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Friday, August 15, 2025
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Composición

Por
Editorial
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tomas maldonado

Composición

Autor: Maldonado, Tomás (Argentina, Buenos Aires, 1922 – Italia, Milán, 2018)

Origen:Adquisición a Francisco Bullrich, 1963Fecha:1950Período: Arte Siglo XX – XXI (1945-actualidad)

Escuela: Argentina S.XX

Técnica: Óleo

Objeto: Pintura

Estilo:abstracción

Género: concreto

Soporte:Sobre telaMedidas:100 x 73 cm.

Comentario sobre Composición

​Desde la cubierta de carácter expresionista de la revista Arturo a la pintura Composición se conforma un arco que describe las distintas búsquedas realizadas por Tomás Maldonado en su reflexión sobre la autorreferencialidad de la pintura. Composición es una obra que se enmarca en los lineamientos del concretismo internacional. Esta superficie blanca en la que se organizan recorridos lineales rectos, diversos en modulación y color, indaga sobre la objetivación del discurso artístico en cuanto área de investigación creativa.
Las preguntas por la percepción espacial y la autorreferencialidad de la pintura en tanto superficie bidimensional habían sido centrales en la investigación plástica desarrollada por los grupos invencionistas y fundamentalmente por la Asociación Arte Concreto-Invención (AACI). Tomás Maldonado fue el artista teórico de este grupo; si bien tanto él como su hermano, Edgar Bayley, tuvieron –en ese momento– mayor capacidad de conceptualización teórica, los debates y las investigaciones plásticas fueron producto de la interrelación grupal.
Hacia 1947, la resolución que aportaba el marco recortado y los coplanares –en tanto concretización del espacio y las formas– era sometida a pruebas por varios miembros de la AACI (1). A su vez, en el primer semestre de 1948 Maldonado realizó un viaje a Europa que resultó por demás significativo ya que involucró la interrelación directa con la tradición del arte moderno que, hasta ese momento, se había recuperado y discutido a través de publicaciones, algunas exposiciones y relatos de exiliados en Buenos Aires. Además de visitar colecciones públicas y privadas trabó contacto con los principales referentes de la tradición constructiva como Max Bill y Georges Vantongerloo.
La vuelta al formato ortogonal implicaba un retorno al estudio de las diversas propuestas abstractas de las últimas décadas. En un texto que escribía desde Zürich, Maldonado analizaba los intentos suprematistas y los proyectos neoplasticistas de exaltación del soporte por medio de estructuras lineales:
“Había que traer el fondo al mismo nivel óptico de la figura pero no por medio de una valorización lineal (neo-plasticismo) sino tensional en las figuras. Prácticamente se trataba de una síntesis de los 2 aspectos más positivos del neo-plasticismo y del suprematismo. Sin embargo, los resultados en general son objetables. El problema queda en pie. Es por esto que últimamente dos grandes artistas concretistas Vantongerloo y Bill han sugerido que quizá la ruta sea superar las figuras limitadas. Liquidar las figuras, en una palabra, y hacer (por medio de sutiles elementos no figurables) vibrar al máximo el fondo, sería uno de los modos. El otro consistiría en diluir el perímetro de las figuras. Esfumar ya sea cromática o tonalmente el contorno de las figuras” (2).
Composición es una obra que partiendo de los postulados neoplasticistas busca exaltar la superficie blanca a partir de la tensión generada entre los distintos elementos inscriptos en dicho soporte. Es posible pensar que a diferencia de un gran porcentaje de la producción de Piet Mondrian en la cual el plano colorido es un elemento central en la composición de la imagen, en la obra de Maldonado es la fragmentación lineal (la organización de la superficie a partir de segmentos) la que produce la activación del soporte (3) Esta resolución está en correlato con lo explicado en su texto citado.
En Desde un sector (1953, inv. 7004, MNBA) Maldonado volvía a reflexionar sobre la exaltación del fondo a partir de la organización de los elementos pictóricos. En el primer número de la revista nueva visión, por él dirigida, realizaba un estado de la cuestión sobre los problemas y posibilidades del arte concreto (4). Allí, Maldonado analizaba las características de la pintura concreta y las distancias que esta poética mantenía con las tendencias contemporáneas:
“Es falso que el arte concreto sea ajeno a todo sentimiento pictórico. Lo que en realidad sucede es que éste se manifiesta aquí de un modo distinto. Es decir, no como sensualismo vulgar de la materia pictórica sino como sensibilidad superior de la inteligencia pictórica. […] Ocupar el vacío es fácil, todo consiste en apilar hechos con minuciosidad burocrática, la dificultad comienza cuando con sutiles elementos queremos organizar estéticamente el vacío” (5).
Efectivamente, si consideramos Composición y Desde un sector vemos que unidades geométricas simples organizan la estructura compositiva del cuadro con el objetivo de activar el soporte. Una moderada distribución de elementos en algunos sectores busca la exaltación de amplios planos cromáticos uniformes.
Resulta destacable que las investigaciones realizadas por Maldonado no se circunscribían exclusivamente a cuestiones pictóricas. En 1946 en las páginas de la revista Arte Concreto-Invención Maldonado, siguiendo el modelo del desarrollo cultural ruso posrevolucionario, resaltaba la necesidad de extender la acción estética a la totalidad del entorno humano. Si el arte concreto era portador de un programa de renovación de la cultura, de la vida cotidiana y de la sociedad en su conjunto debía expandir sus búsquedas a la arquitectura y el diseño. Así, en su artículo “El diseño y la vida social” (1949) –considerado el primer texto sobre diseño industrial en América Latina– Maldonado conceptualizaba la producción de objetos como un eje clave para abordar las problemáticas del mundo contemporáneo (6).

por María Amalia García

1— Véase en este mismo catálogo la entrada sobre Pintura nº 153 (inv. 9202), de Raúl Lozza.
2— Tomás Maldonado, El arte concreto y el problema de lo ilimitado. Notas para un estudio teórico. Zürich, 1948. Buenos Aires, Ramona, 2003. Edición facsimilar del texto manuscrito. Subrayado en el original.
3— Sobre este tema véase: García, 2008.
4— María Amalia García, “La ilusión concreta: un recorrido a través de nueva visión. revista de cultura visual, 1951-1957”, Leer las artes. Las artes plásticas en ocho revistas culturales argentinas (1878-1951). Buenos Aires, Instituto de Teoría e Historia del Arte Julio E. Payró, FFyLUBA, 2002, p. 169-191.
5— Tomás Maldonado, “Actualidad y porvenir del arte concreto”, nueva visión, Buenos Aires, nº 1, diciembre de 1951, p. 5-8, 12.
6— Tomás Maldonado, “El diseño y la vida social”, CEA. Boletín del Centro de Estudiantes de Arquitectura, Buenos Aires, nº 2, octubre de 1949, p. 7-8. Véase sobre este tema: Carlos A. Méndez Mosquera y María Amalia García, “Notas sobre la revista nueva visión y sus recorridos” en: Tomás Maldonado. Un itinerario. Buenos Aires, MNBA/Skira, 2007, p. 178-189; Gui Bonsiepe, Del objeto a la interfase. Mutaciones del diseño. Buenos Aires, Infinito, 1998, p. 94.

Bibliografía

1995. LOPEZ ANAYA, Jorge, “Hace 50 anos fue creada la Asociacion Arte Concreto Invencion”, La Maga, Buenos Aires, 5 de julio, reprod. p. 38.
1998. AMIGO, Roberto; Patricia M. Artundo y Marcelo E. Pacheco, Pintura argentina. Breve panorama del período 1830-1970. Buenos Aires, Banco Velox, reprod. p. 101.
1999. SIRACUSANO, Gabriela, “Las artes plasticas en las decadas del 40 y 50” en: Jose Emilio Burucua (dir.), Nueva historia argentina. Arte, sociedad y política. Buenos Aires, Sudamericana, vol. 2, reprod. p. 25.
2001. FORN, Juan et al., “Abstraccion I”, Pintura argentina. Panorama del período 1810-2000. Buenos Aires, Banco Velox, n. 20, reprod. p. 10.
2007. ESCOT, Laura, Tomás Maldonado. Itinerario de un intelectual técnico. Buenos Aires, Patricia Rizzo, reprod. p. 68. — SAVLOFF, Judith, “Eramos jovenes insoportables”, Perfil, Buenos Aires, 23 de diciembre, reprod. p. 12. — WILSON, Alfonso, Consonancia. La abstracción geométrica en Argentina y Venezuela, años 40 y 50. Caracas, Artesanogroup, reprod. p. 59.
2008. GARCIA, Maria Amalia, Abstracción entre Argentina y Brasil. Inscripción regional e interconexiones del arte concreto (1944-1960). Tesis de doctorado, FFyL-UBA, mimeo, fig. 66.
2009. GARCIA, Maria Amalia, “Max Bill on the Map of Argentine-Brazilian Concrete Art” en: Mari Carmen Ramirez (ed.), Building on a Construct: The Adolpho Leirner Collection of Brazilian Constructive Art at the MFAH. Houston, The Museum of Fine Arts/Yale University Press, reprod. p. 45.

Desde un sector
Autor: Maldonado, Tomás (Argentina, Buenos Aires, 1922 – Italia, Milán, 2018)
Origen: Donación Pedro D. Curutchet, 1958
Fecha: 1953
Período: Arte Siglo XX – XXI (1945-actualidad)
Escuela: Argentina S.XX
Técnica: Óleo
Objeto: Pintura
Estilo: Abstracción
Género: Concreto
Soporte: Lienzo (sobre tela)
Medidas: 70 x 70 cm.

SUR MODERNO

Por
Editorial
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Sur moderno: Journeys of Abstraction—The Patricia Phelps de Cisneros Gift | MoMA EXHIBITION

Sur moderno: Las viajes de la abstracción es una exposición que explora el desarrollo del arte abstracto y concreto en América Latina durante el siglo XX. La exposición, organizada por el Museo de Arte Moderno (MoMA) de Nueva York, presenta obras de artistas de toda la región, incluidos Lygia Clark, Raúl Lozza, Hélio Oiticica y Joaquín Torres-García.

La exposición se divide en tres secciones principales. La primera sección, “El poder transformador de la abstracción”, explora cómo los artistas latinoamericanos utilizaron el arte abstracto para cuestionar las convenciones sociales y culturales. La segunda sección, “Reinventar el objeto artístico”, se centra en cómo los artistas latinoamericanos experimentaron con nuevas formas y materiales. La tercera sección, “La abstracción en la vida cotidiana”, examina cómo el arte abstracto se integró en la vida cotidiana de América Latina.

Sur moderno: Las viajes de la abstracción es una exposición importante que ofrece una nueva perspectiva sobre el arte latinoamericano del siglo XX. La exposición demuestra cómo los artistas latinoamericanos utilizaron el arte abstracto para explorar temas sociales y culturales, y para crear nuevas formas de arte que desafiaron las convenciones tradicionales.

Sur moderno: Las viajes de la abstracción es una colección de pinturas, esculturas y grabados donados al museo MoMA por Patricia Phelps de Cisneros. Esta extraordinario colección proporciona la base para un viaje a través de la historia de lo abstracto y el arte concreto de América Latina a mediados del siglo XX. La exhibición explora el poder transformador de lo abstracto en países como Venezuela, Argentina y Uruguay, concentrándose tanto en el rol del arte en la renovación del entorno social como en la forma en que los artistas reinventaron el objeto artístico en sí mismo. La lista de artistas en la exhibición incluye a Lygia Clark, Raúl Lozza, Hélio Oiticica y Joaquín Torres-García.

Sobre los involucrados: 

El evento ha sido organizado por Inés Katzenstein, Curadora de Arte Latinoamericano y directora del Instituto de Investigación de Arte Latinoamericano de Patricia Phelps de Cisneros, la Curadora María Amalia García, el Museo de Arte Moderno (MoMA) y el Consejo Nacional de Investigaciones Científicas y Técnicas (CONICET) de la Universidad Nacional de San Martín. Con la colaboración de Karen Grimson, Curadora Asistente en el Departamento de Dibujos y Grabados del MoMA.

Patricia Phelps de Cisneros es una coleccionista de arte y filántropa venezolana que se especializa en el arte moderno y contemporáneo de Latino America. Desde la década de 1970, Cisneros ha apoyado a la educación y a las artes. Junto con su esposo, Gustavo A. Cisneros, fundó la Fundación Cisneros, con sede en la ciudad de Nueva York. En 2016, Cisneros donó 102 obras de arte modernas y contemporáneas de los años 1940 a 1990 al Museo de Arte Moderno, estableciendo el Instituto de Investigación Patricia Phelps de Cisneros para el Estudio del Arte de América Latina en el MoMA.

Arte concreto en Venezuela

Por
Editorial
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ALEJANDRO OTERO sculpture
ALEJANDRO OTERO sculpture

El arte concreto en Venezuela: Un movimiento vanguardista que se inspiró en la cultura local

El arte concreto es un movimiento artístico que se caracteriza por el uso de formas geométricas simples, colores puros y la ausencia de representación figurativa. Se desarrolló en la década de 1930 a partir de la obra de artistas europeos como Theo van Doesburg, Piet Mondrian y Jean Arp.

En Venezuela, el arte concreto se desarrolló en la década de 1950, a partir de la obra de artistas como Jesús Rafael Soto, Alejandro Otero y Carlos Cruz-Diez. Estos artistas se inspiraron en el arte concreto europeo, pero adaptaron sus ideas a la cultura venezolana.

El arte concreto venezolano tuvo un impacto significativo en el arte venezolano y latinoamericano. Los artistas concretos venezolanos fueron pioneros en el uso de nuevos materiales y técnicas, y su trabajo ayudó a transformar la forma en que se entendía el arte en Venezuela.

Los orígenes del arte concreto en Venezuela

Los primeros artistas venezolanos que experimentaron con el arte abstracto fueron los pintores Armando Reverón y Manuel Cabré. Reverón, conocido por sus pinturas de paisajes y figuras fantasmagóricas, fue influenciado por el arte europeo y el arte popular venezolano. Cabré, conocido por sus pinturas de figuras estilizadas, fue influenciado por el arte cubista y el arte surrealista.

En la década de 1940, un grupo de artistas venezolanos, conocidos como el Grupo Los Disidentes, comenzó a experimentar con el arte concreto. El grupo estaba formado por artistas como Alejandro Otero, Jesús Rafael Soto y Carlos Cruz-Diez. Estos artistas se inspiraron en el arte concreto europeo, pero también se interesaron por la cultura y la tradición venezolanas.

El Grupo Los Disidentes

El Grupo Los Disidentes fue un grupo influyente en el desarrollo del arte concreto en Venezuela. El grupo expuso su trabajo en varias exposiciones importantes, y su trabajo fue ampliamente reseñado por la crítica.

El trabajo del Grupo Los Disidentes se caracterizaba por su uso de formas geométricas simples, colores puros y la ausencia de representación figurativa. El grupo también experimentó con una variedad de técnicas y materiales, incluyendo pintura, escultura y arte cinético.

Jesús Rafael Soto

Jesús Rafael Soto es uno de los artistas más importantes del arte concreto venezolano. Soto nació en Ciudad Bolívar, Venezuela, en 1923. Estudió arte en la Escuela de Artes Plásticas y Aplicadas de Caracas.

Soto comenzó a experimentar con el arte concreto en la década de 1950. Su trabajo se caracteriza por su uso de formas geométricas simples y colores puros para crear imágenes de movimiento y participación.

Algunas de las obras más conocidas de Soto son sus “Penetrables”. Los “Penetrables” son estructuras de alambre que el espectador puede atravesar. Soto quería que los “Penetrables” permitieran a los espectadores experimentar el arte de una manera nueva y sensorial.

Penetrables de Jesús Rafael Soto

Alejandro Otero

Alejandro Otero es otro artista importante del arte concreto venezolano. Otero nació en Caracas, Venezuela, en 1923. Estudió arte en la Escuela de Artes Plásticas y Aplicadas de Caracas.

Otero comenzó a experimentar con el arte concreto en la década de 1950. Su trabajo se caracteriza por su uso de formas geométricas simples y colores puros para crear imágenes de ritmo y armonía.

Algunas de las obras más conocidas de Otero son sus “Cromoestructuras”. Las “Cromoestructuras” son estructuras de metal que utilizan formas geométricas simples para crear imágenes de movimiento y dinamismo.

Carlos Cruz-Diez

Carlos Cruz-Diez es otro artista importante del arte concreto venezolano. Cruz-Diez nació en Caracas, Venezuela, en 1923. Estudió arte en la Escuela de Artes Plásticas y Aplicadas de Caracas.

Cruz-Diez comenzó a experimentar con el arte concreto en la década de 1950. Su trabajo se caracteriza por su uso de colores puros para crear imágenes que cambian a medida que el espectador se mueve.

Algunas de las obras más conocidas de Cruz-Diez son sus “Inversiones cromáticas”. Las “Inversiones cromáticas” son obras de arte que utilizan colores puros para crear imágenes que cambian de color a medida que el espectador se mueve.

El arte concreto venezolano en la actualidad

El arte concreto venezolano continúa desarrollándose en la actualidad. Los artistas concretos venezolanos continúan experimentando con nuevas técnicas y materiales, y su trabajo continúa teniendo un impacto significativo en el arte venezolano y latinoamericano.

Algunos artistas concretos venezolanos contemporáneos destacados son:

  • Miguel Ángel Rojas, que utiliza materiales tradicionales como la pintura y la escultura para crear obras que exploran la relación entre la realidad y la representación.
  • Carlos Cruz-Diez hijo, que continúa con el trabajo de su padre en el arte cinético y la percepción del color.
  • Gilda Mantilla, que utiliza el arte para explorar temas sociales y políticos.

El arte concreto venezolano es un arte que es tanto universal como local. Es un arte que se basa en principios universales, pero que también incorpora elementos de la cultura venezolana. El arte concreto venezolano es un arte que es a la vez moderno y tradicional, y que sigue siendo relevante hoy.

Conclusiones

El arte concreto venezolano es un movimiento artístico importante que ha tenido un impacto significativo en el arte venezolano y latinoamericano. Los artistas concretos venezolanos han sido pioneros en el uso de nuevas técnicas y materiales, y su trabajo ha ayudado a transformar la forma en que se entiende el arte en Venezuela.

El arte concreto venezolano continúa desarrollándose en la actualidad, y los artistas concretos venezolanos continúan explorando nuevas formas de expresión artística.

Architecture as an Artistic Expression

Por
Editorial
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La Torre y el Museo Bacardi
La Torre y el Museo Bacardi

Architecture is the process of designing and constructing buildings. It is an interdisciplinary field that includes conceptual design, construction, and preservation. Architects are responsible for creating functional, aesthetic, and sustainable spaces for people to live and work in.

Architecture can be defined in a few different ways. It can be described as “the art and science of building,” emphasizing the practical aspect of architecture as a means of providing shelter and habitable spaces. Alternatively, it can be defined as “the art of creating spaces,” highlighting the aesthetic aspect of architecture and its ability to produce beautiful and harmonious environments. Lastly, architecture can be defined as “the art of form,” emphasizing its ability to create expressive and eye-catching structures.

Architecture is considered an art because it meets the criteria for what defines art. Art is a form of human expression that uses aesthetic elements to create a sensory experience. Architecture meets this criteria because it uses aesthetic features, such as form, space, light, and color, to create habitable spaces that are both pleasing and harmonious. Additionally, architecture is a form of creative expression that reflects the culture and values of a society. Buildings express the needs, desires, and aspirations of the inhabitants.

Architecture becomes art when it meets certain criteria. It must express a feeling, idea, or emotion, be original and innovative, and have aesthetic qualities that distinguish it from ordinary construction. When architecture meets these criteria, it becomes a form of artistic expression with cultural and aesthetic value.

Art and architecture are closely related. Both disciplines use aesthetic elements like form, space, light, and color to create a sensory experience. Additionally, both fields reflect the culture and values of a society. Architects often draw inspiration from works of art to create their designs, and artists often use architecture as inspiration for their work.

Architecture is expressed as a form of art in many ways. For instance, architects use different shapes to create beautiful and expressive spaces on paper. They also use space to create different sensations and emotions such as a sense of freedom or intimacy. Light can be used to create different visual and emotional effects, and color can be used to create different environments and sensations. Architecture is a powerful form of art that can shape our world in many ways. It can be used to express ideas, emotions, and values, and to create functional, aesthetic, and sustainable spaces.Architecture as an Artistic Expression

What is architecture?

Architecture is the art and science of designing and constructing buildings. It is a discipline that encompasses various activities, from conceptual design to construction and preservation. Architects are responsible for creating habitable spaces that are functional, aesthetic, and sustainable.

Architecture can be defined in different ways. A standard definition is “the art and science of building.” This definition emphasizes the practical aspect of architecture, its function as a means to provide shelter and habitable spaces.

Another definition of architecture is that it is “the art of creating spaces.” This definition emphasizes the aesthetic aspect of architecture and its ability to create pleasing and harmonious environments.

Architecture can also be defined as “the art of form.” This definition emphasizes the formal aspect of architecture, its ability to create beautiful and expressive structures.

In short, architecture is a complex discipline that encompasses a wide range of meanings. It is a form of art that is expressed through the construction of buildings.

Why is architecture an art?

Architecture is considered an art because it meets the essential criteria of the definition of art. Art is a form of human expression that uses aesthetic elements to create a sensory experience. Architecture meets these criteria because it uses aesthetic features, such as form, space, light, and color, to create habitable spaces that are pleasing and harmonious.

In addition, architecture is a form of creative expression that reflects the culture and values of a society. Buildings express the needs, desires, and aspirations of the inhabitants. Therefore, architecture is a form of art because it is a form of human expression that uses aesthetic elements to create a sensory experience that reflects the culture and values of a society.

When does architecture become art?

Architecture becomes art when it meets the essential criteria of the definition of art. These criteria are:

  • Expression: Architecture must express something, whether an idea, a feeling, or an emotion.
  • Originality: Architecture must be original and innovative.
  • Quality: Architecture must have an aesthetic quality that distinguishes it from ordinary construction.

When architecture meets these criteria, it becomes a form of artistic expression with aesthetic and cultural value.

What is the relationship between art and architecture?

Art and architecture are closely related. Both disciplines use aesthetic elements like form, space, light, and color to create a sensory experience. Additionally, both fields reflect the culture and values of a society.

The relationship between art and architecture can be observed in different ways. For example, architects often draw inspiration from works of art to create their designs. Also, artists often use architecture as inspiration for their jobs.

Some examples of the relationship between art and architecture are:

  • Gothic architecture: Gothic architecture is characterized by its pointed forms and large windows. These elements are inspired by the conditions of nature and religious works of art.
  • Gothic architecture
  • Art Nouveau: Art Nouveau is an artistic movement characterized by its use of curved and organic forms. These forms are inspired by nature and Eastern cultures. 
  • Art Nouveau architecture
  • Brutalist architecture: Brutalist architecture is characterized by the use of raw and exposed materials. Abstract artworks inspire these materials.
  • Brutalist architecture

How is architecture expressed as a form of art?

Architecture is expressed as a form of art in different ways. One form of expression is through paper. Architects use different shapes to create habitable spaces that are beautiful and expressive. For example, architects can use curved, geometric, or organic structures.

Another form of expression is through space. Architects use space to create different sensations and emotions. For example, architects can utilize open spaces to create a sense of freedom or closed spaces to create a sense of intimacy.

Also, architecture is expressed through light. Light can be used to create different visual and emotional effects. For example, architects can use natural light to make a sense of luminosity or artificial light to create a sense of mystery.

In addition, architecture is expressed through color. Color can be used to create different environments and sensations. For example, architects can use light colors to make a sense of spaciousness or dark colors to create a sense of depth.

Architecture is a powerful form of art that can shape our world in many ways. It can be used to express ideas, emotions, and values. It can also be used to create functional, aesthetic, and sustainable spaces.

VISU PRESENTS DAVID LACHAPELLE “HAPPY TOGETHER” EXHIBITION

Por
Editorial
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David LaChapelle, This is My House, New York, 1997, Courtesy of VISU Contemporary
David LaChapelle, This is My House, New York, 1997, Courtesy of VISU Contemporary

VISU CONTEMPORARY PRESENTS DAVID LACHAPELLE EXHIBITION, “HAPPY TOGETHER,” JANUARY 26 – MARCH 2, 2024

The Miami Beach Art Gallery Presents a New Survey of the Renowned Photographer’s Work, Featuring Over 30 Photographs Created Between 1985 and the Present, including a World Premiere.

 VISU Contemporary announces its new exhibition for 2024 featuring works by internationally acclaimed photographer David LaChapelle. The collection, titled “DAVID LACHAPELLE: HAPPY TOGETHER” curated by VISU Contemporary gallery owners Bruce Halpryn and Blake Pearson, will be on display from January 26 through March 2, 2024, and will feature a selection of over 30 significant photographs from the artist’s career from 1985 to the present, including the premiere of a new work.  

Highlights of the exhibition include: Archangel Uriel (1985), one of LaChapelle’s earliest figurative works displaying a stoic cherub resting on the overlook of a great forest; My Own Marilyn (2002), which presents the artist’s muse Amanda Lepore in an homage to Warhol’s Shot Sage Blue (1964); After the Deluge: Museum (2007), where LaChapelle reminds us that human survival cannot be separated from nature while precious objects are as temporary as our climate; Spree (2019-2020), inspired by accounts of Shackleton’s Trans-Antarctic Expedition, which finds a colossal mega cruise ship frozen in time within a vast, icy landscape; Behold (2015), representing LaChapelle’s ability to reimagine Old World ideas and aesthetics with painterly effect through photography; and Revelations (2019), inspired by the biblical book of the same name.

LaChapelle’s newest work, Three Graces (male) (2023), inspired by Raphael’s master painting The Three Graces (1503-1505), will also be on view. 

“We are thrilled to present David LaChapelle’s first-ever solo exhibition on Miami Beach,” said Bruce Halpryn, co-owner and co-curator of VISU Contemporary. “This curation reveals an exciting range of themes while highlighting the artist’s distinct ability to create thought-provoking narratives.  Many of the iconic works on view have become a mirror of the time we live in, while also providing a glimpse into the future.”

To celebrate the introduction of LaChapelle’s presence in Miami, the artist will be present for the exhibition opening on January 26 from 7-9 p.m. For more information, visit www.visugallery.com. 

“Since we founded VISU Contemporary our vision has been to create a New York style gallery in Miami Beach with enthralling exhibits aiming to nourish souls, our community and artists—year-round,” said Blake Pearson, co-owner and co-curator of VISU Contemporary. “It’s such an honor to welcome David LaChapelle who we’ve revered as an artist for much of our lives.”

The Artist

Born in Harford, Connecticut, in 1963, David LaChapelle attended high school at North Carolina School of the Arts. Originally enrolled as a painter, he developed an analog technique by hand-painting his own negatives to achieve a sublime spectrum of color before processing his film.

At age 17, LaChapelle moved to New York City. Following his first photography show at Gallery 303, he began taking pictures for Andy Warhol’s Interview magazine. One of his first assignments for Warhol was to photograph the budding cultural renaissance in Miami Beach over the summer of 1986. LaChapelle’s unique point of view quickly garnered international interest, and his innovative approach to storytelling established him as one of the world’s most influential living photographers.

Through his mastery of color, unique composition, and imaginative narratives, LaChapelle began to expand the genre of photography. His staged tableau, portrait and still life works challenged devices of traditional photography, and his work quickly gained international interest. By 1997, The New York Times predicted, “LaChapelle is certain to influence the work of a new generation…in the same way that Mr. Avedon pioneered so much of what is familiar today.”

LaChapelle has photographed some of the most recognizable figures in film, music, art, politics and sports, including Aaliyah, Alicia Keys, Amy Winehouse, Andy Warhol, Angeline Jolie, Anna Kournikova, Anna Nicole Smith, Avicii, Britney Spears, Cher, Christina Aguilera, Courtney Love, David Beckham, David Bowie, David Hockney, Dennis Hopper, Diana Damrau, Doja Cat, Dolly Parton, Drew Barrymore, Dua Lipa, Eartha Kitt, Elizabeth Taylor, Elton John, Eminem, Faye Dunaway, Giselle, Gloria Estefan, Hillary Clinton, Jackie Chan, Janet Jackson, Jeff Koons, Julian Assange, Kanye West, Kehinde Wiley, Keke Palmer, Kim Kardashian, Lady Gaga, Lana Del Rey, Lance Armstrong, Leonardo DiCaprio, Lil’ Kim, Liza Minnelli, Lizzo, Madonna, Marc Anthony, Mariah Carey, Marilyn Manson, Mary J. Blige, Michael Jackson, Miley Cyrus, Muhammed Ali, Naomi Campbell, Nicki Minaj, Pamela Anderson, Paris Hilton, Ricky Martin, Rita Ora, Sade, Serena Williams, Snoop Dogg, Sofia Coppola, Stevie Nicks, The Weeknd, Travis Scott, Tupac Shakur, Uma Thurman, Whitney Houston and many others.

As Forbes magazine stated, “David LaChapelle’s work is not inspired by the zeitgeist; it is the zeitgeist.” 

LaChapelle has become one of the most published photographers throughout the world with an anthology of books, including LaChapelle Land (1996), Hotel LaChapelle (1999), Heaven to Hell (2006), Lost & Found and Good News (2017). Simultaneously, his work has expanded into music video, film and stage projects. His 2005 feature film, Rize, was released theatrically in 17 countries. His portraits, stage and film works of celebrities and culture have become iconic archetypes of America in the 21st century. 

Over the past 30 years, LaChapelle has exhibited internationally in galleries and museums, including the National Portrait Gallery (London), Musee de Monnaie (Paris), Barbican Centre (London), Victoria and Albert Museum (London), Tel Aviv Museum of Art (Israel), Musee d’Orsay (Paris), Groninger Museum (The Netherlands), Palazzo delle Esposizioni (Rome), Palazzo Reale (Milan), National Portrait Gallery (Washington, D.C.), Casa dei Tre Oci (Venice), La Venaria Reale (Turin), MUDEC (Milan), Fotografiska (New York) and Salone Degli Incanti (Trieste).

In the fall of 2023, LaChapelle was honored with the “Lorenzo il Magnifico” Lifetime Achievement Award at the XIV Florence Biennale.

For more information, visit davidlachapelle.com or follow on Instagram @david_lachapelle.

About VISU Contemporary

Established in 2022, VISU Contemporary’s success is a testament to Miami’s flourishing position in the global art market.  Located one block from the Miami Beach Convention Center (home to Art Basel) and near The Bass Museum, VISU Contemporary seeks to contribute to the art history conversation by presenting provocative and inclusive exhibitions, projects, installations, collaborations and performances. Featured artists include Kate Abercrombie, Victoria Ahmadizadeh Melendez, Alfredo Álvares Plágaro, Starsky Brines, Amber Cowan, Lara Padilla, Sibylle Peretti, Karen Rifas, Tyler Shields and Hendrik Zimmer.

VISU Contemporary is located at 2160 Park Ave. in Miami Beach. It is open Wednesday through Sunday from 11 a.m. to 5:30 p.m. by appointment. For more information, visit VISUgallery.com, email [email protected] to make an appointment, or call 305.496.5180.

About Dr. Bruce M. Halpryn

Dr. Bruce M Halpryn is a serial entrepreneur, as the founder and leader of multiple start-up pharmaceutical companies at the forefront of early-phase new drug development and regulatory affairs. Bruce is currently the CEO, Co-Founder, and Board President of Eikonoklastes Therapeutics, where he continues to contribute his expertise. Bruce is also the Co-owner and Co-Curator with Blake Pearson, of VISU Contemporary art gallery, located in Miami Beach, directly behind The Bass Museum. Bruce is actively engaged in nurturing the arts community. His strategic guidance has been instrumental in shaping the future of numerous arts organizations, particularly in the artistic fields of dance, glass, photography and visual art in general. He has been a collector of art, with a large emphasis on photography, for over 40 years and has forged deep personal relationships with many of the artists in his collection.  Bruce was the President of the Board of FotoFocus, the largest photography and other lens-based art biannual in the USA, for 8 years and remains on the board after reaching his term limit as President.  Bruce is also a shareholder of the Cincinnati Art Museum, where he had a key role in creating and maintaining the Friends of Photography affinity group, and a role in numerous photography acquisitions for the museum collection, and underwriting of photography shows in the museum.

About Blake Pearson

Blake Pearson has represented and relentlessly pursued opportunities for artists for nearly 20 years. Pearson studied under master gelatin silver printers Gay Burke and Flemming Wilson, as well as other fine photography and art print makers, before working in art direction, design and art creation. His education in communications, art and photography as well as his love of conceptual artists, led him to found VISU in 2004- representing a single photographer. Not long after, Pearson helped elevate conceptual image making by being one of the first to bring together photographers, CGI and creative retouching artists to work with top Creative Directors. Since then Pearson has fostered all manner of artists and worked with the world’s most esteemed agencies and brands, including apple, amazon, google, and countless others — with many VISU artists helping to win the world’s major awards (from Cannes Grand Prixs to Emmys). Pearson encourages artists he represents to support non-profits and social activism efforts. This has led to numerous global projects for organizations like Amnesty International, Union of Concerned Scientists, Lonely Whale Foundation and many others. Beyond conceptual art, Pearson enjoys literature, Miami City Ballet, spending time with his family, friends and his two career-changed Southeastern Guide Dogs.

Judith Lauand, pioneer of Brazilian Concrete painting

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Editorial
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Judith Lauand La Dama del Concreto

Judith Lauand, pioneer of Brazilian Concrete painting, 1922–2022

Art Review News 12 December 2022artreview.com

Judith Lauand, a pioneer of Brazilian Concrete painting, has died. In 1952, aged 30, she visited an exhibition titled Ruptura at Museum of Modern Art São Paulo, and became enraptured by the break from figurative painting it signalled. Inspired by Max Bill, artists including Geraldo de Barros and Waldemar Cordeiro were pursuing a mode of geometric abstraction that belied the austerity of the compositions with rich and bright palettes.

Having worked as a school teacher following her fine art degree from Escola de Belas Artes, Lauand was doing a shift as an invigilator at the 1954 Bienal de São Paulo when she met members of the group who had so impressed her two years earlier. Cordeiro immediately invited her to become the only female participant in his movement and Lauand abandoned the figurative landscapes she had previously been working on.

Judith Lauand, Collection 197, 1968 acrylic and paper clips, 50 × 50 cm. Photo: Sérgio Guerini. Courtesy Galeria Berenice Arvani, São Paulo

From there on the artist’s love of geometry was unwavering, her thickly but evenly painted compositions, produced across gouache, drawing, collage and painting, ranged from complex patterns or a few simple straight lines of colour interacting on a monochrome background. Rarely titled, each work was catalogued numerically.

Lauand took part in the First National Exhibition of Concrete Art at MASP in 1956, and 1965 saw the first of several turns in the Bienal de São Paulo, this time as an artist. While her work made less impact internationally – her first show in Europe wasn’t until 2013 at Stephen Friedman Gallery in London – she was the subject of two retrospectives at MASP: the first in 2011; the second is currently on show, featuring 128 works spanning six decades. Reclusive for several years, she did not see the exhibition.

ROA Wood Work

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Editorial
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Roa wood work Miami
Roa wood work Miami

Roa Custom Wood Work


The ROA Family: Where Master Craftsmanship Meets Dreamy Spaces

ROA: Custom made wood furniture that whispers your dreams. Handcrafted spaces, bespoke designs, built to last, built to love.

In the heart of South Florida, where sunlight dances on turquoise waters and palm trees whisper secrets to the breeze, lies a family steeped in the art of transforming dreams into reality. Meet the ROA family, not just a company, but a legacy spanning three generations, where wood whispers stories, fabric sings with vibrant hues, and passion forges masterpieces.

From Sawdust to Symphony:

The ROA story begins with calloused hands wielding tools, a symphony of saws and hammers serenading the workshop. Founded in 2007, it’s the culmination of three generations of master carpenters and upholsterers, their skills a whispered inheritance passed down through years. In their veins flows the magic of wood, their touch whispering grace into each grain, their minds shaping raw planks into furniture that dreams call home.

Beyond Functionality, Embracing Art:

But ROA is more than just expert craftsmanship. It’s where artistry breathes life into form. Each piece is an ode to individuality, a bespoke dance with client desires. Whether it’s a kitchen that sparks culinary poetry, a bathroom that cradles serenity, or a bedroom that lulls you into the arms of dreams, ROA tailors wood and fabric to your soul’s whispers.

A Canvas Wider Than Oceans:

ROA’s artistry isn’t confined to land. On the open seas, yachts and boats become their canvas. Marine upholstery is transformed into an exquisite ballet of needle and thread, weaving sun-kissed decks with comfort and crafting interiors that rival the ocean’s shimmering allure. From central consoles that command respect to custom sofas that whisper with ocean breezes, ROA turns every nautical dream into a tangible haven.

The Heart of ROA: Passion and Innovation:

But what truly sets ROA apart is the beating heart of the family. Passion pulsates through their veins, evident in the glint in their eyes as they discuss a new project, the infectious smile that blooms when a client’s face lights up at the finished masterpiece. This passion fuels their drive to innovate, to push the boundaries of craft, to blend heritage with cutting-edge technology, ensuring that every piece is not just functional, but a timeless work of art.

A Legacy Etched in Wood and Woven in Thread:

Walking through the ROA workshop is akin to stepping into a living museum. The scent of freshly cut wood mingles with the aroma of leather, each tool bearing the marks of generations. It’s a testament to their dedication, a living legacy etched in wood and woven in thread.

Today, ROA stands as a beacon of bespoke luxury, a family whose name whispers quality, artistry, and unwavering commitment to bringing dream spaces to life. If you seek furniture that sings your soul’s lullaby, if you yearn for a space that’s an extension of your heart, then step into the world of ROA. Let them transform your dreams into wood and fabric, crafting a haven that whispers your story long after the last hammer falls silent.

Beyond furniture, ROA custom wood furniture design that sings your story. Let your dreams take shape in sculpted wood.

ROA Woodwork Crafts Commercial Dreamscapes

At ROA Woodwork, we don’t just manufacture generic furniture. We create bespoke pieces that are tailored to your commercial space, whether it’s a lively restaurant, a luxurious hotel lobby or a vibrant bar.

Our skilled artisans are not just carpenters, they are dream weavers. They merge traditional craftsmanship with contemporary designs, crafting each piece to withstand the daily wear and tear and elevate the overall experience.

Imagine restaurant guests seated in custom-made booths, enjoying the warmth of the reclaimed wood and the joy of shared meals. Or hotel guests sinking into plush armchairs, wrapped in comfort as they unwind during their stay. Or bar patrons admiring a central console sculpted from exotic hardwoods, its elegance complementing the lively buzz of conversation.

We use only high-quality materials and meticulous techniques to ensure your furniture can withstand heavy use and the occasional spills. We also understand the importance of functionality in commercial spaces, and we design every curve and angle to enhance the flow and purpose of your establishment.

We work closely with you to translate your vision into a tangible reality. No mass-produced monotony or cookie-cutter designs. Every space is unique and deserves a custom-made touch.

From the initial spark of inspiration to the final installation, ROA Woodwork is your partner in crafting commercial dreamscapes. Contact us today to bring your vision to life.

“Where the Ocean Meets Artisanry: ROA Marine – Crafting Dreams on the Waves”

Forget generic boat interiors. At ROA Marine, we don’t just upholster seats; we paint your nautical dreams on the very canvas of your yacht. From West Palm Beach to Key Largo, we are the alchemists, transforming fiberglass into havens of luxury and artistry.

Imagine:

Commanding the waves from a central console sculpted from hand-selected hardwoods, with the ocean breeze whispering through custom-stitched leather.

Stateroom walls adorned with exquisite upholstery, each pattern echoing the rhythm of the tides.

Sun-kissed decks adorned with bespoke cushions, where laughter mingles with the salty air.

Our team is more than just skilled; they are marine whisperers. They understand the unique challenges of the open sea, crafting every piece to withstand the sun’s caress and the ocean’s embrace.

Durability? Built into every stitch. We utilize marine-grade materials and weather-resistant techniques, ensuring your boat’s interior weathers the storms with timeless elegance.

Custom? Your captain, your chart. We collaborate with you, translating your vision into a tangible reality. Whether it’s a classic nautical aesthetic or a modern masterpiece, we bring your dreamboat to life.

ROA Marine is your partner in crafting nautical dreamscapes, from reupholstery to complete renovations. Contact us today and let’s set sail on a journey of creating the most stunning boat interior on the waves.

ROA: Unforgettable custom wood work for your soul. Bespoke pieces, timeless quality, whispering comfort you can feel.

CUSTOM KITCHEN:

ROA specializes in crafting custom kitchens that are more than just cooking spaces. They are places where meals can become stories and laughter can simmer around custom islands. Each piece is hand-sculpted by masters and designed to create functional and breathtaking spaces. Forget pre-fabricated cabinets. ROA weaves your vision into reality. Whether you want a contemporary haven bathed in light or a rustic sanctuary where wood whispers tales of forgotten feasts, ROA will make it happen. Every drawer glides with silent precision, and every surface is a testament to their enduring craftsmanship. From the warmth of reclaimed wood to the sleek gleam of Italian marble, ROA offers a symphony of textures and finishes. Collaborate with their artisans to create your dream kitchen.

CLOSETS:

ROA elevates the humble closet into a sanctuary for your treasures. They offer solutions where walls whisper secrets of organization, shelves cradle prized possessions, and custom drawers glide open to reveal curated chaos transformed into elegant order. Their expert planners translate your needs into bespoke solutions, maximizing every inch, embracing light and natural textures, and weaving a thread of functionality through the fabric of your daily routine. Whether you want a sprawling walk-in wardrobe or a meticulously crafted dressing nook, ROA tailors the space to your lifestyle. Each shelf and each hanger whispers efficiency and style, ensuring your mornings begin with a confident flourish.

BATHROOMS:

At ROA, the bathroom is more than just a space for hygiene. They craft sanctuaries where steam kisses marble, and every towel whispers luxury. Imagine vanities sculpted from the soul of ancient trees, mirrors reflecting serenity, and custom storage that anticipates your every need. Whether you seek a spa-like retreat or a glamorous escape, their artisans will translate your desires into reality. Bathtubs sculpted for long soaks, showers adorned with steam-defying elegance, and vanities that blend artistry with functionality. ROA’s experts collaborate with you to ensure that every detail echoes your unique story. Choose from a treasure trove of materials, textures, and finishes, and let them orchestrate a symphony of water, light, and stone that whispers your name.

BEDROOMS:

ROA doesn’t just build beds; they forge havens for slumber. Each frame is handcrafted to cradle you in comfort, headboards are woven with stories, and nightstands become loyal companions during quiet evenings. ROA can bring your vision to life whether you want a rustic haven bathed in earthy tones or a contemporary dreamscape where light dances on crisp lines. Their expert upholsterers weave fabrics into symphonies of texture, inviting you to sink into blissful repose. Whether you crave a sprawling main suite or a charming nook for stolen moments of rest, ROA tailors the space to your soul’s whispers. Every detail, from hidden storage to integrated reading nooks, invites you to unwind and dream under the watchful gaze of handcrafted beauty.

WALL UNITS:
Beyond Mere Storage, Sculpting Stories: Forget boxy shelves and hollow displays. ROA wall units are woven tapestries of wood and functionality, where stories are curated, treasures are showcased, and memories echo. Imagine handcrafted nooks housing prized novels, floating shelves cradling family heirlooms, and a sleek console that becomes the stage for laughter-filled evenings.
A Dance of Form and Function: Our artisans are not just furniture builders but spatial sorcerers who bend light and wood to your will. Your design desires become a reality, whether it’s a modern masterpiece in glass and steel or a rustic symphony of reclaimed timber. Every curve, every angle, whispers efficiency and whispers style.
From Media Marvels to Cozy Companions: Whether you envision a sprawling wall unit housing your entertainment empire or a minimalist masterpiece for your favorite reads, ROA tailors the space to your soul’s whispers. Our designs embrace technology while prioritizing warmth, ensuring your living room becomes an oasis of both indulgence and serenity.


WALL PANELING:
Walls Whispering Personality: At ROA, we transform blank canvases into captivating narratives. Imagine walls imbued with texture, depth, and visual poetry crafted from the whispers of your desires. Our architects and artisans collaborate with you, translating your vision into bespoke paneling that reflects your unique story.
From Rustic Charm to Modern Flair: Our palette is limitless, from the warmth of reclaimed wood to the sleek gleam of Italian marble. We offer a symphony of textures and finishes, ready to dance with your design dreams. Let us orchestrate a symphony of light and shadow on your walls, creating a space that resonates with your personality.
More Than Aesthetics, An Oasis of Function: Our panels aren’t just visually stunning; they’re functional magicians. We integrate hidden storage, acoustic dampening, and even subtle lighting, ensuring your space is beautiful and whispers peace and productivity.


UPHOLSTERY:
Where Fabric Meets Fantasy: Forget mass-produced monotony. ROA upholstery is bespoke tailoring for your furniture dreams. Imagine plush cushions echoing the comfort of a favorite hug, fabrics dancing with vibrant hues, and headboards woven with the whispers of a good night’s sleep.
Durability Woven into Every Thread: We embrace heirloom quality, using only the finest materials and time-honored techniques. Our upholsterers are alchemists who transform raw thread into enduring masterpieces resistant to spills, wear, and the passage of time.
Beyond Function, An Avatar of Your Style: Whether you crave classic elegance or modern whimsy, ROA tailors the fabric to your soul. We collaborate with you, ensuring every stitch reflects your personality, creating furniture that’s as unique as you are.

Custom Wood Furniture: West Palm Beach, Fort Pierce, Miami, Fort Lauderdale, Fort Myers and Naples.

  • +1 (786) 451-6209
  • [email protected]
  • @roacustomwoodwork
  • 6188 NW 74th Ave, Miami, FL 33166


All-Day Mini Muse at NSU Art Museum

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Editorial
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All-Day Mini Muse at NSU Art Museum | Thursday, January 4th
All-Day Mini Muse at NSU Art Museum | Thursday, January 4th

All-Day Mini Muse at NSU Art Museum

On January 4th, the Museum is extending its monthly “Mini Muse” into a special all-day event where visitors can join in for an art project inspired by the current exhibitions on view at the Museum. This provides children the opportunity to unleash their creativity and explore the artistic process across various mediums. This program encourages a fresh perspective and allows children to infuse their unique personalities into their creations. Admission to the Museum is free for all ages on Mini Muse days. 

All-Day Mini Muse at NSU Art Museum | Thursday, January 4th: Join NSU Art Museum for an All Day Mini Muse, a free-drop in art activity for all ages. This all-day Mini Muse encourages experimentation with mark-marking, allowing children to create their own tool in a collaborative linework mural inspired by Asger Jorn, and making their own Color Field inspired by Alma Thomas. 

  • WHEN: Thursday, January 4 from 11:00 a.m. to 6:30 p.m. 
  • WHERE: NSU Art Museum Fort Lauderdale| One East Las Olas Boulevard, Fort Lauderdale, FL 33301
  • COST: FREE admission & FREE art activity to all as part of Sunny Days & Starry Nights at NSU Art Museum, which grants free admission and a 2-for-1 wine All Day Happy Hour on the first Thursday of each month. 

Major support for exhibitions and programs at NSU Art Museum Fort Lauderdale is provided by the David and Francie Horvitz Family Foundation Endowment, the City of Fort Lauderdale, Wege Foundation, Community Foundation of Broward, Lillian S. Wells Foundation, the Broward County Cultural Division, the Cultural Council, the Broward County Board of County Commissioners, the State of Florida through the Division of Arts and Culture and the National Endowment for the Arts, Spirit Charitable Foundation, Fosco Family Foundation, the Moss Foundation. NSU Art Museum Fort Lauderdale is accredited by the American Association of Museums.

Carlos Jorge presenta la exhibición “Bestiario”

Por
Editorial
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Pintor Carlos Jorge
Pintor Carlos Jorge

Pintor mexicano Carlos Jorge presenta la exhibición “Bestiario”

Carlos Jorge nació en 1970 en la Ciudad de Mérida, al sureste de México. Tras vivir una temporada en Nueva York, estudió arquitectura en el Tecnológico de Monterrey, donde empezó a desarrollar una sensibilidad estética. Tras esto, estudió pintura y fue alumno de artistas como Wayne Theibaud o Knox MarHn. Su trabajo ha sido expuesto en diferentes galerías, casas de cultura y museos en México, Miami y Chicago. Carlos Jorge es un pintor que nutre su obra con el origen de sus horizontes visuales y con un panorama contemporáneo. Actualmente presenta en Miami la exhibición “Bestiario”. En México recibe el respaldo de Galería Casa Colón www.galeriacasacolon.mx y en Miami, de Fabien Castanier Gallery www.castaniergallery.com Reproducimos aquí fragmentos de un comentario redactado por el escritor y crítico de arte Juan Heiblum sobre “Bestiario”:“La producción de un bestiario en nuestro siglo provoca, inmediatamente, la inquietud y el gozo  del espectador. Más allá de la organización medieval que llevó a la construcción de los primeros bestiarios, esta forma de abrir nuestra memoria en un mapa conceptual nos permite fascinarse ante la vastedad del mundo. Se crean estos laberintos visuales en los que el artista acomoda, organiza y distribuye un  hilo conceptual. Aunque hay una sola bestia por cuadro, cada panel cita y trae a la luz una cantidad  inmensa de referencias pictóricas y culturales. Carlos Jorge presenta esta nueva etapa de su trabajo, en la que integra una evolución  cultural y simbólica del historiador alemán Aby Warburg. En esta serie de cuadros, no solo vemos  una madurez técnica, sino que también nos encontramos sorprendidos por la densidad teórica de  su trabajo. Estamos ante un artista que busca e indaga en una experimentación. Su producción nos  lleva a una lógica muy original, en la cual ningún elemento nos resulta gratuito”. 

La Arquitectura Como Expresión Artística

Por
Editorial
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La Torre y el Museo Bacardi
La Torre y el Museo Bacardi

La Arquitectura Como Expresión Artística

¿Qué es la arquitectura?

La arquitectura es el arte y la ciencia de diseñar y construir edificios. Es una disciplina que abarca una amplia gama de actividades, desde el diseño conceptual hasta la construcción y la conservación. Los arquitectos se encargan de crear espacios habitables que sean funcionales, estéticos y sostenibles.

La arquitectura se puede definir de diferentes maneras. Una definición común es que es “el arte y la ciencia de la construcción”. Esta definición enfatiza el aspecto práctico de la arquitectura, su función como medio para proporcionar refugio y espacios habitables.

Otra definición de la arquitectura es que es “el arte de crear espacios”. Esta definición enfatiza el aspecto estético de la arquitectura, su capacidad para crear ambientes que sean agradables y armoniosos.

La arquitectura también se puede definir como “el arte de la forma”. Esta definición enfatiza el aspecto formal de la arquitectura, su capacidad para crear estructuras que sean bellas y expresivas.

En definitiva, la arquitectura es una disciplina compleja que abarca una amplia gama de significados. Es una forma de arte que se expresa a través de la construcción de edificios.

¿Por qué la arquitectura es un arte?

La arquitectura se considera un arte porque cumple con los criterios básicos de la definición de arte. El arte es una forma de expresión humana que utiliza elementos estéticos para crear una experiencia sensorial. La arquitectura cumple con estos criterios porque utiliza elementos estéticos, como la forma, el espacio, la luz y el color, para crear espacios habitables que sean agradables y armoniosos.

Además, la arquitectura es una forma de expresión creativa que refleja la cultura y los valores de una sociedad. Los edificios son una expresión de las necesidades, los deseos y las aspiraciones de las personas que los habitan. Por lo tanto, la arquitectura puede considerarse una forma de arte porque es una forma de expresión humana que utiliza elementos estéticos para crear una experiencia sensorial y que refleja la cultura y los valores de una sociedad.

¿Cuándo se convierte en arte la arquitectura?

La arquitectura se convierte en arte cuando cumple con los criterios básicos de la definición de arte. Estos criterios son:

  • Expresión: La arquitectura debe expresar algo, ya sea una idea, un sentimiento o una emoción.
  • Originalidad: La arquitectura debe ser original y novedosa.
  • Calidad: La arquitectura debe tener una calidad estética que la distinga de la construcción ordinaria.

Cuando la arquitectura cumple con estos criterios, se convierte en una forma de expresión artística que tiene un valor estético y cultural.

¿Cuál es la relación del arte y la arquitectura?

La arquitectura y el arte están estrechamente relacionados. Ambas disciplinas utilizan elementos estéticos, como la forma, el espacio, la luz y el color, para crear una experiencia sensorial. Además, ambas disciplinas reflejan la cultura y los valores de una sociedad.

La relación entre la arquitectura y el arte se puede observar en diferentes formas. Por ejemplo, los arquitectos a menudo se inspiran en obras de arte para crear sus diseños. También, los artistas a menudo utilizan la arquitectura como inspiración para sus obras.

Algunos ejemplos de la relación entre la arquitectura y el arte son:

  • La arquitectura gótica: La arquitectura gótica se caracteriza por sus formas puntiagudas y sus grandes ventanales. Estos elementos se inspiran en las formas de la naturaleza y en las obras de arte religiosas.
  • El art nouveau: El art nouveau es un movimiento artístico que se caracteriza por su uso de formas curvas y orgánicas. Estas formas se inspiran en la naturaleza y en las culturas orientales.
  • La arquitectura brutalista: La arquitectura brutalista se caracteriza por su uso de materiales crudos y expuestos. Estos materiales se inspiran en las obras de arte abstractas.

¿Cómo se expresa la arquitectura como forma de arte?

La arquitectura se expresa como forma de arte de diferentes maneras. Una forma de expresión es a través de la forma. Los arquitectos utilizan diferentes formas para crear espacios habitables que sean bellos y expresivos. Por ejemplo, los arquitectos pueden utilizar formas curvas, formas geométricas o formas orgánicas.

Otra forma de expresión es a través del espacio. Los arquitectos utilizan el espacio para crear diferentes sensaciones y emociones. Por ejemplo, los arquitectos pueden utilizar espacios abiertos para crear una sensación de libertad o espacios cerrados para crear una sensación de intimidad.

También, la arquitectura se expresa a través de la luz. La luz puede utilizarse para crear diferentes efectos visuales y emocionales. Por ejemplo, los arquitectos pueden utilizar la luz natural para crear una sensación de luminosidad o la luz artificial para crear una sensación de misterio.

Además, la arquitectura se expresa a través del color. El color puede utilizarse para crear diferentes ambientes y sensaciones. Por ejemplo, los arquitectos pueden utilizar colores claros para crear una sensación de amplitud o colores oscuros para crear una sensación de profundidad.

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