La Teoría de la percepción directa, también conocida como la Teoría de la percepción directa de Gibson, es un enfoque revolucionario que desafía las ideas tradicionales sobre cómo percibimos el mundo que nos rodea. Desarrollada por el psicólogo James J. Gibson y su esposa Eleanor Gibson, esta perspectiva propone que la percepción es una actividad directa y no mediada por representaciones mentales internas. En lugar de ver la percepción como un proceso en el que el cerebro construye activamente una imagen mental del mundo a partir de la información sensorial, la teoría de la percepción directa sostiene que los estímulos del entorno proporcionan directamente la información necesaria para la percepción.

Una de las ideas centrales de la teoría de la percepción directa es el concepto de “información óptica” o “ecológica”. Según Gibson, los estímulos visuales en el entorno proporcionan información directa sobre las propiedades del mundo, como la distancia, la forma y la textura de los objetos. Esta información óptica no necesita ser interpretada o procesada por el cerebro; en cambio, guía directamente la percepción y la acción del individuo.

Esta perspectiva difiere significativamente de las teorías tradicionales de la percepción, que postulan que la información sensorial se procesa y se interpreta internamente para construir una representación mental del mundo. En cambio, la teoría de la percepción directa sugiere que la percepción es una actividad directa y no mediada, en la que el individuo interactúa de manera activa y dinámica con su entorno.

A pesar de estas diferencias, la teoría de la percepción directa comparte ciertas similitudes con la Teoría de la Gestalt. Ambas perspectivas reconocen la importancia del contexto ambiental en la percepción y subrayan que la percepción es una actividad activa y depende del contexto. Al igual que la Gestalt, la teoría de la percepción directa destaca que la percepción es una actividad dinámica y en constante interacción con el entorno, en lugar de ser un proceso pasivo de recibir y procesar información sensorial. En conjunto, estas ideas desafían las concepciones tradicionales de la percepción y abren nuevas formas de entender cómo percibimos y experimentamos el mundo que nos rodea.

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Es un artista moderno pero a su vez es contemporáneo, al inspirarse  en el arte tradicional, como es el caso en Venezuela, Juan Sánchez, que a través de inspirarse en la piedra para convertirla en arte sacro al remirar su entorno y conjugarlo con fe. El Rumano es un escultor de líneas simples que nunca se consideró abstracto, las paradojas que se planteaba en el arte Brancusi(1876-1957) son nuestra propia imposibilidad de expresar que es el arte. 

En 1900 dijo a Rodin: «A la sombra de una gran encina no pueden crecer arbustos jóvenes».  Cuando rechazó la invitación que le había hecho para trabajar con él.

«Para honrar a un gran hombre yo hago como el agricultor que construye un pozo y le da el nombre de la persona que quiere recordar. He pensado hacer en Bucarest este pozo y no una excelencia vestida de frac.»(C.B)

Apollinaire afirmó del escultor: “Te encaminas hacia Auteuil, retornas a pie a casa; vas a dormir entre tus fetiches de Oceanía y Guinea: son los Cristos de otra forma y de otra fe, son los Cristos inferiores, de las oscuras esperanzas.»

El Beso es un  monumento a Tanosa Gasset Skaia: “Hay algo hierático, ritual en ese acto de amor que se cumple con sumaria geometricidad; algo perenne que surge de los orígenes de la pareja humana sobre la tierra. (…) Es un símbolo concreto de la génesis.’ 

Petru Cormarnescu, crítico rumano, explicó sobre este arte moderno y a su vez contemporáneo que en la campiña rumana, los aldeanos tiene la costumbre de plantar sobre la tumba de sus progenitores dos árboles, que  al crecer, entrelazan sus ramas en un indisoluble abrazo, ya que creen que los árboles son seres vivientes. Sobre estos asectos en su diario afirmaba Brancusi: «El amor tiene en la voz de la especie su motor invisible y mudo y en el impulso hacia lo “absoluto y hacia la unidad que en tres casos me esforcé en expresarlos con los símbolos de El Beso”.

«A al simplicidad se llega a pesar de sí mismo, en cuanto uno se aproxima al sentido real de las cosas ¿Qué cosa define a nuestra época se preguntaba en su diario? Y respondia creo que la velocidad. Los hombres atacan el espacio y al tiempo, acelerando sin tregua los medios para atravesarlos. La velocidad no es más que la medida del tiempo que emplea el hombre para salvar una distancia.  Y tal  vez se trate de la distancia que lo separa de la muerte. La obra de arte expresa justamente aquello que no está sometido a  la muerte. Pero debe hacerlo en una forma que sea testimonio de la época en que vive el artista».

En la escultura “El Pez” de 1927, escribió en su diario: «cuando vean un pez, no piensen en sus escamas sino en la rapidez de su movimiento, en su cuerpo… visto a través del agua. En otro párrafo de dicho diario en el monólogo que es la escritura escribió:

«El símbolo religioso revela la solidaridad que existe entre las estructuras de la existencia humana y las estructuras  universales, simbólicas. El hombre no se siente aislado del Cosmos, se siente «abierto» hacia un Mundo que, gracias al símbolo, se le hace familiar. Aquel que entiende así a un símbolo, no solo se abre al mundo objetivo sino que, al mismo tiempo, consigue salir de su situación individual y acceder a una comprensión universal. Despierta la experiencia individual y se transmuta en acto espiritual.»

En la pareja de “Adán y Eva ” creada en 1921 afirma en otras páginas de su diario: “Eva está por encima porque su destino es perpetuar la vida… representa la fertilidad, un capullo a punto de florecer, una flor a punto de germinar; Adán debajo, cultiva la tierra, transpira y se fatiga.”

Usa el folklore como puerta a la transgresión de las vanguardias , su creación sobre la Maiastra, ave legendaria rumana que tiene el poder de vencer a las fuerzas maléficas que amenazan su felicidad. Ese  es el tema de muchas de las obras de Brancusi:  Sorprendentes, increíbles; folklore sin pintoresquismo; realidad antirrealista; figura mas allá de lo figurativo; ciencia y misterio.» Afirma Ionesco de esta pieza

«No creo en el tormento creativo. La misión del arte es crear alegría. No se crea artísticamente sino dentro del equilibrio y la  paz interior. Como en mi pieza: El Milagro de la Foca. 1943” escribe  en si diario: «El milagro consiste en la fusión de dos elementos contradictorios: la agilidad y la pesadez.El sabio transforma su veneno interior en un remedio para sí y en medio de curación para otros»  

El «Sabio aldeano» que siempre quiso ser nunca llora. Sonríe y construye. Conoce una alegría constante. Demuestra su valor en los momentos arduos. El aura de los mitos lo baña de azul.»(C.B)

«¡Crear como un dios! ¡Ordenar como un rey!¡Trabajar como un esclavo!»

«¡Oh, Al buen Dios lo esperaré aquí, en mi casa, en mi taller!».

James Joyce, en el Ulysses haciendo referencia a la de Brancusi dijo «Los grandes movimientos que provocan las revoluciones del espíritu nacen de los sueños y visiones de un pastor de la montaña para quien la tierra no es un campo de exploración sino una madre viviente». 

Otros críticos europeos afirman: Partiendo de unos planteamientos escultóricos anclados en el realismo, el artista inició un camino, absolutamente coherente, que fue acercándose de manera progresiva hasta la abstracción, buscando, como él mismo afirmaba, «la esencia de las cosas». Y no cabe duda de que lo consiguió: sus obras fueron desprendiéndose de todo lo accesorio y tendiendo a lo sencillo, dejándonos al tiempo un extenso catálogo de enorme atractivo. Podría decirse que Brancusi buscaba la pureza de las formas, pero que éstas no eran más que un pretexto para mostrarnos el espíritu, lo inmaterial, lo permanente. Tal vez ello explique porqué muchas de sus esculturas presentan esas formas alargadas tan características, como si quisieran soltarse de sus pedestales y romper a volar, libres de toda atadura.

Por los años que ya había tenido exito Brancusi había desarrollado sus imágenes en bronce y mármol. Parecen a primera vista abstractas y muy simples, geométricas y simétricas, pero de hecho son siempre representaciones, y sus formas son alusivas y sutiles. Como Brancusi dijo: «hay imbéciles que dicen que mi obra es abstracta; eso que ellos llaman abstracto es lo más realista, porque lo que es real no es el exterior sino la idea, la esencia de las cosas«.

En 1920 Princesa X fue sacada del Salón de los Independientes, porque sus formas parecían indudablemente fálicas. En 1926 las aduanas estadounidenses declararon que Pájaro en el espacio, una pieza de bronce pulido, no era una obra de arte sino un objeto manufacturado en el extranjero y, por tanto, sujeto al pago de una tasa. En 1928, afortunadamente los jueces sentenciaron que se trataba de una obra de arte.

Paralelamente a estas obras, Brancusi desarrolló, a partir de 1913, importantes trabajos en madera tallada. La imagen de éstos es bastante distinta, dicen algunos críticos europeos: sus tallas en madera son primitivistas y remiten al arte tribal. Algunas   también en madera formas suaves, como en mármol o bronce; es el caso de Torso de joven (1922), Gallo (1924) o Retrato de Nancy Cunard (1928).

Eso no quiere decir que Brancusi, después de estos descubrimientos, se hubiera puesto a hacer «arte popular rumano». No imitó las formas ya existentes ni copió «el folklore». Por el contrario, comprendió que la fuente de todas estas formas arcaicas, tanto las del arte popular de su país como las de la protohistoria balcánica y mediterránea, del arte «primitivo» africano u oceánico, estaba enterrada en las profundidades del pasado. Igualmente comprendió que esta fuente primordial no tenía nada que ver con la historia «clásica» de la escultura en la que él, por lo demás como todos sus contemporáneos, se había encontrado situado durante su juventud en Bucarest, Munich o París.

Brancusi era contemporáneo por excelencia de esta tendencia hacia la «interiorización» y la búsqueda de «profundidades», contemporáneo del interés apasionado por los estadios primitivos, prehistóricos y prerracionales de la creatividad humana. Después de haber comprendido el «secreto» central, justamente que no son las creaciones folklóricas o etnográficas las susceptibles de renovar y enriquecer el arte moderno, sino el descubrimiento de sus «fuentes», Brancusi se sumergió en una búsqueda sin fin, detenida sólo con su muerte. Volvió de modo incansable a algunos temas, como si estuviera obsesionado por su misterioso por sus posibilidades artísticas que no llegaba a realizar. Trabajó, por ejemplo, diecinueve años en la «Columna sin fin» y veintiocho en el ciclo de los pájaros. En su Catálogo razonado, Ionel Jianu registra cinco versiones en madera de roble de la «Columna sin fin», además de una en yeso y otra en acero, ejecutadas entre 1918 y 1937. En cuanto al ciclo de los pájaros, Brancusi realiza entre 1912 y 1940, veintinueve versiones, en bronce pulido, en mármol de diferentes colores y en yeso. Es cierto que la recuperación constante de un motivo central se encuentra también en otros artistas, antiguos o modernos. Pero este método es fundamentalmente característico de las artes populares y etnográficas, donde los modelos ejemplares requieren ser indefinidamente retomados e «imitados» por razones que nada tienen que ver con «la falta de imaginación» o «de personalidad» del artista.

Si en la obra de Brancusi se ha podido ver no sólo una solidaridad estructural y morfológica con el arte popular rumano, sino también analogías con el arte negro o la estatuaria de la prehistoria mediterránea y balcánica, se debe a que todo estos universos plásticos son culturalmente homologable: sus «fuentes» se encuentran en el paleolítico inferior y en neolítico. A través de su visión del arte de estas esencias ancestrales crea obras contemporáneas y sacras.

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EL TEMA DE LA 60ª BIENAL DE ARTE DE VENECIA 2024: «Stranieri Ovunque»

“Stranieri Ovunque” significa “extranjeros en todas partes” en italiano. Esta frase puede tener diversos significados dependiendo del contexto en el que se utilice. Por ejemplo, podría referirse a la presencia de personas de diferentes países en un lugar determinado, o a la sensación de encontrarse en un entorno donde uno se siente ajeno o fuera de lugar.

El tema de la 60ª Bienal de Arte de Venecia 2024: “Stranieri Ovunque”

La 60ª Exposición Internacional de Arte se llevará a cabo en Venecia desde el sábado 20 de abril hasta el domingo 24 de noviembre de 2024 (con preinauguración los días 17, 18 y 19 de abril), bajo la curaduría de Adriano Pedrosa.

Adriano Pedrosa, actual director artístico del Museo de Arte de São Paulo Assis Chateaubriand – MASP, ha comisariado numerosas exposiciones, incluyendo “Historias de la danza” (2020) e “Historias de Brasil” (2022), siendo galardonado en 2023 con el Premio Audrey Irmas a la Excelencia Curatorial del Center for Curatorial Studies del Bard College de Nueva York.

El tema de la Bienal de Arte de Venecia 2024, “Stranieri Ovunque – Extranjeros por todas partes”, se inspira en una serie de obras iniciadas en 2004 por el colectivo Claire Fontaine, originario de París y radicado en Palermo, Italia. Las obras consisten en esculturas de neón de diferentes colores que reproducen en un número creciente de idiomas la frase “Extranjeros por todas partes”. La frase proviene del nombre de un colectivo turinés que luchó contra el racismo y la xenofobia en Italia a principios de la década de 2000: Stranieri Ovunque.

La Bienal Arte 2024 se centrará en artistas que son extranjeros, inmigrantes, expatriados, diaspóricos, emigrados, exiliados y refugiados, especialmente aquellos que se han desplazado entre el Sur y el Norte. La figura del extranjero se asocia al forastero, al straniero, al estranho, al étranger, y así la exposición se despliega y se centra en la producción de otros sujetos relacionados: el artista queer, el artista outsider, el autodidacta, el artista folk y el artista indígena. La producción de estos artistas constituye el Núcleo Contemporáneo de la Exposición Internacional.

La Exposición Internacional también contará con un Núcleo Histórico que reunirá obras de América Latina, África, el mundo árabe y Asia del siglo XX, así como una sección especial dedicada a la diáspora artística italiana del siglo XX en todo el mundo.

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Theo van Doesburg: La Vanguardia en la Intersección del Arte y la Filosofía

Theo van Doesburg was a Dutch artist, who practiced painting, writing, poetry and architecture. He is best known as the founder and leader of De Stijl. He was married to artist, pianist and choreographer Nelly van Doesburg. Wikipedia

Born: August 30, 1883, Utrecht, Netherlands

Died: March 7, 1931 (age 47 years), Davos, Switzerland

Theo van Doesburg, figura clave en el movimiento De Stijl, desempeñó un papel fundamental en la difusión de ideas relacionadas con el constructivismo y el suprematismo en Europa. Inspirado por el trabajo de artistas como Kazimir Malévich y su búsqueda de la pureza abstracta, Van Doesburg abrazó la geometría y la abstracción como medios para alcanzar una expresión artística universal. Su revista “De Stijl” se convirtió en un crisol de ideas vanguardistas, donde no solo se exploraban las bases del neoplasticismo, sino también se debatían las conexiones entre el arte y la sociedad, anticipando temas centrales del constructivismo.

Aunque Van Doesburg compartió ciertas afinidades con el suprematismo y el constructivismo rusos, también se distinguió por su enfoque en la integración total de las artes y la arquitectura. Mientras que el suprematismo tendía hacia la abstracción pura y el constructivismo hacia la funcionalidad y la producción en masa, Van Doesburg abogaba por una síntesis más completa, donde el arte, la arquitectura y el diseño se fusionaran en una expresión coherente de la visión estética y social. Su legado influyó en movimientos posteriores como la Bauhaus, que adoptaron esta idea de la interdisciplinariedad como parte central de su filosofía creativa.

En el tumultuoso paisaje del arte del siglo XX, uno de los nombres que resuena con fuerza es el de Theo van Doesburg. Este holandés multifacético, nacido en 1883, se erigió como un titán en la vanguardia artística, contribuyendo no solo con su obra visual, sino también con sus ideas filosóficas que influyeron en movimientos artísticos como el De Stijl.

Van Doesburg, cuyo nombre original era Christian Emil Marie Küpper, cambió su nombre a un seudónimo que reflejaba su amor por la pintura y el diseño. Su trabajo abarcó diversas formas de arte, desde la pintura y la arquitectura hasta la poesía y el diseño gráfico. Pero fue su papel como líder intelectual y organizador que lo distinguió como una figura central en el panorama cultural de su tiempo.

El movimiento De Stijl, fundado por Van Doesburg en 1917 junto con artistas como Piet Mondrian, se destacó por su enfoque en la abstracción geométrica y la simplificación de formas y colores. Este movimiento buscaba la armonía universal a través de la reducción de la expresión artística a sus elementos básicos: líneas rectas, colores primarios y formas puras. Para Van Doesburg, el arte no era solo una cuestión de estética, sino una búsqueda de la verdad universal y la armonía cósmica.

Sin embargo, el legado de Van Doesburg trasciende su contribución artística. Su pensamiento filosófico, influenciado por movimientos como el neoplasticismo y el suprematismo, exploraba la relación entre el arte, la sociedad y la espiritualidad. Su revista, “De Stijl”, se convirtió en una plataforma para difundir estas ideas, sirviendo como un manifiesto para una nueva forma de ver y entender el arte y el mundo que lo rodeaba.

Pero el impacto de Van Doesburg no se limitó al ámbito artístico. Su visión de la interdisciplinariedad y la fusión de diferentes formas de arte y pensamiento prefiguró tendencias posteriores, desde el arte conceptual hasta la arquitectura moderna. Su experimentación con la teoría del color y la composición sentó las bases para desarrollos posteriores en el arte abstracto y la abstracción geométrica.

Además de su trabajo como artista y teórico, Van Doesburg fue un ferviente defensor del internacionalismo cultural, buscando trascender las fronteras nacionales y promover un diálogo global entre artistas y pensadores. Su influencia se extendió más allá de los límites de su país natal, llegando a impactar en movimientos artísticos en toda Europa y más allá.

En su corta pero intensa vida, Theo van Doesburg dejó un legado duradero que sigue resonando en el arte y la cultura contemporáneos. Su búsqueda de la armonía y la verdad a través del arte, su compromiso con la experimentación y la innovación, y su visión de un mundo unificado a través del intercambio cultural siguen inspirando a artistas y pensadores en todo el mundo. En la intersección del arte y la filosofía, Theo van Doesburg sigue siendo una figura ineludible, cuya influencia perdura en el tejido mismo de la creatividad humana.

El constructivismo y el suprematismo surgieron en paralelo en la Unión Soviética en 1915, aunque difieren significativamente en sus enfoques y objetivos artísticos. Mientras que el suprematismo desafía las convenciones artísticas tradicionales mediante la creación de imágenes visuales abstractas y geométricas, el constructivismo se centra en utilizar el arte como una herramienta para el beneficio colectivo de la sociedad, integrando la tecnología en su proceso creativo.

El movimiento De Stijl, fundado en los Países Bajos en 1917 por Theo van Doesburg, marcó una revolución en el arte y la arquitectura del siglo XX. Basado en el principio de la abstracción geométrica y la simplificación radical, De Stijl buscaba la armonía universal a través de la reducción de la expresión artística a sus elementos esenciales: líneas rectas, colores primarios y formas puras. Liderado por figuras como Piet Mondrian, el movimiento abogaba por una integración total de las artes, desde la pintura y la escultura hasta la arquitectura y el diseño, en una búsqueda de unidad estética y espiritual.

El legado de De Stijl trasciende el ámbito artístico, influyendo en la arquitectura moderna, el diseño gráfico y la teoría del color. Su enfoque en la simplicidad y la universalidad ha perdurado a lo largo del tiempo, inspirando a generaciones posteriores de artistas y diseñadores. A través de sus publicaciones y manifestos, De Stijl se convirtió en una plataforma para la difusión de ideas vanguardistas, promoviendo una visión utópica de un mundo transformado por el arte y el diseño.

El pensamiento filosófico de Theo van Doesburg estuvo intrínsecamente ligado a su trabajo artístico y su papel como líder del movimiento De Stijl. Van Doesburg abrazó una visión holística del arte, en la que buscaba trascender los límites convencionales del pensamiento estético para explorar la interconexión entre el arte, la sociedad y la espiritualidad.

En el corazón de su filosofía estaba la idea de que el arte no era simplemente una cuestión de expresión individual, sino una búsqueda de la verdad universal y la armonía cósmica. Inspirado por corrientes filosóficas como el neoplasticismo y el suprematismo, Van Doesburg creía en la capacidad del arte para comunicar conceptos abstractos y universales a través de la simplificación de formas y colores.

Para Van Doesburg, el arte no solo era una forma de expresión estética, sino también un medio para transformar la sociedad y la conciencia humana. Creía en la capacidad del arte para trascender las barreras culturales y lingüísticas, sirviendo como un lenguaje universal que podía unir a las personas más allá de las fronteras geográficas y políticas.

“De Stijl”

Su revista “De Stijl” se convirtió en un vehículo para la difusión de estas ideas filosóficas, sirviendo como un manifiesto para una nueva forma de ver y entender el arte y el mundo que lo rodeaba. A través de sus escritos y ensayos, Van Doesburg defendió una visión del arte como una fuerza transformadora y liberadora que tenía el poder de cambiar la forma en que percibimos y experimentamos la realidad. Su pensamiento filosófico influyó en la manera en que se concebía el arte en el siglo XX y sigue siendo relevante en el panorama cultural contemporáneo.

La revista “De Stijl” fue una publicación fundamental en la difusión y promoción del movimiento artístico del mismo nombre, De Stijl, fundado por Theo van Doesburg en los Países Bajos en 1917. Esta revista, que se publicó desde 1917 hasta 1932, sirvió como un crisol de ideas vanguardistas, reuniendo a artistas, arquitectos, diseñadores y teóricos comprometidos con los principios del neoplasticismo.

“De Stijl” no solo actuó como un órgano de difusión del movimiento, sino que también fue una plataforma para la discusión y el debate sobre las teorías estéticas y filosóficas que lo sustentaban. En sus páginas, los colaboradores y miembros del movimiento expresaban sus puntos de vista sobre temas como la abstracción geométrica, la integración de las artes y la relación entre el arte y la sociedad.

La revista presentaba obras de artistas prominentes como Piet Mondrian, Bart van der Leck, Gerrit Rietveld y, por supuesto, Theo van Doesburg, así como textos teóricos que explicaban los principios fundamentales del neoplasticismo. A través de sus ensayos, manifiestos y reseñas de exposiciones, “De Stijl” ayudó a definir y consolidar la identidad del movimiento, contribuyendo a su reconocimiento tanto en los Países Bajos como en el ámbito internacional.

La influencia de la revista “De Stijl” trascendió su período de publicación, dejando una marca indeleble en el arte, la arquitectura y el diseño del siglo XX. Su legado perdura en la actualidad, como testimonio del poder del arte para catalizar el cambio y la innovación en la sociedad.

Elementarismo Art Movement

Elementarismo, un movimiento artístico iniciado en 1927 por Theo van Doesburg como reacción al Neoplasticismo, se presenta como una subcategoría de este último que enfatiza el arte geométrico con más energía y drama. El movimiento rechaza la noción de positivo y negativo, optando en cambio por utilizar la diagonal para construir. También rechaza el valor artificial del color a favor del contra-valor.

Van Doesburg introdujo las diagonales en sus pinturas en 1924, y denominó su nuevo enfoque “elementarismo”. En 1926, publicó un manifiesto explicándolo en De Stijl, anunciando la llegada del Elementarismo en los números de 1926-1927. El Elementarismo intenta modificar la naturaleza dogmática del Neoplasticismo al introducir la diagonal, que van Doesburg veía como una forma de dinamismo o “un estado de desarrollo continuo”. El Elementarismo se opone a la composición equilibrada del Neoplasticismo: una contra-composición no equilibrada como un fenómeno de tensión espacio-temporal del color, la línea o el plano, siempre en oposición a la estructura natural y arquitectónica. El Elementarismo excluye completamente la arquitectura como arte.

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Srta. Dayana graba un tema de Juan Gabriel junto a Lenier y Eduardo Antonio

Srta. Dayana sorprende al mundo de la música con una espectacular versión de “Hasta que te conocí”, de Juan Gabriel, que interpreta junto a dos grandes amigos: Lenier y Eduardo Antonio. La famosa cantante y compositora cubana cuenta que este remix es producto de la admiración que siente por la obra de Juan Gabriel, y del afecto que la une a Lenier y Eduardo Antonio. “La idea surgió de casualidad en una ocasión en que nos reunimos los tres; de repente surgió la idea de hacer la grabación y todo fluyó de maravillas”, contó la artista. “Es una linda experiencia estar al lado de talentosos y carismáticos cantantes como Lenier y Eduardo Antonio”, agregó. Srta. Dayana asegura que esta versión de “Hasta que te conocí” fue hecha “con amor”. La producción musical corrió por cuenta de Frank Palacios (“Frank el que todo lo puede”) y Jordany Gonzalez Mora (J-Pro). El correspondiente videoclip fue realizado por Wilber Mateu. Dayana tiene otras exitosas colaboraciones en su haber, en especial las que hizo con Alvaro Torres, una versión de “Te va a doler”; con El Chacal, “Si piensas, si quieres”, que cuenta con ocho millones de visualizaciones en Youtube; y precisamente con Eduardo Antonio, con quien interpretó “Amor y guerra”. Dayana Chávez Victoria, conocida en el ámbito musical como “Srta. Dayana”, es una artista cubana que goza de gran popularidad y muy querida en la comunidad cubana y latina en general de Miami y Estados Unidos. En su juventud cursó estudios en la Escuela Nacional de Arte, en La Habana, donde se graduó de bailarina de Espectáculos Musicales. Se formó como cantante años más tarde, en academias de canto. Incursionó en sus inicios en varios géneros musicales como la música tradicional cubana y el pop, aunque más tarde definió su carrera más en el género urbano. 

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