Tuesday, May 6, 2025
Home Blog Page 90

La importancia del Podcast en tu estrategia de contenidos

La importancia del Podcast en tu estrategia de contenidos
La importancia del Podcast en tu estrategia de contenidos

Estudios de grabación y producción Podcast en Miami Dade

La importancia del Podcast en tu estrategia de contenidos

Sin lugar a dudas, el podcast llegó al mundo digital para quedarse. La nueva radio, como también es conocida, ha conquistados a propios y extraños con su forma ágil, directa y fresca de comunicar. Puede ser utilizado como estrategia de contenidos en cualquier blog, página web, empresa o marca, de ahí que haya decidido hablarte hoy de la importancia del podcast.

El podcast es una forma fácil y económica de captar la atención de tu público. Por medio de un audio que puede variar entre  30 minutos o una hora (por lo general), en el que expones de manera entretenida un tema determinado, tus seguidores conocerán mucho más tus habilidades y conocimientos, al mismo tiempo que conocen tu personalidad y simpatía.

Utilizar un podcast como estrategia de contenidos  asegurará que tu audiencia se sienta más conectada contigo y abrirá un nuevo canal de comunicación entre tú  y tu público. ¿Cómo sucederá esto? Paso a explicarte, sin antes olvidarme agradecer a Jesús Manuel la oportunidad de escribir en su maravilloso blog.

¿Qué es un Podcast? Refresquemos la memoria

No es que no tengamos claro qué es un podcast, ya que el tema es bastante recurrente dentro de muchos blogs, pero siempre es bueno repasar los conceptos para no caer en equivocaciones.

El podcast es  un archivo multimedia que cualquier usuario puede escuchar. Ya sea vía streaming o descargándolo en cualquier momento en su ordenador, Smartphone, tablet o reproductor. Es conocido como ‘la nueva radio’, ya que tiene la fluidez y la simpatía de la radio tradicional, mezclada con la innovación de las nuevas tecnologías y el empuje de las redes sociales. En definitiva, es audio bajo demanda.

Muchas personas que piensan en, por fin, darle importancia al podcast, frenan sus ganas pensando que lo más importante es tener un ‘súper equipo’ de grabación. Y, aunque indudablemente tener un buen micrófono, un par de audífonos y un ordenador es importante, lo que realmente es esencial a la hora de grabar un podcast es tener claro qué vas a decir, a quién se lo vas a decir y para qué lo vas a decir.

En otras palabras, tener claro el tema o los temas que vas a tratar en tus podcast, habiendo antes estudiado a tu público y sus necesidades. Cuando tienes todo esto claro, y además ya tienes el equipo listo, lo que queda es ponerte manos a la obra y comenzar a producir tu podcast.

La importancia del Podcast

Por dónde empezar

La formas más natural de vincular un podcast a tus estrategias de contenidos, sería creando un programa en el que hables de lo que mejor sabes, para así no caer en equivocaciones o terminar confundiendo a la audiencia.

La idea es que ese o esos temas que trates en tu podcast, sean para ti algo natural, que te salgan con fluidez y sin mucho esfuerzo, para que la grabación se escuche amena y no forzada. Una buena estrategia, para comenzar en el mundo del podcast si tienes un poco de dudas sobre el contenido que quieres manejar, es recurrir a esos post antiguos que escribiste en tu blog y que en su momento fueron muy populares y convertirlos en episodios del podcast. Utilizando el escrito como un guión, pero añadiendoles algunas cosas nuevas y actualizándolos.

Descubre cómo puede ayudarte el #Podcast a mejorar tu estrategia de contenidosHAGA CLIC PARA TWEET

Ventajas de utilizar el Podcast como estrategia de contenidos para tu marca

Cuando por fin te enteras de la importancia del podcast para vender tu producto, publicitar tus servicios o dar a conocer tu página web o blog, estás acudiendo a una estrategia de marketing que puede convertirse en un punto de referencia para quienes te escuchan. Si logras que ese podcast tenga un contenido que realmente llame la atención, que capte la curiosidad del público y que les resuelva incógnitas y problemas, habrás creado un monstruo digital, en el buen sentido de la palabra.

Ahora tu blog podrá destacarse por encima de los demás, porque no solo estarás recurriendo a las formas típicas de publicar como los artículos o las infografías, sino que también utilizarás tu voz y tus conocimientos para acercarte a tu público.

Pero estas no son las únicas ventajas que trae escoger el podcast como estrategia de contenido. Ahí te van algunas otras:

  1. Producir un podcast es mucho más económico que otros formatos como, por ejemplo, el vídeo, lo que hará que gastes menos dinero en comparación con otras estrategias de marketing de contenidos.
  2. Tus seguidores podrán escuchar  y/o descargar los podcast que tú produzcas en cualquier momento, tanto desde su teléfono inteligente como desde su ordenador.
  3. Las plataformas de alojamiento de podcasts, como Ivoox o Spreaker, te garantizan una mejora del posicionamiento orgánico de tu marca o empresa y, por otra parte, el acceso a miles de usuarios con los que cuentan estas plataformas.
  4. Te puedes ‘aliar’ con tus redes sociales. En Facebook, por ejemplo, ya puedes crear pestañas que estarán vinculadas directamente a tus podcast y que se actualizarán cada vez que compartas nuevo contenido.
  5. Crear un buen podcast y ser fiel a tus seguidores te puede convertir en un líder y referente en tu sector empresarial. Algo que, sin duda, mejoraría la imagen de tu marca o negocio.
  6. Los podcast aumentan el porcentaje de conversión, ya que, debido a la cercanía y confianza que tus seguidores pueden percibir por tu voz, las ventas se duplicarán.
  7. Si, con tus primeros episodios de podcast logras, gracias a tu simpatía y energía, que tus seguidores se vuelvan fieles, habrás logrado lo más importante: conectar y convertirte en algo casi obligatorio para ellos. Estarán cada semana esperando por un nuevo episodio.
  8. Al tratarse de un archivo descargable, el podcast no se ve afectado si surgen problemas como cambios de dominio, hosting o caída de servidores.
  9. Si el contenido es atemporal, el usuario interesado puede escucharlo cuantas veces quiera, sin que su contenido envejezca y pierda utilidad.
  10. El podcast todavía no se ha globalizado por completo en el mercado latino. Muy pocas empresas de este lado del mundo se han dejado tentar por el podcasting. Por lo que, si tú decides hacerlo, estarás ya un paso más adelante y serás sin duda un pionero en la materia. Al menos en español.
  11. El podcast te da la oportunidad de interactuar desde un lugar fresco e innovador con tu audiencia, y no repetir las estrategias que han hecho otras empresas.

Con estos 11 puntos ya te debe haber quedado clara la importancia del podcast, pero vamos a continuar un poco más. 

¿Sigues sin convencerte sobre la importancia del Podcast en tu estrategia de contenidos?

Muchos bloggers, influencers digitales, marcas reconocidas y hasta medios tradicionales se han decidido por el podcast para poder llegar a un mayor público de una forma cercana e innovadora. Si bien es cierto que el podcast no es algo completamente nuevo, ya que tiene mucha influencia de la radio tradicional, si es bien sabido que le aporta personalidad y diferenciación a tus proyectos.

Tener dentro de tu blog o página web una sección en donde las personas puedan encontrar podcast con tus experiencias laborales, cómo aprendiste todo lo que sabes, tus herramientas de trabajo favoritas y  tus proyectos futuros de una forma amable y cercana (como yo lo hago en Emprendiendo en Marketing), hará que ellos se sientan identificados y tu marca personal sin duda aumentará su popularidad.

Decidirte por los podcast, permitirá que puedas expresarte tal y como lo sientes, de forma más orgánica y sin tener que hacer tantos filtros, como sí que se deben hacer a la hora de escribir o grabar un vídeo. No obstante, es importante que sepas que siempre debes tener un guión o escribir algunos puntos que tomar como guía. A la hora de grabar tu podcast te sentirás libre y en confianza para hablar y eso, sin duda, lo sentirán tus oyentes.

La importancia del podcast en tu estrategia de marketing de contenidos te permitirá compartir tu contenido de forma mucho más personal, y podrás añadirle tu toque diferencial, lo que permitirá que tu audiencia te conozca de una manera mucho más accesible.

Por si aún no te he convencido: monetiza tus Podcast

Si, con todos estos motivos, aún no te he convencido sobre la importancia del podcast como una estrategia de contenido para poder vender tu producto o servicio, tengo algunos motivos más que seguro que te convencerán del todo.

No podemos olvidar que, ese mismo podcast también te puede generar ingresos directamente, si decides hacer que sea monetizado. Hay muchas empresas que están dispuestas a pagar por incorporar publicidad dentro de los podcast, si se maneja el mismo público objetivo.

Así que, en ese orden de ideas, no solo estarías añadiendo una nueva estrategia de contenidos para generar ingresos, sino que además estarías ganando dinero por tu podcast. ¿Genial, no?

El Podcast es el camino. ¡Decídete!

Solo hay una cosa que te frena para comenzar a crear tus propios podcast: tú mismo. Mi recomendación final es que te decidas de una vez por todas y comiences en el mundo del podcasting que, sin duda, traerá grandes ventajas para tu marca, negocio e incluso para tu persona.

Este es el momento perfecto para lanzar un podcast. La audiencia está creciendo considerablemente y cada vez más esta nueva práctica va ganando terreno en muchos lugares del mundo. Ahora, en español, México, Argentina, España y Colombia, son los países donde más se producen podcast y los números cada vez suben más.

Entre las empresas que se han lanzado a lanzar podcast está también BlogsterApp, que hace tan solo unos días ha lanzado su canal. Te invito a escucharlo tanto en Ivoox como iTunes. ¡No te lo pierdas!

La importancia del podcast no se puede negar y es evidente que esta nueva forma de comunicar llegó para quedarse. Quienes logran entrar a ella con un enfoque bien definido son los que más ventajas podrán sacar. ¿Te animas? ¡Manos a la obra! 

Keiner Chará

Emprendedor y Comunicador Social que colabora con emprendedores que quieren forjar su marca en Internet a través de estrategias y clases de Marketing Digital

Perez Art Museum PAMM
Pérez Art Museum Miami

CELINÉS TORIBIO A PASO FIRME EN LA MADRE PATRIA, ESPAÑA.

CELINÉS TORIBIO
CELINÉS TORIBIO

CELINÉS TORIBIO A PASO FIRME EN LA MADRE PATRIA, ESPAÑA.

LA ACTRIZ Y MUY PRONTO DIRECTORA DE CINE, AGOTÓ UNA AGENDA DE REUNIONES SOBRE EL DESARROLLO DE SUS PRÓXIMOS PROYECTOS MIENTRAS ES INVITADA A LOS PRESTIGIOSOS PREMIOS PLATINO.

CELINES TORIBIO
CELINES TORIBIO Cortesía fotos: M&M The Agency

No hay fronteras cuando la meta es producir contenido de impacto a través de una historia bien contada en el cine” expresó la actriz dominicana, Celinés Toribio, desde la alfombra roja de los prestigiosos Premios Platino que se llevaron a cabo este fin de semana en la sede del centro de convenciones IFEMA en Madrid, España.  Celinés, feliz de haber sido nuevamente invitada a la décima edición de los premios que reconoce lo mejor del cine y la televisión iberoamericana, felicitó a EGEDA (Entidad de Gestión de Derechos de los Productores Audiovisuales) y a la junta directiva de los premios por tan maravilloso espectáculo. 

Durante su paso por la alfombra conversó con medios de la prensa española y medios latinos de Estados Unidos, y el tema “presencia femenina” en el cine de Iberoamérica, fue su norte. “El séptimo arte necesita más presencia femenina frente y detrás de cámaras. Vamos bien, pero aún nos queda un largo camino por recorrer” comentó la actriz.  La noche del sábado, Celinés, compartió con grandes personalidades del cine argentino, español, boliviano, colombiano, hollywoodense y sus colegas compatriotas del cine dominicano.

Durante su estadía en España, Celinés gestionó encuentros para la preparación de sus dos proyectos (documental y largometraje). De ambos, ella dará muy pronto todos los detalles, ya a que se encuentra en estos momentos firmando acuerdos con sus respectivos socios y co-productores. Pero desde ya, la actriz cataloga el viaje a Europa como exitoso.

Perez Art Museum PAMM
Pérez Art Museum Miami

NORTH MIAMI COMMUNITY ART SERIES

MOCA
MOCA

NORTH MIAMI COMMUNITY REDEVELOPMENT AGENCY ANNOUNCES YEAR-LONG NOMI ART SERIES

The North Miami Community Redevelopment Agency will celebrate the beauty and creativity of diverse art, music, and culture all year long at the Scott Galvin Community Center

NORTH MIAMI, FL. – (April 27, 2023) – The North Miami Community Redevelopment Agency (NMCRA) is thrilled to announce the continuation of the NoMi Art Series at the Scott Galvin Community Center (1600 NE 126th Street) in North Miami. This exciting series offer residents and visitors an exceptional opportunity to experience relevant cultural exhibits, expand their knowledge of the arts, and engage with local artisans.

The NoMi Art Series is a unique initiative that provides a communal space for local artisans to present art exhibits, inspire the next generation of leaders, and leverage arts and culture as tools for transformation and community building. The NMCRA believes that art is essential to the health and vigor of its diverse communities, and the NoMi Art Series seeks to replace blight by curating art installations in public spaces that infuse civic pride, beautification, and a wider appreciation for the arts.

“We are excited to bring this new initiative to North Miami and provide a platform for local artists to showcase their work while enhancing the vibrancy and character of our city,” said Anna-Bo Emmanuel, Executive Director of the North Miami CRA. “There is no better place to showcase the vast cultural talent in our community than the newly developed Scott Galvin Community Center. We look forward to residents across Miami-Dade County experiencing this incredible offering year-round.”

Upcoming 2023 exhibits showcased as part of NoMi Art Series include:

  • April 2023 NOMI ART DECO:  In recognition of April as National Architecture Month, 21 international artists exhibit works with “A Visual Code”, inspired by Art Deco and Modernism in the heart of North Miami. The exhibit is curated by Copperbridge Foundation and the Miami Design Preservation League providing an exciting, educational, and visually appealing experience for all ages.
  • May 2023 HAITIAN HERITAGE: Enjoy “Häiti: Imperishable. Ayiti: Pap Peri”, an exhibit and mini expo showcasing culture that is diverse, beautiful, and expressive. This exhibit will present beautiful, decorative accessories and goods from recycled material. Curated by Caribbean-Craft, they will share the rich culture of contemporary and modern handmade pieces.
  • June 2023 CARIBBEAN HERITAGE: The “Carib Scenes”– an artistic exploration of the Caribbean exhibit will showcase the work of Caribbean artists from the Diaspora. The exhibit will celebrate the diverse and vibrant culture of the Caribbean region and provide a platform for Caribbean artists to showcase their work.
  • August 2023 HIP HOP 50TH ANNIVERSARY: We are excited to announce the “And It Don’t Stop” 50th Anniversary Hip Hop Art Exhibit curated by Grand Opening Gallery. The exhibit will provide an opportunity to learn about the history of hip hop while appreciating the artistry, all to gain a greater understanding of its impact on popular culture, especially in Miami.
  • September 2023 HISPANIC HERITAGE: The culture of Hispanic Heritage will be explored through “Living in America” Art Exhibit curated by localgallery, Top Art and Frame. Topics of immigration, displacement, the American Dream and more will be explored.
  • December 2023 NOMI ART WEEK: NoMi Art Week will join Miami Art Week with a celebration of the vibrant arts community in North Miami. This week-long event showcases local galleries, the incredible talent of local and visiting artists. These exhibits are free and open to the public.

The Scott Galvin Community Center is committed to creating a public space for arts and nurturing imagination, creativity, and positive experiences for children and adults all year round. Councilman Scott Galvin, who the community center is named after, also shared his excitement about the NoMi Art Series being hosted at the Scott Galvin Community Center, and how it honors his father’s legacy, who served as a former mayor of North Miami. “This is a great way to continue his commitment to fostering community engagement and promoting the arts in North Miami.”

The NoMi Art Series is an initiative that North Miami CRA is proud of, as it seeks to provide an avenue for local artists to showcase their work while promoting art in the community.

Proposals for NoMi Art Series 2024 are now being accepted. The North Miami CRA invites artists, galleries, and arts organizations to submit proposals for the series via email at [email protected].

For more information on the NoMi Art Series, visit: https://northmiamicra.org/

For media inquiries, please contact Jordan Hathaway at Kivvit at [email protected] or 402.415.8023

NomiCRA Flyer Save The Date PDF

About the North Miami Community Redevelopment Agency (NMCRA)

The North Miami Community Redevelopment Agency is an independent government agency tasked with eliminating slum and blight in the heart of downtown North Miami. The NMCRA does this by using increases in taxable values to transform the area into one that again contributes to the overall health of the community.  This transformation occurs through various grants and incentives initiatives including: Commercial Rehabilitation and Beautification Grants; Public Private Partnership Developments; Infrastructure Improvements; Neighborhood Improvement Programs; Affordable, Workforce, Market Rate, Luxury and Mixed Income Housing; Affordable/Workforce Housing Development & Renovation; Transportation and Transit Developments.

Perez Art Museum PAMM
Pérez Art Museum Miami

Ten Concrete Painters

Unfinished Sympathy, 2018
Unfinished Sympathy, 2018

Ten Concrete Painters, a group of painters constituted in Havana, Cuba from 1958 to 1961, the original members were: Pedro Carmelo Álvarez López, born in 1922, in Havana. Wifredo Arrcay Ochandarena, was born on October 10, 1925, in Havana. Salvador Zacarías Corratgé Ferrera, was born on November 5, 1928, in Havana. Sandú Darié LAaver, was born on April 6, 1908, in Román, Romania and died on September 2, 1991 in Havana, Luis Darío Martínez Pedro, was born on December 19, 1910, in Havana and died on April 11, 1989, in Havana. José María Mijares Fernández, was born on June 23, 1921 in Havana. Pedro de Oráa Carratalá, was born on October 23, 1931, in Havana. Dolores Soldevilla Nieto, was born on June 24, 1901, Pinar del Río, Cuba and died on July 5, 1971 in Havana. Rafael Soriano López, was born on November 23, 1920, Cidra, Matanzas, Cuba; José Ángel Rosabal Fajardo, was born on August 19, 1935, in Manzanillo, Oriente, Cuba, who subsequently joined the group. 

José M. Mijares (1921-2004) “Formas sobre un muro” 1959, Acrílico sobre tela 106 x 142 cm. Museo Nacional de Bellas Artes Cuba.

@fuera_de_la_raya_ #bellasartescuba #bellasartescubana #cubanart #cubanartist #cubaartists #abstract_post #abstractpainting #artmiami #artmiamifairs #artnyc #nyart #artgallerynyc

Perez Art Museum PAMM
Pérez Art Museum Miami

EL ELEMENTO LUDICO DEL ARTE

From Edge to Wedge, 2014, Acrylic and interference acrylic on canvas, 68 in across
image descriptionFrom Edge to Wedge, 2014, Acrylic and interference acrylic on canvas, 68 in across

EL ELEMENTO LUDICO DEL ARTE

por HANS-GEORG GADAMER

Lo primero que hemos de tener claro es que el juego es una función elemental de la vida humana, hasta el punto de que no se puede pensar en absoluto la cultura humana sin un componente lúdico. Pensadores como Huizinga, Guardini y otros han destacado hace mucho que la práctica del culto religioso entraña un elemento lúdico. Merece la pena tener presente el hecho elemental del juego humano en sus estructuras para que el elemento lúdico del arte no se haga patente sólo de un modo negativo, como libertad de estar sujeto a un fin, sino como un impulso libre. ¿Cuándo hablamos de juego, y qué implica ello?

En primer término, sin duda, un movimiento de vaivén que se repite continuamente. Piénsese, sencillamente, en ciertas expresiones como, por ejemplo “juego de luces” o el “juego de las olas”, donde se presenta un constante ir y venir, un vaivén de acá para allá, es decir, un movimiento que no está vinculado a fin alguno.

Es claro que lo que caracteriza al vaivén de acá para allá es que ni uno ni otro extremo son la meta final del movimiento en la cual vaya éste a detenerse. También es claro que de este movimiento forma parte un espacio de juego.

Esto nos dará que pensar, especialmente en la cuestión del arte. La libertad de movimientos de que se habla aquí implica, además, que este movimiento ha de tener la forma de un automovimiento. El automovimiento es el carácter fundamental de lo viviente en general.

Esto ya lo describió Aristóteles, formulando con ello el pensamiento de todos los griegos. Lo que está vivo lleva en sí mismo el impulso de movimiento, es automovimiento. El juego aparece entonces como el automovimiento que no tiende a un final o una meta, sino al movimiento en cuanto movimiento, que indica, por así decirlo, un fenómeno de exceso, de la autorrepresentación del ser viviente. Esto es lo que, de hecho, vemos en la naturaleza: el juego de los mosquitos, por ejemplo, o todos los espectáculos de juegos que se observan en todo el mundo animal, particularmente entre los cachorros. Todo esto procede, evidentemente, del carácter básico de exceso que pugna por alcanzar su representación en el mundo de los seres vivos. Ahora bien, lo particular del juego humano estriba en que el juego también puede incluir en sí mismo a la razón, el carácter distintivo más propio del ser humano consistente en poder darse fines y aspirar a ellos conscientemente, y puede burlar lo característico de la razón conforme a fines.

Pues la humanidad del juego humano reside en que, en ese juego de movimientos, ordena y disciplina, por decirlo así, su propios movimientos de juego como si tuviesen fines; por ejemplo, cuando un niño va contando cuántas veces bota el balón en el suelo antes de escapársele.

Eso que se pone reglas a sí mismo en la forma de un hacer que no está sujeto a fines es la razón. El niño se apena si el balón se le escapa al décimo bote, y se alegra inmensamente si llega hasta treinta. Esta racionalidad libre de fines que es propia del juego humano es un rasgo característico del fenómeno que aún nos seguirá ayudando. Pues es claro que aquí, en particular en el fenómeno de la repetición como tal, nos estamos refiriendo a la identidad, la mismidad. El fin que aquí resulta es, ciertamente, una conducta libre de fines, pero esa conducta misma es referida como tal. Es a ella a la que el juego se refiere. Con trabajo, ambición y con la pasión más seria, algo es referido de este modo. Es éste un primer paso en el camino hacia la comunicación humana; si algo se representa aquí, aunque sólo sea el movimiento mismo del juego, también puede decirse del espectador que “se refiere” al juego, igual que yo, al jugar, aparezco ante mí mismo como espectador. La función de representación del juego no es un capricho cualquiera, sino que, al final, el movimiento del juego está determinado de esta y aquella manera. El juego es, en definitiva, autorrepresentación del movimiento de juego.

Y podemos añadir, inmediatamente: una determinación semejante del movimiento de juego significa, a la vez, que al jugar exige siempre un “jugar-con”. Incluso el espectador que observa al niño y la pelota no puede hacer otra cosa que seguir mirando. Si verdaderamente “le acompaña”, eso no es otra cosa que la participatio, la participación interior en ese movimiento que se repite. Esto resulta mucho más evidente en formas de juego más desarrolladas: basta con mirar alguna vez, por ejemplo, al público de un partido de tenis por televisión. Es una pura contorsión de cuellos. Nadie puede evitar ese “jugar-con”. Me parece, por lo tanto, otro momento importante el hecho de que el juego sea un hacer comunicativo también en el sentido de que no conoce propiamente la distancia entre el que juega y el que mira el juego. El espectador es, claramente, algo más que un mero observador que contempla lo que ocurre ante él; en tanto que participa en el juego, es parte de él.

Naturalmente, con estas formas de juego no estamos aún en el juego del arte. Pero espero haber demostrado que es apenas un paso lo que va desde la danza cultual a la celebración del culto entendida como representación. Y que apenas hay un paso de ahí a la liberación de la representación, al teatro, por ejemplo, que surgió a partir de este contexto cultual como su representación. O a las artes plásticas, cuya función expresiva y ornamental creció, en suma, a partir de un contexto de vida religiosa.

Una cosa se transforma en la otra. Que ello es así lo confirma un elemento común en lo que hemos explicitado como juego, a saber, que algo es referido como algo, aunque no sea nada conceptual, útil o intencional, sino la pura prescripción de la autonomía del movimiento.

Esto me parece extraordinariamente significativo para la discusión actual sobre el arte moderno. Se trata, al fin y al cabo, de la cuestión de la obra. Uno de los impulsos fundamentales del arte moderno es el deseo de anular la distancia que media entre audiencia, consumidores o público y la obra. No cabe duda de que todos los artistas importantes de los últimos cincuenta años han dirigido su empeño precisamente a anular esta distancia.

Piénsese, por ejemplo, en la teoría del teatro épico de Bertolt Brecht, quien, al destruir deliberadamente el realismo escénico, las expectativas sobre psicología del personaje, en suma, la identidad de lo que se espera en el teatro, impugnaba explícitamente el abandono en el sueño dramático por ser un débil sucedáneo de la conciencia de solidaridad social y humana. Pero este impulso por transformar el distanciamiento del espectador en su implicación como co-jugador puede encontrarse en todas las formas del arte experimental moderno.

Ahora bien, ¿quiere esto decir que la obra ya no existe? De hecho, así lo creen muchos artistas –al igual que los teóricos del arte que les siguen–, como si de lo que se tratase fuera de renunciar a la unidad de la obra. Mas, si recordamos nuestras observaciones sobre el juego humano, encontrábamos incluso allí una primera experiencia de racionalidad, a saber, la obediencia a las reglas que el juego mismo se plantea, la identidad de lo que se pretende repetir. Así que allí estaba ya en juego algo así como la identidad hermenéutica, y ésta permanece absolutamente intangible para el juego del arte. Es un error creer que la unidad de la obra significa su clausura frente al que se dirige a ella y al que ella alcanza. La identidad hermenéutica de la obra tiene un fundamento mucho más profundo. Incluso lo más efímero e irrepetible, cuando aparece o se lo valora en cuanto experiencia estética, es referido en su mismidad. Tomemos el caso de una improvisación al órgano. Como tal improvisación, que sólo tiene lugar una vez, no podrá volverse a oír nunca. El mismo organista apenas sabe, después de haberlo hecho, cómo ha tocado, y no lo ha registrado nadie. Sin embargo, todos dicen: “Ha sido una interpretación genial”, o, en otro caso, “Hoy ha estado algo flojo”. ¿Qué queremos decir con eso? Está claro que nos estamos refiriendo a la improvisación. Para nosotros, algo “está” ahí; es como una obra, no un simple ejercicio del organista con los dedos. De lo contrario, no se harían juicios sobre la calidad de la improvisación o sobre sus deficiencias. Y así, es la identidad hermenéutica la que funda la unidad de la obra. En tanto que ser que comprende, tengo que identificar. Pues ahí había algo que he juzgado, que “he comprendido”. Yo identifico algo como lo que ha sido o como lo que es, y sólo esa identidad constituye el sentido de la obra.

Si esto es correcto –y pienso que tiene en sí la evidencia de lo verdadero–, entonces no puede haber absolutamente ninguna producción artística posible que no se refiera de igual modo a lo que produce en tanto que lo que es. Lo confirma incluso el ejemplo límite de cualquier instrumento –pongamos por caso un botellero– que pasa de súbito, y con el mismo efecto, a ser ofrecido como si fuera una obra. Tiene su determinación en su efecto y en tanto que ese efecto que se produjo una vez. Es probable que no llegue a ser una obra duradera, en el sentido clásico de perdurabilidad; pero, en el sentido de la identidad hermenéutica, es ciertamente una “Obra”.

Precisamente, el concepto de obra no está ligado de ningún modo a los ideales clasicistas de armonía. Incluso si hay formas totalmente diferentes para las cuales la identificación se produce por acuerdo, tendremos que preguntarnos cómo tiene lugar propiamente ese ser-interpelados. Pero aquí hay todavía un momento más. Si la identidad de la obra es esto que hemos dicho, entonces sólo habrá una recepción real, una experiencia artística real de la obra de arte, para aquel que “juega-con”, es decir, para aquel que, con su actividad, realiza un trabajo propio. ¿Cómo tiene lugar esto propiamente? Desde luego, no por un simple retener en algo la memoria. También en ese caso se da una identificación; pero sin ese asentimiento especial por el cual la “obra” significa algo para nosotros. ¿Por medio de qué posee una “obra” su identidad como obra? ¿Qué es lo que hace de su identidad una identidad, podemos decir, hermenéutica? Esta otra formulación quiere decir claramente que su identidad consiste precisamente en que hay algo “que entender”, en que pretende ser entendida como aquello a lo que “se refiere” o como lo que “dice”. Es éste un desafío que sale de la “obra” y que espera ser correspondido. Exige una respuesta que sólo puede dar quien haya aceptado el desafío. Y esta respuesta tiene que ser la suya propia, la que él mismo produce activamente. El co-jugador forma parte del juego.

Por experiencia propia, todos sabemos que visitar un museo, por ejemplo, o escuchar un concierto, son tareas de intensísima actividad espiritual. ¿Qué es lo que se hace? Ciertamente, hay aquí algunas diferencias: uno es un arte interpretativo; en el otro, no se trata ya de la reproducción, sino que se está ante el original colgado de la pared. Después de visitar un museo, no se sale de él con el mismo sentimiento vital con el que se entró: si se ha tenido realmente la experiencia del arte, el mundo se habrá vuelto más leve y luminoso.

La determinación de la obra como punto de identidad del reconocimiento, de la comprensión, entraña, además, que tal identidad se halla enlazada con la variación y con la diferencia. Toda obra deja al que la recibe un espacio de juego que tiene que rellenar. Puedo mostrarlo incluso con conceptos teóricos clasicistas. Kant, por ejemplo, tiene una doctrina muy curiosa. Él sostiene la tesis de que, en pintura, la auténtica portadora de la belleza es la forma. Por el contrario, los colores son un mero encanto, esto es, una emocionalidad sensible que no deja de ser subjetiva y que, por lo tanto, no tiene nada que ver con la creación propiamente artística o estética.

Quien entienda de arte neoclásico –piénsese en Thorwaldsen, por ejemplo– admitirá que en este arte de marmórea palidez son la línea, el dibujo, la forma, los que, de hecho, ocupan el primer plano. Sin duda, la tesis de Kant está condicionada históricamente. Nosotros no suscribiríamos nunca que los colores son meros encantos. Pues sabemos que también es posible construir con los colores y que la composición no se limita necesariamente a las líneas y la silueta del dibujo. Mas lo que nos interesa ahora no es la parcialidad de ese gusto históricamente condicionado. Nos interesa sólo lo que Kant tiene claramente ante sus ojos. ¿Por qué destaca la forma de esa manera? Y la respuesta es: porque al verla hay que dibujarla, hay que construirla activamente, tal y como exige toda composición, ya sea gráfica o musical, ya sea el teatro o la lectura. Es un continuo ser-activo-con. Y es claro y manifiesto que, precisamente la identidad de la obra, que invita a esa actividad, no es una identidad arbitraria cualquiera, sino que es dirigida y forzada a insertarse dentro de un cierto esquema para todas las realizaciones posibles.

Piénsese en la literatura, por ejemplo. Fue un mérito del gran fenomenólogo polaco Roman Ingarden haber sido el primero en poner esto de relieve. ¿Qué aspecto tiene la función evocativa de una narración? Tomemos un ejemplo famoso: Los hermanos Karamazov. Ahí está la escalera por la que se cae Smerdiakov. Dostoievski la describe de un modo por el que se ve perfectamente cómo es la escalera. Sé cómo empieza, que luego se vuelve oscura y que tuerce a la izquierda. Para mí resulta palpablemente claro y, sin embargo, sé que nadie ve la escalera igual que yo. Y, por su parte, todo el que se haya dejado afectar por este magistral arte narrativo, “verá” perfectamente la escalera y estará convencido de verla tal y como es. He aquí el espacio libre que deja, en cada caso, la palabra poética y que todos llenamos siguiendo la evocación lingüística del narrador. En las artes plásticas ocurre algo semejante. Se trata de un acto sintético. Tenemos que reunir, poner juntas muchas cosas. Como suele decirse, un cuadro se “lee”, igual que se lee un texto escrito. Se empieza a “descifrar” un cuadro de la misma manera que un texto. La pintura cubista no fue la primera en plantear esta tarea –si bien lo hizo, por cierto, con una drástica radicalidad– al exigirnos que hojeásemos, por así decirlo, sucesivamente las diversas facetas de lo mismo, los diferentes modos, aspectos, de suerte que al final apareciese en el lienzo lo representado en una multiplicidad de facetas, con un colorido y una plasticidad nuevas. No es sólo en el caso de Picasso, Bracque y todos los demás cúbistas de entonces que “leemos” el cuadro. Es así siempre. Quien esté admirando, por ejemplo, un Ticiano o un Velázquez famoso, un Habs-burgo cualquiera a caballo, y sólo alcance a pensar: “¡Ah! Ese es Carlos V”, no ha visto nada del cuadro. Se trata de construirlo como cuadro, leyéndolo, digamos, palabra por palabra, hasta que al final de esa construcción forzosa todo converja en la imagen del cuadro, en la cual se hace presente el significado evocado en él, el significado de un señor del mundo en cuyo imperio nunca se ponía el sol.

Por tanto, quisiera decir, básicamente: siempre hay un trabajo de reflexión, un trabajo espiritual, lo mismo si me ocupo de formas tradicionales de creación artística que si recibo el desafío de la creación moderna. El trabajo constructivo del juego de reflexión reside como desafío en la obra en cuanto tal.

Por esta razón, me parece que es falso contraponer un arte del pasado, con el cual se puede disfrutar, y un arte contemporáneo, en el cual uno, en virtud de los sofisticados medios de la creación artística, se ve obligado a participar. El concepto de juego se ha introducido precisamente para mostrar que, en un juego, todos son co-jugadores. Y lo mismo debe valer para el juego del arte, a saber, que no hay ninguna separación de principio entre la propia confirmación de la obra de arte y el que la experimenta. He resumido el significado de esto en el postulado explícito de que también hay que aprender a leer las obras del arte clásico que nos son más familiares y que están más cargadas de significado por los temas de la tradición.

Pero leer no consiste en deletrear y en pronunciar una palabra tras otra, sino que significa, sobre todo, ejecutar permanentemente el movimiento hermenéutico que gobierna la expectativa de sentido del todo y que, al final, se cumple desde el individuo en la realización de sentido del todo. Piénsese en lo que ocurre cuando alguien lee en voz alta un texto que no haya comprendido. No hay quien entienda lo que está leyendo.

La identidad de la obra no está garantizada por una determinación clásica o formalista cualquiera, sino que se hace efectiva por el modo en que nos hacemos cargo de la construcción de la obra misma como tarea. Si esto es lo importante de la experiencia artística, podemos recordar la demostración kantiana de que no se trata aquí de referirse a, o subsumir bajo un concepto una confirmación que se manifiesta y aparece en su particularidad. El historiador y teórico del arte Richard Hamann formuló una vez esta idea así: se trata de la “significatividad propia de la percepción”. Esto quiere decir que la percepción ya no se pone en relación con la vida pragmática en la cual funciona, sino que se da y se expone en su propio significado. Por supuesto que, para comprender en su pleno sentido esta formulación, hay que tener claro lo que significa percepción. La percepción no debe ser entendida como si la, digamos, “piel sensible de las cosas” fuera lo principal desde el punto de vista estético, idea que podía parecerle natural a Hamann en la época final del impresio-nismo. Percibir no es recolectar puramente diversas impresiones sensoriales, sino que percibir significa, como ya lo dice muy bellamente la palabra alemana, wahrnehmen, “tomar (nehmen) algo como verdadero (wahr)”. Pero esto quiere decir: lo que se ofrece a los sentidos es visto y tomado como algo. Así, a partir de la reflexión de que el concepto de percepción sensorial que generalmente aplicamos como criterio estético resulta estrecho y dogmático, he elegido en mis investigaciones una formulación, algo barroca, que expresa la profunda dimensión de la percepción: la “no-distinción estética”. Quiero decir con ello que resultaría secundario que uno hiciera abstracción de lo que le interpela significativamente en la obra artística, y quisiera limitarse del todo a apreciarla “de un modo puramente estético”.

Es como si un crítico de teatro se ocupase exclusivamente de la escenificación, la calidad del reparto, y cosas parecidas. Está perfectamente bien que así lo haga; pero no es ése el modo en que se hace patente la obra misma y el significado que haya ganado en la representación. Precisamente, es la no distinción entre el modo particular en que una obra se interpreta y la identidad misma que hay detrás de la obra lo que constituye la experiencia artística. Y esto no es válido sólo por las artes interpretativas y la mediación que entrañan. Siempre es cierto que la obra habla, en lo que es, cada vez de un modo especial y sin embargo como ella misma, incluso en encuentros reiterados y variados con la misma obra. Por supuesto que, en el caso de las artes interpretativas, la identidad debe cumplirse doblemente en la variación, por cuanto que tanto la interpretación como el original están expuestos a la identidad y la variación. Lo que yo he descrito como la no-distinción estética constituye claramente el sentido propio del juego conjunto de entendimiento e imaginación, que Kant había descubierto en el “juicio de gusto”. Siempre es verdad que hay que pensar algo en lo que se ve, incluso sólo para ver algo.

Pero lo que hay aquí es un juego libre que no apunta a ningún concepto. Este juego conjunto nos obliga a hacernos la pregunta de qué es propiamente lo que se construye por esta vía del juego libre entre la facultad creadora de imágenes y la facultad de entender por conceptos. ¿Qué es esa significatividad en la que algo deviene experimentable y experimentado como significativo para nosotros? Es claro que toda teoría pura de la imitación y de la reproducción, toda teoría de la copia naturalista, pasa totalmente por alto la cuestión. Con seguridad, la esencia de una gran obra de arte no ha consistido nunca en procurarle a la “naturaleza” una reproducción plena y fiel, un retrato. Como ya he mostrado con el Carlos V de Velásquez , en la construcción de un cuadro se ha llevado a cabo, con toda certeza, un trabajo de estilización específico. En el cuadro están los caballos de Velázquez, que algo tienen de especial, pues siempre le hacen a uno acordarse primero del caballito de cartón de la infancia; pero, luego, ese luminoso horizonte, la mirada escrutadora y regia del general dueño de ese gran imperio: vemos cómo todo ello juega conjuntamente, cómo precisamente desde ese juego conjunto resurge la significatividad propia de la percepción; no cabe duda de que cualquiera que preguntase, por ejemplo: ¿Le ha salido bien el caballo?, o ¿está bien reflejada la fisonomía de Carlos V?, habrá paseado su mirada sin ver la auténtica obra de arte. Este ejemplo nos ha hecho conscientes de la extraordinaria complejidad del problema. ¿Qué es lo que entendemos propiamente? ¿Cómo es que la obra habla, y qué es lo que nos dice? A fin de levantar una primera defensa contra toda teoría de la imitación, haríamos bien en recordar que no sólo tenemos esta experiencia estética en presencia del arte, sino también de la naturaleza. Se trata del problema de “lo bello en la naturaleza”.

El mismo Kant, que fue quien puso claramente de relieve la autonomía de lo estético, estaba orientado primariamente hacia la belleza natural. Desde luego, no deja de ser significativo que la naturaleza nos parezca bella. Es una experiencia moral del hombre rayana en lo milagroso el que la belleza florezca en la potencia generativa de la naturaleza, como si ésta mostrase sus bellezas para nosotros. En el caso de Kant, esta distinción del ser humano por la cual la belleza de la naturaleza va a su encuentro tiene un trasfondo de teología de la creación, y es la base obvia a partir de la cual expone Kant la producción del genio, del artista, como una elevación suma de la potencia que posee la naturaleza, la obra divina. Pero es claro que lo que se enuncia con la belleza natural es de una peculiar indeterminación. A diferencia de la obra de arte, en la cual siempre tratamos de reconocer o de señalar algo como algo –bien que, tal vez, se nos haya de obligar a ello–, en la naturaleza nos interpela significativamente una especie de indeterminada potencia anímica de soledad. Sólo un análisis más profundo de la experiencia estética por la que se encuentra lo bello en la naturaleza nos enseña que se trata, en cierto sentido, de una falsa apariencia, y que, en realidad, no podemos mirar a la naturaleza con otros ojos que los de hombres educados artísticamente. Recuérdese, por ejemplo, cómo se describen los Alpes todavía en los relatos de viajes del siglo XVIII: montañas terroríficas, cuyo horrible aspecto y cuya espantosa ferocidad eran sentidos como una expulsión de la belleza, de la humanidad, de la tranquilidad de la existencia. Hoy en día, en cambio, todo el mundo está convencido de que las grandes formaciones de nuestras cordilleras representan, no sólo la sublimidad de la naturaleza, sino también su belleza más propia.

Lo que ha pasado está muy claro. En el siglo XVIII, mirábamos con los ojos de una imaginación adiestrada por un orden racionalista. Los jardines del siglo XVIII –antes de que el estilo de jardín inglés llegase para simular una especie de naturalidad, de semejanza con la naturaleza– estaban siempre construidos de un modo invariablemente geométrico, como la continuación en la naturaleza de la edificación que se habitaba. Por consiguiente, como muestra este ejemplo, miramos a la naturaleza con ojos educados por el arte. Hegel comprendió correctamente que la belleza natural es hasta tal punto un reflejo de la belleza artística, que aprendemos a percibir lo bello en la naturaleza guiados por el ojo y la creación del artista. Por supuesto que aún queda la pregunta de qué utilidad tiene eso para nosotros hoy, en la situación crítica del arte moderno. Pues, guiándose por él, a la vista de un paisaje, difícilmente llegaríamos a reconocer su belleza. De hecho, ocurre que hoy día tendríamos que experimentar lo bello natural casi como un correctivo para las pretensiones de un mirar educado por el arte.

Por medio de lo bello en la naturaleza volveremos a recordar que lo que reconocemos en la obra de arte no es, ni mucho menos, aquello en lo que habla el lenguaje del arte. Es justamente la indeterminación del remitir la que nos colma con la conciencia de la significatividad, del significado característico de lo que tenemos ante los ojos. ¿Qué pasa con ese ser-remitido a lo indeterminado? A esta función la llamamos, en un sentido acuñado especialmente por los clásicos alemanes, por Goethe y Schiller, lo simbólico.

Gadamer , Hans-Georg: La actualidad de lo bello, Barcelona, Paidós, 1996, pp. 66-83

.

Perez Art Museum PAMM
Pérez Art Museum Miami

¿Cuáles son los elementos pictóricos?

Henri Matisse
Henri Matisse

¿Cuáles son los elementos pictóricos?

Los elementos del lenguaje pictórico son: la materia pictórica, la línea, el color, la luz, la composición , el volumen y la perspectiva.

¿Qué es el lenguaje pictórico?

Lenguaje Pictorico. El lenguaje pictórico es el conjunto de las técnicas (colores, materiales, herramientas, manera de pintar y de representar las cosas y las personas) que pertenecen a un mismopintor o a una escuela de pintura o bien a una temporada artística. … Esla esencia de la pintura y tiene valor por sí mismo.

¿Qué es representacion pictorica en matematica?

PICTÓRICO: el alumno dibuja un modelo ilustrado para representar las cantidades y resolver el problema. SIMBÓLICO: cuando el alumno ya es capaz de identificar las magnitudes (3 y 2), las ha juntado (sumado) y ha llegado a un resultado… traduce la experiencia concreta y pictórica en algoritmos / signos / números.

¿Cuáles son los tipos de generos Pictoricos?

Pintura. Los géneros pictóricos se suelen clasificar en cuanto a su contenido temático: retrato y autorretrato, desnudo, bodegón y vanidades, paisaje y marina, pintura religiosa, mitológica, alegórica, de historia, de género, etc.

Perez Art Museum PAMM
Pérez Art Museum Miami

El Lissitzky

El Lissitzky
El Lissitzky. New Man 1923 El Lissitzky 1890-1941 Purchased 1976 http://www.tate.org.uk/art/work/P07147

El Lissitzky

RUSSIAN PAINTER, TYPOGRAPHER, AND DESIGNER

Born: November 23, 1890 – Pochinok, Russian Empire

Died: December 30, 1941 – Moscow, Soviet Union

Lazar Markovich Lissitzky, better known as El Lissitzky, was a Russian artist, designer, photographer, typographer, polemicist and architect. He was an important figure of the Russian avant-garde, helping develop suprematism with his mentor, Kazimir Malevich, and designing numerous exhibition displays and propaganda works for the Soviet Union. His work greatly influenced the Bauhaus and constructivist movements, and he experimented with production techniques and stylistic devices that would go on to dominate 20th-century graphic design.
Lissitzky’s entire career was laced with the belief that the artist could be an agent for change, later summarized with his edict, “das zielbewusste Schaffen” (goal-oriented creation). Lissitzky, of Lithuanian Jewish оrigin, began his career illustrating Yiddish children’s books in an effort to promote Jewish culture in Russia. When only 15 he started teaching, a duty he would maintain for most of his life. Over the years, he taught in a variety of positions, schools, and artistic media, spreading and exchanging ideas. He took this ethic with him when he worked with Malevich in heading the suprematist art group UNOVIS, when he developed a variant suprematist series of his own, Proun, and further still in 1921, when he took up a job as the Russian cultural ambassador to Weimar Germany, working with and influencing important figures of the Bauhaus and De Stijl movements during his stay. In his remaining years he brought significant innovation and change to typography, exhibition design, photomontage, and book design, producing critically respected works and winning international acclaim for his exhibition design. This continued until his deathbed, where in 1941 he produced one of his last works – a Soviet propaganda poster rallying the people to construct more tanks for the fight against Nazi Germany. In 2014, the heirs of the artist, in collaboration with Van Abbemuseum and leading worldwide scholars on the subject, established the Lissitzky Foundation in order to preserve the artist’s legacy and to prepare a catalogue raisonné of the artist’s oeuvre.

Russian avant-garde artist El Lissitzky, made a career of utilizing art for social change. In fact, he made the very first abstract work with a political message. Although often highly abstract and theoretical, Lissitzky’s work was able speak to the prevailing political discourse of his native Russia, and then the nascent Soviet Union. Following Kazimir Malevich in the Suprematist idiom, Lissitzky used color and basic shapes to make strong political statements. Lissitzky also challenged conventions concerning art, and his Proun series of two-dimensional Suprematist paintings sought to combine architecture and three-dimensional space with traditional, albeit abstract, two-dimensional imagery. A teacher for much of his career and ever an innovator, Lissitzky’s work spanned the media of graphic design, typography, photography, photomontage, book design, and architectural design. The work of this cerebral artist was a force of change, deeply influencing modern art including the De Stijl artists and Bauhaus instructors.

  • Lissitzky believed that art and life could mesh and that the former could deeply affect the latter. He identified the graphic arts, particularly posters and books, and architecture as effective conduits for reaching the public. Consequently, his designs, whether for graphic productions or buildings, were often unfiltered political messages. Despite being comprised of rudimentary shapes and colors, a poster by Lissitzky could make a strong statement for political change and a building could evoke ideas of communality and egalitarianism.
  • He declared that the Proun series existed at “the station where one changes from painting to architecture.” The paintings, which combined basic forms grouped together and featuring shifting axes, attempted to provide multiple perspectives of spatial amalgams despite their two-dimensional nature. Lissitzky reasoned that the future of the arts lay in their potential to be integrated. The fusion of drawing, painting, sculpture, architecture, for instance, could be realized with his Prouns. These works may be considered fundamental to the development of modern abstract imagery, and a great influence on acutely industrial modern architecture.
  • Lissitzky’s influence in the world of graphic design cannot be overstated. He utilized a pared-down palette of primary colors, black and white, text, and basic forms – shapes both real as well as invented geometric constructions – to tell stories, including traditional Jewish tales, and to make very powerful political statements.
  • Architecture was Lissitzky’s most favored form of artistic expression, yet he had little success realizing his designs, which often bordered on the utopian and impossible. Dreaming of a non-hierarchical architecture unlike that of the emergent skyscraper culture of the capitalist West, Lissitzky’s designs for “horizontal skyscrapers” remained forever in the realm of the imagined yet unrealized. For Lissitzky, the egalitarian ideal of Communism demanded such structures. They could serve as material evidence of the realization of such ideals.

Biography of El Lissitzky

Childhood El Lissitzky was born Eleazar Markovich Lisitskii, in the town of Pochinok, a small, heavily Jewish-populated community in the western region of the former Russian Empire. Lissitzky spent much of his childhood in the town of Vitebsk (also Marc Chagall’s hometown), followed by a ten-year stay with his grandparents in Smolensk, near the present-day Belarusian border, where he spent his secondary school years. A prodigious draughtsman even at age thirteen, Lissitzky was noticed by the local Jewish artist Yehuda Pen, who took the boy under his wing. Pen had founded School of Drawing and Painting in Vitebsk and taught many celebrated artists, including Chagall. By the age of fifteen, Lissizky had already begun his teaching career, instructing other aspiring young Jewish artists. In 1909 he was rejected admission to the St. Petersburg Art Academy, due to anti-Semitic laws in place under the Tsarist regime of Nicholas II, which did not necessarily exclude Jewish students from admission into state schools but did heavily regulate admission quotas. Following his rejection, Lissitzky traveled to Germany and enrolled in the Technische Hochschule (University of Technology) in the city of Darmstadt, where he studied architectural engineering.Early TrainingAt the University, Lissitzky’s program of study included free drawing; during these sessions the artist would draft from memory full-color illustrations of buildings and landscapes in Vitebsk and Smolensk as well as of cities he had visited while hiking through northern Italy in the summer of 1912. These early drawings, characterized by heavy outlines, rounded edges and a soft, almost watercolor-like palette, had more in common stylistically to the work of the Jugendstil artists than with Lissitzky’s later, mature, and characteristically spare architectural studies. Likewise, the artist’s illustrative work for Yiddish children’s books, which he began producing in the latter part of the decade, bear distinctive visual elements of the Art Nouveau style as well as the folk symbolism of Marc Chagall.

With the outbreak of World War I in 1914, Lissitzky was forced to return to Russia, as were Chagall, Wassily Kandinsky and other Russian artists living abroad. Lissitzky also received a diploma in engineering and architecture from the Riga Technological University in 1916. In the years to follow, Lissitzky focused his efforts on studying Jewish culture and producing Jewish national art, something that had been largely absent in pre-Revolutionary Russia. By 1919, Chagall had been appointed Commissar of Arts in Vitebsk and started an art academy, where he hired Lissitzky to be an instructor of architecture and graphics. While at the academy, Lissitzky encountered Kazimir Malevich, another instructor, who had been developing a wholly abstract artistic style called “Suprematism.” Suprematist works of art were comprised exclusively of squares, triangles and other flat geometric shapes. Malevich dubbed this new visual lexicon of art a “world of non-objectivity.” Lissitzky’s encounter with Malevich’s new style proved to be the biggest turning point in the artist’s own development.

Mature Period

By 1920 Lissitzky had begun devoting himself exclusively to Suprematism. While Lissitzky and Malevich had grown close and had even co-founded the Suprematist group UNOVIS (Exponents of the New Art), Lisstizky’s art was arguably less purely Suprematist due to its frequent use of political symbolism. Lissitzky’s propaganda poster Beat the Whites with the Red Wedge (1919), for instance (perhaps his most famous work), was a direct response to the Russian civil war. His art also typically featured distinct architectural elements, in contrast to that of his mentor.

Remove Ads In an effort to achieve his own distinct style and emphasize that his art was truly original, Lissitzky created his own variations of the Suprematist style, which was also highly abstract and overtly geometric compositions. He produced a series of paintings in this style, which he called “Prounen” or “Proun”, the true meaning of which Lissitzky never revealed to anyone. One theory is that the word “Proun” translates to the Latin “pro” unovis, or an abbreviation for “proekt utverzhdenya novogo,” (building upon the name of the group he was a part of) meaning in Russian “Project for the Affirmation of the New.” Meanwhile, Lissitzky’s love for and knowledge of architecture played a significant role in his Proun paintings and lithographs, wherein he experimented with traditional architectonic forms, such as bridges and tall buildings, and placed them in a futuristic, weightless environment.

One of Lissitzky’s greatest goals was to apply Suprematism to actual architecture in his native Russia, which he regarded as having relied too heavily on the classical European style. By that time – into the 1920s – the Suprematist movement had begun to fracture into two different camps: one that embraced the movement’s utopian ideals and one that wanted it to achieve more utilitarian goals and be put to use for industrialization. Lissitzky’s mentor, Malevich, was aligned with the first camp. One artist in the latter contingent was Vladimir Tatlin, who Lissitzky befriended when both men taught at Moscow’s Higher State Art and Technical Workshops. While of a similar philosophy with members of the utilitarian group, Lissitzky generally remained independent in this divide.As Suprematism dissolved, Lissitzky returned to Germany after nearly eight years away, arriving this time as an official cultural representative of Russia. While in Germany. he worked as a graphic designer, providing covers for various magazines and journals. At that point he was also producing some of his most notable designs for Soviet propaganda posters. Lissitzky’s vision for a new architecture would also realize new heights during this period in his artistic career.

To further celebrate what he perceived as the supremacy of the new Soviet state, Lissitzky developed plans for Constructivism, an international art movement designed to usher in a series of new city skylines.These new constructions Lissitzky envisioned were conceived in keeping with the theory behind his early Suprematist compositions: architecture was not bound by gravity. While his ultimate vision for building upward into the heavens was not based in pragmatism, as reflected in his two-dimensional architectonic drawings and paintings, his designs for Constructivist structures actually were meant to be realized: Lissitzky resolved to construct “horizontal skyscrapers,” buildings that adhered to the horizontal plain. This resolve directly contradicted the growing American custom of the skyscraper.

Late Period

After nearly a year of traveling and working in Switzerland as well as visiting various architects and artists in Vienna in the company of his new wife Sophie Kuppers, Lissitzky returned to Moscow for good in 1928. He spent the remainder of his life teaching, writing, working, and designing. The late 1920s and early 1930s were some of Lissitzky’s most progressive years as he experimented (and continued his expirements) with media such as typography, photography, and photomontage while he continued to produce innovative architectural designs. One such design was his 1931 draft for a new Pravda building, in which five separate units would be interlocked by a series of foot bridges, yet another evolutionary step in Lissitzky’s vision for the horizontal skyscraper.

Remove Ads Having been diagnosed with tuberculosis in 1923, the pace of Lissitzky’s work gradually slowed. The illness prevented him from taking on multiple projects as had been his custom for much of his life. By 1932, Lissitzky was devoting himself almost exclusively to producing Soviet propaganda art, continuing to promote a political system that, under Stalin, heavily restricted the arts, persecuted, and even killed Lissitzky’s colleagues, and was overtly hostile towards Jews. It is not clear whether or not Lissitzky felt conflicted in this regard, but given his declining health coupled with his longtime devotion to the Soviet cause, it is likely that near the end of his life he simply wished to continue producing art without engaging in controversy. To complicate his efforts further, from 1930 to 1940 he contributed to the magazine “USSR in Construction” – a publicatoin that promoted Soviet industrialization.Lissistky’s final work of art was a propaganda photomontage produced at the onset of the Soviet Union’s entry into World War II. It appealed to the Soviet government to produce more war supplies. A few years later, on December 21, 1941, Lissitzky succumbed to his disease and passed away at his home in Schodnia, outside Moscow.

The Legacy of El Lissitzky

Lissitzky strived to transform Suprematism from its primarily two-dimensional, practical, and ideological orientation to three-dimensional considerations of space,particularly with regard to architecture. Although only one of his designs was ever constructed, later developments in 20th-century architectural design owe a debt of gratitude to Lissitzky. This thoroughly forward-thinking artist established a successful means by which to establish a kind of fully abstract, modern visual vocabulary that could be utilized either in the direction of architecture or that of the visual arts from graphics to painting. Artists and architects who followed, particularly those of the early Bauhaus such as Walter Gropius, Mies van der Rohe, and Wassily Kandinsky as well as the Cubists, explored and expanded this vocabulary whose basic elements were form, line, and color.

Source: https://www.theartstory.org/artist/lissitzky-el/

Perez Art Museum PAMM
Pérez Art Museum Miami

¿Qué es ser curador de arte?

Mary Magdalene

¿Qué es ser curador de arte?

Convertirse en curador de arte es un trabajo soñado para muchas personas. Es la combinación perfecta de creatividad y organización, lo que te permite trabajar con artistas y ayudarlos a hacer realidad sus visiones, mientras te aseguras de que el público pueda ver y apreciar el trabajo. También es un trabajo que conlleva una gran responsabilidad.

  • Un curador de arte es un profesional responsable del cuidado y conservación de obras de arte y su exhibición y presentación al público.
  • Un curador puede trabajar en un museo, galería o colección privada, y sus deberes variarán según el tamaño de la institución de bellas artes para la que trabaje.
  • Un curador también es responsable de una investigación exhaustiva sobre los artistas que sus colecciones deseen adquirir y la procedencia de las piezas que ya posee.
  • El perfil de trabajo requiere conocimiento en muchas disciplinas más allá de la comprensión y el amor por el arte.

Los aspirantes a curadores deben poseer excelentes habilidades de investigación, sólidas habilidades de comunicación escrita y verbal, talentos de negociación de primer nivel, buen sentido comercial y, sobre todo, una pasión por el aprendizaje continuo.

Cómo convertirte en curador de arte

El curador de arte es una profesión fascinante y única que permite a los apasionados por el arte combinar ese amor con la perspicacia comercial y las habilidades sociales para crear exhibiciones memorables para el bien público. No es un trabajo tan fácil, pero sin duda es una carrera gratificante.

  • Para convertirte en curador de arte es necesario obtener un título en historia del arte, filosofía, literatura, arqueología, estudios de museos o carreras afines que se relacionen con esta disciplina, además de ser hábil en la escritura para poder acompañar sus publicaciones.
  • Otro de los talentos que les corresponde cultivar es poseer un gran conocimiento de informática con el objetivo de poder realizar presentaciones digitales en las exposiciones, y un conocimiento al menos básico de otros idiomas, que lo ayuden a comunicarse con personas de otras nacionalidades.
  • Entre otros conocimientos, el curador de arte sabe de química y física, de diseño, de administración de empresas, de recursos humanos y por supuesto, relaciones públicas.

Talentos y aptitudes

Esta es una carrera que, como se puede observar, está dictada para personas cualificadas y formadas con conocimientos sobre el arte mundial, donde está incluido el arte de los períodos históricos en otras épocas, así como del arte moderno.

  • Es además una carrera de gran proyección cultural y social utilizada para documentar distintas manifestaciones del arte, como son: la escultura, pintura, cerámica, joyería, y arquitectura, entre otras, por lo que aprender fotografía y videografía es importante para documentar cada evento.
  • Dado que el trabajo de un curador se centra en la gestión de colecciones de artilugios, documentos históricos y elementos relacionados, debe tener conocimientos sobre las técnicas para archivar y preservar los diferentes tipos de elementos que se encuentran en la mayoría de las colecciones.

Perfil laboral requerido en esta carrera

En ocasiones los directores de museos se pueden desempeñar como curadores de arte, particularmente si están trabajando en instituciones pequeñas con poco personal, por lo cual las funciones y habilidades laborales que se requieren para los curadores de arte son amplias.

Los curadores de arte deben ser:

  • Comunicadores altamente creativos.
  • Tecnológicamente expertos y efectivos, ya que a veces se enfrentan a empleados y patrocinadores desafiantes.
  • Deben tener un fuerte pensamiento crítico.
  • Habilidades analíticas.
  • Habilidades informáticas y organizativas.
  • Servicio al cliente.
  • Capacidad con la interfaz de usuario de la base de datos y el software de consulta, software de autoedición, software de imágenes gráficas y software de gestión de proyectos.
  • Amplia destreza con destornilladores, cortadores de esteras y cuchillos utilitarios.

Pasos necesarios para ingresar en esta carrera

La carrera de curador de arte requiere una educación avanzada y según quien sea el empleador este trabajo puede implicar viajes con salarios muy gratificantes, dependiendo de la industria que te contrate.

Los pasos que debes tomar para entrar a esta carrera son:

Obtener una licenciatura

El primer paso hacia una carrera como curador de arte es completar la escuela de pregrado. Los aspirantes a curadores generalmente se especializan en una variedad de diferentes disciplinas de pregrado, como: historia del arte o arqueología.

  • No se requiere un campo de grado específico, aunque a menudo se necesita una sólida formación en artes liberales y cursos en historia del arte.
  • Por ejemplo, los estudiantes de historia del arte reciben una amplia educación en el tema y estudian una amplia gama de períodos y estilos de arte y arquitectura, como arte griego, arte medieval, arte italiano y barroco, arte de los siglos XIX y XX, diseño gráfico y arte y género.
  • Debido a que los curadores de arte son responsables de administrar un presupuesto y coordinar los esfuerzos de recaudación de fondos, los estudiantes universitarios pueden encontrar útil tomar cursos en negocios, matemáticas e inglés.
  • Los estudiantes en programas de licenciatura pueden tomar cursos en francés, alemán, español, italiano y otros idiomas como preparación para estudios de posgrado.

Obtener un título avanzado

Una vez que hayas completado la escuela de pregrado, puedes pasar a la escuela de posgrado.

  • Los empleadores generalmente prefieren contratar curadores de arte con una maestría o un doctorado en historia del arte, lo que generalmente permite a los estudiantes especializarse en un área geográfica específica o en un tipo de arte, como arte del siglo XX, arte estadounidense, dibujo o escultura.
  • Un título de posgrado generalmente requiere la finalización de una tesis de maestría o disertación doctoral, así como un nivel mínimo de competencia en uno o más idiomas extranjeros. Los aspirantes a curadores de arte también pueden obtener un título de posgrado en estudios de museos, que les enseña a los estudiantes sobre la gestión de museos, el desarrollo de colecciones y la conservación.
  • Durante sus estudios de posgrado, el estudiante debe tomarse un tiempo para perfeccionar las habilidades adecuadas en el uso del software, que incluye autoedición, gestión de proyectos, creación de imágenes gráficas, base de datos y software de consulta.
  • Además, es posible que desees desarrollar tus habilidades de comunicación con clases de oratoria y comunicación social para prepararte para una carrera hablando con patrocinadores, donantes y estudiantes de arte.

Ganar experiencia laboral

Los aspirantes a curadores de arte pueden completar una pasantía de curaduría, que brinda aprendizaje práctico en la gestión y el desarrollo de exhibiciones e instalaciones de arte, así como los procesos administrativos y de planificación involucrados en el funcionamiento de un museo.

  • También deben ser ayudantes docentes para desarrollar habilidades de liderazgo y comunicación ya que algunos empleadores prefieren candidatos con experiencia docente.

Funciones principales de curador de arte

Las funciones y responsabilidades de un curador de arte varían según el tamaño y el alcance de la institución para la que trabaja:

Organizar y organizar exposiciones para el público

Una de las funciones más importantes de un curador es organizar y organizar exposiciones para el público. Esto implica trabajar con artistas, y asegurarse de que la obra esté correctamente instalada e iluminada. También investigarán cómo se mostrarán las obras de arte y, a menudo, escribirán materiales didácticos para acompañar la exposición.

Investigar artistas y obras de arte

Otra responsabilidad crítica de un curador es investigar artistas y obras de arte. Implica mantenerse al día con las tendencias actuales en el mundo del arte e investigar artistas u obras de arte específicos que la institución podría desear adquirir. El curador también será responsable de la procedencia de las piezas que ya posea.

Selección de adquisición y gestión de obras de arte

Además de investigar artistas y obras, un curador es responsable de seleccionar, adquirir y administrar la pintura de su colección. Esto puede implicar negociar préstamos de otras instituciones o trabajar con donantes. También son los encargados de cuidar y conservar las pinturas de su colección.

Escribir y publicar artículos, libros o catálogos

Muchos curadores también escriben y publican artículos, libros o catálogos. La escritura a menudo se realiza junto con una exposición que han organizado. Estas publicaciones ayudan a promover la exposición y brindan información adicional sobre los artistas y las pinturas en exhibición.

Mantener el inventario de la colección de arte

La responsabilidad de un curador es mantener un inventario de la colección de arte. Esto incluye hacer un seguimiento de dónde se encuentra cada pieza y su condición. Esta información es fundamental para fines de seguros y para la creación de catálogos o libros sobre la colección.

Si te apasiona el arte, ve tras él

Convertirte en curador de arte puede ser la opción correcta si estás interesado en el arte y quieres una carrera desafiante y emocionante.

La mejor manera de aprender a convertirte en curador es salir y comenzar a hacerlo. Los museos y las galerías de arte siempre buscan curadores talentosos con ideas frescas que puedan ayudarlos a montar exhibiciones que atraigan y entusiasmen al público.

Entonces, si te apasiona el arte, no dudes en explorar esta fascinante carrera profesional.

Perez Art Museum PAMM
Pérez Art Museum Miami

LARRY BELL

LARRY BELL
LARRY BELL

LARRY BELL

Larry Bell is an American contemporary artist and sculptor. He is best known for his glass boxes and large-scaled illusionistic sculptures. Wikipedia
Born: 1939 (age 83 years), Chicago, IL
Education: Chouinard Art Institute (1957–1959), California Institute of the Arts, Birmingham Community High School

Artist Website Larrybell.com

Throughout his career Larry Bell has made investigations into the properties of light on surface. By experimenting with the nature of surface and its relationship to space, Bell has devised a methodology characterised by spontaneity, intuition and improvisation.

Bell began his career in 1959 and his earliest works consisted of abstract, monochrome paintings on paper and shaped canvases whose outlines corresponded to the silhouette of a box drawn in isometric projection. Panes of glass and then mirrors were substituted for parts of the painted design and this exploration of spatial ambiguity eventually evolved into sculptural constructions made of wood and glass. These works represent the genesis of Bell’s later glass cubes and standing glass-panel wall sculptures.

From 1963 onward, Bell began exploring the passing of light through the cube sculptures, deploying a technique of vacuum deposition whereby thin films were added to the clear glass panels. Bell found that these glass cubes, presented on transparent pedestals, offered the viewer the essence of the captured light, becoming, in the process, tapestries of reflected, transmitted and absorbed light. Challenging notions of mass, volume and gravity in one single measure, the cubes appeared to float on the light between the floor and the work.

Biography

Born: Chicago IL, 1939

Education

Studied at Chouinard Art Institute, Los Angeles CA 1957 – 1959
Guggenheim Fellow, Simon R. Guggenheim Memorial Foundation, New York NY, 1970
National Endowment for the Arts, Washington DC, 1975
Governor’s Award for Excellence and Achievement in the Arts, Office of Cultural Affairs, New Mexico Arts Division, Santa Fe NM, 1990

Resides

Lives and works in Venice CA and Taos NM

SOLO EXHIBITIONS

2022

Hauser & Wirth, ‘Larry Bell & John Chamberlain’, Los Angeles CA
Hauser & Wirth, ‘Larry Bell. New Work’, London, UK
Dia Beacon, ‘Larry Bell’, Beacon NY

2020

Hauser & Wirth, ‘Still Standing’, New York NY

2019

MOCA Museum of Contemporary Art, ‘Bill and Coo at MOCA’s Nest’, Los Angeles CA
Harwood Museum of Art, ‘Larry Bell. Cubic Propositions’, Taos NM

2018

ICA Miami, ‘Larry Bell. Time Machines’, Miami FL
Anthony Meier Fine Arts, ‘Larry Bell. Bay Area Blues’, San Francisco CA
Hauser & Wirth, ‘Larry Bell. Complete Cubes’, Los Angeles CA
Tampa Museum of Art, ‘Vapor and Vibration. The Art of Larry Bell and Jesús Rafael Soto’, Tampa FL
Aspen Art Museum, ‘Larry Bell’, Aspen CO
The Harwood Museum of Art, University of New Mexico, ‘Hocus, Focus and 12′, Taos NM
Hauser & Wirth, ‘Larry Bell. Venice Fog. Recent Investigations’, Zurich CH
Hauser & Wirth, ‘Art Cologne’, Cologne, Germany

2017

White Cube Bermondsey, ‘Smoke On The Bottom’, London, UK
Pepperdine & Frederick R Weisman Museum of Art, ‘Pacific Red’, Malibu CA

2016

Hauser & Wirth, ‘From the ’60s’, New York NY

2015

White Cube, ‘Larry Bell, 2D – 3D Glass & Vapor’, London, UK
Peter Blake Gallery, ‘Larry Bell’, Laguna Beach CA
White Cube’s Off-Site Project, Design District, ‘Larry Bell. 6×6 An Improvisation’, Miami FL

2014

Nicole Longnecker Gallery, ‘Larry Bell. Three Decades of Art’, Houston TX
Chinati Foundation, ‘6 X 6 An Improvisation’, Marfa TX
White Cube, ‘Light and Red’, Central, Hong Kong
Blumenschein Museum ‘Fraction’, Taos NM
White Cube São Paulo, ‘The Carnival Series’, São Paulo, Brazil
Kayne Griffin Corcoran Gallery, Santa Monica CA

2013

White Cube Gallery, ‘Mirage Collage & Light Knots’, London, UK
Manhattan Beach Arts Center, ‘Light Knots’, Manhattan Beach CA
Frank Lloyd Gallery, ‘Larry Bell. Recent Works’, Santa Monica CA

2012

Larry Bell Studio Annex, ‘Weightless’, Los Angeles CA
Kayne Griffin Corcoran Gallery, ‘Larry Bell’, Santa Monica CA
Harwood Museum of Art, ‘Larry Bell Installation’, Taos NM

2011

Frank Lloyd Gallery, ‘Larry Bell. Early Work’, Los Angeles CA
Carré d’Art Musée d’art Contemporain de Nîmes, ‘Larry Bell in Perspective’, Nimes, France
Joe’s Restaurant, ‘Larry Bell’, Los Angeles CA

2010

Frank Lloyd Gallery, ‘Portraits of Joan. New Collages’, Santa Monica CA

2009

Hotel Erwin, ‘Larry’s Loft’, Los Angeles CA
Encore Gallery, Taos Center For The Arts, ‘Larry Bell. The Last Women’, Taos NM
Open Mind Space, ‘Larry Bell. New Works on Paper’, Albuquerque NM

2008

Bernard Jacobson Gallery, ‘New Small Works’, London, UK
Harwood Museum of Art, The University of New Mexico, ‘Larry Bell From The Collection’, Taos NM
Galerie Daniel Templon, ‘Oeuvres Récentes’, Paris, France
Logan Fine Arts, ‘New Works on Paper’, Houston TX
Jacobson Howard Gallery, ‘Larry Bell. New Small Works’, New York NY
Seiler + Mosseri-Marlio Galerie, ‘New Works’, Zurich, Switzerland
Frank Lloyd Gallery, ‘Works On Paper’, Santa Monica CA

2007

Danese, ‘New Sculpture’, New York NY
Haines Gallery, ‘New Work’, San Francisco CA
Bernard Jacobson Gallery, ‘Larry Bell’, London, UK

2006

Annandale Galleries, ‘Cubes and Works on Canvas’, Sydney, Australia
Galerie Daniel Templon, ‘Cubes’, Paris, France
Frank Lloyd Gallery, ‘Larry Bell. Cubes’, Santa Monica CA

2005

Alan Koppel Gallery, ‘Cubes’, Chicago IL
Mcclain Gallery, ‘Glass Cubes and Other Works’, Houston TX
Jacobson Howard Gallery, ‘New Works’, New York NY
Bernard Jacobson Gallery, ‘Larry Bell. New Works’, London, UK
Pace/Wildenstein, ‘Larry Bell. The Sixties’, New York NY

2004

The Great Eagle Corp, Mongkok, Hong Kong
Harwood Museum of Art, The University of New Mexico, ‘Larry Bell. Fractions’, Taos NM
Cress Gallery of Art, University of Tennessee At Chattanooga, ‘Larry Bell. Fractions’, Chattanooga TN
Larry Bell Studio Annex/New Directions Gallery, ‘Larry Bell Fractions At The Annex’, Taos NM
77 Market Street, ‘Larry Bell Venice Annex’, Venice CA

2003

Studio 314, Houston TX
Centinel Bank of Taos, Taos NM
Parks Gallery, Santa Fe NM
St John’s College Fine Arts Gallery, Santa Fe NM
Off Main Gallery, ‘Larry Bell’, Santa Monica CA

2002

New Gallery, Houston TX
Roswell Museum & Art Center, ‘Larry Bell. The Sumer Project’, Roswell NM
Mariposa Gallery, ‘Larry Bell Fractions’, Albuquerque NM
Larry Bell Studio Annex, ‘New Works On Paper’, Taos NM
Museum Abteiberg, ‘Made For Arolsen’, Monchengladbach, Germany
Kiyo Higashi Gallery, ‘Post 911’, Los Angeles CA

2001

Peter Blake Gallery, Laguna Beach CA
SkovRider AS, ‘Larry Bell. Fractions’, Oslo, Norway
Gallery Gan, ‘Fractions’, Tokyo, Japan
New Gallery, Houston TX

2000

Off Main Gallery, ‘Conversations’, Los Angeles CA
Kiyo Higashi Gallery, ‘Larry Bell Cubes’, Los Angeles CA
Larry Bell Studio Annex/New Directions Gallery, ‘Passages From The Fraction Series’, Taos NM
Center Galleries, Center For Creative Studies, ‘Larry Bell. 1,000 Fractions’, Detroit MI
Dartmouth Street Galleries, Albuquerque NM

1999

Museum Moderner Kunst Landkreis Cuxhaven, Otterndorf, Germany
Kiyo Higashi Gallery, Los Angeles CA
Wood Street Galleries, Pittsburgh PA
Centinel Bank of Taos, ‘Works in The Lobby’, Taos NM
New Directions Gallery, ‘Larry Bell’, Taos NM

1998

New Directions Gallery, Taos NM
Kiyo Higashi Gallery, ‘Larry Bell’, Los Angeles CA
Braunstein/Quay Gallery, San Francisco CA
Seljord Kunstforening, ‘Glass and Paper’, Seljord, Norway (Travelling Exhibition)
Bergen Kunstmuseum, ‘Glass and Paper’, Bergen, Norway (Travelling Exhibition)

1997

Kiyo Higashi Gallery, ‘Standing Walls’, Los Angeles CA
Galerie Simonne Stern, ‘Larry Bell. Sculpture and Drawings’, New Orleans LA
New Directions Gallery, ‘Bronzes’, Taos NM
The Reykjavik Municipal Art Museum, ‘Glass and Paper’, Reykjavik, Iceland
Earl McGrath Gallery, ‘100 Fractions’, New York NY
The Albuquerque Museum, ‘Zones of Experience. The Art of Larry Bell’, Albuquerque NM
Dartmouth Street Gallery, ‘Fractions’, Albuquerque NM
New Gallery, ‘Fractions’, Houston TX

1996

Art et Industrie, ‘Sumer’, New York NY
Art et Industrie, ‘Sumer Part II’, New York NY
New Directions Gallery, ‘Fractions’, Taos NM
Braunstein/Quay Gallery, San Francisco CA
Kiyo Higashi Gallery, ‘Larry Bell, New Work’, Los Angeles CA
Boulder Museum of Contemporary Art, ‘Sumer. A Work in Progress’, Boulder CO
Joy Tash Gallery, ‘Larry Bell – Mirage Works’, Scottsdale AZ

1995

Galerie Montenay-Giroux, ‘New Glass Sculptures’, Paris, France
Harwood Museum of Art, The University of New Mexico, ‘Sumer. A Work in Progress’, Taos NM
Denver Museum of Art, ‘Larry Bell Untitled X 2’, Denver CO
Indigo Gallery, Boca Raton FL
University of Wyoming Art Museum, ‘Larry Bell’s Vapor Drawings’, Laramie WY

1994

Kiyo Higashi Gallery, ‘Paintings, 1960’s’, Los Angeles CA
Leedy/Voulkos Gallery, ‘Larry Bell. Recent Improvisations’, Kansas City MO
Braunstein/Quay Gallery, ‘Larry Bell Glass and Denim Constructions’, San Francisco CA
Dartmouth Street Gallery, Albuquerque NM

1993

New Gallery, Houston TX
New Directions Gallery, Taos NM
Tavelli Gallery, Aspen CO
Kiyo Higashi Gallery, ‘Glass Constructions’, Los Angeles CA

1992

Tampa Museum of Art, ‘Mixing Media and Metaphor’, Tampa FL
New Gallery, Houston TX
Janus Gallery, Santa Fe NM
Dartmouth Street Gallery, Albuquerque NM
Kiyo Higashi Gallery, Los Angeles CA

1991

Braunstein/Quay Gallery, San Francisco CA
New Directions Gallery, ‘Larry Bell. Recent Work’, Taos NM
Sena Galleries West, Santa Fe NM
Dartmouth Street Gallery, ‘Larry Bell New Work’, Albuquerque NM
New Gallery, Houston TX
Tucson Museum of Art, ‘Larry Bell Mirage Works’, Tucson AZ
Tony Shafrazi Gallery, New York NY

1990

Kiyo Higashi Gallery, Los Angeles CA
Galerie Kammer, Hamburg, Germany
Sena Galleries West, Santa Fe NM
Galerie Montenay, Paris, France
Taos Civic Plaza, Taos Arts Celebration Taos NM
Galerie Rolf Ricke, Cologne, Germany
Braunstein/Quay Gallery, San Francisco CA
Carl’s French Quarter, Taos NM
San Antonio Art Institute, San Antonio TX
New Gallery, Houston TX

1989

Leedy-Voulkos Gallery Art Center, ‘Larry Bell Mirage Paintings’, Kansas City MO
Contemporary Art Center, Kansas City MO
Musee d’Art Contemporain, Lyon, France
Sena Galleries West, Santa Fe NM
Kiyo Higashi Gallery, ‘Larry Bell. New Work’, Los Angeles CA (Travelling Exhibition)
New Directions Gallery, ‘Larry Bell. New Work’, Taos NM (Travelling Exhibition)
Stables Gallery, Taos Center for the Arts, ‘Larry Bell Studio Investigations’, Taos NM

1988

High Museum of Art, ‘Spectacles, Leaning Room’, Atlanta GA
Kiyo Higashi Gallery, ‘Mirage Paintings’, Los Angeles CA
Gemini Editions Limited, ‘Larry Bell At Gemini’, Los Angeles CA
Sena Galleries West, ‘Larry Bell. New Work’, Santa Fe NM
New Gallery, ‘Larry Bell, Major Glass Sculpture and Related Maquettes’, Houston TX
Kiyo Higashi Gallery and Gemini G.E.L., ‘Larry Bell’, Los Angeles CA
Laguna Art Museum, ‘Light On Surface’, Laguna Beach CA

1987

Centinel Bank of Taos, ‘Moving Ways’, Taos NM
Kiyo Higashi Gallery, ‘Larry Bell. Light and Space’, Los Angeles CA
Galerie Gilbert Brownstone et Cie, ‘Larry Bell’, Paris, France
Braunstein/Quay Gallery, ‘New Works By Larry Bell and Peter Voulkos’, San Francisco CA

1986

Amarillo Art Center, ‘Larry Bell. Chairs in Space’, Amarillo TX
New Gallery, ‘The New Cubes and Other Works’, Houston TX
Boise Gallery of Art, ‘Contained Space and Trapped Light. Larry Bell’s Sculptural Environments’, Boise ID
Braunstein Gallery, ‘Chairs in Space and Vapor Drawings’, San Francisco CA
Museum of Contemporary Art, ‘The Leaning Room’, Los Angeles CA

1985

Linda Durham Gallery, ‘Chairs in Space. The Game’, Santa Fe NM
LA Louver Gallery, ‘Larry Bell. New Sculpture and Larry Bell. Vapor Drawings on Paper and Glass’, Los Angeles CA
Laica, ‘Bell/Victoria Iridescent Vapor Gowns’, Los Angeles CA
The Works Gallery, ‘Larry Bell. New Works’, Long Beach CA
Jan Ramslich Gallery, ‘Vapor Drawings’, Silicon Valley CA

1984

8332-1/2 Melrose, ‘Chairs in Space’, Los Angeles CA
MOCA Museum of Contemporary Art, ‘Chairs in Space. The Game’, Los Angeles CA
The Works Gallery, ‘Larry Bell. The Game’, Long Beach CA
Colorado Springs Fine Arts Center, ‘Chairs in Space; How The Game Evolved’, Colorado Springs CO

1983

Arco Center for Visual Art, ‘Larry Bell. New Sculpture’, Los Angeles CA
Advanced Art Gallery, ‘Larry Bell. Recent Work’, Rinconada NM
Sheldon Memorial Art Gallery, University of Nebraska, ‘Larry Bell. Major Works in Glass’, Lincoln NE

1982

Detroit Institute of Arts, ‘Larry Bell. New Work’, Detroit MI
Tally Richards Gallery of Contemporary Art, ‘Larry Bell, Small Images. New Vapor Drawings’, Taos NM
Marian Goodman Gallery, ‘New Vapor Drawings from the “EL” Series’, New York NY
The Museum of Fine Arts, ‘Larry Bell, The Sixties’, Santa Fe NM
Milwaukee Art Museum, ‘Larry Bell. New Work’, Milwaukee WI
Erica Williams / Anne Johnson Gallery, ‘Larry Bell, New Vapor Drawings’, Seattle WA
Ruth S. Schaffner Gallery, ‘Larry Bell, Vapor Drawings’, Santa Barbara CA
Newport Harbor Art Museum, ‘On The Ellipse, Works By Larry Bell’, Newport Beach CA

1981

Trisolini Gallery, University of Ohio, ‘Larry Bell. New Work’, Athens OH
Tally Richards Gallery of Contemporary Art, ‘Larry Bell, New Vapor Drawings. The “El” Series’, Taos NM
Wildine Galleries, ‘Larry Bell New Works’, Albuquerque NM
LA Louver Gallery, ‘New Works by Larry Bell’, Los Angeles CA
Ann Jacob Gallery, ‘Sculpture by Larry Bell /Eric Orr. Vapor Paintings On Glass’, Atlanta GA
Hudson River Museum, ‘Larry Bell, New Work’, Yonkers NY
Marian Goodman Gallery, ‘Larry Bell, New Work’, New York NY

1980

Hill’s Gallery of Contemporary Art, ‘Larry Bell. New Sculpture and Vapor Drawings’, Santa Fe NM
Sebastian-Moore Gallery, ‘Larry Bell, Vapor Drawings, Recent Works’, Denver CO
Tally Richards Gallery of Contemporary Art, ‘Larry Bell, New Work’, Taos NM

1979

Janus Gallery, ‘Noble Metals’, Los Angeles CA
Marian Goodman Gallery, ‘Larry Bell, New Work’, New York NY
Hanson Fuller Gallery, San Francisco CA
Hill’s Gallery of Contemporary Art, ‘Vapor Drawings’, Santa Fe NM
Sebastian-Moore Gallery, ‘Vapor Drawings’, Denver CO
Multiples Gallery, ‘Vapor Drawings’, New York NY
Tally Richards Gallery of Contemporary Art, Taos NM

1978

Tally Richards Gallery of Contemporary Art, ‘Vapor Drawings’, Taos NM
Roswell Museum and Art Center, ‘Vapor Drawings’, Roswell NM
Texas Gallery ‘New Works On Paper’, Houston TX
Delahunty Gallery, ‘Seasons of The Fountain. Larry Bell and Eric Orr’, Dallas TX (Travelling Exhibition)
Multiples Gallery, ‘Seasons of The Fountain. Larry Bell and Eric Orr’, New York NY (Travelling Exhibition)
Erica Williams/Anne Johnson Gallery, ‘Vapor Drawings’, Seattle WA

1977

Federal Reserve Bank, ‘The Iceberg and Its Shadow’, Boston MA (Travelling Exhibition)
Fort Worth Art Museum, ‘Solar Fountain Drawings. Larry Bell and Eric Orr’, Fort Worth TX
University of Massachusetts, ‘The Iceberg and Its Shadow’, Amherst MA (Travelling Exhibition)
Hayden Gallery, Massachusetts Institute of Technology, ‘The Iceberg and Its Shadow’, Cambridge MA (Travelling Exhibition)

1976

The Venice Biennale, ‘The Iceberg and Its Shadow’, Venice, Italy (Travelling Exhibition)
Art Museum of South Texas, The Iceberg and Its Shadow, Corpus Christi TX (Travelling Exhibition)
Santa Barbara Museum of Art, ‘The Iceberg and Its Shadow’, Santa Barbara CA (Travelling Exhibition)
Washington University, ‘The Iceberg and Its Shadow’, St. Louis MO (Travelling Exhibition)
Hayden Gallery, ‘The Iceberg and Its Shadow’, Massachusetts Institute of Technology, Cambridge MA (Travelling Exhibition)
The University of Massachusetts, ‘The Iceberg and Its Shadow’, Amherst MA (Travelling Exhibition)
Federal Reserve Bank, ‘The Iceberg and Its Shadow’, Boston MA (Travelling Exhibition)

1975

Fort Worth Art Museum, ‘Larry Bell. Recent Work’, Fort Worth TX
Tally Richards Gallery of Contemporary Art, ‘A Fracture From The Iceberg’, Taos NM

1974

Marlborough Galleria d’Arte, ‘Larry Bell’, Rome, Italy

1973

Bonython Gallery, ‘Possibilities For Glass Sculpture’, Sydney, Australia
Oakland Museum, ‘Larry Bell’, Oakland CA
Pace Gallery, ‘Larry Bell. New Work’, New York NY

1972

Pasadena Art Museum, ‘Larry Bell’, Pasadena CA
Pace Gallery, ‘Larry Bell’, New York NY
Felicity Samuels Gallery, London
Wilmaro Gallery, Denver CO

1971

Ace Gallery, ‘Larry Bell’, Los Angeles CA
Pace Gallery, ‘Larry Bell’, New York NY
Mizuno Gallery, ‘Larry Bell’, Los Angeles CA
Helman Gallery, ‘Larry Bell’, St. Louis MO

1970

Ace Gallery, ‘Larry Bell’, Los Angeles CA
Galerie Rudolf Zwirner, ‘Larry Bell’, Cologne, Germany
Pace Gallery, ‘Larry Bell’, New York NY

1969

Mizuno Gallery, ‘Larry Bell’, Los Angeles CA

1967

Galeria Ileana Sonnabend, ‘Larry Bell’, Paris, France
Stedelijk Museum, ‘Larry Bell’, Amsterdam, Netherlands
Pace Gallery, ‘Larry Bell’, New York NY

1965

Pace Gallery, ‘Larry Bell’, New York NY
Ferus Gallery, ‘Larry Bell’, Los Angeles CA

1963

Ferus Gallery, ‘Larry Bell’, Los Angeles CA

1962

Ferus Gallery, ‘Larry Bell’, Los Angeles CA

GROUP EXHIBITIONS

2022

Bourse de Commerce – Pinault Collection, ‘Une seconde d’éternite’, Paris, France
Frist Art Museum, ‘Light, Space, Surface: Works from the Los Angeles County Museum of Art’, Nashville TN (Travelling Exhibition)
Ernie Wolfe Gallery, ‘Beach Bums’, Los Angeles CA
Hauser & Wirth, ‘Chromophilia’, Zurich, Switzerland

2021

Kunsthalle Vogelmann Heilbronn, ‘Fragile! Alles aus Glas. Grenzbereiche des Skulpturalen’, Heilbronn, Germany
Diriyah Bienniale, ‘Feeling the Stones’, cur. Philip Tinari, Riyadh, Saudi Arabia
Copenhagen Contemporary, ‘Light & Space’, Copenhagen, Denmark
Addison Gallery of American Art, ‘Light, Space, Surface: Works from the Los Angeles County Museum of Art’, Andover MA (Travelling Exhibition)
Espace de l’Art Concret, ‘Go back to the future’, Mouans-Sartoux, France
Hall Art Foundation, ‘Deep Blue’, cur. Katherine Bradford, Reading VT
Walker Art Center, ‘The Paradox of Stillness: Art, Object, and Performance’, Minneapolis MN
Korean Cultural Center Los Angeles, ‘Beyond the light of the East and West’, cur. Hoojung Lee, Los Angeles CA

2020

The Landing, ‘Object Lessons’, Los Angeles CA
Hauser & Wirth, ‘Artists for New York’, New York NY

2019

Ernie Wolfe Gallery, ‘See Sea Sí’, Los Angeles CA
LVH Art, ‘Minimal | Maximal’, London, UK
Peter Blake Gallery, ‘Twenty-Five Years’, Laguna Beach CA
Heidi Vaughan Fine Art, ‘Objects From Lester Marks And Other Private Collections’, Houston TX

2018

Gropius Bau, ‘Welt ohne Außen. Immersive Spaces since the 1960s’, Berlin, Germany

2017

Marianne Boesky Gallery, ‘Larry Bell & Frank Stella’, Aspen CO
Whitney Museum of American Art, ‘Whitney Biennial’, New York NY
Met Breuer, ‘Delirious Art at the Limits of Reason 1950 – 1980’, New York NY
Museum of Fine Arts Boston, ‘Seeking Stillness’, Boston MA
OCMA Orange County Museum of Art, ‘Pivotal. Highlights from the Collection’, Newport Beach CA

2016

Peter Blake Gallery, ‘A Tribute to Kiyo Higashi’, Laguna Beach CA
Amarillo Museum of Art, ‘Side by Side’, Amarillo TX
Harwood Museum, ‘Continuum. Light, Space & Time’, Taos NM
Bernard Jacobson Gallery, ‘Group Show’, London UK
McCalin Gallery, ‘RADIANT SPACE’, Houston TX

2015

The Fruit Market Gallery, ‘Another Minimalism. Art After California Light and Space’, Edinburgh, Scotland
Mana Contemporary, ‘Made in California. Selections from the Frederick R. Weisman Art Foundation’, Jersey City NJ
Franklin Parrasch Gallery, ‘The True Form’, New York NY
David Zwirner, ‘Selections from The Kramarsky Collection’, New York NY
Kohn Gallery, ‘Land, Air and See’, Los Angeles CA
William Turner Gallery, ‘Ethereal’, Los Angeles CA
Sturt Haaga Gallery, Descanso Gardens, ‘Elemental-Seeing The Light’, La Cañada Flintridge CA

2014

OCMA Orange County Museum of Art, ‘The Avant-Garde Collection’, Newport Beach CA
Orange Coast College, ‘Distilled Essence’, Costa Mesa CA
Gagosian Gallery, ‘Clear’, Los Angeles CA
Rosamund Felsen Gallery, ‘The Grinstein Artist Invitational. From Generation to Generation’, Santa Monica CA
Kayne Griffin Corcoran Gallery, ‘Surface To Air’, Los Angeles CA
Nara Roesler Gallery, ‘Spectres’, São Paulo, Brazil
Berardo Museum Collection, Lisbon, Portugal
OCMA Orange County Museum of Art, ‘One With Everything. The Singular Motif’, Newport Beach CA
Frank Lloyd Gallery, ‘Gigantes’, Santa Monica CA

2013

The Loft, ‘Luminosity’, Los Angeles CA
MOAH – Museum of Art and History, ‘The Frostig Collection’, Lancaster CA
Galerie Maubert, ‘Colors’, Paris, France
Frank Lloyd Gallery, ‘Translucence’, Santa Monica CA
Frank Lloyd Gallery, ‘Polyform’, Santa Monica CA
Mak Center For Art and Architecture, ‘Everything Loose Will Land’, Los Angeles CA
Norton Simon Museum, ‘Beyond Brancusi. The Space of Sculpture’, Pasadena CA
Kunstverein, ‘Larry Bell and Sarah Crowner’, Amsterdam, Netherlands
Otis College of Art and Design, ‘Freeway Studies #1. This Side of The 405’, Los Angeles CA
Galeries Nationales du Grand Palais, ‘Exhibition Dynamo. A Century of Light and Movement of Art 1913-2013’, Paris, France
Marc Straus Gallery, ‘Nothing and Everything’, New York NY

2012

Michael Kohn Gallery, ‘Into the Mystic’, Los Angeles CA
L & M Arts, ‘The Martian Chronicles’, Los Angeles CA
Stedelijk Museum, ‘Re-Opening Exhibition’, Amsterdam, Netherlands
The Albuquerque Museum of Art and History, ‘Isea2012 Albuquerque. Machine Wilderness’, Albuquerque NM
Harwood Museum of Art, The University of New Mexico, ‘Highlights from Harwood Museum of Art’s Collection of Contemporary Art’, Taos NM
The Gallery, ‘Venice Beach Biennial-Made in Venice’, Los Angeles CA
Danese, ‘Cool Calm Collected’, New York NY
Toledo Museum of Art, ‘Color Ignited’, Toledo OH
Joe’s Restaurant, ‘ArtistsXarchitects’, Los Angeles CA
Metropolitan State College of Denver, ‘Taos Contemporary’, Denver CO
University Art Gallery, New Mexico State University, ‘Thinking New Mexico. A Centennial Exhibition’, Las Cruces NM
Loretta Howard Gallery, ‘Bladen in Context’, New York NY
Katherine Cone Gallery, ‘You Don’t Know Jack’, Los Angeles CA
Carnegie Art Museum, ‘California Art’, Oxnard CA
William Turner Gallery, ‘Ed’s Party’, Los Angeles CA
Harwood Museum of Art, The University of New Mexico, Taos NM
Toomey-Tourell Fine Art, San Francisco CA
Zane Bennett Contemporary Art, ‘West Coast Artists’, Santa Fe NM

2011

Joe’s Restaurant, ‘Looking Back’, Los Angeles CA
Pasadena Art Museum, ‘46 N. Los Robles, A History of The Pasadena Art Museum’, Pasadena CA
LA Artcore, ‘Solid as a Rock. LA Art Scene 1950-1960’s’, Los Angeles CA
Subliminal Projects, ‘Less Is More’, Los Angeles CA
Getty Center, ‘Pacific Standard Time. Crosscurrents in L.A. Painting and Sculpture, 1950-1970’, Los Angeles CA
Santa Ana College Art Gallery, ‘Mysterious Objects, Portraits of Joan Quinn’, Santa Ana CA
Natural History Museum of Los Angeles County, ‘Artistic Evolution. Southern California Artists at the Natural History Museum of Los Angeles County, 1945-1963’, Los Angeles CA
Frederick R. Weisman Art Foundation, Pepperdine University, ‘California Art, Selections From The Frederick R. Weisman Art Foundation’, Malibu CA
Harwood Museum of Art, University of New Mexico, ‘Nod Nod Wink Wink. Conceptual Art in New Mexico and Its influences’, Taos NM
NYEHAUS, ‘Venice in Venice. Glow & Reflection. Venice California Art from 1960 to the Present’, New York NY (Travelling Exhibition)
NYE Brown, ‘Venice in Venice. Glow & Reflection. Venice California Art from 1960 to the Present’, Los Angeles CA (Travelling Exhibition)
Foundation 2021, Palazzo Contarini Dagli Scrigni, ‘Venice in Venice. Glow & Reflection. Venice California Art from 1960 to the Present’, Venice, Italy (Travelling Exhibition)
The Loft At Liz’s, ‘The Frostig Collection’, Los Angeles CA
Bernard Jacobson Gallery, ‘21 Americans’, New York NY
NYEHAUS, ‘Square Dancing’, New York NY
LACMA – Los Angeles County Museum of Art, ‘Human Nature. Contemporary Art from the Collection’, Los Angeles CA
Norton Simon Museum, ‘Surface Truths. Abstract Painting in The Sixties’, Pasadena CA
Scott White Contemporary Art, ‘Shift. Space. Slick.’, San Diego CA
Museum of Contemporary Art San Diego, ‘Phenomenal. California Light and Space’, La Jolla CA
Jack Rutberg Fine Arts, ‘Some Assembly Required. Assemblage & Collage’, Los Angeles CA

2010

Subliminal Projects, ‘Wreck The Walls’, Los Angeles LA
The Menil Collection, ‘Kissed By Angels. A Selection of Work From Southern California’, Houston TX
Elsewhere Gallery, ‘Venice From Then To Now’, Los Angeles LA
Roberts & Tilton Gallery, ‘Gray Day’, Los Angeles LA
MOCA Museum of Contemporary Art, ‘The Artist’s Museum’, Los Angeles LA
Galerie Templon, ‘2 Person Show’, Paris, France
Louis Stern Fine Art, ‘Happy Birthday Mr. Blum! An Exhibition of Works Selected by Irving Blum’, Los Angeles CA
Pace Gallery, ’50th Anniversary of The Pace Gallery’, New York NY
Loretta Howard Gallery, ‘Artists At Max’s Kansas City 1965-1974’, New York NY
Thomas Dane Gallery, ‘Sunless (Journeys in Alta California Since 1933), London, UK
Colorado State University, ‘Essential Forms. Intricate Meanings Geometric Abstraction from the Permanent Collection’, Fort Collins CO
NYEHAUS, ‘Invisible Might’, New York NY
Ferus Gallery Space, ‘Ferus Gallery Greatest Hits Volume I’, Los Angeles CA
Jacobson Howard Gallery, ‘Group Show 2010’, New York NY
Zwirner Gallery, ‘Primary Atmospheres. California Minimalism 1960-1970’, New York NY

2009

MOCA The Museum of Contemporary Art, ‘Collection. MOCA’s First 30 Years’, Los Angeles CA
P.S.1, ‘1969’, New York NY
Albuquerque Museum, ‘Miniatures’, Albuquerque NM
Santa Barbara Museum of Art, ‘California Calling. Works From Santa Barbara Collections, 1948 – 2008, Part II’, Santa Barbara CA
Frank Lloyd Gallery, ‘West Coast Sculpture’, Santa Monica CA
MOCA The Museum of Contemporary Art, ‘Collecting History. Highlighting Recent Acquisitions’, Los Angeles CA
Santa Barbara Museum of Art, ‘California Calling. Works From Santa Barbara Collections, 1948 – 2008, Part I’, Santa Barbara CA
Harwood Museum of Art, University of New Mexico, ‘Forty Years of Friendship. LA to Taos’, Taos NM
Tate, Liverpool, ‘DLA Piper Series. This is Sculpture’, Liverpool, UK
Barry Whistler Gallery, ‘The Beat Goes On. Southern California 1965 to the Present’, Dallas TX
Danese Gallery, ‘Sculpture and Drawings’, New York NY
Bernard Jacobson Gallery, ‘Mixed Show’, London, UK
William Turner Gallery, ‘The Frostig Collection’, Santa Monica CA
Kunsthalle Bielefeld, ‘1968. The Great Innocents’, Bielefeld, Germany
Bernard Jacobson Gallery, ‘Reflections’, London, UK
Kunsthaus Zurich, ‘Hot Spots. Rio de Janeiro/Milan-Turin/Los Angeles’, Zurich, Switzerland
Seiler+Mosseri-Marlio Gallery, ‘Los Angeles Now, Los Angeles CA
Walker Art Center, ‘Elemental’, Minneapolis MN

2008

Logan Fine Arts, ‘Holiday Show’, Houston TX
The Hirshhorn Museum, ‘The Panza Collection’, Washington DC
Moderna Museet, ‘Time & Place. Los Angeles 1957-1968’, Stockholm, Sweden
Ackland Art Museum, The University of North Carolina, ‘Circa 1958. Breaking Ground in American Art’, Chapel Hill NC
Parks Gallery, ’15th Anniversary Show’, Taos NM
203 Fine Arts, Taos NM
Frank Lloyd Gallery, ‘Planes and Surfaces’, Santa Monica CA
Samuel Freeman, ‘Love To Party’, Santa Monica CA
Danese Gallery, ‘Sculpture’, New York NY
New Mexico Museum of Art, ‘Flux. Reflections On Contemporary Glass’, Santa Fe NM
Harwood Museum of Art, The University of New Mexico, Taos NM
Museum of Contemporary Art Australia, ‘Southern Exposure. Works From The Collection of The Museum of Contemporary Art San Diego’, Sydney, Australia
William Turner Gallery, ‘Between The Lines. Five Artists’, Santa Monica CA
MOCA Museum of Contemporary Art, ‘Collecting Collections’, Los Angeles CA
Milwaukee Art Museum, ‘Sensory Overload. Light, Motion, Sound and The Optical in Art Since 1945’, Milwaukee MI

2007

Logan Fine Arts, Houston TX
MOCA The Museum of Contemporary Art, ‘Artist’s Gifts. Michael Asher’, Los Angeles CA
Kunstmuseum Liechtenstein, ‘Lust For Life-The Ricke Collection’, Vaduz, Germany
Frederick R. Weisman Art Foundation, ‘Made in California’, Los Angeles CA
LACMA Los Angeles County Museum of Art, ‘SoCal. Southern California Art of the 1960’s and 70’s from LACMA’s Collection’, Los Angeles CA
Colorado Springs Fine Arts Center, ‘The Eclectic Eye. Pop and Illusion’, Colorado Springs CO
Frank Lloyd Gallery, ‘Sensuality in the Abstract’, Santa Monica CA
Musee National d’Art Moderne, Centre Pompidou, Paris, France
Smithsonian Institute, ‘Shapes of Space’, Washington DC (Travelling Exhibition)
Solomon R. Guggenheim Museum, ‘Shapes of Space’, New York NY (Travelling Exhibition)
Imago Galleries, ‘The Left Coast’, Palm Desert CA
OCMA Orange County Museum of Art, ‘Imaging and Imagining California Modern’, Newport Beach CA
Harwood Museum of Art, The University of New Mexico, ‘Harwood Collects. Recent Acquisitions’, Taos NM

2006

Frank Lloyd Gallery, ‘Sculpture from the Sixties’, Santa Monica CA
Z33 Art, ‘Light Play’, Hasselt, Belgium
L & M Arts, ‘Elemental Form’, New York NY
Renwick Gallery, Ronald W. Reynolds Center, ‘Recent Smithsonian Institution Acquisitions’, Washington DC
Frank Lloyd Gallery, ‘Drawings. Ed Moses, Craig Kauffman, Larry Bell’, Santa Monica CA
Whitney Museum of American Art, ‘Full House. Views of The Whitney’s Collection At 75’, New York NY
Norton Simon Museum, ‘Translucence’, Pasadena CA
LACMA Los Angeles County Museum of Art, ‘Glass. Material Matters’, Los Angeles CA
MOCA The Museum of Contemporary Art, ‘Out of Hand’, Los Angeles CA
Musee National d’Art Moderne, Centre Pompidou, ‘The Los Angeles Art Scene. 1955-1985’, Paris, France
Beverly Hills Municipal Gallery, ‘LA Art Scene. Selections of California Artists From The Frederick R. Weisman Art Foundation’, Los Angeles CA
Las Vegas Art Museum, ‘California Minimalism’, Las Vegas NV

2005

St. Louis Art Museum, ‘Minimal Art From St. Louis Collections’, Forest Park MO
Stables Gallery, Taos Center for the Arts, ‘Arte de Descartes’, Taos NM
OCMA Orange County Museum of Art, ‘Collection Histories/Collective Memories. California Modern’, Newport Beach CA
Chevron Gallery, ‘The Boys Club’, Irvine CA
Patricia Faure Gallery, ‘Pink’, Santa Monica CA
MAMCO Musée d’art Moderne et Contemporain, ‘Mille et Trois Plateaux, 3e Épisode. Configurations’, Geneva, Switzerland
McNay Art Museum, San Antonio TX
Jacobson Howard Gallery, ‘Color Field Paintings of the 1960’s’, New York NY
Chouinard Foundation, ‘Choice Small Pieces Collage and Assemblage’, South Pasadena CA
Bernard Jacobson Gallery, ‘West. Frank Gehry and the Artists of Venice Beach, 1962-1978’, London, UK (Travelling Exhibition)
Frederick R. Weisman Art Museum, University of Minnesota, ‘West. Frank Gehry and the Artists of Venice Beach, 1962-1978’, Minneapolis MN (Travelling Exhibition)
Centro Cultural de Belem, ‘Works from The Berardo Collection’, Lisbon, Portugal
Mcclain Gallery, ‘Universal Medium’, Houston TX

2004

Michael Mccormick Gallery, ‘Winter Solstice Miniature Fun Show’, Taos NM
Miami Art Museum, ‘Beyond Geometry, Experiments in Form, 1940’s-70’s’, Miami FL (Travelling Exhibition)
Museum of Contemporary Art San Diego, ‘Specific Objects. The Minimalist Influence’, San Diego CA
Stables Gallery, Taos Center For The Arts, ‘Arte de Descartes V’, Taos NM
Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofia, ‘Mococromos’, Madrid, Spain
Marian Goodman Gallery, ‘Reflecting The Mirror’, New York NY
SFMOMA San Francisco Museum of Contemporary Art, ‘Matisse and Beyond. The Painting and Sculpture Collection’, San Francisco CA
LACMA Los Angeles County Museum of Art, ‘Beyond Geometry, Experiments in Form, 1940’s-70’s’, Los Angeles CA (Travelling Exhibition)
Addison/Parks Gallery, ‘It Figures’, Santa Fe NM
Napa Valley Museum, ‘A Rare Glimpse. Modern Art From Private Napa Valley Collections’, Yountville CA
Institute of Contemporary Art, University of Pennsylvania, ‘The Big Nothing’, Philadelphia PA
Addison Gallery of American Art, Phillips Academy, ‘Art, Artists, and the Addison’, Andover MA
MOCA The Museum of Contemporary Art, ‘A Minimal Future . Art as Object 1958-1969’, Los Angeles CA
Guggenheim Museum of Art, ‘Singular Forms (Sometimes Repeated)’, New York NY

2003

Sintra Museum of Modern Art, ‘Here and Now, On Minimal Art in The Berardo Collection’, Sintra, Portugal
Franklin Parrasch Gallery, ‘LA’s Finish Fetish’, New York NY
Harwood Museum of Art, The University of New Mexico, ‘Contemporary Art Taos’, Taos NM
Taos Center For The Arts, ‘Arte de Descartes’, Taos NM
Anderson Contemporary Art, ‘Abstract Art, The New Mexico Artist Series’, Santa Fe NM
Colorado Springs Fine Arts Center, Colorado Springs CO
Farm Art Space, ‘Prints & Editions & Books’, Missoula MT
Franklin Parrasch Gallery, ‘Minimal LA’, New York NY
Contemporary Art Center, ‘Made in California. Selections From The Frederick R. Weisman Art Foundation Collection’, New Orleans LA

2002

Crocker Museum, ‘Pilot Hill Collection of Contemporary Art’, Sacramento CA
Denver Art Museum, ‘Retrospectacle. 25 Years of Collecting Modern and Contemporary Art’, Denver CO
The Crucible Foundry and Gallery, ‘Contemporary Sculpture & Jewelry’, Norman OK
Gagosian Gallery, ‘Ferus’, New York NY
Frederick R. Weisman Museum of Art, Pepperdine University, ‘California Art From The Frederick R. Weisman Art Foundation’, Malibu CA
The Farm Art Space, ‘Atypical Work by Known Artists’, Missoula MT
Stefan Stux Gallery, ‘Texas in New York’, New York NY
Museum of Fine Arts, ‘From Realism to Abstraction. Art in New Mexico, 1917-2002’, Santa Fe NM
Yale University Art Gallery, ‘The Synthetic Century’, New Haven CT
The Contemporary Museum, ‘Escape From The Vault. The Contemporary Museum’s Collection Breaks Out’, Honolulu HI
Espace de l’Art Concret, ‘Nouvelle Simplicité’, Mouans-Sartoux, France

2001

Platt Gallery, University of Judaism, ‘Art and Illusion, Selections From The Frederick R. Weisman Art Foundation’, Los Angeles CA
Philip Bareiss Gallery, ‘The Art of Politics’, Taos NM
Albuquerque Museum, ‘Miniatures’, Albuquerque NM
Oceanside Museum of Art, ‘Chouinard, A Living Legacy’, Oceanside CA
The Tremaine Gallery, ‘Miniature Art Exhibition’, Lakeville CT
Bernard Jacobson Gallery, London, UK
Frankfurt Art Fair, ‘Fractions’, Frankfurt, Germany
Dartmouth Street Gallery ‘Courthouse Artists’, Albuquerque NM
516 Artspace, ‘The Abrams Collection. An Eclectic Exhibition of Contemporary Art’, Albuquerque NM
Solomon R. Guggenheim Museum, ‘The Global Guggenheim. Selections From The Extended Collection’, New York NY

2000

Dartmouth Street Gallery, ‘Holiday Show’, Albuquerque NM
Bergen Kunstmuseum, ‘The City Art Collection 1900-2000’, Bergen, Norway
Albuquerque Museum, ‘Miniatures’, Albuquerque NM
SFMOMA San Francisco Museum of Modern Art, ‘Celebrating Modern Art. The Anderson Collection’, San Francisco CA
LACMA Los Angeles County Museum of Art, ‘Made in California. Art, Image, and Identity, 1900-2000’, Los Angeles CA
Louisiana Museum of Modern Art, ‘Vision and Reality’, Humlebaek, Denmark
Peggy Guggenheim Collection, ‘California Art from the Panza Collection at the Guggenheim Museum’, Venice, Italy
New Gallery, ‘Sculpture 2000’, Houston TX
Palos Verdes Art Center, ‘Black White and Bronze, Charles Arnoldi and Larry Bell’, Rancho Palos Verdes CA
Magnifico Artspace, ‘Paperworks’, Albuquerque NM
Guggenheim Museum Bilbao, ‘Changing Perceptions. The Panza Collection at the Guggenheim’, Bilbao, Spain
MAMCO Musée d’Art Moderne et Contemporain, ‘Présentation des Collections 2000/1’, Geneva, Switzerland

1999

Wilhelmi-Holland Gallery, Corpus Christi TX
Richard Levy Gallery, ‘Artist’s Choice’, Albuquerque NM
Albuquerque Museum, ‘Miniatures’, Albuquerque NM
OCMA Orange County Museum of Art, ‘Points of Departure. Drawings From The Permanent Collection’, Newport Beach CA
Mills College Art Museum, Oakland CA
Seljord Kunstforening, ‘Sommerutstilling I Seljord’, Seljord, Norway
Norton Simon Museum, ‘Made in America. Contemporary Paintings and Sculpture From The Norton Simon Museum’, Pasadena CA
Harwood Museum of Art, The University of New Mexico, ‘That Certain Look. Minimalist Traditions in New Mexico’, Albuquerque NM
Centro Galego de Arte Contemporanea, ‘Minimal-Maximal’, A Coruña, Spain
Seattle Art Museum, Seattle WA
Norton Simon Museum of Art, ‘Radical Past. Contemporary Art and Music in Pasadena. 1960-1974’, Pasadena CA
P.S.1 Contemporary Art Center, ‘Primarily Structural. Minimalist and Post-Minimalist’, Long Island City NY
California Center for the Arts, Escondido, ‘The Eclectic Eye. Selections from the Frederick R. Weisman Collections’, Escondido CA

1998

University of New Mexico, ‘California Art. North and South’, Albuquerque NM
Frederick R. Weisman Museum of Art, Pepperdine University, ‘Selections From The Frederick R. Weisman Collections’, Malibu CA
Hammer Museum, ‘Sunshine & Noir. Art in LA, 1960-1997’, Los Angeles CA (Travelling Exhibition)
The University of New Mexico, Los Alamos, ‘Celebration of The Arts’, Los Alamos NM
Castello di Rivoli, ‘Sunshine & Noir. Art in LA, 1960-1997’, Rivoli, Italy (Travelling Exhibition)

1997

Kunstmuseum Wolfsburg, ‘Sunshine & Noir. Art in LA, 1960-1997’, Wolfsburg, Germany
The Albuquerque Museum, ‘Miniatures’, Albuquerque NM
Arvada Art Center, ‘Taos Today’, Arvada CO
Hammer Museum, ‘Sunshine & Noir. Art in LA, 1960-1997’, Los Angeles CA
Milwaukee Art Museum, ‘Recent Glass Sculpture. A Union of Ideas’, Milwaukee WI
Anderson Contemporary Art, ‘Taos Today’, Albuquerque NM
Galerie Simonne Stern, ‘Drawing Invitational’, New Orleans LA
Louisiana Museum of Modern Art, ‘Sunshine & Noir. Art in LA, 1960-1997’, Humlebaek, Denmark (Travelling Exhibition)
Harwood Museum of Art, University of New Mexico, ‘Contemporary Works from Harwood Collection’, Taos NM
The San Jose Museum of Art, ‘Alternating Currents. American Art in The Age of Technology, Selections From The Permanent Collection of The Whitney Museum of American Art’, San Jose CA
OCMA Orange County Museum of Art, Newport Beach CA

1996

The Museum of Fine Arts, ‘Curatorial Selections. Acquisitions to the Historic, Contemporary and Photographic Collections’, Santa Fe NM
Colorado Springs Fine Arts Center, ‘Art From The Source. Artists Celebrating 60 Years of The Colorado Springs Fine Arts Center’, Colorado Springs CO

1995

California State University, ‘Shape. Forming The LA Look’, Fullerton CA
UCLA Art Rental and Sales Gallery, Hammer Museum, ‘LA Current. Works On Paper’, Los Angeles CA
Galerie Nächt St. Stephan, ‘Donald Judd and Artist Friends’, Vienna, Austria
Whitney Museum of American Art, ‘Views From Abroad. European Perspectives On American Art I’, New York NY
New Directions Gallery, Taos NM
UCLA Art Rental and Sales Gallery, Hammer Museum, ‘New Visions. Los Angeles Art in The 90’s’, Los Angeles CA
Newport Harbor Art Museum, ‘Works From The Permanent Collection’, Newport Beach CA

1994

Kiyo Higashi Gallery, ‘Drawings’, Los Angeles CA
Stables Art Gallery, ‘Third Generation’, Taos NM
Madison Art Center, ‘Southern California. The Conceptual Landscape’, Madison WI
Parrish Art Museum, ‘The Second Parrish Art Museum Design Biennial. Mirrors’, Southampton NY
Whitney Museum of American Art, ‘Evolution’s in Expression. Minimalism and Post Minimalism in The Permanent Collection’, Stamford CT
California Crafts Museum, ‘Transparency + Metaphor’, San Francisco CA
H. and W. Bechtler Gallery, ‘Double Take’, Charlotte NC
Laguna Gloria Art Museum, ‘The Light Fantastic’, Austin TX

1993

Whitney Museum of American Art, ‘In a Classical Vein, Works from the Permanent Collection’, New York NY
Musée du Luxembourg, ‘Cirva – Le Verre, Manieres de Faire’, Paris, France
Carlsbad Museum of Art, Carlsbad NM
Broschofsky Gallery, Ketchum ID
Leedy/Voulkos Gallery, ‘8th Annual Summer Invitational’, Kansas City MO
Newport Harbor Art Museum, ‘American Art from the Addison Gallery’, Newport Beach CA

1992

Rosalie and Hubert Douglass Gallery, Miami University Art Museum, ‘Drawing On Experience’, Oxford OH
Taos Civic Plaza, ‘Taos Invites Taos’, Taos NM
Newport Harbor Art Museum, ‘Selections from the Permanent Collection of Max Ernst’, Newport CA
The Works Gallery, ‘The Spirit of Matter. A Survey of Process Art’, Long Beach CA
Galerie Rolf Ricke, ‘New Work & The Return of the Cube’, Köln, Germany
Museum Bad Arolsen, ‘Made For Arolsen — Skulpturen Und Projektionen’, Arolsen, Germany
The Works Gallery, ‘The Presence of Absence. Minimal, Conceptual and Contemplative’, Coast Mesa CA

1991

Buffalo Gallery, ‘Live From Taos’, Alexandria VA (Travelling Exhibition)
Sena Galleries West, ‘Amnesty International Artists Invitational Benefit’, Santa Fe NM
Russell Senate Office Building, ‘Live from Taos’, Washington DC (Travelling Exhibition)
Design Center Gallery, ‘Live from Taos ‘, Taos NM (Travelling Exhibition)
Stables Art Gallery, Taos Art Association, ‘Contemporary Work in Taos’, Taos NM
North Carolina Museum of Art, ‘Immaterial Objects’, Raleigh NC
Pat Hearn Gallery, New York NY
Braunstein/Quay Gallery, ‘Gallery Group Show’, San Francisco CA
Kiyo Higashi Gallery, Los Angeles CA
Phillip Bareiss Contemporary Exhibitions, ‘International Sculpture at Taos (Is…At)’, Taos NM
Galerie Montenay, Paris, France
Dartmouth Street Gallery, ‘Larry Bell New Work’, Albuquerque NM
Dyansen Gallery, ‘Masks’, New York NY
New Gallery, Houston TX
Treebeards, ‘Daydreams From Taos’, Houston TX
E.LAC Espace Lyonnais d’Art Contemporain, ‘Histoires d’Oeil’, Lyon, France
Tucson Museum of Art, ‘Larry Bell Mirage Works’, Tucson AZ
Fisher Gallery, University of Southern California, Los Angeles, ‘Finish Fetish, LA’s Cool School’, Los Angeles CA
Etherton/Stern Gallery, Tucson AZ
LACMA Los Angeles County Museum of Art, ‘Retrospective and Prospective. The Art Rental & Sales Gallery Salutes The 25th Anniversary of The Los Angeles County Museum of Art’, Los Angeles CA
Tony Shafrazi Gallery, New York NY
Collins-Pettit Gallery, ‘Artists Against the Expanded Airport’, Taos NM
James Corcoran Gallery, ‘LA When it Began’, Santa Monica CA

1990

Cirrus, ‘Minimal 1960-1990’, Los Angeles CA
Cunningham Memorial Art Gallery, Bakersfield Art Foundation, Bakersfield CA
Ruth Bachofner Gallery, ‘Enigmatic Light’, Santa Monica CA
Broschofsky Galleries, ‘Taos Up Close’, Ketchum ID
The Works Gallery, ‘Heal The Bay. Surfboard Exhibit’, Long Beach CA
MOCA Museum of Contemporary Art, ‘Perceptual Investigations. Light and Space Works in the Permanent Collection’, Los Angeles CA
Braunstein/Quay Gallery, ‘Artists’ Kids Art’, San Francisco CA
West Beach Cafe, ‘Artists Unite For Big Green’, Los Angeles CA (Travelling Exhibition)
Centinel Bank of Taos, ‘Consider The Child. Benefit For Trudy’s Discovery House’, Taos NM
Pacific Enterprises Corporate Office Installation, First Interstate World Center, Los Angeles CA
Mission Gallery, ‘Taos Up Close’, Taos NM
Taos Arts Festival, Taos Civic Plaza, ‘Taos Invites Taos’, Taos NM
Musee d’Art Contemporain, ‘Collections. US Art’, Lyon, France
Corcoran Gallery, ‘Heal The Bay’s Surfboard Invitational’, Santa Monica CA
Fred Hoffman Gallery, ‘Artists Unite For Big Green’, Santa Monica CA (Travelling Exhibition)
Milagro Gallery, ‘Taos Artists Against Apartheid’, Taos NM
Earl Mcgrath Gallery, ‘Barcelona 8’, Los Angeles CA
Center for the Arts of the Southwest, ‘Taos Art. A New Decade’, Santa Fe NM
Olga Dollar Gallery, San Francisco CA
Colorado Springs Gallery of Contemporary Art, ‘On The Edge. Artworks of New Mexico and Wyoming’, Colorado Springs CO
Old City Hall, ‘Art in Public Buildings, 1978-1989’, Redding CA
Dartmouth Street Gallery, Albuquerque NM

1989

Solomon R. Guggenheim Museum, ‘Geometric Abstraction and Minimalism in America’, New York NY
The Harcus Gallery, ‘Artists’ Furniture’, Boston MA
The Works Gallery, ‘Art LA ’89’, Los Angeles CA
Sena Galleries West, ‘Art LA ’89’, Los Angeles CA
Earl Mcgrath Gallery, ‘Blinds & Shutters by Michael Cooper’, Los Angeles CA
Sena Galleries West, Santa Fe NM
Galerie Joan Prats, ‘Daylight Savings’, Barcelona, Spain
Artgrafic Galeria d’Art, Barcelona, Spain
Taos Arts Festival, ‘Taos Invites Taos’, Taos NM
Corporate Collection, Pacific Enterprises, ‘Contemporary American Artists & Sculptors’, Los Angeles CA
Dartmouth Street Gallery, ‘7th Year Anniversary Show’, Albuquerque NM
Stables Art Center, Taos Art Association, ‘Artists of Taos Group Exhibition’, Taos NM
Colorado Springs Fine Arts Center, ‘The Taos Art Colony, From The Mel Weimer Family Collection’, Colorado Springs CO
The Works Gallery, Long Beach CA
Tony Shafrazi Gallery, New York NY
Los Angeles Valley College, ‘Exhibition in Memory of Fidel Danieli’, Van Nuys CA
Manny Silverman Gallery, ‘Recent Acquisitions’, Los Angeles CA
Broschofsky Gallery, ‘Rendezvous’, Ketchum ID
Museum of Fine Arts, ‘Modern Masterworks from the Permanent Collection’, Santa Fe NM

1988

Los Angeles Municipal Art Gallery, ‘One of a Kind’, Los Angeles CA
Solomon R. Guggenheim Museum, ‘Viewpoints. Postwar Painting and Sculpture’, New York NY
Cologne Art Fair, Köln, Germany
The Art Store Gallery, ‘Vessels’, Los Angeles CA
Stables Art Center, Taos Art Association, Taos NM
Solomon R. Guggenheim Museum, ‘Return to the Object. American and European Art from the 1950’s and 1960’s’, New York NY
University of New Mexico, ‘Views of Reality’, Albuquerque NM
Stables Art Center, Taos Art Association, Taos NM
Fogg Art Museum, Harvard University, ‘Modern Art from the Pulitzer Collection. 50 Years of Connoisseurship’, Cambridge MA
Annemarie Verna Gallery, Zurich, Switzerland
Palm Springs Desert Museum, ‘Collection of Frederick R. Weisman’, Palm Springs CA
New Directions Gallery, ‘Inaugural Group Show’, Taos NM
Gilbert Brownstone & Cie, ‘Primary Structures’, Paris, France

1987

James Corcoran Gallery, ‘The Early Show. California Art From The Sixties & Seventies’, Santa Monica CA
Solomon R. Guggenheim Museum, ‘Sculpture of The Modern Era’, New York NY
Fine Arts Gallery, New Mexico State Fair, ‘Art and Science’, Albuquerque NM
Rhona Hoffman Gallery, ‘Primary Structures’, Chicago IL
Cleveland Center for Contemporary Art, ‘Light-Space-Time’, Cleveland OH
Phoenix Art Museum, ‘1987 Phoenix Biennial’, Phoenix AZ
Margo Leavin Gallery, ‘Sculpture of The Sixties’, Los Angeles CA
The Works Gallery, ‘Artists/Works Two’, Long Beach CA
Stables Art Center, Taos Art Association, ‘Artists of Taos’, Taos NM
Davis/Mcclain Gallery, ‘American Sculpture. Investigations’, Houston TX
The Works Gallery, ‘Five Artists Explore Light On Surface’, Long Beach CA
University of Wyoming Art Museum, ‘Art and the West. Tradition and Innovation’, Laramie WY
Matthews Center, Arizona State University, ‘Sculpture in Glass and Works on Paper’, Tempe AZ

1986

American Academy and Institution of Arts and Letters, ’38th Annual Academy–Institute Purchase Exhibition’, New York NY
MOMA Museum of Modern Art, New York NY
College of Santa Fe, ‘New Mexico Selections ’86’, Santa Fe NM
Rice Museum, Rice University, Houston TX
Colorado Springs Fine Arts Center, ‘After Gainsborough’, Colorado Springs CO
San Antonio Museum of Art, ‘Box Art’, San Antonio TX
Leedy-Voulkos Gallery, Kansas City MO
Sigala Gallery, ‘Taos Moderns’, Taos NM
Fine Arts Gallery, New Mexico State Fairgrounds, ‘Statements ’86’, Albuquerque NM
Museum of Fine Arts Houston, ‘Texas Landscape’, Houston TX
Harwood Museum of Art, University of New Mexico, ‘New Acquisitions’, Taos NM
Los Angeles Municipal Art Gallery, ‘Kindred Spirits’, Los Angeles CA
Stables Art Center, Taos Art Association, ‘Art On and Of Paper’, Taos NM
Elaine Horwitch Gallery, Scottsdale AZ
Newport Harbor Art Museum, ‘California Art Since 1945’, Newport Beach CA
Colorado Springs Fine Arts Center, ‘The New West’, Colorado Springs CO

1985

Newport Harbor Art Museum, ‘Permanent Collection’, Newport CA
Ruth Bachofner Gallery, ‘Accent On Glass’, Los Angeles CA
Rufino Tamayo Museum, ‘Images in Boxes’, Mexico City, Mexico
Athenaeum Gallery, ‘Americans in Glass’ Manchester, UK
Dord Fitz Gallery, ‘Lee Mullican and Larry Bell’, Amarillo TX
Davis/Mcclain Gallery, ‘Art/Furniture’, Houston TX
LA Louver Gallery, ‘American and European Painting and Sculpture, 1985. Part II’, Los Angeles CA

1984

Wildine Gallery, Albuquerque NM
Santa Barbara Art Museum, ‘Contemporary Viewpoint. Works From The Permanent Collection’, Santa Barbara CA
Santuario de Guadalupe, ‘Arts New Mexico’, Santa Fe NM
Albuquerque Museum of Art, ‘Frederick Weisman Collection’, Albuquerque NM
Oakland Museum, ‘The Art of California. Selected Works from the Collection of the Oakland Museum’, Oakland CA
Leigh Yawkey Woodson Art Museum, ‘Americans in Glass’, Wausau WI
Multiples, ‘Artists Call’, New York NY

1983

Wildine Gallery, ‘Larry Bell, Vapor Drawings’, Albuquerque NM
Unicorn Gallery, ‘Larry Bell, Richard, and Salvatore Pecoraro’, Aspen CO
Sebastian-Moore Gallery, Denver CO
Wildine Gallery, Albuquerque NM
Sioux City Art Center, ‘Santa Fe/Taos’, Sioux City IA (Travelling Exhibition)
Salina Art Center, ‘Santa Fe/Taos’, Salina KS (Travelling Exhibition)
Taos Inn, ‘Spring Arts Celebration’, Taos NM
Wyoming State Museum, ‘Santa Fe/Taos’, Cheyenne WY (Travelling Exhibition)
Butler Institute of American Art, ‘The Chinese Chance. An American Collection’, Youngstown OH
Spiva Art Center, ‘Santa Fe/Taos’, Joplin MO (Travelling Exhibition)
Leslie Levy Gallery, ‘Santa Fe Comes to Scottsdale’, Scottsdale AZ

1982

Sheldon Memorial Art Gallery, University of Nebraska, ‘Santa Fe/Taos’, Lincoln NE (Travelling Exhibition)
Heineck Gallery, Pasadena CA
Trisolini Gallery, ‘Larry Bell. New Work’, Athens OH
Oakland Museum, ‘100 Years of California Sculpture’, Oakland CA
Abilene Fine Arts Museum, ‘New Dimensions and Statements in Design’, Abilene TX
Heydt-Bair Gallery, ‘Group Show of Gallery Artists’, Santa Fe NM
San Francisco International Airport, ‘Artists, Furniture’, San Francisco CA
Art Institute of Chicago, ’74th American Exhibition’, Chicago IL
Yale University Art Gallery, ‘Prints By Contemporary Sculptors’, New Haven CT
Sonoma State University Art Gallery, ‘Sculpture ’82, A Contemporary Survey, Parts One and Two’, Rohnert Park CA
Marian Goodman Gallery, ‘New Vapor Drawings from the “El” Series’, New York NY
Heydt-Bair Gallery, ‘Group Show of Recent Work’, Santa Fe NM
Stables Art Center, Taos Art Association, ‘Prints and Drawings. An Invitational and Juried Exhibition’, Taos NM
Crown Point Gallery, ‘Artists’ Photographs’, Oakland CA
Heydt-Bair Gallery, ‘Artlines. The First Eighteen Months’, Santa Fe NM (Travelling Exhibition)

1981

Stables Art Center, Taos Art Association, ‘Wood and Wool’, Taos NM
Palm Springs Desert Museum, ‘California Innovations’, Palm Springs CA (Travelling Exhibition)
San Antonio Museum of Art, ‘Art in Los Angeles. Seventeen Artists in the Sixties’, San Antonio TX (Travelling Exhibition)
Stables Art Center, Taos Art Association, ‘Artlines. The First Eighteen Months’, Taos NM (Travelling Exhibition)
Fine Arts Gallery, University of California, ‘Abstraction in Los Angeles 1950-1980. Selections from The Ruth and Murray Bribin Collection’, Irvine CA (Travelling Exhibition)
Heydt-Bair Gallery, Santa Fe NM
Trisolini Gallery, University of Ohio, ‘Larry Bell. New Work’, Athens OH
Hill’s Gallery, ‘The Best of The Decade’, Santa Fe NM
Dord Fitz Gallery, ‘Group Show ’81’, Amarillo TX
Fine Arts Gallery, California State University, ‘Abstraction in Los Angeles 1950-1980. Selections From The Ruth and Murray Bribin Collection’, Northridge CA (Travelling Exhibition)
California State University, ‘California Innovations’, Fullerton CA (Travelling Exhibition)
Laguna Beach Museum of Art, ‘Southern California Artists. 1940-1980’, Laguna Beach CA
LACMA Los Angeles County Museum of Art, ‘Art in Los Angeles. Seventeen Artists in the Sixties’, Los Angeles CA (Travelling Exhibition)
Leigh Yawkey Woodson Art Museum, ‘Americans in Glass’, Wausau WI
Heydt-Bair Gallery, Santa Fe NM
MOMA Museum of Modern Art, ‘Summer Penthouse Exhibition. Summer Light’, New York NY
Magnuson-Lee Gallery, ‘Artists and Furniture’, Boston MA
Federal Reserve Bank of Boston, ‘The Fine Art of Business’, Lincoln MA
Lonny Gans & Associates, ‘California I, Light and Space, 1960–1980’, Los Angeles CA

1980

Tally Richards Gallery of Contemporary Art, ‘Larry Bell, New Work’, Taos NM
Fruit Market Gallery, ‘New Mexico’, Edinburgh, Scotland
Sebastian-Moore Gallery, ‘Larry Bell. Vapor Drawings, Recent Works’, Denver CO
Aspen Center for the Visual Arts, ‘Beyond Object’, Aspen CO

1979

California State University, ‘California Perceptions. Light and Space. Selections from the Wortz Collection’, Fullerton CA
Albuquerque Museum, ‘Reflections of Realism’, Albuquerque NM
Tally Richards Gallery of Contemporary Art, Taos NM
Corcoran Gallery of Art, ‘Selections From Frederick Weisman Foundation. Collection of California Art Washington DC (Travelling Exhibition)
Texas Gallery, ‘From Alan to Zucker’, Houston TX
MOMA Museum of Modern Art, ‘Contemporary Sculpture. Selections From The Collections of MOMA’, New York NY
Armory Show, Santa Fe NM

1978

University of New Mexico, ‘Sculpture’, Albuquerque NM
Museo de Arte Contemporáneo de Caracas, ’12 Artistas Internacionales en la Collection Caracas’, Caracas, Venezuela
California State University, ‘Selections From Frederick Weisman Foundation. Collection of California Art’, Long Beach CA (Travelling Exhibition)
Erica Williams / Anne Johnson Gallery, ‘Vapor Drawings’, Seattle WA
Albuquerque Museum, Albuquerque NM

1977

University of California, ‘Photographs By Southern California Painters & Sculptors’, Santa Barbara CA
National Collection of Fine Arts, Smithsonian Institution, ‘Painting and Sculpture in California. The Modern Era’, Washington DC

1976

Heiner Friedrich Gallery, ‘War Resisters League Exhibition’, New York NY
SFMOMA San Francisco Museum of Modern Art, ‘Painting and Sculpture in California. The Modern Era’, San Francisco CA
Whitney Museum of American Art, ‘Two Hundred Years of American Sculpture’, New York NY
Newport Harbor Art Museum, ‘The Last Time I Saw Ferus. 1957–1968’, Newport Beach CA
Museum of Fine Arts, ‘Contemporary Sculpture in New Mexico’, Santa Fe NM

1975

La Jolla Museum of Contemporary Art, ‘University of California Irvine 1965–75’, La Jolla CA
National Collection of the Fine Arts, Smithsonian Institution, ‘Sculpture. American Directions 1945 – 1975’, Washington DC
California State University, ‘View Through’, Long Beach CA
Hayward Gallery, ‘The Condition of Sculpture’, London, UK

1974

John F. Kennedy Center For The Performing Arts, ‘Art Now’, Washington DC
Galerie Sonnabend ‘Projects Pour “LA Defense”’, Paris, France
Whitney Museum of American Art, ‘Illuminations and Reflections’, New York NY

1973

Detroit Institute of Arts, ‘Art in Space. Some Turning Points’, Detroit MI
New York Cultural Center, ‘3D into 2D. Drawing for Sculpture’, New York NY

1972

Mizuno Gallery, Los Angeles CA
Dennis Hopper Gallery, Taos NM
UCLA Art Galleries, ’20th Century Sculpture from Southern California Collections’, Los Angeles CA
Kunstverein, ’11 Los Angeles Artists’, Berlin, Germany (Travelling Exhibition)
A C A Galleries, ‘Looking West’, New York NY
Wilamaro Gallery, ‘West’, Denver CO
Felicity Samuel Gallery, ‘Looking West’, London, UK
Kunstverein Hannover, ‘USA West Coast’, Hanover, Germany (Travelling Exhibition)
Kölnischer Kunstverein, ‘USA West Coast’, Wurtt, Germany (Travelling Exhibition)
Württembergischer Kunstverein Stuttgart, ‘USA West Coast’, Stuttgart, Germany (Travelling Exhibition)
Palais des Beaux-Arts, ’11 Los Angeles Artists’, Brussels, Belgium (Travelling Exhibition)
Kunstverein, ‘USA West Coast’, Hamburg, Germany (Travelling Exhibition)

1971

Henry Art Gallery, University of Washington, ‘Works for New Spaces’, Seattle WA
Hayward Gallery, ’11 Los Angeles Artists’, London, UK (Travelling Exhibition)
Ace Gallery, ‘Alexander, Bell, Cooper, McCracken and Valentine’, Los Angeles CA
Walker Art Center, ‘Works for New Spaces’, Minneapolis MN (Travelling Exhibition)
Long Beach Museum of Art, ‘Reflections’, Long Beach CA
Wight Art Gallery, University of California, Los Angeles ‘Transparency, Reflection, Light, Space. Four Artists’, Los Angeles CA

1970

Pace Gallery, ‘A Decade of California Color’, New York NY
Joslyn Art Museum, ‘Looking West’, Omaha NE
Mizuno Gallery, ‘Group Show’, Los Angeles CA
Princeton University, ‘American Art Since 1960’, Princeton NJ
Tate Gallery, ‘Larry Bell, Robert Irwin, Doug Wheeler’, London, UK
Art Institute of Chicago, ’69th American Exhibit’, Chicago IL

1969

MOMA Museum of Modern Art, ‘Spaces’, New York NY
Pasadena Art Museum, ‘West Coast ’49 – ’69’, Pasadena CA
Stedelijk Van Abbe Museum, ‘Kompas IV – West Coast USA’, Eindhoven, Holland
Rhode Island School of Design, ‘George Waterman Collection’, Providence RI
Walker Art Center, ’14 Sculptors. The Industrial Edge’, Minneapolis MN
Richmond Art Center, ‘Invisible Painting and Sculpture’, Richmond CA
Santa Barbara Museum of Art, ‘Serial Imagery’, Santa Barbara CA (Travelling Exhibition)

1968

Henry Art Gallery, University of Washington, ‘Serial Imagery’, Seattle WA (Travelling Exhibition) Pasadena Art Museum, ‘Serial Imagery’, Pasadena CA (Travelling Exhibition)
Museum Fridericianum, ‘Document IV’, Kassel, Germany
Walker Art Center, ‘6 Artists. 6 Exhibitions’, Minneapolis MN
Vancouver Art Gallery, ‘Los Angeles 6’, Vancouver, Canada
Art Gallery, University of California, ‘Serial Imagery’, San Diego CA (Travelling Exhibition)

1967

Solomon R. Guggenheim Museum, ‘Guggenheim International Exposition’, New York NY
MOMA Museum of Modern Art, ‘The 1960’s’, New York NY
Washington Gallery of Modern Art, ‘A New Esthetic’, Washington DC
LACMA Los Angeles County Museum of Art, ‘American Sculpture of the Sixties’, Los Angeles CA
Lytton Center for the Visual Arts, ‘Mini-Things’, Los Angeles CA

1966

Whitney Museum of American Art, ‘Annual Exhibition. Contemporary American Sculpture and Prints’, New York NY
Seattle Art Museum Pavilion, ‘Ten From Los Angeles’, Seattle WA
Larry Aldrich Museum, ‘Highlights of the ’65–’66 Art Season’, Ridgefield CT
La Jolla Museum of Art, ‘New Modes in California Painting and Sculpture’, La Jolla CA
Jewish Museum, ‘Primary Structures’, New York NY
Robert Fraser Gallery, ‘Los Angeles Now’, London, UK
University of California, ‘Five Los Angeles Sculptors and Sculptors’ Drawings’, Irvine CA

1965

Baltimore Museum of Art, ‘The Responsive Eye’, Baltimore MD (Travelling Exhibition)
Pasadena Art Museum, ‘The Responsive Eye’, Pasadena CA (Travelling Exhibition)
Museo de Arte Moderna, ‘VIII Bienal de São Paulo’, São Paolo, Brazil
Seattle Art Museum, ‘The Responsive Eye’, Seattle WA (Travelling Exhibition)
City Art Museum of St. Louis, ‘The Responsive Eye’, St. Louis MO (Travelling Exhibition)
Pace Gallery, ‘Five at Pace’, New York NY
MOMA Museum of Modern Art, ‘The Responsive Eye’, New York NY (Travelling Exhibition)
Tibor de Nagy Gallery, ‘Shape and Structure’, New York NY

1964

Sidney Janis Gallery, ‘Seven New Artists’, New York NY
Pavilion Gallery, ‘California Hard Edge Painting’, Balboa CA
Dwan Gallery, ‘Boxes’, Los Angeles CA

1961

Art Center of La Jolla, ‘Fourth Art Center Annual of California Painting and Sculpture’, La Jolla CA
Huysman Gallery, ‘War Babies’, Los Angeles CA

1959

LACMA Los Angeles County Museum of Art, ‘Southern California Painting and Sculpture Annual’, Los Angeles CA

Bibliography

MONOGRAPHS

2019

Gartenfeld, Alex, Moreno, Gean (eds.), ‘Larry Bell. Time Machines’, Munich/New York: DelMonico Books/Prestel; Miami: Institute of Contemporary Art, 2019, ill. (exh. cat.)

2018

Clark, Robin, Lauson, Cliff, ‘Larry Bell’, New York: Rizzoli Electa, 2018, ill.

2011

De Brugerolle, Marie, ‘Larry Bell’, Dijon: Presses du Réel, 2011, ill. (exh. cat.)

2005

Bernard Jacobson Gallery, ‘Larry Bell: New Works’, London: Bernard Jacobson Gallery, 2005, ill. (exh. cat.)

2002

Roswell Museum and Art Center, ‘Sumer Series’, Roswell: The Roswell Museum and Art Center, 2002, ill. (exh. cat)

1997

Cushman, Dean, Frank, Peter, Hall, Douglas Kent, ‘Zones of Experience: The Art of Larry Bell’, Albuquerque: Albuquerque Museum, 1997, ill. (exh. cat.)

1995

Bell, Larry, Witt, David L., ‘Sumer: A Work in Progress. Bronze Calligraphy by Larry Bell’, Taos: The Harwood Museum of Art, 1995, ill. (exh. cat.)

1991

Tucson Museum of Art, ‘Larry Bell: Mirage Works’, Tucson: Tucson Museum of Art, 1991, ill (exh. cat.)

1989

Raspail, Thierry, Bell, Larry, Afif, Steve, ‘Larry Bell: Works from New Mexico’ Lyon: Musée d’Art Contemporain, 1989, ill. (exh. cat.)

1987

Otton, William G. (ed.), ‘Larry Bell. Light on Surface: Ten Years of Vapor Drawings,’ Laguna Beach: Laguna Art Museum, 1987, ill. (exh, cat.)

1986

Willard, David, ‘Contained Space and Trapped Light. Larry Bell’s Sculptural Environments,’ Boise: Boise Gallery of Art, 1986, ill. (exh. cat)

1983

Doe, Donald Bartlett, ‘Larry Bell: Major Works in Glass’, Lincoln: Sheldon Memorial Art Gallery, 1983, ill. (exh. cat.)

1982

Newport Harbor Art Museum, ‘On the Ellipse: New Works by Larry Bell’, Newport Beach: Newport Harbor Art Museum, 1982, ill. (exh. cat.)

1981

Lin, Henry, ‘Larry Bell: Furniture, Vapor Drawings, Sculpture’, Athens: Trisolini Gallery of Ohio University, 1981, ill. (exh. cat.)
Campbell, Suzan, ‘Larry Bell. The Sixties’, Santa Fe: Museum of Fine Arts, 1982, ill. (exh. cat.)

1980

Wortz, Melinda, Creeley, Robert, Koshalek, Richard (et al.), ‘Larry Bell: New Work’, Yonkers: The Hudson River Museum, 1980 , ill. (exh. cat.)

1974

___, ‘Larry Bell’, Rome: Marlborough Galleria d’Arte, 1974, ill. (exh. cat.)

1972

Haskell, Barbara, ‘Larry Bell’, Pasadena: Pasadena Art Museum, 1972, ill. (exh. cat.)

1967

Bell, Larry, Crouwel, Wim, ‘Larry Bell’, Amsterdam: Stedelijk Museum, 1967, ill. (exh. cat.)

ARTIST’S BOOKS & WRITINGS

1984

Bell, Larry, ‘Larry Bell. Chairs in Space. The Book of the Game’, Taos: Webb Design Studio, 1984, ill.

PUBLICATIONS

2022

Gosse, Johanna (ed.), ‘Nervous Systems. Art Systems, and Politics since the 1960s’, Raleigh: Duke University Press, 2022, pp. 125-149, ill.

2021

Eliel, Carol S. (ed.), ‘Light. Space. Surface. Art from Southern California’, Los Angeles: Los Angeles County Museum of Art, New York: DelMonico Books, pp. 12-15, 76, ill. (exh. cat.)
Malin Gallery (eds.), ‘Shady Beautiful’, New York: Malin Gallery, 2021, unpag., ill. (exh. cat.)

View more +

PRESS

2023

Cascone, Sarah, ‘Artists Have Long Held Day Jobs to Make Ends Meet. A New Exhibition Makes the Case That Side Gigs Also Fuel Creativity’, on: news.artnet.com, 27 January 2023, ill.

2022

Preece, Robert, ‘Real Light and Real Angles: A Conversation with Larry Bell’, in: Sculpture, New York, vol. 41, no. 5, September/October 2022, pp. 14-25, ill.
Barrie, Lita, ‘Studio Visit with Larry Bell: The Backstory Behind His Joint Exhibition with John Chamberlain at Hauser & Wirth, Los Angeles’, on: whitehotmagazine.com, September 2022, ill.
Ghassemitari, Shawn, ‘Bourse de Commerce Presents “Une seconde d’éternit锑, on: hypebeast.com, 24 August 2022, ill.
Riefe, Jordan, ‘Larry Bell Offers Insight on his Career & Life Lessons’, on: artandobject.com, 18 August 2022, ill.
___, ‘The Artful Life: 5 Things “Galerie” Editors Love This Week’, on: galeriemagazine.com, 9 August 2022, ill.
Ghassemitari, Shawn, ‘Larry Bell & John Chamberlain Take Over Hauser & Wirth’, on: hypebeast.com, 8 August 2022, ill.
Knight, Christopher, ‘The 17 works of art you need to see in L.A. County’, on: latimes.com, 22 July 2022, ill.
Hutson Hunter, Laura, ‘Light and Space, “Finish Fetish” and the Endless Summer of the Frist’s LACMA Exhibition’, on: nashvillescene.com, 20 July 2022, ill.
Diomandé, Aïsha, ‘Larry Bell’s incredible light structures explore the endless possibilities of perception’, on: hero-magazine.com, 6 July 2022, ill.
___, ‘Une seconde d’éternite, l’exposition qui se conjugue à tous les temps’, on: idboox.com, June 2022, ill.
Plagens, Peter, ‘Contemporary Works with a Western Flair’, on: wsj.com, 4 June 2022, ill.
Ghassemitari, Shawn, ‘Larry Bell Presents a New Set of Glass Sculptures at Hauser & Wirth’, on: hypbeast.com, 27 May 2022, ill.
Griffin, Jonathan, ‘”Art is a teacher, it’s not an object”‘, in: FT Weekend, London, 14/15 May 2022, p. 5, ill.
Cochran, Sam, ‘You Won’t Believe What is Stealing the Spotlight at the Art Show of the Summer’, on: architecturaldigest.com, 23 May 2022, ill.
Westall, Mark, ‘Now Open: Larry Bell: New Work at Hauser & Wirth’, on: fadmagazine.com, 16 May 2022, ill.
Lloyd-Smith, Harriet, ‘Review: Larry Bell saturates senses and blends perception at Hauser & With London’, on: wallpaper.com, 16 May 2022, ill.
Walton, Millie, ‘In the studio with…Larry Bell’ [interview], on: apollo.com, 13 May 2022, ill.
Griffin, Jonathan, ‘Artist Larry Bell: “Art is a teacher, it’s not an object”‘, on: ft.com, 12 May 2022, ill.
Lloyd-Smith, Harriet, ‘London Galley Weekend 2022: an ongoing guide to the must-see shows in the city’, on: wallpaper.com, 12 May 2022, ill.
Luke, Ben, ‘London Gallery Weekend: the must-see exhibitions in West and Central London’, on: theartnewspaper.com, 9 May 2022, ill.
Thomas, Greg, ‘The Age of Immersion’, in: Aesthetica, York, no. 106, April / May 2022, pp. 52-57, ill.
___, ‘Goings on About Town’, in: The New Yorker, New York, 28 March 2022, p. 9, ill.
___, ‘The Geometric Glass Sculptures of Larry Bell’, on: newyorker.com, 18 March 2022, ill.

2021

___, ‘Inside Open Architecture’s Boulder-Like Chapel of Sound, and Other News’, on: surfacemag.com, 8 November 2021, ill.
___, ‘Art Industry News: The Buyer of Banksy’s $25.4 Million Shredded Work Is a New-to-Collecting Crypto Entrepreneur + Other Stories’, on: news.artnet.com, 5 November 2021, ill.
Forgo, Gabriela, ‘”In Focus: LA Artists,” An Exhibition at Hauser & Wirth, Los Angeles’, on: purple.fr, 21 July 2021, ill.
Keats, Jonathan, ‘In Los Angeles, City of Illusions, Nobody Has Manipulated Perceptions Quite Like Larry Bell’, on: forbes.com, 28 June 2021, ill.
Rosin, Rachel, ‘Vision & Justice Project at the Core of Frieze New York 2021’, on: fadmagazine.com, 12 May 2021, ill.
Soo-Yeon, Oh, ‘Korean Cultural Center LA 40th Anniversary Special Exhibition “Beyond the Light of East and West”‘, on: koreadaily.com, 5 April 2021, ill.

2020

Westall, Mark, ‘Hauser & Wirth announce new 5,000 sqft space in the Hamptons’, on: fadmagazine.com, 25 June 2020
Durón, Maximilíano, ‘Hauser & Wirth Will Open New Space in Long Island’s Southampton’, on: artnews.com, 25 June 2020
Kinsella, Eileen, ‘Hauser and Wirth Is the Latest Blue-Chip Gallery to Plan a Hamptons Outpost as the New York Market Moves East’, on: news.artnet.com, 25 June 2020
Eisler, Maryam, ‘Confined Artists – Free Spirits’ [Interview], on: www.lux-mag.com , 18 May 2020, ill.
de Brugerolle, Marie, ‘A World Without Angels: Larry Bell’, in: Mousse Magazine, Milan, no. 71, April 2020, pp. 98-109, ill.
Galleries Now, ‘6 great exhibitions you can visit right now, in Virtual Reality! from GalleriesNow’, on: fadmagazine.com , 31 March 2020
Art Report Today, ‘Podcast: Artist Larry Bell Discusses His Work and Career’ [audiovisual], on: www.youtube.com , 22 March 2020
Gluibizzi, Amanda, ‘Larry Bell’, in: The Brooklyn Rail, Brooklyn, March 2020, p. 53
Carsel, Casey, ‘Armory Week Lockdown: Art Shows to See’, on: ocula.com, 28 February 2020
Singer, Jill, ‘Jagged, Glacier-Inspired Glass By a California Icon, On View at Hauser + Wirth’, on: www.sightunseen.com, 24 February 2020
Riefe, Jordan, ‘LA Icons Larry Bell and Billy Al Bengston Look Back’, on: www.artandobject.com, 3 February 2020
Rus, Mayer, ‘Photographer Douglas Friedman Makes His Home on The Range in Marfa, Texas’, in: Architectural Digest, February 2020, pp. 52-53
Riefe, Jordan, ‘Too Cool for School’, in: LALA Magazine, Los Angeles, pp. 84-87
Mitton, Desiree, ‘Larry Bell’, in: Whitewall, New York, no. 56, Winter 2020, pp.75-79

2019

Tempo Staff, ‘What’s happening in Taos?’, on: www.taosnews.com, 26 November 2019
Wahlquist, Grant, ‘New New Next: OCMA Gala Honors Iconic Artist Larry Bell’, in: BlueDoor Magazine, Los Angeles, November 2019, pp. 34-41
Goldstein, Andrew, ‘The Story of artnet, Part 2: How Founder Hans Neuendorf Helped Invent the Art Fair in a More ‘Innocent’ Time’, on: www.news.artnet.com, Berlin, 9 October 2019
Miranda, Carolina A., ‘Essential Arts: Plácido Domingo’s L.A. Opera exit leads to
questions of legacy’, in: Los Angeles Times, Los Angeles, 5 October 2019
Vankin, Deborah, ‘What are those glowing red cubes outside MOCA? Meet Larry Bell’s latest work’, in: Los Angeles Times, Los Angeles, 30 September 2019

2018

Rozzo, Mark, ‘Outside the Box’, in: Galerie, New York, no. 11, December 2018, pp. 122-127.
David, Elliott, ‘Artist Larry Bell tells architect Frank Gehry about his addiction to beginnings,’ on: www.documentjournal.com, 26 November, 2018
Willette, Jeanne, ‘Larry Bell’ [preview & cover], in: Art Scene, Los Angeles, vol. 37, no. 9, June-August 2018, pp. 9-10.
Muchnic, Suzanne, Vankin, Deborah, ‘Ed Moses, ‘Cool School’ painter who helped forge L.A.’s art scene, dies at 91’, on: www.latimes.com, Los Angeles, 8 July 2018.
Slayton, Nicholas, ‘Hauser & Wirth Has Cubes, Paintings and More’, on: www.ladowntownnews.com, Los Angeles, 6 July 2018.
Slayton, Nicholas, ‘Cube, Paintings and Beyond’, in: Downtown News, Los Angeles, vol. 47, no. 27, 2 July 2018, pp. 14-16.
Slenske, Michael, ‘Larry Bell Cubed’, in: Design LA, Los Angeles, June 2018, p. 20.
Tarley, Phil, ‘Larry Bell. Complete Cubes at Hauser & Wirth’, on: www.fabrikguide.com, Los Angeles, June,2018
___, ‘Larry Bell. Complete Cubes’, on: www.widewalls.ch, London, June 2018.
___, ‘Larry Bell. Venice Fog: Recent Investigations at Hauser & Wirth Zürich’, on: www.dailyartfair.com, Paris, June 2018.
Carey, Jean M., ‘Stereo Lab: An Experimental Pairing of Jesús Rafael Soto and Larry Bell at the Tampa Museum of Art’, on: www.artefuse.com, New York, June 2018.
Wakim, Marielle, ‘Tech Meets Fine Art in Larry Bell’s Glass Cubes’, on: www.lamag.com, Los Angeles, 22 June 2018.
Miranda, Carolina, ‘Datebook: Police violence paintings, a gallery’s 25th and enduring images of a photojournalist’s life’, on: www.latimes.com, Los Angeles, 21 June 2018.
Symonds, Alexandria, ‘Two American Art Icons Discuss the Old Days and Their New Shows’, on: www.nytimes.com, New York, 15 June 2018.
Bennett, Megan, ‘A taste of a very in-depth life’, on: www.abqjournal.com, Albuquerque, 15 June 2018.
Testerman, Tamra, ‘Painter holds on, survives’, on: www.taosnews.com, Taos, 31 May 2018.
Kay, Christin, ‘New rooftop sculpture unveiled for summer at Aspen Art Museum’, on: www.aspenpublicradio.org, Aspen, 29 May 2018.
Romancito, Rick, ‘Harwood plans Larry Bell tribute’, on: www.taosnews.com, Taos, 13 May 2018.
Johnson, Virginia, ‘On the Town: Vapor and Vibration Art at Tampa Museum’, on: www.baynews9, St. Petersburg, 11 May 2018.
___, ‘Tampa Museum of Art’, in: Tampa Bay Times, St. Petersburg, 4 May 2018.
___, ‘Hauser & Wirth at Art Cologne 2018 – Waves and Particles: Larry Bell, Mary Heilmann, Takesada Matsutani’, on: www.artcologne.com, Cologne, April 2018.
Rosenmeyer, Aoife, ‘Larry Bell – Venice Fog: Recent Investigations’, in: Kunst Bulletin’, Zürich, March 2018.
___, ‘Hauser & Wirth’, in: Art.Investment, Beijing, no. 125, March 2018.
Dawson, Aimee, ‘Performance pioneer Joan Jonas takes over Tate Modern’, on: www.theartnewspaper.com, London, 13 March 2018.
___, ‘Kelly Wearstler’s LA art gallery hit list’, on: www.vogue.com.au, Melbourne, 5 March 2018.
___, ‘Larry Bell Venice Fog: Recent Investigations’, on: www.thisistomorrow.info, London, 2 March 2018.
___, ‘Syri-Arts and Christie’s Auction Saving a Generation Through Education’, on: www.prnewswire.com, London, 28 February 2018.
Salema, Isabel, ‘A megagaleria que mais parece um museu’, in: Ípsilon, Lisbon, 22 February 2018.
Riefe, Jordan, ‘Why People Still Get Worked Up About Jasper John’s ‘Flag’ Painting’, on: www.observer.com, New York, 21 February 2018.
Cogley, Bridget, ‘Larry Bell’s glass cubes mimic California light and fog’, on: www.dezeen.com, London, 13 February 2018.
Flanagan, Rosie, ‘Larry Bell’s Recent Investigations Into Venice Fog’, on: www.ignant.com, Berlin, 9 February 2018.
Duffy, Maggie, ‘Groundbreaking artists Larry Bell and Jesus Rafael Soto’s work on display at the ___, ‘Larry Bell: 19 Jan – 3 Mar 2018 at the Hauser & Wirth Gallery in Zurich, Switzerland’, on: www.wsimag.com, Budva, 1 February 2018.
Paulina, Szczesniak, ‘Atmosphärisch: Ein Kalifornier imitiert mit Glasskulpturen das Sonnenlicht in seiner Heimatstadt’, in: Tagesanzeiger Züritipp, Zürich, January 2018.
___, ‘‘Endless Summer’ Exhibition of 60s California Art Opens at MCA Chicago’, on: www.artfixdaily.com, San Francisco, January 2018
Ure-Smith, Jane, ‘Immaterial World: In the 1960s, Californian artists became masters of light and space’, in: The Economist, London, 31 January 2018.
Biller, Steven, ‘Holy Moses: At Art Palm Springs, Ed and Andy Moses celebrate their lives in painting’, on: www.palmspringslife.com, Palm Springs, 29 January 2018.
___, ‘Hauser & Wirth Zürich opens a major solo exhibition by sculptor Larry Bell’, on: www.artdaily.org, London, 29 January 2018.
___, ‘‘Larry Bell. Venice Fog: Recent Investigations’ at Hauser & Wirth Zürich’, on: www.blouinartinfo.com, New York, 25 January 2018.
Jansen, Charlotte, ‘Larry Bell transforms Venice Beach fog into works of sheer beauty’ [review], on: www.wallpaper.com, London, 24 January 2018
___, ‘Prolific artist Ed Moses of LA’s ‘Cool School’ dies at 91’, on: www.wtop.com, Washington DC, 19 January 2018.
Rogers, John, ‘Ed Moses, painter who helped transform Los Angeles into force in modern art, dies at 91’, on: www.washingtonpost.com, Washington DC, 19 January 2018.
___, ‘Larry Bell. Venice Fog: Recent Investigations at Hauser & Wirth Zürich’ [preview], in: Tagesanzeiger Züritipp, Zürich, 18 January 2018.
Rus, Mayer, ‘Ricky Martin Takes AD Inside His Blissful Beverly Hills Home’, in: Architectural Digest, Los Angeles, 9 January 2018.
Testerman, Tamra, ‘It’s all about the light’, on: www.taosnews.com, Taos, 7 January 2018.

2017

Eisler, Maryam, ‘Portrait of an Artist: Larry Bell’, in: Vanity Fair, London, November, 2017, pp. 66, 67
___, ‘Exhibition at White Cube brings together works from Larry Bell’s extensive career’, on: www.artdaily.org, Los Angeles, 2017
Farago, Jason, ‘The Biennial: A User’s Guide’, in: The New York Times, New York, 9, March, 2017, pp. C1, C5
Frankel, Eddy, ‘Larry Bell: Smoke on the Bottom’, on: www.timeout.com, London, 2017
Bell, Larry, ‘A Hotel Life’, on: www.lalamagdigital.com, Los Angeles, Fall, 2017
Cafazzo, Robert, ‘Reflections of Larry Bell’, in: Taos News, Taos, 2, February, 2017
___, ‘Seeing Red in the Larry Bell exhibit at the Weisman’, in: The Los Angeles Times, Los Angeles, 1, March, 2017, pp. T12
Jansen, Charlotte, ‘The big smoke: there’s more to Larry Bell’s latest show than meets the eye’, on: www.wallpaper.com, London, 9, May, 2017
Hearn, Matthew, ‘Larry Bell: Smoke on the Bottom’, www.artworkslondon.com, London, 2017
Bury, Louis, ‘Dale Chihuly’s Road Not Taken’, on: www.hyperallergic.com, New York, 29, October, 2017
___, ‘Sotheby’s online art auction raises funds for Harvey relief efforts’, on: www.houston.culturemap.com, Houston, 31, October, 2017
Johnson, Noah, ‘What Happened to Designer Adam Kimmel?’, on: www.gq.com, New York, 29, November, 2017
Dunne, Susan, ‘‘Mirror Mirror’ On Wadsworth’s Walls’, on: www.courant.com, Hartford, 18, December, 2017

2016

Buosi, Carlotta, ‘Hauser& Wirth Presents: Larry Bell’ [preview], on: www.idolmag.co.uk, London, 25, January, 2016
Evans, Christina O., ‘Larry Bell at Hauser & Wirth, New York: Geometry, glass and perceptual phenomena collide in style’, on: www.howtospendit.ft.com, London, 3, February, 2016
Biller, Steven, ‘Thinking Inside the Box’, on: www.palmspringslife.com, Palm Springs, 1, February, 2016
Gendall, John, ‘Shaping the way: Larry Bell’s legendary 1960s works get aired in New York’, on: www.wallpaper.com, London, 8, February, 2016
___, ‘Larry Bell Creations from the 60s Coming to Hauser & Wirth New York’, on: www.widewalls.ch, London, 27, January, 2016
___, ‘Greenberger, Alex, ‘Coast to Coast: Frank Stella and Larry Bell on the 1960s Los Angeles Art Scene’, on: www.artnews.com, New York, 8, February, 2016
Plagens, Peter, ‘Feminist Art, Lyrical Composition and 1960s Paintings’, on: www.wsj.com, New York, 26, February, 2016
Bacon, Alex, ‘Larry Bell with Alex Bacon’ [interview], on: www.brooklynrail.com, New York, 4, March, 2016
Zlotowitz, A., ‘New York – Larry Bell: “From the ‘60s” at Hauser & Wirth through April 9th, 2016’, on: www.artobserved.com, New York, 16, March, 2016
Slenske, Michael, ‘In the Studio: Larry Bell’, on: www.blouinartinfo.com, New York, 1, April, 2016
Zara, Janelle, ‘A Rowdy Roundtable Discussion with Three L.A. Art Legends’, on: www.nytimes.com, New York, 6, April, 2016
Churner, Rachel, ‘Larry Bell: Hauser & Wirth’ [review], in: Artforum, New York, Summer, 2016, p. 393
Kimberly, Johnson B., ‘Master of Light and Space, Student of Art and Life’, in: Palm Springs Art Magazine, Palm Springs, 8, February, 2016
___, ‘Larry Bell “From the 60s” Exhibition at Hauser & Wirth, New York’, on: www.purple.fr, Paris, 4, March, 2016

2015

Landi, Anne, ‘Larry Bell’, in: ARTnews, April, 2015, p. 87
Rosenmeyer, Aoife, ‘Troika, Tobias Putrih, Larry Bell Reverse Order’, on: www.art-agenda.com, New York, June, 2015
Sundberg, K., ‘Larry Bell’s Industrialized Twist on the Light and Space Movement’, on: www.artsy.net, New York, June, 2015
Enholm, Molly, ‘Larry Bell’, in: Art Ltd., Los Angeles, July, 2015
Fiske, Courtney, ‘Larry Bell: The Chinati Foundation’, in: www.artforum.com, New York, June, 2015
___, ‘Larry Bell: 2D-3D: Glass & Vapor’, on: www.wsimag.com, Budva, 23, July, 2015
___, ‘American Artist Larry Bell to Open at White Cube Mason’s Yard’, on: www.artlyst.com, London, 21, June, 2015
Du Toit, Wessie, ‘Haunted reflections: Larry Bell’s experimental work on show at White Cube Mason’s Yard’, on: www.wallpaper.com, London, 14, July, 2015.
Gaylord, Martin, ‘Exhibitions’, on: www.spectator.co.uk, London, 1, August, 2015
Grattan, Nikki, ‘Our Last Hurrah: Larry Bell’, on: www.inthemake.com, San Francisco, January, 2015
Pollock, David, ‘Another Minimalism: Art After California Light and Space’, on: www.list.co.uk, London, 16, November, 2015
Pomar, Aina, ‘Reflection, absorption, transmission: Larry Bell’s new show at White Cube Mason’s Yard’, on: www.artdependence.com, London, July, 2015
___, ‘When Chuck met Jay and more Miami gossip’, on: www.theartnewspaper.com, Miami, 3 December, 2015
Ure-Smith, Jane, ‘Larry Bell and Robert Irwin step into the light’, on: www.ft. com, London, 18, December, 2015

2014

___, ‘Sept. 11, 2001 and Larry Bell ‘Teeth in Orange Juice’ to Exhibit at DAFA’, in: Taos News, Taos, 3, July, 2014, pp. 4-6
Bleiler-Strong, Lyn, ‘Light and Reflection in the Work of Larry Bell’, in: Trend Magazine, Santa Fe, Summer, 2014, pp. 112, 130
___, ‘Surface to Air: Los Angeles Artists of the ‘60’s and the Materials That They Use at Kayne Griffin Corcoran’, on: www.artdaily.org, Los Angeles, 21, May, 2014
Stromberg, Matt, ‘Joan Quinn Captured at the Brand Library and Art Center’, in: Dailyserving, an International Publication for Contemporary Art, San Francisco, 23, July, 2014
___, ‘Larry Bell: Fractions at the Blumenschein Museum’, in: Taos News, Taos, 20, August, 2014, p. 8
McHugh, Fionnuala, ‘As Happy as Larry’, in: South China Post Magazine, Hong Kong, 21, September, 2014, pp. 22-24, 26
Anspon, Catherine, ‘Bellwether’, in: ArtDesk, Oklahoma City, Issue 3, Fall/ Winter, 2014, pp. 4-9

2013

Wyspolaki, Bondo, ‘Larry Bell, still ringing in an art gallery near you’, on: www.easyreadernews.com, Hermosa Beach, 31, May, 2013
Enholm, Molly, ‘Recent Works by Larry Bell’ [review], in: Art Scene, Los Angeles, May, 2013
Wyrick, Christopher, ‘Venice Art Walk and Auction draws Artists Larry Bell and Kelly Berg’, on: www.hollywoodreporter.com, Los Angeles, 20, May, 2013
Davidson, Lisa, ‘Larry Bell: Recent Work, Frank Lloyd Gallery’ [review], on: www.weheart.co.uk, London, 7, June, 2013
Ollman, Leah, ‘Less Is More in Collages’ [review], in: Los Angeles Times, Los Angeles, 29, May, 2013, D-3
Barnas, Maria, ‘Larry Bell & Sarah Crowner, Meet Marlow Moss’, in: Frieze, London, Issue 157, September, 2013, pp. 160-161
Khemir, Sabiha Al, ‘Beyond Brancusi: The Space of Sculpture’, in: Art in America, New York, 2013, p. 38
Brunn, Dan, ‘Samy Kamienowic Home’, on: www.danbrunn.com, 2013
Bleiler-Strong, Lyn, ‘Larry Bell Sculptor of Kinetic Light’ [cover], Trend Magazine, Santa Fe, Fall-Spring, 2013, pp. 114-121, ill.
Pagel, David, ‘Local Fish at Ernie Wolfe Casts a Wide, Fun Net’, in: Los Angeles Times, Los Angeles, 15, August, 2013
Davie, William, ‘Larry Bell at White Cube Gallery, London’ [review], in: Aesthetica Magazine Blog, York, 2013
Smith, Roberta, ‘The Artist’s Force Field, Frozen in Time’, in: The New York Times, New York, 2013, pp. C21-C3

2012

Eisenhart, Mary, Torrez, Andre + [et al.], ‘96 Hours’, in: San Francisco Chronicle, San Francisco, January, 2012
Ollman, Leah, ‘Sensory Remix’, in: Art in America, New York, January, 2012, pp. 70-75
Frank, Peter, ‘Larry Bell and Gregory Edwards’, on: www.huffingtonpost.com, New York, 2012
___, ‘46 N. Los Robles: A History of the Pasadena Art Museum’, on: www.pacificstandardtime.org, Los Angeles, 2012
Green, Tyler, ‘Larry Bell’, on: www.manpodcast.com, 26, January, 2011
Cooke, Lynne, ‘Perfect Fit’ [interview], in: Artforum, New York, pp. 236-241, ill.
Morgan, Robert C., ‘Larry Bell’s Architectonic Light: Early Cubes and Improvisations’, on: www.eastofborneo.org, Los Angeles, 2, March, 2012
Goldner, Liz, ‘Best Kept Secret Laguna Art Museum’ [review], in: Artillery Magazine, Los Angeles, February/ March, 2012, pp. 75-76
Goldner, Liz, ‘Best Kept Secret Newsletter’, on: www.contemporary-art-dialogue.com, Los Angeles, February, 12, 2012
Olson, Kimberly, ‘In the Clear’, in: Luxe Interiors + Design Magazine, San Diego, vol. 10, no. 2, 2012, pp. 194-201, ill.
Steffen, Patrick, ‘Process Is Not Dead’, in: Flash Art News, New York, May/ June, 2012, ill.
Hulbert, Dory, ‘Immortal Visage: Paul O’ Connor Captures Iconic Faces of Taos’, in: The Taos News, Taos, May-June, 2012, ill.
Bleiler, Lyn, ‘The Taos Hum’, in: Trend Magazine, Santa Fe, Summer, 2012, pp. 136-137
Gair, Chrisopher, ‘“Perhaps the Words Remember Me”: Richard Brautigan’s Very Short Stories’ [cover], in: Western American Literature, Quarterly Journal of Western Literature, vol. 47, no. 1, Spring, 2012, pp. 4-21

2011

Plagens, Peter, ‘Laying Claim to Its Place in the Sun’ [review], in: The Wall Street Journal, New York, 13, October, 2011
___, ‘Exhibit Reveals Little Known Art History’, on: lagunabeachindy.com, Laguna Beach, 26, October, 2011
Kane, Richard, ‘Laguna Art Museum Revives UC Irvine’s Forgotten Avant-Garde Renaissance’, on: www.lagunabeachpatch.com, Laguna Beach, 28, November, 2011
Chang, Richard, ‘Laguna Art Museum Bares ‘Best Kept Secret’’, in: The Orange County Register, Anaheim, 30, October, 2011, pp. 1, 3
Verhagen, Erik, ‘Larry Bell: On Reflections and Presence’, on: en.arpress.com, 28, February, 2011
___, ‘Human Nature: Contemporary Art from the Collection’, on: www.lacma.org, Los Angeles, 31, March, 2011
___, ‘Artist Larry Bell, Bel Air Camera Customer Since 1960s Shows Photographs in Nimes, France’, in: The Daily Bruin, Los Angeles, 13, April, 2011, p. 11
Talalla, Natalie, ‘Venice in Venice. Glow & Reflection – Venice California Art from 1960s to the Present. 54th Venice Biennale’, on: www.aajpress.wordpress.com, London, 23, June, 2011 Friedman, Julia, ‘Venice in Venice’, in: Artforum, New York, July, 2011
Muchnic, Suzanne, ‘Rebels in Paradise by Hunter Drohojowska-Philp’ [book review], in: Los Angeles Times, Los Angeles, 17, July, 2011
Plagens, Peter, ‘When the West Coast Went Pop’ [book review], in: The Wall Street Journal, New York, 16, July, 2011
Hawthorne, Christopher, ‘Critic’s Notebook: Shifting Horizons in Santa Monica Park Design’, in: Los Angeles Times, Los Angeles, 30, July, 2011
___, ‘Phenomenal: California Light, Space, Surface’, on: www.mcasd.org, San Diego, 2011
Teicholz, Tom, ‘How LA Grew Its Art’, on: www.tommywood.com, Los Angeles, 8, September, 2011
Rothman, Tibby, ‘Larry Bell Gets a Restaurant, Larry’s, Where the Opening Was A Pacific Standard Time Reunion’, on: www.blogs.laweekly.com, Los Angeles, 2011
Hirsch, Faye, ‘Flocked Pink Ladies: An Anomaly’, in: Art in America, New York, October, 2011, pp. 72-75
Dougherty, Margot, ‘Letter from L.A.’, in: Town & Country Magazine, Los Angeles, March, 2011, p. 110
Knight, Christopher, ‘L.A. Inspiration’ [review], in: Los Angeles Times, Los Angeles, 5, October, 2011, p. D-D12
Snyder, Benjamin A., ‘Phenomenal: California Light, Space, Surface at the Museum of Contemporary Art San Diego’ [review], in: Art Ltd. Magazine, Los Angeles, 2011
Chute, James, ‘Outside the Frame’, in: San Diego Union-Tribune, San Diego, 18, September, 2011, pp. 1, 8
___, ‘Museum Promises New Show Is Phenomenal’, in: Del Mar Times, Solana Beach, 22, September, 2011, p. 2
___, ‘Wound Up for Pacific Standard Time’, in: San Diego City Beat, San Diego, 14, September, 2011, p. 22
Chute, James, ‘Phenomenal: California Light, Space, Surface’ [review], in: San Diego Union-Tribune, San Diego, 18, September, 2011
Baker, Kenneth, ‘S. California Plays with the Light-Space Phenomenon’, on: www.sfgate.com, San Francisco, 24, December, 2011
Knight, Christopher, ‘High-Achieving Show’, in: Los Angeles Times, Los Angeles, 5, October, 2011, pp. D-1, 12
Smith, Roberta, ‘A New Pin on the Map’, on: www.nytimes.com, New York, 10, November, 2011

2010

Johnson, Ken, ‘Primary Atmospheres: Works from California 1960-1970’, in: Art & Design, New York Times, New York, 14, January, 2010
Schjedahl, Peter, ‘Way Out West: California Minimalism Comes to Town’, in: The New York Times, New York, 25, January, 2010
Viveros-Faune, Christian, ‘David Zwirner’s ‘Primary Atmospheres’ is California Sweet’, in: The Village Voice, New York, January/ February, 2010, p. 28
Esplund, Lance, ‘California Gleaming’, in: The Wall Street Journal, New York, 2010, January, p. W14
Fichtner, Brian, ‘Primary Atmospheres: Works from California 1960-1970’, www.coolhunting.com, New York, 2010
Baron, Joan B., Reuben, M., ‘West Coast Minimalism: Four New York Shows’, on: www.artcritical.com, New York, February, 2010
Alexander, Peter, ‘Phenomenal L.A. 1970-1970 Primary Atmospheres’, in: Gallery Beat, New York, 11, January, 2010, ill.
Perreault, John, ‘How the West Was Won: Finish Fetish’, in: Artopia, John Perreault’s Art Diary, Los Angeles, 18, January, 2010
Smith, Roberta, ‘Surfing Art at Nyehaus, Zwirner Gallery’, in: The New York Times, New York, 2, August, 2010
Dreishpoon, Douglas, ‘Dennis Hopper: 1936-2010’, in: Art in America, New York, September, 2010, pp. 34, 36
___, ; ‘David Zwirner Presents Primary Atmosphere Works from California 1960-70’, in: The Huffington Post, New York, 16, January, 2010
Pincus-Witten, Robert, ‘Craig Kauffman’ [review], in: Artforum, New York, December, 2010
___, ‘All the Rage. NY Fashion Week: Derek Lam’s West Coast Style’, 15, September, 2010
Russeth, Andrew, ‘Editor’s Picks’, on: www.artinfo.com, 27, January, 2010

2009

___, ‘Larry Bell in ‘Burque’, in: The Taos News, Taos, January, 2009, pp. 8, 22-28
___, ‘Larry Bell’, in; Art & Living Magazine, Los Angeles, Winter, 2009, pp. 22-23
Rico, Diane, ‘Bell Opens Encore’, in: The Taos News, Taos, March, 2009, pp. 4-6
Fairfield, Douglas, ‘Filling a Vacuum, Larry Bell Comments on His Ongoing Investigations’, in: The New Mexican, Santa Fe, 2009, pp. 28-30, ill.
Parker, Phil, ‘Mayor ‘Easy Rider’’, in: Albuquerque Journal, Albuquerque, 5, May, 2009, pp. C1, C2
Whaley, Bill, ‘Taos Has a New Mayor, Hopper and Friends’, vol. II, no. 2, 15, May, 2008, pp. 1, 3
Silverman, Jason, ‘Riders of the Storm’, in: Santa Fean, Santa Fe, June/July, 2009, pp. 36-41
Edwards, Joseph, ‘Mediocrity, Regret, and Taos Art’, in: Horse Fly, Taos, 15, July, 2009
Clark, Virginia L., ‘Art and Culture Critic David Hickey Cuts Loose at the Harwood’, in: The Taos News, Taos, pp. 28-31
Mathis, Miles, ‘Fake People Fake Their Shows’, in: The Taos News, Taos, August/September, 2009, p. 6
___, Paisley Party’, in: The Taos News, Taos, July, 2009, p. 26
___, ‘Larry Bell Opens the New Encore Gallery at Taos Center for the Arts, Taos, NM’, on: www.tcataos.org, Taos, 6, March, 2009
___, ‘New Mexico Artists Reveal a Range of Possibilities’, on: www.abqarts.com, Albuquerque, March, 2009

2008

Frank, Peter, ‘The Radar Art’, in: Angeleno, Los Angeles, February, 2008, pp. 74, 76
Pagel, David, ‘Taking Collages to a Dazzling Place’, in: Los Angeles Times, Los Angeles, 15, February, 2008, E-27
Chen, Angel, ‘Larry Bell Modern Mystic’, on: www.artslant.com, Los Angeles, 28, February, 2008
Frank, Peter, ‘Animal Spirits, Endangered Species, Larry Bell’, in: L.A. Weekly, Los Angeles, 2008
Gerdes, Scott R., ‘Becoming Elegant Again’, in: The Taos News, Taos, June, 2008, p. 24
Fox, Steve, ‘The Pulse’, in: Horse Fly, Taos, 15, August, 2008, p. 19-20
___, ‘Larry Bell Talks About His Work’, in: The Taos News, Taos, July, 2008, p. 8
Landi, Ann, ‘Frank Stella, Larry Bell’, in: ARTnews, New York, Summer, 2008
Klimek, Chris, ‘The Hirshhorn’s “Panza Collection” Is a Trove of Intangible Pleasures’, in: The Washington Examiner, Washington, D.C., 7, November, 2008
___, ‘Hirshhorn Museum Presents Recent Acquisitions from the Collection of Count Giuseppe Panza’, on: www.artdaily.org, 23, October, 2008
___, ‘Don’t Miss Larry Bell at Frank Lloyd Gallery’, in: Los Angeles Times, Los Angeles, 6, March, 2008, p. 12

2007

Pulkka, Wesley, ‘Show Bodes Well for 516 Arts’ in: The Sunday Journal, Albuquerque, January, 2007
Grove, Martha, ‘Seeking New Canvas for Venice Art Scene’, in: Los Angeles Times, Los Angeles, 19, May, 2007, pp. B1, B12
Haden-Guest, Anthony, ‘Reflections of a Glass Matter’, in: Financial Times, London, 23, June, 2007
Pulkka, Wesley, ‘Art + Architecture in New Mexico = An International Narrative’, in: Art Santa Fe, Santa Fe, Summer, 2007, pp. 22-23
Whaley, Bill, ‘Art Notes, Larry Bell, Studio Investigations’, in: Horse Fly, Taos, 15, August, 2007, pp. 1 & 21
Silsbee, Kirk, ‘LA & E. Civic Pride’, in: Los Angeles City Beat, Los Angeles, vol. 5, no. 35, August, 2007, p. 17
Hoban, Phoebe, ‘Larry Bell’ [review], in: ARTnews, New York, December, 2007, p. 155
Larson, Eric, ‘Ed Moses and Larry Bell’ [interview], in: Art and Living, Los Angeles, Fall, 2007, pp. 60-63, ill.
___, ‘With a Little Help from Their Friends: The Faces Behind Sergeant Pepper’, in: The Independent, London, February, 2007, pp. 1-5
Danese, ‘New Sculpture’, New York NY

2006

Van Doren, Phyllis, ‘All About’, in: San Diego Home/ Garden Lifestyles, San Diego, March, 2006, pp. 38-41, ill.
Kuipers, Dean, ‘Up Front with the Kids, They’re Patrons Too’, in: Los Angeles Times, Los Angeles, 6, April, 2006, p. E4, 45, ill.
Frank, Peter, ‘Larry Bell, Richard M. Haley’, in: L.A. Weekly, April/ May, 2006, p. 61
McDonald, John, ‘Intimations of Mortality’, in: The Sydney Morning Herald, Sydney, 21, May, 2006, ill.
Davies, Lillian, ‘Larry Bell, Galerie Daniel Templon’, on: www.artforum.com, New York, May, 2006
Dambrot, Shana N., ‘Making Space for Light-Norton Simon Museum Show Explores the Concepts of Perception, Reflection, Light and Illusion’, in; West Coast Art + Design Lifescapes Magazine, Santa Barbara, July, 2006, pp. 26-28
Perez, Magdalene, ‘Larry Bell, Cubes’ [review], on: artinfo.com, 2006
Adams, Brook, ‘The School of L.A.’, in: Art in America, New York, 2006, pp. 160-167, ill.
Mayer, Kathie, ‘The Ongoing Investigation of Art’, in: The Port Townsend & Jefferson County Leader, Port Townsend, December, 2006, p. 2
Salem, Nancy, ‘State of the Art’, in: The Albuquerque Tribune, Albuquerque, 8, December, 2006
Mayfield, Dan, ‘For New 516 Arts, Two Floors Better Than One’, in: The Sunday Journal, Albuquerque, 3, December, 2006, pp. F1 & F4
Ross, Lee, ‘516 Arts Presents Green’, in: Albuquerque Arts, Albuquerque, December, 2006
Goldman, Edward, ‘Reflections of Imperfect, Mortal You: The Art of Anish Kapoor, Larry Bell and Lee Mullican’ [review], on: www.kcrw.com, Los Angeles, 28, March, 2006
___, ‘Annandale Galleries’ [review], on: www.theaustralian.news.com, Sydney, May, 2006

2004

Pulkka, Wesley, ‘A Wider Reach’, in: The Albuquerque Journal, Albuquerque, 1, February, 2004, pp. F1-F2
Knight, Christopher, ‘Max Minimal’, in: Los Angeles Times, Los Angeles, 16, March, 2004, pp. E1, E8
Kimmelman, Michael, ‘How Not Much Is a Whole World’, in: The New York Times, New York, 2, April, 2004, pp. E31, E33
___, ‘Larry Bell Returns to Show ‘Fractions’’, in: Taos News, 27, May, 2004, p. 10
___, ‘California Classroom: A Box that Opens Up Many Ways to See Art and Light’, in: Los Angeles Times, Los Angeles, 8, April, 2004, p. H3
Mauk, Laura, ‘Donald Judd’s Marfa’, in: Western Interiors and Design’, 2004, pp. 120-129
Kennedy, Randy, ‘Where Creative Heat Meet Molten Metal’, in: The New York Times, New York, 13, August, 2004
Godfrey, Mark, ‘Dimensions Variable’ [review], in: Frieze, New York, pp. 116-121
Drohojowska-Philip, Hunter, ‘A Minimal Future? Art as Object 1958-1968’, in: ARTnews, New York, June, 2004, p. 119
Stammer, Kimberly M., ‘The Eclectic Eye’, in: Frederick R. Weisman Philanthropic Foundation, Los Angeles, 2004, pp. 38-39
Fallon, Roberta, ‘The Big Nothing and Phillie’, in: Artnet, New York, March, 2004
Henry, Clare, ‘The Big Nothing, ICA Philadelphia, etc.’, in: The Financial Times, London, 22, July, 2004, p. 10
Kimmelman, Michael, ‘Artists Who Just Say No. To Everything’, in: The New York Times, New York, 25, June, 2004, pp. E29, E31
___, ‘The Big Nothing’ [preview], in: e-flux, New York, 11, May, 2004
Smolan, Rick, Cohen, Elliot, ‘Taos’, in: New Mexico 24/7, Sausalito, 2004, p. 66

2003

Anspon, Catherine D. ‘Art League Houston’s Texas Art Patron of the Year, Lester Marks, Brushes with Fame at the Hotel Derek’, in: Paper City, Houston, 2003, p. 32
Muchnic, Suzanne, ‘Defunct L.A. Art School on a Quest for Resurrection’, in: Los Angeles Times, Los Angeles, 7, March, 2003, p. E28
Roug, Louise, ‘He’s Extending His Stay’, in: Los Angeles Times, Los Angeles, 19, June, 2003, p. F9
Paglia, Michael, ‘Dumb and Dumber’, in: Westword, Denver, June/July, 2003, p. 55
Siegel, Evelyn, ‘Artists’, in: Evelyn Siegel Gallery News, Forth Worth, Summer, 2003
Berenger, Peter, ‘Two Sides of the Coin’, in: The Horse Fly, Taos, 15, November, 2003, p. 23
Pulkka, Wesley, ‘Shows Contrast Expectations’, in: The Albuquerque Journal, Albuquerque, 9, November, 2003, p. F5
___, ‘St. John’s College Art Gallery’, in: The New Mexican, Santa Fe, October, 2003, p. 39
Kim, Sheila, ‘Newsdesk’, in: Interior Design, New York, 2003, p. 35

2002

Carver, Jon, ‘More Today than Today: Hovering Between the Figure and Abstraction’, in: Santa Fe Trend, Santa Fe, vol. 2, no. 2, Winter/Spring, 2002, pp. 18-23
Henderson, Chaucer, ‘The Curmudgeon’s Complaint – Neo-Pre-Raphaelite Relief – Three Who Count’, in: Horse Fly, Taos, 15, February, 2002, pp. 18-19
Esperanza, Jennifer, ‘Sexy Artists, April 2002’, in: The Magazine, Santa Fe, pp. 33
Rusnell, Wesley, ‘Larry Bell: The Sumer Project’, in: Rosswell Museum and Art Center Quarterly Bulletin, Rosswell, vol. 50, no. 3, Summer, 2002
Romancito, Rick, ‘Bell Ringer’, in: Tempo Magazine, Taos, 15, August, 2002, pp. 12, 14
Whaley, Bill, ‘Larry Bell’, in: Horse Fly, Taos, 15, August, 2002, pp. 21
Ebony, David, ‘Los Angeles, Larry Bell at Kiyo Higashi’ [review], in: Art in America, New York, September, 2002, pp. 143-144
Quinn, Joan A., ‘Focal Point, Around and About with Joan Agajanian Quinn’, in: New York Master Planner, New York, August/ September, 2002, p. 30, ill.
Pagel, David, ‘Bell’s Recycling Project Becomes a Potent Series’, in: Los Angeles Times, Los Angeles, 30, August, 2002
Tourjé, Dave, ‘Artist to Artist’, Grand View, Pasadena, no. 11, July, 2002, ill.
Plagens, Peter, ‘Ferus (at Gagosian Gallery)’, in: Artforum International Magazine, New York, 2002, pp. 130-131
Marcoulesco, Ileana, ‘Larry Bell: Post 9/11 Tableaux and the Time Machine-New Gallery’, in: Artlies, Winter, 2002-2003, p. 83
___, ‘Land Trust Auction Nets Art and Adventures for Patrons’, in: Tempo Magazine, Taos, 22, August, 2002, p. 18
___, ‘Sculpture Along the Way …’ in: Sculpture Magazine, Washington, D.C. vol. 21, no. 5, ., June, 2002
___, ‘Award Artists’, in: Taos Talking Picture and Film Festival, Taos, 2002, p. 37

2001

___, ‘Venice, Italy Ongoing – Jan. 7’, in: Art & Antiques, Annual Asian Issue, Museum Scene, 2001, p. 44
Pulkka, Wesley, ‘Larry Bell’, in: Elevation, The Magazine of Mountain Life, Winter, 2001, p. 78-79
Urquijo, Javier, ‘El Museo Guggenheim acoge la Colección Panza at the Guggenheim Museum, in: Gran Bilbao, Bilbao, 2001, ill.
Quinn, Joan A., ‘Joan Quinn, Etc., Etc., Etc.’, in: Art-Talk, Los Angeles, 2000, November, p. 18
Della Flora, Anthony, ‘Museum Worthy’, in: The Albuquerque Sunday Journal, Albuquerque, 4, February, 2001, p. F1
Ford, Sara, ‘Award Recipients Will Be Taking Home a Bit of Taos’, in: Taos News, Taos, 5, April, 2001, p. 3
Romancito, Rick, ‘Falling for Liz’, in: The Taos News Tempo, 12, April, 2001, pp. 3-4
Marcoulesco, Ileana, ‘Larry Bell: A Passionate Coupling of Light and Space’, in: Sculpture, A Publication of the International Sculpture Center’, Washington, D.C., vol. 20, no. 20, July/August, 2001, pp. 8-9
Chattopadhyay, Collette, ‘New Directions in Non-Objective Sculpture’, in: Sculpture, A Publication of the International Sculpture Center, Washington, D.C., vol. 20, no. 6, July/August 2001, pp. 32-35.
___, ‘New Maverick in Taos’, in: The Daily Breeze, Santa Monica, 10, April, 2001, p. A2
Carasso, Roberta, ‘Artist Display Reflects on Magical Sculpture’, in: Laguna-News Post, Laguna Beach, 9, August, 2001
Collins, Tom, ‘Seeing Differently’, in: Albuquerque Journal, Albuquerque, 14, September, 2001, p. 6
___, ‘Out of L.A. – 6 Californian Artists’, in: Art in America, New York, May, 2001, p. 101
___, ‘Exhibition Update’, Pasadena: The Chouinard Foundation, no. 7, April, 2001, p. 3
___, ‘Gift to the Nation’, in: Friends of Art and Preservation in Embassies, Washington, D.C., 2001, p. 214

1997

Knight, Christopher, ‘Lots Of ‘Sunshine’, in: LA Times, Los Angeles, 27 July 1997

1994

Greene, David, ‘The Shapes Of Things To Come’, Los Angeles Reader, vol. 16, no. 38, 1 July 1994, pp. 20, 26

1991

Heartney, Eleanor, ‘Larry Bell At Shafrazi’, in: Art in America, New York, July 1991, pp. 124-125
Bell, Larry, ‘Roger Kramer’, in: Visions Art Quarterly, Fall 1991, p. 54
Knight, Christopher, ‘From Out West and the ‘Cool School, It’s Abstract Pop’, in: Los Angeles Times, Los Angeles, 14 April 1991

1990

Donnely, Cheryl, ‘Finely Chiseled Furniture’, in: Vogue Decoration International, vol, 28, 1990, pp. 104-109

1985

Jacobs, Jody, ‘Art Vapor Made’, Los Angeles Times, Weekend Guide, Los Angeles, 15 November 1985

1981

Raynor, Vivian, ‘Technology As Medium For Artists’, in: New York Times, New York, 22 February, 1981

1975

___, ‘One Fracture From The Iceberg’, A Magazine of the Fine Arts, vol. 1, no. 13, 1975, p. 49

1973

Dunham, Judith, ‘Larry Bell’, in: Artweek, vol. 4, no. 6, 10 February 1973, p. 5

1971

Plagens, Peter, ‘Los Angeles’, in: Artforum, New York, vol. 10, no. 6, February 1971, pp. 86-90
Terbell, Melinda, ‘Los Angeles’, in: Arts Magazine, vol. 45, no. 4, February 1971, pp. 45-46

1970

Plagens, Peter, ‘Los Angeles’, in: Artforum, New York, vol. 9, no. 2, October 1970, p. 887
Fuller, Peter, ‘Larry Bell, Doug Wheeler, Robert Irwin’, in: Connoisseur, vol. 174, no. 7092, August 1970, p. 285
___‘Los Angeles Artists’ Studios’, in: Art in America, New York, vol. 58, no. 6, November-December 1970, p. 103
Tuchman, Phyllis, ‘American Art in Germany: History of a Phenomenon’, in: Artforum, New York, vol. 9, no. 3, November 1970, pp. 58-69
Terbell, Melinda, ‘Los Angeles’, in: Arts Magazine, vol. 45, no. 2, November 1970, p. 53
Kramer, Hilton, ‘Participatory Aesthetics’, New York Times, New York, 11 January 1970, p. 25
Gluek, Grace, ‘Museum Beckoning Space Explorers’, New York Times, New York, 3 January 1970, p. 34

1969

___, ‘Work In Progress’, Esquire, vol. 72, no. 6, December 1969, p. 216.

1968

Kirby, Michael, ‘Sculpture As Visual Instrument’, in: Art International, October 1968, pp. 35-37
Trini, Tommaso, ‘Larry Bell: Le Pareti Dell’infinito (Vacuum Vision)’, Domus, , no. 460, March 1968, pp. 42-44
Schwartz, Paul W., ‘Paris’, Studio International, February, vol. 175, no. 897, 1968, pp. 95-96
Leider, Phillip, ‘Gallery ‘68: High Art and Low Art, in: Look, Des Moines, vol. 32, 9 January 1968, pp. 12-22
Muller, Gregoirs, ‘Paris: Art’s Common Market’, in: Art and Artists, vol. 2, no. 10, January 1968, pp. 45, 47

1967

___,‘Sculpture’, Time Magazine, vol. 89, no. 19, 12 May 1967, pp. 80,83
Danieli, Fidel, ‘Bell’s Progress’, in: Artforum, New York, vol. 5, no. 10, Summer 1967, pp. 68-71
Tuten, Frederick, ‘In The Galleries, Larry Bell’, Arts Magazine, vol. 41, no. 8, Summer 1967, p. 46
Waldman, Diane, ‘Reviews and Previews’, in: Art News, New York, vol. 66, no. 4, Summer 1967, pp. 12-13
Morris, Robert, ‘Notes on Sculpture, Part 3, Notes and Nonsequiturs’, in: Artforum, New York, vol. 5, no. 10, Summer 1967, pp. 24-29
Leider, Phillip, ‘American Sculpture at Los Angeles County Museum of Art’, in: Artforum, New York, vol. 5, no. 10, Summer 1967, pp. 6-11
Travers, D. ‘American Sculpture of the 60’s’, in: Art and Architecture, vol. 84, no. 5, June 1967, pp. 26-43
Canaday, John, ‘Art: Some Recent History Of Sculpture’, in: New York Times, New York, 29 April 1967, p. 31
Davis, Douglas, ‘From New Materials…Sculpture’, in: National Observer, Washington D.C., February 20 1967, p. 22

1966

Plagens, Peter, ‘Present Day Styles and Ready Made Criticism’, in: Artforum, New York, vol. 5, no. 4, December 1966, pp. 36-39
Aldrich, Larry, ‘New Talent USA’ in: Art in America, New York, vol. 54, no. 4, July-August 1966, pp. 22-69
Smithson, Robert, ‘Entropy And New Moments’, in: Artforum, New York, vol. 4, no. 10, June 1966, pp. 26-31
Danieli, Fidel, ‘New York From Los Angeles’, in: Art News, New York, vol. 65, no. 1, March 1966, pp. 20, 74
Von Meier, Kurt, ‘Los Angeles Letter’, in: Art International, vol. 10, no. 3, March 1966, pp. 48, 53
Coplans, John, ‘5 Los Angeles Sculptors At Irvine’, in: Artforum, New York, vol. 4, no. 6, February 1966, pp. 33-37
Bourdon, David, ‘Boxing Up Space’, in: The Village Voice, New York, February
18, 1966
Lippard, Lucy, ‘New York Letter’, in: Art International, vol. 10, no. 2, February 1966, pp. 52-53
Bochner, Mel, ‘In The Galleries: Larry Bell’, in: Arts, vol. 4, no. 3, January 1966, pp. 54-55
Coplans, John, ‘Los Angeles: Object Lesson’, in: Art News, New York, vol. 64, no. 9, January 1966, p. 40
Factor, Don, ‘Larry Bell, Ferus Gallery’, in: Artforum, New York, vol. 4, no. 5, January 1966, pp. 12-13
Rose, Barbara, ‘Los Angeles, The Second City’, in: Art in America, New York, vol. 54, no. 1, January-February 1966, pp. 110-115

1965

Glueck, Grace, ‘New York Gallery Notes’, in: Art in America, New York, vol. 53, no. 6, December 1965, p. 121
Coplans, John. ‘Larry Bell’ in: Artforum, New York, vol. 43, no. 9, June 1965, pp. 27-29
Ashton, Dore, ‘New Sculpture Fresh In Old Techniques’, in: Studio International, New York, vol. 169, no. 866, June 1965, p. 263
Coplans, John, ‘New Abstraction On The West Coast, USA’, in: Studio International, New York, vol. 169, no. 865, June 1965, pp. 192,199.
Rickey, George, ‘Scandale De Succes’, in: Art International, vol. 9, no. 4, May 1965, pp. 16-23
Hess, Thomas B, ‘You Can Hang It In The Wall’, in: Art News, New York, vol. 64, no. 2, April 1965, pp. 41-43, 49-50
Lippard, Lucy, ‘New York Letter’, in: Art International, vol. 9, no. 32, March 1965, p. 46
Judd, Donald, ‘Specific Objects’, in: Arts Yearbook, vol. 8, pp. 74-82

1964

Ashton, Dore, ‘Art’, in: Art and Architecture, vol. 81, no. 6, June 1964, pp. 9, 33
Tillim, Sidney, ‘In The Galleries’, in: Arts Magazine, vol. 38, no. 10, September 1964, pp. 62-63
Coplans, John, ‘Formal Art’, in: Artforum, New York, Summer 1964, pp. 42-43
Leider, Phillip, ‘The Cool School’, in: Artforum, New York, Summer 1964, p. 47
Coplans, John, ‘Circle of Styles on The West Coast’, in: Art in America, New York, vol. 52, no. 3, June 1964, pp. 24-41
Wolfe, Claire, ‘California Hard Edge Painting’, in: Artforum, New York, vol. 2, no. 11, May 1964, pp. 14-15
Factor, Donald, ‘Boxes’, in: Artforum, New York, vol. 2, no. 10, April 1964, pp. 20-23
Hopps, Walter, ‘Boxes’, in: Art International, vol. 8, no. 2, March 1964, p. 38-41
Danieli, Fidel, ‘Larry Bell, Ferus Gallery’, in: Artforum, New York, New York, vol. 2, no.7, January 1964, p. 41
Langsner, Jules, ‘New York from Los Angeles’, in: Art News, New York, vol. 62, no.9, January 1964, p. 50

1963

Coplans, John, ‘Three Los Angeles Artists’, in: Artforum, New York, vol. 1, no. 10, April 1963, pp. 29-31
Langsner, Jules. ‘America’s Second Art City’, in: Art In America, New York, vol. 51, no. 2, March-April 1963, pp. 127-131

1962

Langsner, Jules, ‘Los Angeles Letters’, in: Art International, Lugano, vol. 6, no. 7, September 1962, p. 50

Perez Art Museum PAMM
Pérez Art Museum Miami

Arte Concreto

A Different Corner, 2018 Painting Acrylic and graphite on raw hide over wood panel
A Different Corner, 2018

¿Qué es Arte Concreto?
«Arte concreto». El término se ha vuelto histórico, pero el contenido es tan relevante como lo fue a principios del siglo XX.»
Se ha denominado arte concreto a aquellas expresiones artísticas basadas en la línea, el punto, el color y el material como lenguaje; independiente de la reproducción de objetos reconocibles, es decir, del figurativismo; donde el énfasis está en la construcción de la obra en sí misma, en lugar de en su contenido o significado subjetivo.
Podría decirse que fue una evolución del arte geométrico que se había desarrollado en Europa, en el siglo XIX, influido por los avances en la geometría y la matemática.
La denominación “concreto” o “concretista” se consolida en Suiza, en el período de la posguerra (1945) por artistas que trabajaban en la corriente de la abstracción geométrica Nace como oposición al arte abstracto, desechando los vestigios simbólicos que este puede traer a causa de su origen en la abstracción de la representación del mundo.
Se desarrolla paralelamente con el informalismo. Con Richard Paul Lohse y Zdenek Sykora, se cultiva una pintura de abstracción geométrica, del tipo “borde duro”.
La relación entre abstracción y arte concreto queda patente en la exposición de la Galería René Drouin de París de 1945, ya que se trata de la primera exposición importante de arte abstracto, y su título fue precisamente “Art Concret”.

Richard Paul Lohse, 1949 Diffusion of two groups of colour

En este arte se excluye todo tipo de ilusionismo; allí los materiales son ellos mismos, no simulan nada, por lo tanto la obra y los elementos constitutivos se presentan tal cual son.

Zdenek Sykora (1988)
Con predominio de elementos geométricos sencillos (círculos, cuadrados, triángulos) y creación de tensiones, la expresión plástica se basa más en la línea y la superficie.
La forma tiene más importancia que el color.
El arte concreto intenta abandonar cualquier aspecto característico nacional o regional y se aleja de cualquier connotación lírica o simbólica; y, negando las corrientes artísticas subjetivistas, rechaza el sensualismo como expresión de sentimientos.
El objetivo del arte concreto es ser universalmente claro, producto no de la mente irracional, como mostraba el surrealismo, sino de la mente racional y consciente de un artista, libre del ilusionismo y de simbolismos. El arte concreto debe ser una entidad en sí más que un vehículo para ideas espirituales o políticas.
Por lo tanto, esta forma de expresión artística, debe ser libre de cualquier asociación simbólica con la realidad. Los artistas argumentan que las líneas y los colores son concretos por sí mismos y que la pintura concreta no tiene otro significado que ella misma.
El arte concreto trabaja con superficies, sonidos, silencios, encuadres escenográficos, crea un lenguaje autónomo, que no necesita mantener relación con los temas tradicionales o figurativistas.
El arte concreto es heredero de las investigaciones del grupo De Stijl (El estilo), de Piet Mondrian y Theo Van Doesburg, que busca la pureza y el rigor formal en el orden armónico del universo.

Piet Mondrian, 1927

Mondrian (1943)

Theo Van Doesburg lo describió como un movimiento artístico con fuerte énfasis en la abstracción; utilizando las formas geométricas y el análisis de los elementos plásticos, sin un modelo objetivo de estructura.
Y había señalado que, para ser universal, el arte debe abandonar la subjetividad y encontrar la inspiración impersonal únicamente en los elementos con los que se construye: línea, plano y color.
Ese mismo año funda un grupo llamado “Arte concreto”, junto con otros cuatro artistas: Heinz Mack, Yaacov Agam, Pol Bury y Jesús Rafael Soto.
Afirmaba que “lo concreto es la intencionalidad pictórica, visual, impactante, retórica, mientras que lo abstracto será todo aquello que rodeará los planos que se entrecruzarán entre espectadores y sus ojos recibirán aquello que el artista asumió en el momento de su realización, utilizando colores planos, donde predomina la forma sobre el color”.
Ya sea pintura, dibujo o multimedia, arte concreto es un tipo de arte que no depende de referencias visuales de la vida real, más bien utiliza formas, colores y líneas, de manera que pueden capturar un sentimiento o emoción en lugar de crear una semejanza literal.
El “Manifiesto del Arte Concreta” publicado en la primera y única edición de la revista Art Concret, lanzó las bases conceptuales de este movimiento. En el mismo declaraban:

  1. El arte es universal;
  2. La obra de arte debe estar completamente concebida y moldeada por la ejecución de espíritu. No recibe datos de la naturaleza formal, o sensualidad, o el sentimentalismo. Queremos excluir lirismo, dramatismo, simbolismo, etc.;
  3. La pantalla debe ser completamente construida con elementos puramente visuales, sus planos y colores. Un elemento pictórico no tiene sentido diferente de “sí mismo” en la pantalla la consecuencia es “él mismo”;
  4. La construcción de la pantalla, también controlable visualmente;
  5. La técnica debe ser mecánica, anti-impresionista;
  6. Esfuerzo de claridad absoluta.
    El arte concreto influyó en otros movimientos artísticos como el minimalismo y el arte cinético, y se considera una de las corrientes artísticas más importantes y originales del siglo XX.

Cuando en 1930, Theo Van Doesburg emite el manifiesto denominado “Arte
Concreto”, lo lanza en repuesta a la formación de la asociación “Cercle et Carré”.
Cercle et Carré o Círculo y Cuadrado, fue un movimiento artístico que se inicia en
París en 1929; fundado por Joaquín Torres García y Michell Seuphor, su objetivo era
promover la abstracción geométrica. Realizaron una exposición colectiva en la
Galería 23, en Paris (1930) con 43 artistas, entre los cuales figuraban Kandinsky,
Mondrian y Vantongerloo.
Surge la motivación de los artistas y se conforman tres movimientos que serían el
mencionado Cercle et Carré (1929); Art Concret (1930) y Abstraction Creation
(1931) unidos con el fin de proyectarse como una fuerza internacional, para así
enfrentar la hostilidad del público y plantear un debate estético al Surrealismo,
generalmente caracterizado por el constructivismo, con el que discrepan
frontalmente.
Realizan dos exposiciones que serán decisivas para la solidificación de estos
movimientos.

El término “arte concreto” es creado por Theo Van Doesburg en Europa, aunque
posteriormente fue adoptado por el movimiento que surgió en Brasil y Argentina en
la década de 1940.
Es importante destacar que el arte concreto en Brasil y Argentina tenía
características propias, distintas de las del movimiento original en Europa. Los
artistas sudamericanos se enfocaron en la creación de obras de arte concretas que
pudieran interactuar con el espectador y producir una experiencia espacial y
sensorial, además de utilizar materiales y técnicas locales en la producción de sus
obras, lo que les proporcionó una identidad propia dentro del movimiento. En
consecuencia, el arte concreto se convirtió en un movimiento importante en la
historia del arte latinoamericano del siglo XX.
No se puede soslayar el lugar significativo que tiene Theo Van Doesburg como uno
de los más importantes creadores del neoplasticismo. Es así que reviste importancia
hacer una breve semblanza de su vida y obra.
Nace en Utrecht, en 1883, como Christian Emil Marie Küpper; después, este
arquitecto, pintor y teórico de arte, adoptaría el seudónimo de Theo Van Doesburg.
Tras unos inicios figurativos se centró, influido por Kandisky, en una forma de
abstracción geométrica y gracias a su amistad con Mondrian, funda el grupo y la
revista “De Stijl” (“El Estilo”).
El movimiento, surgido en la segunda década del siglo XX, supuso un cambio
profundo en la manera de entender y realizar el arte en general, no solo en la
pintura, sino también en la escultura, la arquitectura, el diseño de muebles y el
diseño gráfico.
Colaboró también en proyectos arquitectónicos y escribió textos teóricos, tal como
Principios fundamentales de las nuevas artes plásticas, (1925), además de llevar a
cabo un importante papel de difusión de los principales centros artísticos.
Su posterior evolución lo convierte en punto de referencia clave para los grupos
abstractos de los años treinta y a él se debe el proyecto del grupo Abstracción-
Creación.

Theo Van Doesburg

Retrocediendo en la historia se puede encontrar que, en 1918, luego de la Primera
Guerra Mundial, surge el “Manifiesto Dadá”, o dadaísmo. El Dadaísmo declara la
intención de destruir todos los códigos y sistemas establecidos en el mundo del arte.
Se presenta como un movimiento antiartístico, antiliterario y antipoético, ya que
cuestiona la existencia del arte, la literatura y la poesía.
Ese mismo año, Theo van Doesburg y otros artistas y pintores, como Piet Mondrian,
se oponen y publican el “Manifiesto del Neoplasticismo, totalmente antagónico al
dadaísta, alegando que si los dadaístas querían destruir el arte, ellos querían su
renovación total.
El manifiesto señalaba que el arte resultante no debe ser referencial en la medida en
que sus componentes no deban referirse, o aludir a, las entidades que normalmente
se encuentran en el mundo natural y visible
Frente a la irracionalidad y el azar, oponían una razón ordenadora, capaz de crear un
estilo de formas simples y claras, caracterizado por el uso de colores primarios, que
fuese aplicable a todas las manifestaciones plásticas.

Es así como el empeño de Van Doesburg se enfoca en la defensa de una utopía, a la
vez racionalista y humanista, plasmada sobre todo en sus proyectos de decoración de
interiores, en los que se integraban pintura y arquitectura.
En 1924, se publica los “Principios de Arte Neoplástico”, en la Bauhaus; esta es una
institución antiacadémica y un centro pedagógico y experimental de las artes,
considerada como la primera escuela de diseño del mundo, que funda las bases para
el diseño moderno.

Ese mismo año Van Doesburg dio diversas conferencias en Europa y se rebeló
contra la insistencia programática de Mondrian en la utilización exclusiva de líneas
verticales y horizontales. Es así que realiza su primera “Contraposición”, en donde
introduce las diagonales y da comienzo a una nueva dirección del neoplasticismo,
que se conoce como elementarismo.

Composición en gris

Counter composition XIII (1926)

Mondrian consideraría prácticamente “una herejía” esta actitud de Van Doesburg y
éste se distancia del grupo De Stijl. Gracias a ello se convierte, a principios de los
años treinta, en la fuerza impulsora del nuevo grupo abstracto parisino llamado
Abstracción-Creación.
Theo Van Doesburg llevó a cabo proyectos de decoración de interiores,
generalmente en colaboración con otros artistas, en donde las continuidades o
también las rupturas cromáticas modulan los espacios y los intensifican, para así
integrarlos en una unidad color-arquitectura indisociable en lo visual.
En 1923 realizó, entre otros proyectos, el vestíbulo de la Universidad de Amsterdam.
En 1928, la decoración para el Café L’Aubette de Estrasburgo, realizada con la
colaboración de Hans Arp y Sophie Täuber.

Café L’Aubette

Allí concibió la articulación de paredes y techos a través de grandes bajorrelieves,
resaltando un estupendo juego de diagonales, que promovía enlaces entre las
distintas superficies; de este modo logra establecer una continuidad entre los
diversos espacios de las salas.

El trabajo de Van Doesburg se extendió durante los años treinta a partir de la obra
del grupo De Stijl, en torno al pintor suizo Max Bill (1908-1994) y de los futuristas
y Kandisky.
Otro de los grandes impulsores del arte concreto fue Max Bill (1908-1994); un
arquitecto, pintor, escultor, diseñador gráfico, tipográfico e industrial, publicista y
educador suizo. Estudió en la Escuela Superior de las Artes de Zurich y en la
Bauhaus de Dessau. Fue el primer rector de la escuela HfG de Ulm y formó parte del
grupo Abstraction-Création desde 1932 hasta 1937.
La obra e ideas de Max Bill tuvieron trascendencia, al punto que organizó la primera
exposición internacional (1944), y dio sus frutos en el norte de Italia, Francia y en
Colombia, en los años 1940 y 1950; a través de la obra de grupos como
“Movimiento d’arte concreta” (MAC) y “Espace”. También fue llevado a la práctica
por el grupo “ Abstraction-Création ” y, en años posteriores, en Uruguay y en
México.

Max Bill. Radazione Duplicate (1921)

Otros artistas de esta tendencia fueron Naum Gabo (1890-1977) y Auguste Herbin
(1882-1960).

Naum Gabo Pintura Madí A-3, 1946-

Auguste Herbin Composición (1940)

Entre las características generales del Art Concret están:

  • Rechazo de toda relación con lo natural, lo objetivo y lo simbólico.
  • Utiliza la representación de ideas abstractas en una nueva realidad de carácter
    universal y constante.
  • La expresión plástica se basa, principalmente, en la línea y la superficie,
    relegando al color a un segundo plano.
  • Empleo de elementos geométricos sencillos (círculos, cuadrados, triángulos) y
    creación de tensiones.
  • La forma tiene más importancia que el color.
  • Composiciones geométricas formando estructuras que recuerdan construcciones o
    arquitecturas.
  • Emplea colores planos creando efectos cromáticos de espacio y vibración
    plástica.
    En otras palabras, el arte concreto es una modalidad de la abstracción que, mediante
    el empleo de formas geométricas y el análisis de los elementos plásticos, descarta
    toda referencia a un modelo, a la vez que se propone desarrollar un sistema objetivo
    de composición.
    En él, la expresión plástica se basa, principalmente, en la línea y la superficie,
    relegando al color a un segundo plano. Empleo de elementos geométricos sencillos
    (círculos, cuadrados, triángulos) y creación de tensiones. La forma tiene más
    importancia que el color.
    “La obra de arte no debe recibir nada procedente de las propiedades formales de la
    naturaleza o de la sensualidad o sentimentalismo, puesto que un elemento pictórico
    no tiene más significado que él mismo, y, por lo tanto, el cuadro no tiene otro
    significado diferente”.(Van Doesburg)

ART CONCRET (Max Bill)

En este arte se excluye todo tipo de ilusionismo; la obra y los elementos de los que
consta se presentan estrictamente en cuanto a lo que son, sin cualidades virtuales.
Los materiales no simulan nada que no sean ellos mismos. El eslogan “materiales
reales, espacio real” se emplea con frecuencia en relación a esta forma artística.
En resumidas cuentas, en palabras de unos de los artistas destacados de este
apartado, Max Bill, sostiene que “la pintura concreta elimina toda presentación
naturalista, aprovecha los elementos fundamentales de la pintura, el color y la forma
de la superficie”. Es decir, su esencia es la libertad de cualquier modelo natural: la
pura creación.
A la muerte de Van Doesburg, acaecida en 1931, sus ideas son retomadas a finales
de los años 30 por los artistas suizos: Max Bill y Jean Arp, quienes publican varias
obras y realizan importantes exposiciones de pintura, escultura y artes aplicadas.

Max Bill

Jean Arp

Algunas diferencias entre Arte Concreto y Arte Abstracto.
En un sentido general, el «arte abstracto» con frecuencia incluye la «abstracción de
formas en la naturaleza», pero el «arte concreto» dimana directamente de la mente
«y, por consiguiente, es más» cerebral «que el arte abstracto en general,
El arte concreto a menudo está compuesto de características visuales básicas como
planos, colores y formas.
El sentimiento tiende a estar ausente del arte concreto La mano del artista puede ser
difícil de detectar en obras de arte concreto.
El arte concreto puede parecer, en algunos casos, haber sido realizado por una
máquina.
El arte concreto a menudo tiene una referencia visual fundamental a la geometría,
mientras que el arte abstracto, más general, puede encontrar su base en
componentes del mundo natural.
Según el manifiesto de Theo Van Doesburg: “el arte concreto no debe recibir nada
de la naturaleza, propiedades formales o de la sensualidad o el sentimentalismo.
Queremos excluir el lirismo, el dramatismo, el simbolismo, etc”. “En el arte
concreto, una ecuación matemática puede servir como punto de partida. El arte
concreto puede incluir pintura y escultura”.
La pintura debe estar completamente construida con elementos puramente plásticos,
es decir, superficies y colores. Un elemento pictórico no tiene ningún significado
más allá de «sí mismo»; como consecuencia, una pintura no tiene otro significado
que no sea “sí mismo”.
La construcción de una pintura, así como la de sus elementos, debe ser simple y
visualmente controlable.
La técnica de pintura debe ser mecánica, es decir, exacta, antiimpresionista.
Un esfuerzo hacia la claridad absoluta es obligatorio.

Algunas citas
Theo van Doesburg: “La obra de arte debe estar Totalmente diseñada en la mente
antes de ejecutarse. No debe contener nada de las condiciones formales de la
naturaleza, los sentidos y los sentimientos. Queremos desactivar el lirismo, el
drama, simbolismo, etc. La imagen debe Construirse exclusivamente de elementos
plásticos, a partir de superficies y colores. Un elemento de imagen no tiene otro
significado que él mismo”.
“El color es la sustancia básica de la pintura; sólo significa en sí mismo. Pintar es un
medio para realizar visualmente la idea: cada imagen es un pensamiento en color.
Antes de que el trabajo se traduzca en materia, está completamente en conciencia.
Es necesario que la realización tenga una perfección técnica igual a la del diseño
intelectual. Trabajamos con las magnitudes de las matemáticas (euclidianas o no
euclidianas) y la ciencia, es decir, con los medios del pensamiento”. «La pintura es
un medio para realizar visualmente la idea».
Richard Paul Lohse: “El número reemplaza al individuo, los temas asumen la
función expresiva del elemento” “La tarea crucial es activar el proceso lógico-
sistemático de tal manera que emerja una formulación artística dinámica y los
principios de orden emergen como un medio para clasificar esta intención”.
Y refiriéndose al objetivo del arte concreto, Max Bill formula, en 1949, en su
introducción al catálogo de la exposición Arte concreto de Zurich:
«… el objetivo del arte concreto es desarrollar objetos para uso intelectual, así como
el hombre crea objetos para el uso material. El arte concreto en su consecuencia
final es la expresión pura de la medida armónica y la ley. Organiza sistemas y da
vida a estas reglas con medios artísticos «.
Bases de la Pintura Concreta, antecedentes teóricos
En 1930, en el primer número de Cercle et Carré, Michel Seuphor definió el papel
del artista abstracto. Se señalaba que éste debía “establecerse, sobre los cimientos de
un arte simple, severo y sin adornos.

El historiador del arte Werner Haftmann indaga la trayectoria y la propuesta de
Seuphor y la vincula a la síntesis del constructivismo ruso y el neoplasticismo
holandés en la Bauhaus, donde la pintura abandonó la artificialidad de la
representación de autenticidad tecnológica y se mezcló con la arquitectura y la
ingeniería.
Algunos artistas como Victor Vasarély, Jean Dewasne, Mario Negro y Richard
Mortensen, sólo llegaron a la pintura después de estudiar ciencias. Sin embargo,
todos los avances teóricos buscan la justificación en la práctica pasada, y en este
caso las proporciones matemáticas expresadas en forma abstracta deben identificarse
en las varias formas de arte utilizadas durante milenios. Es por eso que Hartmann
sostenía que “la eliminación de las imágenes representativas y el uso abierto de la
geometría pura no significaban un rechazo radical y definitivo del gran arte del
pasado”.
Theo Van Doesburg proclamó el concepto de Arte Concreto en 1924, y en 1930 fue
introducido en el programa ese mismo año por el grupo de arte Art concret. Se
preveía que, en el caso ideal, el arte puramente concreto debería basarse en
parámetros puramente matemáticos y geométricos.
El arte concreto no es abstracto en el sentido literal de la palabra, ya que no abstrae
la realidad material, sino que materializa los principios espirituales ideales.
Asimismo concreto no tiene ningún significado simbólico propio; más bien, genera
construcciones puramente geométricas y especulativas para el maestro.
El artista y escultor suizo Max Bill, se expresó en 1949 de la siguiente manera: “El
arte concreto se impone la tarea de crear valores espirituales que estén listos para ser
consumidos de la misma manera que una persona crea objetos materiales. Las obras
de arte concreto en su etapa final de desempeño son el estándar más puro de medida
y orden de armonía. Organiza sistemas y utiliza medios artísticos para dar vida a
este orden”.
El arte concreto difiere del abstraccionismo y del constructivismo principalmente
porque se desarrolla al estudiar las leyes de las matemáticas y el pensamiento
científico (en primer lugar, la armonía de las figuras geométricas), concentrándose

en la interacción de la forma y el color en el dibujo y en los estudios de las
posibilidades. de transferencia de color.
De acuerdo con las ideas de los artistas de esta dirección, la obra de arte primero
tiene que «madurar» por completo en la imaginación del maestro, y solo entonces se
traslada al lienzo.
No puede tener influencia de la naturaleza, los sentimientos o la razón; los
acontecimientos momentáneos o el simbolismo, no deben afectar el proceso de
creación.
La imagen debe ser creada únicamente a partir de elementos plásticos formales y
ninguno de estos elementos de la imagen debe tener un significado independiente.
Cómo se fue desarrollando y difundiendo el Arte Concreto
Algunos de los integrantes del grupo Abstraction-Création, que reunía todas las
tendencias modernistas, llevaron la idea del arte de inspiración matemática y el
término «Arte Concreto» a otros países cuando se mudaron a otros lugares. Figura
importante es Joaquín Torres García, uruguayo, creador del universalismo
constructivo y del Taller Torres García, uno de los principales movimientos
artísticos de su país. quien regresó a Sudamérica en 1934 y fue mentor de artistas.
Algunos de ellos fundaron el grupo Arte Concreto Invención en Buenos Aires en
1945.
Otro fue el diseñador Max Bill, que había estudiado en la Bauhaus en 1927-1929.
Después de regresar a Suiza, ayudó a organizar el grupo Allianz para defender los
ideales del arte concreto. En 1944 organizó la primera exposición internacional en
Basilea y al mismo tiempo fundó abstract-konkret, el boletín mensual de la Gallerie
des Eaux Vives en Zurich.
En 1951, Groupe Espace se fundó en Francia para armonizar la pintura, la escultura
y la arquitectura como una sola disciplina. Esto reunió a escultores y arquitectos con
artistas antiguos como Sonia Delaunay y Jean Gorin y los recién emergentes Jean
Dewasne y Victor Vasarély. Su manifiesto se publicó en L’Architecture
d’Aujourd’hui ese año y se colocó en las calles de París, defendiendo la presencia

fundamental de las artes plásticas en todos los aspectos de la vida para el desarrollo
armonioso de todas las actividades humanas. Se extendió al lado de la política
práctica, habiendo elegido como presidente honorario al Ministro de Reconstrucción
y Desarrollo Urbano, Eugène Claudius-Petit.
El arte concreto, a través del tiempo se fue distanciando y marcando diferencias
entre arte geométrico y abstracción, surgiendo el arte óptico, arte programático y
arte cinético. Asimismo amplió su influencia hacia la escultura y la fotografía.
La justificación de esto fue teorizada en América del Sur en el Manifiesto Neo-
Concreto de 1959, escrito por un grupo de artistas en Río de Janeiro que incluía a
Lygia Clark, Hélio Oiticica y Lygia Pape.
Lygia Clark fue una artista brasileña, cofundadora del Movimiento Neoconcreto,
comprometida con redefinir la relación entre el arte y el ser humano a nivel
conceptual y sensorial. Realizó pinturas, esculturas, instalaciones y acciones
sensoriales vinculadas al arte y a la psicoterapia.
Junto con Hélio Oiticica funda el Movimiento Neoconcreto, que promulgaba un arte subjetivo y orgánico, donde el espectador tenía un rol fundamental manipulando objetos móviles tridimensionales y modificando su apariencia. Se proponían abolir el rol tradicional del objeto frente al espectador contemplativo, lo que sería el inicio de su trabajo posterior orientado como apoyo terapéutico al psicoanálisis.
En 1969 participó en un simposio de arte sensorial en Los Ángeles. En 1972 fue invitada a impartir un curso sobre comunicación gestual en La Sorbona. Sus clases eran experiencias colectivas que manipulaban los sentidos. Trabajaba con grandes grupos de estudiantes, con los que buscaba por medio de ejercicios la liberación a través de la expresión.
La propuesta consistía en revivir experiencias grabadas a nivel sensorial de las primeras etapas de la vida, despertando a través de los objetos la energía sensorial voluntariamente reprimida. Utilizando los objetos como herramienta de autoconocimiento y comunicación interpersonal. La textura, temperatura, peso y sonoridad de los objetos en el uso guiado por la artista, provocaba en cada participante diferentes conexiones internas.

Los últimos años los dedicó a este tipo de terapia y su trabajo en el área del psicoanálisis es invaluable.
Son numerosas las exposiciones de su obra así como las experiencias sensoriales que se continúan realizando a través de su legado. En 2014 el MoMA realizó una gran exposición retrospectiva de su obra y en 2020 el Museo Guggenheim Bilbao organizó una exhibición sobre su trabajo entre 1948-1958.

Lista de algunos de los artistas más destacados y no destacados que trabajaron el
arte concreto en Argentina:
Alfredo Hlito
Tomás Maldonado
Raúl Lozza
Juan Melé
Lidy Prati
Enio Iommi
Claudio Girola
Virgilio Villalba
Antonio Fernández
Muro
Martha Boto
Gyula Kosice
Julio Le Parc
Gregorio Vardanega
Kenneth Kemble
Ricardo Carpani
Juan Carlos Distéfano
Osvaldo Borda
Francisco Sobrino
Miguel Ángel Vidal
Eduardo Mac Entyre
Eduardo Jonquières
Alberto Molenberg
Matilde Marín
Pablo Suárez
Rubén Santantonín
Ary Brizzi
Josefina Miguens
Rosa Skific
Martín Blaszko
Anatole Jakovsky
Rogelio Polesello
Luis Tomasello
Martha Peluffo
Marta Minujín
Alfredo Portillos
León Ferrari
Ernesto Deira
Kenneth Noland
Guillermo Kuitca
Norberto Gómez
Horacio García Rossi
Eduardo Stupía
Rogelio Polesello
Pablo Siquier
Tulio de Sagastizábal
Enio Iommi
Remo Bianchedi
Guillermo Roux
Rubén Naranjo
Elsa Soibelman
Eduardo Rodríguez
Juan Batlle Planas
Marta Chilindron
Diego Bianchi
Miguel Ángel Ríos
Fabián Marcaccio

Trabajaron con una variedad de medios, desde la pintura y la escultura hasta la instalación y el arte cinético. Muchos de ellos también estuvieron involucrados en la formación de grupos y colectivos de arte, como el Grupo de Arte Moderno de

Buenos Aires (GAMBA) y el Grupo de Arte Concreto-Invención, que jugaron un papel fundamental en la promoción y el desarrollo del arte concreto en Argentina y en toda América Latina.
También en Brasil hubo destacada actuación de los artistas en el arte concreto, entre los principales se encuentran:
Lygia Clark
Hélio Oiticica
Lygia Pape
Geraldo de Barros
Waldemar Cordeiro
Hermelindo Fiaminghi
Willys de Castro
Almir Mavignier
Ivan Serpa
Sérgio Camargo
Lothar Charoux
Amilcar de Castro
Abraham Palatnik
Franz Weissmann
Judith Lauand
Luiz Sacilotto
Carlos Cruz-Diez
Mira Schendel
Tomie Ohtake
Kazmer Féjer
Carlos Fajardo
Regina Silveira
César Paternosto
José Resende
Tunga
Eduardo Sued
Leon Ferrari
Anna Bella Geiger
Antônio Dias
Gego
José Roberto Aguilar
Carlos Zilio
Iole de Freitas
Waltercio Caldas
José Bechara
Artur Lescher
Julio Le Parc
Carmela Gross
Sergio Lucena
Raymundo Colares
Paulo Monteiro
Carlos Vergara
Paulo Roberto Leal
Fábio Miguez
Décio Vieira

Lista de artistas destacados y no destacados que trabajaron en el arte concreto en Europa:

Max Bill (Suiza)
Georges Vantongerloo (Bélgica)
Josef Albers (Alemania)
Hans Arp (Alemania)
Richard Paul Lohse (Suiza)
Camille Graeser (Suiza)
Victor Vasarely (Hungría/Francia)
Auguste Herbin (Francia)
Sophie Taeuber-Arp (Suiza)
Piet Mondrian (Países Bajos)
Theo van Doesburg (Países Bajos)
Michel Seuphor (Bélgica)
François Morellet (Francia)
Vera Molnar (Hungría/Francia)
Julio Le Parc (Argentina/Francia)


Gruppo T (Italia)
Giovanni Anceschi
Davide Boriani
Gianni Colombo
Gabriele De Vecchi
Grazia Varisco

Gruppo N (Italia)
Ennio Chiggio
Alberto Biasi
Toni Costa
Edoardo Landi
Manfredo Massironi

Gruppo Zero (Alemania/Italia)
Heinz Mack
Otto Piene
Günther Uecker
Lucio FontanaYves Klein

Gruppo Enne (Italia)
Enrico Castellani
Agostino Bonalumi
Piero Manzoni
Dadamaino
Grazia Varisco

Gruppo 7 (Países Bajos)
Willem Hussem
Jan Henderikse Armando
Henk Peeters
Jan Schoonhoven


Hay que tener en cuenta que estas listas no son absolutas y que hay muchos otros artistas que han participado y aún participan en el trabajo del arte concreto en el mundo. Cada uno de ellos ha hecho una contribución significativa al movimiento, ya sea a través de su responsabilidad individual, su participación en colectivos o su trabajo en proyectos colaborativos

Artistas Del Arte concreto

Perez Art Museum PAMM
Pérez Art Museum Miami
Page 90 of 174
1 88 89 90 91 92 174
- Advertisement -

Read our latest edition and order a hard copy below, click on the cover

Miami Art

Stella Sarmiento Jewelry, cuban link chain
Miami Art

Recent Posts