CUBISMO

El término “cubismo” aparece en el transcurso de la experimentación plástica de comienzos del s XX. En el contexto de la pintura fauve, Louis Chasevent habló en 1906 de la “precisión de los cubos” y, en 1908, el crítico Louis Vauxcelles se refería irónicamente a la nueva pintura de Braque diciendo que “reduce todo a esquemas geométricos, a cubos”. Estos y otros comentarios posteriores acabaron por dar nombre al movimiento.

Según todas las crónicas, la aparición del Cubismo fue un fenómeno que se reveló repentinamente derivado de experimentos científicos puntuales. Entre 1907 y 1909, Braque y Picasso se entregaron a la invención de nuevos procedimientos para la transcripción del espacio y las formas absolutamente distintos del Fauvismo. Frente a este movimiento, los cubistas creen que el peso del análisis pictórico radica en la exploración de las formas.

La llegada del Cubismo se vio favorecida por la obra de Cézanne y el Puntillismo. El primero, por revalorizar la importancia del volumen; los segundos, por su reconstrucción de la plástica.

Descomponer todos los cuerpos en formas geométricas fue la primera tarea de los cubistas, después vendrá su recomposición. Así, en el Cubismo pueden distinguirse dos fases: análitico y sintético. En la primera fase, las formas se separan o se empotran; en la segunda, las masas se juntan y organizan de forma orgánica.

Los cubistas tratarán de ofrecer una representación de los objetos uniendo diversos puntos de vista, de ahí que aparezcan juntas las visiones del perfil y de frente de un rostro. Esta síntesis de visiones corresponde al factor espacio-tiempo, es decir, el afán de establecer el volumen en un tiempo determinado. La suma de diversos ángulos visuales se efectúa sincrónicamente en el cuadro, cuando en realidad esto no es posible. También se profundiza en el interior de los cuerpos, tratando de representar dicho espacio. Se sirven los cubistas de los engaños ópticos, es decir, de la relatividad de las formas, ya que, al yuxtaponerse, se afectan mutuamente, resultando diferentes. Así, una elipse dentro de un polígono parece una circunferencia. Las formas en Picasso y los cubistas adquieren su verdadero sentido en función de las colindantes.

FRANCISCO CERÓN/EL ALMA DE LA CIUDAD
Por Dra. Milagros Bello
Francisco Cerón es un artista multidisciplinario que va desde la pintura a la fotografía, pasando por el arte digital, la escultura y la instalación, desplegando una visión socio antropológica que capta la vida humana en sus múltiples dimensiones. Toma prestados temas de la vida cotidiana para demarcarlos visualmente hacia sus propios fines.
Alineado con el “digitalismo” contemporáneo, condensa códigos visuales que aluden a los seres humanos y sus entornos desde multi perspectivas culturales y sociales. Ceron es un cazador de imágenes de la sociedad contemporánea, camina por el mundo con un enfoque visual agudo, con una mirada alerta, que se concentra penetrante en los quehaceres humanos y sus localizaciones.
La creación del artista se dirige a la ciudad y a sus principales signos y movimientos. Ceron se apodera del corazón de la zona, del centro neurálgico del lugar, de los trasfondos del sitio, produciendo en su obra un inextricable entretejido de imágenes sobrecargada de alusiones sociales. El artista resucita el espíritu de los estilos Pop y Neo-Pop, a través de su hiper producción masiva de imágenes colectivas, pero con una sensibilidad hacia el factor humano y el núcleo intrínseco de la ciudad. Se acerca al Pop, pero con otro tinte, con otro abordaje, que, aunque retomando los lugares comunes de la ciudad los amalgama con figuras de referencia humana y cultural, creando un distintivo sistema representacional. El núcleo de la obra no lo conforma la mera infiltración de prototipos de consumo colectivo, sino la reflexión y conexión con un significado social más profundo. Lo popular se ve elevado a una política de la imagen en la que domina un interludio de segmentos singulares de orden personal.
Ceron como diseñador gráfico en el mundo comercial, ha transformado inteligentemente su profesión hacia una reflexión artística profunda sobre la sociedad. Formado en el vocabulario visual del comercialismo, el artista ha logrado traspasar con éxito al ámbito del arte de comentario socio antropológico. Su obra se convierte en un compuesto de significantes puros de los lugares inanimados de la ciudad, como códigos de calles, semáforos, puentes, medios de transporte, monumentos urbanos, edificios y calles emblemáticas, plazas, que funcionan como conjuntos de imágenes-paradigma de la mentalidad colectiva, pero que al análisis detenido muestran un segundo nivel de significado, que hacen reflexionar sobre lo humano, lo social y lo existencial. El método de Ceron cambia del POP o Neo Pop, sus obras digitales se producen a partir de fotografías de orden social que el artista ha capturado en su deambular inquisitivo de los sitios que visita. Son fotografías que develan la intimidad más interna de la ciudad, que se focalizan en las luchas diarias, y los movimientos y acciones de los habitantes de estos lugares; transeúntes, vendedores ambulantes, seres que caminan, que se encuentran, que conversan, que intercambian, son captados en instantes imprevistos. El artista recopila minuciosamente los trajines y ejercicios humanos de la ciudad y luego los asume como resonancia visual en la obra digital. Esta es la pauta base de la que parte este creador. En su propuesta artística, está la obra digital y le complementa a manera de instalación, el conjunto de fotografías que le sirvieron de sustento productivo visual.

En cada obra digital se observa, siguiendo la pauta POP, una amalgama dinámica de figuras planas silueteadas, colocadas en el centro, el cual es siempre el punto turbulento focal del cual emerge el conjunto, proliferándose en radiales hacia afuera. A nivel compositivo, Ceron establece un esquema de trabajo visual; abigarra las imágenes en una agitada espiral de figuras anamorfosicas, que se entretejen se incrustan unas a las otras, se colapsan, se reintegran, se recomponen, creando sorpresivas combinaciones referenciales. El artista entrecasa magistralmente cada figura en un armonioso y a la vez caótico conjunto. El espectador descubre detalles conocidos y nuevos signos inesperados que surgieron de las pesquisas visuales del artista. Cada obra crea un mundo inventivo imaginario que es la ciudad conocida y una que descubre nuevos resquicios jamás vistos. La obra muestra no sólo fragmentos sígnicos de los lugares turísticos, sino las estructuras y funciones de las zonas. Cada pieza articula subjetividad y objetividad en un solo momento perceptivo.

SERIES
SERIE USA

9/11. MEMORIAL NY, USA, una obra de orientación sociopolítica, que ensambla signos referenciales al ataque terrorista y destrucción del World Trade Center de Nueva York. Fue inspirada al artista de cuando viviendo en USA, presencio de primera mano la conmoción política y social del histórico momento. En el plano frontal, posa una paloma de mirada severa; a la manera de un halo idealizado, aparecen puntos-pixeles, en una cita a Lichtenstein, contorneando precariamente su impositivo cuerpo. A su lado izquierdo, se lee 9/11 Memorial en homenaje a los muertos. Del lado derecho, signos gráficos de “policía”, “bomberos”, “reporta an emergency”, aluden a la crisis, al horror y al caos del ataque. A través de un chaleco salvavidas en el plano medio, se percibe entrecortado el skyline de Nueva York, quebrado en dos colores; el fondo muestra un horizonte de edificios en negro, y un cielo alucinado de amarillos y de puntos – pixeles, característica cita a Lichstenstein. A través de signos gráficos, la paloma, el salvavidas y los colores encendidos el artista se conecta con la conmoción de la ciudad y su agudo estado de desequilibrio.

MUNDO COCA-COLA, ATLANTA, USA, muestra en el centro el gran arquetipo de la botella de Coca-Cola como emblema del consumismo americano, con una corona triunfal conformada por botellas de diferentes ediciones históricas de la bebida, en contrapeso aparece un aviso de “prohibidas bebidas abiertas en esta exhibición” como señal reguladora de los lugares, lo que es un rasgo característico en las obras de Ceron, como evocaciones a la autoridad y sus controles
Imponente y protagónica la botella se proyecta como una efigie de poder sobre el trasfondo de la ciudad de Atlanta, incrustado todo en un cielo rojo dinamizado por círculos y puntos-pixeles en gradientes cromáticos. La obra surge como reflexión social, de los poderes del consumismo en la sociedad americana, sobre todo después de visitar la sede de la empresa en Atlanta.

DISNEY, ORLANDO, USA, alude a la fantasía estereotipada de felicidad que venden los parques Disney y que subyace a la esperanza social en la mentalidad americana. En el centro sobresalen, a la manera de pareja imaginaria, los sonrientes caracteres Mickey y Minnie, encerrados en su burbuja celestial; Dumbo el elefante volador se viene en un escorzo forzado hacia el plano frontal del espectador. En la parte superior el castillo de Dysney, el Barco de los Piratas, Los Siete Enanitos, y letreros sobre peligro de cocodrilos, muestran un panorama de los delirantes contextos que ofrece el parque como ciudad de diversión. En una crítica subtextual, en la cual el artista alude al espíritu del “American Way of Life”.

SOBE (South Beach), USA, propone una amalgama delirante de segmentos y entrecruzamientos de la playa Sur de Miami, como prototipos de la imagen-venta que se ofrece al turista. La obra se enmarca en una lujuriosa luz cromática de altos contrastes, que transfieren evocaciones del sol y de la playa; se ven desde edificios del Art Deco Americano, las palmeras típicas de la zona, señales de calles famosas, signos regulatorios del aparcamiento, la bicicleta color flamingo, transporte básico del vecindario, y la típica caseta de salvavidas policromada con la bandera de América. Todo se estructura en un amasijo reverberante de figuras encajadas unas en las otras, y que se proyectan contra una línea de horizonte de aguas turquesas y amarillosas arenas; el cielo es una explosión de formas pixeladas multicolores y al centro del plano medio, un gran circulo solar envuelve el conjunto. Ceron se apropia de la imaginería turística reconstituyéndola en una singular mixtura de marca, como paradigma del consumo masivo.

SERIE EUROPA
LA SERENISSSIMA, es una obra de poética visual con un singular abordaje barroco, que hace homenaje a la ciudad de Venecia, sus aguas, y su cultura. En el plano central aparece la mitad de una góndola desplazándose frontalmente hacia el espectador. La nave aparece abarrotada de señales direccionales, – Oporto, Padova, Trieste, Belluno, – como indicadores de kilometrajes de distancia y de los traspasos entre lo acuático veneciano y lo terrestre circundante. En la parte frontal, aparecen banderillas de Taxi, señales funcionales de los sofisticados servicios de tránsito de la laguna. En primer plano una máscara dorada alude al Carnaval de Venecia y a la comedia del arte. En el trasfondo, domina la monumental imagen de la Torre del Reloj de San Marcos, o “la Torre del Reloj del Moro”, como emblema ineludible para el turista. El cielo, como en otras obras, se pixela y se contrasta entre rojos y amarillos. El skyline es una línea lejana de horizonte de históricas casas e iglesias Venecianas. Ceron “vende” la imagen turística de Venecia en un amalgamiento frenético de imágenes contrapuestas. La composición barroca crea una tumultuosa percepción invasiva, que capta la dinámica de esta ciudad dominada no solo por las aguas, sino también por una turística excesiva.

SERIE COLOMBIA
PUERTO RESISTENCIA.CALI, de profunda orientación sociopolítica, la obra alude al estallido social ocurrido en Cali entre abril y julio de 2021, que el artista vivió de primera mano.
Se observa en el centro, una monumental escultura en forma de antebrazo basada en el monumento al Holocausto de Miami y que representa la mano de Kay Kimi Krachi, dios maya de la batalla. En la mano una pancarta con la palabra “Resistir”. La pieza terminada en coloraturas sanguíneas muestra fotografías de los caídos en este sitio de concentraciones sociales y de protesta. Ceron resignifica artísticamente un evento de orden social que repercutió en todos los niveles de Colombia. Esta obra revela la sensibilidad social del artista hacia su entorno, y un convenimiento político social, también mostrado en su obra 9/1. MEMORIAL NY, USA, Dentro del arte contemporáneo, Ceron propone una cadena de significantes culturales y de la Humanidad que esconde una sutil, pero acida critica al consumismo.

Dra. Milagros Bello
Curadora y Crítica de Arte
Miembro de la Asociación Internacional de Críticos de Arte