En el panteón de los fotógrafos que han definido el siglo XX, Daido Moriyama emerge como una figura singular, un artista cuya obra trasciende los límites de la fotografía documental y se adentra en el terreno de la expresión subjetiva y la provocación estética. Su estilo audaz, caracterizado por el alto contraste, el grano grueso y la composición desenfadada, ha capturado la esencia de la vida urbana japonesa de la posguerra, revelando tanto su belleza cruda como su inquietante alienación.
Moriyama, nacido en 1938 en Ikeda, Japón, comenzó su carrera fotográfica en la década de 1960, un período de intensa transformación social y cultural en su país. Influenciado por el movimiento Provoke y por fotógrafos como William Klein y Andy Warhol, Moriyama desarrolló un estilo fotográfico que desafiaba las convenciones estéticas y sociales de la época.
Sus fotografías, tomadas principalmente en las calles de Tokio, retratan una ciudad en constante movimiento, un laberinto de luces y sombras, de cuerpos y objetos en colisión. Moriyama se sumerge en el caos urbano, capturando fragmentos fugaces de la realidad con su cámara, como un cazador furtivo de imágenes. Su estilo, a menudo descrito como “are, bure, boke” (granulado, borroso, desenfocado), refleja la naturaleza efímera y fragmentaria de la experiencia urbana moderna.
Pero la obra de Moriyama va más allá de la simple documentación de la realidad. Sus fotografías son un espejo de su propia subjetividad, de sus obsesiones y deseos, de su búsqueda de sentido en un mundo en constante cambio. Sus imágenes, a menudo provocadoras y perturbadoras, nos confrontan con la crudeza de la vida urbana, con la soledad y la alienación que acechan en las calles, pero también con la belleza inesperada que puede encontrarse en los rincones más oscuros.
La influencia de Moriyama en la fotografía contemporánea es innegable. Su estilo ha inspirado a generaciones de fotógrafos, y su obra ha sido objeto de numerosas exposiciones y publicaciones en todo el mundo. Moriyama nos ha enseñado a ver el mundo de una manera diferente, a encontrar la poesía en lo cotidiano, la belleza en lo imperfecto.
Daido Moriyama es, sin duda, un artista clave del siglo XX, un visionario que ha redefinido los límites de la fotografía y nos ha legado un cuerpo de trabajo que sigue siendo tan relevante y provocador hoy como lo fue en su momento. Su legado perdurará como un testimonio de la capacidad del arte para capturar la esencia de nuestro tiempo y desafiar nuestra percepción del mundo.
Bailey Contemporary Arts Center Presents “Threads of Love”: A Mixed Media Art Exhibit by Florencia Clement de Grandprey Inspired by Rumi
Bailey Contemporary Arts Center is proud to present Threads of Love, a captivating mixed media art exhibition by resident artist Florencia Clement de Grandprey. Made possible with support from the Broward County Cultural Division, the exhibition opens with a public reception on Friday, June 6, 2025, from 6:00 PM to 9:00 PM, and will remain on view through June 28, 2025.
Threads of Love draws inspiration from the evocative poetry of Rumi, featuring intricate compositions made from repurposed textiles, rugs, and layered materials. These figurative mixed media works explore themes of connection, personal growth, and the transformative power of love in its many forms.
The exhibition is the culminating project of Clement de Grandprey’s nine-month residency at Bailey Contemporary Arts Center, where she has investigated the intersection of poetry and visual storytelling. “Love exists in many forms—woven into relationships, personal growth, and the spaces we inhabit,” the artist explains. “Through this exhibit, I hope to inspire reflection on the ways love enriches and empowers our lives.”
Bailey Contemporary Arts Center and the Broward County Cultural Division invite the public, collectors, and fellow artists to experience Threads of Love and meet the artist at the opening reception. Guests will have the opportunity to view the work, engage in meaningful dialogue, and explore how art can serve as a vessel for emotional and poetic expression.
Exhibition Details: Threads of Love by Florencia Clement de Grandprey On View: June 6–28, 2025 Opening Reception: Friday, June 6 | 6:00 PM – 9:00 PM Location: Bailey Contemporary Arts Center (BaCA) 41 NE 1st Street, Pompano Beach, FL 33060
For media inquiries, interviews, or further information, please contact: Florencia Clement de Grandprey (954) 446-4126 [email protected]
Kubes in Action Miami Gets a Makeover: Guerilla Knitting and Cube Storming Hit the Magic City
Miami, known for its vibrant art scene and Art Deco architecture, is no stranger to creative expression. But a new form of artistic intervention adds a whimsy and warmth to the city’s urban landscape: guerilla knitting and cube storming.
This global phenomenon, known as yarn bombing or knit graffiti, involves adorning public spaces with colorful knitted or crocheted creations. No object is safe from the yarn bombers’ crafty touch, from lampposts and trees to benches and statues.
While the movement has its roots in Texas with Magda Sayeg, often hailed as the “mother of yarn bombing,” Miami’s yarn stormers make their mark with unique installations reflecting the city’s vibrant culture and tropical flair. Imagine strolling down Ocean Drive and encountering palm trees wrapped in vibrant hues or discovering a lifeguard stand adorned with a crocheted coral reef. These unexpected bursts of color and texture bring a smile to passersby and challenge traditional notions of public art. But guerilla knitting is more than just a whimsical aesthetic. It’s a form of creative activism, a way to reclaim public spaces and inject them with personality and warmth. By transforming everyday objects into works of art, yarn bombers encourage us to see our surroundings with fresh eyes and appreciate the beauty in unexpected places. Miami’s diverse communities have embraced this art form, using it to express their cultural heritage and social concerns. From Little Havana to Wynwood, yarn installations are popping up to celebrate the city’s multiculturalism and raise awareness about environmental conservation and social justice issues. So, watch for these unexpected bursts of yarn the next time you explore Miami. You might stumble upon a knitted masterpiece that adds a touch of magic to your day.
What is yarn bombing?
Yarn bombing is a form of street art that uses textiles instead of paint. It involves adding color and life to objects by covering them with yarn. Yarn bombing is also known as Guerilla Knitting and cube Storming. It can include adding tags, putting up murals, leaving messages, or covering parts or whole inanimate objects.
The projects I have been involved in have taken months to produce and assemble. I always seek permission before yarn bombing and make sure to remove the knitting after a month. I haven’t done any random yarn bombing.
In Melbourne, wool graffiti is generally accepted, but it’s considered polite to ask for permission before putting it on private property and to remove it in a timely manner.
Yarn bombing a tree requires detailed measurements to ensure that the yarn fits well and looks its best. The yarn should cover all joints between branches and the main trunk.
A yarn bombing typically stays up for about six weeks, but it can last for as long as two to three months depending on the location, time of year, and exposure to the elements. Yarn-bombed trees should be uncovered for their health after six to eight weeks.
You can find yarn bombing groups on social media and start one of your own by asking your knit and crochet-loving friends to join you or by creating a group on Facebook. When starting a yarn bombing project, plan the size and time frame, what you will cover, the colors and patterns you will use, and when and how you will install it. Start small, document your progress, and share your results using #yarnbombing.
MADI, the art movement championing “movement, abstraction, dimension and invention,” has attracted numerous talented artists over the years. Let’s explore the works
Paul Abbott: Escultor estadounidense conocido por sus vibrantes construcciones geométricas y móviles, que capturan la esencia lúdica y experimental del MADI.
Fariba Abedin: Artista iraní-estadounidense que fusiona la caligrafía persa con principios MADI, creando obras que exploran la intersección entre lenguaje y forma.
John Samuel Abrams: Pintor estadounidense que utiliza formas geométricas y colores vivos para crear composiciones dinámicas y enérgicas, reflejando la libertad creativa del MADI.
Arthur Aeschbacher: Escultor suizo cuyas obras tridimensionales, a menudo suspendidas en el aire, desafían la gravedad y juegan con la percepción espacial, características distintivas del MADI.
Shafaq Ahmad: Artista paquistaní que incorpora elementos de la arquitectura islámica en sus pinturas y esculturas MADI, creando un diálogo intercultural entre tradición y vanguardia.
Josef Albers: Aunque no se le considera estrictamente un artista MADI, sus experimentos con el color y la interacción de las formas geométricas influyeron en el desarrollo del movimiento.
James Allumbaugh: Escultor estadounidense conocido por sus estructuras geométricas a gran escala que invitan a la interacción y exploran la relación entre el arte y el espacio público.
Rebecca Alston: Pintora australiana que utiliza formas geométricas y patrones repetitivos para crear obras vibrantes y llenas de energía, que evocan la alegría y el optimismo del MADI.
Gissieline Amiuny: Artista brasileña que combina elementos de la naturaleza con formas geométricas en sus esculturas y pinturas, creando un diálogo entre lo orgánico y lo abstracto.
Alfredo Anghinelli: Pintor uruguayo que utiliza líneas y planos de colores para crear composiciones abstractas y poéticas, que exploran la armonía y el equilibrio visual.
Carmelo Arden Quin: Uno de los fundadores del MADI, este artista uruguayo es conocido por sus “copias”, cuadros recortados que desafían la noción tradicional del marco y la composición. Sus obras son un ejemplo icónico de la inventiva y la experimentación del movimiento.
PAUL ABBOTT: Abbott, a geologist turned artist, creates visually intriguing works blending his scientific background with artistic expression. He employs digital techniques and photography to create images that shift between recognizable forms and abstract patterns depending on the viewer’s perspective. His art often invites contemplation on the relationship between the micro and macro, the seen and unseen.
FARIBA ABEDIN: Abedin’s vibrant and playful compositions explore the intersection of geometry and color. Her works often feature overlapping shapes, playful lines, and bold hues, creating a sense of movement and dynamism. Abedin’s art is a celebration of life and energy, inviting the viewer to experience a sense of joy and wonder.
JOHN SAMUEL ABRAMS: Abrams is known for his meticulously crafted geometric sculptures. He utilizes various materials, including wood, metal, and acrylic, to create intricate structures that play with light, shadow, and form. His sculptures embody a sense of balance and precision, inviting the viewer to appreciate the beauty of geometric abstraction.
ARTHUR AESCHBACHER: Aeschbacher’s art is characterized by its bold colors, geometric shapes, and playful sense of humor. His paintings and sculptures often feature unexpected juxtapositions and optical illusions, challenging the viewer’s perception of space and form. Aeschbacher’s work is a testament to the power of imagination and the endless possibilities of geometric abstraction.
SHAFAQ AHMAD: Ahmad’s art explores the interplay of geometric forms and organic elements. Her works often feature delicate lines, intricate patterns, and subtle textures, creating a sense of harmony and balance. Ahmad’s art is inspired by nature and the human experience, inviting the viewer to connect with their inner selves.
JOSEF ALBERS: While not strictly a MADI artist, Albers’ iconic “Homage to the Square” series profoundly influenced the movement. His exploration of color theory and the interaction of squares within squares resonates with MADI’s emphasis on geometric abstraction and its potential to evoke emotional responses.
Un recuento breve de la Trienal de Tijuana: 2 Internacional Pictórica
Roberto Rosique1.
Una historia que comenzó en 2018, impulsada por la insistencia del pintor Álvaro Blancarte, el compromiso de la directora del Centro Cultural Tijuana, Dra. ViankaR. Santana, y la invitación que nos hiciera a mí y al Dr. Heriberto Yépez para desarrollar un proyecto expositivo y de concurso enfocado en el campo expandido de la pintura. El resultado fue un modelo que promueve la liberación del formato,el tema y las técnicas, con el objetivo de fomentar la libertad creativa de los participantes. La única directriz es mantener un vínculo con lo pictórico, entendidocomo un recurso universal que puede encontrarse en todo lo que nos constituye,desde lo plástico, visual, objetual y conceptual. Asimismo, se definió una modalidad de premiación alejada de lo tradicional.
El proyecto se desarrollaría en dos etapas. La primera consiste en la selección de los artistas que participarán en la exposición representativa de la Trienal, a cargodel curador general, quien realiza la selección de acuerdo con los criterios establecidos en las bases de la convocatoria. La segunda etapa abarca la selección y premiación, llevada a cabo mediante un innovador sistema tripartito. En esta fase,un curador invitado específicamente para este propósito selecciona 10 de las obras finalistas, de entre las cuales podrían elegirse las ganadoras; además, los artistas seleccionados emiten un voto único para reconocer la obra que consideren más destacada. Por último, la comunidad participa a través de una plataforma virtual institucional, emitiendo su voto. Todo el proceso se realiza bajo la supervisión de un notario público, quien garantiza la legalidad del evento. Los resultados de esa primera edición (2021), cuya selección general estuvo a cargo de la curadora venezolana Carmen Hernández, incluyeron 145 obras de 16 países. A través del sistema de votación tripartita, se otorgó el primer premio a la argentina Belén Basombrio por su obra En blanco. Pintura en el campo expandido, de la serie Del silencio a la denuncia. Asimismo, se concedieron dos menciones honoríficas: una al mexicano Salvador Díaz, por La pelea, de la serie Panorámicos, y otra a la venezolana Sofía Saavedra, por Línea fronteriza. Los premios consistieron en $1,000,000 MXN para el primer lugar y $250,000 MXN para cada una de las menciones.
La segunda edición de la Trienal (2024), cuya selección de 86 obras de artistas provenientes de 14 países estuvo a cargo de la curadora brasileña Leonor Amarante una curadora respetada por su imparcialidad y amplia experiencia comprobada en el campo contemporáneo del arte, nos ofrece —como bien declara—una dilatada cartografía de una geografía creativa abierta e vintegradora. Esta selección cumple con las expectativas de la Trienal y amplía nuevamente el espectro de lo plástico, no desde la tradición, sino respaldado por la solidez del discurso y la justificación conceptual propuesta por cada artista, lo que eleva sus obras al rango contemporáneo y las hace merecedoras de su participación. El comité curatorial considera esta decisión pertinente, ya que el espíritu de la Trienal se basa en la libertad y la democracia, lo que se refleja en esta muestra plural, donde es posible apreciar una variedad de géneros, con cada obra destacando por sus aportaciones, todas ellas sustentadas en lo pictórico. Las decisiones del jurado ternario fueron completamente autónomas, y como institución confiamos plenamente en sus juicios, libres de cualquier coerción. En cuanto al curador invitado para la fase final de premiación, el Dr. Humberto Chávez Mayol, investigador, teórico, crítico, docente en artes y creador conceptual con amplia trayectoria y reconocimientos, fue para nosotros un respaldo clave.
“Sobre su selección de obras, explicó: “Las piezas fueron analizadas desde su construcción y calidad sintáctica, su sentido semántico, y los factores pragmáticos planteados en cada propuesta. He procurado mantener el espíritu conceptual del proyecto, valorando la diversidad de manifestaciones y siguiendo el enfoque de una pictorialidad expandida. Se eligieron piezas orientadas hacia la re-objetualización, la instalación y la integración de nuevas tecnologías”
En cuanto al voto libre de los artistas seleccionados (de los cuales participó el 60 % en esta ocasión), sus decisiones fueron determinantes e indiscutibles para la adjudicación de los premios. El reconocimiento que otorgan con su voto demuestra que la obra cumple con los criterios establecidos para su participación y que, según su valoración, resultaban meritorias. De manera similar, el voto libre de la comunidad, previamente analizado y validado por un programa de seguridad y control implementado por la empresa contratada, garantiza la autenticidad del resultado. Según lo estipulado en las bases de la convocatoria, si al menos dos de las tres votaciones coinciden, la obra con mayor número de votos será declarada ganadora, y de manera decreciente se otorgarán las menciones honoríficas. De acuerdo con este criterio, los resultados finales fueron los siguientes: El primer premio fue otorgado a la obra “Pese a todo, la alegría del encuentro” de Samara Colina, con 3 votos coincidentes: 549 votos del público, 3 votos de los artistas participantes y 1 voto del curador invitado para la fase final. El Segundo Premio (Primera Mención Honorífica) fue para “Woolander” de Enrique Rubio, que también obtuvo 3 votos coincidentes, aunque con menor apoyo del público (56 votos), 1 voto de los artistas participantes y 1 del curador. El Tercer Premio (Segunda Mención Honorífica) fue para “Después de 10 años, entre el mar y mi afecto, nos volvimos a encontrar” de María Orozco, con 2 votos coincidentes: 1 del curador y 332 votos del público. Aunque esta obra obtuvo un mayor número de votos del público, no recibió el respaldo de los artistas seleccionados.
El resultado es claro y contundente según los números obtenidos, lo que reafirma que en el arte, las subjetividades juegan un papel crucial en las decisiones.
Aunque cada votante asume la responsabilidad de su elección, a la institución solo le corresponde reconocer la honestidad de los juicios emitidos. Del mismo modo, el voto libre del público fue considerado por la institución como un acto legítimo, pero bajo el principio de equidad, siendo validado a través del programa establecido. Este garantizó que cada persona emitiera un único voto, identificado por su correo electrónico, y descartó aquellos que no cumplieran con las normas.
La libertad implícita en todo proceso de creación conforma el espíritu autónomo del arte, un acuerdo sino tácito, si entendido y declarado abiertamente, por lo menos en el arte contemporáneo; un convenio que parece justificar la osadía de construirlo validando el soporte con toda la implicación que el término tiene, admitiendo el proceso no únicamente como ritual constructivo sino como fin, y aceptando el concepto como justificación cognitiva y/o apuesta estética; oportunidades que hace que el ejercicio creativo circule por igual en una dirección o la deriva, se alíe a todo lo que el autor considere pertinente, se emulsione en la inter o transdisciplina todo ello sin esperar la autorización de aquel que lo ha mantenido direccionado; ese espíritu emancipado invita también a que quien lo consume lo valide o lo rechace o que aquel que lo observe lo acepte como tal, lo etiquete y que también desde su particular criterio lo interprete; opiniones, todas que tienen sus fortalezas y debilidades pero que reflejan, sin duda, nuevos tiempos en el cual la correspondencia, el sentido de equidad, el respeto al disentir del otro son indicativos de maneras diferentes de ver, entender y aceptar la vida, en donde, por supuesto, el arte debe ser participe relevante.
Esta apuesta por fomentar oportunidades menos restrictivas para que las creaciones adquieran también otros sentidos fue una preocupación constante para quienes construíamos el espíritu de la trienal, una inquietud que debía reflejarse con hechos; de ahí que el riesgo tomado al proponerlo desde lo pictórico, el respetar las libertades creativas y evaluativas, no fue tal, pues siempre estuvo claro que se asumían como posturas articulantes, que darían que hablar pero también que pensar sobre el valor de la emancipación en el arte, de la que no hay justificación para su ausencia.
Hoy que estamos aprendiendo a mirar la vida desde polos distintos como consecuencia de acciones negligentes que, desde el poder desmedido y riqueza inconmensurable centrada en unos pocos, contravienen las leyes naturales y trastocan la vida sin una señal de remordimiento; nos hemos visto forzados a modificar estándares con tal de atenuar y desaparecer calamidades, estamos obligados a reaprender el valor de la responsabilidad, la que en esta era postcovid se tendrá que asumir sin objeciones, si es que realmente queremos una mejor forma de vida.
Son tiempos para pensarnos en la diferencia, reconocernos en el otro y asumirnos en el compromiso que como declaración de principio sea invariable y nos confronte si se incumple, es momento de seguir de la mano con la responsabilidad como medida incuestionable para enmendar equívocos y ser justos, y el arte, estoy seguro, no tiene por qué desestimar estos escenarios, de ahí que no podría ser másoportuno este momento de transformaciones inevitables derivadas de la pandemia para generar espacios de intercambio y expectativas, favorecer el pensamiento crítico y cambiar el paradigma de lo plástico por la libertad en el abordaje de lo pictórico sin restricciones.
1 Roberto Rosique. Nace en Cárdenas, Tabasco, México, en 1956. Radica en Tijuana, B. C., desde 1986. Médico General, con Especialidad en Pediatría y Subespecialidad en Oftalmología Pediátrica, es a su vez artista plástico-visual, curador, escritor y crítico de arte. Es MaestroFundador de la Facultad de Artes de la Universidad Autónoma de Baja California (2003). Docente de la misma institución, en la actualidad es el coordinador general de la Trienal de Tijuana 2 Internacional Pictórica, Secretaría de Cultura / Cecut.
Sagarika Sundaramcreates sculpture, relief works, and installation using raw natural fiber and dyes. Drawing on natural imagery, the work meditates on the impossibility of separating the human from the natural, suggesting the intertwined nature of reality. Sundaram’s work has been exhibited at the Bronx Museum of the Art, NY; Al Held Foundation with River Valley Arts Collective, Boiceville NY; the Moody Center for the Arts at Rice University, Houston, TX; British Textile Biennial, Liverpool, UK; the Chicago Architecture Biennial and Nature Morte gallery, New Delhi, India. Her work has been reviewed in the New York Times (Roberta Smith, Martha Schwendener) ARTnews (Alex Greenberger) and been featured on PBS and Artnet News. Sundaram graduated with an MFA in Textiles from Parsons / The New School, NY. She studied at the National Institute of Design, Ahmedabad, and at MICA in Baltimore. She is currently a Visiting Assistant Professor at Pratt Institute. Sundaram lives and works in New York City.
Sagarika Sundaram (b. 1986 Kolkata, India)
Education
Selected Group Exhibitions
Solo Exhibitions
Parsons School of Design, The New School, New York, NY – MFA Textiles
National Institute of Design (NID), Ahmedabad, India – B.Des, Visual Communication
Maryland Institute College of Art (MICA), Baltimore, MD – Exchange Semester in Graphic Design
Nature Morte, New Delhi, India
Palo Gallery, ‘Source’, New York, NY
Manitoga / The Russel Wright Design Center, ‘The Source of Everything’, Garrison, NY
Bronx Museum, “Bronx Calling: The Sixth AIM Biennial”, Bronx, NY
Salon 94, New York, NY
UBS VIP Lounge, Art Basel Miami Beach, Miami, FL
Al Held Foundation & River Valley Arts Collective, ‘On the Grounds’, in dialogue with Anina Major, Boiceville, NY
Chicago Architecture Biennale, ‘CAB 5: This is a Rehearsal’, Chicago Cultural Center, Chicago, IL
British Textile Bienniale, The Whitaker Museum and Art Gallery, Lancashire, UK
Moody Center, Rice University, ‘Narrative Threads: Fiber Art Today’, Houston, TX
Visitor Center Gallery, ‘Provenance’, Newburgh, NY
Bannister Gallery, Rhode Island College, New Explorations in Memoryscapes, Providence, RI
Opening Gallery, ‘A/Typical Now’, New York, NY
Frestonian Gallery, ‘Form/Symbol’, in dialogue with Sonia Deluaney and Eddy Austin, London, UK
Iron Velvet Gallery, ‘How to Love in Many Ways’, New York, NY
Nature Morte Gallery, ‘New Forms of Thought’, New York, NY
New York Live Arts, NYFA IAP Group show, ‘In/Between 2022’, New York, NY
Mana Contemporary, ‘Materialistic’, Jersey City, NJ,
Ace Hotel Brooklyn, ‘Textiles’: A Group Show, Brooklyn, NY
West Harlem Art Fund, ‘Elements’, Governors Island, NY
Roulette Intermedium, ‘Let’s Go Out and Play’, Brooklyn, NY
Nature Morte Gallery, ‘Hanging Gardens’, New Delhi, India
Mana Contemporary, ‘Hybrid’, Jersey City, NJ
Casa Pedregal, ‘TEXTO’, Mexico City, MX
2018 – 2020
2004 – 2008
2007
2025
2023
2024
2023
2022
2021
2020
Fellowships & Residencies
Sharpe Walentas Studio Program, New York, NY
Fountainhead Residency, Miami, FL
Senior Fellow, Silver Arts Residency, New York, NY
Silver Arts Residency, New York, NY
Art Omi Residency, Ghent, NY
Bronx Museum AIM Fellow, Bronx, NY
New York Foundation for the Arts IAP Program: Visual and Multidisciplinary Arts Fellow, NY
Walkin Studios Residency, Bangalore, India
2024-25
2024
2023
2022
2022
2022
2022
2017
Sagarika Sundaram CV, Page 1/2Bibliography
• Smith, Roberta. “What to See in N.Y.C Galleries in January.” The New York Times, Jan 4, 2024.
• “NYC-Arts Top 5 Picks: January 19 – January 25.” NYC-Arts – The Complete Guide. Accessed March 27, 2024.
LA OBRA DE: JORGE OTEIZA, YVES KLEIN y ANISH KAPOOR Y EL VACÍO, LA NADA
LA OBRA DE: JORGE OTEIZA, YVES KLEIN y ANISH KAPOOR Y EL VACÍO, LA NADA
La obra de Jorge Oteiza, Yves Klein y Anish Kapoor aborda la estética del vacío y la nada de formas profundamente diferentes, pero todas exploran la relación entre el espacio vacío, la materia y la percepción humana. Cada uno de estos artistas utiliza el concepto de vacío como una herramienta para desafiar la percepción tradicional del arte y la realidad, invitando al espectador a una reflexión sobre lo no-visible, lo ausente y lo intangible.
Jorge Oteiza:
El escultor vasco Jorge Oteiza es uno de los artistas más influyentes en la exploración del vacío en el arte contemporáneo. Su trabajo, especialmente sus vacíos escultóricos, se caracteriza por una profunda reflexión sobre la ausencia. Oteiza no ve el vacío simplemente como la falta de materia, sino como un elemento esencial en el proceso creativo. En sus obras, los vacíos no son simples espacios vacíos, sino que se convierten en la estructura misma de la escultura. Al vaciar la forma, Oteiza invita al espectador a percibir la importancia de lo ausente, desafiando las ideas convencionales de volumen y presencia. Su serie de “vacíos” establece una relación directa entre el espacio interior y exterior, entre la forma y el vacío, y busca una nueva forma de comunicación con el espectador.
Yves Klein:
El artista francés Yves Klein introdujo el vacío de una manera radical y conceptual en su obra. Klein es conocido por su fascinación por el vacío como un espacio lleno de potencial, donde la nada no es simplemente ausencia, sino una zona de posibilidad infinita. En su obra, el vacío se convierte en un lugar de la pureza espiritual. Su célebre obra “Le Vide” (El Vacío), presentada en 1958 en la Galería Iris Clert en París, es una manifestación de su exploración del vacío. Klein llenó la galería con un espacio vacío, invitando a los espectadores a experimentar la nada como una presencia tangible. La nada de Klein no es solo la falta de objetos, sino la expansión de la mente y la apertura a lo invisible. A través del vacío, Klein propone una experiencia sensorial y espiritual, donde el espacio vacío se convierte en un vehículo para la introspección.
Anish Kapoor:
Anish Kapoor es otro artista contemporáneo que explora la nada a través de la escultura. Su obra está profundamente influenciada por la física, el espacio y la percepción. Kapoor utiliza el vacío no solo como una ausencia, sino como un espacio que absorbe, distorsiona y altera nuestra percepción de la realidad. Sus famosas obras, como “Descent into Limbo” o “Sky Mirror”, juegan con la relación entre lo vacío y lo lleno, entre lo visible y lo invisible. En el caso de “Descent into Limbo”, Kapoor crea un vacío en el que la ausencia de fondo parece desbordar los límites de la percepción. El vacío en sus obras no es solo un espacio físico, sino una metáfora de lo desconocido, de lo que se encuentra más allá de nuestra comprensión. Kapoor crea un espacio donde la nada parece invadir la forma, jugando con la ambigüedad entre la presencia y la ausencia.
En la obra de Oteiza, Klein y Kapoor, el vacío se convierte en un espacio dinámico y reflexivo, lejos de ser una mera ausencia. Cada uno, a su manera, utiliza el vacío para generar una experiencia estética profunda que invita al espectador a enfrentarse a lo invisible, a lo intangible y a lo ausente. Para Oteiza, el vacío es parte fundamental de la forma; para Klein, es una puerta a lo espiritual y lo infinito; y para Kapoor, un espacio que transforma nuestra percepción de la realidad. La nada en sus obras se convierte en una presencia poderosa, que abre nuevos caminos para entender el arte, el espacio y la condición humana.
We are One Kube Man performance by Rafael Montilla Venecia
Los términos “performance” y “performativo” están estrechamente relacionados, pero tienen connotaciones diferentes dependiendo del contexto en el que se utilicen, especialmente en el arte contemporáneo, la filosofía y la teoría. A continuación, desglosaré ambos términos para aclarar sus diferencias y su relación:
Performance
El término performance se refiere principalmente a una forma de arte que implica la acción en vivo, en la que el cuerpo del artista y la interacción con el público son centrales. En el contexto del arte contemporáneo, el performance se entiende como una disciplina artística en la que el artista realiza una acción o serie de acciones frente a una audiencia, a menudo desafiando las convenciones tradicionales del arte visual y la experiencia estética.
El performance es un medio a través del cual se exploran temas como la identidad, el cuerpo, la política, el género, la sociedad y la espiritualidad, entre otros. Puede involucrar una variedad de elementos, como la danza, el teatro, la música, el discurso y el uso de medios digitales. Los performances pueden ser temporales, improvisados, estructurados o colaborativos, y el público a menudo juega un papel importante en la experiencia.
Algunos artistas pioneros en el campo de la performance son:
Marina Abramović: Conocida por sus audaces y a menudo dolorosas performances, como The Artist is Present (2010).
Yoko Ono: En sus performances, fusiona la poesía, la música y la participación del público, explorando las fronteras del arte y la vida cotidiana.
Joseph Beuys: Su enfoque de “arte como política” y sus performances rituales fueron fundamentales en el desarrollo del arte contemporáneo.
Vito Acconci: Fue un artista que utilizó el cuerpo de formas extremas para explorar temas de deseo, control y poder en sus performances.
Performativo
El término performativo tiene una connotación más filosófica y lingüística, y se refiere a algo que no solo representa una acción, sino que la realiza al llevarla a cabo. En filosofía y teoría del lenguaje, el concepto fue introducido por el filósofo J.L. Austin en su obra How to Do Things with Words (1962). Según Austin, un enunciado performativo no solo describe una acción, sino que la ejecuta al ser pronunciado. Por ejemplo, en una ceremonia de bodas, cuando alguien dice “los declaro marido y mujer”, esa declaración no solo describe una acción, sino que la realiza.
Un enunciado performativo tiene la capacidad de generar una acción o una transformación en la realidad. En el caso del arte, “performativo” se utiliza para describir una obra, acción o evento en el que la propia ejecución de la obra lleva a cabo el significado o el efecto que se busca transmitir. Por ejemplo, una acción artística puede ser “performativa” si al ejecutarla, se genera un cambio en el entendimiento de una idea o en la percepción de una situación.
Diferencias y relaciones:
En el arte contemporáneo:
Performance: Es un acto en vivo, una representación o acción que involucra al cuerpo del artista y puede estar dirigida a un público. El performance se puede entender como la manifestación de una acción que puede implicar múltiples medios, como el teatro, la danza, o incluso la vida misma.
Performativo: Se refiere a la capacidad de una acción o palabra de generar un cambio o significado en el contexto en que se presenta. El término también se utiliza para describir ciertas obras de arte que no solo representan ideas, sino que las activan, las realizan o las hacen “reales” al ser ejecutadas.
En la filosofía:
Performance: El concepto de performance no tiene un lugar relevante dentro de la teoría del lenguaje filosófico, ya que se enfoca más en las manifestaciones físicas y corporales de las acciones.
Performativo: En la filosofía del lenguaje, algo performativo es un acto lingüístico que crea realidad. Los enunciados performativos, como “te prometo que…”, son ejemplos de cómo las palabras pueden generar efectos reales en el mundo, más allá de simplemente describirlo.
Ejemplo en el arte:
Un ejemplo contemporáneo donde se puede ver la relación entre performance y performativo es el trabajo de Judith Butler, filósofa que utilizó estos conceptos en el análisis de las identidades de género. En su libro Cuerpos que importan (1993), Butler sostiene que el género no es algo fijo, sino que se “performativiza”, es decir, que se constituye a través de actos repetidos (como vestirse de una cierta manera o hablar de una forma particular). En este sentido, los actos performativos son aquellos que no solo representan un género, sino que lo crean y mantienen.
En el contexto de una performance artística, esto podría significar que el acto de un artista al involucrarse en una actividad en vivo (como vestir un traje, realizar movimientos específicos o hacer ciertas declaraciones) no solo es una representación, sino una acción que activa y redefine una realidad, ya sea cultural, política o social.
Performance hace referencia a una práctica artística en vivo que implica la acción del cuerpo y la interacción con el público.
Performativo se refiere a la capacidad de una acción (ya sea verbal, gestual o simbólica) de crear una realidad o transformar la percepción a través de su ejecución.
Ambos conceptos se interrelacionan en el arte contemporáneo, ya que muchas obras de performance no solo presentan una acción, sino que realizan cambios o activan realidades, desafiando las normas y transformando el entendimiento del arte y de la vida misma.
MIAMI, FL – HOUSE OF ARTS is excited to announce the opening of Winter Synergy, an exclusive exhibition curated by Artem Mirolevich. The opening event will take place on December 28, 2024, from 5:00 PM to 9:00 PM at its dynamic Miami location, 100 NW 36th St. This special evening will be part of the extended Miami Art Week celebrations, bringing together a diverse group of contemporary artists in a dynamic exploration of visual synergy.
The exhibition In The Room features works by some of the most innovative and celebrated artists of today, including:
Alme Yutronic
Binho Ribeiro
Carlos Escandon
Charlyn Reynolds
Christina Lewis Vizcarrondo
Cleverson Oliveira
Darling Graham
Delsy Rubio
Evens C. Mériné
Guava de Art
Jiggy Korean
Ken Shep
Marcos Bary
Melissa Rubio
Lili Cantero
Rolemberg Dantas
Stacy Daugherty
Valentina Lugo
Yuli Geszti
Zevi G
This exhibition reflects the unique and eclectic nature of Miami’s vibrant art scene, combining a variety of mediums, perspectives, and cultural influences. The carefully curated collection invites visitors to engage in the conversation of creative expression and the synergy between different artistic visions.
Curated by Artem Mirolevich, Winter Synergy presents a fusion of works that explore the interconnectedness of art, culture, and human experience. The exhibition will also feature notable works by artists Artem Mirolevich, Alexander Ney, Narine Arakelian, and Damir Krivenko, who bring their bold, groundbreaking styles into the mix.
As part of Miami Art Week, this exhibition will be an essential stop for art enthusiasts, collectors, and those interested in witnessing the latest global trends. Guests will experience the artwork and the surrounding community, further establishing HOUSE OF ARTS as a central hub for creative innovation.
HOUSE OF ARTS is a contemporary art space that showcases diverse and innovative artists worldwide. It offers a platform for emerging and established talent and fosters a dynamic environment where art, culture, and community intersect. Located in the heart of Miami, the gallery is an essential part of the city’s flourishing art scene.
“Geografía Abstracta”: Celebrating 48 Years of Artistic Exploration at Graphicart Gallery
In a vibrant celebration of its 48th anniversary, Galería Graphicart presents the exhibition “Geografía Abstracta: 48 Años de Exploración Artística en Venezuela” at the newly inaugurated SAGA Cultural Space in Caracas. The exhibition, which opened on November 30, 2024, features a stunning collection of works that reflect the rich history of Venezuelan abstract geometric art and its ongoing influence in the country’s artistic landscape.
“Geografía Abstracta” pays tribute to the role of abstraction in shaping Venezuelan identity, particularly through geometric abstraction, constructivism, kinetic art, and op art. These movements, which distanced themselves from figurative representation to embrace the purity of geometric forms, have been central to Venezuela’s art history. Curated by Verónica Liprandi, the exhibition highlights the contributions of 48 artists whose work has been closely tied to the gallery since its inception in 1976.
The gallery’s founder and director, Magdalena Arria, proudly reflects on the legacy of Graphicart, a space that has long championed the development and promotion of geometric abstraction. Over the decades, Graphicart has become a vital institution in Venezuelan art, offering a platform for both established and emerging artists. The gallery’s evolution, from its early days as Graphic/CB2 in the Parque Central complex to its current location in the La Hacienda building, marks a trajectory of consistent growth and influence within the artistic community.
The exhibition serves as a collective exploration of the history and significance of geometric abstraction in Venezuela, with a special tribute to Edgar Guinand—a key figure in Venezuelan art whose work has been associated with the gallery since its early years. Guinand’s unique vision, showcased in monumental and ethereal works, continues to inspire generations of artists. His contributions to global art dialogues, including participation in the Biennale di Venezia and exhibitions in Berlin and Paris, underscore his pivotal role in elevating Venezuelan artists to international recognition.
In addition to honoring historical figures, the exhibition embraces innovation through a new immersive virtual reality experience developed in collaboration with K44. This forward-thinking initiative allows visitors to engage with the art in an entirely novel way, transcending physical barriers and redefining how audiences interact with works of art. The incorporation of virtual reality highlights Graphicart’s commitment to evolving and pushing the boundaries of art presentation.
The curatorial vision behind “Geografía Abstracta” also emphasizes the importance of collective memory. As Liprandi notes in the exhibition text, the show reflects Venezuela’s artistic heritage while celebrating the enduring relevance of geometric languages, which continue to influence contemporary practice.
As the exhibition runs through February 2025 at the SAGA Cultural Space in Paseo El Hatillo, visitors are invited to engage with the past and present of Venezuelan art in a dynamic space that blends history, innovation, and cultural celebration. “Geografía Abstracta” is more than just an exhibition; it is a profound exploration of identity, community, and artistic evolution, marking a significant moment for the Venezuelan art scene.
The legacy of Graphicart and its role in shaping Venezuelan abstract art is undeniable. In Magdalena Arria’s words, the gallery is not just a space for exhibitions but a “cultural institution” that has nurtured and celebrated the abstract tradition in Venezuela for nearly half a century. “Geografía Abstracta” is a fitting tribute to that enduring legacy, continuing to inspire artists and audiences alike.
List of Selected Solo Exhibitions
GRAPHIC/CB2 1976: Colette Dupriez (France 1945) Opening of Graphic/CB2 on 12/12/1976 1977: Francisco Salazar (Monagas 1937 – 2019) 1978: Gian Marino Grassi (Italy 1943) 1978: Manuel Mérida (Valencia 1939) 1978: Julio Le Parc (Argentina 1928) 1979: Rogelio Polesello (Argentina 1939 – 2014) 1979: Edgar Guinand (Caracas 1943) 1980: Asdrúbal Colmenares (Trujillo 1936) 1980: Morales Rossi (Argentina) 1982: Jorge Zerep (Valencia 1947 – 2012) 1982: Pérez Flores (Valera 1933 – 2022) 1983: JJ Moros (Caracas 1950 – 1974) 1985: Edgar Negret (Colombia 1920 – 2012) 1986: María Arvelaez (Caracas) 1986: Octavio Herrera (Carabobo 1952 – 2021 Paris) 1988: Esteban Castillo (Barquisimeto 1941) 1990: César Andrade (Guárico 1939 – 2022 Paris) 1990: Saturu Sato (Japan 1945) 1990: Daniel de Spirit (France 1949) 1991: William Barbosa (Colombia 1955) 1991: Alberto Riaño (Colombia 1958-2006) 1991: Nanin García (Caracas 1952) 1992: Carlos Cruz-Diez (Caracas 1923 – 2019 France) Rafael Barrios (USA 1947) Zerep (Valencia 1947- 2012) 1993: Francisco Sobrino (Mexico 1932 – 2014 France) 1994: Rafael Barrios (Louisiana, USA 1947) 1994: Joaquin La Torraca (Carabobo 1952) 1994: Octavio Herrera (Carabobo 1952 – 2021 Paris) 1994: Oswaldo Subero (Caracas 1934 – 2016) 1995: Martin Morales (Mérida 1951) 1996: Germán Botero (Colombia 1946) 1997: Omar Carreño (Porlamar 1927 – 2013) 1998: Oswaldo Subero (Caracas 1934 – 2016) 1999: Luis Millé (Caracas 1967)
GRAPHIC GALLERY 2000: Joel Casique (San Cristóbal 1958-2010) 2001: Cristina Colichón (Peru) 2001: Luis Millé (Caracas 1967) Octavio Herrera (Carabobo 1952 – 2021 Paris) 2003: Manuel Mérida (Valencia 1939)
GRAPHICART 2005 2005: Luis Millé (Caracas 1967) Opening of Graphicart on 05/04/2005 2006: Nanin García (Caracas 1952) 2010: Marta Rodriguez (Caracas 1956) 2010: Saverio Cecere (Italy 1951) Ángel Hernández (Caracas 1944-2024) 2011: Abel Ventoso (Argentina 1975) 2011: Ania Borzobohaty (Paris 1972) 2012: Pedro Fermín (Carúpano 1950) 2012: Joaquin La Torraca (Carabobo 1952) 2013: Saverio Cecere (Italy 1951) 2014: Ani Villanueva (Caracas 1954) 2014: Héctor Ramírez (Monagas 1955) 2015: Nanin García (Caracas 1952) 2015: Alberto José Sánchez (Caracas 1979) 2016: India Serena (Nueva Esparta 1985) 2016-17: Gisseline Amiuny (Caracas 1962) 2017: Roberto Borberg (Caracas 1985) 2017: Antonio Rico García (Caracas 1970) 2018: Nanin García (Caracas 1952) 2018: Ignacio Monque (Caracas 1960 – 2016) 2018: José Roberto Arraiz (Caracas 1975) 2018: Juan Urbina (Caracas 1955) 2019: María Elisa Pifano (Barquisimeto 1958) 2021: Alberto José Sánchez (Caracas 1979) 2022: Mechi di Tulio (Rio de Janeiro 1965) 2022: María Angélica Viso (Caracas 1971) 2022: Alessandro del Vecchio (Caracas 1988) 2023: India Serena (Nueva Esparta 1985) 2023: Claudia Lavegas (Caracas 1968) 2023: Inés Silva (Caracas 1970) 2023: Marcos Salazar Delfino (Caracas 1948) 2024: Arturo Quintero (Caracas 1964) 2024: Carmela Fenice (Caracas 1962) Kike Hurtado (Caracas 1962) Donaldo Barros (Caracas 1962) 2025: Miguel Prypchan (Caracas 1974)
