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Tuesday, July 29, 2025
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The Quintessential David Bowie Tribute Experience

SPACE ODDITY - A Quintessential David Bowie Tribute Experience
SPACE ODDITY - A Quintessential David Bowie Tribute Experience

Moss Center presents SPACE ODDITY – The Quintessential David Bowie Tribute Experience

The Dennis C. Moss Cultural Arts Center is thrilled to welcome SPACE ODDITY – A Quintessential David Bowie Tribute Experience on January 4 at 8 p.m. Fans of the rock and roll chameleon can purchase their tickets now for a spectacular evening of music and visual artistry. In this extraordinary live performance, acclaimed performer David Brighton embodies the essence of Bowie, taking the audience through the artist’s kaleidoscopic career. Tickets are available at MossCenter.org.   Widely recognized as the premier tribute to David Bowie, this live, theatrically staged, and elaborately costumed multi-media spectacle brings Bowie’s unparalleled legacy to life. Showcasing Bowie’s early hits as well as his final works, SPACE ODDITY highlights the superstar’s glam rock days as Ziggy Stardust and follows his musical path to pop icon status with Brighton’s flawless vocals paired with unforgettable costumes. Audiences will have an opportunity to enjoy quintessential Bowie classics such as “Space Oddity,” “Changes,” “Fame,” “Rebel,” “Let’s Dance,” and more in an immersive tribute.

SPACE ODDITY honors the ever-changing artistry of one of rock history’s most celebrated artists and has garnered enthusiastic acclaim from fans and critics alike. The performance has captivated concertgoers around the world for more than 20 years, traveling across the U.S., Canada, Mexico, Australia, Europe, and beyond.   SPACE ODDITY – A Quintessential David Bowie Tribute Experience is appropriate for all ages. Ticket prices range from $40 to $60, and VIP tickets are available for $85. To purchase tickets, go to MossCenter.org, visit the Moss Center Box Office in person, or call (786) 573-5300.

VIP Ticket Experience: Enhance your night with VIP seating, offering exclusive table access and complimentary beer, wine, or soft drinks.

Don’t miss this one-of-a-kind tribute to the music and legacy of David Bowie. Get your tickets today!

Event Details: Date: January 4 2025
Time: 8 p.m
Location: The Moss Center 10950 SW 211 STREET
MIAMI, FL 33189
Box Office: 786-573-5300
Ticket Information: https://tickets-smdcac.miamidade.gov/TheatreManager/1/login?event=2449

Esoterismo en el arte contemporáneo

MARLOW MOSS
MARLOW MOSS

Esoterismo en el arte contemporáneo

El esoterismo en el arte contemporáneo es un tema fascinante que explora cómo las tradiciones místicas, ocultas y espirituales han influido en las prácticas artísticas modernas. El esoterismo se refiere a un conjunto de creencias y prácticas que buscan el conocimiento oculto o secreto, generalmente relacionado con lo espiritual y lo metafísico, y que son accesibles solo a un círculo selecto de personas. En el contexto del arte, este concepto se ha manifestado de diversas maneras, desde la simbología hasta el uso de rituales y prácticas ocultistas en la creación artística.

1. Influencia histórica y contexto

El esoterismo tiene raíces profundas en diversas tradiciones espirituales y filosóficas, como la alquimia, el hermetismo, la Cábala, el gnosticismo y el ocultismo. En el siglo XIX, con el auge de los movimientos espirituales, como el simbolismo y el ocultismo, el esoterismo comenzó a tener una mayor presencia en las artes. Artistas como Gustav Moreau, Odilon Redon y incluso Wassily Kandinsky se sintieron atraídos por estos temas, integrando símbolos esotéricos en sus obras.

A lo largo del siglo XX, movimientos como el surrealismo y el expresionismo también estuvieron influenciados por el esoterismo, en su interés por lo subconsciente, los sueños y lo oculto. Los surrealistas, en particular, exploraron la idea de acceder a realidades ocultas a través de lo irracional y lo onírico, lo cual tiene una conexión directa con las prácticas esotéricas de explorar dimensiones ocultas del ser.

2. El uso de la simbología esotérica

Uno de los aspectos más claros del esoterismo en el arte contemporáneo es la utilización de símbolos. Estos símbolos pueden incluir formas geométricas, figuras mitológicas, referencias astrológicas, alquímicas o religiosas. Los círculos, triángulos y cuadrados, por ejemplo, tienen connotaciones esotéricas en muchas tradiciones, como la representación del cosmos o de principios divinos.

Además, los artistas pueden utilizar símbolos místicos para expresar ideas relacionadas con el universo, la espiritualidad y la percepción más allá de lo físico. En este sentido, las obras de artistas contemporáneos pueden incluir referencias a la alquimia, como el proceso de transmutación o el uso de colores específicos asociados a procesos alquímicos.

3. La conexión con lo espiritual y lo transcendental

El esoterismo en el arte contemporáneo también se manifiesta en la intención de los artistas de conectar con dimensiones espirituales o trascendentales. Algunos artistas recurren al uso de rituales, meditaciones o incluso invocaciones de lo divino para crear sus obras. Este enfoque se refleja en movimientos como el arte visionario, que busca representar lo invisible, lo místico y lo sobrenatural.

Un ejemplo notable de esto es el trabajo de artistas como Hilma af Klint, una pintora y pionera del arte abstracto que estaba profundamente involucrada en la teosofía y el ocultismo. Sus pinturas abstractas estaban inspiradas en sus experiencias espirituales y sus sesiones de espiritismo, y muchos de sus trabajos incorporaban símbolos esotéricos.

4. El arte digital y lo esotérico

En la era digital, el esoterismo también ha encontrado un nuevo medio de expresión. Artistas contemporáneos utilizan la tecnología, como la realidad virtual, la inteligencia artificial y el arte generativo, para explorar conceptos esotéricos y crear experiencias inmersivas que aborden la espiritualidad y la percepción.

Por ejemplo, los mundos virtuales o las experiencias sensoriales digitales pueden buscar representar lo inefable o lo oculto, invitando al espectador a explorar el “más allá” a través de interacciones digitales. El esoterismo, en este caso, se fusiona con la modernidad tecnológica, creando un campo de exploración único.

5. Arte y misticismo contemporáneo

El arte contemporáneo sigue siendo un vehículo para la exploración del misticismo y la espiritualidad. Algunos artistas exploran la relación entre el arte y las antiguas tradiciones espirituales de culturas diversas, como el hinduismo, el budismo, el chamanismo y el sufismo, entre otros. La práctica artística puede convertirse en un medio para alcanzar estados alterados de conciencia, un viaje hacia la autoexploración o una manera de conectar con lo divino.

6. Artistas contemporáneos

  1. James Turrell: Artista que trabaja con la luz y el espacio, creando instalaciones que parecen transportar al espectador a un estado de conciencia elevado. Sus obras son frecuentemente interpretadas como un intento de alcanzar la transcendencia.
  2. Anselm Kiefer: Sus obras están llenas de referencias a mitos, religiones y el ocultismo, explorando temas como la alquimia, la cábala y la historia mística del siglo XX.
  3. Marina Abramović: Aunque más conocida por su arte de performance, la artista utiliza rituales y prácticas espirituales como el chamanismo y la meditación para trascender los límites físicos y emocionales del cuerpo humano, lo que la conecta con el esoterismo.
  4. Wassily Kandinsky: Aunque su obra data de principios del siglo XX y es más conocido como uno de los pioneros de la abstracción, Kandinsky estaba profundamente influenciado por el esoterismo y la espiritualidad. Creía que el arte podía ser un medio para conectar con lo divino y trascender la realidad material. Sus obras están llenas de simbolismo, formas geométricas y colores que evocan una experiencia espiritual.
  5. Piet Mondrian: Mondrian, aunque más conocido por su estilo geométrico abstracto, estaba influenciado por el teosofismo, una corriente espiritual que buscaba un entendimiento profundo de la naturaleza y el cosmos. Mondrian creía que el arte abstracto podía reflejar la armonía universal y el equilibrio espiritual.
  6. Aleister Crowley: Aunque Crowley es más conocido por su rol como ocultista y fundador de la magia ceremonial, también fue escritor y artista. Su obra está muy influenciada por el esoterismo, y sus textos, como “El Libro de la Ley”, continúan siendo influyentes en el mundo del arte esotérico. Crowley creó obras que combinaban simbolismo oculto con rituales mágicos.
  7. Robert Fludd: Fludd fue un filósofo, médico y ocultista renacentista que también fue conocido por sus ilustraciones místicas y esotéricas. Sus obras incluyen diagramas astrológicos, alquímicos y cabalísticos, que fueron precursoras del interés por lo esotérico en el arte.
  8. Mark Rothko: El pintor abstracto estadounidense Mark Rothko, conocido por sus campos de color vibrantes, expresó lo que algunos interpretan como un intento de conectar con lo espiritual a través del color y la forma. Aunque su obra no es directamente esotérica, sus intensas composiciones evocan una experiencia trascendental que ha sido relacionada con temas espirituales.
  9. Jean-Michel Basquiat: Basquiat, aunque más conocido por su arte que aborda cuestiones sociales y políticas, también utilizó símbolos y palabras en sus pinturas que tienen connotaciones esotéricas. Su uso de referencias a la historia, la religión y la mitología muestra su interés en explorar el significado oculto y la conexión con lo místico.
  10. Joseph Beuys: Este artista alemán realizó obras que exploran el concepto de curación espiritual y la transformación a través de rituales. Beuys integró elementos de chamánismo y misticismo en sus performances y esculturas, buscando abrir nuevas vías para la conciencia humana.
  11. Julie Mehretu: Mehretu es una artista contemporánea que utiliza mapas, diagramas y símbolos en sus pinturas abstractas. Aunque su obra no se centra exclusivamente en lo esotérico, las formas que utiliza a menudo evocan ideas de conexión cósmica, el flujo de energía y lo invisible, conceptos que pueden asociarse con ideas esotéricas.
  12. Dan Flavin: Este artista de la luz y el minimalismo utilizó tubos fluorescentes en sus instalaciones para explorar la percepción, el espacio y la luz como elementos metafísicos. Algunos de sus trabajos pueden interpretarse como un medio para explorar lo espiritual a través de la energía luminosa.
  13. Titus Kaphar: Kaphar, conocido por su enfoque de reescribir la historia del arte a través de la pintura y la escultura, a menudo utiliza iconografía que juega con el simbolismo religioso y el ocultismo, creando obras que cuestionan la estructura de poder y la narrativa histórica, a veces con connotaciones esotéricas.
  14.  Caroline Coon: Una artista británica que, en su obra, utiliza símbolos místicos, frecuentemente explorando el ocultismo, la alquimia y el espiritualismo. Sus trabajos a menudo representan escenas de transformación y evolución personal, combinando lo simbólico con lo psicodélico.
  15. Joaquín Torres-García: El artista uruguayo Joaquín Torres-García integró en su trabajo el simbolismo esotérico y las ideas de la cábala y la geometría sagrada. Su trabajo también estuvo influenciado por las teorías del arte y la filosofía del símbolo y la correspondencia cósmica.
  16. Marina Abramović: Además de su trabajo más conocido en el performance, Abramović ha explorado rituales espirituales y chamánicos a través de su obra. Sus performances no solo invitan a la reflexión sobre el cuerpo, sino también sobre lo espiritual y lo trascendental, buscando un contacto más allá de lo físico.
  17. Frida Kahlo: Aunque no se le suele asociar directamente con el esoterismo, la obra de Kahlo está profundamente influenciada por elementos espirituales y místicos, incluidas las referencias a la mitología mexicana y las creencias indígenas, lo que la conecta con tradiciones esotéricas latinoamericanas.
  18. Kara Walker: La obra de Kara Walker, aunque más centrada en la historia racial y la política, también utiliza símbolos que remiten a lo oculto, lo sobrenatural y el simbolismo del folclore africano y afroamericano, fusionando elementos espirituales con temas sociales.
  19. The Chapman Brothers (Jake y Dinos Chapman): Los artistas británicos han explorado temas oscuros y esotéricos a través de obras que a menudo invitan a reflexionar sobre la muerte, el sufrimiento y las fuerzas invisibles que nos afectan. Sus instalaciones y esculturas reflejan una mirada distorsionada a lo grotesco y lo místico.
  20. Kara Walker: Aunque su obra no es abiertamente esotérica, Kara Walker explora temas de historia, mitología y poder que se cruzan con la dimensión espiritual en muchas de sus piezas. A través de su arte, aborda la opresión, la memoria colectiva y las narrativas ocultas, a menudo utilizando el simbolismo de las sombras y figuras arquetípicas que recuerdan a tradiciones místicas y esotéricas.
  21. Daniele Buetti: Este artista suizo contemporáneo ha trabajado con el simbolismo y el concepto de la “transformación” a lo largo de su carrera. Si bien no se clasifica directamente dentro del esoterismo, sus obras a menudo sugieren una reflexión sobre la dualidad de la existencia humana y la búsqueda de la trascendencia, utilizando símbolos esotéricos como el fuego o la alquimia.
  22. Robert Rauschenberg: Rauschenberg, uno de los artistas más influyentes del arte contemporáneo, trabajó con una variedad de materiales y técnicas que buscaban romper los límites entre lo físico y lo espiritual. En sus piezas de “combine paintings”, utilizó elementos como objetos personales, símbolos religiosos y espirituales, con lo que se puede interpretar una dimensión esotérica de su arte, invitando a la reflexión sobre el cosmos y la dualidad entre lo material y lo inmaterial.
  23. Richard Tuttle: Aunque es conocido por su arte minimalista, Richard Tuttle también ha mostrado en su obra una aproximación casi mística a los materiales y las formas. Sus piezas pequeñas y aparentemente simples a menudo buscan representar conceptos más amplios sobre la percepción, el espacio y el tiempo, temas que pueden ser interpretados en términos esotéricos.
  24. Vasily Chizhikov: Artista contemporáneo que explora temas de la alquimia y la espiritualidad a través de la pintura. Su trabajo se inspira en el simbolismo y la mística, y utiliza imágenes que evocan la conexión entre lo físico y lo espiritual, como portales y figuras que parecen existir entre dimensiones.
  25. Tomas Saraceno: Este artista argentino explora las fronteras entre la ciencia, la espiritualidad y el arte. Sus instalaciones e intervenciones se centran en temas como la sostenibilidad, las redes de vida y las estructuras cósmicas, creando experiencias inmersivas que invitan a los espectadores a conectarse con la naturaleza y la espiritualidad de una manera profunda y trascendental.
  26. Zdzisław Beksiński: Aunque más conocido como pintor surrealista, Beksiński fue influenciado por el misticismo y la tradición esotérica. Sus trabajos de naturaleza inquietante y su estilo gótico oscuro a menudo exploran lo macabro y lo trascendental, abordando la idea de lo eterno, la muerte y lo oculto, con un enfoque visual único.

El esoterismo sigue siendo una influencia importante en el arte contemporáneo, tanto como un medio de expresión como un medio para explorar el misterio y lo desconocido. A través de símbolos, rituales, e incluso la creación de experiencias que aborden lo espiritual o lo trascendental, los artistas continúan profundizando en los aspectos místicos de la existencia humana, invitando al espectador a reflexionar sobre la naturaleza del universo, la conciencia y la espiritualidad.

Art of Transformation: Celebrating the Society of African Diaspora Visual Artists in Miami

Standy by Me
¿Estás listo para transformar tu forma de ver y, con ello, tu arte?

Art of Transformation: Celebrating the Society of African Diaspora Visual Artists in Miami

Miami, a city known for its dynamic cultural landscape and diverse artistic expressions, is home to a growing community of visual artists from the African Diaspora. Art of Transformation is among the leading forces in this cultural movement, a collective that brings together talented artists who use their work to explore identity, history, and social change. The society provides a platform for African Diaspora artists to showcase their creations and sparks important conversations about race, heritage, and the evolving role of art in society.

The society’s mission is to promote the rich cultural contributions of African-descended artists while fostering a deeper understanding of the African Diaspora’s influence on contemporary art. Their collective ethos is rooted in a desire to transform individual narratives and broader societal structures through creative expression. Art of Transformation encourages artists to draw from their heritage, incorporating cultural resilience, migration, social justice, and identity themes into their work. These themes resonate deeply with Miami’s multicultural demographic, where the impact of African culture is deeply ingrained, from music to dance to art.

The Power of Art in Transformation

The society’s vision is not merely to display works of art but to evoke transformation—both for the artists involved and the communities they engage with. By highlighting the voices of African Diaspora artists, Art of Transformation challenges the mainstream art world’s often narrow focus and opens the door for broader, more inclusive dialogues on global and local histories.

In Miami, a city that has long been a crossroads for the Caribbean, Latin American, and African Diasporas, the artists of Art of Transformation explore their multifaceted identities, seeking a sense of belonging while confronting the complexities of racial, cultural, and societal structures. Each piece in their exhibitions offers viewers a unique perspective on the triumphs and struggles defining the African experience worldwide. From mixed-media works that blend traditional African art forms with contemporary techniques to abstract pieces that challenge perceptions of race and identity, the society’s artists embrace diversity in their subjects and their approaches to art-making.

The Artists Behind the Movement

The collective features a dynamic range of visual artists, each bringing their style and voice to the table. Whether working in painting, sculpture, photography, or digital media, the members of Art of Transformation showcase a breadth of creativity that reflects both the diversity of the African Diaspora and the diversity within Miami itself.

One key element that sets this collective apart is its focus on storytelling. Many of the featured artists use their craft to tell stories that have been marginalized or forgotten by mainstream history. For instance, works that explore the legacy of African slavery, the ongoing struggle for civil rights, and the experience of immigrants within the African Diaspora offer personal and collective narratives that challenge dominant cultural norms.

In works like those by Wendell Patrick, whose mixed-media installations incorporate textiles, clay, and found objects, the themes of ancestral legacy and cultural continuity come to life. His art asks questions about belonging and displacement while providing a visual conversation about race and heritage. Similarly, Zahra Sulaiman, a multimedia artist, uses vibrant color schemes and innovative techniques to explore the intersections between African traditions and contemporary urban life, blending nostalgia with innovation.

Art as a Catalyst for Social Change

Beyond the exhibition space, Art of Transformation plays a crucial role in Miami’s cultural dialogue by positioning art as a tool for social change. The collective encourages critical thinking and dialogue about race, equity, and cultural visibility through panel discussions, workshops, and community outreach programs. Their events are not simply artistic showcases but spaces for reflection and social activism, where art functions as a mirror to the world we live in and as a catalyst for transformation.

The power of visual art to address societal issues is at the core of Art of Transformation’s mission. The group challenges both viewers and artists to reconsider their perceptions of race, identity, and belonging while celebrating the diverse experiences of the African Diaspora. Art of Transformation is a collective that presents art and fosters conversations that continue long after the exhibitions have closed.

A Future of Boundless Possibilities

As the collective grows, Art of Transformation promises to remain at the forefront of Miami’s art scene, contributing to the city’s global reputation as a vibrant cultural hub. The society’s commitment to showcasing the stories of African Diaspora artists will undoubtedly leave an indelible mark on the local and global art communities, proving that art, when harnessed for change, can transform not just individuals but entire societies.

In Miami, where the African Diaspora’s cultural influence is felt in every corner of the city, Art of Transformation is a testament to the enduring power of art as both a reflection of the world and a force for shaping it.

Funding Arts Broward (FAB) Launches Public Art Program in Broward County            

Funding Arts Broward (FAB) Launches Public Art Program
Funding Arts Broward (FAB) Launches Public Art Program

Funding Arts Broward (FAB) Launches Public Art Program in Broward County     

Dynamic outdoor art light projection by Mad Arts kicks off in January at The Parker       

 Funding Arts Broward (FAB) announced the launch of a new public art program titled, FAB Goes Public,with a dynamic outdoor artistic light display on the exterior wall of The Parker in Fort Lauderdale from January through April.

Made possible with the support of Funding Arts Broward, the membership-based organization dedicated to championing the arts in Broward, in collaboration with the Broward Center for the Performing Arts and the Broward Performing Arts Foundation, The Parker and Mad Arts, FAB Goes Publicis FAB’s public art initiative designed to broaden appreciation for the arts within the community, reach a larger audience and benefit emerging artists by teaching them new skills and showcasing their work.

The impetus behind FAB Goes Publicoriginated from the nonprofit’s recently published “Enriching the Arts Opportunities in Broward County’s Arts Community” report which identified key needs within Broward County’s arts community. A signature public art event was a top priority.

“Public art enhances our cultural landscape, engages communities, contributes to economic vitality and celebrates diversity,” said FAB President Mary Riedel. “We are thrilled to be able to bring this multi-month outdoor light projection to the community and at the same time support our local artists.”

Miami native, Marc Aptakin, founder and acting CEO of Mad Arts, is a longtime supporter of local arts initiatives, providing complimentary space for artists exhibits and now includes education. “As a former artist and photographer, I support the arts and artists in any way that I can,” said Aptakin. “I’m delighted to partner with FAB and host instructive workshops for aspiring artists.”

FAB worked alongside Sofia Bastidas, Mad Arts Curatorto identify the artists that will be showcased for FAB Goes PublicTheartistsincludeRosanna KalisandMiguel Gonzalez,who are both local artists working at the intersection of arts and technology.The project seeks to empower and elevate local artists by expanding their digital expertise to enhance their visibility. An important part of the program was to implement an educational initiative at Mad Arts. This program hopes to educate participants to explore their creativity and develop new technical skills, such as 3D projection mapping.

“With this immersive lighting experience at The Parker, we have a unique opportunity to weave in the visual arts with the performing arts,” said Lisa Kitei, president of the Broward Performing Arts Foundation and longtime FAB member. “We look forward to lighting up the sky at The Parker to further engage our community in the arts.”

The Parker is located at 707 NE 8th St. in Fort Lauderdale.

About Funding Arts Broward (FAB)                                                                                                                                               

Funding Arts Broward (FAB) is a privately funded non-profit organization that provides visual arts and arts education grants to non-profit organizations in Broward. FAB funds an annual grant pool of up to $400k, through the support of its members, corporate partners, and allied foundations. FAB was founded by local artist and philanthropist Francie Bishop Good. More information about FAB can be found at fundingartsbroward.org. Follow us on Facebook at facebook.com/fundingartsbroward.

About Mad Arts                                                                                                                             

A non-profit organization founded in 2020, Mad Arts is a museum, community hub, and laboratory for art and technology. Facilitating visionary exhibitions and projects by individuals, collectives, and companies, Mad Arts operates out of its flagship headquarters, a 50,000-square-foot space in South Florida. More information about MAD can be found at yeswearemadarts.com.

About The Parker

The Parker is Fort Lauderdale’s iconic, heritage theater presenting concerts, comedy, dance, family fare and more. Beautifully renovated in 2021, The Parker offers audiences enhanced entertainment and hospitality experiences. The neo-classical Lillian S. Wells Hall features outstanding acoustics, unobstructed sightlines, wide rows and continental seating. The grand S. Donald Sussman Lobby, Bernie Peck’s Bar, the intimate Haller Club, and the private members’ lounge, The Place To Be, provide ample opportunities for audiences to enjoy culture, cocktails and conversation with every visit to the theater. For more information, visit ParkerPlayhouse.com

The American Museum of the Cuban Diaspora: A Hub for Cultural Exploration and Artistic Expression

The American Museum of the Cuban Diaspora: A Hub for Cultural Exploration and Artistic Expression
The American Museum of the Cuban Diaspora: A Hub for Cultural Exploration and Artistic Expression

The American Museum of the Cuban Diaspora: A Hub for Cultural Exploration and Artistic Expression

Located in the heart of Miami, the American Museum of the Cuban Diaspora stands as a beacon of history, art, and culture for the Cuban-American community. As a nonprofit, tax-exempt organization, the museum is dedicated to preserving and sharing the stories, struggles, and triumphs of Cuban exiles and their descendants. It offers visitors an immersive experience of the rich cultural heritage of Cuba and the Cuban diaspora while celebrating the resilience and spirit of the Cuban people.

The museum’s creation was made possible by the 2004 Building Better Communities Bond Program, enacted by the citizens of Miami-Dade County. This program, alongside the generous support from the Miami-Dade County Department of Cultural Affairs, the Cultural Affairs Council, and the Miami-Dade County Mayor and Board of County Commissioners, facilitated the realization of a space where the stories of the Cuban diaspora could be told. The museum is located at 1200 Coral Way, Miami, FL 33145, and continues to serve as a vital cultural resource for locals and visitors alike.

Current Exhibits at The American Museum of the Cuban Diaspora

One of the museum’s most compelling exhibitions, “Liberty, Hunger, and Desperation,” features the powerful work of Cuban artist Fernando Prieto. Born in Coruña, Spain, Prieto showed an early aptitude for drawing and painting, participating in his first exhibition at 13. Although he pursued a career as a business expert, his passion for art never wavered, and he continued to hone his craft over the years.

The exhibition “Liberty, Hunger, and Desperation” transcends the traditional boundaries of a gallery show by connecting deeply with the emotional and psychological experiences of those who have fought for freedom, justice, and a better life. Prieto’s work goes beyond aesthetic beauty to challenge the viewer deeper, urging them to reflect on the global struggle for human rights and equality. Each piece in the exhibition explores themes of liberty, resistance, and the human desire for dignity. The works are imbued with raw emotion, and through evocative brushstrokes and vivid imagery, Prieto brings attention to the human struggle for freedom, peace, and the intrinsic right to live fully.

Through his art, Prieto not only witnesses these universal struggles but invites us to walk with him on a journey of resistance and hope. His paintings convey a narrative of perseverance, highlighting the resilience of the human spirit in the face of immense adversity. The exhibition captures the stark realities of exile, displacement, and the fight for a fairer, more accessible world.

The evocative power of “Liberty, Hunger, and Desperation” extends beyond visual storytelling—it calls upon each viewer to consider their role in fostering a world defined by justice and compassion. Prieto’s work serves as a poignant reminder of the importance of human rights and the need for collective action in the face of global challenges.

A Museum that Preserves History and Fosters Dialogue

In addition to its current exhibitions, the American Museum of the Cuban Diaspora plays a critical role in preserving the history and culture of the Cuban-American community. By offering a space for reflection, education, and cultural exchange, the museum provides an invaluable resource for understanding the experiences of those who have fled Cuba in search of freedom and a better life. Through its exhibits, the museum showcases the artistic expressions of Cuban diaspora artists. It encourages dialogue about the complex cultural, political, and social forces shaping the Cuban-American identity.

Whether you are drawn to Fernando Prieto’s emotionally charged works or interested in learning more about the history of the Cuban diaspora, a visit to the American Museum of the Cuban Diaspora is a must. It is a place where history, art, and culture converge, offering visitors a deeper understanding of the Cuban experience and the ongoing pursuit of freedom and justice.

For more information about the museum and its current exhibitions, visit [email protected] or visit the museum at 1200 Coral Way, Miami, FL 33145.

TANYA WEDDEMIRE GALLERY

I AM WOMAN
GUY STANLEY PHILOCHE, SERRON GREEN "I AM WOMAN", 2024 | 48" x 60" | Mixed Media on Canvas $65,000 : SOLD

TANYA WEDDEMIRE GALLERY celebrated a MOMENTOUS DEBUT at SCOPE ART SHOW 2024 | MIAMI BEACH | MIAMI ART WEEK

Tanya Weddemire Gallery – Brooklyn based celebrated a momentous debut at SCOPE Art Show 2024, embodying a profound commitment to community and collaboration during Miami Art Week. The gallery showcased the dynamic works of two remarkable artists: GUY STANLEY PHILOCHE, a seasoned participant making his seventh appearance at the fair, and SERRON GREEN, whose inaugural exhibition captivated audiences. 

Green’s debut was a resounding success, with every piece exhibited selling out. The gallery achieved an impressive milestone, selling over ten works, which is a testament to the unwavering support of collectors who champion the talents of these exceptional artists.

This year’s fair, themed “Interdependence,” was curated by Director Hayley Smith to highlight the power of collaboration. The gallery aimed to emphasize the powerful synergy between established and emerging talents, which was masterfully illustrated in the collaborative centerpiece of the exhibition, “I Am Woman.” This mixed-media work on canvas, created by Philoche and Green, was sold for $65,000, exemplifying the strength of unity and representation by merging distinct artistic visions into a single, compelling narrative.

Reflecting on this significant achievement, Founder and CEO Tanya Weddemire stated, “I am very pleased with the gallery’s performance at the SCOPE Art Show. I am grateful to work with two amazing artists whose great talent and compelling narratives resonate so well with collectors.”

El Suprematismo: Una Revolución en la Forma y el Significado

1-K-11-Rafael-Montilla-Arte-Neoconcreto- GEOMETRIC ABSTRACTION
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El Suprematismo: Una Revolución en la Forma y el Significado

El suprematismo (en ruso: супремати́зм) es un movimiento artístico del siglo XX que se centra en los fundamentos geométricos del arte: círculos, cuadrados y rectángulos, pintados en una paleta limitada de colores. El término “suprematismo” hace referencia al arte abstracto basado en “la supremacía del sentimiento artístico puro”, en lugar de la representación visual de objetos. En este sentido, el suprematismo se aleja de la tradición figurativa y abraza una visión del arte como un campo libre de restricciones externas, donde las formas y los colores se convierten en los vehículos de una experiencia estética pura, sin la necesidad de representar la realidad o cualquier cosa ajena a la propia obra.

Fundado por el artista ruso Kazimir Malevich en 1913, el suprematismo surge como una reacción contra las convenciones establecidas del arte tradicional y un intento de liberar al arte de las restricciones de la representación. Malevich, influenciado por el cubismo, buscaba despojar al arte de todo lo que pudiera prefigurar o predeterminar una estructura ideal de vida y arte. En sus palabras, la obra de arte debía trascender la imitación de la realidad, dejando de lado las figuras o los objetos para llegar a una experiencia directa con las formas geométricas más básicas, como el cuadrado, el círculo y la cruz.

Malevich y otros artistas de vanguardia rusos, como Aleksandra Ekster, Liubov Popova, Olga Rozanova, Ivan Kliun, y Nadezhda Udaltsova, entre otros, formaron un grupo de artistas que pretendía crear una nueva dirección artística en Rusia, completamente independiente del curso de la historia del arte ruso anterior. Su objetivo era, no solo desafiar las normas académicas, sino también fundar un movimiento ruso de vanguardia que se distanciara de las representaciones tradicionales y del pasado artístico de su país.

A través de la publicación de la revista Supremus (originalmente titulada Nul o Nada), Malevich intentó proporcionar una plataforma para difundir los principios del suprematismo. Sin embargo, debido a la Revolución Rusa, la revista no alcanzó a ser distribuida, y el proyecto nunca despegó. A pesar de este contratiempo, la influencia del suprematismo perduró, y su impacto en el desarrollo de las artes visuales fue fundamental para la evolución del arte abstracto en el siglo XX.

El suprematismo, como corriente artística, se fundamentaba en la liberación total del arte. Malevich concebía al artista como un creador libre de todas las ataduras que el arte tradicional le imponía. Al liberar al arte de cualquier referencia externa, el suprematismo apuntaba a una experiencia estética autónoma, en la que el espectador no debía buscar significados narrativos o representacionales, sino sumergirse en la pureza de las formas y los colores.

En sus obras más emblemáticas, como Cuadrado negro sobre fondo blanco (1915), Malevich muestra el fin de la representación, presentando un cuadrado negro flotando en el vacío del lienzo, sin ninguna referencia o significado aparte de su propia existencia visual. Este tipo de arte revolucionario propició una nueva forma de ver y experimentar la pintura: no como un medio para imitar la realidad, sino como un lenguaje visual autónomo y autónomamente significativo.

La teoría del suprematismo tuvo una fuerte influencia en el desarrollo de otros movimientos vanguardistas y en la historia del arte moderno. Malevich y sus seguidores no solo transformaron la pintura, sino que revolucionaron la concepción misma del arte, al liberarlo de la representación y centrarse exclusivamente en las formas abstractas y los colores puros como la verdadera esencia de la experiencia artística. Este enfoque sigue siendo una influencia esencial en el arte contemporáneo, y el suprematismo sigue siendo recordado como uno de los movimientos más radicales y fundamentales en la historia del arte moderno.

Ideas Clave y Logros del Movimiento Suprematismo Ruso

El suprematismo es uno de los movimientos más influyentes del arte moderno, y su impacto ha dejado una huella indeleble en la evolución del arte abstracto. A continuación se destacan las ideas clave y logros más significativos del movimiento suprematista:

1. Supremacía del Sentimiento Artístico Puro

  • El principio fundamental del suprematismo, planteado por Kazimir Malevich, es la supremacía del sentimiento artístico puro sobre la representación de objetos o figuras. Esto significa que la verdadera esencia del arte no radica en imitar la realidad o representar objetos del mundo, sino en explorar la experiencia visual y emocional directa a través de formas geométricas básicas.

2. Abstracción Geométrica

  • El suprematismo se caracteriza por el uso exclusivo de formas geométricas simples como cuadrados, círculos y rectángulos. Malevich consideraba que estas formas eran la expresión más pura y elemental del arte. Al eliminar cualquier referencia figurativa, los artistas suprematistas aspiraban a crear un lenguaje visual autónomo, despojado de las restricciones de la representación.

3. Rechazo de la Representación

  • Uno de los logros más radicales del suprematismo fue su rechazo total de la representación. Las obras de arte ya no debían contar historias o mostrar escenas de la vida real. En lugar de eso, el arte se convirtió en un medio para explorar el puro sentimiento artístico a través del color y la forma. Este rechazo de la representación influyó profundamente en el desarrollo de la abstracción pura en el arte moderno.

4. Creación de un Movimiento Independiente

  • Malevich y sus seguidores no solo propusieron una nueva forma de arte, sino que también fundaron un movimiento independiente en la Rusia de principios del siglo XX. El suprematismo representó un alejamiento de la tradición artística rusa y se constituyó como un intento de los artistas de la vanguardia rusa de romper con el pasado y crear algo completamente nuevo.

5. La Revista Supremus

  • Para difundir las ideas del movimiento, Malevich fundó la revista Supremus (originalmente titulada Nul o Nada). Aunque la revista nunca llegó a publicarse de manera regular debido a la Revolución Rusa, el esfuerzo por crear una plataforma teórica para el movimiento refleja su importancia no solo en lo visual, sino también en lo intelectual.

6. Innovación en la Pintura

  • Las obras más emblemáticas del suprematismo, como el “Cuadrado negro sobre fondo blanco” (1915) de Malevich, marcaron un antes y un después en la pintura. Malevich utilizó el cuadrado negro como símbolo de la eliminación total de lo representativo y como un medio para capturar la pureza del arte. Este tipo de arte abstracto, despojado de toda figura reconocible, abrió las puertas a una nueva era en la pintura.

7. Influencia en la Vanguardia Internacional

  • Aunque el suprematismo fue principalmente un movimiento ruso, sus ideas influyeron en muchos otros movimientos de la vanguardia internacional, como el constructivismo y el arte abstracto geométrico. La concepción de que el arte debía estar libre de representaciones figurativas y centrarse en lo formal y lo emocional se extendió a nivel mundial y dejó una marca en movimientos posteriores como el neoplasticismo y el arte minimalista.

8. Legado y Relevancia en el Arte Contemporáneo

  • El suprematismo sigue siendo una influencia crucial en el arte contemporáneo, especialmente en el ámbito de la pintura abstracta y el arte conceptual. Las ideas de Malevich sobre la autonomía del arte y la primacía de las formas geométricas siguen siendo relevantes en las prácticas artísticas actuales, y su legado ha perdurado como uno de los movimientos más radicales y liberadores en la historia del arte.

El suprematismo no solo redefinió las posibilidades del arte visual, sino que también planteó una nueva visión filosófica del arte como una experiencia puramente sensorial y emocional, alejada de cualquier necesidad de representar el mundo real. La supresión de la figuración y el énfasis en la abstracción radical ofrecieron una revolución estética que sigue influyendo en los artistas contemporáneos hasta el día de hoy.

CHROMA 2024 Illuminates the Miami Design District During Miami Art Week

CHROMA 2024 Illuminates the Miami Design District During Miami Art Week
CHROMA 2024 Illuminates the Miami Design District During Miami Art Week

CHROMA 2024 Illuminates the Miami Design District During Miami Art Week
20 International Artists Celebrate Creativity and Diversity at Lucid Design District

Miami, FL – Lucid Design District proudly announces the successful VIP Opening of CHROMA 2024, held on December 2, 2024. The third annual group exhibition featuring the works of 20 international artists welcomed over 500 guests, offering an unforgettable evening of art, music, and performances. The exhibition, which runs through Tuesday, December 17, 2024, is free and open to the public.

Located in the heart of the Miami Design District—a globally recognized destination known for luxury retail shops, award-winning restaurants, museums, and public art installations—Lucid Design District transforms into an immersive art space during Miami Art Week. This year’s highlights include the completion of Kevin M. Fletcher’s mural “Echoes of Unity”, which now serves as a vibrant, Instagram-worthy backdrop for visitors exploring the neighborhood.

The VIP Opening Reception featured captivating performances by Navya Nataraj, whose rhythmic tabla music inspired lively dancing, and Rafael Montilla, who mesmerized the audience with his dynamic KUBE Man performance. These activations brought energy and interaction to the evening, creating a culturally rich and memorable experience.

“CHROMA 2024 is a celebration of the vibrancy and diversity within the global art community,” says Payal Tak, owner of Lucid Design District and participating artist. “We’re proud to present works from 20 incredible artists whose creativity inspires dialogue and connection.”

20 International Artists

Curated by Graciela Montich, CHROMA 2024 features a diverse array of mediums—including sculpture, mixed media, wall art, and wearable art. Participating artists include:

  • Alejandra Stier (Argentina)
  • Andres Lopez Del Castillo (Colombia)
  • Carina Adur (Argentina)
  • Dariana Arias (Washington D.C.)
  • Emilie Gosselin (Canada)
  • Graciela Durand Pauli (Argentina)
  • Graciela Montich, Curator (Argentina)
  • Heather Lynn (Washington D.C.)
  • Jeannie B. Cidel (Miami)
  • Kevin M. Fletcher (Miami)
  • Maria Boneo (Argentina)
  • Mónica Avayou (Miami)
  • Nelson Delgado (Houston)
  • Nimi Trehan (Potomac)
  • Paula Izzo (Brazil)
  • Payal Tak (Miami)
  • Raquel Chomer (Argentina)
  • Robert Frankel (Chicago)
  • Sandra de Souza-Peixoto (Miami)
  • Simi Bhandari (Germantown)

Kevin M. Fletcher’s “Echoes of Unity” Outdoor Mural:

Fletcher’s mural transforms the gallery’s outdoor wall into a vibrant masterpiece that celebrates inclusivity and unity. It invites visitors to capture their own moments while experiencing the Miami Design District’s unique mix of culture, art, and design during one of its most dynamic seasons.

About Lucid Design District
 
Established in 2021 as a studio and exhibition space for founder Payal Tak’s personal artwork, Lucid Design District opened to the public in 2022 during Art Basel Miami Beach (Miami Art Week). The gallery is located on Miami Design District’s “art corner” (10-12 NE 41 St. at Miami Ave.) next to Museum Garage and across the street from the Institute of Contemporary Art, Miami. The idea of Lucid Design District was born from Ms. Tak’s desire to connect with the community through collaborative art exchanges. She envisions hosting regular exhibitions, educational art talks, and artist networking events. The 3700-sf space is also an ideal environment for design-focused networking events and features a large reception or performance area; 8 curio-style ‘idea spaces’ for solo artist showcases or breakout sessions; a full-size kitchen; and 75’ long outdoor seating or parking area with lights; and a large wall for art installations.
 
“My goal is to make available a commercial platform for artists whose voices need to be heard. Lucid shares its walls with the objective to illuminate the viewers mind and allow artistic creations to become a force for good in the society.” ~ Payal Tak

Kube Man "We Are One" by Rafael Montilla
Kube Man “We Are One” by Rafael Montilla

Miami Music Project Earns Global Distinction as Winner of the 2024 Music Cities Awards

Miami Music Project Earns Global Distinction as Winner of the 2024 Music Cities Awards
Miami Music Project Earns Global Distinction as Winner of the 2024 Music Cities Awards

Miami Music Project Earns Global Distinction as Winner of the 2024 Music Cities Awards

Miami Music Project was awarded a global 2024 Music Cities Award in the category “Best Initiative to Support Diversity & Inclusion in Music.” Miami Music Project President and CEO Anna Klimala personally accepted the award at the Music Cities Awards Ceremony on December 8th in Riyadh, Saudi Arabia, on the opening night of the Riyadh Music Cities Convention. This award represents global recognition of Miami Music Project’s extraordinary 16-year journey of transforming the lives of thousands of youth, promoting social change through music, and cultivating the necessary skills to contribute to Miami’s development at a regional scale. 

The Music Cities Awards is a global competition designed to acknowledge and reward the most outstanding applications of music for economic, social, environmental, and cultural development in cities and places worldwide. Miami Music Project was selected among 300 candidates from 19 countries and six continents, seeking recognition as the most consolidated global platform that rewards individuals and organizations using the power of music for social impact. In the words of President and CEO Anna Klimala: 

Miami Music Project Earns Global Distinction as Winner of the 2024 Music Cities Awards
Miami Music Project Earns Global Distinction as Winner of the 2024 Music Cities Awards

“This award is a testament to the impact and the power of collective action. It is a recognition of the role of music in building a brighter, more inclusive future for our youth and our community. This award is an incredible honor not only for Miami Music Project, but equally for our city and its youth. Through music education we are nurturing a future workforce which will not only meet the challenges of Miami’s growth but also inspire and lead our community.”.

Miami is growing in a truly unique way—much like Riyadh, and is currently one of the fastest-growing job markets in the US. With this growth comes the responsibility to prepare the next generation to lead with an achievement mindset. Miami Music Project believes music is a powerful instrument of transformation. Music instills confidence, discipline, and the essential skills children need to succeed in life. 

Miami Music Project’s extraordinary 16-year journey stands as a beacon of transformation, touching the lives of thousands of children and instilling a lifelong passion for music. This year marks a new milestone in its mission to uplift the Miami-Dade community with the inauguration of its Homestead Chapter. Building on its long-standing partnerships with seven partner public schools in Miami Gardens, Little Haiti, Liberty City, Miami Springs, Miami Beach, Little Havana, and Homestead, the intensive after-school program will reach over 1,000 students this year alone. The program is offered three hours a day, five days a week, providing free busing, homework help, snacks and over 30 performance opportunities annually.

In the last four years, Miami Music Project has deepened its commitment to fostering nationwide democratic access to music education by launching the Teaching Artists Training Institute (TATI), an innovative national program that leverages the advancement of music education by serving Teaching Artists, offering accessible training and furthering education opportunities. To date, TATI has engaged over 400 diverse Teaching Artists nationally, subsequently supporting 30,000 youth from underrepresented communities across the US, Canada, and Puerto Rico. Additionally, Miami Music Project sustains an international alliance with Partners for Strings Virgin Islands Youth Orchestra. 

The Music Cities Awards selection process was led by a high-level global jury of 10 music industry experts and creatives who work at the forefront of music and city development from around the world, including Hong Kong, UK, Argentina, Australia, United Arab Emirates, Kingdom of Saudi Arabia, Rwanda, and USA. 

Miami Music Project Earns Global Distinction as Winner of the 2024 Music Cities Awards
Miami Music Project Earns Global Distinction as Winner of the 2024 Music Cities Awards

Miami Music Project President and CEO Anna Klimala poses with the Music Cities Award, representing “Best Initiative to Support Diversity & Inclusion in Music”  at the 2024 Music Cities Awards stage in Riyadh, Saudi Arabia. Eleven music initiative leaders from eight countries received awards in the categories ranging from of “Best Global Music City,”, to “Best Music Tourism Initiative,” “Best Initiative Using Music To Support Environmental Sustainability,” and “Best Use of Music In Real Estate or City Planning.”

ELCIELO WASHINGTON DEL CHEF JUAN MANUEL BARRIENTOS

chef juan manuel barrientos

ELCIELO WASHINGTON DEL CHEF JUAN MANUEL BARRIENTOS RENUEVA POR CUARTA VEZ SU ESTRELLA MICHELIN.

Washington, D.C. Elcielo Washington, el destino de alta cocina del renombrado chef Juan Manuel Barrientos, ha sido galardonado con una estrella Michelin, renovándola por cuarta vez. Este honor marca un logro histórico, destacando la cocina colombiana al más alto nivel de excelencia culinaria.

La renovación por cuarta vez de la estrella Michelin de Elcielo Washington celebra la dedicación del chef Juan Manuel Barrientos a llevar la gastronomía colombiana más allá de las fronteras. Este logro resalta el creciente reconocimiento de la cocina colombiana en el ámbito global, con Barrientos a la vanguardia de esta evolución. Elcielo fusiona arte culinario, técnicas de vanguardia y una profunda conexión con las tradiciones culturales, ofreciendo un viaje sensorial inmersivo a través de los ricos sabores, historias y la herencia de Colombia.

Recibir esta estrella Michelin en Washington es un honor profundo y un sueño hecho realidad”, expresó emocionado el chef Barrientos. “Este reconocimiento no es un logro personal, pertenece a mi equipo y a nuestra filosofía de resaltar los sabores de Colombia enfocándonos en los detalles, la excelencia gastronómica, la creatividad y el lujo. Mi sueño siempre ha sido llevar nuestra cultura al mundo con excelencia, y este proyecto es un testimonio de ese compromiso. En nombre de mi equipo, estamos realmente honrados de recibir nuevamente este prestigioso reconocimiento“. concluyó el chef.  

Juan Manuel Barrientos, considerado uno de los chefs más destacados de Latinoamérica y el mundo, continúa llevando la riqueza de los sabores y tradiciones colombianas a escenarios internacionales. Con su visión innovadora, ha convertido Elcielo en un homenaje a las raíces de su país. Juanma ha reinterpretado los sabores autóctonos con técnicas modernas y presentaciones impecables, creando experiencias sensoriales únicas que estimulan todos los sentidos.

Con sedes en Miami, Washington D.C., Medellín y Bogotá, Elcielo es el reflejo del firme compromiso de Juan Manuel Barrientos por llevar la cocina colombiana a nuevas alturas a nivel mundial, destacando el nombre de Colombia en la escena gastronómica internacional. Cada uno de sus restaurantes es una muestra del talento, la pasión y el esfuerzo de un equipo que ha logrado colocar la gastronomía colombiana entre las más reconocidas a nivel global.

chef juan manuel barrientos
Elcielo Washington del chef Juan Manuel Barrientos renueva Estrella Michelin por cuarta vez.

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Para más información sobre Elcielo Washington y Juan Manuel Barrientos visita:
 
Instagram: @juanmaelcielo
@elcielowashington 

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