The Brilliant Brushstrokes of Hércules Barsotti: A Journey into Brazilian Expressionism
In the vivid tapestry of Brazilian art, the name Hércules Barsotti stands out as a beacon of expressive brilliance. Born in 1914 in the city of Campinas, São Paulo, Barsotti’s artistic journey took him from the depths of poverty to the pinnacles of artistic acclaim, leaving an indelible mark on the nation’s cultural landscape.
Barsotti’s early years were marked by hardship, as he grew up in a family of meager means. However, this adversity only fueled his creative fire, and he found solace in the act of painting, turning the canvas into a sanctuary where he could escape the harsh realities of life. His first forays into art were self-taught, as he experimented with various techniques and mediums, honing his skills with an unwavering determination.
It was during the 1940s that Barsotti’s unique style began to take shape, influenced by the vibrant colors and bold strokes of the Expressionist movement. He developed a distinct approach to painting, one that rejected the constraints of traditional representation in favor of a more visceral and emotive expression. His canvases became fields of intense energy, where figures and landscapes seemed to pulsate with raw emotion.
Barsotti’s works were not merely visual spectacles; they were portals into the depths of the human condition. His brushstrokes conveyed a remarkable range of emotions, from the anguish of existential turmoil to the ecstasy of spiritual transcendence. Each painting was a symphony of color and movement, inviting viewers to immerse themselves in the artist’s psyche and experience the world through his unique lens.
One of Barsotti’s most renowned series, “Brasílias,” exemplifies his mastery of expressionist techniques. In these works, the artist captured the essence of Brazil’s capital city, Brasília, with its bold architectural forms and vibrant energy. The canvases burst with a kaleidoscope of hues, depicting the city as a living, breathing entity, pulsing with the rhythm of modernity and progress.
Beyond his artistic achievements, Barsotti’s legacy extends to his role as an educator and mentor. He dedicated himself to nurturing the next generation of Brazilian artists, sharing his knowledge and passion with students at the renowned University of Brasília. His influence can be traced in the works of countless contemporary artists who have been inspired by his bold vision and unwavering commitment to artistic expression.
Today, Hércules Barsotti’s paintings adorn the walls of prestigious museums and private collections around the world, serving as a testament to the enduring power of Brazilian expressionism. His canvases continue to captivate audiences, inviting them to explore the depths of human emotion and experience the world through the eyes of a true master. In the annals of Brazilian art, Barsotti’s name shines as a beacon of creativity, passion, and the unwavering pursuit of artistic truth.
The Neo-Concrete Movement (1959–61) was a Brazilian art movement, a group that splintered off from the larger Concrete Art movement prevalent in Latin America and in other parts of the world. The Neo-Concretes emerged from Rio de Janeiro’s Grupo Frente. They rejected the pure rationalist approach of concrete art and embraced a more phenomenological and less scientific art. Ferreira Gullar inspired Neo-Concrete philosophy through his essay “Theory of the Non-Object” (1959) and wrote the “Neo-Concrete Manifesto” (1959) which outlines what Neo-Concrete art should be. Lygia Clark, Hélio Oiticica, and Lygia Pape were among the primary leaders of this movement.
The Neo-Concrete Manifesto and the push against Concretism
Brazilian poet and writer Ferreira Gullar wrote the Neo-Concrete Manifesto in 1959 and described a work of art as “something which amounts to more than the sum of its constituent elements; something which analysis may break down into various elements but which can only be understood phenomenologically.”
In contrast to the Concrete Art movement, Gullar was calling for an art that was not based upon rationalism or in pursuit of pure form. He sought works of art that became active once the viewer was involved. Neo-concrete art must disassemble the limitations of the object and “express complex human realities.”
While Concretism built its art upon the basis of logic and objective knowledge with color, space, and form conveying universalism and objectivity, the Neo-Concrete artists saw colors, space, and form as “not [belonging] to this or that artistic language, but to the living and indeterminate experience of man.”
Though Neo-Concrete Art still maintained Concretism as the foundation for their ideas, Neo-Concretists believed objectivity and mathematical principles alone could not accomplish the Concretist goal of creating a transcendental visual language.
Neo-Concretists believed that artworks were not simply static representations or forms; rather “art should be like living organisms”
In Lygia Clark’s theoretical statement written to address the intentions of the Neo-Concrete artists, she explains that as artists they wish to “found a new, expressive ‘space’.”
This movement believed that through a direct relationship between the artwork and the viewer this “new, expressive ‘space’” could be constructed.
Neo-Concrete artists sought to create a multi-sensorial space which caused the spectator to feel more acutely their own body and existence.
Clark also wrote of how Neo-Concretism sought to decipher the nature of humanity by creating a “medium of expression” which allowed people to “become aware of unity as an organic, living whole.” It was not just restoring an awareness of the spectator’s body but also of humanity’s communal existence.
The first Neo-Concrete Exhibition was held in Rio de Janeiro in March 1959, and the exhibiting artists were Amilcar de Castro, Ferreira Gullar, Franz Weissmann, Lygia Clark, Lygia Pape, Reynaldo Jardim, and Theon Spanudis.
Hércules Barsotti, 1914 – 2010, São Paulo
Hércules Barsotti
“When I touch one color to another, I realize the relationship between them; at that moment, it is my eye and not my head that decides.” (Hercules Barsotti)
Gradual Affinity I – 1970
Barsotti’s compositions fascinate firstly because of the optical experience that the colors suggest, and then they invite us to reflect. The artist explores the color and dynamism that each one offers, creating an illusion of three-dimensionality from geometric shapes such as diamonds, pentagons and circles. At the invitation of Ferreira Gullar, he became part of the Neoconcreto Group in Rio de Janeiro, and in 2004 the São Paulo Museum of Modern Art organized a retrospective of his works celebrating its 90th anniversary.
Lygia Clark (1920 – 1988), Minas Gerais
Lygia Clark: “dumb thought” – 1971
Pseudonym for Lygia Pimentel Lins, Lygia Clark, when establishing that “art is your act”, founded participatory, interactive and shared art, exchanging paintings for the experience with three-dimensional objects. In her innovative works, she encourages the viewer to participate in the work through sensory experiences, changing the configuration and resulting in a shared work.
animals, 1965
She dedicates herself to the therapeutic art, because by participating in the works, it is possible to open the way to the unconscious and reach the primitive interior, the self, resulting in a revealing self-knowledge, therefore, liberating.
Hélio Oiticica (1937–1980), Rio de Janeiro
The works of Hélio Oiticica, a performance artist, painter and sculptor, range from theoretical-artistic elaborations with the presence of texts, comments and poems, to experiments that require the participation of the public, as Lygia Clark did.
It makes the observer an integral part of his work, acquiring a new dimension and creating the concept of “suprassensory, which proposes experiences with the spectator’s sensorial capacity and dilating it, as well as hallucinogenic drugs.
According to Oiticica, the suprasensorial would lead the individual “to the discovery of his inner creative center, of his dormant expressive spontaneity, conditioned to everyday life”.
Tropicália
Décio Vieira, (1922-1988), Rio de Janeiro
Decio Vieira next to Volpi and Dulce Holzmeister
Décio Vieira participates, in the 1950s, in Grupo Frente, made up of artists with constructive-geometric tendencies. At that time, he articulated space through variations of shapes and colors and distortions of perspective, as in Espaço Constructed, 1954.
In his paintings, he reconciles the geometric construction with the research of chromatic nuances and the use of sfumato, thus creating a game between the definite and the indefinite.
Ivan Serpa (1923–1973), Rio de Janeiro
He was a painter, drawer, teacher, and Brazilian engraver. Since the beginning of his career, Ivan Serpa’s work has oscillated between figurative art and concrete art.
Ivan Serpa (1965) -wikipedia
Between the late 1950s and early 1960s, his work took on new contours, starting to incorporate less determined elements such as gestures, stains and splashes of paint.
In 1960, influenced by children’s drawing, he built images between abstraction and figurative. At that time, he worked as a book restorer at the National Library of Brazil, a work that served as inspiration for the “Anóbios” series, made between 1961 and 1962.
From 1963 onwards, his interest in figuration intensified, producing works such as the Black Series and the Bichos and Mulheres com Bichos series. Some works incorporated lettering and the overlapping of geometric shapes. The production was exhibited in important exhibitions, such as Opinião 65, Opinião 66 and Nova Objetividade Brasileira.
In 1967 he started the Erotic Op series, which marked his return to constructive language. Interested in op art, he returned to geometric construction and well-defined elements, having developed other series with this characteristic, such as Mangueira and Amazônicas.
These works led him to the Arcas, furniture with white shapes inside which, in turn, gave rise to the Geomantic paintings, starting in 1969. He worked on these paintings until 1973, when he died, aged just 49.
La comediante Aida Rodríguez presenta el libro “Hija legítim
La comediante Aida Rodríguez presenta el libro “Hija legítima”
La comediante de origen dominicano y puertorriqueño Aida Rodríguez es una estrella del stand up comedy y está presentando su primer libro, “Hija legítima”, publicado por la editorial Harper Collins Español. En el libro Aida, también conocida como Funny Aida, hace un inspirador y entretenido relato de su vida, que mezcla sinsabores y notables triunfos. La comediante y escritora dice que en la publicación cuenta “cómo encontrar el triunfo en las palabras, la victoria en la risa y el amor a través de todo”. En “Hija legítima”, Aida también aborda temas que afectan a las mujeres inmigrantes y a las personas, en general, como la misoginia y el racismo. La artista se codea con nombres como Jamie Foxx y las cadenas HBO y NBC, y ha sido destacada por el diario The New York Times. “Aida es una potencia latina feroz y una brillante y divertida contadora de historias”, ha comentado su colega John Leguizamo. “Hija legítima” es un divertido y conmovedor libro de memorias basado en un ensayo de la comediante Aida Rodríguez sobre el poder de superar las dificultades y transformar el dolor en risa. Aida Rodríguez ha vivido, por decir poco, una vida de torbellino. La historia de cómo pasó de la pobreza a la opulencia es alucinante. Nacida con un maravilloso ingenio y un espíritu irrefrenable, Aida ha utilizado su talento y ha trabajado sin descanso para convertir la tragedia y el dolor en una comedia mordaz que abarca todo, desde la misoginia y el racismo hasta las redes sociales y los titulares de prensa. Con el tiempo, lanzó un exitoso especial en HBO Max que la llevó a múltiples acuerdos de desarrollo, un logro que le ganó una audiencia nacional, le abrió puertas y la ayudó a expandir la forma en que los latinos están representados en la comedia.
Primera foto credito: Victor Guido. Segunda foto creditos: Sandra Hernández Mirrora
LODO Gallery Ya tenemos ganadora⚡️, tenemos ganadora de nuestra convocatoria, les presentamos a la fotógrafa Sandra Hernández ( @vita_flumen ) Ella es méxico canadiense y cuenta con una prolífica carrera en arquitectura. La fotografía de Sandra se centra en la vida urbana, así como en la relación del ser humano con el entorno y las narrativas que surgen entre ellos.
Primera foto credito: Victor Guido. Segunda foto creditos: Sandra Hernández Mirrora
Echen ojo a este artículo acerca de la LODO Gallery de París, donde en enero tendrá lugar mi próxima exposición individual.
Felicidades a la estupenda Loredana Dall’Amico por esta iniciativa de dedicar su galería a la fotografía latinoamericana.
(Mil gracias por las fotos, Lourdes Almeida.)
Sandra Hernández Mirrora
¿Quién soy? ¿Adónde voy? Son preguntas que nos asaltan en diferentes momentos de nuestra vida. Partiendo de la Ley del espejo acuñada por el siquiatra y sicólogo suizo Carl Gustav Jung, que postula que la manera en la que percibimos el exterior es un reflejo de nuestro interior, busco experimentar con la inserción de este personaje ficticio sin rostro y con cabeza de espejos en escenas cotidianas y fotografiar el resultado. Durante el desarrollo de las primeras exploraciones surgieron nuevas reflexiones que incorporaron al proyecto dos conceptos que van de la mano: la [crisis de] identidad y la otredad, entendida como aquella capacidad de tomar consciencia de la individualidad propia mirándose desde una perspectiva ajena a uno mismo. Los otros, ese espejo.
Sandra Hernández (Vita Flumen)
Vita Flumen es fotógrafa mexicocanadiense embajadora de Fujifilm. Con una prolífica carrera en arquitectura, la fotografía de Sandra se centra en la vida urbana, así como en la relación del ser humano con el entorno y las narrativas que surgen entre ellos. Su pasión por estos temas la ha llevado a editar el primer libro sobre fotografía callejera en la historia de México: Antología de fotografía de calle mexicana. Es fundadora de Observadores Urbanos: una plataforma dedicada a difundir y promover la fotografía callejera iberoamericana. Es miembro de las comunidades de Women Street Photographers, Women in Street, Women Photograph y The Raw Society, y este año ha sido seleccionada para formar parte de la generación 2023 del Eddie Adams Workshop.
El trabajo de Sandra, tanto fotográfico como escrito, ha sido publicado y presentado a nivel local e internacional en medios como Forbes México, La Vanguardia, Radio UNAM, Revista Cuartoscuro, Revista Gatopardo, TV78 de Francia, y Revue Épic. Ha participado en más de cuarenta exposiciones individuales y colectivas en cuatro continentes y ha recibido premios y menciones honoríficas en concursos de fotografía internacionales. Desde 2017, Sandra es fotógrafa oficial de La Carrera Panamericana.
Sandra Hernández (Vita Flumen)
Vita Flumen is a Mexican-Canadian photographer and Fujifilm ambassador. With a prolific career in architecture, Sandra’s photography focuses on urban life, as well as the relationship between humans and their environment, and the narratives that emerge between them. Her passion for these subjects has led her to edit the first book on street photography in the history of Mexico: “Antología de fotografía de calle mexicana” (Anthology of Mexican Street Photography). She is the founder of Observadores Urbanos: a platform dedicated to disseminating and promoting Ibero-American street photography. She is a member of communities like Women Street Photographers, Women in Street, Women Photograph, and The Raw Society. This year, she has been selected to be part of the 2023 generation of the Eddie Adams Workshop.
Sandra’s work, both in photography and writing, has been published and presented locally and internationally in media such as Forbes Mexico, La Vanguardia, Radio UNAM, Revista Cuartoscuro, Revista Gatopardo, TV78 in France, and Revue Épic. She has participated in more than forty individual and collective exhibitions across four continents and has received awards and honorary mentions in international photography competitions. Since 2017, Sandra has been the official photographer of La Carrera Panamericana.
Waldo Díaz-Balart: El Maestro de la Geometría Esencial
Mi trabajo se desarrolla sistemáticamente a través de series, al comienzo de las cuales, mi actividad es inconsciente y compulsiva.
Waldo Balart
Waldo Díaz-Balart y Gutiérrez (nacido el 10 de febrero de 1931) es un pintor y escultor cubano que reside actualmente en Madrid, España.
En el vibrante universo del arte abstracto cubano, el nombre de Waldo Balart (1944) brilla con luz propia. Este insigne artista habanero es reconocido como uno de los máximos exponentes de la abstracción geométrica en la isla, habiendo forjado un lenguaje plástico único y trascendental.
La obra de Balart se distingue por su exquisita síntesis formal, donde las formas geométricas esenciales como cuadrados y rectángulos se conjugan en composiciones de una armonía casi matemática. Sus lienzos irradian una belleza austera y minimalista, en la que cada elemento se encuentra cuidadosamente calculado y dispuesto con una precisión milimétrica.
Sin embargo, lejos de resultar frías o impersonales, las creaciones de este maestro cubano rebosan de una vibrante energía interior. Los colores puros y planos, aplicados con pinceladas seguras, contrastan y se tensan en un diálogo visual cautivante. Rojo, azul, amarillo, negro y blanco se entrelazan en un baile geométrico que atrapa la mirada del espectador.
Balart forma parte de la emblemática “Generación del 60” o “Generación de la Ruptura”, un movimiento que revolucionó las artes plásticas cubanas al introducir nuevas corrientes vanguardistas. Junto a figuras como Loló Soldevilla, Hugo Consuegra y José Ángel Toirac, el artista contribuyó a forjar un lenguaje renovador que rompió con los cánones tradicionales.
Una de las mayores virtudes de Waldo Balart radica en su capacidad para sintetizar lo esencial en sus composiciones. Cada obra es un ejercicio de depuración formal, donde cada forma, color y línea cumplen una función precisa dentro del todo. Esta búsqueda de la pureza geométrica le ha valido el reconocimiento internacional como uno de los grandes maestros del arte abstracto de América Latina.
Más allá de sus logros individuales, Balart también ha dejado una huella indeleble en la escena artística cubana a través de su labor docente y su participación en grupos vanguardistas como “Los Once” y “Doble Filo”. Su influencia ha trascendido generaciones, inspirando a nuevos creadores que continúan explorando las infinitas posibilidades de la abstracción geométrica.
En definitiva, Waldo Balart es un artista cuya obra trasciende las fronteras del lienzo para convertirse en un manifiesto visual de rigor, equilibrio y belleza esencial. Sus creaciones son un testimonio perenne de la fuerza expresiva que puede alcanzarse a través de la geometría pura, dejando un legado imperecedero en el arte cubano y universal.
Siempre trabajé sistemáticamente, una pintura me llevaba a la siguiente por series, dentro de lo que entonces era mi lógica analítica y reduccionista.
Waldo Balart
Cronología
Por María José Gutiérrez
Waldo Balart, 1990.
1931
Nace en Banes, Cuba, en una familia de profesionales y políticos.
1949
Se traslada a la Universidad de La Habana para estudiar Ciencias Económicas. A la vez trabaja, es políticamente activo y convive con sus hermanos, más los dos expresidentes de Cuba: Fidel Castro -marido de su hermana- y Raúl Castro.
1955
Después de diplomarse empieza un posgrado en Ciencias Políticas y Económicas en la Universidad de Santo Tomas de Villanueva de La Habana.
1957
Entra a trabajar como contable en el gobierno de Batista.
1959
Tras la toma de poder de Fidel deja Cuba y se exilia en Nueva York.
1960
Comienza a estudiar arte en el MOMA y afuera es tutorizado por su vecino del Meat Market, el escultor geométrico Peter Forakis.
Waldo en el Meat Market, en casa de los Forakis. 1963. De izq. dcha: Waldo, un periodista, Phyllis Yampolsky, Peter Forakis y Coqui.De Izq. a Dcha: Waldo Balart, Ben Birillo y Paul Bianchini, dueño de la Bianchini Gallery en uno de los primeros actos públicos de pop art, la famosa exposición The American Supermarket, 10-27-1964.
1962
Finaliza sus estudios, se casa con la cubana Brigida Gutiérrez y se muda al Lower East Side de NY, al lado de Fernando Botero y la pintora Jean Wilson.
1963
Se divorcia y construye la serie Lienzo sobre lienzo (1964). Mientras en NY se relaciona con muchos artistas y gente especializada en arte, viaja por Europa y Cesar Manrique lo introduce en el grupo de informalistas españoles.
De izq. a dcha: Leni Manrique, Waldo Balart, Martín, Vicente Vela, César Manrique, Eusebio Sempere. Madrid 1964.
Andy Warhol Makes a Film by Marcelo Montealegre.
1965
Expone individualmente en la Galería Cisneros de NY, donde realiza numerosas exposiciones y contacta con los artistas latinos. También actúa en la película de su amigo Andy Warhol: La vida de Juanita Castro.
1967
Expone su serie Esmalte a fuego sobre Hierro en la Galería Iris Clert de Paris y en su casa de Los Hampton, Warhol le graba para Los amores de Ondine.
Waldo, Andy Warhol y Manuel Peña en casa de Waldo de East Hampton, verano, 1967.
1968
Se muda al SoHo y crea la serie Serigrafía en cartón montados en formica blanca.
1969
Dentro de casa-estudio construye y convive con su gran obra Proposición vivencial.
Proposición vivencial (1969). Waldo Balart (junto a su obra).Cityscapes en Benson Gallery, 1970.
1970
Elabora la serie Cityscapes y su obra el Lenguaje modular del color, resumen de su primer método de trabajo. Aparte, participa en el 1º Festival del SoHo, se casa con la americana Cynthya y se cambia a la Galería Graham de NY.
1971
Se traslada a Madrid para trabajar en la empresa financiera de su hermano.
Museo de Arte Contemporáneo de Madrid, 1972.
1972
Expone individualmente en el Museo de Arte Contemporáneo de Madrid con la serie de pintura sistemática Cajas, mas la escultura Liberación del cubo y se integra en la segunda generación de artistas constructivistas de Madrid.
1973
Sufre y se recupera de dos traumáticos accidentes de coche que casi le dejan paralítico, entre los cuales se divorcia de nuevo.
Waldo en su estudio apoyado sobre ESCEDIF II.
1975
Después de un tiempo de recuperación, se traslada a un bajo para reencontrarse con su labor creativa y produce sus esculturas Escedif I y Escedif II.
1977
Se traslada por trabajo con su hermano un año a Paraguay y otro a Brasil.
Waldo con una amiga.
1979
Regresa a Madrid y empieza a trabajar como articulista de arte. También pinta su primera serie bidimensional: Conjuntos no vacíos.
1983
Crea la serie de dibujos Estructura de la luz y se inventa la codificación que aplica a toda su obra: el Código de la estructura de la luz.
Dibujos Estructura de la luz en Galería Casado Santapau, 2017.
1985
Pinta las series Código y Discriminación de la estructura de la luz.
1986
Acude a su primer certamen de arte concreto europeo y desde entonces es asiduo a este tipo de eventos internacionales, como artista y como teórico.
Waldo en su estudio pintando la serie Desarrollo Cromático del CEL.
1988
Inventa el Orden Axiomático -su método de trabajo actual- y gesta los dibujos Desarrollo cromático de CEL, por los que pinta la serie Imagen ortogonal. Al unísono colabora con la Galería Edurne y con Atelier-Editions FANAL.
1989
Organiza -con Julían Gil- un evento internacional de arte concreto en Madrid y después se traslada a vivir a Lieja, donde expone individualmente con el entonces considerado mejor pintor geométrico de Bélgica: Jo Delahaut.
1991
Produce la serie Imagen fragmentada integrada de ángulo variable en formato cuadrado.
1993
Físicamente comienza su deterioro por los accidentes sufridos y decide volver a Madrid. En tanto lo consigue asiste a numerosos eventos internacionales de arte concreto en centroeuropa y efectúa las series de dibujos Desarrollo del Color (1993), Imagen fragmentada integrada de ángulo variable (1994), Color Stream Field Forces (1994) e Imagen fragmentada integrada de ángulo variable (1995) de módulos rectángulares, la cual da lugar a la serie de pintura Imagen fragmentada integrada de ángulo variable (1995) en formato rectangular. También comienza su serie de Pinturas negras (1996).
Waldo Balart en una entrevista en la Galería Edurne, 1994.
1996
Ya en Madrid continúa en colaboración con la Galería Edurne y Daniel Roy se convierte en su galerista de Berlín.
2000
Expone individualmente la serie modular Imagen fragmentada integrada ortogonal en la Mondriaanhuis, Amersfoort, Holanda.
Waldo en Systeem & Intuïtie, en la Mondriaanhuis, Amersfoort, Holanda.Retrato de Waldo y la Escultura de Luz en Casa Galicia, Madrid, 2002.
2002
Elabora su obra Escultura de luz y los sistemas modulares de Imagen fragmentada integrada de ángulo variable (2002) en formato cuadrado.
2007
Pinta la serie Injerencias y expone una de ellas en el Museum im Kulturspeicher Würzburg, Alemania, con lo que su obra es incluida en la prestigiosa colección alemana de arte concreto Peter C. Ruppert.
Ruppert, Waldo y Weinhold en la Galerie Für Konkrete Kunst, Berlin, 2006.
2008
Exhibe de manera individual en el Museum Modern Art Hünfeld.
2009
Expone individualmente en la Mies van der Rohe Haus de Berlín, Alemania y es incluido en la Collection Grauwinkel.
“Summertime is already here”, en la Mies van der Rohe Haus, 2009.Chromatic systems: Waldo Balart (2012).
2012
Presenta en Miami su libro La práctica del arte concreto y el documental Waldo Balart en concreto. Por lo que la Galería Henrique Faria Fine Art de NY lo expone individualmente y lo lleva a multitud de ferias: Pinta, The Armory Show (NY), Art Fair, Art Basel, Arco, Pinta Londres, PARC-Perú Arte Contemporáneo, etc. También inicia la serie de pinturas Nudos.
2013
En Europa expone colectivamente en el Museum für Konkrete Kunst de Ingolstadt, Alemania -el más importante de arte concreto-; y en el Vasarely Múzeum de Budapest. En Miami expone individualmente en la Galería Ideobox y la orquesta sinfónica estrena una pieza musical compuesta por el director Eduardo Marturet inspirado en sus pinturas, con ellas de fondo. Igualmente, su obra sigue expandiéndose en las ferias de arte anteriormente citadas, ahora también de la mano de otras galerías.
Concierto «Dos lecturas de Waldo».
2016
Expone individualmente en la Galería Guillermo de Osma de Madrid y con ello se destaca su reconocimiento internacional al nivel de los mejores creadores.
2017
Entra a formar parte del PAMM (Perez Art Museum Miami), el mejor museo de arte contemporáneo de Miami, dirigido por Jorge Pérez.
Vista de la exposición Abstracting History en el PAMM, 2017. A la derecha obra de Waldo Balart,Trilogía neoplástica, 1979. Cortesía de PAMM.Inauguración de la exposición en el Museo del Greco, Toledo.
2018
Expone individualmente en el Museo del Greco de Toledo y en la Galería Roy de Mallorca, de su agente alemán Daniel Roy -que le representa en Europa junto con el resto de artista concretos importantes-.
2019
Expone –comisionado por Alfonso de la Torre– la gran escultura de nudos Dos universos paralelos de rayos de energía cromática comunicados, en uno de los seis escaparates de El Corte Inglés de Madrid, dedicados a los artistas plásticos internacionales más prestigiosos.
Waldo junto a su obra Dos universos paralelos de rayos de energía cromática comunicados.Nudos Génesis, 2020, Galería Casado Santapau.
2020
Expone individualmente en la Galería Casado Santapau de Madrid en coincidencia con el inicio de la pandemia de COVID-19, cuyas rígidas restricciones limitaron la muestra a cumplir con su cometido -dadas las circunstancias-, pero sin poder alcanzar el éxito correspondiente a su magnitud.
2021
Expone individualmente en el Museo Francisco Sobrino de Guadalajara, con la nueva obra de la serie Nudos, recientemente expuesta en la Galería Casado Santapau, más algunas obras inéditas.
Waldo Balart y María José Gutiérrez a la entrada del Museo Francisco Sobrino.
Pasos para escribir una biografía de artista visual que te hará destacar
Tu biografía es una herramienta esencial para conectar con tu público y dar a conocer tu trabajo. Sigue estos pasos para escribir una biografía única y memorable que te haga destacar como artista visual.
Adapta tu biografía a la plataforma donde la publicarás (web, redes sociales, dossier, etc.).
Revisa la ortografía y la gramática con cuidado.
Mantén tu biografía actualizada con tus logros y nuevos proyectos.
1. ¿Quién eres tú?
Comienza tu biografía con una presentación personal. Describe brevemente tu nombre, tu especialidad como artista visual y tu enfoque artístico. Comparte tu entusiasmo por el arte y tu pasión por crear.
2. Conecta con tu público
Utiliza un tono amistoso y desenfadado para conectar con tu público. Comparte tu historia de forma natural y cercana, permitiendo que los lectores se identifiquen contigo y tu pasión por el arte.
3. Experiencia profesional: ¿Qué te hace único?
Destaca tu experiencia profesional más relevante, incluyendo exposiciones, proyectos, colaboraciones o publicaciones. Menciona los hitos que te han convertido en el artista que eres hoy.
4. Premios y reconocimientos: Un aval a tu talento
Si has recibido premios o galardones, inclúyelos en tu biografía. Esto aportará valor a tu trayectoria y demostrará tu talento y reconocimiento en el mundo del arte.
5. Un toque personal: Más allá del artista
Comparte algunos datos personales que te hagan único. Tus hobbies, intereses o experiencias de vida pueden ayudarte a conectar con tu público a un nivel más profundo.
6. Muestra tu rostro: Imagen y marca personal
Incluye una foto tuya actual y profesional. Esta imagen debe ser atractiva y reflejar tu personalidad como artista.
7. El viaje creativo: Detrás de la obra
Explica brevemente tu proceso creativo. ¿Qué te inspira? ¿Qué técnicas utilizas? ¿Qué mensaje quieres transmitir con tu arte?
Diane Holland “Culture Alive- Homage to Joan Agajanian Quinn”, Kodak Endura metallic print, 22 x 17 inches, 2024_
Diane Holland at Tufenkian Fine Art and Tokyo Metropolitan Museum of Art Whitehot Magazine Article by Lorien Suarez-Kanerva
Diane Holland’s photomontages are currently on display in the Winter group exhibition, which opened on January 20th at the Tufenkian Fine Art Gallery in Glendale, California. From June 15th to 20th, her portrait of noted Los Angeles collector Joan Agajanian Quinn will be a part of “The USA Exhibition” for the 23rd Japan International Art Exchange Program, curated by Julienne Johnson in collaboration with chairman Katsu Shimmin, at the Tokyo Metropolitan Museum of Art. Holland addresses art with a faith that brings to light a greater unknown dimension yet to be discovered. In her photomontages, Holland reaches beyond her sense of self to free the meaning of identity and community. As Piet Mondrian stated, “The position of the artist is humble. He is essentially a channel.” Mondrian’s conceptual approach towards art-making reflects this vitally important understanding of Holland’s role and the nature of her work.
Amongst the elements in her photomontages, Holland includes photographs of herself and her family. Anatomical allusions through forms like lungs, legs, and eyes speak of mankind as a human body that appears in most of her Metanoia works. “Metanoia” works. “Palimpsestic Metanoia 8” integrates maps of South Africa, a migration point for her family. Amongst these is a trace element of a WWII Star of David fabric insignia. Though faded, it remains present. Drawings of lungs in the background behind the two figures unite them through the experience of drawing breaths. Holland’s face appears in the central figure beside a focal point that extends outward into parallel slits. Window-like shapes suggest a grid of large city buildings. Chinese lanterns appear to have a universal scope as well. Their provenance could come from any western Chinatown arising from the extensive network of settlement locations.
Diane Holland “Culture Alive- Homage to Joan Agajanian Quinn”, Kodak Endura metallic print, 22 x 17 inches, 2024_
Holland’s portrait of the iconic Joan Quinn follows the tradition of Quinn’s artist friends, who created her portrait from myriad vantages. A hundred of Quinn’s collection portraits appeared in a show at the Bakersfield Museum of Art in the fall of 2021. Quinn reflected at the time that the artworks, each focused on a single subject, were less portraits of her than self-portraits. Holland’s portrait includes a collection of visual cues to aspects of Joan Agajanian Quinn’s life story. As an Armenian-American, Quinn wore a cross and was known for her penchant for abundant and elaborate jewelry. There are references to the colors of the Armenian flag and its map. Holland includes a portion of a handwritten message from a letter thanking LA-based art critic Peter Frank for “keeping culture alive.” The note alluded to a Robert Dowd artwork titled “Cash” that caused Dowd to be arrested in 1963 on a charge of counterfeiting for painting money. Holland herself shares an affinity with the pioneering feminist photomontage artist Hanna Höch. Additional influences include intermedia/multimedia artists William Kentridge and Lucas Samaras.
Palimpsestic Metanoia 9 (Hommage to Hannah Höch), Kodak Endura metallic print, 22 x 17 inches, 2021
Robert Sturnam’s “Seeing Humanity” through a Photographer’s Eye aims to present an enlightening depiction of human beings while sharing images of people worldwide in meditation and yoga poses. These images convey an earnest longing that points “towards the magnificence of the human spirit.” Holland brings forward with Sternum and with movement-dance pioneer Emilie Conrad a practice with somatic motion that, like yoga, allows for an essential form of open awareness that facilitates communication towards a greater community. In Hanna Heiting’s film “Em Moves,” Conrad describes a pivotal premise to the foundational ethos of her Continuum movement: The fractal dimension of the umbilical cord is [shared with] that fluid [dimension] in the galaxy, planets and our body that functions as a resonant stream of bio-cosmic intelligence and it is primary nourishment. By engaging in fluid movement the universe communicates to us through our fluid motion, the universes’ wave motion which has a moving language. Through undulations, spirals and pulsations – the fundamental choreography of water…allows our tissue to become less encumbered so that that choreography can reveal itself. An innate organic form of transrational breathing alongside fluid physical movements frees participants from stresses and disenchantments, leading towards freedom and a sense of openness.
Diane Holland Palimpsestic Metanoia 11, 2021, Kodak Endura metallic print, 22×17, inches (edition of 5) (1)
From an excerpt about “Aging” in the video “Continuum: A Conversation” with Emilie Conrad, the late Dr. Valerie V. Hunt, an American scientist and professor of Physiological Science at UCLA, described somatic movement in the following terms:
“Now we realize the body has the ability to move in all planes and in all directions. No muscle has a single function. It has a combined function. It must participate with all other muscles to have health. When you see small children hanging, you wonder why they are so free. Well they’ve been free in the amniotic fluid. [Somatic movement] is like going back to being free.” Studying with Conrad, Holland shared her practice of somatic movements, something akin to a ritual practice of vocalizations and unchoreographed fluid movements of limbs and torso, all while lying prone. In this free-flow state, Holland turns to a form of physical meditation to reach higher consciousness. Then, when she engages with her media, she cuts, pastes, arranges, and rearranges paper and photographs to assemble a singular visual composition. As the artist describes, “‘Palimpsestic Metanoia’ works translate personal experience into imagery that is at once digital and painterly. The source material for electrostatic and photographic composite alike is drawn from real and imagined experience and engage a collage aesthetic appropriate to the multivalent sensory possibilities of our time.”
Holland’s video “Letting Go, One Frame at a Time” allows her photomontage work to follow a sequence of scenes where the elements acquire a tangible voice. Her spoken words of inquiry serve as a form of self-de-entanglement and explore what it means to be human. Video link: https://youtu.be/mIhkhOUvK8s?si=oz9N6dE_NGhZeUpF
La Edición VIII del Festival Internacional de Teatro Casandra de Miami, dedicado a la mujer, tendrá lugar entre el sábado 16 y el domingo 24 de marzo. Habrá obras con temáticas femeninas a cargo de consagradas como las cubanas Susana Pérez, Rachel Cruz, y Rachel Pastor, amén de grandes artistas de España, México, Argentina, Italia y Estados Unidos. Sus sedes serán las salas Sandrell Rivers Theater; Koubek Center; Havanafama; y Cubaocho Museum & Performing Arts. El Festival Internacional de Teatro Casandra es creado y auspiciado por la compañía Ingenio Teatro, institución fundada en 2011 por la actriz y directora teatral Lilliam Vega, junto a Rocío Carmona. “Este festival tiene como propósito crear un espacio de intercambio entre mujeres que hacen teatro en diferentes países, lenguas y culturas”, según Vega. La información más completa se puede hallar en www.elingenioteatro.com El festival se basa en las puestas en escena, pero también cuenta con lecturas dramatizadas, clases magistrales y talleres de actuación, lo cual, según Vega, “propicia el proceso creativo partiendo del imaginario de los actores, músicos, escritores y artistas plásticos participantes”. Para Vega es un gran hito el hecho de cumplir ocho años, lo que adjudica en gran parte a “la perseverancia y la generosidad” de su equipo de Ingenio Teatro. La obra “Burdel El Ojo Azul” es la obra principal y se podrá ver el sábado 16 de marzo, a las 8:30 pm y el domingo 17, a las 5 pm, en el Sandrell Rivers Theater (6103 NW 7th Ave. Miami FL 33127). Se puede consultar por boletos llamando al 305-284-8872 o entrando a la página web de la sala. “Burdel” cuenta con la actuación de Susana Pérez, Rachel Cruz, Kirenia Vega, Jorge Luis González, Dianet Conde, Jose Raúl Acosta e Ivanesa Cabrera. Otros de los espectáculos son “Gaspet”, “El gato con botas”, “Cocinando con arte y fe”, “TIC TAC… ya es tiempo”, “Yo soy Cristina”, “Las penas saben nadar” y “Donde nadie nos juzgue”.
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Guía paso a paso: Cómo solicitar una residencia de arte
Conozca los entresijos de la solicitud de una residencia artística con nuestra completa guía. Descubra trucos, consejos y pasos esenciales para aumentar sus posibilidades de aceptación y aprovechar al máximo esta increíble oportunidad.
FORMATO EQUIPO 8 DE FEBRERO DE 2024
Una residencia artística (o residencia para artistas) es un programa estructurado que proporciona a los artistas experiencias únicas que pueden hacer crecer su creatividad y ayudarles a desarrollarse profesionalmente. Estos programas están disponibles tanto a nivel local como en todo el mundo, desde centros urbanos hasta paisajes remotos, y atienden a una amplia gama de disciplinas artísticas. Las residencias artísticas gozan de gran prestigio en la comunidad artística por las inestimables oportunidades que ofrecen a los artistas para desarrollar su trabajo, entablar un diálogo crítico y fomentar el crecimiento profesional.
Los beneficios de un programa de residencia artística
1. Tiempo y espacio creativos ininterrumpidos: Las residencias artísticas ofrecen a los artistas la oportunidad de centrarse únicamente en su práctica artística, libres de las distracciones y responsabilidades de la vida cotidiana. Este tiempo y espacio ininterrumpidos le permiten sumergirse en su trabajo, descubrir nuevas ideas y experimentar con diferentes técnicas o conceptos.
2. Acceso a recursos e instalaciones: Las residencias suelen proporcionar a los artistas acceso a recursos e instalaciones especiales que pueden no estar disponibles en su estudio o espacio de trabajo habitual. Esto puede incluir estudios bien equipados, laboratorios gráficos y multimedia, talleres de madera o cuartos oscuros. La disponibilidad de estos recursos abre nuevas posibilidades y le anima a ampliar los límites de su práctica artística.
3. Exposición a diversas perspectivas y comunidades: Las residencias artísticas reúnen a artistas de diferentes orígenes, culturas y disciplinas artísticas. Este entorno multicultural e interdisciplinar favorece el intercambio de ideas, el diálogo y la colaboración. Los artistas tienen la oportunidad de conectar con otros residentes, visitar a artistas y comunidades locales, ampliar sus perspectivas y profundizar en su comprensión de las diferentes prácticas artísticas y contextos culturales.
4. Creación de redes y desarrollo profesional: Las residencias de artistas a menudo facilitan establecer contactos con comisarios, galeristas, críticos y otros artistas. Estas conexiones pueden dar lugar a colaboraciones, exposiciones y otras oportunidades profesionales. Además, muchas residencias acogen charlas de artistas, talleres y revisiones, que le proporcionarán valiosos comentarios, tutoría y oportunidades para promocionar su arte.
5. Exploración de nuevos entornos e influencias: Las residencias en diversos lugares, ya sean rurales, urbanos o internacionales, exponen a los artistas a nuevos paisajes, culturas y tradiciones artísticas. Estos nuevos entornos pueden inspirar e influir en su trabajo, fomentando la experimentación y ampliando los límites artísticos. Puede incorporar elementos de la cultura local, la naturaleza o el contexto social a su práctica, añadiendo riqueza y profundidad a su expresión artística.
6. Reflexión, autodescubrimiento y renovación artística: Las residencias artísticas ofrecen a los artistas la oportunidad de romper con la vida cotidiana y dedicarse a la autorreflexión. El tiempo y el espacio especiales que ofrecen las residencias fomentan la introspección y permiten a los artistas cuestionar y explorar sus motivaciones, objetivos y procesos artísticos. Este autodescubrimiento puede conducir a una nueva inspiración, a avances artísticos y al desarrollo de una voz artística más auténtica y refinada.
Elegir su programa de residencia artística
He aquí los factores clave que debe comprobar a la hora de seleccionar el programa de residencia artística que mejor se adapte a su práctica artística y a sus objetivos:
1. Ubicación: Determine si prefiere un entorno urbano o un entorno natural remoto. Las residencias urbanas ofrecen proximidad a instituciones culturales, galerías y una vibrante escena artística, mientras que las residencias rurales o remotas ofrecen un retiro tranquilo rodeado de naturaleza, ofreciendo soledad e inspiración mientras crea nuevas obras o considera las perspectivas de su actual corpus de trabajo.
2. Duración: Determine la duración que puede dedicar a la residencia. Algunos programas ofrecen estancias cortas de varias semanas, mientras que otros ofrecen estancias más largas de varios meses. Considere su disponibilidad y el tiempo que necesita para sumergirse plenamente en su práctica artística.
3. Instalaciones y recursos: Evalúe las instalaciones y los recursos disponibles para los artistas. Busque residencias que ofrezcan estudios bien equipados, equipos especializados y acceso a materiales específicos de su disciplina artística. Determine si el programa ofrece recursos como imprentas, laboratorios digitales o talleres de madera que satisfagan sus necesidades artísticas.
4. Apoyo y tutoría: Infórmese sobre el nivel de apoyo y tutoría que ofrece el programa de residencia. Algunos programas ofrecen la tutoría de artistas o comisarios establecidos, mientras que otros ofrecen talleres, revisiones o entrevistas con artistas. Considere si el programa ofrece oportunidades de desarrollo profesional y orientación para mejorar su práctica artística.
5. Financiación y consideraciones financieras: Evalúe los aspectos financieros del programa de residencia. Algunas residencias ofrecen apoyo financiero en forma de estipendios, subvenciones o becas, mientras que otras exigen que los artistas cubran sus gastos. Considere su presupuesto y explore las opciones de financiación para asegurarse de que el programa se ajusta a su presupuesto.
6. Oportunidades comunitarias y de creación de redes: Evalúe los aspectos comunitarios y de creación de redes de la residencia. Busque programas que ofrezcan oportunidades para interactuar con otros artistas, comisarios y profesionales del arte. Considere si la residencia facilitará la conexión con las comunidades locales y proporcionará plataformas para mostrar su trabajo.
7. Reputación y éxito de los antiguos alumnos: Examine la reputación del programa de residencia y el éxito de sus antiguos alumnos. Busque testimonios o referencias de anteriores residentes para calibrar sus experiencias y logros. Considere si el programa tiene un historial de apoyo y fomento de artistas en el pasado.
Solicitar un programa de residencia artística
He aquí algunos consejos detallados que le ayudarán a navegar por el proceso de solicitud y a presentar una solicitud convincente que aumente sus posibilidades de ser aceptado en una residencia artística:
Comprender el proceso de solicitud
Familiarícese con los componentes de la aplicación: Revise los componentes típicos requeridos para una solicitud de residencia artística. Esto suele incluir una declaración del artista, un portafolio, un currículum vitae y una propuesta de proyecto. Comprenda el propósito de cada elemento y cómo juntos pintan un cuadro completo de su práctica artística.
Preste atención a las directrices específicas: Cada programa de residencia puede tener directrices y requisitos específicos para su aplicación. Tómese el tiempo necesario para leer y comprender a fondo estas normas. Preste atención a detalles como el límite de palabras, el formato de los archivos y cualquier instrucción específica para cada componente de la solicitud.
Adapte su solicitud a la residencia: Adapte su solicitud al programa de residencia específico. Elabore su declaración de artista, la selección de su portafolio y la propuesta del proyecto para mostrar cómo su trabajo se alinea con la misión, los temas o los objetivos del programa. Una forma de proporcionar todo esto es crear una página de su sitio web para su presentación. Ya sea en línea o en papel, demuestre que ha investigado y que está realmente interesado en la oportunidad de residencia.
Elabore una declaración de artista convincente
Muestre su visión artística y sus motivaciones: Escriba un declaración del artista que exprese su visión artística, su motivación y sus objetivos. Comunique los conceptos subyacentes, los temas y las influencias que impulsan su práctica. Demostrar una clara comprensión de su obra y del lugar que ocupa en el panorama del arte contemporáneo.
Demuestre cohesión y evolución: En su declaración artística, presente una narrativa coherente que conecte los diferentes aspectos de su obra. Muestre la evolución de su obra a lo largo del tiempo y demuestre cómo han progresado sus ideas. Destaque la singularidad e individualidad de su voz artística.
Utilice un lenguaje atractivo y una estructura clara: Escriba de forma clara, concisa y atractiva. Utilice un lenguaje que refleje su estilo artístico y demuestre su capacidad para comunicar conceptos complejos. Estructure su declaración de artista de forma lógica y organizada, guiando al lector a través de su recorrido artístico y sus intenciones.
Cree una cartera impresionante
Muestre su trabajo: Elija obras para su portafolio que muestren la diversidad y amplitud de su práctica artística. Incluya diferentes estilos, técnicas y temas para mostrar con seguridad su versatilidad y alcance como artista. Demuestre que puede utilizar diversos materiales y enfoques.
Cree una presentación cohesionada: Organice su portafolio de forma visualmente atractiva y coherente. Tenga en cuenta el flujo, el orden y la agrupación de las obras para crear una narrativa o un diálogo visual. Preste atención a la estética de su presentación, asegurándose de que refleja sus sensibilidades artísticas. Una forma de hacerlo es crear su portafolio en línea en una plataforma con personalizaciones y características adaptadas a las necesidades de un artista, como por ejemplo Format.
Destaque la profundidad conceptual y la habilidad técnica: Haga hincapié en la profundidad conceptual de su obra en su portafolio. Añada texto de apoyo o pies de foto que aporten información sobre las ideas y los procesos que subyacen a su obra. Muestre su destreza técnica, artesanía y atención al detalle, reforzando su competencia artística.
Prepare una propuesta de proyecto sólida
Defina claramente sus objetivos: Exponga de forma clara y concisa las metas, los objetivos y los resultados esperados del proyecto. Comparta lo que espera conseguir durante su estancia y cómo se alinea con la misión o el tema del programa. Asegúrese de que sus objetivos son realistas y alcanzables en el plazo previsto.
Demuestre originalidad y viabilidad: Destaque la originalidad y los aspectos innovadores de su proyecto propuesto. Muestre cómo su proyecto amplía los límites, explora nuevos territorios o se compromete con el discurso contemporáneo. Proporcione un plan claro de ejecución del proyecto, que incluya los recursos necesarios y los hitos requeridos.
Conecte su proyecto con la residencia: Establezca una fuerte conexión entre su proyecto propuesto y el programa específico de residencia. Muestre cómo el entorno de residencia, los recursos, los mentores o la comunidad mejorarán o apoyarán su proyecto. Explique por qué esta oportunidad de residencia es fundamental para el éxito de su proyecto.
Busque recomendaciones y referencias
Elija referencias que conozcan su trabajo: Elija referencias que estén familiarizadas con su práctica artística y puedan hablar de sus capacidades, habilidades y potencial. Considere a profesores, mentores, comisarios u otros artistas que hayan visto su trabajo de primera mano.
Proporcione información relevante a sus referencias: Póngase en contacto con los recomendadores a tiempo e infórmeles sobre el programa de residencia y sus requisitos. Comparta su declaración de artista, su portafolio y su propuesta de proyecto para darles contexto y consejos para escribir una carta de recomendación centrada y eficaz.
Haga un seguimiento y exprese su gratitud: Después de recibir sus cartas de recomendación, envíe una carta o correo electrónico de agradecimiento. Manténgase en contacto con sus contactos y manténgalos informados de sus progresos y de sus proyectos futuros.
Corregir y editar
Edite para mayor claridad y coherencia: Revise toda su solicitud en cuanto a gramática, ortografía y claridad. Mantenga su texto conciso, coherente y sin errores. Utilice un lenguaje y una terminología apropiados que reflejen su profesionalidad y su comprensión del mundo del arte.
Busque la opinión de los demás: Comparta los materiales de su solicitud con compañeros, mentores o asesores de confianza para que le den su opinión. Escuche sus sugerencias e incorpore las críticas constructivas para mejorar la calidad general de su solicitud.
Pula la presentación visual: Preste atención a la presentación visual de su solicitud. Asegúrese de que sus documentos están bien organizados, son visualmente atractivos y fáciles de navegar. Tenga en cuenta el diseño, la elección del tipo de letra y el uso de imágenes o elementos visuales para mejorar la estética general.
Siga las instrucciones de envío
Cumpla los plazos: Respete los plazos de solicitud y asegúrese de presentarla con suficiente antelación. Deje tiempo suficiente para imprevistos o dificultades técnicas.
Formatee correctamente los documentos: Siga las directrices de formato específicas para cada componente de la solicitud. Tenga en cuenta los formatos de archivo, tamaños de imagen y otros requisitos técnicos que figuran en el programa de residencia.
Vuelva a comprobar y reúna los materiales necesarios: Elabore una lista de control para asegurarse de que ha incluido todos los materiales y justificantes necesarios. Antes de enviarla, compruebe si los documentos de su solicitud están completos.
Navegar por el proceso de selección
He aquí tres puntos clave a tener en cuenta cuando intente navegar por el proceso de selección de un programa de residencia artística:
1. Comprender los criterios de evaluación
Los programas de residencia suelen tener criterios de evaluación específicos, que pueden incluir el mérito artístico, la originalidad, la viabilidad del proyecto, la alineación con el tema o la misión de la residencia y el potencial de crecimiento artístico. Consulte las directrices de selección del programa o póngase en contacto directamente con el coordinador de la residencia para conocer su proceso de evaluación. Adapte los materiales de su solicitud para destacar los aspectos más relevantes según sus criterios. Tenga en cuenta que el proceso de selección es subjetivo e implica a un panel diverso de artistas y profesionales del arte.
2. Gestionar las expectativas
Prepárese para diferentes resultados y gestione sus expectativas. Comprenda que las plazas de residencia son competitivas e incluso los artistas altamente cualificados no siempre son aceptados. El rechazo no disminuye su valía artística, ya que cada programa tiene sus propias preferencias y limitaciones. Utilícelo como una oportunidad para la autorreflexión y el crecimiento. Busque la opinión del programa, si la tiene, para mejorar futuras solicitudes. Manténgase positivo y explore otras oportunidades. Existen numerosas residencias y empresas artísticas que pueden alinearse con su práctica.
3. Hacer frente a las notificaciones y seguir adelante
Una vez notificado, si es aceptado, celebre su logro y haga los preparativos necesarios para el periodo de residencia. En caso de rechazo, procese la decepción y reevalúe sus objetivos. Utilícelo como motivación para buscar opiniones y considerar otras residencias u oportunidades. Si está en lista de espera, manténgase abierta a otras posibilidades y esté preparada para responder con prontitud si surge una oferta. Independientemente del resultado, persevere en su práctica artística, busque nuevas oportunidades y siga participando en la escena artística. Mantenga una actitud positiva, alimente su creatividad y siga desarrollando su portafolio y su declaración de artista para futuras solicitudes.
