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Augusto Garau
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Rupprecht Geiger
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Gilbert & George
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Franca Ghitti
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Piero Gilardi
Edoardo Giordano
Fabio Giorgetti
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Piero Giunni
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Henri Goetz
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Frantisek Gross
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Gruppo Mid
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Vera Haller
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Damien Hirst
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Oskar Holweck
Jenny Holzer
Sadaharu Horio
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Tsai Hsia Ling
Gilbert Hsiao
Max Huber
Richard Huelsenbeck
Ralph Humphrey
Friedensreich Hundertwasser
Roberto Iaboni
Mimmo Iacopino
Paolo Icaro
Antonio Ievolella
Toshimitsu Imai
Aldo Indelicato
Emilio Isgrò
Vivien Isnard
Alexandre Istrati
Marcel Janco
Christian Jankowski
Jorge Jaramillo
Jozef Jarema
Maria Jarema
Sarah Jeffries
Paul Jenkins
Raimer Jochims
Francesco Jodice
Mimmo Jodice
Ray Johnson
Joe Jones
Eduardo Jonquieres
Asger Jorn
Kenneth Josephson
Donald Judd
Koji Kamoji
Ho Kan
Allan Kaprow
Constantin Karahalios
Ioannis Kardamatis
Alex Katz
Massimo Kaufmann
Ono Kazunori
Michael Kenny
Nikos Kessanlis
Shohei Kimura
Koji Kinutani
Thorsten Kirchhoff
Peter Klasen
Yves Klein
Jan Knapp
Julie Knifer
Robert Knight
Ibrahim Kodra
John Franklin Koenig
JiŘÍ KolÁŘ
Slavko Kopac
Vladimír Kopecký
Bogdan Korczowski
Alex Kosta
Joseph Kosuth
Eva Kotatkova
Jannis Kounellis
Martin Krampen
Metka Krasovec
Les Krims
Elke Krystufek
Moshe Kupferman
Yayoi Kusama
Ugo La Pietra
Guido La Regina
Ketty La Rocca
Maria Lai
Wifredo Lam
Edoardo Landi
André Lanskoy
Robert Lapoujade
Mikhail Larionov
Emilio Rodriguez LarraÍn
John Latham
Luciano Lattanzi
René Laubies
Pier Luigi Lavagnino
Bice Lazzari
Walter Lazzaro
Julio Le Parc
Vladimir Vasil’evich Lebedev
Jean-jacques Lebel
Walter Leblanc
Fernand Léger
Anselmo Legnani
Thomas Lenk
Leoncillo
Jean Leppien
Carlo Levi
Felice Levini
Sol Lewitt
Riccardo Licata
Roy Lichtenstein
Osvaldo Licini
Antonio Ligabue
Umberto Lilloni
Bengt Lindström
Luca Lischetti
Marcello Lo Giudice
Francesco Lo Savio
Richard Paul Lohse
Richard Long
Trento Longaretti
Robert Longo
Alberto Longoni
Arrigo Lora Totino
Jaque Louis
Peter Lowe
Richard Lucas
Wolfgang Ludwig
Gino Luggi
Raffaele Luongo
Markus Lüpertz
Boris Lurie
Adolf Luther
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Heinz Mack
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Teodosio Magnoni
Nataly Maier
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Pompilio Mandelli
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Giuseppe Maraniello
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Elio Marchegiani
Giancarlo Marchese
Lucia Marcucci
Enzo Mari
Elio Mariani
Pompeo Mariani
Umberto Mariani
Leonardo Mariani Travi
Filippo Tommaso Marinetti
Marino Marini
Francesco Marino Di Teana
Silvia Mariotti
Gino Marotta
Armando Marrocco
Alfredo Marsala
Phillip Martin
Rafael Martinez
Alberto Martini
Arturo Martini
Sandro Martini
Titina Maselli
Paolo Masi
Joanpere Massana
Manfredo Massironi
Georges Mathieu
Georges Mathieu
Vittorio Matino
Roberto Matta
Eliseo Mattiacci
Carlo Mattioli
Paola Mattioli
Fabio Mauri
Almir Mavignier Da Silva
Galliano Mazzon
Paul Mccarthy
Steve Mccurry
John Dwyer Mclaughlin
Jonathan Meese
Christian Megert
Juan Nicolas Mele’
Pietro Melecchi
Gino Meloni
Fausto Melotti
Nevio Mengacci
Aldo Mengolini
Jacques Mennessons
Gisella Meo
Mario Merz
Plinio Mesciulam
Edouard Mesens
Joachim Metz
Eugenio Miccini
Michael Antony Michaeledes
Duane Michals
Rolando Mignani
Eleanore Mikus
Umberto Milani
Raúl Milian
Yves Millecamps
Paolo Minoli
Giuseppe Minoretti
Riccardo Minuti
Jean Miotte
Antoni Miralda
Joan Mirò
Alain Arias Misson
Ottavio Missoni
Igor Mitoraj
Aimone Modonesi
Ignazio Moncada
Aldo Mondino
Jonathan Monk
Alvaro Monnini
Luigi Montanarini
Gian Marco Montesano
Rolando Monti
Charlotte Moorman
Carmen Gloria Morales
Albano Morandi
Giorgio Morandi
Marcello Morandini
Gino Morandis
Alberto Moravia
FranÇois Morellet
Mattia Moreni
Guido Moretti
Maria Morganti
Philippe Morisson
Ennio Morlotti
Leonardo Mosso
Sadamasa Motonaga
Otto Muehl
Maria Mulas
Bruno Munari
Vik Muniz
Rosario Murabito
Edo Murtic
Zoran Antonio Music
Magdalo Mussio
Hidetoshi Nagasawa
Michael Najjar
Katsumi Nakai
Ayako Nakamiya
Louis Nallard
Carlo Nangeroni
Maurizio Nannucci
Gualtiero Nativi
Matteo Negri
Yehuda Neiman
Giorgio Nelva
Aurelie Nemours
Shirin Neshat
Ugo Nespolo
Tuan Nguyen
Valerio Nicolai
Vanna Nicolotti
Davide Nido
Mario Nigro
Hermann Nitsch
Georges Noel
Yoshiko Noma
Koloman Novak
Ladislav Novak
Gastone Novelli
Mario Nuti
Nuvolo
Rinaldo Nuzzolese
Henrik Olesen
Jules Olitski
Claudio Olivieri
Erik H. Olson
Shigeru Onishi
Luigi Ontani
Roman Opalka
Dennis Oppenheim
Luciano Ori
Ben Ormenese
Gottardo Ortelli
Stephanie Oursler
Nino Ovan
Jürgen Paatz
Achille Pace
Carlo Pace
Adrian Paci
Stanislao Pacus
Nam June Paik
Marco Paladini
Mimmo Paladino
Urano Palma
Panamarenko
Gina Pane
Ivo Pannaggi
Ideo Pantaleoni
Giulio Paolini
Antonio Paolino
Maria Papa
Antonio Papasso
Luigi Paracchini
Antonio Paradiso
Gianfranco Pardi
Ico Parisi
Adriano Parisot
Robert & Shana Parkeharrison
Olivia Parker
Tancredi Parmeggiani
Claudio Parmiggiani
Pino Pascali
Victor Pasmore
Paolo Pasotto
Luca Maria Patella
Paolo Patelli
Enrico Paulucci
Dario Pecoraro
Pino Pedano
Henk Peeters
Luc Peire
Gianni Pellegrini
Fabio Peloso
A.r. Penck
Michelangelo Penso
Rafael Perez
Michele Perfetti
Achille Perilli
Mario Persico
Romano Perusini
Alessandro Pessoli
Cesare Peverelli
Paola Pezzi
Gianluca Piaccione
Gianni Piacentino
Pablo Picasso
Gianriccardo Piccoli
Lorenzo Piemonti
Otto Piene
Ercole Pignatelli
Lamberto Pignotti
Pino Pinelli
Gaetano Pinna
Jorge Piqueras
Franca Pisani
Vettor Pisani
Michelangelo Pistoletto
Ario Pizzarelli
Piero Pizzi Cannella
Armando Pizzinato
Giovanni Pizzo
Karl Plattner
Fabrizio Plessi
Sigmar Polke
Pierluigi Pollio
Arnaldo Pomodoro
Giò Pomodoro
Yves Popet
André Poujet
Bogdanka Poznanovic
Concetto Pozzati
Luca Pozzi
Enrico Prampolini
Hiero Prampolini
Vladimir Preclik
Luigi Presicce
Salvador Presta
Dolores Previtali
Emilio Prini
Michele Provinciali
Bruno Pulga
Pierluigi Pusole
Bruno Querci
Marc Quinn
Andrea Raccagni
Mario Raciti
Paolo Radi
Mario Radice
Betty Radin
Sergio Ragalzi
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Rudolph Rainer
Tomas Rajlich
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Saverio Rampin
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Giorgio Rastelli
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Mauro Reggiani
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Volf Roitman
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Paola Romano
Bruno Romeda
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Friedrich Schroeder-sonnenstern
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Wal
Andy Warhol
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Lawrence Weiner
Simona Weller
Tom Wesselmann
Franz West
Minor White
Ludwig Wilding
Adolfo Wildt
Joel- Peter Witkin
Roger Wittevrongel
Francesca Woodman
Maurice Wyckaert
William Xerra
Helidon Xhixha
Amy Yao
Jose’ Maria Yturralde
Yvaral
Leon Zack
Piergiorgio Zangara
Guido Zanoletti
Romano Zanotti
Giorgia Zanuso
Gianfranco Zappettini
Michele Zaza
Franco Zazzeri
Giancarlo Zen
Robert Zeppel – Sperl
Dali Zhang
Giuseppe Zigaina
Helmut Zimmermann
Carlo Zinelli
Valentino Zini
Gilberto Zorio
Carmelo Zotti

WPC Best of Nations 2023

JOHN MAKRIS, GREECE-WPC Best of Nations 2023
JOHN MAKRIS, GREECE - WPC Best of Nations 2023

WPC Best of Nations 2023

The WPC was founded in 2013 as a cooperative effort by The Federation of European Photographers (FEP) and Professional Photographers of America (PPA). Its singular goal is to unite photographers in a spirit of friendship and cooperation. A Governing Committee has been created to conduct the ongoing affairs of the competition, also supported by the UAPP (United Asian Professional Photography). The brotherhood and sisterhood of photography is a bond that transcends language, culture, and geography. That’s the foundation behind the World Photographic Cup, a one of a kind international team competition.

Despite the recent difficulties due to the pandemic, the WPC has been held continuously every year, and we are pleased to announce
that the WPC 2023, edition number 10 of this unique and inimitable competition is open.

Dates and Timeline WPC 2023

  • Registration of Entries opened: July 1st, 2022
  • Registration of Entries closed: October 15, 2022
  • Judging opened: November 2022
  • Judging closed: 25 November 2022
  • Finalists and Best of Nation Award will be announced at Imaging USA 2023 (January, 2023)
  • Winners will be announced at the WPC Awards Ceremony in Singapore on March 17, 2023

Categories 2023

Introduction

The governing Committee of WPC is constantly looking at entries and categories that reflect the ever changing perception of images and also respecting the core roots of photography. In the 2023 competition there will be two new categories described below. Also for the 2023 competition we are presenting a visual guide to category descriptions to assist in your image selection. The goal is to avoid confusion or having images challenged due to interpretation of the English language descriptions. This year (2023) will see two categories split into two making a total of 8 categories.

Nature Categories

The Nature Category will now recognize Wildlife (wildlife in their NATURAL habitat) and Landscape (scenic) images. In the wildlife category images must be in the animals natural habitat. The Portrait category will also be split defining images that reflect the natural appearance of subjects and Illustrative Portrait images that are more illustrative and highly manipulated.

Nature/Landscape

This category is for photography that is devoted to displaying natural elements such as landscapes, cityscapes, plants, flowers, trees and close-ups of natural scenes and textures. Aerial, macro and astrophotography are included in this category. It is allowed to crop, rotate, selective dodging and burn, reduce noise, sharpen, adjust colour/black-and-white, apply grain and minor cleaning jobs like removing sensor dust or chromatic aberration. It is also allowed to combine several photos to one (photo stitching, focus stacking, multi-exposure, etc), shot at the same time and on the same place as a consecutive sequence, seconds or minutes apart). It is NOT allowed to add, delete or move elements by cloning, healing, patching, content aware fill, liquify or similar tools. The original captured image (in RAW or jpg) must be available if requested by the WPC.

Winners:

Team Australia : Forough Yavari

Team Austria : Marcel Egger

Team Belgium : Ann Coppens

Team Brazil : Luciano Honorato

Team Canada : Jo-Anne Oucharek

Team China : 欧 东欣 Dongxin Ou

Team Costa Rica : Mario Wong

Team Czech Republic : Petr Jan Juračka

Team Denmark : Lars Roed

Team Ecuador : Sebastián Rodríguez

Team Finland : Risto Raunio

Team France : Peter Lippmann

Team Greece : JOHN MAKRIS

Team Guatemala : Maria Fleischmann

Team India : Ambika Agrawal

Team Ireland : Sean Curtin

Team Italy : Alessandro Grasso

Team Japan : Kazutoshi Kawakami

Team Malaysia : KHAICHUIN SIM

Team Mexico : Eduardo Gómez

Team New Zealand : Amber Griffin

Team Norway : Tone Balslev Haugerud

Team Pakistan : Abdul Baqi

Team Panama : Javier Alejandro Solis

Team Philippines : Christopher Magsino

Team Portugal : Luís Bento

Team Singapore : Teo Chin Leong

Team Slovakia : Marián Kuric

Team Spain : MERCHE LLOBERA RODRÍGUEZ

Team Sweden : Niklas Englund

Team United Kingdom : David Keep

Team United States : Ben Shirk

Teams 2023

New Paintings by Alexander Peters 

alexander-peters-chasing-the-sun-visu-contemporary-7771

Visu Contemporary to Exhibit New Paintings by Alexander Peters 

Mar 18-Apr 08, 2023 — Opening Sat, Mar 18 – 6-8 PM 

Visu Contemporary is thrilled to announce In Pieces, a solo exhibition of new paintings by contemporary abstract artist Alexander Peters. The exhibit will be on display at the gallery from March 18th to April 8th, 2023, with an opening reception on March 18th from 6pm to 8pm. 

In Pieces features a collection of striking, large-scale and smaller works which blur the boundaries between abstraction and representation. Through bold brushstrokes, rich textures, and intricate layering, Peter’s works invite viewers to explore the nuances of color, shape, and form. The paintings are a testament to Peter’s talent for creating dynamic and immersive visual works which challenge our perceptions and stimulate our senses. 

“The artistic vision for the journey of the show is rooted in the grid, and the distortion and break-down of that rigid pattern of construction. Linear lines and this lattice framework exist all around us, particularly in urban environments, architecture, technology, even dance, but imperfections infiltrate these designs through various circumstances. Whether via urban decay, natural erosions, visual deceptions or by other means — these structures become broken, or ‘in pieces’ and take on a new life. Grids can also be seen as a metaphor for the way we perceive the world around us, as we often try to impose order on the chaos of our experiences. But that chaos persists, regardless of our futile attempts to remove it,” said Peters. “Alexander Peter’s paintings are a true celebration of the medium,” said Visu Contemporary’s  Owner, Blake Pearson. “His work is a perfect blend of emotion, energy, and technique, and we are elated to showcase it at Visu Contemporary.” 
Peters is a rising star known for his fearless experimentation and willingness to push the boundaries of the medium. With an insatiable need to paint almost every day, Peter’s works develop over the weeks and months by creating shapes, forms and textures with each new layer of paint. Abstract landscapes seem to inadvertently emerge from his canvases, however there is no specific point of reference other than the intuitive actions and choices that Peters makes in the process of creation. 

Concurrently a Principal Dancer for Miami City Ballet, Peters on stage exudes an exquisite charm – a sort of lightheartedness mixed with a dash of mischief, all carried out with the self-assuredness of a king. A recipient of a Princess Grace Award and the Mae L. Wien Award, Peters is a critically acclaimed American dancer. 
In Pieces is a must-see exhibition for anyone interested in contemporary abstract art. Don’t miss your chance to experience the power and beauty of Alexander Peter’s paintings. 


For more information about In Pieces and other upcoming exhibits at Visu Contemporary, please visit www.visugallery.com


Visu Contemporary is an artist first gallery where emphasis is placed on quality and presentation. VISU Contemporary’s mission is to contribute to the art history canon by presenting provocative and inclusive exhibitions, projects, installations, collaborations and performances with the goal of making each exhibition a must-see, while inspiring curiosity and intrigue from every visitor. 


Alexander Peters: In Pieces 
VISU CONTEMPORARY 2160 Park Avenue, Miami Beach 
Opening – Meet the Artist – Mar 18, 2023 – 6-8 PM 
Mar 18-Apr 08, 2023 
Contact: 
Blake Pearson 
Visu Contemporary 
305-496-5180 
[email protected]

La crítica de arte y su próxima desaparición

El oficio como curador de arte
El oficio como curador de arte

La crítica de arte y su próxima desaparición

Iván de la Nuez

Es tinta y, en breve, extinta.

Si no aparece pronto un antídoto potente, este es, a corto plazo, el destino de la crítica de arte contemporáneo. Entre la multitud de indicios, un ejemplo reciente: varios artistas son interpelados sobre el papel de la crítica en la validación de sus respectivos trabajos. Y las respuestas de, entre otros, Carlos Garaicoa, Joan Fontcuberta o Eulalia Valldosera, no pueden ser más desoladoras. Para la legitimidad de estos creadores, la importancia de la crítica resulta casi nula. Lo más inquietante de sus argumentos no es, sin embargo, su beligerancia sino su condescendencia; el modo en que pasan la mano por la cabeza a esa innecesaria (y menor) compañera de viaje.

Que la crítica, salvo excepciones, ocupa el último lugar en la jerarquía del actual sistema del arte -por debajo de directores, coleccionistas, comisarios y artistas- no es, precisamente, un secreto. Al extremo de que lo alarmante no está en la proximidad de su extinción, sino en la indiferencia conque esta sería recibida. Pocas veces un género -o como quiera que le clasifiquemos- hizo coincidir con tanta fruición su propensión a suicidarse con las intenciones de exterminio que le acosan desde el exterior.

Hay un conjunto de temas gremiales que explican parcialmente esta crisis. Que el trabajo de los críticos alcanza una escasa notoriedad y un limitado acceso a los circuitos pedagógicos. Que la mayoría de discursos circulan al interior de la tribu, en catálogos que sólo leen los entendidos. Que la presencia en los medios de comunicación es insignificante. Que en Internet y sus blogs son mucho más importantes las noticias, opiniones y comentarios sobre ella que la crítica propiamente dicha. Que el mercado profesional, con su tapón generacional, depara un multiempleo de supervivencia donde el crítico suele ser, al mismo tiempo, juez, parte, sospechoso y culpable. Que la propia crítica contemporánea rebasa, y refuta, la tesis del artista como genio, mientras que los escritores de renombre que se aproximan al arte, con todos los medios a su disposición, persisten en la idea romántica del aura. Que el arquetipo de curator de éxito, en el que se fijan las nuevas generaciones, no ha necesitado una obra escrita para llegar a lo más alto y sufre una alergia crónica al ISBN…

Dicho esto, tal vez valga la pena una previsión: cuando aquí se habla de la crítica de arte afiliada a lo escrito -tinta de la escritura y de la impresión- no se trata de una caprichosa sobrevaloración de lo literario. Simplemente, obedece a que la crítica, todavía, sigue siendo el puente entre la cultura visual y la cultura escrita. Enlaza el arte con la literatura y, aún más importante, es el nexo ideal entre el arte y la lectura. En este punto, vale la pena preguntarse si los críticos hoy gozamos de lectores. Y, también, si gozan hoy los lectores con los críticos. La rotundidad del “no” a estas dos preguntas desborda cualquier queja de tipo sindical y revela un manojo de carencias intelectuales que alientan desde dentro a esta situación.

No es posible exigir un lugar bajo el sol atizando frases tales como “táctica curatorial”, “dinámica procesual”, “enjambre dialéctico”, que configuran un lenguaje de secta, muy parecido a ese que tanto abunda entre los forenses de CSI, o entre el doctor House y sus colaboradores.

Ante la hecatombe, Hegel. Decía el filósofo, y sostiene Agamben, que el artista es el “hombre sin contenido”, porque es capaz de ir “más allá” del propio arte y desaparecer más allá de sí mismo. En sentido contrario, tal vez valga la pena experimentar la crítica como una zona marcada por el contenido sin hombre. Como un camino propio que, sin renunciar del todo al artista, no se detendría absolutamente en las tareas de su legitimidad, ni en tanto que garantía de su lugar en el mundo, ni como balanza de su grandeza. Puestos ya a no ser necesarios, los críticos podrían ensayar (en la dimensión literaria de este verbo) la fortuna eventual de conseguir una autonomía intelectual “más allá del artista”. A fin de cuentas, si existen y triunfan artistas sin crítica, el ensayo nos regala la posibilidad de concebir, llegado el caso, una crítica sin artistas.

Esa eventualidad cuenta con ejemplos fructíferos. Pensemos en Henry James, Oscar Wilde, Edith Warthon, Gilbert K. Chesterton, Paul Auster, Don Delillo, Roberto Bolaño, César Aira o Enrique Vila-Matas. Cuando no les han convenido los creadores “realmente existentes” para hacerlos intervenir en sus obras, se los han inventado. Y no por ello constatamos alguna merma en la utilidad crítica que activan sus libros. ¿Qué son autores de ficción? Esto es muy relativo, sobre todo porque no parece que el principal malestar de la cultura contemporánea provenga de lo que concebimos como ficción sino de aquello que percibimos como verdad. Con toda su acreditada fantasía, ninguno de esos autores ha imaginado una ficción tan gigantesca como las famosas armas de destrucción masiva, o como el alegato de Noam Chomsky -ese martillo de todas las mentiras de este mundo- cuando afirmó que las matanzas de Pol Pot eran exageraciones del New York Times.

En todo caso, hay ejemplos de ensayistas que nos sitúan en otra frontera y expanden sus argumentos creativos por caminos liberados de cualquier corset. Ajenos al estudio acabado y bien cerradito que no duda en poseer la verdad, sólo la verdad y nada más que la verdad; con su drama griego de andar por casa y su correspondiente triada de planteamiento-nudo-desenlace, los ensayos más fértiles -entendidos como los fundó Montaigne- se resisten a ser encapsulados como non-fiction. Esta clasificación industrial, conviene sin duda a las editoriales, las academias universitarias y los suplementos culturales, pero tiene poco que ver con la promiscuidad que despliegan las creaciones contemporáneas. Así, George Bataille es capaz de escribir un libro, La oscuridad no engaña, que “no se dirige a los hombres cuya vida no es interiormente violenta”. Eliot Weinberger, en Rastros kármicos, fecha un artículo de apenas cuatro páginas entre 1499 y 1991, a la vez que define a Islandia como “la sociedad más perfecta del mundo, de la cual ninguna otra tiene nada que aprender”. Vázquez Montalbán, en sus crónicas bajo el seudónimo de Jack el Decorador, consiguió renovar la crítica de diseño desde unos episodios que eran, al mismo tiempo, un libro de crítica, la antología de unos pequeños tratados de frivolidad, una novela negra y, finalmente, la parodia de todo eso. Severo Sarduy entrevé una aventura carnal en Barroco para abrir un sendero inédito entre la cultura barroca y la postmodernidad. Un académico como Roger Bartra incorpora viñetas y diálogos imaginarios en La jaula de la melancolía, su pionera interpretación de la modernidad mexicana. Por la parte que le toca, en Deseo de ser piel roja, Miguel Morey nos propone… Bueno, este cada cual tiene que leerlo sin brújula porque no se puede describir, ni sintetizar, ni escolarizar y ahí radica, intacta, gran parte de su virtud.

Estos y otros ejemplos ensanchan el horizonte de tal manera que rompen los prejuicios a la hora de asumir como ensayos formatos que están fuera de la literatura en su sentido convencional. Exposiciones como Lo que ocurre, basada en la teoría de los accidentes de Paul Virilio, o Comunidad, de Pedro G. Romero, cumplen con los rigores de un ensayo visual en toda la línea.

El ensayo crítico, especialmente el artístico, puede ser entendido en su aserción teatral: es una aproximación previa e imperfecta a una realidad que no está constituida del todo (no es todavía la “función real”). Más bien, sus tareas están encaminadas a armar los planos de un escenario futuro, a una posibilidad por venir.

Ensayar sin complejos desde, por y más allá del arte no parece un mal remedio para esa crítica que hoy deambula como una especie en peligro de extinción. Sin conceder la menor importancia a las cápsulas que la encierran en un género, un gueto sin salida y desde el que sus enunciados importarán siempre un pimiento.

Y eso que, bien mirados, los pimientos tienen su importancia. Los del padrón, por ejemplo. En el ritual de comerlos, te la juegas y avanzas hasta que ¡pum!, aparece uno por sorpresa que pica y cambia las percepciones preconcebidas. A unos les disgustará, pero hay otros que, secretamente, no han buscado otra cosa que ese accidente y ese ardor para asomarse el precipicio.

Última lección de un ejemplo prosaico: tanto en el sentido del sabor como del conocimiento, a veces una buena crítica está obligada a saber mal.
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Publicada en El País en diciembre, 2007.

Sobre el crítico de arte

La importancia del crítico en el mercado del arte
La importancia del crítico en el mercado del arte

Sobre el crítico de arte

Reseñar una obra o hacer la parodia sobre un texto, no es crítica. El crítico de arte que se asume como tal, escribe o habla sobre el producto artístico y sus creadores, lo hace valiéndose de una valoración estética, basándose en la historia del arte y sus disciplinas.

Mínimo tendrá que tener un ojo ya entrenado en la observación de obras en cualquier periodo y un hábito de lectura. En su labor selecciona, compara  y emite juicios de labor, no hace escritos para quedar bien con el artista remitiéndose simplemente a producir textos curatoriales.

Se le considera a Denis Diderot (1713-1784) como el padre de la crítica de arte. Sentó las bases en salones abiertos al público, que en ese entonces, actuaban como centros para la difusión de artistas y obras, propiciando modas y gustos, por lo que fueron punto de crítica y debate. Diderot escribió sus impresiones sobre estos salones arriesgándose a proponer y comentar lo que a muchos les parecía bien.

No existe una carrera o maestría en crítica de arte. En la actualidad algunas escuelas ofrecen licenciatura en curaduría y gestión en arte. Ser  curador cada día se pone en boga, deciden qué se expone, cómo debe ser una museografía, establecen conexiones con museos y centros culturales, formulan catálogos y aún más adquieren el papel de críticos.

El crítico además de ser un observador, arriesga. No es monedita de oro y tampoco tiene la última palabra en estos menesteres. Las argumentaciones son las que cuentan y sobre todo depende del color del cristal con el que se mire.

Miami artist Alejandra Estefania

Alejandra Estefania
Alejandra Estefania

“It’s not one story, it’s our story”
An artist’s vision of the Latinx experience

Local artist Alejandra Estefania is transforming artistic storytelling in Latinx communities by combining cinematic documentation with technology. Through the American Passport Experience, Alejandra turns real people into works of art utilizing a mix of photography, videography, music, poetry, physical and digital artwork.
Growing up in North Carolina, Alejandra felt disconnected from her identity as a Latina. It wasn’t until she attended art school in Miami that she was exposed to the various Latinx cultures present in the United States. She became inspired by the journeys of those around her and wanted to find unique ways to celebrate their stories.
“Culture is the main focus of my work and my principal source of inspiration,” Alejandra explains.
”I aim for my work to represent the diversity of the communities around me and empower them to take pride in their heritage.”
One of the goals of The American Passport Experience is to create a space for healing within Latinx communities and families. Alejandra was inspired by a conversation with her father that deepened her understanding of his struggles as an immigrant. “It healed how I felt and saw him, and it hit me too – the power of storytelling,” Alejandra says. “We’re able to forgive one another when we understand one another.” Part of the creative process involves collecting first-hand accounts of life stories and archiving them for future generations.
Last year during Hispanic Heritage Month, The American Passport Experience raised awareness of everyday contributions by Hispanic Americans. By showcasing their stories on social media, the Cultura, Courage y Fe campaign encouraged others to embrace their past and allow it to shape their present. Alejandra’s vision is to have Latinos identify themselves through her storytelling while also educating outsiders on how diverse yet unifying the immigrant experience can be.
Alejandra’s vision for The American Passport Experience will ultimately culminate into an immersive physical experience that utilizes cutting-edge technology to bring the stories collected into a new light. We’re excited to share our upcoming work. For more information or to schedule an interview with Alejandra, please contact me directly.

Miami, FL.

YO Space Gallery & Studios

Yo Space
Yo Space

YO Space Gallery & Studios

Yo Space has been located in the culturally rich community of Little Haiti since 2011. A tight-knit environment where artists can come to flourish and interact with people who will help them take their craft to the next level, creatively and professionally.

Yo Miami
Comprehensive Creative Solutions

Over the past decade, Yo Miami has organically grown a reliable network of creatives including designers, muralists, musicians, comedians, breweries, chefs, and more.

We connect you with our extensive creative network, simplifying the process of developing and communicating your vision and bringing your ideas to life.

Facilitating seamless synergy by:

-Curating murals, visual arts displays, and interactive installations
-Producing recurring and one-time events (Art, Comedy, Music and more)
-Food and Beverage solutions, including local and national craft breweries, chefs, and caterers
-A wide range of other creative solutions for all your commercial, residential, or other needs.

How it happened…

Founded in April 2011, what began as a passion for art, music and our 305 culture has evolved into a comprehensive network of artists, musicians, DJs, comedians, craft breweries, chefs and more.

Bringing together creatives from all walks of life, we shine a light on the elements of Miami culture that deserve to be recognized and celebrated.
Our goal is to serve as an ecosystem where creative people interact and grow together, leading to a sum community greater than its individual parts.

Yo Philosophy

I get asked all the time, “What is it that Yo Miami does exactly?” and it took a long time to have a satisfactory answer. What made it all the more frustrating was that I knew a company needs an identity in order to grow. Eventually a phrase from a magazine article jumped out and things almost audibly clicked into place: Ecosystem.

“Everything in the natural world is connected. An ecosystem is a community of living and non-living things that work together. Ecosystems have no particular size.”
The more I read, with every line I was more certain that I’d found the word that best summed up the entirety of what I was trying to create with Yo Miami.

“An ecosystem can be as large as a desert or a lake or as small as a tree or a puddle. If you have a terrarium, that is an artificial ecosystem. The water, water temperature, plants, animals, air, light and soil all work together. If there isn’t enough light or water or if the soil doesn’t have the right nutrients, the plants will die. If the plants die, animals that depend on them will die. If the animals that depend on the plants die, any animals that depends on those animals will die. Ecosystems in nature work the same way. All the parts work together to make a balanced system.”

AMMENITIES
  • Central location in the heart of Little Haiti, part of the Little River Business district
  • Minutes from the Design District, Wynwood, and I-95
  • 24/7 access to your studio
  • Wifi, electricity, trash pickup, water, A/C and other utilities included in rent.
  • Kitchen area with microwave, fridge, and industrial sink
  • Vinyl library + turntable
  • Custom painted Ping Pong table, N64, and other distractions for downtime
  • Outdoor hangout/work area in front
  • Free Parking (shared lot and street)
  • Benefit from Yo Miami events/PR/media network
  • Opportunities to synergize with other local working artists

If interested in a studio please submit the following to [email protected] with the subject “Studio Inquiry”: Brief Bio, Link to portfolio or attach 5-7 images of your work, Past exhibitions/CV, References (if applicable)

[email protected]

www.yospacemiami.com

294 NE 62nd Street
Miami, FL 33138

Accessibility: ADA Compliant

Lila Lopez

Hannah Banicella

Nara Almeida

Paul Ellenberger

Yuval Ofir

Laundromat Art Space

Laundromat Art Space
Laundromat Art Space

Laundromat Art Space

185 NE 59th St
Miami, FL

Accessibility: ADA Compliant

Parking: Street Parking

Public Transportation: 9 and 10 Metrobus run on NE 2nd Ave, the closet stop is on NE 59th Street

Email
[email protected]

Laundromatartspace.com

Laundromat Art Space is an artist-run studio and exhibition complex which focuses on the development of local artists and provides innovative curatorial opportunities and artistic programming for the community. Founded in 2015 by a group of artist friends, all finishing up residencies at other organizations, with the idea of launching their own space. Today, LAS makes it’s home in a reclaimed laundromat turned into a studio space located in the neighborhood of Little Haiti in Miami, FL.

The 4,500 sq ft venue houses 11 studios and a gallery. LAS holds contemporary art exhibitions showcasing local, national and international work. Resident artists have the unique opportunity to be part of an environment which fosters collaboration between multidisciplinary artists. 

Laundromat Art Space is 100% artist-run and independent under the direction of

Ronald Sánchez. Exhibition and curatorial strategy are overseen by Sánchez. In addition to in-house curation, resident artists are invited to propose shows. Laundromat also actively invites guest curators and encourages collaborations with independent curators and artist-run spaces, via resident artist connections and/or via solicited open calls for proposals.

Claudio Marcotulli

b. 1973 Caracas, Venezuela 

Initially trained as Aeronautical Engineer, Claudio Marcotulli received his B.F.A from Emerson College in Boston and M.F.A from the Miami International University of Art and Design in 2005. Since then, his work has been exhibited internationally and has received support from The Knight Foundation, Live Arts Miami and South Florida PBS. 

Claudio Marcotulli uses media, sculpture and performance to create works that investigate his interest in technology and nature by illuminating existential questions around these subjects. His projects range from sculpture and performance installations to film and digital imagery that often reference memory, natural elements and issues of climate change with a surrealistic approach.  

Marcotulli also explores principles of aerodynamics that reveal the science and poetry behind the mechanics of flight.

http://www.claudiomarcotulli.com/

Denise Treizman

Denise Treizman is an artist born and raised in Chile, who has an MFA in Fine Arts from the School of Visual Arts, New York. She creates sculptures and installation-based works, combining found objects with drawings, weavings and ceramics. Her work questions pervasive consumer culture, waste and excess by re- appropriating overlooked and underutilized materials into playful works of art. Guided by intuition, she explores material relationships, chance and resourcefulness. For Denise, the city is the ultimate creative source, providing her with an unending supply of eclectic and everyday objects. Working both on the street and the studio, she examines how worthless fragments can be transformed into unexpected art experiences. Her process is at once an act of artistic ownership over her materials as well as an exploration of the infinite possibilities that they afford her.

Treizman has been a resident at the Vermont Studio Center Residency receiving the Robert Sterling Clark Foundation fellowship award for Latin American Artists (Johnson, VT), Ox-Bow Residency (Saugatuck, MI), NARS Foundation (Brooklyn, NY), ACRE Residency (Steuben, WI), Triangle Workshop (Salem, NY) and MASS MoCA Assets for the Artists Residency. (North Adams, MA). She was a fellow at the Bronx’s Museum Artist in the Marketplace program (AIM program) Between 2015-2018,she was a studio resident at the Elizabeth Foundation for the Arts Studio Program in New York City. Treizman has had solo exhibitions at Cuchifritos Gallery (New York, NY), Wave Hill’s Sunroom Project Space (Bronx, NY), Soho20 Gallery +/- Project Space (Brooklyn, NY) Proto Gallery (Hoboken, NJ) and at Proto Gomez Gallery (New York, NY)

www.denisetreizman.com

Devora Perez

Devora Perez lives and works in Miami. She received her bachelor’s degree from New World School of the Arts, and is currently an MFA candidate at Florida International University. Perez is interested in the
domestic setting and its influence on gender, race, and class in society. In her work she challenges domesticity through the use of everyday materials such as caulk, cement, plastic, and wood, and uses them in unconventional ways. Through formal and minimal design, Perez emphasizes color, texture, and
even the industrial material itself. While some pieces may seem fragile and light others are heavy and dense both visually and physically. These discrepancies in weight between the works and the use of
shadows are meant to construct divisions and separate spaces.

devoraperez.com

Donna Ruff

Donna Ruff grew up in Miami Beach and has relocated there after years in New York and Santa Fe, New Mexico. She earned an MFA from Rutgers University, where she focused on printmaking and installation. She has been chosen to create site-specific installations at the Eldridge Street Project on the Lower East Side of New York, PS 122, and for ArtSPACE in New Haven, Connecticut. Exhibitions include Speaking Volumes at the Kohler Art Center in Wisconsin; Fireworks at the Hunterdon Museum in New Jersey; Paper[space] at the Philadelphia Art Alliance; 4th International Graphic Triennialein Prague; Feedback: Artist to Artist at Kunstlerhaus Bethanien in Berlin, Germany, and All the News That’s Fit to Print, at the Center for Contemporary Art in Santa Fe, which she co-curated. She has been included in numerous gallery exhibitions and her work is in the collections of the Victoria & Albert Museum, Morgan Library, New Mexico Museum of Art,  Library of Congress, Yale Art Museum, and Smith College, as well as other public and private collections. Publications that have featured her work include American Craft Magazine, New American Paintings, and Book Art: Iconic Sculptures and Installations Made from Books, published by Gestalten. She is represented by Rick Wester Fine Art in New York.

www.donnaruffstudio.com

Juan Henriquez

Juan Henriquez started his studies in art in 1995 at Julio Arraga Art School and then at Neptalí Rincón Superior Art Academy, both in Maracaibo, Venezuela. He continues with experimentation workshops in graphic arts, art restoration, photography, cultural promotion, acting and art direction for cinema. He was a co-founder member of La Tintota Art Collective developing public art projects, art labs and collective exhibitions with the support and mentoring of art masters José Ramón Sánchez and Victor Fuenmayor. His work has been featured in national and international art exhibitions, solo art shows in Belgium, Romania, Brazil, Argentina, Colombia, Peru, the Dutch Caribbean and the United States. In 2002 he received the “Young Artist” award at the 27th National Art Salon of Aragua, Maracay. He is currently a represented artist of D’Museo, featuring his work in International Art Fairs such as Art Lima in Peru and Barcú in Colombia.

Julia Zurilla

Julia belongs to the generation of Venezuelan artists from the late nineties, whose proposals use contemporary experimental languages. The written word, photographic imagery, contextual art and the interdisciplinary research of the art methods are the central columns of her work and her intellectual development. Julia Zurilla is an artist recognized for her experience with video and technological media, transforming written narratives into visual images.
Her work has been exhibited at international museums, art biennales, institutions and galleries such as: Coral Gables Museum in Miami, Museo de Arte Contemporáneo MAC Lima in Perú; Americas Society Art Gallery in New York; Cisneros Fontanals Art Foundation CIFO in Miami, Theâtre La Colonie in Paris, Cinemateca Distrital in Bogotá, Biennal of Contemporary Art in Mérida, FIA Caracas, Galería de Arte Nacional, Museo de Bellas Artes and Museo de Arte Contemporáneo de Caracas, Sziget Festival in Budapest, Galería Carmen Araujo in Caracas, Galería Odalys in Madrid. Since 2017 lives and works in Miami, FL.

Jose Luis Garcia

Jose Luis Garcia lives and works in Hialeah, FL. Garcia earned their Bachelor of Fine Arts in Visual Art from New World School of the Arts/University of Florida and their Master of Fine Arts in Studio Art from Florida International University. Garcia is a Photo-Based Artist, who works throughout the gamut of the photographic medium and often uses family archives as the source of their work. Selected Solo exhibitions include “Family Aggregate” at the Photography Gallery at FIU Biscayne Bay Campus, “Forget Me Not”, and “In My Mind’s Eye” at the Miami Beach Urban Studios. Selected group exhibitions include “CAP Lab: Overload” at the Vizcaya Museum & Gardens, “End to End” at the Patricia & Phillip Frost Art Museum, and “Body + Memory + City” with PhotoAlicante Photography Festival in partnership with Doral Contemporary Art Museum (DORCAM), in Alicante, Spain. Garcia has taught various K-12 educational residencies as a Teaching Artist with Arts for Learning Miami, led workshops with Miami Dade Public Libraries’ The Vasari Project, is an Adjunct Professor at Miami Dade College Wolfson Campus, Broward College North Campus, and teaches Photography at New World School of the Arts in the Highschool Division.

www.avantgarci.com

Laura Villarreal

American, born Mexico (1971). Works and lives in Miami, FL.
 
Villarreal is an interdisciplinary artist working at the intersection of fiber, painting, and
photography. Through the use of embroidery, paint, and textile on paper and canvas,
Villarreal creates a transdisciplinary language and poetry inspired by the vivid colors and ancient traditions of her Mexican roots.  In the late 1990s, she immigrated to the United States, a process that underscored the economic and social disparities between the two countries.  Creating tensions among her multimedia works, Villarreal integrates both environmental geographies in her life, questioning issues of identity, sense of place, longing, and memory.
 
Villarreal holds a MA in Analysis and Management of Contemporary Art from the
University of Barcelona, Spain.  She studied at the University of North Carolina, the New York School of Visual Arts, and the Art Students League in New York.  Select individual exhibitions include the Instituto Cultural de Mexico in Miami, the Coral Gables Museum, the Embassy of Chile in Washington D.C., the Centro Cultural Fatima in Mexico, and the Mexican Consulate in Los Angeles. She participated in Parc Lima, Chaco Chile, and Pinta Miami. She has curated for the Mexican Cultural Institute in Miami, part of the Consulate dedicated to the promotion of Mexican artists in the US, and currently directs art education programs for young audiences in the city of Key Biscayne, Florida.

www.lauravillareal.com

Lisu Vega

Lisu Vega is an artist which turned out into fashion designer. Her degree in Experimental Graphic gave her the right tools to explore stamping from the paper to the fabrics. From 2010 her collections are a reflection of the exploration of all aspects and techniques in the art world. She creates versatile pieces that can be mixed and combined with a very strong graphic DNA, product of her research and art background. 

www.lisuvega.com

Nick Mahshie

Nick Mahshie was born in Southwest Miami-Dade County, Florida and lives and works in Miami, Florida. Mahshie received a Masters of Design degree in Fashion, Body & Garment in 2017 from The School of the Art Institute of Chicago, and a Bachelors of Fine Arts in Painting from Rhode Island School of Design in 2007. Shifting freely between Art & Design practices, his work makes clear reference to the visual language of saturated Miami culture while challenging the seductive palette of both our landscape and
our sartorial inclinations. His background in Painting, Fashion, and Print Design coalesce in the immersive installations, wearable sculpture and designed objects he creates. Selected Exhibitions include “No Vacancy Miami Beach” (2021) The International Inn, Miami Beach, Florida, “Exile Books + Printed Matter” (2021) NADA Art Fair, Miami, Florida, “Diverse Networks” (2020) Oolite Arts, Miami Beach, Florida. Mahshie has been invited as an artist-in-residence at AGA Lab, Amsterdam, Netherlands (2019),
Residencia Corazón, La Plata, Argentina (2008), and as the Printmaking Artist-in-residence at Oolite Arts, Miami Beach, Florida (2018-22).

Pablo Contrisciani

Pablo Constriciani is an Argentinean artist residing in Miami since 1998. He earned his Masters in Painting at the National University of Fine Arts of La Plata, Buenos Aires, Argentina. He has recently participated in exhibitions at Arch Gallery & Karpio-Facchini Gallery, Miami; Morgan Lehman Gallery, New York; Light Contemporary, London; Mackey Gallery, Houston; Solar Art Gallery, East Hampton and Art Center South Florida, Miami.  He has exhibited also in the Art Fairs: Scope London; Scope New York and Scope Miami; Art Toronto; Fiac Paris; Art Miami and Arte Americas, His work has been reviewed in publications such as Art in America; Art Nexus; Arte al Dia; New Times and Miami Herald and El Nuevo Herald. Pablo Contrisciani’s works are held by public and corporate collectors from USA, Latin America and Europe.  www.pablocontrisciani.com

Roscoè B. Thické III

(b. 1981) was born and raised in Miami, Florida. After graduating high school Thické enlisted  in the US Army to embark on a journey of exploration and transformation. The army provided Thické with the opportunity to see the world via his travels, but it would be a volunteer based  photography class in South Korea, that would take Thické from amateur explorer of culture and customs, to the intentional, stirring, and impressive images we see of his work today. Roscoè pursued his passion for visual arts by studying photography and design at Broward College. Thické’s work is centered around the resilience of spirit, affliction of memory, and the art in “seeing”. Roscoè is an Oolite Arts Residency allum and was awarded a residency at the African American Research Library of Fort Lauderdale in 2021. During the pandemic, The Bass museum called upon Roscoè and other local artists to create work for their Work from Home series.  Artists were asked to explore their everyday lives as it pertains to the diaspora while addressing climate change. Roscoè’s contribution to “Work from Home” included  photographs of family in black and white featured along Miami Beach’s boardwalk pathway between The Bass and Lincoln Road. Thické’s work was on view at the Art and Culture center in Hollywood, Fl, for the exhibition  Introspective a Reckoning of the Soul; a collaborative exhibition where he showcased four 16×20 still images collectively titled “The box is a trap”.  Roscoè was nominated and granted the opportunity to be apart of the Atlantic Center of the Arts/Oolite Arts, artist development residency, in New Smyrna beach (ACA Home and Away), and recently spoke on a panel about art and activism through a partnership with the Broward County Library. Roscoè B. Thické III will expand his scope of work through his recent achievement, the 2021 Ellie Schneiderman Creator award (The Ellies).

Roxana Barba

Roxana Barba, born in Lima, Peru, is a Miami-based artist, whose practice incorporates interdisciplinary uses of performance, video art, installation and mixed media. At times minimalistic and meditative, and at times layered with multi-sensory storytelling, her artwork gestures towards personal and cosmic paradigms. Roxana often seeks to disarm power structures by drawing connections between healing rituals and delicate atmospheres that strive to use poetry as a gesture of denunciation. 

Her interest in cross-disciplinary collaborations and improvisational practices in the development of site-specific works have received support from The Knight Foundation and South Florida PBS, as well as commissions from Miami Light Project, PAXy and Foundation for Emerging Arts and Technologies and invitations to present at the Perez Art Museum Miami and Miami Performance Festival. Her films have also screened and toured internationally. 

She is currently working on her new piece Amaru en los Cielos, to be presented in October, 2021 as part of Miami Light Project’s Here & Now Festival 2021 and Kanay, a cross disciplinary performance in collaboration with artist Claudio Marcotulli, set to premiere in 2022. Both works are part of her current artistic research into Andean indigenous cosmovision and iconography.

Roxana pursued undergraduate visual arts studies in her native Perú prior to receiving her BFA in Dance from New World School of the Arts (Miami, Florida). She has been in residency at Cucalorus Film Festival (North Carolina, US) and Correlacion Contemporanea (Peru) and became a resident artist at Laundromat Art Space in May, 2021.

Juan Henriquez

Juan Henriquez started his studies in art in 1995 at Julio Arraga Art School and then at Neptalí Rincón Superior Art Academy, both in Maracaibo, Venezuela. He continues with experimentation workshops in graphic arts, art restoration, photography, cultural promotion, acting and art direction for cinema. He was a co-founder member of La Tintota Art Collective developing public art projects, art labs and collective exhibitions with the support and mentoring of art masters José Ramón Sánchez and Victor Fuenmayor. His work has been featured in national and international art exhibitions, solo art shows in Belgium, Romania, Brazil, Argentina, Colombia, Peru, the Dutch Caribbean and the United States. In 2002 he received the “Young Artist” award at the 27th National Art Salon of Aragua, Maracay. He is currently a represented artist of D’Museo, featuring his work in International Art Fairs such as Art Lima in Peru and Barcú in Colombia.

Past Resident Artists:

Jay Bellicchi

Geraldine Bello

Jorge Chirinos

Paul Fentress

Jose Luis Garcia

Marina Gonella*

Anna Goraczko

Gabi Gutwirth

Jean Paul Mallozzi*

Dre Martinez*

David McCauley*

Christin Paige Minnotte*

Rosa Naday Garmendia

Lily Noches

David Olivera

Reginald O’Neal

Luna Palazzolo

Barbara Percorelli

Erin Parish

Bianca Pratorius*

Sarah Rifkin

Fereshteh Toosi

Michael Williams*

¿Qué es un podcast y para que sirve?

Miami Podcasts Studio
Miami Podcasts Studio

¿Qué es un podcast y para que sirve?

Estudio de Podcast en Miami

¿Qué es un podcast?

Tabla de contenidos

¿Qué es un podcast?
¿Porqué tener un podcast?
1. Están en crecimiento y para quedarse
2. No están saturados
3. Permite posicionarte como experto
4. Permite especialización
5. Permite hacer networking
6. No es tan caro
7. No es tan difícil
8. La magia de la voz: cercanía, imaginación y engagement
 9. Un formato móvil
10. Audiencia ilimitada
¿Cómo crear un podcast?
Planificación
Hardware y software
Crear elementos identificativos
Guión y grabar
Editar y postproducción
Subir el podcast a plataforma de alojamiento
Difusión: Agregadores y redes sociales
Finalmente viene la monetización
Consejos importantes
Ser constante 
No dejés que te frene la parte técnica
No te preocupes por tu voz
Intenta ser natural
Planifica con tiempo
Capacítate  constantemente

¿Qué es un podcast? Es una colección de archivos multimedia (pueden ser videos pero lo utilizamos más para audio), a los cuales te podés suscribir. Se publican de manera periódica y se pueden escuchar en internet o descargarse en un dispositivo como tu ipod, teléfono o computadora.

Los podcast son como un programa de radio a demanda.

Al inicio puedes escucharlos en un iPod a través de iTunes. De ahí su nombre “podcast» que nace de la unión de «iPod» y «broadcast». Hoy están creciendo tanto que cada vez hay más plataformas para escucharlos.

Si querés escuchar un resumen de este artículo podés hacerlo aquí:

¿Porqué tener un podcast?

La principal razón para hacer un podcast es querer hacerlo. Suena lógico, pero es muy importante estar seguro antes de iniciar. Si sentís que esto de las grabaciones y ediciones de programas «no es lo tuyo», mejor ni intentarlo porque tendrás que trabajar. Pero creeme, ¡vale la pena!

Para el éxito de un programa o podcast es necesaria la constancia que deriva del nivel de compromiso que solo nos da el amor por lo que hacemos . 

Además hay otras razones de peso para crear tu podcast. Te cuento diez de ellas:

1. Están en crecimiento y para quedarse

Hay muchos factores para el éxito de un proyecto. Sin embargo, aquellos que logran posicionarse en la fase de crecimiento exponencial de un medio llevan cierta ventaja. Este es el caso del podcasting. Siempre será bueno crear uno, pero sin duda hoy es un gran momento.

2. No están saturados

A pesar de ese crecimiento exponencial del que te hablé en el punto anterior, todavía no están tan saturados como los videos o los blogs. (Ojo, no estoy diciendo que no sea también importante hacer videos y/o tener un blog.)

3. Permite posicionarte como experto

El podcasting es una vitrina muy útil para mostrar lo que sabes y posicionarte como experto. No importa cuál sea tu nicho de mercado, si lográs conectar con una audiencia a través de tu voz esto reforzará tu marca personal.

4. Permite especialización

En las grandes cadenas, los programas se hacen o no según su rentabilidad. Esto tiene que ver con audiencias masivas (el famoso rating). Por eso, es difícil tener en una emisora tradicional importante un programa de un tema dirigido a un pequeño nicho.

Para una marca personal o empresa basta con ese pequeño grupo de oyentes interesados. Podemos hacer programas muy especializados, lo cual nos beneficia como profesionales y beneficia a esas pequeñas pero respetables audiencias que añoran nuestros temas.

5. Permite hacer networking

Al hacer un podcast de entrevistas grabadas o al tener que consultar expertos como fuentes de nuestros programas, estamos conociendo personas que en un futuro podrían ser importantes para nuestra carrera o alianzas para nuestro negocio.

6. No es tan caro

Hacer un podcast no es gratis. Para empezar, debes dedicarle tu tiempo, lo cual aunque no lo pagués tiene su costo de oportunidad. Luego hay algunos gastos en equipo básico y herramientas. Aún así, siempre será menos caro que producir otros formatos como el video.

7. No es tan difícil

De nuevo, no te voy a mentir y decirte que es facilísimo. Sin embargo su nivel de dificultad técnica es media. Es cuestión de tomar la decisión de aprender un par de cosas. O en su defecto, si tenés los recursos, delegarlas.

8. La magia de la voz: cercanía, imaginación y engagement

Una de las cosas que siempre me encantó de la radio tradicional, es su capacidad de hacernos volar la imaginación a través de las palabras y sonidos. Es igual con el podcast.

A través de las palabras habladas, nos transportamos hasta donde está nuestro oyente, y podemos compartir con él como si estuviéramos en la misma sala frente a tazas de café, conversando.

Esto permite sentirnos más cercanos y generar una conexión emocional con tu cliente potencial. Es decir, engagement. Para lograrlo no necesitamos una voz de locutor. Simplemente práctica y ser nosotros mismos.

 9. Un formato móvil

Nuestra vida es cada vez más agitada. Nos es difícil sentarnos a prestar atención a un video o un artículo. Lo que si tenemos siempre es un teléfono inteligente a mano y espacios de tiempo muerto.

Esto es suficiente para un podcast. Podemos escuchar mientras estamos en esas presas interminables, caminamos o corremos en las mañanas, hacemos labores mecánicas en casa o el trabajo.

Un podcast puede convertirse en un gran compañero.

10. Audiencia ilimitada

Es cierto que para mejorar nuestra marca personal o crear un negocio en internet solo necesitamos una audiencia pequeña, pero fiel. Sin embargo, gracias a internet podemos llegar a esos clientes ideales en todo el mundo. Es decir, las posibilidades son infinitas.

Razones para crear un podcast

¿Cómo crear un podcast?

Planificación

Esta etapa es común a prácticamente todos los proyectos de marketing y comunicación. Tiene mucho de investigación, introspección y reflexión. Es un trabajo que no verán los oyentes, pero determinará toda la producción y será la base de tu programa.

Empezamos con el propósito

¿Porqué estamos haciendo un podcast? ¿Qué queremos conseguir a nivel personal, profesional y de negocio? Por ejemplo, podemos querer:

  • Crecer como profesionales
  • Hacer un podcast como parte de la estrategia de contenidos de tu negocio
  • Ayudar a tu oyente con los contenidos
  • LLegar a monetizarlo

El oyente ideal

Hoy en día, no basta con la clasificación general de públicos que nos hablan de segmentos con cierta edad, sexo, profesión y otros datos demográficos. Necesitamos conocer muy bien a nuestro oyente ideal. Esto implica ponerle un rostro y hacer un perfil más humano.

¿Cuáles son sus gustos y deseos? ¿A qué le tiene miedo? Pero sobre todo, ¿cuales son esas necesidades de mi cliente ideal que yo puedo ayudar a solucionar mediante mi podcast?

Conocer bien a mi oyente va a determinar el éxito o fracaso de mi podcast, más allá de asuntos técnicos o de si tengo una gran voz o no. Así que dediquemos tiempo a definirlo claramente.

El oyente ideal para un podcast

Propuesta única de valor

Aquí definimos en pocas palabras lo que podemos aportar a nuestra audiencia (problemas que resolvemos o beneficios que aportamos) y lo que nos diferencia de otros podcasts que tratan temas similares. ¿Por qué tu oyente ideal debería elegirte?

La propuesta de valor debe ser clara, corta y concisa. Si estás interesado/a en aprender más a fondo como elaborarla, te recomiendo que descargué la plantilla para planificar tu podcast aquí y automáticamente quedarás suscrito a un mini curso en el cuál este es uno de los temas.

Temas y estructura

¿Cómo escoger tema para mi podcast?

Lo primero es definir la temática general de mi podcast, que a su vez englobará los temas de cada episodio . Por ejemplo: un podcast sobre comida saludable, marketing online, mascotas, etc.

Una buena práctica (cuya base aprendí de Franck Scipion y la apliqué al podcasting) es hacer una lluvia de ideas y luego calificar cada una con tres parámetros fundamentales. Debe:

  • Apasionar. De otra manera lo voy a dejar tirado.
  • Tener una audiencia potencial, aunque sea un nicho pequeño. En caso de querer llegar a ganar dinero, esta audiencia debe además estar dispuesta a comprar lo que ofrecés vos o tu posible patrocinador.
  • Ser algo en lo que tengas conocimientos.

La idea que tenga mejor puntaje en esos tres aspectos posiblemente es la mejor para desarrollar tu podcast.

*Si te interesa saber más sobre cómo definir tu temática y tu oyente ideal podés bajar esta plantilla.

Luego viene escoger temas para los episodios dentro de esta temática general. Necesitamos hacer un calendario con unos tres meses de anticipación. También la estructura que me facilite tratar esos temas y llegar más fácilmente a mi oyente ideal.

Calendario para un podcast
Ejemplo de un calendario para un podcast.

¿Habrá uno o varios conductores? ¿Serán entrevistas? ¿Habrá secciones? ¿Duración? Esta estructura depende también del tiempo y otros recursos que tenga destinados para hacerlo. Seguirla le dará personalidad a tu podcast.

Hardware y software

Ahora que ya tenemos claridad sobre nuestro podcast, toca conseguir el equipo y programas necesarios. Para iniciar ocupamos lo básico:

Hardware

  • Una computadora que te permita grabar
  • Un micrófono con entrada USB
  • Unos audífonos
  • Si vas a hacer entrevistas presenciales una grabadora digital

Software

  • Programa de grabación y edición (Audacity es una buena opción)
  • Si vas a hacer entrevistas vía skype un software para ello como zencatr o ecamm

Crear elementos identificativos

Textos

Cuando subimos nuestro podcast a la plataforma de alojamiento, tendremos que llenar una información. Hay personas que no prestan atención a estos textos porque se concentran en subir los episodios.

Esto es un gran error porque estos contenidos son decisivos para poder ser encontrados por nuestro oyente ideal y que comprenda lo que puede esperar de mis episodios. Entre los textos más importantes que deberemos redactar con cuidado están:

  • El título. Será el responsable de despertar la atención de tu oyente ideal. Debe dejar claro el tema.
  • La descripción. Te servirá para explicar más detalladamente lo que el oyente puede esperar de tu podcast. Técnicamente no debe superar los 4 000 caracteres.

Audio

Se refiere a las piezitas de audio producidas para «vestir» tu programa. Por ejemplo la «intro» (o presentación) y la «outro» (o despedida). Si tenemos secciones necesitamos transiciones para delimitarlas. También escoger música respetando el tema de derechos de autor.

Gráfica

En la parte gráfica vamos a ocupar un logo en caso de que se quiera hacerlo y una carátula o portada para el podcast de 1400 x 1400 pixels. Esta portada se verá en pequeño en dispositivos móviles, así que hay que pensar en eso a la hora de diseñar.

Guión y grabar

Guión

Una vez definido el podcast y con las herramientas necesarias, puedo empezar mi trabajo. Así como investigamos antes de crear el concepto general del podcast, para cada programa o episodio hay que hacer una labor de investigación.

Basándonos en esa información que recopilamos, creamos un guión. Este es, como lo dice su nombre, una guía a la hora de conducir/grabar un programa. Hay muchas maneras de hacerlo.  Lo  importante es que nos sea útil para ordenar las ideas.

Grabación

Ahora si. ¡Manos a la obra! Podemos grabar nuestro primer episodio.

  • Alistemos el equipo.
  • Busquemos un lugar adecuado donde no haya mucho ruido o eco.
  • Pidamos que no nos interrumpan.
  • Necesitamos relajarnos.
  • ¡A grabar!

Editar y postproducir

Una vez grabado, el episodio debe editarse para añadirle los elementos identificativos y quitar algunas partes que no nos sirvan. Incluso se puede postproducir para darle un mejor sonido o algunos efectos, pero esto en una primera etapa no es indispensable.

Subir el podcast a plataforma de alojamiento

Sin duda, si vas en serio con esto del podcasting, lo mejor que podés hacer es subir tus episodios a una plataforma de alojamiento especializada como Libsyn, Soundcloud o Spreaker.

El alojamiento en estos sitios no es caro, y además tiene una serie de ventajas como:

  • Están optimizados para almacenar correctamente nuestros archivos de audio
  • Facilitan la descarga simultánea y masiva
  • Arrojan estadísticas útiles para la toma de decisiones
  • Generan el archivo RSS que se envía a iTunes y otras plataformas de agregación

Cuando subimos estos archivos seguimos algunos pasos que pide la plataforma como poner una descripción del podcast, el título, palabras clave, subir la portada que previamente hiciste, etc. No es difícil, pero hay que hacerlo con cuidado para dar a los oyentes la información correcta.

Difusión: Agregadores y redes sociales

Esto es algo que me tocó aprender. Cuando trabajaba en radio, producía el programa, llegaba diariamente a la emisora, me sentaba con el invitado y ¡listo! La cadena se encargaba del resto. En el podcasting esto no es suficiente…

Vas a tener que hacer promoción pasiva y activa de tu podcast. Ambas nos ocuparían un artículo entero, pero te lo explico brevemente porque si sos de los que un día lo intentaron y te frustró que no llegó ningún oyente, te cuento que funciona de otra manera: ¡tenés que salir a buscarlos!

  • La promoción pasiva es la que haces cuando incluyes tu podcast en plataformas de agregación de podcasts o directorios, en los cuales personas que ya consumen podcasts están y puedan encontrarlo. La principal es itunes. Pero hay más.
  • Luego está la promoción activa que es la que hacés en redes sociales, tu blog y otros sitios.

Finalmente viene la monetización

Este paso es posible cuando ya tenés una audiencia, y se trata de lograr ganar dinero con tu podcast. Es un tema largo y no es la principal preocupación cuando iniciamos. Pero si es tu meta, debemos tenerlo en cuenta a la hora de planificar.

Como ejemplo, debemos escoger un nicho de mercado con posibilidades de generar dinero más adelante. Hay audiencias muy comprometidas pero que es difícil que te lleguen a comprar algo. También hay temas para los cuales no es sencillo buscar patrocinio.

Consejos importantes

Ya tenés claros los pasos para crear tu podcast. ¡Ahora toca convertirlo en un podcast exitoso! Te dejo una serie de consejos importantes si decidís ponerte en acción:

¿Qué es un podcast? Consejos para crear uno de éxito

Ser constante 

De esto depende la confianza de tu audiencia y afecta los ojos con que te vea itunes.

No dejés que te frene la parte técnica

Como tal vez ya sabrás, llevo mucho tiempo en producción de radio. Pero algunos temas tecnológicos y técnicos se me hacen un rollo. No permitas que esto te detenga porque lo más importante en realidad es tu mensaje. Lo otro lo aprendés o lo subcontratas. No es ciencia nuclear.

No te preocupes por tu voz

Es lindo escuchar una buena voz. Pero primero, no es lo más importante. Segundo, con el tiempo se puede ir educando. Tal vez no llegarás a ser un locutor de comerciales, pero aquí no es necesario que lo seas… necesitás ser un buen conductor, que es diferente.

Intenta ser natural

Es una de las características importantes de un buen conductor. Nada de voces fingidas ni poses.

Planifica con tiempo

Necesitás tener grabados varios episodios de antemano. Te da tranquilidad y te garantiza esa periodicidad y constancia que hablamos es muy importante.

Capacitate constantemente

Si lo haces cada vez serás mejor. En mi caso investigué mucho antes de escoger un buen curso y al final me decidí por Podcasting Power de Oscar Feito que podés buscar aquí.  Con este consejo finalizó esta guía. Espero haberte respondido qué es un podcast y para que sirve en tu estrategia de contenidos.

El átomo y el y su espacio vacío

Átomo
Átomo

El universo está compuesto por materia, la cual está compuesta por espacios vacíos.

El universo está compuesto por materia, que a su vez está formada por átomos y moléculas que contienen protones, neutrones y electrones, y en gran medida estos átomos y moléculas están compuestos por espacios vacíos, lo que significa que hay una gran cantidad de espacio entre las partículas que los componen. Por lo tanto, se podría afirmar que el universo está compuesto por materia, que en gran parte está compuesta por espacios vacíos.

El átomo es la unidad más pequeña de un elemento químico que retiene las propiedades químicas del mismo. Está compuesto por un núcleo central que contiene protones y neutrones, rodeado por electrones que orbitan alrededor del núcleo en capas definidas.

Aunque a simple vista el átomo parece sólido, en realidad es en gran parte espacio vacío. El núcleo ocupa una pequeña fracción del volumen total del átomo, mientras que los electrones ocupan una gran cantidad de espacio. La mayor parte del volumen del átomo está vacío, lo que significa que hay una gran cantidad de espacio entre las partículas que lo componen.

Esta característica del átomo es importante en muchos aspectos de la física y la química. Por ejemplo, es la razón por la que los átomos pueden unirse para formar moléculas, ya que los electrones de un átomo pueden interactuar con los de otro átomo a través del espacio vacío que los separa.

También es la razón por la que los átomos pueden comprimirse y expandirse en respuesta a cambios de temperatura y presión. Además, la estructura vacía del átomo es fundamental para la comprensión de la naturaleza de la materia y la energía en la física moderna, y ha llevado a la creación de tecnologías como la energía nuclear y la electrónica.

“Un átomo consiste 99.999999999% en espacio vacío. Si quitas este espacio vacío de todos los átomos de todos los humanos, toda la humanidad cabe en un cubito de azúcar. “

“En cuanto a la materia, todos hemos estado equivocados.
Lo que hemos llamado materia es energía, cuya vibración ha sido tan rebajada como para ser perceptible a los sentidos.

El átomo y el y su espacio vacío

No hay materia.” – cita atribuida a Albert Einstein

Los átomos en tu cuerpo son 99.999999999% espacio vacío y ninguno de esos átomos son los mismo con lo que naciste, pero todos se originaron en el centro de un estrella.

Pero he aquí la parte interesante en donde entra este tema de la invisibilidad: Un átomo está compuesto en su núcleo por protones y neutrones, y en su órbita habitan los diminutos electrones, y lo interesante del caso es la distancia que existe entre los electrones y el núcleo…

Para que tengan una idea, si un núcleo de un átomo fuera del tamaño de una pelota de boliche, los electrones estarían flotando en órbita a una distancia de unos 18 kilómetros (11 millas), y no solo eso, sino que un electrón sería del tamaño de la puntita de un alfiler.

Y en medio de todo eso, solo existe espacio vacío. Y más asombroso aún, existen distancias similares entre un átomo y otro.

En otras palabras, una manera de imaginarnos el universo de los átomos en escalas de nosotros los humanos es pensar que existen muchas bolas de boliche flotando en el espacio, a una distancia de unos 50 a 100 kilómetros de distancia unas de otras, y en el medio de ellas unas diminutos cabezas de alfileres flotando rápidamente.

Si se pueden imaginar eso, entenderán que en la realidad los espacios son tan amplios entre los electrones y el núcleo, y entre un núcleo de un átomo y otro, que en realidad sobre el 99.9999999% de todo lo que creemos ver como sólido es en realidad transparente. Es una ilusión.

Pero, ¿y de dónde proviene esa ilusión? ¿y por qué percibimos el mundo así? Pues la respuesta es bastante sencilla: Evolucionamos así porque esa es una forma óptima de nuestras mentes poder manipular el mundo a nuestro alrededor.

La razón por la que vemos con nuestros ojos, es porque ondas electromagnéticas interactúan en miles de millones de veces por segundo con el material que conforma nuestro ojo, y gracias a la dualidad de la naturaleza en donde toda onda es también una serie de partículas, somos capaces de captar esos fotones de luz que rebotan y saltan por todos lados hasta llegar a nuestros fotosensores en la retina.

Cuando eso ocurre, nuestro cerebro capta solamente “la gran imagen” abstracta que conforman los patrones del mundo, en vez de los pequeños detalles, en esencia haciendo que el cerebro “rellene” los espacios de la realidad, ofreciéndonos una visión “sólida” del mundo.

Y si se encontraron esto curioso, otro dato curioso es que incluso los colores que percibimos del mundo son totalmente inventados por nuestra mente, ya que los colores tampoco existen, sino que son una herramienta más fabricada por nuestras mentes para sacarle sentido al mundo. 

Los hindúes sostienen la idea de que todo es ilusión o “maya”, es decir, que lo que percibimos como realidad es una construcción subjetiva de nuestro cerebro y que no representa la totalidad de lo que existe. Esta idea se basa en la creencia de que el cerebro humano solo es capaz de captar una fracción muy pequeña de la realidad que nos rodea, aproximadamente un 10%, mientras que el 90% restante permanece oculto a nuestra percepción.

Un ejemplo de esto es el color, que en realidad no existe en los objetos sino que es una percepción que se genera en nuestro cerebro como resultado de la interacción de la luz con los pigmentos del objeto. El objeto absorbe todas las longitudes de onda de la luz, excepto la que corresponde al color que percibimos.

El universo también se puede entender como un vacío ocupado por partículas puntuales, lo que significa que la mayor parte de la materia está compuesta por espacios vacíos. Esta perspectiva puede resultar contraintuitiva, ya que solemos percibir la materia como algo sólido y tangible.

Además, es cierto que nuestro cerebro está gobernado por estímulos parasitarios, es decir, que necesitamos interactuar con el mundo exterior para sobrevivir. Sin embargo, esta interacción también puede ser una fuente de enriquecimiento y aprendizaje, y no necesariamente debe verse como algo negativo.

En definitiva, la idea de que la realidad es una ilusión puede ser vista desde distintas perspectivas y puede tener implicaciones filosóficas, científicas y culturales muy interesantes.

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