The closure of art spaces and venues during lockdown has exacerbated the challenges faced by artists operating in a live sphere. Here, Liv Fontaine offers ten pearls of wisdom for surviving the minefield of working as a freelance performer.
1. Keep performing
After almost ten years of performing in galleries, I now feel much happier doing my act at punk shows in fringe venues. Art spaces are great, but it’s in the pubs that I feel I can really get down to business. If no one wants to programme you, programme yourself.
2. Safety first
I have learned a lot from getting heckled or even threatened in the middle of a set, but it can very quickly become uncomfortable. Spectators often see performers’ bodies as public property, so be clear about your boundaries with organizers and audiences. There can be pressure to respond wittily to an onstage interruption, but I find the classic ‘Get to fuck you chicken-livered shit!’ works for me.
Liv Fontaine, Narcissus, 2018. Courtesy: the artist
3. Know who you are and keep telling everyone
Performance teases people. In this sense, although it can be draining, it’s a good idea to use social media. Performance relies on the artist’s presence and social media offers the illusion of presence, even if the reality is: self-doubt, crippling debt and spiralling spotlight syndrome.
4. Be aware of the post-performance ‘come down’
I have been through multiple episodes of madness, wondering where the performance stops and I start. It is a state of incongruence that you could spend many hours and much money exploring with a therapist. It has led me to do completely unimaginable and very unusual things, including rebranding myself as a landscape photographer and confessing to crimes I did not commit. Ignored, this can take a toll on your health and relationships, so it’s good to keep considering.
5. Be really clear about what you want to do
There is still a general judgement that performers are a bit wild and all over the place, which is true. When working with producers and curators, be practical about what you want to achieve and state why it’s absolutely necessary that you do it. If your work relies on turning the stage into a scale reconstruction of the unstoppable bus in the 1994 action thriller Speed, don’t compromise.
Liv Fontaine, People Pleaser, 2019. Courtesy: the artist and Catalina Barroso-Luque; photograph: Isobel Lutz-Smith
6. Be friends with other performers
Surround yourself with people who understand the seething cauldron of your mind and don’t consider you to be just egotistical. Most people assume performers are very sure of themselves but, to a performer, performance is just a medium or, sometimes, an erratic, unstable compulsion.
7. Only do work that you really believe in
You must have complete conviction in what you do because there is an element of sacrifice to performance, so it’s got to be worth it. I realize this might sound a bit dramatic but, if I ever wanted to become prime minister, I wouldn’t be able to because there’s footage of me all over the internet tit-wanking bananas and screaming about my cheating ex-husband.
8. If the feeling stops, stop
To me, there is nothing more exhilarating than performing live: it’s an out-of-body experience that can leave me with extreme emotions for days. If that ever ended, I would stop performing.
Liv Fontaine, 2019. Courtesy: the artist; photograph: Heather Glazzard
9. Don’t pigeonhole your performative self
Performance is the basis of my whole practice, but I don’t feel completely defined by it because my process also involves writing, drawing and video work. Sometimes, live work is exhausting; it’s good to take a break, take a breath and come back with a BANG!
10. Keep going
I receive less than one acceptance for every 20 applications I make. It can be lonely, and the rejection is incredibly hard to process. I persevere because people keep coming to the shows, I can’t keep my mouth closed and we have to keep challenging the absolute shite that is being thrown at us. I may be biased but, when I watch live work, my mind is often totally blown. I rarely feel like that at the National Portrait Gallery
Main image: Liv Fontaine, This type of thing won’t keep you warm at night, 2018, photograph. Courtesy: the artist
LIV FONTAINE
Liv Fontaine is an artist. In 2021, her work will be included in Glasgow International, UK. She lives in Glasgow.
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Daniel Gerhartz began his art education at the American Academy of Art in Chicago where he studied in the classical tradition and immersed himself in applications of technique and design. Daniel’s direct approach to working with the figure and landscape allowed him to see and attempt to capture the infinite nuances of light, color, and form. Since then he has been featured in solo and group shows across the country and has won numerous awards at prominent national invitational exhibitions and his work has been collected both nationally and internationally. Daniel has taught workshops for over 25 years and is excited to share his knowledge with many artists from around the world.
What You’ll Learn: -You will learn Daniel’s comprehensive approach to working with the figure En Plein Air, from logistics in set up to being flexible in changing light situations. -You will experience this gallery painting develop entirely as he works with the model outdoors, describing his process from beginning to end during the 4 days of filming. -Daniel addresses the need for a solid composition before you begin and demonstrates key points in implementing the strongest design.
Context consists of all of the things about the artwork that might have influenced the artwork or the maker (artist). These would include when the work was made; where it was made (both culturally and geographically); why it was made; and possibly some other details or information. Contextualism—looking at the cultural context of an artwork—can deepen and/or improve our understanding of an artwork, but it may or may not change our first impressions; and it doesn’t really have an effect on formal analysis. With some additional contextual information about the time, the culture, and the maker/artist of an artwork, we can become more informed. All artworks exist in a context—more accurately, all artworks exist in multiple contexts.
Historical Context
Time is the most basic and first context we consider. When we say, “When in time?” the question is also related to where in time—and has considerations related to context.
Art and Artist Context
The context for the artist or creator includes:
Their culture, their worldview (where they grew up; family values; etc.)
Their place; geography (e.g., city, rural, home, traveling)
Their “worldview,”religion, beliefs, etc.
Viewer Context
Context also has to do with the viewer. For example: When a person in Paris in the 1890s looked at a Van Gogh painting, how that painting looked and felt and seemed to her was very different from an American viewer looking at the same painting today. When thinking about a viewer’s context, it’s useful to think about the following, since all of them can affect how person sees or responds to an artwork:
Director of Education at the Pérez Art Museum Miami andCurator-in Residence at the Little Haiti Cultural Complex (LHCC)
Born and raised in Denver, Colorado. She currently lives and works in Miami, Florida. Marie completed her studies at the Fashion Institute of Technology in New York City, and Florida State University, which includes degrees in both Visual Arts and Public Administration. Marie Vickles is the Director of Education at the Pérez Art Museum Miami and Curator-in- Residence at the Little Haiti Cultural Complex (LHCC). She has organized arts educational programs, workshops and exhibitions across the United States and the Caribbean for over 15 years and maintains an active practice as an independent curator producing over 30 exhibitions and curatorial projects. Her curatorial work includes the co-curation of Prizm Art Fair, Miami, FL (2013), Visionary Aponte: Art and Black Freedom, Little Haiti Cultural Complex, Miami, FL (2017), walls turned sideways are bridges: narratives of resistance at Florida Agricultural and Mechanical University (FAMU), Tallahassee, FL (2019), and Dust Specks on the Sea, Little Haiti Cultural Complex, Miami, FL (2019). In her work as an arts educator and cultural practitioner, she is concerned with the development of new ways to bridge the connections between creativity and community engagement – with the goal of supporting equity, sustainability and access for all, through the arts.
About:
Museum educator, independent curator and artist
Visionary perspective leading to effective partnerships of public and private sector Arts and non-arts entities.Proven ability and successful track record in arts education and programming; creating opportunities for communities to engage in the arts; facilitating spaces that foster a love of learning and participation in the arts. “I am concerned with the development of new ways to bridge the connections between creativity and community engagement with the goal of encouraging livability through the arts. Attributes that best describe me would include optimistic, empathetic, creative, persistent, problem-solver, motivated, responsible and flexible. I am committed to Miami because this is my home and as a part of this community I am responsible for contributing to the greater good of what Miami is and can be. The possibilities in Miami to achieve success are limitless and our rapidly changing neighborhoods, public places and social institutions reflect the desire of Miami’s communities to embrace change for the better while remembering the past. I choose live and work in this beautiful and challenging environment because I am inspired by both the people and the environment. As an arts administrator I have the daily pleasure, and challenge, of engaging the community through the arts. I strive to provide children and adults with the opportunity to participate in high-quality arts programs that have lead to opportunities for self-reflection, community engagement and holistic thinking. The creation of public-private partnerships, both large and small, have allowed me to experience first-hand the various channels available to reaching the community, and understanding the importance of utilizing more than one method. The issues and needs of Miami’s communities are as diverse as the people that make up this unique place.”
Magic happens when artists come together to create. Whether it’s a film shoot, live performance, or art show, Peerspace aims to be there to accommodate your next masterpiece. Let your creativity bloom in one of the thousands of spaces available on the largest online marketplace for production and event venues. No matter your budget, you can make your performance art ideas come to life with Peerspace.
Think outside your garage or the local coffee shop, and book somewhere spectacular for your next project. You can rent a theater, loft, warehouse, or whatever fits your project for an hour at a time. There are filters that let you narrow your search to venues that have green screens, A/V equipment, and other amenities. If you are bold and want to make a statement with a live piece of performance art, we can help you find the ideal venue. Performance art is a powerful medium that creates an immersive experience for viewers
Often political, sometimes controversial and shocking, it often comes with a message. It can involve body art, costumes, props, or normal, everyday activities in strange places. Whether the goal of your performance art piece is to raise awareness about a particular cause or issue — or simply to make a statement — there are a few things you can do to make sure your display is a success. Here are eight performance art ideas that will grab your audience’s attention and leave them wanting to know more about your work.
1. Make it interactive and collaborative
If one of your performance art ideas is taking place out in public, invite passersby to contribute to your artwork in some way. Provide extra paint; have a fill-in-the-blank prompt or a question and some markers and paper; or ask permission to take photographs of people. Depending on what type of performance you are giving, there is a variety of ways you can allow people to collaborate. Think of it like a living community mural! People who participate are likely to take photos, equaling more exposure for your work.
2. Collect donations for a cause
If your art project is social change-oriented, consider raising money along with awareness. For example, if your art is about animal rights, donate any proceeds to wildlife conservation organizations or local animal shelters. You can even incorporate your donation collection bin into your artwork if you have constructed a sculpture of some sort. Think of it as similar to a street musician collecting cash in their guitar case, but keep in mind that it might not be obvious that you are accepting donations, so be sure to make proper signage saying as much.
3. Think of eco-friendly performance art ideas
Performance art can be messy and isn’t always the most environmentally friendly. Consider the earth when designing your piece. Avoid things like glitter, paints, and other non-biodegradable materials. Instead, use food, plants, costumes, and recyclable materials. That way, you have an easy cleanup job when you are done, and you won’t get into any trouble or slapped with any fines for littering. Your performance art ideas can easily be sustainable.
4. Choose a special date
Recognize a meaningful date with your performance piece. Plan to have the piece coincide with certain holidays or days of remembrance like Earth Day, Memorial Day, Election Day, Columbus Day, Transgender Day of Remembrance, D-Day, Martin Luther King, Jr. Day, Harvey Milk Day, or International Holocaust Remembrance Day. Your local cultural center may be open to collaborating with you for the piece if it is associated with a major holiday and a particular community, which will in turn give you more exposure and support.
5. Be thoughtful about your choice of venue
Sometimes performance art ideas take on a meaning associated with the place where it is happening. Your performance art doesn’t have to only be done in a public space for unsuspecting passersby. You can make it an entire event, complete with a venue, and invite people to come watch. Your venue may even be a part of the performance itself, and not just a backdrop for it. No matter what you have planned, Peerspace can help you find the venue in which your wildest creative dreams can come alive. The platform is home to thousands of Insta-worthy spaces available for rent by the hour.
6. Give something to passersby
Leave your audience with a souvenir (even if it’s just your business card). If you can incorporate it into the performance by, for example, handing out flowers, then even better! Include your social media handles and website address on whatever you choose to hand out. It could be stickers, pins, small art prints, or even zines.
7. Host a public meal
Break bread with your community. Set up a table or lay down a picnic blanket and host a feast for strangers. This performance art idea can be adapted depending on which direction you want to take it. You can decorate with certain place settings, serve particular foods, and arrange things in specific ways depending on the goal of the piece.
This stunt would work particularly well on college campuses and in other high-traffic areas like parks in large cities. You can also send out invitations for the public feast performance, if that works for your project and your intentions. For the sake of saving time and ensuring food safety, make sure every food item in your display is store-bought and not easily perishable.
8. Wear a mirror everywhere you go
Find a cheap mirror or several small mirrors at Target or another department store, and make it portable so that you can carry it with you. The mirror itself can be the art, and it will change depending on what you are facing. This simple but versatile performance art idea can be adjusted for different purposes and is something you can do almost anytime, anywhere.
Creating performance art is a unique, deeply personal process that varies from artist to artist. While we cannot tell you exactly how to go about designing your performance, we do know that these eight performance art ideas can help get your creative wheels turning. Now go forth and put great art out into the world!
Te gustaría exponer tus obras de arte en Miami, FL USA
Nuestro objetivo es ayudar a desarrollar una carrera profesional a todos aquellos que, de un modo u otro, quieran dedicar su vida a la creación artística, promocionando, exhibiendo y comercializando sus obras. Si estás interesado en dar a conocer tus creaciones (pintura, escultura, fotografía…), ya sea a través de internet o en nuestro espacio físico, nosotros podemos ayudarte.
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A continuación, te suministraremos también algunas de las más reconocidas instituciones educativas del mundo que cuentan con afamados programas de Arte:
Universidad Internacional de Florida: es una universidad pública que fue fundada en 1972 y está ubicada en Miami, Florida. La universidad cuenta con una matrícula de aproximadamente 38.000 estudiantes y se compone de 12 colegios diferentes, como Arquitectura y Artes; Artes y las ciencias; Administracion de Negocios; Educación; Ingeniería y Computación; Honors College; Ley; Medicina; Enfermería y Ciencias de la Salud; Administración de Hospitalidad y Turismo; Periodismo y Comunicación de Masas; y Salud Pública y Asistencia Social mediante los cuales ofrece títulos de grado y posgrado en diversos campos.
Hernán Gamboa Gallery: La Galería Hernán Gamboa actúa como una galería de arte reconocida, artistas en las comunidades de museos de arte internacionales y pretende colaborar con la red de museos de arte y galerías de arte en Miami Dade y en todo el mundo. La Galería fue fundada en 2000. La misión de la Galería de Arte Hernán Gamboa es ayudar a todos los artistas y fomentar la apreciación y comprensión del arte y su papel en la sociedad a través del contacto directo con las obras de arte originales. La Galería organiza exposiciones y programas educativos para ofrecer disfrute y fomentar la investigación.
Los objetivos de la Galería Hernán Gamboa son estimular e inspirar a artistas nacionales e internacionales para que se den a conocer y ayuden a alcanzar el éxito y su marca personal en el Mundo del Arte. Nuestra visión es apoyar y ayudar a los artistas del mundo ofreciendo oportunidades de exhibición, recursos y servicios como seminarios, talleres y más.
Universidad de Arkansas en Little Rock: fundada en 1927, es una universidad de investigación pública ubicada en Little Rock, Arkansas. La Universidad otorga certificados, diplomas, asociados, licenciaturas, maestrías, doctorados y los primeros grados profesionales. Los programas se ofrecen en varios campos que incluyen la informática, filosofía, religión, idiomas, salud y ciencias clínicas, múltiples o interdisciplinarios, servicios de seguridad, comunicaciones, periodismo, educación, etc.
Universidad Washburn: es una institución pública establecida en 1865. Cuenta con alrededor de 6.500 estudiantes. Ubicada en Topeka, Kansas, la Universidad ofrece más de 200 programas que otorgan títulos de certificación, asociado, licenciatura, maestría y doctorado por la Facultad de Artes y Ciencias y las escuelas de Estudios Aplicados, Negocios, Derecho y Enfermería. Los programas de posgrado se ofrecen en los campos de derecho, justicia penal, psicología, enfermería, trabajo social, estudios liberales, educación y negocios. También realiza varios de sus programas a través del modo de educación a distancia y en línea.
Universidad Comercial de Texas A&M: fundada en 1889, Texas A & M University – Commerce es una institución financiada con fondos públicos que forma parte del sistema de la Universidad Texas A & M. La universidad ofrece grados de pregrado y posgrado a través de la Escuela de Artes y Ciencias, la Escuela de Negocios y Tecnología y la Escuela de Educación y Servicios Humanos. La Universidad tiene su campus principal en Commerce, Texas, con sucursales en Corsicana, Mesquite, Midlothian y Dallas. La universidad tiene un cuerpo estudiantil de 5.000 estudiantes universitarios y 3.000 graduados.
Universidad Old Dominion: fue fundada en 1930 como División del Colegio de William & Mary Norfolk. Se encuentra en Norfolk, Virginia. Institución pública, inscribe a más de 20 mil 800 estudiantes en la actualidad. Otorga títulos de licenciatura, maestría y doctorado; así como grados de especialización educativa a través de las siguientes facultades: Artes y Letras, Ciencias Empresariales y Administración Pública, Educación, Ingeniería y Tecnología, Ciencias de la Salud; Colegio de Honores, Ciencias, y el Colegio Universitario.
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La life coach venezolana Sindy El Souki presenta su primer libro, “Libérate del coco: Cómo destruir las creencias limitantes y reescribir la historia”, que ya está disponible en Amazon. En estos momentos Sindy también organiza tres talleres inspiracionales: “Descubre el poder de ser tú”; “Rompiendo patrones”; y “Yo soy mi meta” (16 de noviembre al 7 de diciembre). Más información, en www.yosoymimeta.com y en el Instagran @sindyaelsouki Luego de trabajar durante cinco años impartiendo talleres para la renombrada academia de transformación personal Líderes, Sindy El Souki se ha independizado. Actualmente presenta tres programas motivacionales digitales y lanza su primer libro, “Libérate del coco”, donde explica cómo afectan las creencias limitantes (personificadas en el temible “coco” de las canciones infantiles), y cómo gestionar las emociones para que no tomen las riendas de nuestras vidas. De niña, Sindy sufrió de soprepeso, lo cual le provocó un gran complejo. En la adultez vivió una relación sentimental tumultuosa que también afectó su autoestima. Además vivió un traumático episodio de secuestro, a manos de delincuentes. Los traspiés no impidieron que Sindy se convirtiera en abogada y cumpliera, entre 2014 y 2019, una excelente labor para Líderes Miami.
Víctor VALERA
Ciudad Gótica / Formas salientes geomètricas, 1960
Painted wood
28 3/4 x 28 3/4 x 5 7/8 in. (73 x 73 x 15 cm)
VALERA Víctor
Maracaibo, Venezuela, February 17, 1927 Caracas, Venezuela, March 5, 2013
Víctor Valera attended the Escuela de Artes Plásticas de Maracaibo and the Escuela de Artes Plásticas y Aplicadas de Caracas, from which he was expelled in 1950 due to his participation in the strikes organized to protest against the teaching methods that were in place at the time. He exhibited in the Taller Libre de Arte and, in 1951, he traveled to Paris, where he made abstract-geometrical paintings and adopted iron which he would use as a sculptural medium.
In 1954 he returned to Venezuela and joined Carlos Raúl Villanueva’s project at the Ciudad Universitaria de Caracas. He produced thirteen murals for the Faculty of Humanities and Education, including Positivo yNegativo (1956), in which the fragmentation and the dissolution of forms and colors gave rise to surfaces of marked optical-kinetic rhythms. In 1957 he became involved in the controversy about abstract art between Alejandro Otero and Miguel Otero Silva that took place after the official prize of sculpture went to a figurative work over Valera’s abstract work Sonoformas. The following year, and not without criticism, Valera obtained the Premio Nacional de Escultura with Aroa (1957), a piece with great dynamism arising from the interaction of the iron volumes and the emptiness within.
Between 1960 and 1961, without abandoning his constructivist exercises, he was influenced by informalismo in his sculptures made out of scrap iron. He participated in the Taller de Quebrada Honda with British sculptor Kenneth Armitage, and was part of the exhibition Kenneth Armitage y ocho escultores venezolanos (Museo de Bellas Artes, Caracas, 1964). At that time, his figurative sculpture acquired greater symbolic character, which, through pieces like Abdalá el Ángel (1963) and Andrés y el balancín (1967), was well received in national competitions.
During the seventies he made chromatic reliefs and movable assemblages that were shown at the Galería Estudio Actual (Caracas, 1974). At the end of that decade he began the series Torres metálicas and Papeles perforados. In the first series he returned to working in iron, now polychromatic, to produce totem-like forms of great geometric rigor. Los papeles, displayed at the Galería Estudio Actual (1980), constituted an intimate exercise in which paper was subtly perforated to produce a surface with evocative and suggestive modulations. In 1984 Victor Valera presented a retrospective exhibition Esculturas 1954-1984 (Museo de Arte Contemporáneo de Caracas).
During the eighties and nineties he produced sculptures for public spaces, including Los tres atletas (Estación Parque del Este, today Miranda, Metro de Caracas, 1985), La cinta sin fin (Instituto Venezolano de Investigaciones Científicas, Altos de Pipe, Miranda, 1992) and Torre poniente (Maracaibo, 1998). In the exhibition El muro como soporte (Museo Alejandro Otero, Caracas, 1999) Valera’s works demonstrated his development that would be carried through into the new century He presented new abstract painting in acrylic, assemblages (some moving, other static and almost bi-dimensional) and polychromatic iron sculptures characterized by their organic forms.
¿Qué es la abstracción geométrica?
¿Qué es la abstracción geométrica?
LOS ARTISTAS
ARGENTINA
Juan Bay Composición, 1950 Óleo sobre contrachapado Colección particular Bay, Juan Trenque Lauquen, Buenos Aires, 1892 – Italia, 1978 Pintor, dibujante y crítico de arte.A partir de la segunda década del siglo XX, su obra está relacionada con el futurismo y más tarde con la pintura constructivista y concretista. Entre las obras de este periodo se encuentran sobre todo relieves abstractos en madera con colores brillantes. Se distinguen por las curvas, ángulos y espacios vacíos que dejan ver la pared del fondo; no tienen marco ni se reducen al espacio rectangular tradicional; además, con frecuencia generan una sensación de movimiento, quizás una herencia del futurismo.
Martin Blaszko Columna madí, 1947 Madera pintada Malba – Fundación Costantini, Buenos Aires Blaszko, Martin (o Blasko o Blaszkowski) Berlín, 1920 Pintor, escultor y dibujante. Vive en Buenos AiresSu obra está basada en un balance de fuerzas opuestas o en la relación rítmica entre valores plásticos opuestos y la coplanaridad. De acuerdo con las ideas madí, lleva a cabo la conjunción entre planos independientes, que reemplazan a las formas de la abstracción geométrica, aboliendo la tendencia a interpretar cualquier forma como una figura sobre un plano de fondo. También realiza esculturas para espacios públicos, como Júbilo (1991), en el Parque Centenario en Buenos Aires.
Juan del Prete Composición con elementos geométricos, 1949 Óleo sobre cartón Colección particular Del Prete, Juan Vasto, Chieti, Italia 1897 – Buenos Aires, 1987 Pintor, dibujante, escultor, escenógrafo, diagramador y fotógrafo Siempre heterodoxo e inquieto, dentro de su obra cambia entre lo abstracto y lo figurativo, que plasma con gran fuerza expresiva y dinámicos contornos negros. Cuentan entre sus maestros Giotto, Cézanne y Matisse, pero también hay influencia del cubismo y futurismo. De 1946 a 1955 dominan composiciones geométricas de formas planas y colores fuertes; sigue una etapa de acercamiento al informalismo, con chorreados, manchas y salpicaduras. Después se mantiene la expresividad en su pintura, escultura, collage y objeto ensamblado.
Manuel Espinosa Pintura, 1945 Óleo sobre aglomerado Colección particular Espinosa, Manuel Buenos Aires, 1912 – 2006 Pintor, dibujante y escultor Tras un breve período surrealista se acerca a la pintura concretista. En algunas obras emplea un sistema serial, colocando en el primer plano figuras geométricas como el cuadrado y el círculo, que se repiten en el medio y en el fondo de la obra. Sigue siempre fiel a la no–figuración y su pintura geométrica se distingue por su claridad y mesura, confiando en elementos mínimos dispuestos en series. En su obra se encuentran transparencias, yuxtaposiciones y superposiciones con ciertos efectos ópticos.
Alfredo Hlito Derivación del cuadrado, 1954 Óleo sobre lienzo Galería Guillermo de Osma, Madrid Hlito, Alfredo Buenos Aires, 1923 – 1993 Pintor argentino, hijo de inmigrantes sirios.
En la serie Construcciones (1945) hay contrastes de ritmos formales sobre una retícula modular monocromática. Después experimenta con las tensiones del color plano y la forma y disposición lineal del color. En 1954 deja el planismo y pinta espacios interiores, explorando líneas curvas y contrastes de luz. Hacia finales de los años cincuenta trabaja sólo con el color sobre un campo indiferenciado luminoso y dinámico, con pinceladas pequeñas repetidas sistemáticamente, como en la serie Espectros. A partir de los sesenta crea las series Simulacros, mayormente en tonos ocres y grises. Desde la mitad de los setenta aparecen esquemas fantasmagóricos cada vez más antropomorfos, que llama Efigies.
Enio Iommi Continuidad interrumpida, 1948 Esmalte sobre metal, sobre base de granito negro Malba – Fundación Costantini, Buenos Aires Iommi, Enio Rosario, Santa Fe, 1926 Escultor y pintor argentino, hijo de inmigrantes italianos. Vive en Buenos Aires Con la geometría como herramienta, construye estructuras lineales y direccionales que conducen a percibir el vacío como un elemento importante y en interconexión permanente con el volumen. Hacia los años sesenta deja la pureza del concretismo y se acerca a estructuras más libres. Desde finales de los setenta busca “un dramatismo espacial” mediante acumulaciones, ensamblajes escultóricos y objetos de desecho. Utiliza utensilios domésticos, que corta en partes para combinarlas bajo una lógica poético–escultórica.
Gyula Kosice Escultura articulada móvil, 1945 Flejes de bronce, pátina cromada Colección particular Kosice, Gyula (Fernando Fallik) Košice, Checoslovaquia, hoy Eslovaquia, 1924 Escultor, pintor, teórico y poeta. Vive en Buenos Aires En la tradición del constructivismo, crea con Röyi (1944) su primera escultura de madera abstracta articulada y transformable, y con Estructuras lumínicas con gas neón (1946), una obra en la que, por primera vez a nivel mundial, se emplea este medio con sentido plástico.. Con su primera Escultura hidráulica (1957) introduce el agua como otro elemento esencial de sus obras, que, junto con el plexiglás, la luz y el movimiento, caracteriza la totalidad de su producción. Es padre del proyecto utópico Ciudad hidroespacial. En 1964 realiza el diseño del pabellón argentino de la Bienal de Venecia. En 1988 recibe un encargo escultórico para los juegos olímpicos de Seúl, cuyo resultado es el monumento Victoria.
Esteban Lisa Composición, c 1935 Anverso y reverso Óleo sobre cartón Colección Jorge Virgili, Madrid Lisa, Esteban Hinojosa de San Vicente, Toledo, 1895 – Buenos Aires, 1983 Pintor, dibujante, pedagogo y teórico argentino de origen españolEvoluciona cada vez más hacia la abstracción. En un primer período, entre 1925 y 1934, pinta paisajes y figuras con un empaste rico y pocos detalles, después formas amorfas. Siguen composiciones de abstracción geométrica, que en los años cuarenta incluyen signos de diferente índole. Desde los cincuenta su pintura se vuelve más libre y expresiva, consecuencia de una paleta viva y alegre. En la larga serie llamada Juego con línea y colores, aparecen espirales, remolinos, curvas y arabescos, y se alude a un mundo cósmico con gestos espontáneos, direcciones múltiples y colores brillantes.
Raúl Lozza Pintura n° 21, 1945 Óleo sobre contrachapado Colección particular Lozza, Raúl (Raúl Elbio Lozza) Alberti, Buenos Aires, 1911 – Buenos Aires, 2008 Pintor, dibujante, diseñador, periodista y teórico argentino, hijo de inmigrantes italianosSus composiciones son pinturas descentradas, con marco recortado, construidas a partir de campos de color independientes. Busca una estructura abierta e integradora, que crea una forma específica. Habla de “campo colorido” en lugar de fondo, elaborando una nueva teoría del color en base a la discontinuidad y potencialidad relativa, suprimiendo “armonías” y “complementarismos” y convirtiendo la forma en único conducto relacional. Rechaza la geometría y recurre al número sólo como una herramienta adicional. Elabora una “«cualimetría» de la forma plana” cuya fórmula determina matemáticamente que la suma de las partes es más que el todo.
Tomás Maldonado Tema sobre rojo, 1953 Óleo sobre lienzo Colección particular Maldonado, Tomás Buenos Aires, 1922 Pintor, grafista, diseñador gráfico e industrial, docente y teórico. Vive en MilánEn 1944 realiza sus primeras pinturas concretistas. A finales de los cuarenta trabaja en el diseño gráfico, influenciado por Vantongerloo. Pronto se dedica sobre todo al diseño industrial, que marca su obra del futuro. Ampliando el campo del diseño hacia el proceso elaborador, se decanta por un enfoque científico y sistemático del diseño. Los objetos fabricados tienen cualidades formales que —según él— se encuentran “principalmente en las relaciones estructurales y funcionales que hacen de un sistema un todo coherente”.
Juan Melé Coplanar n° 18, 1947 Óleo sobre lienzo Colección Raul Naon Melé, Juan Buenos Aires, 1923 Pintor, escultor y crítico de arte. Vive entre Buenos Aires y París En los años cuarenta se acerca a la pintura concretista con pinturas de marco recortado y composiciones de tipo coplanar. Desarrolla este lenguaje durante toda su vida en pintura, escultura y gofrados, creando desde los noventa también un amplio conjunto de Relieves, cuadros–objeto con elevaciones y depresiones, cortes y vibraciones de color en sus bordes. César Paternosto The Sweetest Skin, 1970 (La piel más dulce) Emulsión acrílica sobre lienzo Colección de la Junta de Andalucía – Centro Andaluz de Arte Contemporáneo Paternosto, César La Plata, Buenos Aires, 1931 Pintor, escultor y escritor. Vive en Segovia Empieza con pintura abstracta de tipo expresionista, que pronto se vuelve geométrica, inspirada por Joaquín Torres–García y el Movimiento de Arte Madí. Evoluciona hacia un tipo de arte próximo al arte concreto, que se puede denominar geometría sensible, caracterizado por la gran delicadeza de los tonos y una sutil irregularidad en las líneas. A finales de los sesenta descubre las posibilidades expresivas del canto de los lienzos, lo que permite la transformación del cuadro en objeto y lleva a modificar la tradicional posición frontal del espectador. En 1977 investiga por primera vez las decoraciones geométricas de las culturas precolombinas. Desde entonces intenta combinar el arte moderno geométrico y el arte sagrado ancestral del continente americano.
Lidy Prati Concreto o Sin título, 1945 Óleo sobre contrachapado Colección particular Prati, Lidy (Lidia Elena Prati) Resistencia, Chaco,1921 – Buenos Aires, 2008 Pintora, diseñadora y crítica de arteEs una de las pocas mujeres que desde los años cuarenta realiza pintura concretista, explorando un amplio repertorio de formas geométricas, bandas de colores y juegos de yuxtaposiciones. Deja la pintura a mediados de los cincuenta y se dedica sobre todo al diseño gráfico, textil y de joyas.
Luis Tomasello Atmosphère chromoplastique n° 352, 1974 Relieve de madera pintada Galerie Denise René Tomasello, Luis La Plata, Buenos Aires, 1915 Pintor argentino de origen italiano. Vive en París Comienza a trabajar el arte abstracto geométrico, estudiando las posibilidades cinéticas en la superficie plana. También realiza relieves cinéticos de movimiento virtual, utilizando elementos poliédricos blancos y negros, que, ubicados uniformemente sobre la superficie blanca, producen ciertos reflejos. Desde 1960 desarrolla este efecto de luz y sombra y empieza la larga serie denominada Atmosphère chromoplastique. El elemento geométrico más utilizado es el cubo, en relieves cinéticos y en objetos plásticos, empleando varillas de madera que varían en altura y en la inclinación del corte. A principios de los ochenta realiza relieves monocromos en negro, perforando la superficie con líneas o pequeñas formas geométricas.
BRASIL
Hércules Barsotti: Preto/branco, 1959–61 (Negro/blanco) Óleo y arena sobre lienzo Colección Patricia Phelps de Cisneros Barsotti, Hércules São Paulo, 1914 Pintor, dibujante, diseñador y escenógrafo. Vive en São Paulo En los primeros años 40 realiza una serie de diseños abstracto–geométricos. En la siguiente década, mientras está en contacto con un grupo de artistas que trabajan en la línea concretista, realiza diseños de textiles y vestuario de teatro. Hacia 1960 empieza a usar planos monocromáticos, negros o blancos, que le permiten realizar obras de juegos geométricos muy suaves. A partir de 1963 abandona los diseños de contraste entre blanco y negro, explorando más posibilidades cromáticas y formatos poco comunes para crear una sensación de volumen y movimiento.
Sergio Camargo Relevo n° 362, 1969 (Relieve n° 362) Acrílico sobre madera Colección Patricia Phelps de Cisneros Camargo, Sérgio Río de Janeiro, 1930 – 1990 Escultor y pintorA principios de los años 60 experimenta con estructuras irregulares de arena, yeso y tela. A partir de 1963 produce la gran serie de Relevos (Relieves) hechos de pequeños cilindros de madera agrupados en series en diferentes posiciones sobre el plano. En 1965 elabora el muro escultórico del Palácio Itamaraty, sede del Ministério das Relaçôes Exteriores en Brasilia, diseñado por Oscar Niemeyer. A partir de ese momento emplea también el mármol de Carrara, creando volúmenes exentos; en los años 70 trabaja solo con este material y con granito negro. Realiza varios monumentos para espacios públicos, entre otros en 1972 la columna Homagem a Brancusi en Burdeos
Lothar Charoux Equilibrio restabelecido, 1960 (Equilibrio restablecido) Gouache y acrílico sobre papel Colección Glaucia y Peter Cohn, São Paulo Charoux, Lothar Viena, 1912 – São Paulo, 1987 Pintor, dibujante y grabador brasileño de origen austriacoEstá influenciado por la Psicología de la Gestalt y realiza una extensa serie de pinturas y dibujos que se centran en los determinantes psicológicos de la percepción de la forma.
Lygia Clark Bicho – maquete, 1960 (Bicho – maqueta) Estructura en aluminio Fundación privada Allegro Cortesía de la Asociación cultural O Mundo de Lygia Clark
Clark, Lygia Belo Horizonte, Minas Gerais, 1923 – Río de Janeiro, 1988) Escultora, pintora y artista de instalación y performanceDesde 1954 hasta finales de los 50 explora el valor del plano como elemento estructural a través de las series Superficies moduladas y Contrarevelos, para pasar poco a poco de la pintura a la escultura. En 1960 proclama la “muerte del plano”, ya que no permite una interacción entre la obra y su entorno. Realiza sus primeros relieves, que parecen como papel plegado, y esculturas articuladas de láminas de metal, que llama Bichos, unidas por bisagras, de modo que el público tiene la posibilidad de cambiarlas y ponerlas en otras constelaciones. A partir de mediados de los 60 realiza una serie de obras llamadas Goings.
Waldemar Cordeiro Sin título, 1949 Óleo sobre lienzo Colección Ella Fontanals-Cisneros Cordeiro, Waldemar Roma, 1925 – São Paulo, 1973 Pintor, escultor, arquitecto paisajista, diseñador, crítico de arte y periodista brasileño de origen italianoDesde finales de los 40 se convierte en uno de los pioneros de la abstracción concretista en Brasil, transformando formas geométricas rígidas en formas seriales libres. En su serie Idéais visíveis, desarrolla, de 1957 a 1959, una pintura de formas abstractas basadas en principios estructurales y conceptos lógicos. Desde 1964 combina el concretismo con el arte pop y crea su propio estilo “pop creto”. Después regresa a una suerte de neofiguración y al final se ocupa del diseño gráfico digital con ordenador. Convencido del rol social del arte en el ámbito urbano, entre 1950 y 1973 participa en más de 150 proyectos de planificación paisajística.
Geraldo de Barros Estaçáo da Luz – SP, 1949 (Estación de la Luz – SP) Plata en gelatina, impresión vintage Colección Museu de Arte Moderna de São Paulo. Patrocinio Petrobras De Barros, Geraldo Chavantes, São Paulo, 1923 – São Paulo, 1998 Fotógrafo, pintor, grabador y diseñadorA finales de los años 40 se acerca al arte abstracto mediante la fotografía, aislando el motivo y superponiendo distintas imágenes. De este modo, la representación queda al margen, y se forman estructuras abstractas geométricas con cierto aire urbano. Crea con otros fotógrafos la llamada Escola Paulista. Los muebles de Unilabor le sirven para una serie de composiciones fotográficas abstractas. Después de abandonar la fotografía durante un largo período, la retoma en 1996 con la serie de fotomontajes llamados Sobras.
Amílcar de Castro Sin título, s. f. Acero corten Fundação José e Paulina Nemirovsky, São Paulo De Castro, Amilcar (Amilcar Augusto Ferreira de Castro Filho) Paraisópolis, Minas Gerais, 1920 – Belo Horizonte, Minas Gerais, 2002 Escultor, dibujante, grafista y diseñadorA principios de los años 50 realiza esculturas de estilo constructivista. Para reducir cada vez más el volumen, usa planos de hierro cortados y doblados. Hasta finales de los 70 sigue en esta línea, con la extracción de cortes para demostrar la flexibilidad del material de acero, para dedicarse después principalmente al diseño gráfico. Para sus esculturas usa un sistema de códigos: “Escultura de corte y doblado a partir de chapa cuadrada” (así como… “de chapa redonda, de chapa rectangular horizontal, de chapa rectangular vertical”, y finalmente “de formato irregular”). Willys de Castro: Objeto ativo, 1959 (Objeto activo) Óleo sobre lienzo sobre contrachapado Colección MASP – Museu de Arte de São Paulo Assis Chateaubriand, São Paulo, Brasil De Castro, Willys Uberlândia, Minas Gerais, 1926 – São Paulo, 1988 Pintor, dibujante, grabador, escenógrafo y diseñadorEntre 1959 y 1962 realiza la serie Objetos ativos, en los que el espectador, para lograr una visión general de la obra, aparentemente tridimensional, debe contemplarla de modo fragmentario en momentos sucesivos, y combinar los diferentes lados de sus volúmenes pintados. Siguen, en los años 70, los llamados Pluriobjetos, volúmenes verticales de acero inoxidable que implican la transposición de segmentos de un plano de color a otro. Thomaz Farkas Cobertura do Cine Ipiranga, São Paulo, SP, c 1945 (Techo del Cine Ipiranga, São Paulo, SP) Plata en gelatina Colección Instituto Moreira Salles Farkas, Thomaz Budapest, 1024 Fotógrafo y cineasta brasileño de origen húngaro. Vive en São PauloEn los años 40 se dedica como fotógrafo especialmente al tema de la arquitectura, que le permite composiciones abstractizantes. También realiza varias películas documentales. En una gran serie de fotos documenta la construcción, desde 1958, de la nueva capital, Brasilia. Durante la dictadura, entre 1968 y 1972, realiza varios films documentales de eventos culturales y sociales en Brasil.
Hermelindo Fiaminghi Círculos com movimento alternado, 1956 (Círculos con movimiento alterno) Pintura sobre contrachapado Colección Museu de Arte Moderna de São Paulo. Adquisición Banco Bradesco S. A. Fiaminghi, Hermelindo São Paulo, 1920 – 2004 Pintor, grafista, diseñador gráfico, artista publicitario y docente brasileño, hijo de inmigrantes italianosDesde 1953 realiza cuadros abstracto–concretos con triángulos y círculos en movimiento; también diseña carteles–poema de sus amigos poetas. Con la serie Virtual (1958) empieza su investigación de las tensiones que se generan entre diferentes colores y diferentes formas, y de los intersticios que descubre la litografía. Desde 1960 trabaja en lo que él llama al principio “retícula corluz” y con las posibilidades que permite el offset. Con el tiempo todos sus trabajos pictóricos llevan el título Corluz, con el número correspondiente, tendiendo a lo transparente y a lo gestual, que convierten el color en una superficie fluctuante.
Gaspar Gasparian Composição cubista, c 1950 (Composición cubista) Plata en gelatina, impresión vintage Colección Ella Fontanals – Cisneros Gasparian, Gaspar São Paulo, 1899 – 1966 Fotógrafo brasileño, hijo de inmigrantes armeniosEmpieza a fotografiar en 1940. Su tema preferido es la ciudad de São Paulo, sus edificios y su vida callejera, que aparecen en vistas muy románticas. Pero entre finales de los 40 y principios de los 50 realiza también una serie de tomas centradas en estructuras seriales de fachadas, aceras y acumulaciones de artefactos cotidianos en composiciones muy elaboradas de objetos con reflejos y ritmos geométricos.
Marcel Gautherot Palácio do Congresso Nacional, Brasília DF, c 1960 (Palacio del Congreso Nacional, Brasilia DF) Plata en gelatina Colección Instituto Moreira Salles Gautherot, Marcel París, 1910 – Río de Janeiro, 1996 Fotógrafo brasileño de origen francés Realiza trabajos de documentación fotográfica para el recién creado Serviço do Patrimônio Histórico e Artístico Nacional. En los años 40 fotografía los tipos humanos y las fiestas populares y religiosas en la región del río São Francisco. Junto con el fotógrafo Pierre Verger documenta la arquitectura colonial y moderna y, a finales de los años 50, también la nueva arquitectura de Brasilia, poniendo énfasis en sus estructuras geométricas. Gran parte de su obra es en blanco y negro, pero a partir de los 70 usa también el color.
Judith Lauand Concreto 18, 1956 Pintura sintética sobre aglomerado Colección Patricia Phelps de Cisneros Lauand, Judith Pontal, São Paulo,1922 Pintora y grabadora. Vive en São PauloDesde el principio de la década de los 50 realiza obras abstractas de tendencia expresiva, que, a partir de 1954, se vuelven más rígidas y analíticas. En la década siguiente usa también materiales no convencionales, como clips, que forman parte de composiciones de superficies inusuales que producen efectos ópticos especiales.
German Lorca Homenagem a Mondrian, 1960 (Homenaje a Mondrian) Plata en gelatina, impresión vintage Colección Museu de Arte Moderna de São Paulo. Adquisición: Núcleo Contemporáneo MAM-SP Lorca, Germán São Paulo, 1922 Fotógrafo. Vive en São PauloSu tema preferido es la ciudad. Los fuertes contrastes de sus imágenes fotográficas en blanco y negro las aproximan a composiciones casi abstractas.
Antônio Maluf Estudo Vila Normanda, 1964 (Estudio Villa Normanda) Gouache sobre cartón Colección particular Maluf, Antônio São Paulo, 1926 – 2005 Pintor, dibujante y diseñadorA principios de los años 50 inicia la serie constructivo–geométrica Equação dos desenvolvimentos, con formas precedentes del cartel que realiza para la primera Bienal de São Paulo en 1951. Complementa esa investigación visual rítmica con las series Progressões crescentes o descrecentes. Desde 1960 aplica sus investigaciones en varios murales, en su mayoría en cerámica esmaltada, en colaboración con arquitectos como Fábio Penteado o Lauro da Costa Lima. Durante los 60 trabaja en publicidad, creando logotipos y anuncios, y en diseño textil.
Almir Mavignier Cartel de la VII Bienal de São Paulo, 1963 Serigrafía Colección del Museu de Arte Moderna de São Paulo. Donación del artista
Mavignier, Almir (Almir da Silva Mavignier) Río de Janeiro, 1925 Pintor, grafista y diseñador gráfico. Vive en HamburgoEn 1952 se interesa por el arte concreto, y experimenta con las relaciones entre color, luz y forma, principalmente dentro de un formato cuadrado. En 1954 pinta los Punktbilder (cuadros de puntos), en 1955 los Rasterbilder (cuadros reticulados). Siguen, en 1956, cuadros en la línea del op art; en 1957, cuadros monocromáticos; de 1959 a 1961, las serigrafías Permutaçôes, y en 1962 Côncavo–convexo, cuadros en blanco y negro. A partir de los 60, trabaja sobre tyodo en el diseño de carteles. En 1963 inventa los llamados Additive Plakate (carteles aditivos), con una estructura programada que permite la agrupación ilimitada. En 1974 crea la serie de pinturas mono–policromáticas; en 1975 estructuras monocromáticas que reflejan luz y sombra; y en 1981 la serie Divisão–rotação, estructuras en rotación que liberan el color de la forma.
Haruo Ohara: Marcha. Terra Boa-PR, 1958 Plata en gelatina Colección Instituto Moreira Salles Ohara, Haruo Kochi, Japón, 1909 – Londrina, Paraná, 1998 Fotógrafo y agricultor brasileño de origen japonés Desde el principio documenta la historia de la ciudad de Londrina y la vida de su familia en el campo, paradigma de la de muchos inmigrantes japoneses en Brasil. Sus imágenes se caracterizan por una composición nítida y a menudo panorámica, en parte con una cierta tendencia hacia estructuras geométricas y seriales. A finales de los 70 cambia del blanco y negro al color.
Hélio Oiticica Metaesquema n° 4066, 1958 Gouache sobre cartón The Museum of Modern Art, Nueva York. Donación de la familia Oiticica, 1997 Oiticica, Hélio Río de Janeiro, 1937 – 1980 Escultor, pintor, artista de performance y teóricoA finales de los años 50, en la serie Metaesquemas, divide el plano en segmentos de estructura precaria. Su serie Revelos espaciais conduce a los Penetráveis, instalaciones realizadas con telas monocromáticas suspendidas. En los años 60 crea los Parangolés, obras plásticas que sirven de vestimenta y requieren la participación del público, algo que interesa al artista. Atraído por el baile como fuente de inspiración estética, recibe clases de samba, por lo que le denominan “passista”. Entre sus obras se encuentran además los Nuclei, un laberinto coloreado de pantallas, y los Bolides, bolas de fuego hechas de materiales comunes. Realiza también películas y escribe varios textos teóricos.
Lygia Pape Sin título, 1961 Acrílico sobre contrachapado Colección Patricia Phelps de Cisneros Pape, Lygia Nova Friburgo, Río de Janeiro, 1927 – 2004 Escultora, grafista y cineastaEsencialmente grafista, explora la dinámica y la diversificación de imágenes geométricas en grabados como en su serie de xilografías Tecelares (Textiles), en las que logra una combinación de formas geométricas con el diseño natural de la madera. Diseña también joyas; en 1958–59, en colaboración con el coreógrafo Gilberto Mota y el poeta Reynaldo Jardim, realiza un ballet neoconcretista con música concretista de Pierre Henri (formas abstractas movidas por el cuerpo humano escondido). En 1959 publica su Livro da criação, en el que narra la creación del mundo a través de formas y colores, animando al lector a participar. En los años 60 trabaja también en el cine, produciendo varios cortometrajes y formando parte del “Cinema Novo”. Desde finales de los 70 diseña grandes instalaciones como Teia (Tela), Ovos do vento (Huevos del viento) y Luar do sertão (Claro de luna en el sertão), que exigen la participación del público. Luiz Sacilotto Gouache n° 272, s. f. Gouache sobre papel Fundación privada Allegro Sacilotto, Luiz (o Luís) Santo André, São Paulo, 1924 – São Bernardo do Campo, São Paulo, 2003 brasileño, hijo de inmigrantes italianosEn 1947 empieza con la abstracción geométrica a partir de bodegones. El arte concreto dominará las demás obras, que en su mayoría llevan el título Concreção y el número correspondiente. Inspirado por Mondrian, a principios de los 50 crea una serie de pinturas con estructuras ortogonales configuradas por áreas de color, y después áreas pequeñas con líneas rítmicas horizontales o verticales sobre un fondo claro. Trabaja en pinturas y esculturas con estructuras de rectángulos y triángulos que forman retículas. Sus vibraciones ópticas son precursoras del op art, que caracteriza también su obra de los 70 y 80.
Mira Schendel Sin título, 1960 Óleo sobre lienzo Fundación privada Allegro Schendel, Mira (Myrrah Dagmar Dub) Zúrich, 1919 – São Paulo, 1988 Pintora y poeta brasileña de origen suizoComienza con obras abstracto–constructivistas, investigando las relaciones geométricas entre línea, plano, espacio y color, para llegar a monotipos, letrismos, palabras y símbolos gráficos. Sus obras entre 1964 y 1974 contienen líneas y letras sobre fondos translúcidos, como en las series Monotipias, Droguinhas (Naderías) y Trezinhos, en los que experimenta también con la materialidad del papel y los pigmentos. Manifiesta su interés por las letras y otros aspectos linguísticos también como objetos —evidente en su serie Toquinhos, de los 70—, lo que le acerca a la poesía concretista y al intento de transfigurar la tipografía de mero elemento formal en parte del significado de la obra poética–visual. A partir de los 80 pinta la serie I Ching inspirada en el oráculo chino e influenciada por el psicoanálisis de Carl Gustav Jung. Ivan Serpa Sin título, 1954 Óleo sobre lienzo Colección Patricia Phelps de Cisneros Serpa, Ivan (Ivan Ferreira Serpa) Río de Janeiro, 1923 – 1973 Pintor, grabador y diseñador Realiza sus primeras obras abstractas en 1951. En su pintura desarrolla la serialidad e intenta la integración en la arquitectura. A raíz de su trabajo en la Biblioteca Nacional, en su obra plástica, especialmente en sus collages, experimenta con técnicas y métodos de restauración y conservación de papel. Desde 1962 pinta la serie de contenido expresivo Fase negra, con referencia a la grave situación política del país. A mediados de esa década reanuda el geometrismo de una manera más libre, acercándose al op art y al cinetismo.
Rubem Valentim Sin título, 1956-62 Óleo sobre lienzo Colección Patricia Phelps de Cisneros Valentim, Rubem Salvador de Bahía, 1922 – São Paulo, 1991 Pintor, escultor y grabadorForma parte de la renovación del arte bahiano al final de la década de los 40. Se interesa por el arte popular y el arte de los negros. Desde los 50 crea un lenguaje geométrico con influencia de los signos rituales y totémicos de la cultura afro–brasileña. Desarrolla su simbología emblemática dentro de la pintura con colores planos, fuertes y brillantes, y la aplica asimismo a relieves, objetos y esculturas de madera pintados. Alfredo Volpi: Composição concreta branca e vermelha, 1955 (Composición concreta blanca y roja) Témpera sobre lienzo Colección Rose y Alfredo Setubal Volpi, Alfredo Lucca, Italia, 1896 – São Paulo, 1988 Pintor y muralista brasileño de origen italianoSu obra temprana, influenciada por el postimpresionismo, son paisajes, marinas, caseríos y fachadas en colores suaves y terrosos. Desde los años 40 se dedica a temas religiosos y populares que le acercan a la abstracción geométrica. En los años 50 pinta varias composiciones concretistas, como la serie Triângulos em tangência, que desembocan en sus típicas Bandeirinhas (Banderines). Se trata de motivos marinos típicos, que en sus cuadros aparecen aislados, ocupando toda la superficie, o combinados con Mastros (Mástiles). En los 70 pinta una serie de tramas de banderines atravesados por mástiles y ojivas que producen dinámicos efectos ópticos. También pinta fachadas o elementos de ellas, velas y barcos en sencillas composiciones bidimensionales. Desde muy temprano realiza también varios murales y vidrieras para iglesias.
Franz Weissmann Composição com semicírculos, 1953 (Composición con semicírculos) Aluminio Colección Patricia Phelps de Cisneros Weissmann, Franz (Franz Josef Weissmann) Knittelfeld, Austria, 1911 – Río de Janeiro, 2005 Escultor, pintor y dibujante brasileño de origen austriaco Su obra temprana es figurativa y pasa por un proceso de simplificación de la figura humana hacia el orden geométrico en la tradición de Constantin Brancusi y Henry Moore. A principios de los 50 realiza las primeras obras abstractas, influenciadas por Max Bill, que son el inicio de largas series, preferentemente en hierro o acero inoxidable, como Cubo vazado (desde 1951) y Cubo aberto (desde 1952). Pronto desarrolla esculturas que parecen dibujos en el espacio, como Escultura linear (desde 1954). Explora especialmente la transformación del cubo y la torre, como se ve en sus famosas esculturas Coluna concretista (desde 1952) y Coluna neoconcreta (desde 1958). En los 60, como consecuencia de su viaje al Lejano Oriente, realiza una serie de esculturas y dibujos, como la serie Amassados, en estopa, yeso, zinc o aluminio, pero regresa a la tendencia constructivista. Trabaja con piezas modulares, como en Módulos mutáveis (1967), y, a partir de Arapuca o Torre vermelha (1967), usa el color y aprovecha el efecto óptico de su vibración. Realiza varias obras para espacios públicos en São Paulo (un buen ejemplo es Grande flor tropical, 1989, Memorial da América Latina), Río de Janeiro, Belo Horizonte y otras ciudades.
Alexandre Wollner Cartel de la III Bienal de São Paulo en el Museu de Arte Moderna, 1955 Impresión digital, 2010 Colección particular Wollner, Alexandre São Paulo, 1928 Diseñador gráfico e industrial, pintor y fotógrafo brasileño, hijo de inmigrantes yugoslavos. Vive en São PauloInspirado por la obra renovadora del diseño visual de Paul Rand y Alexey Brodovitch, se interesa sobre todo por el diseño gráfico. A principios de los años 50 se acerca al arte concreto en obras de pintura, aplicando pronto su estética al diseño gráfico publicitario. Colabora con Geraldo de Barros en diseño de carteles de cine y realiza varios carteles como estudiante de Ulm. Se convierte en uno de los pioneros del diseño gráfico e industrial en Brasil, elaborando el logotipo corporativo de numerosas empresas. Entre sus muchos clientes se encuentran Ibesa, Coqueiro, Argos Industrial, Coretron, Metal Leve, Equipesca, Ultragaz, Grupo Hansen, Mausa, Brasilit, Itaú, São Paulo Petróleo y varias editoriales.
José Yalenti Fasciceiro, c 1960s Plata en gelatina, impresión vintage Colección Ella Fontanals – Cisneros Yalenti, José (José Vicente Eugênio Yalenti) São Paulo, 1895–1967Fotógrafo brasileño, hijo de inmigrantes italianosSe dedicó especialmente a la fotografía de temas arquitectónicos, que transpone, a través de la luz, a estructuras geométricas.
COLOMBIA
Leo Matiz Abstracto, USA, 1950 Plata en gelatina, impresión vintage Colección Ella Fontanals–Cisneros Matiz, Leo Aracataca, Magdalena, 1917 – (Santafé de) Bogotá, 1998 Fotógrafo, pintor, dibujante y caricaturistaAnimado por los fotógrafos Luis B. Ramos y Juan N. Gómez en Colombia y por Gabriel Figueroa en México, empieza a dedicarse a la fotografía. Sus temas son las costumbres de la gente común en la ciudad y en el campo, la vida laboral, la arquitectura y la industria. Especialmente en Venezuela documenta muchos hechos de enorme relevancia política, social y cultural. Además realiza muchos retratos de artistas y políticos, entre ellos Frida Kahlo, los muralistas mexicanos José Clemente Orozco, Diego Rivera y David Alfaro Siqueiros, María Félix, Agustín Lara, Camilo Torres, Pablo Neruda, Salvador Allende, Fidel Castro, Luis Buñuel y León de Greiff. Muchos de sus trabajos están realizados a contraluz y una gran parte de sus tomas muestran una marcada tendencia hacia lo abstracto–geométrico, destacando los juegos de la luz sobre objetos y formas cotidianas.
CUBA
Mario Carreño Encuentro inesperado, 1952 Óleo sobre lienzo Colección Museo Nacional de Bellas Artes, La Habana Carreño, Mario (“Karreño”) La Habana, 1913 – Santiago de Chile, 1999 Pintor, muralista, escultor, dibujante, grabador, ilustrador y profesor de arteSu obra pictórica temprana está influenciada especialmente por el neoclasicismo de Picasso y la obra de Jaime Colson y Diego Rivera. Entre sus cuadros figurativos de temas antillanos tropicales destacan Descubrimiento de las Américas (1940), Danza afrocubana y Cortadores de caña (1943). Desde mediados de los 40 sus cuadros aparecen cada vez más estilizados, hasta llegar, a principios de los años 50, a una pintura abstracta geométrica que domina toda esta década. Viviendo en Chile se acerca a una figuración surrealista de tendencia trágica, con personajes fragmentados como muñecas en paisajes desérticos. Su angustia por la guerra y por la desintegración humana se muestra en las series El mundo petrificado (1964) y Serie post–atómica (1965). Después vuelve a su mundo tropical en composiciones metafóricas ya más estilizadas.
Salvador Corratgé Nueva unidad formal plana abierta en 3 fases distintas sobre un punto de apoyo, 1961 Óleo sobre lienzo Colección privada, La Habana Corratgé, Salvador (Salvador Zacarías Corratgé Ferrara) La Habana, 1928 Pintor, dibujante, ceramista, fotógrafo, diseñador gráfico, orfebre y serígrafo. Vive en La HabanaSu obra forma parte del arte concreto cubano. Pero su estilo incluye elementos emotivos, armónicos y sensibles. Sus colores oscilan entre el blanco y negro más depurado y el color más chillón, entre la línea y el punto, el círculo y el cuadrado. Sus combinaciones geométricas son infinitas; nunca frías, sino vitales. Desde los 70, investiga la relación pintura–música, cuyo resultado son series pictóricas como Notaciones plásticas o Ensayos lineales. Dentro de su obra abstracta de los años 90 hay también tendencias de una expresividad dinámica y colorista muy marcada, pero se mantiene fiel al arte concreto, como demuestra su serie Persiguiendo al cuadrado (2005). Realiza también obras monumentales, entre ellas el Mausoleo a los Mártires de Pino 3 (1975) y un mural en relieve de cemento en Camagüey.
Sandu Darie Multivisión espacial, 1955 Óleo sobre lienzo Colección Museo Nacional de Bellas Artes, La Habana Darie, Sandu Roman, Neamt, 1908 – La Habana, 1991 Pintor, escultor, dibujante, ceramista y escenógrafo cubano de origen rumanoComposiciones (1949) utiliza amplias manchas de colores brillantes en las que aparecen inmersas las líneas geométricas y en Estructuras pictóricas (1950) usa la forma–cuadro en el espacio–tiempo. Con Estructuras transformables (1955-56) empieza explorar el campo del cinetismo, llegando finalmente al Cosmorama (1963). En 1969 Darie es invitado a participar en un proyecto internacional de ambientación lumino–cinética en la Place du Châtelet de París. En 1970 diseña las torres lumino–cinéticas del Anfiteatro Flotante del Parque Lenin. Entre 1975 y 1985 desarrolla una intensa actividad de servicio social, a la que incorpora muchas ideas que son el resultado de sus experiencias con el arte concreto. A ambientaciones lumino–cinéticas agrega instalaciones estructurales —estáticas o móviles— y luminosas de reanimación urbana.
Carmen Herrera White and Green, 1959 (Blanco y verde) Acrílico sobre lienzo Tate: prestado por el American Fund para la Tate Gallery, cortesía de Ella Fontanals Cisneros 2006 Herrera, Carmen La Habana, 1915 Pintora y escultora estadounidense de origen cubano. Vive en Nueva York Como ilustra la serie Habana (1950-52), empieza con una abstracción surrealista, pero durante sus años parisinos evoluciona hacia una pintura abstracta geométrica de colores vivos y de ritmos ópticos con fuertes contrastes, que anticipan elementos del arte cinético y del op art. En Nueva York sigue la línea relacionada con la de Ellsworth Kelly, pero en tamaño más pequeño. Con el tiempo elabora una obra sencilla y meditativa. En diferentes series de pocas formas rectangulares en blanco y negro o en dos colores planos llega hacia una pintura casi minimalista. Luis Martínez Pedro Aguas territoriales n° 5, 1962 Óleo sobre lienzo Colección Museo Nacional de Bellas Artes, La Habana Martínez Pedro, Luis La Habana, 1910 – 1989 Pintor, dibujante, ilustrador, ceramista y diseñador Desde finales de los años 30 realiza dibujos de contenido social que evolucionan hacia el surrealismo y el expresionismo; incluye temas como la tauromaquia, leyendas indias y ritos afrocubanos. A partir de 1951 pinta regularmente, atraído por la abstracción geométrica en su vertiente concretista. En 1959 comienza con obras de temática marina, con series como Aguas territoriales y Signos del mar. También trabaja en el diseño de productos industriales, diseño gráfico o vestuarios para teatro y danza, y participa en varias películas educativas. Realiza ilustraciones para revistas y libros, entre otros Cuatro canciones para el Ché (1969), de Nicolás Guillén, y El mundo silencioso (1973), de Jacques–Yves Cousteau. Desde mediados de los años 70 pinta la serie Flora cubana y realiza n diseños y murales en edificios de la Habana. José Mijares Estabilidad, 1959 Acrílico sobre lienzo Colección Museo Nacional de Bellas Artes, La Habana Mijares, José La Habana, 1921 – Coral Gables, Florida, 2004 Pintor, dibujante y grabador Después de unos inicios figurativos, a partir de 1953 comienza a experimentar con formas concretistas apoyadas en colores planos, sin alusiones a la realidad externa. Sus composiciones son equilibradas y los colores modulados por graduaciones. Años después vuelve con fuerza al mundo figurativo, al que se adhiere hasta el final. Su pintura se caracteriza por plasmar un mundo, a veces nostálgico, de pescadores, arlequines tristes, muchachas melancólicas, dentro de un estilo colorista y minucioso muy propio y personal, también con rasgos maravillosos y fantásticos.
Loló Soldevilla Carta celeste en amarillo n° 1, París, 1953 Óleo sobre lienzo Colección Museo Nacional de Bellas Artes, La Habana Soldevilla, Loló (Dolores (Loló) Soldevilla Nieto) Pinar del Río, 1901 – La Habana 1971 Pintora, escultora, dibujante, grabadora y crítica de arte
En sus cuadros concretistas emplea especialmente el círculo, el cuadrado y la luz, formando espacios poéticos que parecen inspirados por el universo celeste y estrellado. Sus tableros bidimensionales, semejantes a los de Sophie Taeuber–Arp, se distinguen por la serenidad de las formas, la exactitud de los contornos, el ritmo cromático del blanco y el negro y las figuras que aparecen en la composición. Realiza también relieves luminosos, en los que incorpora luz artificial. Después de la Revolución Cubana se dedica a tareas culturales más generales. Rafael Soriano: Sin título, s. f. – Óleo sobre lienzo Colección Museo Nacional de Bellas Artes, La Habana Soriano, Rafael Cidra, Matanzas, 1920 Pintor, dibujante y diseñador gráfico estadounidense de origen cubano. Vive en Miami, FloridaDesde los años 40 su obra se mueve dentro de una abstracción geometrizante, un tiempo con rasgos concretistas y posteriormente con alusiones cósmicas. Influenciado por Sebastián Matta, en los años 70 pinta paisajes neblinosos que al mismo tiempo evocan cuerpos y sensaciones eróticas. Desarrolla un cierto estilo de luminismo onírico con formas y volúmenes blandos y biomorfos en un vacío oscuro que representa la espacialidad del inconsciente. Usa pocos colores armónicos y amortiguados. Todas sus pinturas tienen desde entonces rasgos fantásticos de tipo esotérico, místico, quimérico y astral.
MÉXICO
Germán Cueto Planos (Homenaje al músico Silvestre Revueltas), 1940 Óleo sobre madera Colección privada, cortesía de Freijo Fine Art, Galería de arte y proyectos Cueto, Germán (Germán Gutiérrez Cueto) México, D. F., 1893 – 1975 Escultor, pintor, dibujante y diseñador de títeres Es uno de los primeros escultores modernos en México y América Latina, en vida poco valorado y casi exiliado en su propio país. Trabaja entre la creación de máscaras y la escultura abstracta, usando planchas metálicas, aluminio, papel, alambre, vidrio, plástico, latón y piedra. Destaca también su aportación a las artes del espectáculo y a la enseñanza. En los años 40 realiza máscaras para diferentes ballets, utilizando el hormigón, el cable eléctrico y el alambre metálico. De 1941 a 1945 elabora dibujos abstractos de gran formato en negro o lápiz de color. Entre sus esculturas monumentales destaca El corredor para la Ruta de la Amistad, en el marco de los XIX Juegos Olímpicos de Ciudad de México en 1968.
URUGUAY
Carmelo Arden Quin Sin título o Composición, 1945 Óleo sobre cartón y madera lacada Malbaa Fundación Costantini, Buenos Aires Arden Quin, Carmelo (Carmelo Heriberto Alves Oyarzum) Rivera, Uruguay, 1913 – Savigny–sur–Orge, cerca de París, 2010 Pintor, escultor y poeta francés de origen uruguayo Tras unos inicios cubistas, en 1935 realiza su primera obra no–figurativa geométrica y en 1936, transgrediendo la tradicional configuración del cuadro, lleva a cabo las primeras pinturas no ortogonales. Desde mediados de los años 40 realiza obras de marco poligonal, esculturas articuladas y móviles, coplanares, cuadros–objeto y obras cóncavo–convexas. En París continúa trabajando, e introduce en su obra el collage y el découpage (vaciado), recurso que utiliza de forma exclusiva hasta 1971, año en que retoma la pintura, reanudando las líneas negras sobre formas abultadas, que denomina Formes galbées (Formas torneadas).
José Pedro Costigliolo Composición, 1953-54 Laca sobre metal Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Madrid Costigliolo, José Pedro Montevideo, 1902–1985 Pintor, dibujante, grafista y diseñador Es, junto con María Freire, uno de los precursores de la estética no figurativa en Uruguay. Influenciado por los constructivistas rusos y neoplasticistas holandeses, en 1946 inicia una etapa neo–purista y maquinista, en especial de figuras y bodegones, a la que sigue en 1950 una etapa de composiciones abstractas geométricas, preferentemente ortogonales. Tras un corto período informalista en 1960 (obras que destruye), vienen las composiciones con letras. A partir de ahí se desarrollan desde mediados de los 60 las típicas series de su etapa madura, los Triángulos, Rectángulos y Cuadrados. Están basadas en formas geométricas, aisladas o combinadas, elaboradas con pocos colores: además de rojo y negro, matices celestes, lilas, violetas y marrones María Freire Sin título, 1954 Óleo sobre lienzo Colección Patricia Phelps de Cisneros Freire, María Montevideo, 1917 Pintora, escultora, dibujante y crítica de arte. Vive en Montevideo Es, junto con su pareja artística, José Pedro Costigliolo, una de las pioneras de la estética no figurativa en Uruguay. Planismo, cubismo y arte africano influyen en sus pinturas de los años 40, ya en parte abstractas. Desde principios de los 50 se dedica a la pintura y a la escultura, ahora plenamente geométricas, incluida una temprana etapa madí. Su paleta cromática es reducida, sus formas geométricas están llenas de delicadeza y musicalidad. En las décadas siguientes elabora un repertorio formal variable cuyos códigos constructivos se reducen a unos pocos. Su serie Sudamérica (1958-1960) se caracteriza por el recorte del plano, que conlleva la construcción poligonal del signo. En las series Capricornio y Córdoba (1965-1975) utiliza una perforación espacial del plano que da lugar a una construcción nodal de desarrollo virtualmente infinito. Con sus series Variantes y Vibrantes (1975-1985), basadas en la perturbación volumétrica del plano mediante la subdivisión de su superficie, crea relieves y vibraciones de acuerdo con secuencias de modulación cromática hermanadas con las composiciones del op art. Rod Rothfuss 3 círculos rojos, 1948 Esmalte sobre madera Malba – Fundación Costantini, Buenos Aires Rothfuss, Rhod (Carlos María (Rhod) Rothfuss) Montevideo, 1920–1969 Pintor y escultor Entre 1945 y 1950 crea esculturas abstractas con algunos componentes móviles y utiliza rombos y figuras geométricas irregulares en sus pinturas porque “una pintura debe ser algo que empiece y termine en ella misma. Sin solución de continuidad”, como afirma el propio artista. Estudia el desplazamiento perceptivo producido por polígonos adyacentes, tratado en su artículo “Un aspecto de la superposición”, publicado en el número 2 de la revista Madí, en 1948.
Joaquín Torres–García Estructura en blanco y negro, 1938 Óleo sobre papel montado sobre madera The Museum of Modern Art, Nueva York. Donación de Patricia Phelps de Cisneros en honor a David Rockefeller, 2004 Torres–García, Joaquín Montevideo, 1874–1949 Pintor, escultor y dibujanteEn su juventud forma parte del movimiento del noucentisme catalán, basado en el clasicismo y en la tradición mediterránea, con una tendencia monumental y pastoral. Al final de los años 20 se acerca al constructivismo. Animado por el arte prehistórico y precolombino, desarrolla en las dos siguientes décadas el llamado universalismo constructivo, que tiende a unir todas las artes visuales y a combinar el arte amerindio de las Américas con el movimiento constructivista europeo.
VENEZUELA
Omar Carreño Tema tres tiempos n° 22, 1950 Óleo sobre lienzo Colección Patricia Phelps de Cisneros Carreño, Omar Porlamar, Nueva Esparta, 1927 Pintor, escultor, orfebre y arquitecto. Vive en Caracas Tras una etapa de figuración geométrica, en los años 50 desarrolla el expansionismo. En esta línea destacan sus relieves, algunos con inclusión de elementos metálicos, cuadros–objeto (Ojos de buey), polípticos transformables y una serie de lacas y esculturas que denomina Hierros estables. Interviene en la experiencia de integración de las artes en la Ciudad Universitaria de Caracas y realiza murales en la Facultad de Odontología. Entre 1960 y 1965 desarrolla su actividad plástica dentro del informalismo. Después vuelve a la abstracción geométrica. Trabaja en obras transformables por cubos y se dedica a investigar las posibilidades de la incorporación de la luz artificial a la obra de arte. Entre 1985 y 1992 se da en su obra una fase de síntesis abstracto–figurativa, en la que predomina el motivo de los veleros y a la que siguen relieves abstractos.
Carlos Cruz–Diez Vibración del negro, 1957 Óleo sobre madera Fundación privada Allegro Cruz–Diez, Carlos Caracas.1923 Escultor, pintor, dibujante, ilustrador y diseñador. Vive en ParísEn 1955 empieza a interesarse por la generación del color virtual dependiendo del movimiento del espectador, cuestión que aborda en sus Fisicromías. Con la idea de la transformación constante del color crea después ambientaciones que llama Transcromías y Cromosaturaciones. Realiza varias obras que combinan el arte cinético con el ambiente urbano y la arquitectura, en unos casos obras permanentes —como Transchromies para Phelps Tower Gates (1967) en Caracas—, en otros temporales —por ejemplo, Chromosaturation pour un lieu public (París 1967) y Chromatic environments para Guri Dam Powerhouse (años 80)—.
Narciso Debourg En Blanc et noir (En torno al blanco), 1953 (En blanco y negro) Ensamblaje en madera y pintura Duco Fundación privada Allegro Debourg, Narciso Caracas, 1925 Escultor. Vive en ParísComo escultor cinético se ha caracterizado principalmente por sus estructuras ópticas, en las que emplea cilindros o figuras geométricas sólidas organizadas en un plano. Utiliza, por ejemplo, formas tubulares cortadas diagonalmente que inciden sobre el comportamiento de la luz.
Gego Partiendo de un rectángulo II, 1958 Tiras de aluminio dobladas y atornilladas Fundación privada Allegro Gego (Gertrud Louise Goldschmidt) Hamburgo, 1912 – Caracas, 1994 Escultora, dibujante, grabadora y arquitecta venezolana de origen judío–alemánDesde mediados de los 50 realiza dibujos abstractos y elabora obras tridimensionales, al principio en papel, después en hierro, en las que plasma la proyección de planos y líneas paralelas en superficies curvas. A partir de 1964 emplea alambre de acero inoxidable, un material más ligero y flexible. Desde finales de los 60 se libera del sistema de las líneas paralelas y comienza a diseñar dibujos con líneas entrecruzadas de base triangular, formando redes planas y moduladas. De este sistema nacen las diferentes versiones de obras tridimensionales con el nombre Reticulárea, ambientaciones arquitectónicas de mallas y redes. La primera es instalada en 1969 en el Museo de Bellas Artes de Caracas. A principios de los 70 elabora nuevamente estructuras de mallas o redes, pero de base cuadrada o circular, empleando varillas de acero o aluminio. Estas obras permiten a veces alusiones a fenómenos de la naturaleza (Chorros; Nubes; Troncos; Esferas). La tercera etapa, desde mediados de los 70, está marcada por los Dibujos sin papel, trazados en el aire con alambres y otros elementos de diferentes materiales, que le permiten gran libertad de expresión. En la etapa final de su obra aparecen las Tejeduras (1988-89), hechas de cintas de papel normal y de papel de estaño.
Mateo Manaure El negro es un color, 1954 Pintura sintética sobre aglomerado Colección Patricia Phelps de Cisneros
Manaure, Mateo Uracoa, Monagas, 1926 Pintor, muralista, escultor, grabador, diseñador gráfico e ilustrador. Vive en su ciudad natalEn París su obra evoluciona hacia la abstracción geométrica y luego a la abstracción lírica. Trabaja activamente en el movimiento de integración plástica de la Ciudad Universitaria y realiza varios murales, policromías y vitrales de tipo abstracto geométrico. A comienzos de los 60 retorna al arte figurativo mágico y fantástico, con series de collages fotográficos llamados Sobremontajes (1965) y Los suelos de mi tierra (1967). Vuelve a la línea abstracta geométrica con sus Cuvisiones (1970), en las que el cubo es el eje del discurso, y sus Columnas policromadas (1977), composiciones escultóricas de carácter serial y programado. Alterna la geometría y una figuración esquematizada con rasgos simbólicos y míticos. Alejandro Otero Coloritmo 45A, 1960 Pintura Duco sobre madera Fundación privada Allegro Otero, Alejandro El Manteco, Bolívar, 1921 – Caracas, 1990 Pintor y escultor Comienza a finales de los 40 con cuadros de bodegones configurados geométricamente, como la serie de las Cafeteras. Entre sus obras de la Ciudad Universitaria se encuentran mosaicos y paneles de aluminio que conducen a la serie de los Coloritmos. En los 60 en París crea una serie de ensamblajes y collages incorporando objetos cotidianos, en la línea del neo–dadaísmo. Realiza varias esculturas urbanas abstractas como Estructuras espaciales para Maracay (1968), Bogotá (1975), Washington, D. C. (1975), Ciudad de México (1975), Milán (1977) y Guri Dam, Venezuela (1987).
Jesús Rafael Soto Rotation, 1952 (Rotación) Óleo sobre contrachapado Centre Pompidou, París. Musée national d’art moderne / Centre de création industrielle. Adquisición en 1980 Soto, Jesús Rafael Ciudad Bolívar, Bolívar, 1923 – París, 2005 Pintor y escultor Animado por la obra de Marcel Duchamp, Yaacov Agam y Jean Tinguely, en los años 50 integra el movimiento en su pintura, pero como fenómeno óptico, sin recurrir a motores. A partir de 1958 crea la serie Vibraciones, con elementos colgantes frente a estructuras geométricas que parecen moverse debido al desplazamiento del observador. La serie Escrituras (1963) está basada en los mismos principios. A finales de los 60 comienza con sus Penetrables , elaborados con varillas colgantes, de plástico o metálicas, a través de las que el observador puede pasar. Realiza varias obras por encargo, como dos murales cinéticos para el pabellón venezolano de la Exposición Universal de Bruselas en 1958 y Volumen suspendido para la Exposición Universal de Montreal, 1967, además de grandes relieves para el edificio de la Unesco en París (1970) y el Museo de Arte Contemporáneo de Caracas (1971).
Víctor Valera Sin título, 1951 Témpera sobre lienzo Fundación privada Allegro Valera, Víctor Maracaibo, Zulia, 1927 Pintor, escultor y escenógrafo. Vive en Caracas Sus primeras obras son pinturas figurativas estilizadas. En París comienza a experimentar con formas ópticas resueltas sobre un plano y, animado por el escultor danés Robert Jacobsen, desde su regreso a Venezuela comienza a trabajar el hierro con soldadura. Comienza sus investigaciones volumétricas, cortando y recomponiendo láminas de metal. De 1954 a 1958 forma parte del equipo de artistas que colabora en la Ciudad Universitaria de Caracas y realiza murales cerámicos abstractos para varias facultades, después también para otros edificios. En los 60 elabora obras escultóricas semi–figurativas en hierro, después trabaja con varillas tubulares seriadas y explora la luz, el neoplasticismo y el cinetismo. Realiza su serie de torres metálicas Esquemas perforados, y en los 80 los Papeles perforados. Su obra escultórica de hierro pintado, en parte monumental, se vuelve barroca, está entre figuración y abstracción, entre lo totémico y lo mecánico.
