Lucid Design District
10-12 NE 41 St., Miami, FL 33137
Lucid Design District Announces Its 2023 Miami Art Week Exhibition
CHROMA 2023 returns to Lucid Design District during Miami Art Week. CHROMA is an annual group show and this year’s fifteen emerging and mid-career artists will exhibit paintings, fiber art, sculptures, and digital art. The Opening Reception will take place on Tuesday, December 5, 2023, from 5:00 – 8:00 pm. Lucid Design District, 10-12 NE 41 St., Miami, FL 33137.FREE with RSVP via Eventbrite or [email protected]. The exhibition will be on view through December 19th.
New to the show this year are Adriana Mangupli (Argentina), Francisco Cortes (Argentina), Karina Guerrero (Miami), Kevin Fletcher (Miami), Monica Avayou (Mexico), and Wynn Gay (New Jersey).
The returning artists from Lucid Design District’s spring exhibition are Alejandra Stier, Anne Beatriz, Emilie Gosselin, Graciela Montich (curator), Sandra De Souza, Simi Bhandari, Payal Tak, Victoria Lopez, and Tanja Ličina
Lucid Design District opened during Art Basel/Miami Art Week 2022. Owning an art gallery is Payal Tak’s second career. For thirty years she was the founder, president, and CEO of Telesis (an Information Technology company in Washington D.C.). Painting late into the night while listening to Sufi music allowed Tak to re-energize at the end of the workday. After relocating to Miami in 2020, Lucid Design District was originally her personal studio. However, with hopes of supporting other artists, she converted the 3,700-sf building into an art gallery and event space.
Tak’s mission is to provide a commercial platform for artists whose voices need to be heard. She says, “the gallery shares its walls with the objective to illuminate the viewer’s mind and allow artistic creations to become a force for good in society.”
To date, she has created more than 200 paintings. “My art is a reflection of my free mind,” comments Tak. “It is a liberating excursion that allows me to freely use a wide array of mediums and play with structure and form while allowing me to have an unrestricted approach to creativity.”
CHROMA 2023 Lucid Design District 10-12 NE 41 St., Miami, FL 33137 Opening Reception: Tuesday, December 5, 2023, | 5– 8pm | Free with RSVP Gallery Hours: 11 am – 5 pm, Tuesday through Saturday. Additional hours by appointment. Exhibition closes: December 19, 2023 www.LucidDesignDistrict.com @LucidDesignDistrict [email protected] Phone: 240-678-6776
About Lucid Design District Established in 2021 as a studio and exhibition space for founder Payal Tak’s personal artwork, Lucid Design District will officially open to the public during Art Basel Miami Beach (Miami Art Week) 2022. The gallery is located on Miami Design District’s “art corner” (10-12 NE 41 St. at Miami Ave.) next to Museum Garage and across the street from the de la Cruz Collection and the Institute of Contemporary Art, Miami. The idea of Lucid Design District was born from Ms. Tak’s desire to connect with the community through collaborative art exchanges. She envisions hosting regular exhibitions, educational art talks, and artist networking events. The 3700-sf space is also an ideal environment for design-focused networking events and features a large reception or performance area; 8 curio-style ‘idea spaces’ for solo artist showcases or breakout sessions; a full-size kitchen; and 75’ long outdoor seating or parking area with lights; and a large wall for art installations.
“My goal is to make available a commercial platform for artists whose voices need to be heard. Lucid shares its walls with the objective to illuminate the viewers mind and allow artistic creations to become a force for good in the society.” ~ Payal Tak
Magnificent 30-Foot-Tall Bird Sculptures Take Flight at Pinecrest Gardens
Immerse Yourself in the First-Ever ‘Avian Oasis’ Exhibit from November 18 to May 23
Pinecrest Gardens, South Florida’s historic botanical gem, proudly announces its first-ever ‘Avian Oasis’ exhibit. From Nov. 18, 2023 to May 23, 2024, visitors can experience six captivating bamboo-crafted bird sculptures, each standing up to a staggering 30 feet tall, set within the lush landscapes of Pinecrest Gardens.
‘Avian Oasis’ is a transformative blend of art, history, and nature. This exhibition marks a monumental moment in Pinecrest Gardens’ 20-year history as we invite guests to connect deeply with each avian story,” said Cristina Blanco, executive director of Pinecrest Gardens.
Crafted by the world-renowned The Myth Makers, Donna Dodson & Andy Moerlein, every piece in the ‘Avian Oasis’ narrates a story, from a 15-foot-tall Macaw at the entrance honoring the historic Parrot Jungle and its founder Franz Scherr, the majestic 30-foot-tall Sandhill Crane outside the main entrance commemorating the late Sidney Poitier, to a 10-foot-tall Cockatoo that revives memories of Pinky, the high-wire cycling bird symbolizing the original Parrot Jungle.
Additionally, a playful 25-foot-tall Peacock inspired by Julia DeForest Tuttle, the “Mother of Miami,” and a 25-foot-tall Eastern Screech Owl nestled within the Banyan Grove pays respect to the indigenous peoples while a 15-foot-tall Painted Bunting near the Inspiration Center celebrates Maurice A. Ferré, the revered modern-day Father of Miami. Each bird sculpture unveils a rich tapestry of Miami’s past, ensuring the garden teems with tales and history.
“We’ve always been fascinated by the intertwining of myth and nature. ‘Avian Oasis’ represents the heartbeats of Miami’s storied past, each bird singing tales of legends and heroes,” said Dodson and Moerlein.
The attention to detail is impeccable. Sculptures are primarily made from bamboo, which is sourced from members of the American Bamboo Society. The Myth Makers enhance each sculpture with whimsical elements and splashes of color using repurposed and recycled materials.
Beyond mere observation, the ‘Avian Oasis’ is an interactive experience. Children can wander through the Peacock’s tail maze or participate in a scavenger hunt, while adults find solace under the sculptures, creating lasting memories.
Event planners can elevate their occasions with Pinecrest Gardens’ enchanting backdrop. The ‘Avian Oasis’ sculptures add magic to any event, from holiday parties and weddings to corporate functions.
For Dodson and Moerlein, ‘Avian Oasis’ is a continuation of their passion. With over 50 projects in 13 years, spanning 18 states and countries like Switzerland, Vietnam and Taiwan, their work has captured imaginations and received both national awards and state recognitions. To create the sculptures for this project, the artists worked in residence at Gardenship, a unique arts incubator in Newark, NJ.
“Each bird tells a story, and Pinecrest Gardens is the perfect stage. We invite everyone to let their imaginations soar with these beautiful Avian Avatars,” Blanco added.
Tickets and costs for the ‘Avian Oasis’ exhibit at Pinecrest Gardens will be available soon. For updates, follow Pinecrest Gardens on social media or visit www.pinecrestgardens.org/mythmakers.
ABOUT PINECREST GARDENS
Pinecrest Gardens, with its lush landscapes, beautiful botanic gardens and buzzing community scene, welcomes over 150,000 local and international visitors each year. Formerly the beloved Parrot Jungle, the Village of Pinecrest acquired this South Florida gem in 2002, securing its place on the National Register of Historic Places in 2011. Today, Pinecrest Gardens provides a multifaceted venue for the arts, education, and environmental conservation. Beyond its rich history, it serves as both an entertainment destination and a picturesque backdrop for special occasions, spanning from weddings and bridal showers to corporate events. Committed to inclusivity, Pinecrest Gardens extends a warm invitation to visitors everywhere, offering a rich tapestry of events, workshops, and enlightening experiences designed to enthrall and educate.
Whether it’s attending a live concert in the 530-seat amphitheater, wandering through 14 acres of botanical wonders punctuated by native wetlands, hardwood hammocks, and a serene cypress slough, playing on the new inclusive, ADA-accessible playground or participating in an art-centric festival or horticultural tour, there’s always something to discover. Stay connected by following Pinecrest Gardens on social media or visit www.pinecrestgardens.org.
ABOUT THE MYTH MAKERS
The collaboration between Dodson and Moerlein is born from a mutual love of the wild. Dodson takes inspiration from the mysterious nature of birds that spark her imagination. Moerlein takes inspiration from events in the natural world that strike a narrative chord in the artist.
Although monumental in scale, their ephemeral works are temporary in nature. Made from natural materials, they are site-specific and respond to their local audience. Meaning to only last three to five years, they appear, fade, and disappear, adding a chapter to the life stories in their communities. The Myth Makers’ work has won national awards and state recognition(s) and has been recently featured in American Public Garden Magazine, Basketry Magazine and Sculpture Magazine.
Dodson is a graduate of Wellesley College (BA) and is currently a Resident Scholar at the Brandeis University Women’s Studies Research Center and a Visual Art Fellow at the St. Botolph Club in Boston. Moerlein is a graduate of Dartmouth College (BA) and Cornell University (MFA), a lifelong educator and arts activist. Visit www.themythmakers.org for more information.
The Beacon
HARBORWALK ARTISTS IN RESIDENCE: THE MYTH MAKERS, DONNA DODSON & ANDY MOERLEIN
Beacon, a 20’ tall bamboo sculpture by The Myth Makers, Donna Dodson & Andy Moerlein is a monumental public art project that is inspired by the Osprey as a tribute to Rachel Carson and her ecological restoration efforts.
ENTREVISTA A RICARDO CARBONELL/EL COLLAGE CONTEMPORANEO
POR MILAGROS BELLO *
El Venezolano Ricardo Carbonnell ha venido desarrollando su obra, desde hace más de 10 años. Consecuencial y pacientemente, así como de manera intimista y privada, y sin aspavientos ni demostraciones, el artista calladamente realiza su labor creativa en su residencia, donde cada día con una obsesividad perseverante dedica el tiempo a sus descubrimientos del collage contemporáneo investigando nuevos métodos experimentales. Uno de sus frentes más activos actuales es el trabajar una técnica particular de collage contemporáneo que reúne objetos de la vida cotidiana, calcomanías, etiquetas comerciales, tickets de maletas, timbres fiscales, estampillas, latas de cervezas, botellas de vino, sobres, paletas de helados, chapas, tarjetas de presentación, mapas, empaques, tarjetas de créditos, billetes fuera de circulación. En una función de restituir los tiempos y darle una identidad a la memoria colectiva caracterizada por el consumo, la acumulación y las estrategias de producción capitalista, y creación de marcas. Los objetos en Carbonell trabajan como vestigios del tiempo y como reliquias. Carbonell también utiliza en sus collages, como un abordaje no ortodoxo y que va más lejos, el recorte minucioso de tape eléctrico en pequeñas tiras, las cuales “pega” en secuencias numéricas geométricas y dando lugar a trayectorias rítmicas expansivas y cambiantes como rutas visuales cinéticas. Realiza igualmente la incorporación de creyones y marcadores, en intervenciones abstractas trazadas con geometrías rectilíneas, tanto en columnas como en formas espirales, triangulares y cubicas. Un hecho singular es que esos trazados y marcas esconden siempre una numerología estructural que es el número 11 y sus múltiplos en una de alusión incisiva política que marco al mundo y a él, que fueron los hechos del 11 de septiembre de 2001 en EUA. Trabaja indistintamente en el papel o la tela abriendo camino a una reflexión sobre los nuevos cauces que se pueden experimentar en el collage contemporáneo. De una manera sistémica creativa, sus obras se producen en conjuntos en series, cada vez unidos por un hilo conceptual. El trabajo es meticuloso y enfocado, de largas horas de laboriosidad paciente y determinada. Su taller es un espacio intimista de no mayores dimensiones que un cuarto, donde además de su escritorio de trabajo, libros, cuadros, marcadores y creyones, están los objetos colectados desde hace más de diez años, producto de un ojo selector y agudizado en lo que es la sociedad del desecho. Desde el 2019 hasta el presente ha participado consecutivamente en exposiciones curadas en Curator’s Voice Art Projects y en MIA Curatorial Projects. Igualmente en ferias como West Palm Beach, en Hamptons Art Fair y ICFF New York. Su obra ha participado en dos ediciones bienales en el European Cultural Center en Venecia, Italia en el contexto de la Bienal de Venecia (2019, 2022). MILAGROS BELLO: ¿Qué te llevó a utilizar el collage contemporáneo como técnica en tu trabajo artístico? RICARDO CARBONELL: La raíz de mi inclinación por el collage contemporáneo se remonta a la búsqueda constante de imágenes. Desde mi infancia, solía guardar objetos que capturaban mi atención en una caja especial. Eran todo tipo de elementos encontrados, en una suerte de pasión por recolectar, por resguardar. Los recuerdos de los collages que admiré en el MOMA durante los años 60 permanecen vívidos en mi mente, los de Picasso, de Duchamp, de Marx Ernst, de Kurt Schwitters. Me impactaba la manera como recolocaban los fragmentos de imágenes diferentes. Estaba descubriendo una realidad nueva. Igualmente me impactaron las obras icónicas de Andy Warhol, las famosas latas de sopa Campbell que en el fondo eran una retoma de una imagen prestada de otro contexto que Warhol trasladaba a un nuevo escenario creando nuevos significados. Asimismo, quedé impresionado por la habilidad de artistas como Alejandro Otero, quien utilizaba periódicos, brochas y serruchos en sus obras, una gran técnica creativa que vi en el Museo de Bellas Artes. Otero rompía con métodos tradicionales, y abría una nueva veta para el uso libre de materiales en los que procedía con una gran libertad creativa. En los años 70, conservé ejemplares del periódico “El Nacional” durante años, junto con etiquetas de productos, lo cual sembró en mí la idea de almacenar materiales de manera accesible para su uso futuro. Durante años mantuve esta práctica de guardar material que pudiera utilizar posteriormente. He venido colectándolos con una insistencia casi obsesiva, como un coleccionismo antropológico. Elementos desde estampillas, sellos, etiquetas de maletas, envases, y todo aquello que es considerado desecho, simplemente acumulan una historia, revelan un momento histórico o social, y muestran la permanencia en el tiempo de realidades y circunstancias. Era una necesidad de juntar objetos que representaban vivencias, momentos, para luego darles re-vida en una nueva trama como hicieron los “collagistas” de los sesenta o Warhol, logrando concordar elementos en nuevas unidades y bloques de nuevo significados. El descubrir la existencia del collage, me dio la seguridad de que la recolección podría ser efectiva. La paciencia ha sido mi aliada constante en la creación de cada pieza. Aunque aún tengo un deseo pendiente: abordar el desafío de realizar collages de gran envergadura, utilizando materiales más pesados y complejos.
MB: Cuál es el significado detrás de la incorporación de etiquetas, tickets de maletas, productos de consumo y otros elementos en tus obras de arte? RC: Dentro de mis obras de arte, encuentro significado en la inclusión de una diversidad de elementos: etiquetas de latas, cajas de cartón, timbres fiscales de bebidas alcohólicas, fragmentos de sobres de edulcorantes, paletas de helados, calcomanías, envoltorios de caramelos, tarjetas de crédito, empaques de productos y monedas, así como boletos de maletas y estacionamientos, facturas, tarjetas de presentación, estampillas, bolígrafos, etiquetas de vinos y placas metálicas. El propósito detrás de esta elección radica en mi deseo de resucitar y dar una nueva vida a objetos que han cumplido su propósito original, otorgándoles una oportunidad de formar parte integral de mis composiciones artísticas. De manera particular, siento una fuerte fascinación por coleccionar timbres fiscales; su mera presencia evoca recuerdos de cuando los descubrí a la edad de quince años. También, los boletos de estacionamientos, legalmente conocidos como “tarjas”, los billetes antiguos y los fragmentos rotos de sobres de edulcorantes han capturado mi interés de manera obsesiva. Un énfasis especial merece los fragmentos rotos, ya que reflejan la naturaleza impredecible y no lineal de la vida. Así como nosotros, como individuos, estamos compuestos por una variedad de elementos y experiencias que se ensamblan gradualmente, somos como un rompecabezas en constante formación. Esta amalgama de elementos encuentra su cohesión en nuestros valores y en la dimensión que somos capaces de abarcar.
MB: ¿Cómo describirías la meticulosa técnica de recortes rectilíneos de diferentes tamaños de cinta adhesiva eléctrica que utilizas en tus creaciones?
RC: La técnica que empleo en mis creaciones involucra el hábil recorte de cinta adhesiva eléctrica en variados tamaños y formas rectilíneas, pero siempre buscando lo orgánico del corte, permitiendo sutiles irregularidades que revelan los movimientos de las manos y no la precisión fría de una máquina de cortar material. La labor de realizar estos cortes va más allá de lo superficial; implica un desafío interno que pone a prueba mi habilidad y perseverancia. Cada recorte demanda una fuerza y una concentración que actúan como un ejercicio de autoevaluación. Cada recorte exige destreza y precisión. La tijera se convierte en una herramienta de concertación esencial en este proceso, demandando una habilidad más intensiva que la que podría requerir un simple pincel en otras formas de expresión artística. Cada recorte es como una pincelada en el lienzo. De hecho, la construcción completa de mi obra se basa en la selección y disposición previa de estas “pinceladas” que están ya en mi mente, antes de llevarlas a cabo físicamente. Mi objetivo es lograr sorpresas visuales en los recortes de trazados accidentales como expresión de la naturaleza del movimiento humano. En la actualidad, exploro la posibilidad de establecer una conexión profunda entre mis series de Columnas de recortes de tape eléctrico y el mundo de la composición musical, buscando construir una amalgama que enlace ambas expresiones artísticas de manera única y significativa.
MB: ¿Qué papel juegan los colores disponibles en el mercado industrial de las cintas adhesivas en tu proceso artístico? RC: En mi proceso artístico, los colores disponibles en el mercado industrial de cintas adhesivas desempeñan un papel esencial y singular. He desarrollado un sistema numérico que me permite categorizar los distintos colores. A pesar de las limitaciones inherentes a la paleta de colores de estas cintas industriales, he logrado trascender estas restricciones y utilizarlas como un punto de partida creativo en lugar de un obstáculo inhibidor. En cada nuevo país que tengo la oportunidad de visitar, exploro las variaciones y opciones de cintas adhesivas disponibles en el mercado local. Esta investigación constante enriquece mi posibilidad de expresión. En la actualidad, desarrollo una serie de obras sobre lienzo donde fundo colores, donde uso cinta adhesiva meticulosamente colocadas y que forman mallas o redes. El collage se transforma en otra cosa, es un salto a otro contexto visual.
MB: ¿Cómo utilizas los números para determinar la organización de los rectángulos de cinta adhesiva en cada obra y qué importancia tienen estos números en tu trabajo creativo?
RC: La utilización de números en la disposición de los rectángulos de cinta adhesiva dentro de cada obra tiene un significado profundo y multifacético en mi enfoque creativo. En particular, el número 11 lo he adoptado como un emblema en honor a las víctimas del 11 de septiembre de 2001, un acontecimiento que transformó el curso de nuestra civilización y que marcó un punto de inflexión en nuestra historia. Mi elección de este número busca rendir tributo y recordar su influencia. La presencia constante del número 11 en mi trabajo no solo establece un sistema o método organizativo, sino que también me impulsa a mantener una regularidad en mis series sin restringir mi capacidad de explorar otras alternativas. Además de la serie 11, he desarrollado la serie 46 y la serie 19, cada una con su propio conjunto de implicaciones y variaciones.
La utilización de números tiene una función pragmática al evitar distracciones y ambigüedades en la identificación de mis obras, al tiempo que infunde un sentido de orden y coherencia a lo largo de mi trabajo, de manera similar a cómo los números asignados a las obras de Jackson Pollock tuvieron un impacto en su presentación visual. En la actualidad, una de mis obras más significativas es la Sinfonía #21, una composición sobre papel que se extiende a lo largo de 10,08 metros (399 pulgadas). Esta obra está compuesta por 21 piezas, cada una formada por 7 segmentos de 3 columnas, y a su vez, cada columna se divide en 5 partes, representando diferentes colores. Cada pieza dentro de esta sinfonía visual lleva consigo una armonía propia, un equilibrio meticuloso que resuena en toda la composición. Este es mi enfoque del collage contemporáneo donde siento que salgo hacia otras coordenadas.
La curadora Milagros Bello es doctora en Sociología con una tesis doctoral en Sociología del Arte por la Universidad de la Sorbona (París VII-Jussieu), y máster en Historia del Arte por la Universidad de la Sorbona (Universidad de París I), ambas en París, Francia. Obtuvo una licenciatura en Psicología, especializada en Psicología Clínica, por la Universidad Central de Venezuela, y siguió cursos de maestría en Orientación Familiar e Individual en su país de origen, Venezuela. La Dra. Bello es crítica de arte miembro de la Asociación Internacional de Críticos de Arte (AICA), y miembro de la Federación Nacional de Psicólogos de Venezuela. Es curadora independiente y actualmente dirige MIA Curatorial Projects (antiguo Curator’s Voice Art Projects fundado en 2010 en Wynwood Art District, Miami). Desde 2010 hasta la actualidad, la Dra. Bello ha comisariado numerosas exposiciones de arte contemporáneo a nivel nacional e internacional. En particular, en abril-noviembre de 2022, en el marco de la 59ª Bienal de Venecia, comisarió la exposición “Americanos. Imaginarios actuales”, que estuvo expuesta hasta noviembre de 2022 en el Centro Cultural Europeo de Venecia (Italia). Es conferencista en museos e institutos de arte; escritora para revistas de arte locales e internacionales, y ex redactora jefe de la revista de arte Arte Al Dia International. Durante catorce años, de 2000 a 2014, impartio clases como profesora de arte en diversas áreas teóricas de especialización, como Teorías Críticas, Historia del Arte, Historia de la Fotografía Moderna y Contemporánea, Sociología, a nivel de posgrado y licenciatura en universidades estadounidenses, Florida International University (FIU), Florida Atlantic University (FAU), Miami International University (The Art Institute/Miami), e Istituto Marangoni/Miami. Actualmente es directora y curadora jefe de MIA Curatorial Projects en Miami (antiguo Curator’s Voice Art Projects fundado en Wynwood Art District en 2010). La Dra. Bello es mentora y coach motivacional para artistas. @milagrosbellocurator @miacuratorial E: [email protected]
Nancy Spero: Más que una Artista, una Activista Visual
PINTOR, COLLAGE Y ARTISTA DE INSTALACIÓN ESTADOUNIDENSE
Nacida: 24 de agosto de 1926 – Cleveland, Ohio, EE. UU. Fallecida: 18 de octubre de 2009 – Nueva York, EE. UU.
Esposo: Leon Golub (m. 1951–2004)
Hijo: Paul Golub
Nancy Spero, artista visual estadounidense, dejó una huella imborrable en la escena artística mundial. Nacida en Cleveland, Ohio, Spero pasó la mayor parte de su vida en Nueva York, donde su carrera artística y activismo florecieron durante cincuenta años.
Su matrimonio y colaboración con el artista Leon Golub enriquecieron su viaje artístico y la llevaron a explorar nuevos horizontes. Como artista y activista, Spero se destacó por su compromiso continuo con las preocupaciones políticas, sociales y culturales contemporáneas.
Spero se convirtió en una dibujante apasionada, utilizando el papel como su lienzo y el lápiz, la tinta, el gouache y el collage como sus herramientas para dar voz a las mujeres en el mundo del arte. Desafió la norma al centrarse en esta técnica, que a menudo se relegaba al ámbito del boceto y el apunte.
Su legado trascendió la lucha feminista por la que se la conoce en el mundo artístico. Sus obras abarcaron temas que iban desde la crónica de guerras y violencia apocalíptica hasta visiones de renacimiento extático y ciclos celebratorios de la vida.
Spero y Golub compartieron el compromiso de explorar una representación modernista de la forma humana, con sus narrativas y resonancias históricas, incluso cuando el Expresionismo Abstracto se convertía en el idioma dominante del arte.
Durante su estancia en Italia, Spero quedó intrigada por el formato, el estilo y el ambiente de los frescos y sarcófagos etruscos y romanos, lo que influiría en su obra posterior.
Nancy Spero no pintaba al óleo sobre lienzo, el medio canónico masculino, ni esculpía. Marcó su propio camino en el papel, utilizando bolígrafos, lápices, tinta, gouache, esténcil y collage. Su renuncia a las convenciones artísticas establecidas fue explícita.
Nacida en 1926 en una familia de origen judío en Cleveland, Ohio, Spero se mudó a Chicago a la edad de un año, donde vivió hasta los 23 años. Se convirtió en artista porque era lo único que realmente le interesaba y en lo que parecía tener talento. Spero estudió en la Escuela de Instituto de Arte de Chicago, donde conoció a Leon Golub, su futuro esposo.
La pareja se mudó a París durante un año, donde Spero continuó su formación artística en la École Nationale Supérieure des Beaux-Arts y en el taller de André Lhote, un pintor cubista temprano. A su regreso a Chicago, se casaron y se mudaron a Nueva York en 1964. En Nueva York, la pareja enfrentó el desafío de criar a tres hijos y, al mismo tiempo, ser testigos del conflicto de la Guerra de Vietnam a través de los medios de comunicación. Esto tuvo un impacto profundo en Spero y la llevó a abandonar la pintura al óleo y centrarse en dibujos en tinta y gouache, que expresaban su repulsión hacia la obscenidad de la guerra.
Fue durante este tiempo que Spero comenzó a explorar la “victimización” de las mujeres en su arte, visibilizando diversas historias locales de subyugación femenina. Se involucró activamente en grupos feministas y de activismo artístico, como el Art Workers Coalition (AWC) y Women Artists in Revolution (WAR). Estas experiencias la llevaron a unirse al comité fundador de Artist in Residence Gallery (A.I.R.), una iniciativa dedicada a exhibir el trabajo de mujeres artistas.
En la década de 1980, Spero desarrolló su conocido “elenco” de personajes femeninos, que incluía figuras como Lilith, Medusa y la diosa de la fertilidad irlandesa Sheela-Na-Gig. Estas figuras se convirtieron en su forma de abordar temas relacionados con la opresión de las mujeres en la historia.
A pesar de enfrentar el avance de la artritis reumatoide, que afectó el control de sus manos, Spero continuó creando arte hasta el final de su vida. Empleó asistentes en su proceso creativo y desarrolló instalaciones que cubrían paredes enteras con sus figuras.
El legado de Nancy Spero sigue vivo hoy en día, y su influencia en el mundo del arte es innegable. Su enfoque en la técnica de collage directamente en la pared ha inspirado a muchos artistas contemporáneos y ha dejado una huella indeleble en la historia del arte. Su valentía para abordar temas incómodos y su compromiso con la igualdad de género continúan inspirando a las nuevas generaciones de artistas y activistas. Nancy Spero no solo fue una artista, sino también una luchadora incansable por la justicia y la igualdad en el arte y la sociedad. Su obra perdurará como un testimonio de su dedicación y pasión por el cambio.
Marquez Art Projects (MAP): Un Oasis de Arte Emergente en Miami
Un Nuevo Espacio Artístico Emergente en Miami: La Colección de John Marquez
Address: 2395 NW 21st Terrace, Miami, FL 33142
Websire: https://marquezartprojects.com/
@marquezartprojects
La apertura de un innovador espacio artístico, la Colección de John Marquez, satisface la creciente demanda de una audiencia deseosa de nuevas opciones en el mundo del arte en Miami. La inauguración, marcada por la presencia de obras de destacados artistas como George Condo, así como el talento emergente de artistas locales como Bernadette Despujols y Loriel Beltran, sorprendió gratamente a los visitantes. Estos elementos afirman la identidad de la colección, que está trazando un nuevo rumbo en la escena artística de Miami.
John Marquez Marquez Art Projects (MAP) Photography by Zachary Balber.
Desde hace más de una década, el coleccionista de arte John Marquez ha estado en un viaje apasionante hacia el mundo del arte contemporáneo. Lo que comenzó tímidamente con una escultura de insecto de Pablo Castillo y una fotografía de anillos de humo de Donald Sultan, se ha convertido en una colección privada de más de 1000 obras y la creación de Marquez Art Projects (MAP), una fundación sin fines de lucro dedicada a promover a los artistas visuales emergentes.
John Marquez, desarrollador inmobiliario y restaurador, es un residente de toda la vida de Miami. Su amor por el arte contemporáneo lo llevó a centrarse en artistas vivos y a desarrollar una pasión por impulsar talentos emergentes, especialmente aquellos con raíces en Miami. Inició su colección con artistas de renombre como Banksy y KAWS, y con el tiempo, su cartera creció para abarcar a más de mil artistas de diversas partes del mundo.
La fundación MAP, ubicada en el vecindario de Allapattah en Miami, abrió sus puertas el 23 de septiembre en un impresionante espacio de exhibición de 8,000 pies cuadrados. Su objetivo es claro: brindar apoyo a artistas emergentes y establecidos, así como conectar sus obras con audiencias locales y globales.
El arte de Marquez abarca una amplia gama de estilos y enriquece la escena artística de Miami con obras de artistas como Nina Chanel Abney, Rita Ackermann, Harold Ancart, y muchos más. La diversidad y la pasión por el arte emergente son los pilares de la colección de Marquez y, por ende, de la fundación MAP.
Además de su dedicación al arte, John Marquez también se destaca por su compromiso filantrópico. Ha realizado importantes donaciones en las áreas de arte y salud, y actualmente es miembro de la junta directiva del Instituto de Arte Contemporáneo de Miami.
La fundación MAP no solo abrirá sus puertas para exhibiciones rotativas de la colección personal de Marquez, sino que también proporcionará un espacio para exposiciones individuales. Este espacio dinámico y versátil pretende fomentar el diálogo y la apreciación del arte emergente tanto a nivel local como internacional.
MAP Marquez Art Projects es más que una institución artística; es un reflejo de la pasión de John Marquez por el arte contemporáneo y su compromiso con el apoyo a los artistas emergentes. Con una colección diversa y una visión generosa, MAP promete enriquecer aún más el vibrante panorama artístico de Miami.
Si alguna vez te encuentras en Miami, no dudes en visitar este oasis de arte emergente en el corazón de Allapattah y sumergirte en el mundo creativo que John Marquez y su fundación han creado para la comunidad.
Photography by Zachary Balber.Photography by Zachary Balber.Photography by Zachary Balber.Photography by Zachary Balber.Photography by Zachary Balber.Photography by Zachary Balber.Photography by Zachary Balber.Photography by Zachary Balber.
Amilcar de Castro: Un Maestro de la Geometría Escultural
Amílcar Augusto Pereira de Castro • Nació: 6 de junio de 1920; Paraisópolis, Minas Gerais, Brazil • Falleció: 21 de noviembre de 2002 en Belo Horizonte, Minas Gerais, Brasil • Nacionalidad: Braziliaña • Movimiento: Neo-Concretismo • Género: pintura abstracta • Campo: pintura, escultura, gráficos
Amilcar Augusto Pereira de Castro, un ilustre escultor brasileño, dejó una marca indeleble en el mundo del arte con su enfoque minimalista y geométrico. Nacido en Paraisópolis, Minas Gerais, en 1920, su trayectoria artística se caracterizó por una maestría en la forma y el espacio.
Influenciado por el arte concreto y abstracto, Amilcar de Castro exploró el potencial expresivo del metal, en particular el acero Corten, en sus esculturas. Su búsqueda de la simplicidad y la pureza resultó en obras visualmente impactantes, caracterizadas por líneas rectas, volúmenes simples y la ausencia de ornamentación.
La simplicidad de sus creaciones revela una profunda comprensión de la relación entre la forma, el espacio y el material. Sus esculturas, a menudo monumentales, transmiten una sensación de armonía y equilibrio, invitando al espectador a explorar los matices de la composición.
Amilcar de Castro dejó un legado significativo en el arte brasileño, ganando reconocimiento internacional por sus contribuciones. Sus obras se encuentran en colecciones y museos importantes en todo el mundo, perpetuando su visión artística y su impacto perdurable.
Su carrera comenzó en Río de Janeiro en 1953, cuando se convirtió en diseñador gráfico para las revistas “Manchete” y “A Cigarra”. Luego, llevó a cabo el rediseño gráfico del periódico Jornal do Brasil de 1957 a 1959. En los años sesenta, aunque se centró cada vez más en la escultura, realizó diseño gráfico para varios otros periódicos brasileños y trabajó como diseñador de libros para la editorial Editora Vozes.
A partir de la década de 1960, se centró en la escultura y, junto con Lygia Clark, Lygia Pape y Helio Oiticica, fue una de las figuras destacadas del movimiento neoconstructivista brasileño.
Después de recibir una beca de la Fundación Guggenheim y el premio “Viaje al Extranjero” en el 15º Salón Nacional de Arte Moderno en 1957, viajó a Estados Unidos y se estableció en Nueva Jersey. En 1971 regresó a Belo Horizonte y se dedicó a actividades artísticas y educativas. Dirigió la Fundación Escola Guignard de 1974 a 1977, donde enseñó “expresión bidimensional y tridimensional”. Fue profesor de escultura en la Escuela de Bellas Artes de la UFMG de 1979 a 1990 y de escultura en la Fundación de Arte de Ouro Preto-FAOP en 1979.
Amilcar de Castro es especialmente conocido por sus esculturas de hierro simples y audaces, casi siempre caracterizadas por un diseño basado en “un corte, un doblez”. Su método puede relacionarse tanto con su trabajo anterior en diseño gráfico y papel como con la herencia minera de su estado natal de Minas Gerais.
No solo produjo esculturas de acero, sino que también utilizó madera, mármol y vidrio. Reflejando su formación bajo Alberto de Guignard y su trabajo como diseñador gráfico, también produjo miles de obras gráficas, dibujos, grabados y pinturas a gran escala, así como objetos y joyas.
Amilcar de Castro estuvo casado con Dorcilia Caldeira Castro y tuvieron tres hijos. Falleció en Belo Horizonte, Brasil, el 21 de noviembre de 2002.
Las esculturas de Amilcar de Castro, con su enfoque en la geometría y la simplicidad, continúan inspirando a generaciones de artistas y admiradores del arte en todo el mundo. Su capacidad para transformar el metal en poesía visual es un tributo duradero a su genio creativo.
El Museo Reina Sofía acoge, hasta octubre, la exposición Un acto de ver que se despliega, que plantea una aproximación a la Colección Susana y Ricardo Steinbruch.
La selección compuesta por más de cien obras reúne diferentes temporalidades y geografías, y se centra, sobre todo, en la contemporaneidad latinoamericana, especialmente brasileña, y en las prácticas artísticas que tuvieron lugar en la segunda mitad del siglo XX en la Europa Central y del Este.
Para ello, la exposición propone un recorrido que comienza con un proyecto específico de Fernanda Gomes (Brasil, 1960) y que transita desde los movimientos antiarte de la antigua República Federativa Socialista de Yugoslavia, al neoconcretismo o las respuestas artísticas que suscitaron los contextos políticos de las décadas de los sesenta y setenta.
Se dedica un ámbito a Mira Schendel (Suiza 1919-Brasil 1988), que incluye un conjunto muy importante de obras que abarca casi la totalidad de la trayectoria de la artista: en ellas se bordea la idea de territorio o se instalan en la experimentación con y desde el lenguaje.
También está representado el artista Leonilson (Brasil 1957-1993), siendo la primera vez que en España se exhibe un conjunto tan grande de obras del brasileño. Asimismo, destaca la pieza de Jonathas de Andrade (Brasil 1982), artista del Pabellón de Brasil de este año en la Bienal de Venecia.
Por su parte, cabe mencionar que esta exposición quiere evidenciar las relaciones y cruces que unen obras de diferentes autores en apariencia dispares y al tiempo se percibe una línea conceptual que sustenta la práctica de buena parte de sus artistas.
Teoría de los gestos Las piezas seleccionadas para la exposición se articulan en torno a la teoría de los gestos, acuñada por el pensador checo-brasileño Vilém Flusser. Para él, estos rituales de la percepción –que pueden parecer mínimos y no responder a una causalidad determinada– no solo posibilitan nuestro propio reconocimiento estético y afectivo; también están en la base de una cartografía de relaciones y cruces que une artistas en apariencia dispares.
A pesar de que a mediados de los años 90 en Europa occidental se despierta cierto interés por las prácticas artísticas desarrolladas tras la Segunda Guerra Mundial en la Europa Central y del Este, es en los últimos años cuando han comenzado los acercamientos a algunos autores; aun así, en España no se han exhibido demasiado ni los trabajos a modo individual ni en un contexto común.
Reordenación de la Nueva Colección Precisamente uno de los puntos fuertes de esta exposición es que los trabajos se muestran en una narración más amplia, no como como un mero correlato -casi un apéndice- al arte hecho en Europa Occidental como hasta ahora. Este aspecto se empezó a abordar en el Museo a partir de la reordenación de la Nueva Colección en que se incorporan estos artistas.
Por todo ello es interesante destacar, sobre todo en este momento en que se está produciendo un interés creciente a nivel internacional por el arte de los países del este, que los Steinbruch fueran pioneros al realizar hace ya varios años numerosas adquisiciones de artistas procedentes de esa parte del mundo.
Reseña: “Un Acto de Ver que se Despliega” y la Inmersión en el Neoconcretismo
El Museo Reina Sofía nos invita a un viaje visual y estético con su exposición “Un acto de ver que se despliega”, centrada en la Colección Susana y Ricardo Steinbruch. Esta muestra nos ofrece una mirada profunda y reflexiva sobre el arte contemporáneo latinoamericano, con un énfasis especial en el Brasil del siglo XX, sin dejar de lado influencias y movimientos clave de la Europa Central y del Este.
Es evidente la intención de crear un puente entre diferentes tiempos y espacios, y esto se refleja en la diversidad de las obras seleccionadas, transitando desde el antiarte yugoslavo hasta el neoconcretismo, movimiento que, en particular, desafió y redefinió las nociones de abstracción y representación en el arte.
Mira Schendel y su multifacética trayectoria artística merecen una mención especial. A través de sus obras, el visitante puede experimentar con las ideas de territorio, lenguaje y experimentación. Por otro lado, la presencia significativa de Leonilson, cuyas obras se exhiben por primera vez en España en tal magnitud, añade un valor inestimable a la exposición.
El concepto que articula la exposición, la “teoría de los gestos” del pensador checo-brasileño Vilém Flusser, propone una perspectiva intrigante. Flusser sugiere que estos gestos, aunque puedan parecer triviales, son fundamentales para entender las interconexiones entre artistas y obras que, a primera vista, podrían parecer no relacionadas.
Es crucial reconocer la importancia de presentar estas piezas dentro de un contexto amplio y cohesivo, en lugar de simplemente anexarlas a las prácticas artísticas más predominantes de Europa Occidental. Esta reordenación y reinterpretación del arte en la Nueva Colección del museo desafía las narrativas artísticas convencionales y propone una visión más inclusiva y global del arte del siglo XX.
En un momento en el que el arte de Europa del Este está ganando reconocimiento internacional, la exposición “Un acto de ver que se despliega” no solo destaca por su riqueza y diversidad, sino también por ser una ventana al legado visionario de los coleccionistas Steinbruch, quienes, con perspicacia y pasión, abrazaron el arte de una región a menudo eclipsada en la escena global.
En resumen, el Museo Reina Sofía, con esta exposición, nos brinda la oportunidad de explorar y apreciar las multifacéticas expresiones del neoconcretismo y otros movimientos artísticos, reafirmando la relevancia y la resonancia de estas obras en el contexto contemporáneo. Es una muestra esencial para cualquier amante del arte que busque expandir su horizonte estético y comprender las intersecciones culturales y artísticas del siglo XX.
Proposed as a founding initiative in 1968, the Artist in Residence program has earned The Studio Museum in Harlem recognition for its catalytic role in advancing the work of visual artists of African and Afro-Latinx descent.
Every year, the Museum offers an eleven-month residency for three local, national, or international artists working in any media. Individuals selected for the residency receive institutional guidance and professional development, research support, studio space, and a stipend paid out over the course of the residency. In addition to their time in the studio, artists participate in Museum public programs and educational studio visits with community partners. The residency culminates with a group exhibition featuring artworks made by each of the artists during their time in the program.
History
The Museum’s iconic Artist-in-Residence program, envisioned by artist William T. Williams, gives emerging artists an unparalleled opportunity to develop their practice in an eleven-month residency, and offers audiences the chance to view this work in annual exhibitions.
Alumni of the program include some of today’s most significant and innovative artists, such as Njideka Akunyili Crosby, David Hammons, Titus Kaphar, Simone Leigh, Kerry James Marshall, Julie Mehretu, Wangechi Mutu, Mickalene Thomas, and Kehinde Wiley. These artists have exhibited their work around the nation and the world in solo and group exhibitions, entered their work into important museum collections, and received many prestigious fellowships and awards.
How to Apply
2023–24 Artist-in-Residence Program Dates: October 16, 2023—September 27, 2024
Application Period: April 10—May 22, 2023
Application Deadline: May 22, 2023, at 11:59 pm EST
Applicants to the Artist-in-Residence program are required to submit a resume or CV, up to ten but no less than five images or videos of examples of artworks, and an artist statement; letters of recommendation are encouraged but not required.
More About the Residency Program
The residency offers each artist a private studio space throughout the duration of the program.
A stipend of $37,500 paid out over the course of the residency.
Artists are required to engage with their studio practice at a minimum of twenty hours per week.
A selection of artworks made by the artists throughout the course of the residency will be featured in a culminating exhibition.
Over the course of the residency program, artists are required to participate in the Museum’s annual Open Studios, a number of public programs and educational studio visits, and a rigorous engagement with the Museum’s Curatorial Department and other Museum departments.
Artists cannot be in school or committed to another residency while in the Studio Museum Artist-in-Residence program.
Artists should apply to the residency with the understanding that they may be asked to work remotely. As the Museum remains committed to the health and safety of the artists in residence and staff, the Museum reserves the right to establish a remote residency, if necessary, at any point throughout the residency period.
Artists should be prepared to follow appropriate COVID-19 safety regulations in accordance with CDC guidelines.
The Studio Museum in Harlem Artist-in-Residence program is funded by the Glenstone Foundation. Additional support for the Artist-in Residence program provided by The American Express Kenneth and Kathryn Chenault Sponsorship Fund; National Endowment for the Arts; Joy of Giving Something; Robert Lehman Foundation; Doris Duke Charitable Foundation; Jerome Foundation; Anonymous; Milton and Sally Avery Arts Foundation; and by endowments established by the Andrea Frank Foundation; the Jacob and Gwendolyn Knight Lawrence Trust; and Rockefeller Brothers Fund. Additional funding is generously provided by The New York City Department of Cultural Affairs and New York State Council on the Arts.
Thelma Golden is Director and Chief Curator of The Studio Museum in Harlem, an art museum founded in 1968 whose mission is to serve as the nexus for artists of African descent locally, nationally and internationally. Golden began her career at the Studio Museum in 1987 before joining the Whitney Museum of American Art in 1988. In a decade at the Whitney, she was a member of the curatorial team for the 1993 Biennial, organized numerous groundbreaking exhibitions including 1994’s Black Male: Representations of Masculinity in American Art, and served as Director of the Whitney Museum at Phillip Morris. She returned to the Studio Museum in 2000 and was named Director and Chief Curator in 2005. While at the Studio Museum, Golden has organized many notable exhibitions including Chris Ofili: Afro Muses 1995-2005, Black Romantic, Freestyle, Frequency, Glenn Ligon: Stranger and Gordon Parks: A Harlem Family 1967. Under her leadership, the Studio Museum has gained increasing renown as a global leader in the exhibition of contemporary art, a center for innovative education and a site for diverse audiences to exchange ideas about art and society.
Golden holds a B.A. in Art History and African American Studies from Smith College and honorary doctorates from Bard College, the City College of New York, Columbia University, and Smith College. Golden was appointed to the Committee for the Preservation of the White House by President Obama in 2010, and in 2015 joined the Barack Obama Foundation’s Board of Directors. Golden was the recipient of the 2016 Audrey Irmas Award for Curatorial Excellence. In 2018, Golden was awarded a J. Paul Getty Medal. She is an active lecturer and panelist speaking about contemporary art and culture at national and international institutions.
Experience
The Studio Museum in HarlemThe Studio Museum in Harlem 23 years 9 months
Director and Chief Curator 2005 – Present · 18 years 9 months
Deputy Director for Exhibitions and Programs 2000 – 2005 · 5 years
Special Projects Curator Peter Norton Family Foundation 1998 – 1999
Whitney Museum of American Art Whitney Museum of American Art 7 years
Associate Curator and Director of Branch Museums 1993 – 1995
Branch Director Branch Director 1991 – 1993
Curatorial Assistant to Dr. Kellie Jamaica Center for Arts and Learning, Inc. 1990 – 1991
Curatorial Assistant Whitney Museum of American Art 1988 – 1990
Curatorial Fellow The Studio Museum in Harlem 1987 – 1988
Miyoko Ito in Adams Studio in 1970. Portrait by Bernice B. Perry
Miyoko Ito (1918–1983) A Luminous Legacy from Abstract Reveries
Review: “A Sanctuary Between Japan and America” by Jerry Saltz
In the evocative portrayal “A Sanctuary Between Japan and America,” Jerry Saltz crafts a poignant journey through the life and artistry of Miyoko Ito. The piece is a vivid tapestry, interweaving personal memories with art critique. Saltz captures Ito’s resilience amidst hardships— from racial tensions in Berkeley to the traumatic Japanese internment camps, echoing the vibrancy and depth of Ito’s paintings. The meticulous description of Ito’s artworks, like “beads and bumps of paint accumulate,” offers readers an almost tactile experience. It is particularly intriguing how Saltz juxtaposes Ito’s adventures with her artistic expressions, suggesting that her early years in Japan deeply informed her art. The article doesn’t just introduce us to an artist but immerses us in her world, revealing the “shimmers of supernal otherness” that pervade Ito’s works. An essential read for anyone keen to explore the intersection of personal history, cultural heritage, and artistic expression.
Miyoko Ito, the luminous American painter of Japanese descent, intricately wove her unique life experiences into her canvases, culminating in a legacy of introspective and intricate abstract art. Born in Berkeley, CA, in 1918, her early life was marked by the significant disruption of being incarcerated in the Tanforan internment camp for Japanese Americans during World War II. This painful chapter didn’t deter her spirit, and she subsequently pursued her passion for art, attending institutions like the University of California at Berkeley, Smith College, and finally, the School of the Art Institute in Chicago, where she blossomed as a painter.
Miyoko Ito, Island in the Sun, 1978. Oil on canvas, 38 x 33 inches. Courtesy John B. Pittman. [Gradient red and green, curved and cusped shades. A red pointed mound sits atop a pale green inverted triangle inside angular red and green rectangles.]
Ito’s technique was one of laborious love. Often working from sunrise to sunset, she immersed herself in her art, building layers of paint, each brushstroke meticulously crafted. While her paintings remained abstract, they resonated with the atmospheric evocations of landscapes, interiors, and the human body. Chicago, with its vibrant art scene, influenced Ito profoundly. She once remarked how the city bestowed a “sense of surrealism upon her.”
Despite the initial observational quality of her paintings, Ito’s artistry began to veer towards the abstract under the influence of masters like Georges Braque and Hans Hofmann. Yet, her abstracts always retained their sense of grounding. Her canvases, whether invoking the landscapes of Japan or the vistas of California, were suffused with a profound sense of place, albeit not bound to a specific geographical location. Her work often embodied an otherworldly aura, creating mirages from the mind that encapsulated the “no place and every place.”
Remarkably, even in a landscape dominated by the Chicago Imagists, Ito carved out a distinctive niche for herself. Despite her art’s pictorial ambiguity, by the 1960s, she became a beacon in the realm of abstract painting in Chicago. While her images emerged from a solitary space, often a spare bedroom in her home, they resonated deeply with a broader audience.
One of the defining characteristics of Ito’s later works is how she treated her canvases. Attaching the canvas edges with partially driven nails, she emphasized the raw materiality of her medium. This elemental treatment of canvas paralleled the pure, non-objective compositions she painted, creating a cohesive unity in her work.
While Miyoko Ito may have once described herself modestly as “a painter wife who has raised two children,” her legacy is far-reaching. Her contributions to the world of abstract art are celebrated, with her works gracing esteemed institutions like the Whitney Museum of American Art, the Art Institute of Chicago, and the Smithsonian American Art Museum.
In Ito’s art, we witness a relentless spirit, an artist undeterred by societal and personal challenges. Her canvases glow, not just with the meticulously layered paint, but with the intensity of a life fully lived, of challenges faced head-on, and of a profound understanding of both the world and the self.
Biography
Miyoko Ito was born in Berkeley, California, to Japanese parents in 1918. As a young girl, she spent several years with her mother and sister in Japan, where she first experimented with calligraphy and painting. Ito followed her father in attending the University of California, Berkeley, where she studied watercolor under John Haley, Erle Loran, and Worth Ryder. Months before her graduation in 1942, Ito was sent to Tanforan, an internment camp south of San Francisco. Released years before her new husband, she briefly matriculated at Smith College before transferring to the School of the Art Institute of Chicago, where she received a scholarship but never graduated. Although her efforts were highly susceptible to regionalization, Ito participated in the 1975 Whitney Biennial and was honored with a retrospective exhibition at the Renaissance Society in 1980. She was represented by Phyllis Kind Gallery in Chicago and New York from the late 1960s through her death in 1983. Recent exhibitions include solo presentations at the University of California, Berkeley Art Museum and Pacific Film Archive, 2017; Adam Baumgold Gallery, New York, 2006 and 2014; VeneKlasen/Werner, Berlin, 2012; and No Vacancies, a group presentation at Marianne Boesky Gallery, New York, 2015.
Miyoko Ito in Adams Studio in 1970. Portrait by Bernice B. Perry.
