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Friday, August 15, 2025
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El gran cantante José Amaya presenta “Amanecer en tus brazos”

El gran cantante José Amaya presenta el disco “Amanecer en tus brazos”
El gran cantante José Amaya presenta el disco “Amanecer en tus brazos”

El gran cantante José Amaya presenta el disco “Amanecer en tus brazos”

El nuevo disco de Amaya incluye joyas como “No soy de aquí ni soy de allá”, de Facundo Cabral; “Que te vaya bonito”, de José Alfredo Jiménez; y “Eres”, de José María Napoleón. El que Amaya eligió para grabar el primer videoclip del disco fue el tema “Quiero abrazarte tanto”, del español Víctor Manuel. El maestro Amaya llegó desde su Nicaragua natal a Estados Unidos en su juventud; aterrizó en Miami para estudiar Arquitectura, pero rápidamente fue captado por el arte, en el que primero se desempeñó como actor. El singular cantante y compositor -que reside cerca de Los Ángeles desde hace varias décadas- a los pocos años se internó en la música, para la que había mostrado dotes desde pequeño. Amaya jamás ha parado de cantar ni escribir. Con “Amanecer en tus brazos” contabiliza un total de cinco discos grabados. “Amanecer en tus brazos” fue producido por el productor musical Marcelo Penco en Los Ángeles y Argentina para la compañía Pyramid Récords. Este disco nuevo tiene temas escritos por otros autores, pero Amaya por lo general graba creaciones propias. Su álbum debut fue “Algo especial”, en 1990, con el famoso sello Kubaney. En el 2003 hizo “Mil maneras de decir te quiero”, con Prodisc/TH Rodven; cuatro años después llegó el turno de “Sin quitarnos la ropa; y en 2019, de “Como aquel día”. Amaya ha grabado hits como “Tú me tocas y luego te vas”, “Aquellos momentos”, y “Traumas y manías”; ha participado en el programa “Sábado gigante”; logró repercusión en países como Chile; y una de sus canciones integró la banda sonora de la telenovela, “Mariaelena”. Fue galardonado con los premios ACCA, de Miami. Amaya nació en la ciudad de Jinotepe, cerca de Managua. Desde los 7 años comenzó a asombrar con su hermosa voz.

El cubano Lil Yoe presenta “Mi Loca”

El cubano Lil Yoe presenta su nueva canción urbana, “Mi Loca”

El cubano Lil Yoe presenta su nueva canción urbana, “Mi Loca”

El cantante y compositor nominado al Grammy Lil Yoe estrena su primer sencillo como solista, titulado “Mi loca”, bajo su sello discográfico, “Melómanos Entertainment”, un tema contagioso y comercial de fusiones urbanas que pondrá a cantar y a bailar a todos globalmente. 

“Mi loca” fue escrito por Yoe y producido por Javier Alejandro Urquia (Dj Toki) y Yunier Terrero (Whyti). Este tema muestra el vibrante espíritu del reggaetón y promete ser el compañero perfecto para cualquier noche de fiesta y una adición esencial en las listas de reproducción de los playlist más destacados.

Yoenni José Echevarria, conocido por su nombre artístico “Yoe”, nació en la Habana Cuba el 11 de agosto. Se ha destacado por varios años dentro de la industria musical como uno de los mejores compositores del momento  y como cantante.  

Desde niño participó en concursos infantiles y más adelante fue escogido por el conservatorio de música “Grupo escuela de Cuba Ismaelillo”.  El ambiente musical que existía en su barrio le facilitó llegar a los estudios desde temprana edad siendo un aporte adicional a su carrera.  A los 23 años conoce a Mexicano, más conocido como “Chiquito”, con quién crea su primer dúo “Chiquito y Yoe”,  obteniendo grandes resultados y aceptación del público por medio de ruedas de prensa y  participación en eventos muy importantes  en México.

Actualmente, se prepara para presentar su primer álbum y ha sido reconocido por la prestigiosa academia de la música siendo un  ganador de Latin Grammy y nominado a Grammys por sus composiciones para artistas élite tales como Marc Anthony y Gente de Zona.

Grupo Ruptura

Judith Lauand La Dama del Concreto

Grupo Ruptura

El Grupo Ruptura nació en São Paulo, Brasil, en 1952. El grupo estaba formado por siete artistas, entre ellos Waldemar Cordeiro, Luiz Sacilotto, Geraldo de Barros, Anatol Wladyslaw y Judith Lauand.

El grupo se formó en respuesta al panorama artístico brasileño de la época, que estaba dominado por la pintura figurativa. El Grupo Ruptura defendía la abstracción como una forma de arte más pura y objetiva que la representación figurativa.

El grupo publicó un manifiesto en 1952, en el que defendía sus ideas. El manifiesto afirmaba que el arte debía ser “objetivo, racional y geométrico”.

El Grupo Ruptura tuvo una influencia importante en el desarrollo del arte concreto en Brasil. El grupo ayudó a popularizar la abstracción y a promover el arte concreto como una forma de arte relevante para la sociedad brasileña.

Los miembros del Grupo Ruptura continuaron trabajando en el arte concreto durante muchos años. Sus obras se encuentran en las principales colecciones de arte de Brasil y del mundo.

¿Qué defendía el Grupo Ruptura?

El Grupo Ruptura defendía la abstracción como proyecto de transformación, capaz de permear el cotidiano de las personas, influenciando a la industria y organizando la vida en sus más diversas escalas: de las artes plásticas al diseño, de la arquitectura a la ciudad.

Los artistas del Grupo Ruptura creían que la abstracción era una forma de arte más pura y objetiva que la representación figurativa. La abstracción, en su opinión, era capaz de expresar la esencia de la realidad de una manera más directa y contundente.

El Grupo Ruptura también estaba interesado en la integración del arte en la vida cotidiana. Querían que el arte fuera accesible a todos y que pudiera tener un impacto positivo en la sociedad.

¿Qué fue el movimiento Ruptura?

El movimiento Ruptura fue un movimiento artístico que surgió en Brasil en la década de 1950. El movimiento estaba encabezado por un grupo de artistas, entre ellos Waldemar Cordeiro, Luiz Sacilotto, Geraldo de Barros, Anatol Wladyslaw y Judith Lauand.

El movimiento Ruptura fue un importante hito en el desarrollo del arte concreto en Brasil. El movimiento ayudó a popularizar la abstracción y a promover el arte concreto como una forma de arte relevante para la sociedad brasileña.

¿Cuál fue el objetivo de la publicación del manifiesto Ruptura?

El manifiesto Ruptura fue publicado en 1952. El manifiesto fue una declaración de principios del movimiento Ruptura. El manifiesto defendía la abstracción, la integración del arte en la vida cotidiana y la renovación de los valores esenciales de la arte visual.

El manifiesto Ruptura fue un documento importante en la historia del arte concreto en Brasil. El manifiesto ayudó a difundir las ideas del movimiento Ruptura y a promover el arte concreto como una forma de arte relevante para la sociedad brasileña.

¿Cuáles son los objetivos del manifiesto Grupo Ruptura?

Los objetivos del manifiesto Grupo Ruptura son los siguientes:

  • Defender la abstracción como proyecto de transformación.
  • Promover la integración del arte en la vida cotidiana.
  • Renovación de los valores esenciales de la arte visual.

El manifiesto Grupo Ruptura fue un documento importante en la historia del arte concreto en Brasil. El manifiesto ayudó a difundir las ideas del movimiento Ruptura y a promover el arte concreto como una forma de arte relevante para la sociedad brasileña.

¿Cuál es la origen de la arte concreta?

La arte concreta surgió en Europa, en el inicio del siglo XX, con la intención de producir obras que usaran elementos propios de las linguagens. A princípio: planos y colores. As se difundir para otras linguagens, la arte concreta pasó a trabajar con superficies, sonidos, silencios, enquadramentos cenográficos etc.

La arte concreta fue un movimiento artístico que se desarrolló en Europa y América Latina en el siglo XX. El movimiento se caracterizó por el uso de elementos abstractos, como planos y colores, para crear obras de arte que fueran objetivas y racionales.

¿Cuál fue el principal foco del concretismo en Brasil?

El principal foco del concretismo en Brasil fue la abstracción. Los artistas concretistas brasileños creían que la abstracción era una forma de arte más pura y objetiva que la representación figurativa.

El concretismo brasileño también se interesó por la integración del arte en la vida cotidiana. Los artistas concretistas brasileños querían que el arte fuera accesible a todos y que pudiera tener un impacto positivo en la sociedad.

¿Qué es una pintura concretista?

Una pintura concretista es una obra de arte que utiliza elementos abstractos, como planos y colores, para crear una composición armoniosa y equilibrada.

Los principios del concretismo rechazan cualquier convención o interpretación lírica o simbólica. El cuadro, construido exclusivamente con elementos plásticos – planos y colores -, no tiene otra significación si no él propio.

Una pintura concretista puede ser muy simple o muy compleja. Sin embargo, siempre se caracteriza por su uso de elementos abstractos para crear una composición armoniosa y equilibrada.

Judith Lauand La Dama Del Arte Concreto

Judith Lauand La Dama del Concreto
Judith Lauand La Dama del Concreto

Judith Lauand La Dama Del Arte Concreto

Judith Lauand, una de las artistas brasileñas más importantes del siglo XX, dedicó su vida a la pintura.
Nacida en el interior de São Paulo en la década de 1920, se formó en la Escuela de Bellas Artes de la ciudad. Sus primeras obras, figurativas e influenciadas por el expresionismo, evolucionaron hacia la abstracción y, finalmente, al arte concreto.

A principios de la década de 1950, Lauand mostró un creciente interés por el color y sus pulsaciones ópticas. Este interés la llevó a abrazar el arte concreto, un movimiento que buscaba crear obras de arte que fueran puramente visuales y abstractas.

En 1955, Lauand se convirtió en miembro del Grupo Ruptura, un grupo de artistas paulistanos que fueron pioneros del arte concreto en Brasil. El grupo, que también incluía a artistas como Waldemar Cordeiro, Luiz Sacilotto y Geraldo de Barros, buscaba crear un arte que fuera moderno y relevante para la sociedad brasileña.

Lauand fue una de las pocas mujeres que participaron en el Grupo Ruptura. Su trabajo, que a menudo presentaba formas geométricas de colores brillantes, la ayudó a ganar reconocimiento internacional como una de las principales artistas concretas del mundo.

A lo largo de su carrera, Lauand experimentó con diferentes estilos y técnicas. En la década de 1960, volvió a la figuración, incorporando elementos pop y expresionistas a su trabajo. En la década de 1970, regresó al arte concreto, pero con un enfoque más informal.

En los últimos años, Lauand ha continuado experimentando con diferentes formas y colores. Su trabajo sigue siendo relevante y emocionante, y es un testimonio de su compromiso con el arte y la creatividad.
En los últimos años, Lauand ha continuado experimentando con diferentes formas y colores. Su trabajo sigue siendo relevante y emocionante, y es un testimonio de su compromiso con el arte y la creatividad.

Uno de los exponentes más importantes de la producción artística brasileña de la segunda mitad del siglo XX, Judith Lauand convirtió la pintura en su vida.

Nacida en el interior de São Paulo en la década de 1920, se formó en la Escuela de Bellas Artes y, a partir de ahí, su carrera avanzó y se expandió. Sus obras, al principio figurativas e influenciadas por el expresionismo, se volvieron abstractas y luego, concretas.

A principios de la década de 1950, Judith Lauand mostró un creciente interés por el color y sus pulsaciones ópticas, culminando en el Concretismo. De hecho, esta es la expresión más fuerte de su trayectoria artística, hasta el punto de hacerla reconocida mundialmente como dama del arte concreto brasileño.

Este proceso comienza en 1955, cuando es invitada a formar parte del grupo de artistas paulistanos Ruptura y se convierte en figura destacada en la fundación del Movimiento Concreto, siendo, incluso, la única mujer en integrar el grupo. Participa de la icónica Exposición Nacional de Arte Concreto del MAM – Museo de Arte Moderno de São Paulo, en 1952.

El Movimiento Concreto pretendía abolir de la pintura cualquier connotación simbólica o lírica. Los cuadros deberían contener solo planos y colores. El mismo camino seguía la poesía concreta, pareja de las artes visuales, teniendo en Décio Pignatari y los hermanos Haroldo y Augusto de Campos sus principales representantes.

En una entrevista concedida al diario de la Asociación Brasileña de Críticos de Arte, en el año 2011, Judith Lauand dijo: “Yo tenía conciencia de que hacíamos algo nuevo, que no existía. Que estábamos construyendo la base de un movimiento nuevo”. La propia artista cita como sus referencias: “Malevitch por el pensamiento matemático, Mondrian por sus estructuras, Paul Klee por el lirismo, Modigliani por la ternura, Marcel Duchamp por la amplitud de visión, con una obra que nunca se repetía. Y Josef Albers porque tiene en el color su principal expresividad…”.

Judith Lauand permanece durante años fiel a su postura y trayectoria concretistas. Su obra en esta fase tiende a la perfección en la composición, en el refinamiento del color y en el equilibrio gráfico, conseguidos a través de constantes investigaciones. Ejerce la énfasis en la geometría con rigor, en líneas y formas esparcidas en el lienzo de forma rígida, casi matemática.

La artista, aunque en la búsqueda de la razón geométrica, poco a poco, a diferencia de los otros miembros del grupo Ruptura, va subvertiendo sus propios trabajos con “licencias poéticas”.

A finales de la década de 1960, la artista retoma la figuración, ahora más libre y menos rígida. Incorpora a sus trabajos elementos pop y resalta la función social del arte, evidenciando una postura política y feminista, que reafirma su papel de vanguardia.

A principios de la década de 1970, retoma la producción de trabajos de esencia abstracta geométrica, transitando entre esta y un abstraccionismo más informal.

Su obra en los años siguientes se adentra por otros caminos, experimentando la asimetría. En ella, el lado geométrico de la composición da lugar a una nueva dismetría, en la que la artista rompe la rigidez y subverte lo concreto, a veces haciendo uso de formas redondeadas. Su declaración “no hace falta ser cuadrado para ser concreto” suma ruptura a ruptura.

La trayectoria singular de Judith Lauand se desarrolla con participaciones en cinco bienales de São Paulo y en varias exposiciones nacionales e internacionales.

Hasta hoy, con 92 años, su trabajo se muestra con destaque en el circuito internacional de artes, como la exposición reciente en la Stephen Friedman Gallery en Londres, ocurrida en 2013. Las obras de la artista están presentes en los museos más importantes de Brasil, además de museos internacionales, como el Musée de Grenoble, en Francia, y el Museum of Fine Arts, en Houston, EE. UU.

En esta exposición promovida por el 44º Chapel Art Show, que contempla pinturas, serigrafías y xilografías, las obras de la artista muestran, con delicadeza y audacia en las formas, las diferencias básicas entre la línea y el plano, siempre a través de mucho color.

El trabajo de Judith Lauand posee sí un enfoque matemático y racional, pero con alma, rigor y poesía, que captan nuestra mirada y nos encantan. Las palabras, claro, no sustituyen la apreciación de las obras.

Adriana Rede
Curadora
44º Chapel Art Show

Pace

Pace
Pace enjoys a unique U.S. heritage spanning East and West coasts through its early support of artists central to the Abstract Expressionist and Light and Space movements.

Pace

New York, London, Hong Kong, Seoul, Geneva, Los Angeles, Tokyo

Pace is a leading international art gallery representing some of the most influential contemporary artists and estates from the past century, holding decades-long relationships with Alexander Calder, Jean Dubuffet, Barbara Hepworth, Agnes Martin, Louise Nevelson, and Mark Rothko.

Pace enjoys a unique U.S. heritage spanning East and West coasts through its early support of artists central to the Abstract Expressionist and Light and Space movements.

Since its founding by Arne Glimcher in 1960, Pace has developed a distinguished legacy as an artist-first gallery that mounts seminal historical and contemporary exhibitions. Under the current leadership of CEO Marc Glimcher, Pace continues to support its artists and share their visionary work with audiences worldwide by remaining at the forefront of innovation. Now in its seventh decade, the gallery advances its mission through a robust global program— comprising exhibitions, artist projects, public installations, institutional collaborations, performances, and interdisciplinary projects. Pace has a legacy in art bookmaking and has published over five hundred titles in close collaboration with artists, with a focus on original scholarship and on introducing new voices to the art historical canon.

Today, Pace has seven locations worldwide, including European footholds in London and Geneva as well as Berlin, where the gallery established an office in 2023. Pace maintains two galleries in New York—its headquarters at 540 West 25th Street, which welcomed almost 120,000 visitors and programmed 20 shows in its first six months, and an adjacent 8,000 sq. ft. exhibition space at 510 West 25th Street. Pace’s long and pioneering history in California includes a gallery in Palo Alto, which was open from 2016 to 2022. Pace’s engagement with Silicon Valley’s technology industry has had a lasting impact on the gallery at a global level, accelerating its initiatives connecting art and technology as well as its work with experiential artists. Pace consolidated its West Coast activity through its flagship in Los Angeles, which opened in 2022. Pace was one of the first international galleries to establish outposts in Asia, where it operates permanent gallery spaces in Hong Kong and Seoul, along with an office and viewing room in Beijing. In spring 2024, Pace will open its first gallery space in Japan in Tokyo’s new Azabudai Hills development.

Pace Gallery Artists

Gideon Appah
Richard Avedon
Jo Baer
Yto Barrada
Lynda Benglis
David Byrne
Alexander Calder
Harry Callahan
William Christenberry
Chuck Close
Nigel Cooke
Mary Corse
Keith Coventry
Jules de Balincourt
Willem de Kooning
Huong Dodinh
Tara Donovan
DRIFT
Jean Dubuffet
Nathalie Du Pasquier
Torkwase Dyson
Latifa Echakhch
Tim Eitel
Elmgreen & Dragset
Pam Evelyn
Robert Frank
John Gerrard
Adrian Ghenie
Sam Gilliam
David Goldblatt
Sonia Gomes
Adolph Gottlieb
Emmet Gowin
Paul Graham
Kevin Francis Gray
Hai Bo
Barbara Hepworth
David Hockney
Loie Hollowell
Hong Hao
Peter Hujar
Robert Irwin
Matthew Day Jackson
Virginia Jaramillo
Alfred Jensen
JR
Glenn Kaino
Nina Katchadourian
Acaye Kerunen
Grada Kilomba
Kiki Kogelnik
Jeff Koons
Josef Koudelka
Alicja Kwade
Richard Learoyd
Lee Ufan
Lee Kun-Yong
Sol LeWitt
Li Songsong
Maya Lin
Liu Jianhua
Damian Loeb
Robert Longo
Rafael Lozano-Hemmer
David Lynch
Robert Mangold
Kylie Manning
Mao Yan
Agnes Martin
Roberto Matta
Prabhavathi Meppayil
Beatriz Milhazes
Richard Misrach
Maysha Mohamedi
William Monk
Yoshitomo Nara
Robert Nava
Kohei Nawa
Louise Nevelson
Hermann Nitsch
Kenneth Noland
Thomas Nozkowski
Oldenburg/van Bruggen
Paulina Olowska
Trevor Paglen
Adam Pendleton
Irving Penn
Marina Perez Simão
Pablo Picasso
Richard Pousette-Dart
Qiu Xiaofei
Random International
Robert Rauschenberg
Mark Rothko
Paolo Roversi
Michal Rovner
Lucas Samaras
Julian Schnabel
Joel Shapiro
Raqib Shaw
Arlene Shechet
Tony Smith
Kiki Smith
Song Dong
Keith Sonnier
Saul Steinberg
Sui Jianguo
Mika Tajima
Antoni Tàpies
teamLab
Hank Willis Thomas
James Turrell
Richard Tuttle
JoAnn Verburg
Leo Villareal
Brent Wadden
Wang Guangle
Lawrence Weiner
John Wesley
Robert Whitman
Fred Wilson
Xiao Yu
Yin Xiuzhen
Yoo Youngkuk
Zhang Xiaogang
Zhang Huan

Matthew Marks Gallery

Matthew Marks Gallery

Matthew Marks Gallery

Founded in New York in 1991, Matthew Marks Gallery represents thirty-four artists of different generations working in a wide range of mediums, including painting, sculpture, photography, and printmaking.

Today the gallery maintains exhibition spaces totaling more than 18,000 square feet, with three locations in New York and two in Los Angeles.

Each year we present between thirteen and fifteen exhibitions, many accompanied by original publications.

Matthew Marks Gallery Artists


    MARTIN BARRÉ
    NAYLAND BLAKE
    JOAN BROWN
    PETER CAIN
    VIJA CELMINS
    XINYI CHENG
    LEIDY CHURCHMAN
    ALEX DA CORTE
    THOMAS DEMAND
    TRISHA DONNELLY
    VINCENT FECTEAU
    PETER FISCHLI DAVID WEISS
    KATHARINA FRITSCH
    LUIGI GHIRRI
    ROBERT GOBER
    WADE GUYTON
    MARTIN HONERT
    GARY HUME
    JASPER JOHNS
    ELLSWORTH KELLY
    SIMONE LEIGH
    MICHEL MAJERUS
    RON NAGLE
    JULIEN NGUYEN
    JULIA PHILLIPS
    KEN PRICE
    MARTIN PURYEAR
    CHARLES RAY
    SUELLEN ROCCA
    PAUL SIETSEMA
    STURTEVANT
    ANNE TRUITT
    REBECCA WARREN
    TERRY WINTERS

Additional Artists
ROBERT ADAMS
ANNI ALBERS
RICHARD ALDRICH
CARLOS ALMARAZ
DARREN ALMOND
KAI ALTHOFF
CARL ANDRE
KAREL APPEL
DIANE ARBUS
JOHN ARMLEDER
DAVID ARMSTRONG
ROBERT ARNESON
EUGÈNE ATGET
FRANK AUERBACH
LUTZ BACHER
JO BAER
BALTHUS
GEORG BASELITZ
AUBREY BEARDSLEY
ROBERT BECHTLE
ROBERT BECK
JORDAN BELSON
CHRISTIAN BÉRARD
JOSEPH BEUYS
ASHLEY BICKERTON
KARL BLOSSFELDT
DAVID BOMBERG
COSIMA VON BONIN
LOUISE BOURGEOIS
DIEDRICK BRACKENS
JOE BRAINARD
CONSTANTIN BRANCUSI
VICTOR BRAUNER
CHARLES BURCHFIELD
RICHMOND BURTON
JEAN-MARC BUSTAMANTE
PAUL CADMUS
ALEXANDER CALDER
JULIA MARGARET CAMERON
MERLIN CARPENTER
JAMES CASTLE
MATHEW CERLETTY
PAUL CÉZANNE
JOHN CHAMBERLAIN
JAKE AND DINOS CHAPMAN
ED CLARK
FRANCESCO CLEMENTE
GUY DE COINTET
GEORGE CONDO
MATT CONNORS
JOSEPH CORNELL
ROBERT CRUMB
EDWARD S. CURTIS
HENRY DARGER
HONORÉ DAUMIER
NOAH DAVIS
TACITA DEAN
EDGAR DEGAS
CHARLES DEMUTH
EDWIN DICKINSON
RINEKE DIJKSTRA
LOIS DODD
ARTHUR DOVE
MARLENE DUMAS
CARROLL DUNHAM
MARY BETH EDELSON
MELVIN EDWARDS
JANIVA ELLIS
ED VAN DER ELSKEN
JAMES ENSOR
FREDERICK H. EVANS
WALKER EVANS
JIM FALCONER
PAUL FEELEY
FORCEFIELD
ROY DE FOREST
JARED FRENCH
LUCIAN FREUD
LEE FRIEDLANDER
BERNARD FRIZE
NIKITA GALE
MAUREEN GALLACE
PAUL GAUGUIN
ISA GENZKEN
FRANZ GERTSCH
ALBERTO GIACOMETTI
SAM GILLIAM
DOMENICO GNOLI
NAN GOLDIN
JACK GOLDSTEIN
LEON GOLUB
FÉLIX GONZÁLEZ-TORRES
ARSHILE GORKY
DAN GRAHAM
RODNEY GRAHAM
EILEEN GRAY
ART GREEN
JOANNE GREENBAUM
NANCY GROSSMAN
GEORGE GROSZ
ANDREAS GURSKY
PHILIP GUSTON
GUYTON\WALKER
PETER HALLEY
RICHARD HAMILTON
JONATHAN HAMMER
RACHEL HARRISON
MARSDEN HARTLEY
RICHARD HAWKINS
MARY HEILMANN
BARKLEY L. HENDRICKS
LENA HENKE
GEORG HEROLD
CHARLINE VON HEYL
LUBAINA HIMID
HANNAH HÖCH
DAVID HOCKNEY
HOWARD HODGKIN
JENNY HOLZER
RONI HORN
PETER HUJAR
JACQUELINE HUMPHRIES
LUCHITA HURTADO
KAHLIL ROBERT IRVING
MIYOKO ITO
TOMASHI JACKSON
SERGEJ JENSEN
LARRY JOHNSON
RAY JOHNSON
DONALD JUDD
FRIDA KAHLO
CRAIG KAUFFMAN
MIKE KELLEY
BHUPEN KHAKHAR
KAREN KILIMNIK
MARTIN KIPPENBERGER
CHRISTOPHER KNOWLES
JOHN KOCH
JUTTA KOETHER
WILLEM DE KOONING
ELAINE DE KOONING
JEFF KOONS
MICHAEL KREBBER
WALT KUHN
YASUO KUNIYOSHI
YAYOI KUSAMA
GASTON LACHAISE
DR. LAKRA
INEZ VAN LAMSWEERDE
THOMAS LANIGAN-SCHMIDT
GREER LANKTON
LOUISE LAWLER
MAGGIE LEE
ZOE LEONARD
LES LEVINE
SHERRIE LEVINE
HELEN LEVITT
NORMAN LEWIS
SOL LEWITT
ROY LICHTENSTEIN
GLENN LIGON
SARAH LUCAS
GEORGE PLATT LYNES
DANNY LYON
RENÉ MAGRITTE
ROBERT MANGOLD
CHRISTIAN MARCLAY
BRICE MARDEN
JOHN MARIN
MARISOL
AGNES MARTIN
HENRI MATISSE
MARLENE McCARTHY
PAUL McCARTHY
ALLAN McCOLLUM
LUCY McKENZIE
ROY McMAKIN
HELLEN VAN MEENE
JULIE MEHRETU
HENRI MICHAUX
TRACEY MOFFATT
CARLO MOLLINO
PIET MONDRIAN
UGO MULAS
JILL MULLEADY
ELIZABETH MURRAY
EADWEARD MUYBRIDGE
ELIE NADELMAN
BRUCE NAUMAN
GLADYS NILSSON
CADY NOLAND
KENNETH NOLAND
JIM NUTT
GEORGIA O’KEEFFE
JOHN O'REILLY
CLAES OLDENBURG
MERET OPPENHEIM
GABRIEL OROZCO
PAUL OUTERBRIDGE
BILL OWENS
LAURA OWENS
BLINKY PALERMO
BETTY PARSONS
HIRSCH PERLMAN
PHILADELPHIA WIREMAN
PABLO PICASSO
JACK PIERSON
HOWARDENA PINDELL
ADRIAN PIPER
SIGMAR POLKE
JACKSON POLLOCK
LARRY POONS
STEPHEN PRINA
RICHARD PRINCE
R. H. QUAYTMAN
CHRISTINA RAMBERG
MEL RAMOS
ROBERT RAUSCHENBERG
MAN RAY
ODILON REDON
AD REINHARDT
DEBORAH REMINGTON
GERHARD RICHTER
LARRY RIVERS
WALTER ROBINSON
UGO RONDINONE
KAY ROSEN
JAMES ROSENQUIST
DIETER ROTH
THOMAS RUFF
ED RUSCHA
NIKI DE SAINT PHALLE
LUCAS SAMARAS
AUGUST SANDER
ALAN SARET
PETER SAUL
JULIAN SCHNABEL
THOMAS SCHÜTTE
KURT SCHWITTERS
JOAN SEMMEL
PAUL MPAGI SEPUYA
RICHARD SERRA
JOEL SHAPIRO
PAUL SHARITS
NANCY SHAVER
JIM SHAW
CINDY SHERMAN
KATHARINA SIEVERDING
AMY SILLMAN
AVERY SINGER
SYLVIA SLEIGH
ANDREAS SLOMINSKI
DAVID SMITH
HARRY SMITH
JACK SMITH
JOSH SMITH
TONY SMITH
REENA SPAULINGS
LINDA STARK
SAUL STEINBERG
PAT STEIR
FLORINE STETTHEIMER
HAROLD STEVENSON
ALFRED STIEGLITZ
CLYFFORD STILL
LILY VAN DER STOKKER
MYRON STOUT
HIROSHI SUGIMOTO
MARK DI SUVERO
PHILIP TAAFFE
TABBOO!
ATSUKO TANAKA
SAM TAYLOR-WOOD
HERVÉ TÉLÉMAQUE
PAUL THEK
BETTY TOMPKINS
ROSIE LEE TOMPKINS
BILL TRAYLOR
ROSEMARIE TROCKEL
LUC TUYMANS
CY TWOMBLY
MEYER VAISMAN
PETER VOULKOS
KELLEY WALKER
ABRAHAM WALKOWITZ
JEFF WALL
ANDY WARHOL
WEEGEE
LAWRENCE WEINER
JOHN WESLEY
HENRY WESSEL
H. C. WESTERMANN
EDWARD WESTON
STANLEY WHITNEY
T. J. WILCOX
SUE WILLIAMS
MILLIE WILSON
ROBERT WILSON
KARL WIRSUM
STEVE WOLFE
ADOLF WÖLFLI
WOLS
CHRISTOPHER WOOL
LYNETTE YIADOM-BOAKYE
ALBERT YORK

522 West 22nd Street
New York
(212) 243-0200
[email protected]


Gallery closed through January 1, 2024

523 West 24th Street
New York, NY 10011
(212) 243-0200
[email protected]



Gallery closed through January 1, 2024

526 West 22nd Street
New York
(212) 243-0200
[email protected]


Gallery closed through January 1, 2024

1062 North Orange Grove
Los Angeles, CA 90046
(323) 654-1830
[email protected]


Gallery will close at 3 PM on Friday, December 22. Leidy Churchman: Heart Drop will reopen with regular hours on January 2, 2024.

LEIDY CHURCHMAN
Heart Drop

through January 13, 2024
7818 Santa Monica Boulevard
Los Angeles
(323) 654-1830
[email protected]


Gallery will close at 3 PM on Friday, December 22. Ken Price: Drawings will reopen with regular hours on January 2, 2024.

KEN PRICE
Drawings

through January 13, 2024
Contact
Stephanie Dorsey, Senior Director
[email protected]
Jacqueline Tran, Senior Director
[email protected]
Johannes Hoerning, Director
[email protected]
Mi Jeong Kim, Director, Asia
[email protected]
Beau Rutland, Director of Exhibitions
[email protected]
Alex Fang, Associate Director
[email protected]
Grace Scheuerer, Associate Director
[email protected]
Ted Turner, Associate Director
[email protected]
Jane Denton, Director of Finance and Administration
[email protected]
Sean Ryan, Head Preparator
[email protected]
Mike Henry, Senior Director, Operations
[email protected]
Sean Logue, Director, Archives and Photography
[email protected]
Rights & Reproductions
[email protected]
Lindsay Charlwood, Director, Los Angeles
[email protected]
Nathan Coutts, Head Preparator, Los Angeles
[email protected]

Marco Maggi

Marco Maggi
Marco Maggi

MARCO MAGGI

[1957, Uruguay]

Maggi attended the State University of New York at New Paltz (SUNY New Paltz), graduating with an MFA in Printmaking in 1998. The medium, he has said, interested him not for its process, but for the way in which it provided a “threshold between two and three dimensions.” This formal interest connects directly to Maggi’s longstanding concern with the variability of knowledge—the way in which overwhelming amounts of information are disseminated flatly, deflecting introspection or focus. By making works that are both subtle and meticulous, Maggi encourages his viewers to slow down and reflect upon each object’s details and intricacies; that act, of slow looking, is a political act that runs counter to the dominant tendency to look quickly and superficially. Myopia, Maggi writes, is the “best answer to globalization…delicacy is a subversive activity and to pay attention is really shocking.”

New York-based Uruguayan artist Marco Maggi takes everyday objects such as photocopy paper, aluminum foil, apples, and parking mirrors as the foundations for his precisely rendered sculptures and drawings. Using humor, wordplay, and a range of visual allusions, Maggi uses his meticulous processes to explore the relationship between information and knowledge in our contemporary world.

In a series entitled The Ted Turner Collection – from CNN to the DNA, Maggi shows his acute critical sense by using reproductions of pieces by artists like Gerhard Richter, Andy Warhol, and Hélio Oiticica to comment on the mediatized condition of contemporary life. Heaps of white paper cover reproductions, slashed with precision to create reliefs and gaps that reveal traces of tones from the reproductions hidden underneath, forming a big white landscape spiked with small slits of color. The installations maintain the use of paper, but from a distance, the numerous heaps do not show their nature; one must come closer, become somewhat acquainted with the works and dedicate some time to find out what they reveal.

Maggi’s works have been a part of numerous important solo exhibitions, including Bienal de Cuenca, Ecuador (2012); inCUBAdora, Bienal de La Habana, Havana, Cuba (2003); Bienal de São Paulo, Brazil (2002); Global Myopia (Pencil & Paper), La Biennale di Venezia, Venice, Italy (2015);

Construcciones & Demoliciones, dibujos en español, Centro Cultural Reina Sofia, Montevideo, Uruguay (2003); Language Descending a Staircase, East Wing Biennial at the Courtauld Institute of Art, London, England, UK (2016); Gwangju Bienniale, South Korea (2004); “Desinformação funcional, desenhos em português,” Instituto Tomie Ohtake, São Paulo, Brazil (2012); By disappointment only, Josée Bienvenu Gallery, New York City, New York, USA (2007); No Idea, Museum of Latin American Art (MoLAA), Long Beach, California, USA (2012); Marco Maggi: The Gold and the Moor, Nara Roesler, Rio de Janeiro, Brazil (2017); Hotbed Online, Sala 1 – Centro Internazionale d’Arte Contemporanea, Rome, Italy (2002); and Esperando el 104, Xippas, Paris, France (2022).

Maggi’s works are represented in several major collections including Art Institute of Chicago, Illinois, USA; Colección Patricia Phelps de Cisneros (CPPC), Caracas, Venezuela and New York City, New York, USA; Daros Latinamerica Collection, Zurich, Switzerland; de Young Museum, San Francisco, California, USA; Hirshhorn Museum and Sculpture Garden, Washington DC, USA; Indianapolis Contemporary, Indiana, USA; Judith Rothschild Foundation, New York City, New York, USA; Kemper Museum of Contemporary Art, Kansas City, Missouri, USA; The Morgan Library & Museum, New York City, New York, USA; Museum of Fine Arts, Boston (MFA), Massachusetts, USA; The Museum of Fine Arts, Houston (MFAH), Texas, USA; Museum of Modern Art (MoMA), New York City, New York, USA; San Jose Institute of Contemporary Art (ICA), California, USA; Solomon R. Guggenheim Museum, New York City, New York, USA; and Whitney Museum of American Art, New York City, New York, USA.

SELECTED SOLO EXHIBITIONS

2022
Tiny Tyrannies, Hosfelt Gallery, San Francisco, CA, USA

2021
Esperando el 104, Galerie Xippas, Punta del Este, Uruguay
No visual distancing please…, Sicardi | Ayers | Bacino, Houston, TX, USA
La Révolte du Détail, Galerie Xippas, Paris, France

2019
INITIALISM (From Obscurantism to Enlightenment), Josée Bienvenu Gallery, New York, NY, USA
En Defense de Las Vocales, Galeria Cayon, Madrid, Spain

2018
SUPRA muro, Hosfelt Gallery, San Francisco, CA, USA
O Papel é Inocente (Paper is not guilty), Brazilian Museum of Sculpture (MUBE), São Paulo, Brazil

2017
Theory of the Inevitable Convergence, Galeria Nara Roesler, New York, NY, USA
Marco Maggi, Putin´s Pencils, Sicardi Gallery, Houston, TX. USA
Marco Maggi: Global Myopia (Language in Residence), Hosfelt Gallery, San Francisco, CA, USA
Marco Maggi: The Gold and the Moor, Galeria Nara Roesler, Rio de Janeiro, Brazil

2016
Language Descending a Staircase, East Wing Biennial, The Courtauld Art Institute, London, UK
Piano Piano, Espacio Monitor, Caracas, Venezuela
Language in Residence, Josée Bienvenu Gallery, New York, NY, USA

2015
DEPLOYER, Galerie Xippas, Paris, France
Marco Maggi: Unfolding, Josée Bienvenu Gallery, New York, NY, USA
Sentence with Three Corners, Galeria Nara Roesler, São Paulo, Brazil
Into Whiter Space, Sayago & Pardon, Los Angeles, CA, USA
Global Myopia (Pencil & Paper), 56th Venice Biennale, Venice, Italy
Drawing Attention, Kemper Museum of Contemporary Art, Kansas City, MO, USA
Marco Maggi / Piano Piano, Espacio Monitor, Caracas, Venezuela
Vuelva Usted Mañana, Galeria Cayon, Madrid, Spain

2014
West Vs. East, Hosfelt Gallery, San Francisco, CA, USA
White Specific, Sayago Pardon, Los Angeles, CA, USA

2013
Fanfold, Sicardi Gallery, Houston, TX, USA

2012
Figari Prize XVII, Museo Figari, Montevideo, Uruguay
Bienal de Cuenca, Ecuador
Turn Left, Galerie Xippas, Paris, France
Le Menor Idea, Galería Cayón, Madrid, Spain
No Idea, Museum of Latin American Art (MOLAA), Long Beach, CA, USA
Lentissimo, The Frances Lehman Loeb Art Center, Vassar College Museum, Poughkeepsie, NY, USA
Desinformação funcional, desenhos em portugués, Instituto Tomie Ohtake, São Paulo, Brazil

2011
Bienal de Cuenca, Ecuador
Optimismo Radical, NC-Arte, Bogotá, Colombia
X-ACTO, Xippas arte contemporáneo, Montevideo, Uruguay
From Huguenot to Microwave, Dorsky Museum, New Paltz, NY, USA

2010
Al calor del pensamiento, Fundación Banco Santander, Madrid, Spain
Infintesimal, Galería el Paseo, Punta del Este, Uruguay
Parking any time, Josée Bienvenu Gallery, New York, NY, USA
American Ream, Palitz Gallery at Lubin House, Syracuse University, NY, USA
Lentissimo, Vassar Museum, Poughkeepsie, NY, USA

2009
American Ream, Warehouse Gallery, Syracuse University, NY, USA
Slow Scandal, Point of Contact Gallery, Syracuse University, NY, USA
Cubic Drops, Hosfelt Gallery, San Francisco, CA, USA

2008
Slow Politics, Sicardi Gallery, Houston, TX, USA
Hipo-Real, Nara Roesler Gallery, São Paulo, Brazil

2007
By disappointment only, Josée Bienvenu Gallery, New York, NY, USA
“From a Drawing Standpoint,” Leo Fortuna Gallery, Hudson, NY, USA
Micro and Soft on Macintosh Apple (with Ken Solomon), Lewis B. and Dorothy Cullman Education and Research Building, Museum of Modern Art (MoMA), New York, NY, USA

2006
Off/Fora, 29th Pontevedra Biennial, Pontevedra, Spain
Profiles: The Ted Turner Catalog (from CNN to DNA), Hosfelt Gallery, San Francisco, CA, USA

2005
The Ted Turner Collection, Complete Coverage, Josée Bienvenu Gallery, New York, NY, USA
El Papel Del Papel, Centro Colombo Americano, Bogotá, Colombia
Hotbed e Altre Storie, Vitamin Arte Contemporáneo, Torino, Italy
From DNA to CNN, Sicardi Gallery, Houston, TX, USA
Video Box (with Ken Solomon), Centro Cultural Reina Sofía, Montevideo, Uruguay
Le deMond Diplomatique, Galerie Frank, Paris, France
Pages, iSpace, University of Illinois at Urbana-Champagne, Chicago, IL, USA

2004
Fifth Gwangju Biennial, South Korea
Micro & Soft on Macintosh Apple, video collaboration with Ken Solomon, Cristinerose/Josée Bienvenu Gallery, New York, NY, USA

2003
inCUBAdora, VIII Havana Biennial, Cuba
Constructing & Demolishing, Cristinerose, Josée Bienvenu Gallery, New York, NY, USA
exPECTACLE, Hosfelt Gallery, San Francisco, CA, USA
Construcciones & Demoliciones, dibujos en español, Centro Cultural Reina Sofía, Montevideo, Uruguay
Museo de Arte Contemporáneo de Buenos Aires, Argentina

2002
25th São Paulo Biennial, São Paulo, Brazil
Hotbed Line, Gallery Sala Uno, Rome, Italy
PreColumbian & PostClintonian, Sicardi Gallery, Houston, TX, USA
Micro Macro, DAN Galeria, São Paulo, Brazil
Portuguese Drawings, Dan Galeria, São Paulo, Brazil

2001
Global Myopia, Kemper Museum of Contemporary Art, Kansas City, MO, USA
BITniks, Hosfelt Gallery, San Francisco, CA, USA

2000
The Pencil Monologues, 123 Watts Gallery, New York, NY, USA
Hardware vs. Software, Miller & Block Gallery, Boston, MA, USA
micro, macro, mArco (0002-9991: a retrospective), ARCO Project Room, Madrid, Spain

1999
From Freezer to Microwave, Hosfelt Gallery, San Francisco, CA, USA

1998
Techtonic, 123 Watts Gallery, New York, NY, USA

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SELECTED PUBLIC COLLECTIONS

American Express, New York, NY, USA

Art Institute of Chicago, IL, USA

Cisneros Fontanals Art Foundation (CIFO), Miami, FL, USA

Colección Jumex, Mexico City, Mexico

Colección Patricia Phelps de Cisneros, New York, NY, USA

D. Daskalopoulos Collection, Halandri, Greece

Dacra, Miami, FL, USA

Dallas Museum of Art (DMA), Dallas, TX, USA

Daros Latinamerica Collection, Zürich, Switzerland

De Young Museum, San Francisco, CA, USA

Diane and Bruce Halle Collection, Scottsdale, AZ, USA

Dorsky Museum, New Paltz University, New York, NY, USA

El Museo del Barrio, New York, NY, USA

Fine Arts Museums of San Francisco, CA, USA

Hammer Museum, Los Angeles, CA, USA

Hirshhorn Museum and Sculpture Garden, Washington, D.C., USA

Indianapolis Museum of Contemporary Art, IN, USA

Kemper Museum of Contemporary Art, Kansas City, MO, USA

Loeb and Lehman Art Center, Vassar College, Poughkeepsie, NY, USA

Morgan Library and Museum, New York, NY, USA

Museo de Arte Contemporáneo, São Paulo, Brazil

Museo Tamayo Arte Contemporáneo, Mexico City, Mexico

Museum of Contemporary Art (MoCA), Los Angeles, CA, USA

Museum of Fine Arts, Boston, MA, USA

Museum of Fine Arts, Houston (MFAH), TX, USA

Museum of Latin American Art (MOLAA), Long Beach, CA, USA

Museum of Modern Art (MoMA), New York, NY, USA

Perez Art Museum, Miami, FL, USA

Progressive Corporation, Mayfield Village, OH, USA

San Francisco Museum of Modern Art (SFMOMA), CA, USA

San Jose Institute of Contemporary Art, CA, USA

Solomon R. Guggenheim Museum, New York, NY, USA

Sprint Corporation, Overland Park, KS, USA

Syracuse University, NY, USA

The Drawing Center, New York, NY, USA

The Judith Rothschild Foundation, New York, NY, USA

The Rachofsky House, Dallas, TX, USA

Walker Art Center, Minneapolis, MN, USA

Whitney Museum of American Art, New York, NY, USA


Lisson Gallery

lisson gallery
lisson gallery

Lisson Gallery

LONDON | NEW YORK | LOS ANGELES | SHANGHAI | BEIJING

Lisson Gallery is a contemporary art gallery with locations in London and New York, founded by Nicholas Logsdail in 1967.

Lisson Gallery is one of the most influential and longest-running international contemporary art galleries in the world. Today the gallery supports and promotes the work of more than 60 international artists across spaces in London, New York, Los Angeles, Shanghai and Beijing. Established in 1967 by Nicholas Logsdail, Lisson Gallery pioneered the early careers of important Minimal and Conceptual artists, such as Art & Language, Carl Andre, Daniel Buren, Donald Judd, John Latham, Sol LeWitt, Richard Long and Robert Ryman among many others. It still works with many of these artists as well as others of that generation from Carmen Herrera to the renowned estate of Leon Polk Smith.

In its second decade the gallery introduced significant British sculptors to the public for the first time, including Tony Cragg, Richard Deacon, Anish Kapoor, Shirazeh Houshiary and Julian Opie. Since 2000,the gallery has gone on to represent many more leading international artists such as Marina Abramović, Ai Weiwei, John Akomfrah, Susan Hiller, Tatsuo Miyajima and Sean Scully. It is also responsible for raising the international profile of a younger generation of artists led by Cory Arcangel, Ryan Gander, Van Hanos, Hugh Hayden, Haroon Mirza, Laure Prouvost, Pedro Reyes, Wael Shawky and Cheyney Thompson.

Lisson Gallery Artists

Marina Abramović
Ai Weiwei
Kelly Akashi
John Akomfrah
Allora & Calzadilla
Olga de Amaral
Art & Language
Cory Arcangel
Garrett Bradley
Daniel Buren
Gerard Byrne
Estate of Antonio Calderara
James Casebere
Estate of Roy Colmer
Tony Cragg
Sarah Cunningham
Dexter Dalwood
Richard Deacon
Nathalie Djurberg & Hans Berg
Spencer Finch
Ceal Floyer
Ryan Gander
Rodney Graham
Dan Graham
Van Hanos
Hugh Hayden
Carmen Herrera
Estate of Susan Hiller
Estate of Channa Horwitz
Dom Sylvester Houédard
Shirazeh Houshiary
Christian Jankowski
Estate of Peter Joseph
Anish Kapoor
John Latham Estate
Christopher Le Brun
Tim Lee
Lee Ufan
Sol LeWitt
Li Ran
Liu Xiaodong
Richard Long
Robert Mangold
Jason Martin
Haroon Mirza
Tatsuo Miyajima
Jonathan Monk
Otobong Nkanga
Estate of Hélio Oiticica
Julian Opie
Tony Oursler
Giulio Paolini
Joyce Pensato
Jack Pierson
Bernard Piffaretti
Joanna Pousette-Dart
Laure Prouvost
Rashid Rana
Lucy Raven
Pedro Reyes
Fred Sandback
Sean Scully
Wael Shawky
Leon Polk Smith Foundation
Sean Snyder
Cheyney Thompson
Lawrence Weiner
Richard Wentworth
Masaomi Yasunaga
Yu Hong
Zhao Gang


London
27 Bell Street
27 Bell Street
London
NW1 5BY

Tuesday – Saturday, 11am – 6pm and by appointment

Call +44 (0)20 7724 2739 or
email [email protected]

67 Lisson Street
67 Lisson Street
London
NW1 5DA

Tuesday – Saturday, 11am – 6pm and by appointment

Call +44 (0)20 7724 2739 or
email [email protected]

New York
504 West 24th Street
504 West 24th Street
New York
10011

Tuesday – Saturday, 10am – 6pm and by appointment

Call +1 212 505 6431 or email [email protected]

508 West 24th Street
508 West 24th Street
New York
10011

Tuesday – Saturday, 10am – 6pm and by appointment

Call +1 212 505 6431 or email [email protected]

Shanghai
Shanghai
2/F, 27 Huqiu Road
Huangpu District
Shanghai 200002

Tuesday – Saturday, 11am – 6pm

Email [email protected]

Beijing
Beijing
4/F, Building D7, Yard No.3
Jinhang East Road
Beijing, China

Tuesday – Saturday, 11am – 6pm

Email [email protected]

Los Angeles
Los Angeles
1037 N. Sycamore Avenue
Los Angeles
90038

Tuesday – Saturday, 10am – 6pm and by appointment

Call +1 213 224 7550 or
email [email protected]

White Cube

white cube gallery
white cube gallery

White Cube Gallery

White Cube is one of the world’s leading contemporary art galleries, representing over 60 international artists and artist estates. 

Built on the belief that art has a power to enrich people’s lives, White Cube presents exhibitions in galleries located across three continents – in New York, London, Paris, Hong Kong, Seoul and West Palm Beach. Contiguously, the gallery realises off-site projects as well as a full online programme of exhibitions. To support all this, White Cube also has a long publishing history of award-winning titles, which is founded on innovative design and rigorous scholarship.

Purposefully artist-led, White Cube has, over the course of the past 30 years, supported and promoted the creative ambitions of many of the most important and influential artists of our time. Respected within the art community for a commitment to identify and nurture emerging talent, including the generation of British artists who came to prominence in the early 1990s, White Cube is one of the very few galleries that has been instrumental in the rise of an artistic movement.

Established in London in 1993 by founder Jay Jopling, the first decade of the gallery’s wide-ranging programme was unique in the fact that no artist was ever shown more than once. Between 1993-2001, the gallery presented 75 shows by 75 artists from a townhouse in London’s most traditional art dealing street, Duke Street, St. James’s. Conceived as a space that offered visitors an intimate encounter with a single artwork or focused body of work, the gallery’s reputation and impact soon far exceeded the limits of this now iconic, small white room. White Cube presented the first UK exhibitions by many of today’s most respected artists, including Tracey Emin, Julie Mehretu, Hiroshi Sugimoto and Luc Tuymans, whilst also featuring exhibitions by acclaimed masters of late 20th-century art, including Chuck Close, Lucian Freud, Ellsworth Kelly and Richard Prince.

White Cube has consistently opened galleries in locations in line with the needs and ambitions of its artists as well as the gallery’s evolving audience. In 2000 it opened its second space in Hoxton Square in the East End of London, which was then the epicentre of London’s artistic resurgence. White Cube Hoxton hosted memorable exhibitions by Miroslaw Balka, Louise Bourgeois, Mark Bradford, Katharina Fritsch, Gilbert & George, Andreas Gursky, David Hammons, Raqib Shaw and Jeff Wall.

In recent years, White Cube has further expanded its presence in London, opening a purpose-built gallery in the heart of St James’s, central London, in 2006 and a flagship gallery on Bermondsey Street in South London in 2011.

White Cube Mason’s Yard has staged some of the most seminal exhibitions of the 21st century, including its inaugural show by Gabriel Orozco, which featured a monumental, articulated whale skeleton; Damien Hirst’s ‘Beyond Belief’, which included the iconic diamond skull, For the Love of God; as well as premiering Christian Marclay’s masterwork, The Clock in 2010. This gallery has also staged historical exhibitions by Günther Förg, Jannis Kounellis and Wayne Thiebaud.

White Cube Bermondsey opened in 2011 and is Europe’s largest commercial gallery space; it counts many hundreds of thousands of visitors a year and has staged museum-scale exhibitions by Michael Armitage, Theaster Gates, Antony Gormley, Mona Hatoum, Anselm Kiefer, Ibrahim Mahama and Doris Salcedo.

The gallery’s pioneering spirit has propelled it to look beyond London and, in 2012, it opened a space in Hong Kong – one of the very first Western galleries to commit to Asia – and, in that same year, it also took up a three-year residency in São Paulo, Brazil. In 2020 the gallery opened a space in Paris, on the first floor of a residential property on avenue Matignon and, having established locations in Europe and Asia, White Cube further expanded its reach in 2023, choosing to open galleries in both Seoul and New York.

Over the past three decades, White Cube’s roster of artists has continued to grow and diversify; the gallery now represents painters, sculptors and multi-disciplinary artists from 33 countries around the world, whilst always remaining true to its original ambition – to make the contemporary historic and the historic contemporary.

White Cube Artists

Tunji Adeniyi-Jones
Etel Adnan
Darren Almond
Ellen Altfest
David Altmejd
Michael Armitage
Christine Ay Tjoe
Miroslaw Balka
Georg Baselitz
Bram Bogart
Chuck Close
Julie Curtiss
Lynne Drexler
Tracey Emin
Cerith Wyn Evans
Sara Flores
Katharina Fritsch
Theaster Gates
Gilbert & George
Louise Giovanelli
Antony Gormley
Andreas Gursky
David Hammons
Mona Hatoum
Al Held
Damien Hirst
Klára Hosnedlová
Marguerite Humeau
Richard Hunt
Robert Irwin
Sergej Jensen
Anselm Kiefer
Rachel Kneebone
Imi Knoebel
Liu Wei
Danica Lundy
Ibrahim Mahama
Christian Marclay
Dóra Maurer
Tiona Nekkia McClodden
Josiah McElheny
Julie Mehretu
Beatriz Milhazes
Harland Miller
Sarah Morris
Bruce Nauman
Isamu Noguchi
Minoru Nomata
Gabriel Orozco
Virginia Overton
Lygia Pape
Park Seo-Bo
Eddie Peake
Magnus Plessen
Jessica Rankin
Marina Rheingantz
Doris Salcedo
Cinga Samson
Ilana Savdie
Raqib Shaw
Haim Steinbach
Takis
TARWUK
Fred Tomaselli
Danh Vo
Jeff Wall
Léon Wuidar

Locations

White Cube
Bermondsey, London
144 – 152 Bermondsey Street
London SE1 3TQ

White Cube
Mason’s Yard, London
25 – 26 Mason’s Yard
London SW1Y 6BU

White Cube
New York
1002 Madison Avenue
New York, NY 10075

White Cube
Hong Kong
50 Connaught Road Central
Hong Kong

White Cube
Paris
10 avenue Matignon
75008 Paris

White Cube
Seoul 6, Dosan-daero 45-gil
Seoul
South Korea

Sadie Coles HQ

Sadie Coles HQ
Sadie Coles HQ

Sadie Coles HQ

London-based contemporary art gallery representing established and emerging international artists.

Sadie Coles HQ Artists

Michele Abeles
Uri Aran
Darren Bader
Matthew Barney
Alvaro Barrington
Frank Benson
John Bock
Lisa Brice
Don Brown
Jonathan Lyndon Chase
Monster Chetwynd
Steven Claydon
John Currin
Alex Da Corte
Isabella Ducrot
Sam Durant
Shannon Ebner
Urs Fischer
Georgia Gardner Gray
Kati Heck
Georg Herold
Jonathan Horowitz
Yu Ji
David Korty
Gabriel Kuri
Jim Lambie
Lawrence Lek
Klara Liden
Hilary Lloyd
Sarah Lucas
Diego Marcon
Helen Marten
Victoria Morton
Laura Owens
Simon Periton
Raymond Pettibon
Seth Price
Richard Prince
Ugo Rondinone
Borna Sammak
Wilhelm Sasnal
Katja Seib
Daniel Sinsel
Christiana Soulou
Rudolf Stingel
Ryan Sullivan
Martine Syms
Nicola Tyson
Paloma Varga Weisz
TJ Wilcox
Jordan Wolfson
Andrea Zittel
Works by
Carl Andre
William N. Copley
Angus Fairhurst
Paul Anthony Harford
Florian Hecker
Lucia Laguna
Elizabeth Peyton
Alan Turner
Co Westerik

62 Kingly Street

London W1B 5QN

Tues – Sat 11am – 6pm

1 Davies Street
London W1K 3DB

Tues – Sat 11am – 6pm

8 Bury Street

London SW1Y 6AB

Tues – Sat 11am – 6pm

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