Oswaldo Vigas – Ancestral Figures

Eduardo Planchart Licea

Art for Oswaldo Vigas fills every moment of his life; in it there are the dimensions that reveal his many sources of inspiration, among which are his love for conversation, music, reading and cooking. Among these activities spring from his imagination spontaneous sketches that, in the near future, will become works that will be subjected to his critical look for days, weeks and sometimes years. Some paintings are lucky to flow more easily than others, when the artist captures the drawing in charcoal on the bare canvas he senses the difficulty he will find upon arrival at one of the most difficult stages of every creator: knowing when the work is completed.

“My ideal would be that this spontaneous work of the sketch had already the definite proportions of the paintings, so I would not have to intervene the rational that inevitably tries to be imposed and often betray us.”
(Oswaldo Vigas)

Each piece is born from sketches that Vigas constantly creates, it is interesting to note the fluidity with which the artist makes them on any support he has at his fingertips, from paper coasters to a restaurant napkin or Metro tickets. Many of them are colored at birth and when it is so, as Vigas would say, “they are so much not on the tightrope. ” This does not happen with the sketches that are just lines because they are still on the razor’s edge.

This way of finding the sought has some parallelism with the Eastern philosophy of Zen or the neo-Platonic of ideas. While we could say that Socrates’ maieutics achieved, with his constant questions about the seemingly obvious, give birth to truths; Vegas gives birth to forms inspired in his creative mythology, which he has been materialized for decades.

“Every day I am more convinced that the most important acquisition in Contemporary Art is that it has opened the way to the archaic past. When you get into one of those prehistoric caves, touching the walls with your hands makes you relive those moments etched into the rock. Going back thousands of years, and that is present, not past. Each pictorial gesture is a repetition of an archaic act, and that is before spoken language. The hand knows more than the reason. “(Oswaldo Vigas)

For the painter the quest for the ancestral is an eternal present, one of the fundamental sources that feed his work. This dimension has strong symbolic significance, hence the variety and breadth of his taste, which includes pre-Hispanic art, popular, Mayan art, Inca and his special love for African art; all live in his conception of taste without any contradiction with Oriental art- especially Japanese that he collects with passion- and the most varied trends of modern and contemporary art.

To enter into his visual speech is useful to keep this universality and eclecticism of their culture, because there arise from them seeds from which his paintings, sculptures, tapestries, ceramics and engravings are born, producing a spell that traps the novice spectator and delights the knower in museums and galleries around the world where he has presented his work.

The aesthetic impact stems from a delicate balance between his intellectual and spiritual freedom, between the rational and irrational aspects present in each and every one of his pieces, hence so when he wins the National Arts Prize in 1952, with the Great Witch, he will renew our intellectual and artistic world and, provocatively, will begin to occupy a central place in the national art, splitting our cultural and intellectual world. His witches, recreated in a personal language, are rooted in the visual archaeological investigation of central Venezuela. Since this is the decade that Venezuela was under the dictatorship of Marcos Perez Jimenez (1948-1958), with a repressive control over the entire Venezuelan society. However, this did not prevent the enriching controversy between trends staged by characters of the height of Miguel Otero Silva, who was one of his earliest supporters against his detractors.

There was such concern in the artist to seek for his roots, that in the fifties, he goes to the Guajira, where he finds a still neglected dimension of Latin American art: the facial and textile designs of the Wayuu culture, characterized by subtle geometric structures. This interest is typical of a generation and a continent that was to meet its cultural and spiritual essence. As a result, in the fifties, in our art, there gather around the Free Art Workshop of Caracas, Alirio Oramas, Oswaldo Vigas, Mario Abreu, Guillermo Meneses, Juan Liscano, Alejo Carpentier, Oswaldo Trejo, Manuel Trujillo, Rhazes López Hernández, Antonio Estévez, etc. Elsewhere in the continent such as Mexico, is amidst the splendor of the works of Diego Rivera, Siqueiros, Orozco and Rufino Tamayo, in Ecuador expands Oswaldo Guayasamín’s figuration, in Colombia Alejandro Obregon and Enrique Grau, in Peru we find Fernando de Szyszlo and in Brazil, the muralism of Candido Portinari dazzles. The work of Oswaldo Vigas is central in this movement in Latin America, that in Venezuela, was overshadowed by the enthusiasm for the geometric abstractionism, expressed by a group of national artists finding in Paris, the so called “Academy of abstract art” of Vasarely, Dewasne and Pillet, and later by the known boom of kinetics.

The Valencian artist’s visual language is reaffirmed again in his 2005 and 2006 work. However, we could say that in these years there is a chromatic inversion in his pictorial language by emphasizing the relationship between drawings and color. Often the line, like an abyss, delimits vigorously the inside from the outside, as an expressive metaphor of the dualities of existence. Both in substance and in form, the grays or the raw material, which dominated earlier periods, disappear, to give life to greens, reds and yellows, colors of the tropics. It is the bustle of life, characteristic of Caribbean culture that becomes present.

Characters emerge, dominated by a line that creates tension with the bare canvas, and the as spots are born, they begin to sprout atmospheres that have a musical sense by the developed harmonies. Each one of these paintings has its own universe, with emotional loads transmitted by the artist realizing his visual language.

The color line has a chromatic character and, therefore, it not only defines but assumes different depths in its isolation. These strokes have unpredictable features for their rythm, such as in The Fall, (2005), the stroke remains firm over multicolored bodies and in vertical sense, surrounded by a green background that contrasts with red of the faces openings, transformed into surprising visual centers. These small red spots have such a presence in this branching of beings that become fissures that filter life, and is in these openings that the inner world of the beings comes out, these bodies are full of textures that enhance their expressiveness.

Several of the paintings created by Vigas, between the late 2005 and 2006, have totemic features and a configuration which seeks the ascent, turning these characters into cosmic navels seeking to rebuild a visual synthesis that projects the paradoxes that grip humanity In the new millennium, when he has lost the certainty in the foundations of his conception of progress and development. This is perceived in these paintings when the deconstruction and rupture of the characters, typical of the imaginary painting, they are dominated by gravitational movement that focuses on itself.

The last decade of Vegas in Venezuela is characterized, similarly, by a process of de-fragmentation and the management of simplifying dualisms that deny the common sense as guide of action, these are the features that are also present in this figuration from his drawings of the nineties, as evidenced by the series of characters where the organs are exchanged, the body parts, apart from being deformed, are re-signified. So we are before characters whose faces are dominated by the phallic, means through which the artist presents a humanity dominated and manipulated by the sexual. This trend is accentuated in his figuration with the arrival of the new millennium. Beings dominated by inversion create dramatic situations, it is possible to find vagina-shaped mouths, phallic noses, behinds in place of brain… Resources to confront the spectator with a beating beauty that creates a revealing visual discourse of the artist’s inner vision about humanity.

The triangle, crescent, fire, vertical and horizontal, are also present in several of these paintings in which these inorganic forms are transformed into organic geometry appear to relate to the Paraca Incan art , as seen in the wings of some birds of these textiles designs and made up of feathers of triangles.

Other paintings are characterized by their free-form and playful deformation, as in Composition with figures and animals, 2005 and Stranger, 2006, are perceived by the spectator as a spot to which sense is transmitted to it by projecting the external dimension into the interior . Among the pieces dominated by strong colors Solar Figures, 2006 stands out, where he mingles the human and the animal in a personal and organic geometry.

We are before an art language that creates a bridge between the diverse perceptive levels of reality and the searches an even deeper understanding of our soul. Thus, challenging the spectator to investigate these basic forms to reveal its secrets. Therefore, it is not enough to just see them but it is necessary to look at them with attention. This artist’s feature is linked to his passion for the symbolic; that is why in his work each piece is a formal whirlwind where is present a figuration that searches multiplicity and denies uniqueness. Therefore, he distances himself from reality in his thematic, to create his own visual paradigms, which are a contribution to the history of Venezuelan art. An example is the theme of eternal feminine in his work, his zoology and anthropomorphic characters, motifs that are made with the certainty that man is primarily creative. In the horizontal paintings, in landscape design, Vigas avoids isolated figures by creating clusters of beings of various types, consistent with his zoology and fantastic anthropomorphism, like dogs without a head, the snakes that hide its forms, and the human bodies reassembled in a symbolic anatomy reborn in every spectator to rediscover herself.

“Painting has made me more human, because I think the value of a man is in direct proportion to what he can contribute to the discovery of the enigmas of the being.” (Oswaldo Vigas)

Caracas, Venezuela
February 2006

Remedios Varo: La Alquimista del Sueño que Pintó Universos Ocultos

Adéntrate en el hipnótico mundo de Remedios Varo, una de las figuras más enigmáticas y cautivadoras del surrealismo del siglo XX. Nacida en España en 1908, su carrera artística no fue un mero despliegue de talento, sino una odisea mística y alquímica que la llevó de los círculos vanguardistas europeos a convertirse en un faro de la fantasía en México. Sus obras, intrincadas y llenas de simbolismo, son un portal a dimensiones donde la ciencia se fusiona con la magia, y lo real se disuelve en el reino de los sueños. Prepárate para un viaje visual que desafiará tu percepción.

De la Ingeniera Rebelde a la Maga del Pincel

La infancia de Remedios Varo estuvo marcada por una peculiar dualidad. Su padre, un ingeniero hidráulico, fomentó su temprana habilidad para el dibujo técnico, enseñándole sobre precisión, perspectiva y mecánica. Esta influencia temprana se percibe en la arquitectura detallada y las intrincadas máquinas que a menudo pueblan sus pinturas. Al mismo tiempo, su estricta educación católica y su fascinación por lo esotérico sembraron las semillas de su futura exploración de la mística y la espiritualidad.

Varo llegó a París en la década de 1930, sumergiéndose en el torbellino del surrealismo. Aunque compartió espacio con figuras como André Breton y Max Ernst, Varo se mantuvo firme en su visión única. No fue una seguidora pasiva; fue una creadora activa que incorporó sus intereses en la alquimia, el esoterismo, la psicología junguiana y las tradiciones místicas (tanto occidentales como no occidentales) en su propio lenguaje visual. Su exilio forzoso a México en 1942, huyendo de la Segunda Guerra Mundial y la represión en Europa, fue un punto de inflexión crucial.

México: El Laboratorio de la Imaginación

México se convirtió en el crisol donde la imaginación de Remedios Varo alcanzó su máxima expresión. Lejos del caos de la guerra, encontró un refugio y una profunda resonancia cultural que alimentó su creatividad. En la Ciudad de México, junto a sus amigas y también artistas exiliadas Leonora Carrington y Kati Horna, formaron un trío inquebrantable de “brujas” creativas. Fue en este ambiente donde Varo pudo dedicarse de lleno a su pintura, desarrollando su estilo distintivo y meticuloso.

Sus obras de este período son universos autocontenidos, donde figuras andróginas, a menudo inspiradas en su propia imagen, se dedican a tareas misteriosas en entornos arquitectónicos y naturales que desafían la lógica. Temas recurrentes incluyen:

• Alquimia y Transformación: Las pinturas de Varo están repletas de referencias a la alquimia, no solo como una ciencia antigua, sino como una metáfora del proceso creativo y la transformación interior del ser. Sus personajes a menudo están en busca de conocimiento o transmutando elementos.
• Maquinaria Onírica: Fusionando su herencia paterna con su imaginación, creó aparatos y dispositivos fantásticos, casi siempre con un propósito místico o metafórico, que funcionan con fuerzas invisibles o extrañas.
• Misticismo y Esoterismo: Desde el tarot y la astrología hasta las enseñanzas de G.I. Gurdjieff y la Cábala, Varo exploró diversas filosofías ocultas. Sus pinturas son visiones de mundos interiores, donde la lógica del sueño impera y la espiritualidad impregna cada detalle.
• Conexión con la Naturaleza: A pesar de sus mundos a menudo cerrados, la naturaleza (plantas, animales híbridos, elementos cósmicos) juega un papel vital, a menudo interactuando de formas inesperadas con los seres que los habitan.

La técnica de Varo era tan peculiar como su imaginario. A menudo utilizaba métodos del surrealismo como la decalcomanía (presionar papel sobre pintura húmeda para crear texturas) o el fumage (usar humo de vela para crear patrones), combinándolos con una precisión casi renacentista que aprendió de su padre y en la Real Academia de Bellas Artes de Madrid.

Un Legado Duradero y en Ascenso

Aunque Remedios Varo falleció prematuramente en 1963, su obra ha experimentado un resurgimiento global en las últimas décadas. Hoy es reconocida no solo como una maestra del surrealismo, sino como una artista que dio voz a una profunda búsqueda espiritual y filosófica a través de la pintura. Sus cuadros, que combinan lo antiguo y lo futurista, lo científico y lo mágico, continúan desafiando al espectador a mirar más allá de lo evidente y a encontrar la maravilla en los rincones más ocultos de la imaginación. Su legado es un recordatorio del poder del arte para construir mundos que nos invitan a la introspección y al asombro.

Referencias y Fuentes Clave:

• Libros y Catálogos de Exposiciones:
  • Kaplan, Janet A. Unexpected Journeys: The Art and Life of Remedios Varo. Abbeville Press, 1988. (Considerada una de las biografías más importantes.)
  • Chauvel, Jean. Remedios Varo: Catalogo Razonado. Ediciones Era, 1994. (Catálogo completo de sus obras.)
  • Catálogos de exposiciones: Especialmente las retrospectivas del Museo de Arte Moderno (MAM) en Ciudad de México, el National Museum of Women in the Arts (Washington, D.C.), y el Art Institute of Chicago.
• Museos y Colecciones (con obras significativas):
  • Museo de Arte Moderno (MAM), Ciudad de México: Alberga la colección más grande y significativa de la obra de Remedios Varo, donada por su viudo, Walter Gruen.
  • Art Institute of Chicago: Ha organizado importantes exposiciones y posee obras clave.
  • National Museum of Women in the Arts (NMWA), Washington, D.C.: Destaca su contribución al arte femenino.
  • Guggenheim Museum, Nueva York.
  • MoMA (Museum of Modern Art), Nueva York.
• Artículos y Publicaciones Online:
  • The Collector: “Remedios Varo: The Surrealist Artist in 7 Works and 7 Facts.” (www.thecollector.com)
  • Art in Context: “Remedios Varo – The Pinnacle of Mexican Surrealism.” (artincontext.org)
  • Christie’s: “10 things to know about Remedios Varo.” (www.christies.com)
  • Artsy: Artículos sobre sus influencias místicas y feministas. (www.artsy.net)
  • Wikipedia: (es.wikipedia.org/wiki/Remedios_Varo)

Indumentarias y urdimbres

La indumentaria y el textil  desde centurias se transformaron  en una segunda piel, y  ha ido evolucionando y contextualizando culturalmente,   el arte nunca se ha mantenido alejado de este proceso y las barreras con lo artesanal siempre han sido difusas,  si bien en el   modernismo no fue uno de los ejes de su atención él, en él artistas como Matisse pintaron sobre diversos tejidos como alfombras para darles un ritmo que rompiera con su composición geométricas tradicionales. De igual manera artista rusos como Delaunay y Klee “…amaban el lenguaje textil: primacía de la estructura y del color sobre el dibujo, contenido hermético, serialización, repetición, importancia del fragmento…En las obras de estos pintores los tejidos ya no formaban parte de la composición, es decir, el pachtwork o el bordado ya no estaban en una habitación o en la blusa de una chica: eran el tema. Esto lo hicieron sin apartarse un ápice del arte como meta.”(Lanceta, Teresa. Tomando Caña, Revista Arte y Aparte, N 14, España. Edic.del Limón, 1998, p.40)

En la contemporaneidad  se esta dando un vuelco en este sentido  surgen mayor númeero de propuestas que hacen del textil y la indumentaria su eje, en ellas se une  el pasado, el presente y el futuro. Propuestas  innovadoras que parecer ser un retorno a las raíces que convierte la indumentaria en habitáculo, fetiche,  metáfora como lo fue en el pasado se le agregan contenidos del arte conceptual, de arte povera,  de arte ecológico, de land art, de fusión de arte y tecnología con climas en ocasiones apocalípticos que sin embargo tienen  una fuerte raigambre  en lo ancestral. Creando un puente entre el pasado  y el presente post industrial. Estos lenguajes plásticos parecieran ser un  recordatorio de que la humanidad actual está volviendo paradójicamente gracias a los avances tecnológicos a ser  una civilización dominada por categorías aparentemente superadas como lo es el  nomadismo y la amenaza del apocalipsis por la contradicciones generadas por nuestra concepción de progreso,  así, ya sea a través del tiempo y el espacio real o del virtual a través de Internet se crean nuevas formas de nomadismos que se proyectan en el arte desde diversas perspectivas recordándonos que debemos alejarnos de nuestras raíces, que la crisis ecológica como es el cambio climático impondrá obligatoriamente una nuevo modelo civilizatorio que impondrá una nueva concepción del vestir y del vivir.  De ahí, el énfasis en ese rescate de lo cotidiano como tema a través del textil y la indumentaria, pues es una vía de mostrar lo que somos, que es el primer paso para poder percibir un nuevo destino,

 Diariamente nos enfrentamos al hecho de que existimos  en una sociedad globalizada. Y ante esta realidad  la creatividad artística que saca lo mejor de la concepción de aldea global que predijo Machulan sin sospechar que sus profecías serían superadas por la realidad.

Gran número  de las propuestas artística que se adentra en estas dimensiones  no logran alejarse de ancestralidad a que nos remonta el textil y la indumentaria, por más que  eviten  eludir  estos nexos, a su vez en cada uno de estos lenguajes existe una posición ante el destino que se sustenta en la metáfora del tapiz como anudamiento del tiempo. De ahí, que gran número de deidades y rituales en diversas religiones esten vinculados de alguna u otra manera al textil. Por esto muchas de estas propuestas nacen de un acto  conciente  de un acto   que las anuda a raíces ancestrales y cósmicas. Esto transforma el arte en una a toma de conciencia que va más allá de  dualismo,   pues el tejer ha tenido en muchas culturas un significado cosmogónico y un factor vinculante entre lo femenino y lo masculino, como metáfora del origen cósmico como se ejemplifica  entre los Kogi, de Sierra Nevada de Santa Marta, y en los Desana en las selvas tropicales colombinas que perciben el universo como una gigantesca tela de araña, visión que se traduce en términos éticos como la búsqueda de la perfección como un caminar entre esta urdimbre. Metáfora que se encuentra presente también  en los Upanishad, textos sagrados de la india la existencia  es percibida como el caminar sobre el filo de una navaja. Para los Kogi,  como para los griegos su cosmogonía está íntimamente vinculada a la creación de los tejidos y sus diversos diseños, que son propios de cada linaje o familia, así, la imagen simbólica que es la tromba como fenómeno periódico de la región del Caribe.

“Apareció bajo la imagen dramática de un enorme huso que giró estruendosamente uniendo las dos dimensiones(mar y cielo). Fue el huso de la Madre, con que ella tuerce el hilo de la vida. En el acto de la creación, al formarse la primer tierra fierme, la Madre clavó este huso gigantesco en el pico más alto de Sierra Nevada, como un axis mundi, el centro, elárbol de la vida, la gran ceiba…”

Para la civilización occidental clásica la visión arquetipal de la tejedora se vincula a la personificación del destino y al tiempo. De ahí, la concepción griega  de las tres  tres Moiras(Atropos, Cloto y Láquesis), llamadas Parcas entre los romanas.

“Después de la epopeya homérica, la idea de las tres Moiras(Parcas), Átropo, Cloto, y Láquesis, regulan la duración de la vida desde el nacimiento hasta la muerte, con ayuda de hilo que la primera hilaba, la segunda enrollaba y la tercer cortaba cuando la existencia llegaba a su término. Estas tres hilanderas son hijas de Zeus y Temis, y hermanas de las horas. Según otra genealogía eran hijas de la noche…”(Grimal, Pierre. Diccionario de Mitología Griega y Roma. Paidos. España. 1981.p.364)

Concepción también presente  en  Penélope, quien intentó atrapar el tiempo y deshacerlo en el tapiz que va creando para determinar su destino y dar espera a la llegada de Odiseo. En El textil contemporáneo se encuentran presente con sus telas que tenen el espacio tiempo de su coordinadas, los índices se Violencia de Maricarem Carrilo, Oscar Machado que atrapa el tiempo sideral en sus tejidos entre especies de telas de arañas de fino manteles con lentejuelas, del Peru Cristina Colichon que crea inspirada en los textiles incas, para crear un textil contemporáneo que fusión el tiempo y espacio.

El Arte Perdurable

Eduardo Planchart Licea

“El artista se exterioriza a sí mismo, creando formas perdurables, formas que trasciendan al hombre, que existan, que habiten con nosotros, que nos acompañen, que sean producto del tiempo como un espejo de la realidad.” (Enrico Armas)

Realidad transmutada, recreada al encuentro de situaciones arquetipales, transmite a la propuesta de Enrico Armas una expresividad creadora de tensiones entre la figuración y la abstracción a través de recursos plásticos como la mancha, el grafismo y los contrastes cromáticos que le ha permitido tener un lenguaje personal. Esto transmite a cada pieza del artistas climas existenciales que nos enfrentan a lo nostálgico, lo lúdico e, incluso, a pequeños acentos de angustia que se expresan en la pincelada nerviosa de sus cuadros o en las huellas de su pulso impreso en las esculturas.

Su visión pictórica la dirige una obsesión por lo tridimensional, energía retenida que penetra de las realidades entre sí. El estoicismo impugnó la impenetrabilidad de la realidad y planteó la ligazón y participación mística entre las cosas. Siglos después este planteamiento se convirtió en el fundamento de la estructura de la materia, planteado por la física contemporánea. Esta tesis de Crisipo explica que el universo se encuentra en estado de unión. “Nada se opone a que una gota de vino se mezcle con el mar.” Situación estético filosófico presente en la manera como Enrico Armas hace uso de la mancha, giros matéricos de energía retenida de los que brotan elementos de la realidad, flores, letras, figuras esquematizadas a la búsqueda de crear un espacio y tiempo propio.

“Al final creo que es importante definir un territorio, que somos donde nos sentimos mejor, creo en el arte como forma de perpetuarse en el tiempo, como una forma de construir un espacio tiempo.”(Enrico Armas)

Y es esto se percibe con mayor claridad cuando nos enfrentamos a las esculturas y dibujos de este artista. Las vibraciones de sus esculturas en alambre de acero y aluminio plantean el dilema de la inmaterialidad, pues parecen líneas en el espacio que se niegan a la quietud, plenas de una energía molecular en sus formas, como se manifiesta en la pieza Espiga Dorada, 1989, cuyo carácter de haz de energía lumínica busca su origen celeste. En otras piezas asume la forma de la cruz, como el caso de Espiga, 423, 1989, donde se establece un constructivismo que hunde sus raíces en la escultura inglesa.

Este rasgo, que recuerda la estructura del átomo, es algo que traduce en su obra pictórica a través de la energía que logra transmitir a las manchas cromáticas. Tensión entre caos y orden, cosmología plástica que se expresa en la disolución que logran a través de los contrastes cromáticos de la mancha y el equilibrio que se establece entre este recurso y las figuras arquetipales que introduce en cada cuadro. Este sentido se hace más evidente en la escultura Aro amarillo, 1989, en donde el metal se transforma en giro, velocidad, tensión replegada sobre sí misma, generadora de realidades y tiempos paralelos como es la coincidencia en un mismo espacio de elementos míticos como el caballo, cotidianos como un florero y lúdicos como el trazo abstracto. Esta versatilidad de su lenguaje expresa una rigurosidad y pasión creativa, presente en los trazos que dejan las huellas indelebles de lo edénico.

“Ante todo creo que lo importante es que el artista defienda su libertad de creación, vivir, romper, inventar y construir una coherencia interior.” (Enrico Armas. Desde sus inicios Enrico Armas demostró carecer de prejuicios creativos por la versatilidad que lo caracteriza para pasar de lo dibujístico a lo pictórico y a lo escultórico, ambientes a los que se dirige libremente y se complementan entre sí. “El punto sería hoy en día que el artista se enfrenta a una libertad que nunca antes había tenido. Si Picasso abrió ese camino donde todo era posible…”(Enrico Armas)

Logró intuir que las barreras entre las diversas disciplinas artísticas en la modernidad y la contemporaneidad se desmoronaron, para ir creando un arte cada vez más ecléctico, más dinámico y más holístico. Realidad relacionada con la globalización como fenómeno que no sólo afecta la relación de la humanidad consiguió misma, sino que se expresa en sus manifestaciones materiales y espirituales. Así, la obra de Enrico Armas. Se caracteriza por pasar de un lenguaje a otro e incluso fusionarlos, pues muchas de las pátinas de sus esculturas buscan lo pictórico y sus manchas lo escultórico.

Qué mejor representación material de este sentido que la diversidad de tratamientos que hace del caballo en sus cuadros y esculturas, animal, símbolo plástico, eje de su obra, conexión entre lenguajes.

El equino es movilidad, y en los desarrollos escultóricos que realiza destaca ese gusto por moldear la pieza con sus manos, dejando las huellas de su tensión emocional sobre la superficie del bronce, que tiene su paralelo pictórico en el tratamiento de la mancha.

Pero en estas esculturas también estamos ante la distorsión presente en el alargamiento de los cuellos y patas, creando una sensación de soledad existencial que recuerda a Giacometi. Pero el arcaísmo que le transmiten el creador a sus piezas las expulsa de este abismo interior, haciéndoles ganar un carácter lúdico que se hace más patente en sus recientes esculturas en acero, donde lleva la línea de su dibujo a la tridimensionalidad, continuando con una búsqueda de romper con las limitaciones.

Este sentido también se evidencia en cuadros como Un Caballo Frente al Mar, 2001 o Paisaje en Amarillo, 2001. En sus pinturas y en sus patinas las machas son metafóricamente capas de memorias, que convierte el cuadro en un calidoscopio de ensueños. Al incorporar los climas abstractos con figuraciones míticas, caligrafías, palabras sueltas, frases que intentan completarse en la imaginación del espectador se crean atmósferas de paradoja, manteniendo esa unidad que busca atrapar las esencias y no las realidades materiales. Siguiendo el discurso platónico, diríamos que estamos ante ideas más que arquetipos. El derroche de color crea una obra ligera, musical, que refresca el espíritu, que anhela la alegría, la felicidad como objetivo de la vida humana, hoy horizonte olvidado por el acelerado ritmo de la contemporaneidad y los dilemas a que nos enfrenta. Su obra pictórica se plantea como una interrogante y un camino sobre la vida. Introduce elementos cotidianos, floreros, vasos, cafeteras, fragmentos de vida que nos advierten sobre las pequeñas cosas que le dan sentido a nuestro devenir.

Cada cuadro de Enrico Armas da la sensación de un jardín epicureano, pero su vida se ha rodeado más de la concepción de pórtico que nos recuerda el estoicismo y de convertir a la filosofía y al arte en técnica para la virtud, cuya práctica tanta falta le hace a la humanidad. Esta obra anhela trascender el arte por el arte, al buscar una reflexión sobre nosotros y nuestra situación existencial, al recordarnos la belleza que nos rodea como eco del universo y de la necesidad de actuar éticamente sobre él.

“Así nadie pinte, Yo seré el último pintor. Yo daré ese último grito.” (Enrico Armas).

Eduardo Planchart Licea
Caracas, Venezuela
Octubre del Año 2001