del trabajo intelectual y físico. Nadie consigue identificarse con su actividad humano-general al punto de poder desconectarse completamente de la cotidianidad”.
Rafael Montilla, Kubes in Action, Wynwood, Calle 23, Miami, Florida.
El artista urbano proyecta un recorrido expositivo-receptivo en el espacio público, en el cual coexisten procesos políticos, económicos y culturales, así como relaciones sociales. Es un ámbito complejo y privilegiado de acción-reflexión en el que se insertan propuestas creativas de gran alcance y visibilidad que introducen la experiencia “trazada por la subjetividad del individuo que la vive”.
En su diálogo con el espacio, el arte urbano puede mostrar énfasis y silencios, orden y caos, transgresión y subordinación, armonía y disonancia, en fin un compendio de expresiones dicotómicas y contradictorias, diversas y polisémicas. Un aspecto singularmente relevante es que su presencia en el espacio público lo constituye en sí mismo en un llamado de atención —no en términos morales sino, más bien, desde la posibilidad de mostrarse y ser visto— como una condición consustancial y constitutiva, de aquí que la conceptualización del arte resulta desafiante y necesaria. Wladislaw Tatarkiewicz ha compilado una serie de posturas que perfilan algunas ideas del arte con miras a su comprensión:
El eslogan “El arte ha muerto” (L´art est mort) significa sobre todo la muerte del arte realizado con destreza. El arte puede ser practicado por cualquiera según le parezca. “El Arte está en la calle”, cualquier persona puede ser poeta, como solía decir Lautréamont. O como Hans Arp diría más tarde: “Todo es arte”. O como escribe el escritor polaco M. Porebski ( Ikonosfera, 1972), “Una obra de arte es cualquier cosa capaz de llamar la atención sobre sí misma”.
Rafael Montilla, Kubes in Action, Calle 83 y Avenida 77, Miami, Florida.
Estas reflexiones sobre el arte —de modo general— esbozan un recorrido que permite detenernos en el arte urbano —de modo particular— a partir de la obra de un artista que ha explorado diversos formatos con la clara e insistente tarea de acercar su propuesta a las personas. El trabajo de Rafael Montilla[11] (Caracas, 1957) se ha expuesto en ferias, museos y galerías de España, Venezuela, Canadá y Estados Unidos (Miami, Las Vegas, Nueva York) y, sin embargo, su aspiración fundamental se asocia, irrenunciablemente, al arte urbano; por eso ha tenido el atrevimiento de tomar la ciudad como soporte con la intención de estimular la contemplación y la observación, a fin de romper la rutina y la monotonía visual presentando piezas geométricas que van tejiéndose entre sí, camuflándose con el paisaje urbano, al tiempo que insinúan nuevos ritmos que inspiran, estimulan y sorprenden. La calle es, además, su vía de comunicación directa con el espectador, por eso ha afirmado que “La calle es mi galería. Las calles son mis redes sociales”. Con su propuesta Kubos in Action recorre la geografía urbana apropiándose de espacios públicos que utiliza como base de una obra que muta de lo individual a lo colectivo. Por otro lado, en The Big Bang utiliza las figuras geométricas para interpretar el origen del universo.
Rafael Montilla, Kubes in Action, salida de la Autopista 826 a la Calle 40, Miami, Florida.
Montilla indaga desde la geometría y el color las distintas personalidades que llegan a converger en una misma persona, por eso en su búsqueda confluyen el arte y la espiritualidad, asumidos como dos caras de una misma moneda. En cada uno de sus proyectos hay una clara intención: “aportar más claridad a la conversación pública sobre lo que está sucediendo en el mundo”.
Su trabajo alerta sobre las condiciones impuestas por un sistema que desatiende lo esencial: “Estaríamos mejor, si tan sólo una parte de la humanidad empezara a enfocarse más en nuestra dimensión interna”, subraya este artista que de manera espontánea se convierte en inspiración para conductores presurosos y caminantes desprevenidos, personas ancladas a miedos, a patrones implantados y capas de culpa y rechazo, temas medulares en la obra de Montilla.
Rafael Montilla, Kubes in Action, Calle 23, Miami, Florida.
Entre sus referentes se encuentran creadores como Wassily Kandinsky, Piet Mondrian, Emma Kunz, Franck Stella, Jean-Michel Basquiat o Rolando Peña “El Príncipe Negro”. Sus propuestas se aproximan a la cotidianidad y exploran el equilibrio, la depuración y la simplificación vistos como procesos internos y externos. Su obra se esparce por la ciudad trazando una cartografía de coordenadas dinámicas, estableciendo un diálogo con el espacio que estimula la observación activa a partir de la firme de convicción de hacer de la calle un área expositiva de dimensiones inconmensurables, generosa en posibilidades y desbordada en alcance. Instalaciones que irrumpen el adormecimiento de los sentidos e incorporan nuevas sensibilidades, condensadas en figuras que van conformando un cuerpo de trabajo en el que el artista fija su impronta y asienta su huella como extensión de su propia identida; los Kubos in Action son la marca reconocible que Montilla fija en diversos lugares públicos. Desde su visión, autoría y propuesta se funden, por lo que sostiene: “La obra, en sí misma, es mi propia firma”. Obra y artista fusionados en una identidad.
Rafael Montilla, Kubes in Action, Wynwood, Avenida NW 5, Miami, Florida.
La inquietud y motivación inicial de este creador se multiplican en la apropiación inusitada de que quienes miran la sutil interacción entre geografía y geometría, desprendida de una obra en la que acertadamente se adopta el cubo como cuerpo sólido y congruente, características extrapolables a la experimentación visual a través de formas, líneas y movimientos, donde lo lúdico y lo rígido parecen platicar argumentadamente, sin negar los puntos de encuentro entre el sistema y la unidad, las coincidencias entre lo macro y lo particular, aquello que se repite y lo que muta a la singularidad.
El trabajo de Montilla explora, en medio de la vida diaria, el tránsito, las tensiones y acercamientos entre lo público y lo privado, y consigue provocar y estimular reflexiones, así como ocupar y habitar espacios colectivos que reconfiguran el lenguaje de la ciudad. Su obra establece una relación entre el emisor-obra mediante un vínculo social-receptivo centrado en la enunciación-proposición decantada en la expresión creativa, de modo que su experimentación con la cotidianidad articula ejes que permiten pensar el espacio, la vida urbana y el hecho artístico desde su dimensión sociocultural y comunicacional.
Semblanza de la autora
Johanna Pérez Daza . Doctora en Ciencias Sociales, maestra en Relaciones Internacionales, licenciada en Comunicación Social. Investigadora docente del Centro de Investigaciones de la Comunicación de la Universidad Católica Andrés Bello (UCAB) y del Instituto de Investigaciones de la Comunicación (ININCO) de la Universidad Central de Venezuela (UCV). Dirige la Revista Temas de Comunicación (UCAB). Coautora del libro La diversidad de la mirada. Reflexiones sobre fotografía y cultura visual . Ha sido coordinadora de la maestría en Comunicación Social, del GT “Comunicación, Arte y Sociedad” y editora del Anuario ININCO (UCV).
Curated by Quinn Dukes December 5-8, 2019 2210 NW Miami Court, Miami, FL (Wynwood District)
We are thrilled to announce our durational performance art and video performance selections for this year’s Alive at Satellite Miami during Miami Art Basel Week 2019. All live performances will feature performance artists exploring durational performance actions. Durational performance allows artists the ability to employ repetition and endurance. Within an extended timeframe, conceptual actions can be more deeply explored allowing for discovery both within the artist and viewer. Durational performances will be presented by Coorain (Atlanta, GA, USA), Rae Goodwin (Lexington, KY, USA), Kiyo Gutiérrez (Guadalajara, Mexico), Amanda Kleinhans (Tallahassee, FL, USA) and Ginger Wagg + Mike Dimpfl (Carrboro, NC, USA).
Our Alive at Satellite Miami programming will also feature video performance projects from Sylvain Souklaye (Copenhagen/Denmark), El Putnam (Galway, Ireland), Katina Bitsicas (Columbia, MO, USA), Lariel Joy (Chicago, IL, USA) and L’Idylle | arts vivants (Montreal, Canada). This diverse selection of performative video works investigate a wide-range of social and political topics. Sylvain Souklaye’s vulnerable video highlights the negative influence of digital stimulus. El Putnam explores the future of Irish borders post Brexit. Katina Bitsicas offers an opportunity for a heart transplant survivor to reclaim and transform traumatic hospital experiences. Lariel Joy draws on their traditional Korean heritage in the age of diaspora. And the Montreal-based collaborative, L’Idylle | arts vivants proudly celebrate LGBTQ+ diversity.
We look forward to seeing you back in Miami for Satellite Art Show’s fifth edition during Miami Art Week!
PERFORMANCE IS ALIVE PROGRAMMING SCHEDULE Thursday, December 5 LIVE PERFORMANCE 6:00PM- 9:00PM Coorain (Atlanta, GA, USA), Easy as a Wipe! SCREENINGS 9:00PM-10:00PM Featuring: Sylvain Souklaye (Copenhagen/Denmark), automated pain?,EL Putnam (Galway, Ireland), Dissolution, Katina Bitsicas (Columbia, MO, USA), The Intruders, Lariel Joy (Chicago, IL, USA), New Wxman Inscriptions #4
Friday, December 6 LIVE PERFORMANCE 6:00PM- 8:00PM Kiyo Gutiérrez (Guadalajara, Mexico), Derrame/Spill 8:00PM FEATURED SCREENING L’Idylle | arts vivants (Montreal, Canada), PRIDE.forms SCREENINGS 9:00PM-10:00PM Featuring: Sylvain Souklaye (Copenhagen/Denmark), automated pain?,EL Putnam (Galway, Ireland), Dissolution, Katina Bitsicas (Columbia, MO, USA), The Intruders, Lariel Joy (Chicago, IL, USA), New Wxman Inscriptions #4
Saturday, December 7 LIVE PERFORMANCES 1:00PM- 8:00PM Rae Goodwin (Lexington, KY USA), precarity (story circle of one) 8:30PM- 10:00PM Amanda Kleinhans (Tallahassee, FL, USA), Try and Make it Work
Sunday, December 8 1:00PM- 4:00PM Ginger Wagg and Mike Dimpfl (Durham, NC, USA), Leaving Impossible Things Unattended: Human/Plastic/Ball
Tomar las calles como escenario para la obra artística, tanto en las zonas privilegiadas como en las marginales, es una forma de apropiarse de la ciudad arrebatada por el capital industrial, comercial e inmobiliario. Esta acción que los creadores artísticos han asumido en toda su amplitud inició pintando bardas de manera invasiva e ilegal, actos que se consideraban y siguen siendo una rebelión contra el statu quo, sin embargo cuando el Estado decidió autorizar y reglamentar su uso “quebró” esa postura, aunque no de manera total.
A partir de la legalidad “conquistada” estas producciones se han normalizado en tanto que la mancha urbana generada por la mafia inmobiliaria grande y pequeña continúa su expansión. Aun así, las acciones artísticas urbanas legales son impensables en las zonas chicdonde se centrifican las actividades comerciales y financieras, lo que muestra claramente que también forma parte de una lucha de clases.
Para los creadores, alejados o no del mainstream de las galerías, la calle es un espacio donde todos caben, un gran aparador donde se pueden mostrar sus producciones simbólicas a públicos más amplios y populares sin pagar derecho de piso. Aunque no siempre generan ganancias para sus autores, los visibiliza ante ese mercado del arte que anhelan se vuelva a verlos y los elija; cabe aclarar que esto sólo lo hacen con algunos, los que son evaluados y calificados como talentosos y así renueven al sistema.
Las formas de “tomar la calle” han sido tan diversas como sus objetivos. Algunos lo hacen contra el arte establecido o para visibilizar problemáticas, otros por el placer de pintar o de expresarse por diversos medios.
El arte callejero inició con el grafiti, que en los primeros años era impopular e ilegal, una producción que llegó del norte del continente hacia finales de la década de 1990 como un neocolonialismo underground. Esta acción se hacía para sentir la adrenalina debido a lo clandestino y los mostraba como rebeldes ante la autoridad. Sus creadores, en la mayoría de los casos sin formación académica, fueron inicialmente rechazados por la sociedad porque sin permiso rayaban, taggeaban, escribían de manera ilegible sobre muros, puertas, bardas de casas, comercios, espacios públicos, principalmente en barrios populares de las periferias, zonas llamadas económicamente deprimidas, para marcar su territorio. Se decía que se trataba de una expresión de los marginados.
Poco a poco se fueron desplazando hacia áreas residenciales, lugares antes no pensados para representaciones de ese tipo, lo que causó que esas prácticas fueran tachadas de vandálicas. Su invasividad determinó que las zonas taggeadas fueran consideradas peligrosas, percepción que aumentaba en barrios populares, razón por la cual se empezó a perseguir a sus autores e incluso a encarcelarlos. Ante el incremento de este fenómeno los gobiernos decidieron buscar otras soluciones.
La más adecuada fue generar imágenes en lugar de grafiti o letras, lo que dio paso a grafitis-imagen o letras bien diseñadas y con color, así como murales de nueva generación. De esta forma ya no fue considerado vandálico y paradójicamente empezó a ser promocionado por diversas entidades de gobierno con excepción de algunas instituciones culturales con la meta de “regenerar” los mismos espacios donde antes se criminalizaba el tagg y la letra bomba. Esto no significó que se le calificara como arte debido a su condición callejera y popular. La norma era que sólo se concebía la ubicación de ese tipo de producciones en museos, espacios de gobierno o escuelas, no en sitios populares, por lo que esas expresiones no le interesaban al mercado del arte y la academia ni se volvía a verlas.
Con el tiempo, el crecimiento de estas producciones motivó que se desarrollaran estudios y teorías, dentro de las cuales la categoría arte se volvió movediza y rompió la línea entre el llamado arte culto y la producción “popular”; así, el arte desbordó sus márgenes y se convirtió en un medio para fomentar la participación y cohesión social.
Las prácticas urbanas se han expandido, son diversas, complejas y glocales abarcan expresiones musicales, escénicas y performáticas, entre otras; la diversificación en las prácticas visuales es mayor, tienen más “narrativa” y son menos efímeras. Entre las más conocidas están el “grafiti”-imagen ya mencionado, el mural y lo que llaman arte urbano, que es una mezcla de ambos. Si bien para la mayoría su soporte es el muro, los medios y los procesos creativos son diferentes; las imágenes urbanas también surgen de otros materiales como el esténcil o plantillas, o se plasman sobre papel como en los carteles, que al ser similares a productos de la publicidad no son considerados vandálicos ni invasivos. También se usa ese material para el collage o papel encolado, los carteles silueteados y las siluetas recortadas, piezas tipo papel picado, obras cuyos procesos inician en los talleres de los autores para hacer más rápida su labor al ser trasladadas al muro que desean intervenir, ya sea pegadas o pintadas. En ocasiones tienen mayor trabajo gráfico y se realizan de manera individual o colectiva. Esos medios y herramientas permiten que por su misma constitución material la imagen pueda ser repetida en diversos espacios.
Otras prácticas son menos ostentosas pero igual de discursivas como las calcomanias, pegatinas o stickers, que por su tamaño pueden ir en cualquier espacio e incluso pegarse muchas a la vez para abarcar una mayor área, en todos los casos “arrebatando” —en cierto sentido— el uso meramente comercial del espacio público.
Los artistas productores del arte urbano toman la “ciudad como lienzo” y sus paredes como altavoz para recuperar el derecho a la ciudad. Su intención es crear un nuevo paisaje urbano desde sus creaciones, explorar su cotidianidad o plasmar símbolos para la reflexión. Sin embargo los impulsores o “mecenas” tienen otra mirada, para ellos se trata de “regenerar” espacios, de “contribuir en la mejora del entorno” sobre todo en zonas económicamente deprimidas, en otras palabras, que luzcan “bonitas” y sólo eso. Así lo anota Christopher Vargas en “La participación del Mujam y del arte urbano en el proceso de regeneración de la colonia de los Doctores” cuando refiere el papel de ese museo en la “promoción” del arte urbano, un patrocinio sin mecenazgo real que intenta “revitalizar” su contexto convirtiendo a la colonia Doctores en una galería urbana, un museo al aire libre con curaduría incluida, con la posibilidad de ser un atractivo turístico y de alguna manera generar valor económico.
Ese mismo sentido tienen las instalaciones callejeras, como escribe Johanna Pérez Daza en “El arte urbano como exploración de la cotidianidad. Consideraciones a partir de la obra de Rafael Montilla”.La autora anota que situar piezas de arte en la calle es una forma de toma de ciudad que busca sorprender y asombrar al espectador, peatón o automovilista. Son más vistosas porque en muchos casos son tridimensionales e intervienen la ciudad más como entorno que como lienzo, lo que vuelve esos espacios urbanos en una galería. Los materiales para instalaciones en la calle son variados: plásticos industriales, para construcción, madera, tejidos de estambre para cubrir cualquier objeto tridimensional, pintura sobre pavimento, mosaicos pegados directamente al muro; construyen así diferentes prototipos que permiten al espectador reflexionar sobre lo que ve o al menos disfrutar esa expresión visual. ¿Buscan cuestionar su entorno? Tal vez.
Otro integrante del arte urbano es el adbusting, la contrapublicidad o antipublicidad. Los artistas urbanos que trabajan sobre esta línea van contra la propaganda comercial que se apropia del espacio público para fomentar el consumismo; los adbusters cuestionan “quién tiene derecho a comunicar en las calles o plazas de las ciudades”. Sus acciones consisten en interferir los mensajes y logos comerciales que se encuentran en vallas y carteles con el objetivo de alterarlos, distorsionarlos, editarlos, parodiarlos y de esta forma lanzar un nuevo mensaje con la misma tipografía pero cambiando la intención. Una forma de contrarrestar a una “sociedad, que adora controlar las mentes de las personas y privarlas de verdadera libertad” dice C 215. Sobre este tema escribe Pamela Xochiquetzal Ruiz Gutiérrez en “Destroy the media. La reapropiación de la imagen pública”, artículo que hace referencia a The Billboard Liberation Front de San Francisco, un colectivo que trabaja en Estados Unidos y Canadá organizando campañas como Buy Nothing Day (día de no comprar) o TV Turnoff Week (semana sin TV) e interviene anuncios publicitarios in situ y por medio del hacking para criticar de forma incisiva la producción de imágenes dentro de la cultura de masas. “El límite entre el tablón de anuncios público y la inversión inmobiliaria privada se desvanece mediante un gesto tan insignificante como una firma con rotulador”. DR D, uno de los colectivos adbuster tiene como slogan “Sal y cambia algo en el mundo real”. En sus creaciones mezclan grafiti, arte moderno, bricolaje punky y el espíritu bromista, según apunta Naomi Klein.
Adriana Dávalos en “De Electronic Billboards a pantallas urbanas para la Ciudad de México” da un giro en ese rubro y propone que se legisle en contra del uso abusivo de pantallas electrónicas de publicidad para el consumo porque ahogan avenidas y transporte público de la capital mexicana. Propone que estos dispositivos no se destinen únicamente al uso comercial sino también al ciudadano, es decir, que se haga difusión artística en esas pantallas proyectando obras de manera cotidiana —esto incluye el videomapping— sin que los autores tengan que pagar por ello. Esto se hace, dice la autora, pero sólo de manera eventual en algunos festivales como el Festival Internacional de las Luces (FILUX) o el Visual Art Week (VAW). La autora apuesta por la posibilidad de coexistencia “entre pantallas digitales comerciales y la exhibición de arte en ellas”.
Para cerrar el número se presenta el texto “Bansky: catalizador del arte contemporáneo” de Antonio Pedro Molero Sañudo. El autor toma como referente la obra mordaz de este artista de polémicas creaciones y acciones urbanas, que reta al establishment de los museos y galerías y al mismo tiempo aparenta ser parte del maistream con acciones igual de subversivas, como en su más reciente acción en la famosa galería Sotheby’s que obliga a reflexionar sobre el concepto actual de arte contemporáneo y sus paradojas.
No puedo dejar de mencionar otras intervenciones en el espacio público, no tratadas en este número pero que se están produciendo. Su característica es que debido a los materiales usados sólo destacan al anochecer. Una es el montaje de luces led sobre las señalizaciones viales y peatonales, y otra las gigantografías luminosas llamadas grafitis que sólo se pueden observar de noche en toda su magnitud por el tipo de pintura empleada. Tampoco se puede omitir hacer referencia al grafiti inverso, es decir, el que produce imágenes limpiando. Fue iniciado por Alexandre Órion en Brasil en un túnel para automóviles lleno de hollín dibujando a mano alzada con trapos húmedos calaveras tipo tzompantli, inspirado justamente “en los yacimientos arqueológicos y los muros mexicanos de calaveras”. Tenemos también la pichação que invade Brasil, un paralelo del grafti que da a las letras del alfabeto un estilo vertical.
La vida urbana es un gigantesco laboratorio de la historia, dice Marx, y el arte que se produce en las ciudades en sus diferentes modalidades forma parte de él. Los artistas que intervienen los espacios urbanos generan narrativas múltiples. Sus objetivos son diversos: expresarse, hacerlos “amables” a la vista, “embellecerlos”, interactuar con la comunidad, recuperar el espacio público usurpado por la publicidad comercial, exhibir cotidianidades, necesidades, luchas, desafiar la mirada indiferente, construir territorio e identidad, visibilizar a los invisibles, o que los invisibles vean a su paso las imágenes artísticas, lúdicas y/o cuestionadoras que otros les presentan.
En la mayoría de la producción estética de los espacios públicos los creadores ponen en crisis “la urbanidad sumisa y reproductora del orden establecido, cuyos símbolos nos salen al paso en cada esquina”, dice Alfredo Gurza en “Amor de lejos… De arte urbano y otras distopías”, ensayo que abre este número de Discurso Visual. El autor propone la necesidad de problematizar el arte urbano contemporáneo “como primer paso hacia una crítica materialista e histórica de las ideologías artísticas que permitan […] imaginar en sus prácticas estéticas, un más allá de la artisticidad burguesa y sus instituciones, a partir en las sensaciones, las percepciones, los sentimientos, la imaginación y las ideas”.En la calle todos somos anónimos; las mayorías se mueve en lugares que elegantemente llamamos espacio público, en el que convivimos o simplemente cruzamos observando imágenes que no siempre retan la mirada, a veces sólo subyugan porque son más lúdicas y porque es la manera que la gobernanza capitalista consiente como legal y permisible. Ser contestario lleva a otra dimensión, por lo que las estéticas de la calle, en ocasiones “se reducen a la estetización de las contradicciones”, nos dice Gurza.
Cursó estudios de arte en Berlín, Essen y Munich. En 1919 asiste a clases de Franz von Stuck en la Academia de Múnich. Estudiante en la Bauhaus de 1920 a octubre de 1923: curso preparatorio con Itten y, a continuación, formación en el taller de pintura en vidrio. En 1922 es nombrado oficial. Profesor de dibujode la Bauhaus en Weimar entre 1923 y 1925, en Dessau entre 1925 y 1932 y en Berlín desde 1932 hasta 1933.
Cuando los nazis cierran la Bauhaus en 1933, se traslada al Black Mountain College, en Carolina del Norte, donde enseñó los principios de la Bauhaus a sus alumnos, entre los que se encontraban Robert Rauschenberg y el compositor John Cage. Fue nombrado director en 1950 del departamento de diseño de la universidad de Yale.
Se interesó por distintas ramas del diseño como la tipografía, las vidrieras y el mobiliario. Su obra se caracteriza por sus formas rectilíneas en colores fuertes y planos. En su famosa serie experimentalHomenaje al cuadrado, que comenzó a principios de la década de 1950, utiliza el cálculo de formas cada vez menores para ilustrar su teoría de que los cambios de lugar, forma y luz producen cambios en el color.
Estimuló la vanguardia americana de los 60 y 70 siendo precursor del “pop art”. El punto culminante de su pintura es la serie “Homage to the Square”, en la que trabajó desde 1950.
Josef Albers falleció en New Haven el 26 de marzo de 1976.
