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Saturday, July 5, 2025
Pérez Art Museum Miami
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¿Cómo puede ayudar gramática y la estructura del pensamiento alemán a los artistas visuales?

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La gramática alemana y su estructura del pensamiento
La gramática alemana y su estructura del pensamiento

¿Cómo puede ayudar gramática y la estructura del pensamiento alemán a los artistas visuales?

La gramática y la estructura del pensamiento alemán pueden ofrecer beneficios sorprendentes a los artistas visuales, enriqueciendo su proceso creativo y su capacidad de comunicación. Aquí exploramos algunas conexiones clave:

1. Pensamiento Estructurado y Composición Visual:

  • Orden y Jerarquía: La gramática alemana, con su orden sintáctico riguroso, puede inspirar a los artistas a crear composiciones visuales con una estructura clara y una jerarquía definida de elementos. Esto puede resultar en obras más equilibradas y fáciles de interpretar.
  • Relaciones y Conexiones: La capacidad del alemán para expresar relaciones complejas a través de oraciones subordinadas puede traducirse en la exploración de conexiones visuales entre diferentes elementos de una obra de arte. Esto puede añadir profundidad y significado a la composición.

2. Precisión y Claridad en la Expresión Artística:

  • Vocabulario Rico: El amplio vocabulario alemán, con sus matices sutiles, puede ayudar a los artistas a articular sus ideas y conceptos con mayor precisión, tanto en su declaración artística como en la comunicación con el público y los críticos.
  • Claridad Conceptual: La declinación y las estructuras gramaticales del alemán pueden fomentar una mayor claridad en la conceptualización de una obra de arte. Al pensar en las relaciones entre los elementos de la obra de manera precisa, el artista puede transmitir su mensaje de forma más efectiva.

3. Flexibilidad Creativa y Exploración:

  • Composición Dinámica: La flexibilidad sintáctica del alemán, que permite la inversión del orden de las palabras, puede inspirar a los artistas a experimentar con composiciones dinámicas y perspectivas inusuales.
  • Nuevas Palabras, Nuevas Ideas: La facilidad para crear palabras compuestas en alemán puede estimular la generación de nuevos conceptos y metáforas visuales, ampliando el horizonte creativo del artista.

4. Conexión con la Historia del Arte:

  • Influencia del Expresionismo Alemán: El alemán ha sido el idioma de muchos artistas y pensadores influyentes, especialmente en el movimiento expresionista alemán. Aprender alemán puede brindar a los artistas una comprensión más profunda de este movimiento y su impacto en el arte contemporáneo.
  • Acceso a Textos Originales: El dominio del alemán permite a los artistas acceder a textos originales de teoría del arte, críticas y manifiestos, lo que enriquece su conocimiento y comprensión del contexto histórico y cultural de su práctica.

La gramática y la estructura del pensamiento alemán pueden ser herramientas valiosas para los artistas visuales, ayudándoles a:

  • Estructurar sus composiciones de manera más clara y significativa.
  • Expresar sus ideas y conceptos con mayor precisión.
  • Explorar nuevas posibilidades creativas y perspectivas.
  • Conectar con la rica historia del arte y la filosofía alemana.

Al sumergirse en el idioma alemán, los artistas visuales pueden no solo ampliar sus habilidades lingüísticas, sino también enriquecer su proceso creativo y su capacidad de comunicación, abriéndose a nuevas dimensiones de expresión artística.

La gramática alemana y su estructura del pensamiento

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La gramática alemana y su estructura del pensamiento
La gramática alemana y su estructura del pensamiento

La gramática alemana y su estructura del pensamiento, ¿cómo se relacionan con la estructura del lenguaje?

La gramática de un idioma no es solo un conjunto de reglas, sino también un reflejo de cómo sus hablantes conceptualizan y organizan el mundo. En el caso del alemán, su estructura gramatical particular puede influir en la forma en que se piensa y se expresa, aportando ciertas ventajas y desafíos:

¿Qué te puede aportar la gramática alemana?

  1. Pensamiento estructurado y lógico:
    • El alemán es conocido por su orden sintáctico riguroso, donde cada elemento de la oración tiene un lugar específico. Esto puede fomentar un pensamiento más estructurado y lógico, ayudándote a organizar tus ideas de manera clara y precisa.
    • La construcción de oraciones subordinadas complejas te permite expresar relaciones causales, temporales y condicionales con gran precisión, lo que puede ser útil en la argumentación y el análisis.
  2. Precisión y claridad:
    • El alemán cuenta con un vocabulario rico y específico, con palabras que expresan matices sutiles de significado. Esto te permite ser más preciso en tu comunicación y evitar ambigüedades.
    • La declinación de sustantivos, adjetivos y pronombres, aunque pueda parecer compleja al principio, permite establecer relaciones gramaticales claras dentro de la oración, facilitando la comprensión.
  3. Flexibilidad y creatividad:
    • A pesar de su estructura rígida, el alemán también ofrece una gran flexibilidad en la construcción de oraciones. La posibilidad de invertir el orden de las palabras y utilizar oraciones subordinadas te permite enfatizar diferentes elementos y crear un estilo expresivo.
    • El alemán es un idioma rico en compuestos, lo que te permite crear nuevas palabras combinando términos existentes. Esto fomenta la creatividad lingüística y la capacidad de expresar conceptos complejos de manera concisa.

¿Cómo se relaciona la estructura del pensamiento con la estructura del lenguaje?

  • La hipótesis de Sapir-Whorf: Esta teoría sugiere que la estructura de un idioma influye en la forma en que sus hablantes perciben y conceptualizan el mundo. Aunque es un tema debatido, hay evidencia de que el lenguaje puede moldear nuestro pensamiento en cierta medida.
  • Orden y lógica: La estructura gramatical del alemán, con su énfasis en el orden y la lógica, puede favorecer un pensamiento más analítico y sistemático.
  • Precisión y detalle: La riqueza del vocabulario y la declinación en alemán pueden fomentar una atención al detalle y una búsqueda de precisión en la comunicación.
  • Flexibilidad y creatividad: La flexibilidad sintáctica del alemán puede estimular la creatividad y la capacidad de expresar ideas de diferentes maneras.

En resumen: Aprender alemán no solo te permite comunicarte en este idioma, sino que también puede enriquecer tu forma de pensar y expresarte. Su estructura gramatical puede ayudarte a desarrollar un pensamiento más estructurado, lógico y preciso, al tiempo que fomenta la flexibilidad y la creatividad lingüística.

Arte Precolombino

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Arte Precolombino: Tesoros de un Pasado Milenario
Arte Precolombino: Tesoros de un Pasado Milenario

Arte Precolombino: Tesoros de un Pasado Milenario

El arte precolombino engloba la vasta y rica producción artística de las culturas indígenas que florecieron en América antes de la llegada de los europeos en el siglo XV. Abarca un amplio espectro de manifestaciones, desde la monumental arquitectura de las pirámides hasta la delicada cerámica y los intrincados textiles. Este arte, profundamente ligado a la cosmovisión, la religión y la vida cotidiana de estos pueblos, nos ofrece una ventana fascinante hacia un pasado milenario.

Arte precolombino: Pirámide del Sol, Teotihuacán

Características del arte precolombino:

  • Diversidad y riqueza: El arte precolombino es notable por su diversidad, reflejando la variedad de culturas y tradiciones que existieron en el continente americano antes de la conquista. Cada civilización desarrolló su propio estilo y lenguaje visual, expresando su cosmovisión y creencias a través de diferentes materiales y técnicas.
  • Función ritual y simbólica: El arte precolombino estaba estrechamente ligado a la religión y los rituales. Las obras de arte, ya fueran esculturas, pinturas o textiles, a menudo representaban deidades, mitos y escenas de la vida cotidiana, con un profundo significado simbólico.
  • Conexión con la naturaleza: La naturaleza desempeñaba un papel fundamental en la vida y la cosmovisión de los pueblos precolombinos. El arte reflejaba esta conexión, representando animales, plantas y fenómenos naturales con gran detalle y realismo.
  • Maestría técnica: Los artistas precolombinos dominaban una amplia gama de técnicas y materiales, como la piedra, la cerámica, el metal, los textiles y las plumas. Sus obras demuestran un alto grado de habilidad y sofisticación artística.

Principales culturas y sus manifestaciones artísticas:

  • Cultura olmeca: Conocida por sus cabezas colosales y sus figurillas de jade, la cultura olmeca sentó las bases del arte mesoamericano. Arte precolombino: Cabeza colosal olmeca
  • Cultura maya: Los mayas desarrollaron una arquitectura monumental, como las pirámides de Chichén Itzá y Tikal, así como una rica tradición de escultura, pintura y cerámica. Arte precolombino: Pirámide de Chichén Itzá
  • Cultura azteca: Los aztecas crearon imponentes esculturas de dioses y gobernantes, como la Coatlicue y la Piedra del Sol, así como códices ilustrados que narraban su historia y cosmovisión. Arte precolombino: Piedra del Sol azteca
  • Cultura inca: Los incas destacaron por su arquitectura monumental, como Machu Picchu, y por su habilidad en la metalurgia y la textilería. Arte precolombino: Machu Picchu

El legado del arte precolombino:

El arte precolombino es un testimonio invaluable de la creatividad, la espiritualidad y la complejidad de las culturas indígenas americanas. A través de sus obras, podemos apreciar la diversidad y la riqueza de su legado cultural, así como su profunda conexión con la naturaleza y el cosmos. El arte precolombino sigue inspirando a artistas y diseñadores en todo el mundo, y su estudio nos permite comprender mejor la historia y la identidad de América.

Luis Cruz Azaceta “Poetic Incongruities”

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Luis Cruz Azaceta "Poetic Incongruities"
Luis Cruz Azaceta "Poetic Incongruities"

Luis Cruz Azaceta “Poetic Incongruities”

Poetic Incongruities – Press Release.docx

September 7 – October 18, 2024

Design District

21 NE 39th Street, Miami, FL 33137

Opening Reception
Saturday, September 7, 2024 6 – 9 p.m.

Pan American Art Projects is pleased to announce Poetic Incongruities, a solo exhibition by Cuban artist Luis Cruz Azaceta. This exhibition will showcase a collection of Azaceta’s most compelling works, capturing the essence of his thought-provoking artistic journey.

Luis Cruz Azaceta, a celebrated Cuban-American artist, is renowned for his powerful and emotive art that explores themes of exile, displacement, and identity. “Poetic Incongruities” brings together a selection of his paintings, drawings, and mixed-media works that highlight the contradictions and complexities of the human condition. Azaceta’s work is characterized by its vibrant colors, dynamic compositions, and poignant subject matter. His art often addresses social and political issues, reflecting his own experiences as an exile and the broader human struggle for freedom and dignity. Through his unique visual language, Azaceta creates a space where beauty and brutality coexist, inviting viewers to engage with the incongruities of life.

www.panamericanart.com | [email protected] | +1 (305) 751 2550
Little River 274 NE 67th Street, Miami, FL 33138 • Design District 21 Ne 39th Street, Miami, FL 33137

Poetic Incongruities will feature key works from his extensive career, including pieces from his well-known series on the Cuban diaspora, as well as newer works that break in visuality but continue to explore themes of conflict and survival. Azaceta’s distinctive use of color often evokes the SMPTE color bars of old televisions, creating a striking visual incongruity. These bright, joyful hues create a striking contrast with the often controversial and somber subjects he addresses. This juxtaposition not only captures the viewer’s attention but also deepens the impact of his commentary on societal issues, making the clash between form and content a powerful tool in his artistic expression.

About the Artist

Luis Cruz Azaceta born in Havana, Cuba, Azaceta fled to the United States in 1960. Luis Cruz Azaceta’s work is included in numerous prestigious public collections and has been exhibited in prominent institutions worldwide. His art can be found in the permanent collections of the Museum of Modern Art (MoMA) in New York, the Whitney Museum of American Art in New York, the Smithsonian American Art Museum in Washington, D.C., and the Museum of Fine Arts in Boston, among others. Azaceta has held solo exhibitions at the Albright-Knox Art Gallery in Buffalo, the New Orleans Museum of Art, and the Bronx Museum of the Arts. His work has also been featured in group exhibitions at the Hirshhorn Museum and Sculpture Garden in Washington, D.C., the Los Angeles County Museum of Art (LACMA), and the Pérez Art Museum Miami. These exhibitions have solidified his reputation as a significant figure in contemporary art, renowned for his powerful explorations of social and political themes.

For media inquiries, please contact: [email protected]

Carlos Nicanor “The skein of the soul”

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Carlos Nicanor The skein of the soul
Carlos Nicanor The skein of the soul

Carlos Nicanor “The skein of the soul”

Carlos Nicanor- Press Release.docx

September 7 – October 5, 2024

Design District

21 NE 39th Street, Miami, FL 33137

Opening Reception
Saturday, September 7, 2024 6 – 9 p.m.

Pan American Art Projects is pleased to announce the upcoming exhibition of renowned Canarian artist Carlos Nicanor, titled The skein of the soul, curated by Claudia Taboada. This exhibition offers a profound exploration of the human essence through Nicanor’s interactive installation, sculptures and drawings, and marks a significant milestone in his career. It is a self-referential exhibition. This exhibition is a heartfelt testimony of the artist’s journey, showcasing his vibrant works from Tenerife to the US for the very first time.

Carlos Nicanor, a sculptor from the Canary Islands, seamlessly blends the surrealist legacy of André Breton, the dadaist movement, and the word-object concept of Joseph Kosuth with the rich heritage of Canarian artisans. His work defies the physical limitations of materials, transforming wood, metal, threads, and paper into almost impossibly smooth, Carlos Nicanor- Press Release.docx

organic, and autonomous forms. Nicanor’s sculptures challenge both the physics of the materials and human sensitivity, reminding us that art is born from the handmade, evolving at a pace distinct from contemporary life.

The artist’s work is a testament to the duality of form and word, using irony and sarcasm as playful yet profound tools. His installations, like Icor (2020), transform spaces into mythological realms, engaging viewers both physically and intellectually. They invite (or not) the public to penetrate that swarm of threads turned into arteries. They are the metaphor of penetrating the human body viscerally, reading it from the inside, rediscovering it from its bone, soul, and poetry. Nicanor’s ability to expand traditional materials into contemporary gestures places him alongside notable artists like the Cuban collective Los Carpinteros and American sculptor Martin Puryear.

About the artist

He graduated in Fine Arts at the University of La Laguna and began exhibiting his work in 2002. In 2006 he made his first solo exhibition, entitled Buscador de nortes, in which under the slogan “where everything is done and everything to do” he would present a collection of veiled tributes to some of the sculptors he admires, Brancusi and Giacometti among others.

His exhibitions include Antinatura/Sinbiología (Galería Artizar 2010-2012), and Osmosis. Blancas + Nicanor (TEA Tenerife Espacio de las Artes, 2015), as well as their participation in the XII Havana Biennial within the Detrás del Muro project, with the installation Lemon Way, in which he built a path of yellow wooden tiles that crossed the Malecón to die in the Caribbean, heading to Florida.

During 2016 and 2017 he developed the Neomismos project, which is made up of two individual exhibitions at the Twin Gallery (Madrid) and the Artizar Gallery, which concludes with an installation presented by Carlos Delgado Mayordomo titled The Truth of Madame Sifira. In 2020, just after the confinements, he carried out his most ambitious project to date at the Cajacanarias Foundation. Curated by Omar-Pascual Castillo and titled Tell Charon that I bring him flowers, the exhibition was a poetic and sincere reflection on the journey of life and the omnipresence of death.

His works have been selected in biennial exhibitions both in Las Palmas and Tenerife, deserving first prizes such as the Excellence of sculpture of the Royal Academy of Fine Arts of San Miguel Arcángel (2011) or the First Prize Manolo Millares CajaCanarias (2009).

In 2023, he carried out the project From the flesh to the bone, from the bone to the soul, curated by Dennys Matos, at the Centro Atlántico de Arte Moderno (CAAM), in which Nicanor presented us with a kind of fictitious autopsy of the artist himself in an exercise of deconstruction of the self.

For media inquiries, please contact: [email protected]

Marlow Moss: Una Exploración de la Abstracción Geométrica

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Marlow Moss
Marjorie Jewel "Marlow" Moss fue la primera artista constructivista británica; trabajó en pintura y escultura. Constructivismo, De Stijl.

La obra de Marlow Moss: Una exploración de la abstracción geométrica y constructivismo.

No soy pintor, no veo la forma, sólo veo el espacio, el movimiento y la luz».
– Marlow Moss, citado de memoria por su compañero A. H. Nijhoff

Marjorie Jewel “Marlow” Moss fue la primera artista constructivista británica; trabajó en pintura y escultura.
Nació: 29 de mayo de 1889, Kilburn, Reino Unido
Murió: el 23 de agosto de 1958 (69 años), Penzance, Reino Unido
Obras de arte: Composición en blanco y negro número 4, Blanco con cuerda, Blanco y amarillo
Períodos: Constructivismo, De Stijl. Wikipedia

La obra de Marlow Moss se distingue por su profundo compromiso con la abstracción geométrica, buscando trascender las limitaciones de la representación figurativa y explorar las cualidades esenciales de la forma y el color. A través de la eliminación de elementos reconocibles, Moss se centró en la estructura y la composición, creando un lenguaje visual universal y atemporal.

La precisión matemática y la simetría presentes en sus obras reflejan un anhelo de equilibrio y orden interior. Moss concebía el arte como una vía para explorar la armonía entre los elementos visuales, y sus composiciones pueden interpretarse como una búsqueda de estabilidad en un mundo en constante cambio.

Su obra aunque aparentemente simple en su forma, encierra una rica dimensión filosófica que invita a la reflexión sobre temas como la universalidad, la armonía, la espiritualidad y la libertad individual. Su arte trasciende lo meramente estético y se convierte en un vehículo para explorar cuestiones fundamentales sobre la existencia humana y nuestra relación con el mundo que nos rodea.

Influenciada por el constructivismo y la vanguardia, Moss creía en el potencial del arte para desempeñar un papel constructivo y social. Su trabajo desafiaba las tradiciones artísticas establecidas, abriendo nuevas perspectivas sobre el mundo a través de la geometría y la abstracción.

La exploración del color y la forma en su obra revela un profundo interés por las cualidades intrínsecas de los materiales y las formas. Sus combinaciones de colores y la disposición precisa de las formas geométricas buscan evocar una respuesta emocional en el espectador, invitándolo a apreciar la belleza inherente a la simplicidad y la precisión.

Moss se dedicó a investigar las posibilidades de la abstracción pura, buscando expresar ideas universales y atemporales a través de la geometría y el color. Su objetivo era demostrar que el arte podía comunicarse de manera directa y profunda sin necesidad de recurrir a elementos representativos.

A través de su trabajo, Moss aspiraba a crear un lenguaje visual que resonara universalmente, trascendiendo las barreras culturales y temporales. Creía firmemente en el poder del arte abstracto para conectar a las personas en un nivel fundamental, ofreciendo una experiencia estética accesible y significativa para todos.

Aunque el constructivismo, movimiento que influyó en su obra, tenía connotaciones de cambio social, Moss se centró principalmente en la innovación formal dentro de la abstracción. Su trabajo priorizaba la claridad, el orden y la estructura, buscando una expresión artística pura y trascendental.

El mensaje de Marlow Moss reside en la exploración y celebración de la forma y el color en su estado más esencial. Su arte busca una conexión universal a través de la abstracción geométrica, reflejando un compromiso con los principios del constructivismo y la vanguardia, así como un anhelo de orden y equilibrio en un mundo en constante cambio.

Marlow Moss (de soltera Marjorie) nació en Londres y asistió inicialmente a la St John’s Wood School of Art y después a la Slade School of Fine Art. Tras unos años de formación en París -donde se convirtió en miembro fundador de Abstraction-Création y conoció a su gran influencia, Piet Mondrian (1872-1944), y a su compañera de toda la vida, la novelista A. H. (Netty) Nijhoff- y otros años en Europa, el estallido de la Segunda Guerra Mundial la llevó a establecerse en el extremo oeste de Cornualles en 1941. Su casa y su estudio se encontraban en el pueblo de Lamorna, en la península de Penwith, a pocos kilómetros de los famosos modernistas de St Ives, pero apenas hubo contacto entre ellos (sus cartas sin respuesta a Ben Nicholson se conservan en los archivos de la Tate). En cambio, los compañeros de Moss eran los constructivistas europeos: Mondrian, Georges Vantongerloo (1886-1965), Jean Gorin (1899-1981) y Max Bill (1908-1994).
Fuente del texto: Liss Llewellyn

Untitled Art Miami Beach 2024: Meet the Curators

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Untitled Art guest curators Kathy Huang and Jungmin Cho
Untitled Art guest curators Kathy Huang and Jungmin Cho

Untitled Art Miami Beach 2024: Meet the Curators

Untitled Art is delighted to welcome guest curators Kathy Huang and Jungmin Cho to guide the 2024 Edition’s curatorial theme, re-examining the interplay of new artistic dialogues and exchanges between the East and the West.

KATHY HUANG

Kathy Huang is an independent curator and Managing Director, Art Advisory and Special Projects at Jeffrey Deitch, where she curated Wonder Women, an exhibition featuring forty Asian diasporic women and non-binary artists working in figuration.

At Deitch, she has also organized exhibitions such as Judy Chicago: Los Angeles (2019), Dominique Fung: It’s Not Polite to Stare (2021), Sasha Gordon: Hands Of Others (2022), and Bony Ramirez: Tropical Apex (2023). Most recently, Huang curated Wild: Women Abstractionists on Nature (2024) at the Metropolitan Museum of Manila. Raised in Philadelphia, Huang earned a B.A. from Duke University and an M.A. in Modern & Contemporary Asian Art from Sotheby’s Institute of Art, London.

JUNGMIN CHO

Jungmin Cho is the founder and director of the art space WHITE NOISE in Seoul, South Korea. WHITE NOISE is an art space for various artistic experiments and exchanges, dedicated to breaking down boundaries between artistic mediums and between mainstream/underground and commercial/non-profit. It was established in 2018.

Additionally, Jungmin works as an independent curator and has engaged in various external curatorial, writing, and advisory roles. She focuses on accessibility and introduces emerging art scenes and connects them globally.

WHITE NOISE and Jungmin Cho have completed projects with many international organizations, including Frieze Seoul, GYOPO, Montez Press Radio, NOISE Istanbul, and Tiger Strikes Asteroid. They were notable organizers of Frieze satellite art festival OUR WEEK which gathered commercial galleries, project spaces, art collectives and art platforms to enrich the art scene. The works of WHITE NOISE and Jungmin Cho have been featured in The Art Newspaper, Artsy, Hyundai Art Lab, The New York Times, and Spike Art Magazine among others.

Currently Jungmin is completing the graduate program at the Center for Curatorial Studies, Bard College.

Solution Art,llamado de artistas Miami Art Week 2024

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Call for Artists Miami Art Week 2024
Call for Artists Miami Art Week 2024

Call for Artists Miami Art Week 2024

Solution Art, llamado de artistas Miami Art Week 2024

¡No te pierdas la oportunidad de exhibir tu arte en Miami Art Week 2024!

Tras el éxito de nuestra participación en SPECTRUM durante Miami Art Week del año pasado, Solution Art te invita a formar parte de nuestra próxima exhibición en este importante evento artístico. ¡Presenta tu obra a más de 35,000 espectadores y conecta con galeristas, coleccionistas y amantes del arte de todo el mundo!

Detalles de la Convocatoria:

  • Formatos y precios:
    • Formato estándar: 30 x 20 pulgadas (vertical), $560 USD
    • Formato pequeño: 12 x 16 pulgadas (vertical), $360 USD
  • Esculturas: ¡Bienvenidas!
    • Tamaño grande: 2 pies de alto x 1 pie de ancho, $600 USD
    • Tamaño pequeño: 1 pie de alto x 1 pie de ancho, $400 USD
    • Tótems proporcionados por la organización.
  • Presentación: Todas las obras deben entregarse enmarcadas en formato flotante (negro, blanco o plateado).
  • Fecha límite de entrega: 1 de noviembre de 2024. Dirección: 10227 Southwest 117th Court, Miami, FL 33186.
  • Fecha límite de pago: 15 de octubre de 2024, a través de Zelle al número 786-662-9191. Posibilidad de pago en dos cuotas, previa coordinación con Mercedes Prieto.

Beneficios para los artistas:

  • Acceso a la feria: Recibirás una escarapela para acceder a la exhibición durante toda la Miami Art Week del 3 al 8 de Diciembre 2024.
  • Entrevista en La Escafandra: Tendrás la oportunidad de participar en una entrevista para hablar sobre tu obra y trayectoria.
  • Certificado de participación: Se entregará en una ceremonia especial después del evento (detalles se anunciarán posteriormente).
  • Venta de prints: Posibilidad de vender reproducciones de tu obra en nuestro stand (previa coordinación)..

¡Cupos limitados!

Asegura tu participación con un aporte de registro de $100 USD, que se descontará del costo total.

¡Esperamos contar con tu talento!

Contacto:

Mercedes Prieto, CEO de Solution Art 786-662-9191 (WhatsApp)

Hannah Gluckstein

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Hannah Gluckstein
Hannah Gluckstein

Hannah Gluckstein

Hannah Gluckstein. 13 August 1895. London. Gluck was a British painter who rejected any forename or honorific, using the names Peter and Hig. Gluck joined the Lamorna artists’ colony near Penzance and was noted for portraits, floral paintings, and a new picture-frame design. Wikipedia

Died: January 10, 1978 (age 82 years), Steyning, United Kingdom

In early 20th-century British art, where tradition often held sway, Hannah Gluckstein, known simply as Gluck, blazed a trail of defiance and individuality. She rejected labels, conventions, and even her own given name, insisting on being recognized solely as “Gluck” – an androgynous declaration of self that mirrored her boundary-pushing art.  

Gluck’s paintings, mainly her portraits, are striking in their directness and emotional intensity. Her subjects, often women with whom she shared intimate relationships, are depicted with an unflinching honesty that captures their vulnerability and strength. Gluck’s rejection of the idealized female form prevalent in much portraiture of the time was a quiet rebellion, a celebration of the complex reality of her subjects’ lives.

Her floral still lifes, inspired by the arrangements of her lover, florist Constance Spry, are equally captivating. Gluck’s flowers are not mere botanical specimens; they pulsate with life, their petals and stems seeming to dance across the canvas. Her innovative use of color and composition transformed the traditional genre into something fresh and modern. 

Beyond her artistic achievements, Gluck’s life itself was a work of art. She lived openly as a lesbian in an era when such relationships were often shrouded in secrecy. Her self-portrait with Nesta Obermer, “Medallion,” is a testament to their love and a powerful symbol of queer identity. 

Gluck’s art and life remain an inspiration, a reminder that true creativity often thrives in adversity. She challenged artistic and societal norms, paving the way for future artists to express themselves freely and authentically. Her legacy is a vibrant tapestry of defiance, passion, and unwavering commitment to her artistic vision.

Gluck’s Gender Paintings: Challenging Norms, Embracing Identity

Hannah Gluckstein, known simply as Gluck, was a trailblazer in artistic style and her fearless exploration of gender and sexuality through her paintings.

In an era when societal norms rigidly dictated gender roles and expressions, Gluck’s work served as a bold statement of self, a defiance of convention, and a celebration of queer identity.

Her portraits, especially those of her female lovers, stand out for their intimate and honest portrayals. Gluck refused to adhere to the idealized feminine forms often seen in traditional portraiture. Instead, she captured her subjects’ essence, complexities, and strength. Her work challenged the objectification of women, presenting them as individuals with depth and agency.

Perhaps the most iconic of her gender-themed paintings is “Medallion” (c. 1936), a double portrait featuring Gluck and her partner, Nesta Obermer. It was a radical statement of lesbian love at a time when such relationships were stigmatized and often hidden. The painting’s composition, with the two women gazing directly at the viewer, exudes confidence and challenges the viewer to acknowledge their relationship. 

Gluck’s self-portraits also serve as powerful explorations of gender identity. In these works, she presents herself in a masculine style, wearing tailored suits and short hair. These self-portraits were not just representations of her physical appearance but a declaration of her rejection of traditional feminine roles.  

Her refusal to use any prefix or honorific with her name, simply signing her work as “Gluck,” further emphasized her rejection of gendered expectations. She wanted to be recognized solely for her art, not for her gender or social standing.  

Gluck’s paintings weren’t just a personal expression; they were a challenge to the societal norms of her time. They helped pave the way for greater visibility and acceptance of LGBTQ+ identities, and they remain a powerful testament to the courage and resilience of queer artists who dared to live and create authentically. 

En Miami todos quieren ser llamados curador de arte

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En Miami todos quieren ser llamados curador de arte

Es fundamental reconocer que los artistas son la base del mundo del arte. Sin su creatividad y expresión, no existirían galerías, curadores, críticos de arte ni el vibrante ecosistema que los rodea.

Muchos artistas quieren hacerse llamar curadores sin serlo por diversas razones:

  • Control creativo: Ser curador les permite tener mayor control sobre la presentación de su trabajo y el de otros artistas, creando narrativas y diálogos específicos.
  • Ego: El deseo de ser reconocido como un líder y una autoridad en el mundo del arte, superando a otros artistas en términos de influencia y relevancia.
  • Reconocimiento y prestigio: La curaduría se ha convertido en una práctica artística respetada y valorada, que puede aumentar la visibilidad y el prestigio de un artista.
  • Oportunidades profesionales: La curaduría puede abrir puertas a nuevas oportunidades laborales, como trabajar en museos, galerías o instituciones culturales.
  • Colaboración y networking: La curaduría implica trabajar con otros artistas, instituciones y profesionales del arte, lo que puede ampliar la red de contactos y generar colaboraciones futuras.
  • Interés intelectual: Muchos artistas tienen un interés genuino en la historia del arte, la teoría y la crítica, y la curaduría les permite profundizar en estos temas.
  • Diversificación de ingresos: La curaduría puede ser una fuente adicional de ingresos para los artistas, especialmente en un mercado del arte cada vez más competitivo.

Es importante tener en cuenta que la curaduría no es simplemente una extensión de la práctica artística, sino una disciplina con sus propios conocimientos, habilidades y desafíos.

El papel del curador en el mundo del arte es multifacético y fundamental para la presentación y comprensión de las obras de arte. Aquí te presento una visión más detallada de sus funciones y responsabilidades:

Investigación y selección:

  • El curador es un experto en su campo, ya sea arte contemporáneo, moderno, histórico o de un género específico. Su conocimiento le permite investigar y seleccionar obras de arte para exposiciones, colecciones permanentes de museos o proyectos específicos.
  • La investigación puede incluir la revisión de archivos, catálogos, publicaciones especializadas y la comunicación con artistas, coleccionistas y otros profesionales del arte.

Desarrollo de conceptos y narrativas:

  • Una vez seleccionadas las obras, el curador desarrolla un concepto curatorial, es decir, una idea central que une las obras y les da un sentido coherente.
  • Esta narrativa puede explorar temas sociales, políticos, estéticos o históricos, y busca generar un diálogo con el público.
  • El curador también escribe textos curatoriales que contextualizan las obras y guían al espectador en su interpretación.

Diseño y montaje de exposiciones:

  • El curador trabaja en estrecha colaboración con diseñadores y museógrafos para crear un espacio expositivo que potencie la experiencia del espectador.
  • Esto implica decidir la disposición de las obras, la iluminación, la señalética y otros elementos que contribuyen a la presentación de las obras.

Educación y mediación:

  • El curador desempeña un papel importante en la educación y mediación del arte.
  • Puede organizar visitas guiadas, charlas, talleres y otros programas educativos para acercar el arte al público y fomentar su comprensión.
  • También puede colaborar en la producción de catálogos, publicaciones y otros materiales didácticos.

Gestión y administración:

  • En muchas instituciones, el curador también tiene responsabilidades administrativas, como la gestión de presupuestos, la negociación con artistas y coleccionistas, y la supervisión del montaje y desmontaje de exposiciones.

El curador como creador de experiencias:

  • Más allá de sus funciones técnicas, el curador es un creador de experiencias. Su objetivo es generar un encuentro significativo entre el público y las obras de arte, que provoque reflexión, emoción y diálogo.
  • El curador es un mediador entre el artista y el público, y su trabajo puede enriquecer nuestra comprensión del arte y del mundo que nos rodea.

En resumen, el curador es un actor clave en el mundo del arte, que desempeña un papel crucial en la investigación, selección, presentación e interpretación de las obras de arte. Su trabajo enriquece nuestra experiencia estética y nos invita a reflexionar sobre el papel del arte en la sociedad.

Para convertirse en curador de arte, una persona puede seguir diferentes caminos académicos, dependiendo de sus intereses y objetivos profesionales. Aquí te presento algunas opciones comunes:

Estudios de grado:

  • Historia del Arte: Este es el camino más tradicional para convertirse en curador. Un grado en Historia del Arte proporciona una base sólida en el conocimiento de diferentes períodos, estilos y movimientos artísticos, así como en teoría y crítica del arte.
  • Bellas Artes: Un grado en Bellas Artes puede ser útil para curadores que quieran especializarse en un medio específico, como pintura, escultura o fotografía. También puede proporcionar una comprensión más profunda de los procesos creativos y técnicos involucrados en la producción de arte.
  • Estudios Culturales o Estudios Visuales: Estos programas interdisciplinarios exploran las relaciones entre el arte, la cultura y la sociedad, y pueden ser relevantes para curadores interesados en temas como la identidad, la representación y el poder.

Estudios de posgrado:

  • Máster en Curaduría: Muchos curadores optan por realizar un máster especializado en curaduría, que les proporciona una formación más específica en teoría y práctica curatorial, así como oportunidades para desarrollar proyectos expositivos y establecer contactos profesionales.
  • Máster en Historia del Arte: Un máster en Historia del Arte puede ser útil para curadores que quieran profundizar en un período o tema específico, o para aquellos que deseen seguir una carrera académica.
  • Doctorado en Historia del Arte o Estudios Culturales: Un doctorado es necesario para aquellos que aspiran a una carrera académica o de investigación en el campo de la curaduría.

Otras opciones:

  • Programas de formación profesional: Existen programas de formación profesional en curaduría que ofrecen una alternativa más práctica y menos teórica a los estudios universitarios tradicionales.
  • Experiencia laboral: La experiencia laboral en museos, galerías u otras instituciones culturales es fundamental para desarrollar las habilidades prácticas necesarias para la curaduría.
  • Autoformación: Muchos curadores complementan su formación académica con lecturas, visitas a exposiciones, participación en conferencias y talleres, y el desarrollo de proyectos curatoriales independientes.

Consejos adicionales:

  • Especialización: Es recomendable especializarse en un área o período específico del arte, ya que esto puede facilitar el acceso a oportunidades laborales y el desarrollo de una carrera profesional.
  • Networking: Establecer contactos con otros profesionales del arte, como artistas, galeristas, coleccionistas y otros curadores, es fundamental para construir una red de apoyo y acceder a oportunidades laborales.
  • Práctica: La curaduría es una disciplina que se aprende haciendo. Buscar oportunidades para desarrollar proyectos curatoriales, ya sea de forma independiente o en colaboración con instituciones, es clave para adquirir experiencia y desarrollar habilidades prácticas.
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