Jasper Johns. Biografía, obras y exposiciones

Escrito por Marisa Carrero

Jasper Johns era un chico del sur que llegó a Nueva York empujado por el empeño de su profesor de arte de la universidad, aunque él ya deseaba pintar desde los cinco años, y que terminó siendo uno de los pintores americanos más influyentes de la segunda mitad del siglo XX.

Imagen: Jasper Johns disponible en newsoftheartworld.com

Nacido en Augusta (1930), creció en Allendale sintiendo el amor por la pintura desde niño. Esto le llevó a estudiar, primero en la Universidad de Carolina del Sur, entre 1946 y 1947, y luego en la Parsons School of Design de Nueva York, en 1948, donde realizó sus primeras exposiciones. Después, la guerra de Corea hizo un alto en su camino artístico y le llevó a servir dos años en el ejército, una parte de ellos en Japón.

Imagen (izquierda): Flag, disponible en www.metmuseum.org 

Imagen (derecha): Three flags, disponible en www.usc.edu

De vuelta a Nueva York, en 1952, Jasper Johns estuvo trabajando durante unos cuantos años en diferentes librerías mientras se introducía en los ambientes artísticos de la ciudad y entablaba amistad con artistas como el músico John Cage o el coreógrafo Merce Cunningham, que influyeron mucho en su forma de entender el arte, y muy especialmente el pintor Robert Rauschenberg siendo ambos los mayores exponentes del expresionismo americano de los cincuenta, aunque luego su obra diera un giro total y creara nuevos estilos. Su visión del arte sufrió un impacto total a raíz de una visita suya a Pensilvania para ver la obra de Marcel Dunchamp, The Large Glass, en la que el artista plasmaba una nueva forma de crear conocida como readymades (lo ya hecho), según la cual, se transformaban objetos encontrados y se creaban con ellos una obra nueva. La influencia de esta creación le llevó, más adelante, a incorporar a sus cuadros diferentes objetos (reglas, cucharas, perchas) como una parte más de la pintura.

En 1954 y 1955, crea sus famosas banderas, Flags, que tanto influyeron en la iconografía americana del siglo XX: Flags, Target y Numbers formaron parte de su primera gran exposición en solitario, en la Galería Leo Castelli de Nueva York. Las diferentes banderas creadas con la técnica de la encaústica (cera aplicada a la pintura y pulida con un trapo de lino), supusieron toda una revolución por su aparente simplicidad, y por su fuerza. Tal fue su impacto que el Museo de Arte Moderno de Nueva York compró tres piezas para exponerlas en sus salas. Jasper Johns había dado un paso de gigante en la incorporación de lo cotidiano a la imaginería norteamericana: «las imágenes, dijo, son las cosas que la mente ya conoce».

Más interesado en el proceso creador que en la obra en sí, Johns no se conformó con una sola técnica y llevó a cabo muchos de sus trabajos tanto mediante el grabado como con la serigrafía o la litografía. Es en estos momentos de su carrera cuando se aleja del expresionismo abstracto en el que empezó a crear, para acercarse a nuevos estilos como el Arte pop, el minimalismo o el arte conceptual, del que muchos le consideron creador. En sus cuadros empieza a incorporar diferentes objetos, auténticos collages que los transforman en esculturas.

Imagen (izquierda): Souvenir 2, disponible en www.artchive.com

Imagen (derecha): Recent Still Life, disponible en www.ulae.com

A lo largo de los años sesenta colaboró con otros muchos artistas de aquel momento, como Andy Warhol, Robert Morris o Bruce Naumann. Esto le ayudó, no solo a dar un gran impulso a su carrera, sino a continuar su investigación y su aprendizaje en el mundo del arte, conociendo nuevos puntos de vista y haciendo nuevos trabajos, como las ilustraciones del libro del escritor Frank O’Hara, In Memory of My Feelings. En 1964, Johns realiza uno de sus grabados más famoso, Ale Cans, dos latas de cerveza que anteriormente había recreado en una escultura: Bronze (1960). El artista buscaba las diferentes maneras de ver un mismo objeto a través de diferentes disciplinas, ya sea grabado, escultura e incluso fotografía.

Imagen (izquierda): In Memory of My Feelings, disponible en greg.org

Imagen (derecha): Two Ale Cans, disponible en www.theartsdesk.com

Para algunos seguidores y estudiosos del pintor, la década de los setenta supuso una nueva transición hacia un estilo más autobiográfico, bastante alejado de lo que habían sido sus trabajos iniciales, homenajeando a Cézanne y a Picasso, y llenos de colores primarios como sus obras Scent (1973–74) y Weeping Women (1975), obras formadas por varios paneles a modo de trípticos. Son años también en los que parece obsesionado con la repetición de imágenes en diferentes técnicas, haciendo suya la frase de su amigo John Cage: «si haces una cosa más de una vez puedes obtener mejores resultados». En realidad se trataba de buscar las diferencias o semejanzas en el resultado final de las diferentes representaciones.

También en estos años, tras la retrospectiva del Withney Museum of American Art de Nueva York, sus cuadros se convierten en protagonistas de varias exposiciones europeas, como la bienal de Venecia de 1978 o la exposición sobre su obra gráfica del Kunstumuseum de Basilea, entre otros.

Imagen (derecha): Target With Four Faces, disponible en www.jasper-johns.org

Imagen (izquierda): Coat Hanger and Spoon, disponible en www.christies.com

Y de nuevo, vuelve a abrir un nuevo camino en la forma de hacer arte, un nuevo ciclo dentro de su propia creación. Fue en la exposición del Museo de Arte Moderno de Nueva York de 1987, con la serie Las estaciones, (Seasons) en las que incluyó la figura humana, tituladas Spring, Summer, Fall, y Winter. Esta exposición fue el precedente de la que luego se llevó a cabo en nuestro país, en el Museo de Arte Reina Sofía de Madrid, y que abarcó veinticinco años de su carrera a través de 180 obras seleccionadas por Riva Castleman, directora del departamento de grabados y libros del Museo de Arte Moderno de Nueva York y que fue una de las retrospectivas más importantes de las que se realizaron sobre su obra.

Sus trabajos empezaron a subastarse a precios increíbles, convirtiéndose en el artista vivo más cotizado de esos momentos. Sin embargo, él no dejó nunca de crear, a pesar de todos los cambios experimentados en su carrera, y tampoco abandonó nunca su «amor» por el gris, como se demuestra en las obras Bridge (1997), Catenary (I Call to the Grave) (1998) y Near the Lagoon (2003) , cuadros que cuelgan de unas cuerdas sobre una superficie absolutamente gris. Su obra regresaría de nuevo a España en 2011, gracias a una nueva exposición retrospectiva organizada por el Instituto Valenciano de Arte Moderno (IVAM) que contó con una escultura creada por Johns en 2007 y que se mostró al público entonces, por primera vez.

Imagen (derecha): Fall, disponible en http://dexedrina.blogspot.com.es/, 18 de octubre de 2012 

Imagen (izquierda): Summer, disponible en http://www.jasper-johns.org/

«Para ser un artista, hay que entregarlo todo, incluido el deseo de ser un buen artista». Quizás esta frase pueda explicar los continuos cambios en la trayectoria artística de Johns; un hombre inquieto que rompía con su propio estilo para dar lugar a otro. Pero independientemente de esto, su gran poder fue la influencia aplastante en las generaciones que le siguieron, siendo además uno de los artistas cuyas obras han sido de las más cotizadas y han alcanzado precios verdaderamente elevados.

Aún hoy, a sus 84 años, sigue siendo noticia en el mundo del arte. Su gran última exposición se pudo ver en Nueva York, en el Museo de Arte Moderno (MoMA) este mismo año, con su última producción, Regrets, que incluía treinta obras entre pinturas, dibujos y grabados creados en el último año y medio, y en la que ha destacado la fotografía de Lucian Freud, tomada en 1964 y que Johns decidió incluir ahora en una pintura.

Imagen (izquierda): Untitled, disponible en www.theartsdesk.com

Imagen (derecha): In Memory, disponible en www.spaightwoodgalleries.com

«Mi trabajo se basa sobre todo en la relación entre ver y conocer, ver y decir, ver y creer». Durante toda su carrera ha visto, conocido y creído en todo tipo de materiales y técnicas (litografías, grabados, serigrafías, estampados en papel y trabajos en plomo) creando una obra personal, un movimiento propio dentro del arte y siendo uno de los grandes maestros del siglo XX para los artistas posteriores.

 Imagen: Racing Thoughts, disponible en www.nj.com

Imagen (derecha): Jasper Johns, disponible en drawpaintprint.tumblr.com

Imagen (izquierda): Catenary, disponible en visualarts.walkerart.org

Imagen (derecha): Homenage to Jasper Johns, disponible en www.tapestry.co.nz

 Imagen (izquierda): Scent, disponible en www.artnet.com

 Imagen: 0-9, disponible en www.jasper-johns.org

Perez Art Museum PAMM

VAN GOGH, DEMASIADO MUCHO QUE ES BELLO

Por Catalina Martínez | Sky Colombia

“Cuando siento una necesidad de religión, salgo de noche y pinto las estrellas”Vincent.

Desde mi experiencia, su obra va más allá de él. Se trata de nosotros, de todo en lo que la belleza puede encontrarse: Las personas, las flores, el mar, nuestros espacios, las estrellas y uno mismo.

Una antesala en crescendo que no convence en principio; y si estás atento con dos o tres frases te vas interesando. El primer encuadre por lo básico se percibe incipiente y precario, transmite lo que, a escala humana, comienzas a apreciar con la instalación de “El dormitorio”, la propuesta de aproximarse desde otra perspectiva.

El tránsito por el túnel azul neón intenta anunciar algo más elaborado del otro lado del salón y sí, muy bien seleccionados entre marcos y apartes de sus cartas compartidas con Theo, comienzas a conmoverte y mirar al que va transitando a través de los pasillos; notas como el otro se quiere ubicar tras un marco de estos en principio sin función, pero interpreto que es parte del juego propuesto: Aspirar a estar en la obra, a ser parte.

«…“Encuentra tantas cosas bellas como puedas;
la mayoría de las personas encuentran demasiado
poco que es bello”. Sucumbí a esta frase y
me lo tomé en serio para apreciar la propuesta…»

 “…Encuentra tantas cosas bellas como puedas; la mayoría de las personas encuentran demasiado poco que es bello” . Sucumbí a esta frase y me lo tomé en serio para apreciar la propuesta y jugar en ese momento.  Allí la conexión fue con mis cinco sentidos, y justo mientras escribo esta reseña me encuentro intentando descifrar el agudo sonido en mi oído, el derecho, previo a un tibio soplido que recibo en mi cara, al momento de escribir estas líneas…

Integrado luego ya entre sonido y psicodelia juego a descifrar lo que se proyecta como antesala de algo grande, que no ves, pero sabes que te espera. Es un tránsito nuevamente donde si atiendes y esperas, descubres que se hace honor a un gran ser que entendió que “la conciencia es la brújula humana”, y nos guía con exactitud hasta nosotros mismos.

Así terminé guiada a la Obra desplegada y proyectada de una forma ingeniosa y exacta, tanto que la sincronía entre la música, la imagen y el espacio hicieron de la propuesta algo inédito y fascinante. Un descubrimiento hermosamente dispuesto y envuelto de manera mágica a un punto de éxtasis visual y casi espiritual.

Me preguntaba qué era lo que tanto me emocionaba, si las calles desplegándose ante mí, las flores llevándome a soñar, las estrellas tan cerca y los rostros claramente impactados, al punto que es inevitable que alguna conmoción te alcance, tanto que me condujo al llanto tan humanamente.

«Estuve adentro, me sentí parte y arte.
Caminé por los campos de trigo y las calles,
me senté en las playas, las plazas y las
casas. Me bañaron los pétalos que caían…»

Estuve adentro, me sentí parte y arte. Caminé por los campos de trigo y las calles, me senté en las playas, las plazas y las casas. Me bañaron los pétalos que caían del árbol de cerezo, y recordé mi juventud vistiendo sus azules lirios. Llené de flores mi casa y celebré una fiesta con ellas.

Sus rostros, y los nuestros juntos allí frente a frente descifrándonos porque al final somos UNO, el mismo de quien somos obra, tanto que Vincent acertadamente expresó “En la vida y también en la pintura, puedo prescindir fácilmente de Dios, pero no puedo, sufriendo como lo hago, prescindir de algo más grande que yo mismo, que es mi vida, el poder crear”

No atendí el tiempo, y entré en otro espacio con sus tiempos que sutilmente me abrazaron bajo una noche estrellada que nunca olvidaré.

Perez Art Museum PAMM

PICASSO Y LA GEOMETRÍA SAGRADA

Por Daniela Baraccani | SKY Italia

Pablo Ruiz Picasso, célebre autor de la obra Guernica, es reconocido como cofundador del Cubismo, movimiento artístico perteneciente al expresionismo, caracterizado por “reducir las figuras a cubos”. Esta aseveración fue hecha por el francés Louis Vauxcelles, el crítico de arte más influyente del siglo XX.

Nacido en Málaga, España el 25 de octubre de 1881 –ya se cumplieron 140 años del nacimiento de Picasso- fue entrenado por su padre. En su infancia y adolescencia adoptó una técnica naturalista, pero durante la primera década del siglo XX empezó a experimentar hacia estilos más radicales, que lo llevaron al desarrollo del cubismo, a la creación de técnicas como el collage, y más adelante, a un estilo surrealista.

“Se trata en realidad de una filosofía,
de fijar el objeto en un momento que se
extiende en la eternidad, no de capturar
un presente demasiado fugaz”

El Cubismo, como mencionado anteriormente, es un movimiento, una teoría, es la idea del ver al mundo desde otra perspectiva, donde la representación realista pierde importancia, a favor de la forma en la que el pintor ve la realidad. Nacido en Francia en principios de 1900, fue formalizado en el Manifiesto Cubista, donde se enuncian las tres virtudes que se buscan: “La pureza, la unidad y la verdad”.

Se trata en realidad de una filosofía, de fijar el objeto en un momento que se extiende en la eternidad, no de capturar un “presente demasiado fugaz”, pues “este no puede significar para el artista más que la máscara de la muerte: la moda”. Y esta teoría, el conjunto de técnicas que define el movimiento, tiene el objetivo de representar la verdad, que, en cuanto tal, adquiere características de atemporalidad, de cierta forma de inmortalidad y de perfección, entendida como imposibilidad de error en su visión, porque, como se explica en su manifiesto, esta “solo hará remontarse la relación de una nueva criatura con un nuevo creador, y nada más”.

“Todos los cuerpos son iguales ante la luz
y sus modificaciones surgen de este
poder luminoso que construye a su voluntad”

Es un pensamiento que llama a la visión unificada de todo, no solamente la unión del pasado, presente y futuro, sino también la unificación de los objetos: enuncia el documento “Todos los cuerpos son iguales ante la luz y sus modificaciones surgen de este poder luminoso que construye a su voluntad”.

La visión universal que conlleva el cubismo pareciera ser intrínseca en las disciplinas que se relacionan con la geometría sagrada, más allá de la pintura ella fue fuente de profundo estudio matemático filosófico, y arquitectónico. Desde los antiguos egipcios con la construcción de sus inmensas pirámides, a la escuela filosóficas griega de Euclides, la observación de la geometría en las reglas que sigue la naturaleza, lleva inevitablemente a una búsqueda de perfección y verdad.

La configuración de los minerales, la forma en la que crecen los pétalos de las flores, la arquitectura de las telarañas, fenómenos cotidianos que sugieren la sacralidad de la geometría. Los movimientos astrológicos, la proporción áurea, la progresión Fibonacci, son nociones conocidas y estudiadas desde las civilizaciones antiguas, hecho que tiene como testigos textos y obras.

“La arquitectura gótica absorbió elementos de la geometría griega y de las proporciones de Vitrubio, y los maestros masones integraron en sus edificios el simbolismo geométrico y numérico. […] Abundaba el simbolismo numérico, y los círculos, los rectángulos y otros polígonos se generaban con proporciones armoniosas y “celestiales”. (Skinner, 2007).

El uso de figuras geométricas en el movimiento cubista, fue influenciado en parte por los movimientos artísticos pasados, si bien, a diferencia de los griegos y de las demás tradiciones, los Cubistas no vieron la sacralidad en la geometría de la naturaleza, si bien la respetan, y consideran el movimiento, y más en general su visión, una evolución. En ese sentido, declararon: “La pintura se purifica en occidente con aquella lógica ideal que los pintores antiguos transmitieron a los nuevos como si les diesen la vida”.

Se trata de una contraposición con respecto al realismo, no porque esta forma de arte no contemple la geometría, pues el realismo se basa en complicados y precisos estudios de la geometría observable en naturaleza, sino de un proprio cambio de perspectiva, y más que un cambio, se podría decir una multiplicidad de perspectivas al mismo tiempo.

Particularmente en la denominada fase analítica del Cubismo se buscó representar los objetos desde todas sus perspectivas, con todas las posibles variaciones de la luz, llegando a una represión tan completa, tan aparentemente caótica que el objeto termina siendo casi irreconocible. Contemporáneamente se enfatiza de cierta forma la geometría clásica, líneas que conforman los polígonos más simples, haciendo la componente geométrica mucho más visible respecto a la forma implícita en la que se encuentra en el realismo.

Esta idea de haber creado una realidad “aumentada”, ya no tridimensional sino multidimensional y multitemporal, es lo que hace que los miembros del movimiento sientan este uso de la geometría, este movimiento, como evolución del realismo, donde la geometría de la naturaleza ya era “suficientemente sagrada”. Y quizás esta idea haya sido causada por el objetivo autoimpuesto de “bautizar el instinto, humanizar el arte y divinizar la personalidad”, más que ver la divinidad en la perfección existente.

Fuentes consultadas
http://www.dspace.uce.edu.ec/bitstream/25000/12960/1/T-UCE-0002-002.pdf
http://blogs.fad.unam.mx/asignatura/raquel_garcia/wp-content/uploads/2014/02/Manifiesto-Cubista.pdf
https://www.donquijote.org/es/cultura-espanola/arte/pablo-picasso/

Perez Art Museum PAMM