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Tuesday, September 9, 2025
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Oro

Gold in Florida
Gold in Florida

Oro

El oro, ese metal eterno que ha fascinado a la humanidad desde tiempos inmemoriales, no es solo una cuestión de brillo y opulencia. Es una declaración cultural, una huella de poder y espiritualidad, y, en el arte, una herramienta para plasmar lo sagrado y lo sublime. Vamos a sumergirnos en el mundo dorado y responder algunas preguntas fundamentales sobre el oro en el arte y en la joyería global.

¿Qué oro es utilizado en las obras de arte?

El arte y el oro han tenido un romance que atraviesa milenios. Desde los íconos bizantinos cubiertos con pan de oro hasta las esculturas doradas de Jeff Koons, este metal ha sido un elemento fundamental en la expresión artística. El pan de oro, extremadamente delgado y aplicado en capas sobre lienzos, frescos y esculturas, es uno de los materiales más utilizados. También se emplea en la orfebrería precolombina, donde el oro era moldeado y martillado con una destreza que parece imposible para su tiempo.

Los artistas contemporáneos siguen utilizando el oro en diversas formas: en resinas mezcladas con polvo de oro, en esculturas chapadas en oro de 24k, e incluso en instalaciones conceptuales donde el oro se convierte en metáfora del poder y la explotación.

¿Qué tipo de oro se usa en Estados Unidos?

Estados Unidos es un mercado con gustos diversos cuando se trata de oro, pero en joyería y arte predomina el oro de 14 quilates (14k), una aleación que contiene un 58.3% de oro puro mezclado con otros metales como plata, cobre y níquel para hacerlo más resistente.

Para piezas de lujo y arte de alto nivel, se emplea el oro de 18 quilates (18k), con un 75% de oro puro. En casos exclusivos, como en obras de arte de gran valor o en ediciones limitadas de diseñadores y marcas de lujo, se usa el oro de 24 quilates (24k), que es prácticamente puro y se encuentra en lingotes, monedas y algunas piezas de joyería de exhibición.

¿Qué país tiene el oro de mejor calidad?

Aquí entramos en un terreno delicado porque la “calidad” del oro no depende tanto del país, sino de su pureza y del proceso de refinamiento. Sin embargo, hay ciertos países reconocidos por su oro de alta calidad.

  • Suiza es famosa por su refinamiento de oro, creando lingotes y productos de la más alta pureza.
  • Dubai y la India son conocidos por su oro de 22k y 24k, con un color cálido y brillante que lo hace deseado en el mercado internacional.
  • Canadá es un gran productor de oro de alta pureza, con sus lingotes de la Royal Canadian Mint considerados de los más puros del mundo.

¿Cuál es el oro más puro del mundo?

El oro más puro es el oro de 24 quilates (24k), que contiene el 99.9% de oro sin aleaciones. Este oro es blando y maleable, lo que lo hace poco práctico para la joyería diaria pero perfecto para inversiones, lingotes y algunas obras de arte exclusivas.

En términos de pureza extrema, hay laboratorios y refinerías que han logrado crear oro de 99.999% pureza, conocido como “oro cinco nueves” (999.99), utilizado en aplicaciones científicas y en algunos lingotes de colección.

¿Cómo se llaman los tres tipos de oro?

El oro en joyería y arte se clasifica principalmente en tres tipos, basados en su color y composición:

  1. Oro amarillo: Es el clásico, compuesto de oro puro mezclado con cobre y plata. Mantiene el color cálido y brillante que asociamos con la riqueza.
  2. Oro blanco: Una aleación de oro con paladio, plata o níquel, dándole un tono más frío y moderno. Se suele recubrir con rodio para mayor brillo y durabilidad.
  3. Oro rosa: Creado al mezclar oro con una mayor proporción de cobre, lo que le da su característico tono rosado y cálido, muy popular en la joyería contemporánea.

Cada tipo de oro cuenta su propia historia. En el arte, el oro amarillo sigue dominando por su simbolismo ancestral, mientras que en la joyería contemporánea, el oro rosa y el oro blanco han ganado popularidad por su estética sofisticada y versátil.

El oro es mucho más que un metal precioso: es un lenguaje, una declaración de intenciones y un reflejo de la historia humana. Desde los altares bizantinos hasta las esculturas de Damien Hirst, sigue siendo una de las materias primas más poderosas en el arte y la cultura.

Joyería contemporánea: El arte que aún subestimamos

Contemporary Jewelry
Contemporary Jewelry

Joyería contemporánea: El arte que aún subestimamos

A ver, hablemos claro: la joyería no es solo decoración. No es un accesorio bonito para combinar con tu ropa, no es una simple exhibición de estatus. La joyería, cuando se hace bien, cuando se concibe con la misma intensidad que una pintura de Basquiat o una escultura de Louise Bourgeois, es puro arte en miniatura. Es una declaración de intenciones, un manifiesto portátil, un acto de rebeldía o un testamento de belleza. Y sin embargo, el mundo del arte aún la trata como si fuera un pariente lejano y menor.

¿Por qué la joyería todavía lucha por ser tomada en serio dentro del circuito del arte contemporáneo? Tal vez porque está demasiado ligada a lo funcional, a lo personal, a lo íntimo. Y eso, irónicamente, es lo que la hace más poderosa. Piensa en las esculturas diminutas y radicales de Gijs Bakker, en las piezas conceptuales de Otto Künzli, en el trabajo de Lisa Walker, que literalmente desafía cualquier noción de lo “bello” en la joyería. Estos artistas no están haciendo meros adornos, están contando historias, cuestionando lo que valoramos, explorando materiales que van desde el oro hasta el plástico desechado.

El arte contemporáneo ama lo grande, lo monumental, lo que puede llenar una galería y hacer que la gente tome fotos con el celular. Pero la joyería tiene otra estrategia: es discreta, subversiva. Se cuela en los cuerpos, los transforma, los vuelve parte de la obra. Cuando alguien lleva un anillo de Ted Noten o un collar de Daniela Malev, no solo está usando algo bonito; está cargando un discurso, un objeto que puede hablar de feminismo, política, memoria o identidad.

El problema es que aún arrastramos el peso de lo que el mundo del lujo ha hecho con la joyería: la ha convertido en un símbolo de exclusividad más que de expresión. Se ha tratado de reducirla a un mercado de diamantes y etiquetas de moda, cuando en realidad debería estar en la misma conversación que el arte conceptual, la escultura o la instalación. ¿Acaso un broche de Manfred Bischoff no tiene la misma carga simbólica que una pieza de Joseph Beuys? ¿No es una pulsera de Kadri Mälk igual de visceral que un cuadro de Francis Bacon?

Afortunadamente, algo está cambiando. Los museos comienzan a prestarle más atención, las bienales la incluyen tímidamente en sus curadurías, y los artistas contemporáneos se apropian cada vez más de esta forma de expresión sin miedo a que les digan que están “haciendo artesanía”. Porque sí, la joyería es artesanía, pero también es política, es historia, es identidad. Y sobre todo, es arte.

La próxima vez que veas una pieza de joyería contemporánea, no te preguntes si combina con tu ropa. Pregúntate qué te está diciendo. Porque probablemente te esté diciendo mucho más de lo que imaginas.

The Art of Being Yourself

Be yourself
Be yourself

Be yourself

There is no one like you. There has never been anyone like you. There shall never be anyone like you. Therefore, know yourself. Be yourself. Authenticity is everything.

Art, at its core, is the radical act of being oneself—unfiltered, unapologetic, and wholly singular. The same could be said about life. In the grand, chaotic gallery of existence, every person is an original work. There is no duplicate, no reproduction, no limited edition. There is no one like you. There has never been anyone like you. There shall never be anyone like you.

This is the essence of authenticity, and it applies as much to art as it does to the artist. The greats—Basquiat, Frida, Louise Bourgeois, Ai Weiwei—didn’t ask permission to be themselves; they simply were. Their work was an extension of their being, a raw and often defiant declaration of their singularity. Their brushstrokes, sculptures, and installations were not about fitting in but about breaking through.

Authenticity is terrifying. It demands vulnerability. It means embracing every jagged edge and imperfect curve of your existence. But here’s the truth: the world does not need another copy, another echo, another artist trying to replicate the already-done. It needs you—your weirdness, your contradictions, your unpolished, unrepeatable self.

So, the real challenge is not just knowing yourself but having the courage to be yourself. To create not for approval, but from instinct. To stop sanding down the edges to fit neatly into someone else’s frame. To understand that the work of art that is you is already complete, already valid, already worthy.

After all, in a world oversaturated with replicas, the most radical thing you can do is be the masterpiece only you can be.

A Talk on the Intersection of Art & Architecture

AIA A Talk on the Intersection of Art & Architecture
AIA A Talk on the Intersection of Art & Architecture

The Intersection of Art and Architecture: a panel discussion by Jessica Goldman Srebnick and Pat Bosch

Thursday, March 27th, 6:00 PM – 8:30 PM EDT

Details

Date:March 27 Time: 6:00 pm – 8:00 pm

Location

The LAB Miami 2750 NW 3rd Ave Miami, 33127

Join AIA Miami’s Women in Architecture Committee and the Miami Center for Architecture & Design at Steelcase Wynwood for a panel discussion on the synergies between art and architecture.

This lively discussion features Jessica Goldman Srebnick, Co-Chair of Goldman Properties, and Pat Bosch, Design Director of Perkins & Will Miami.

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Ancestral Lines

Ancestral Lines Rafael Montilla FAMA

Ancestral Lines

Coral Springs Museum of Art Presents “Ancestral Lines”: A Textile Journey Through Heritage and Identity

Coral Springs, FL — The Coral Springs Museum of Art, in collaboration with the Fiber Artists Miami Association (FAMA), proudly presents “Ancestral Lines,” an evocative exhibition that explores the deep-rooted connections between heritage, storytelling, and fiber art. Opening on April 4, 2025, this compelling showcase invites audiences to reflect on ancestry through more than 60 original textile-based works, created by FAMA members and curated by Juliana Forero, Ph.D.

Opening Reception & Special Preview

  • Opening Reception: Friday, April 4, 2025 | 6:00 PM – 8:00 PM
  • Museum Members-Only Preview: Friday, April 4, 2025 | 5:00 PM – 6:00 PM
  • Location: Coral Springs Museum of Art | 2855A Coral Springs Drive, Coral Springs, FL 33065

This family-friendly event will feature an engaging Children’s Space, live performances, interactive communal weaving, light bites, and a cash bar.

A Celebration of Ancestry Through Textile Art

On view from April 4 to July 5, 2025, in the Main and East Galleries, “Ancestral Lines” challenges visitors to explore their heritage through fabric and fiber. The exhibition asks: How do we honor, learn from, and reconcile with our ancestors? Each artist delves into these questions, translating personal narratives into dynamic textile pieces that merge traditional and contemporary techniques. The result is a collective portrait of diverse cultural identities and interwoven histories.

About Fiber Artists Miami Association (FAMA)

Celebrating its 5th anniversary, FAMA is a non-profit organization dedicated to advancing contemporary textile arts through exhibitions, education, and public programming. By fostering artistic excellence and cultural appreciation, FAMA continues to elevate fiber arts within the broader artistic community.

About Coral Springs Museum of Art

A hub for artistic expression, the Coral Springs Museum of Art is committed to connecting people with the transformative power of art. Through inclusive exhibitions and community-driven programming, the Museum serves as a cultural landmark for creative engagement and education.

Join the Conversation

Experience the rich visual storytelling of “Ancestral Lines” and immerse yourself in a tapestry of memory, resilience, and artistic expression. Follow the journey and join the discussion using #AncestralLines #CoralSpringsArt #FAMA5Years.

Artists

Diane Arrieta

Sharon Berebichez

Nancy Billings

Liene Bosque

CarolaBravo

Veronica Buitron

RemiJin Camping

Bella Cardim

Adriana Carvalho

Mabelin Castellanos

Eumelia Castro

Shirley Chong

Patricia L.Cooke

Monica Czukerberg

Flavia Daudt

Lauren Faith Dawson

Erin C.Doherty

Dana Donaty

Liliana Faieta

Ivonne Ferrer

Marine Fonteyne

Linda Friedman Schmidt

Fernanda Froes

Paula GaetÁn

Amy Gelb

Mila Hajjar

Briena Harmening

Ana Hierro

Kari Hovaghimian

Andrea Huffman

Isabel Infante

Maite Izquierdo

Ashnide Jean Baptiste

Hettler.Tüllmann

Leslie Klein

Marlene Kohn

Maria Lino

Laura Luna

Laura Marsh

Milena Martinez Pedrosa

Aurora Molina

Paola Mondolfi

Rafael Montilla

Claudia Morrison

Cynthia Passavanti

Vered Pasternak

Evelyn Politzer

Miriam Rae-Silver

Jacqueline Reis

Lisa Rockford

Alina Rodriguez-Rojo

Debora Rosental

Judith Ruiz

Mark Runge

Yolanda Sanchez

Susanne Schirato

Silvana Soriano

Aida Tejada

Maru Ulivi

Marilyn Valiente

Laura Villarreal

Joan Wheeler

Rebecca White

Yochi Yakir Avin

Silvia Yapur

Tatiana Zaytseva

Macarena Zilveti

For media inquiries, interviews, or additional information, please contact:

FAMA
EMAIL: [email protected]


Coral Springs Museum of Art
EMAIL: [email protected]
PHONE: 954-340-5000

Workshop 1.  Communal Weaving for Children and Adults / “Culture Weaves us together”

  • April 26, 2pm-5pm, inside the gallery – Children Ages 4+, teens, adults

We invite visitors to the Ancestral Lines exhibition at the Coral Springs Museum to explore the art of contemporary weaving. Central to this interactive experience is  pre-warped loom, where participants can contribute to a large-scale collaborative weaving project, blending individual creativity into a shared tapestry of connection and heritage.

Children will engage in a hands-on workshop on  miniature looms.  Participants will create intricate patterns and textures that reflect the craftsmanship of past generations while celebrating personal creativity and heritage.

Workshop 2 Ancestral Roots Threading Memories & Phototherapy

  • May 31, 11am-1pm, at Studio 1 – Adults/ 2pm-3pm –Children inside the gallery – kids drop-in (supervised by their parents/guardians). This workshop will integrate textiles and photography to facilitate a mindfulness experience, encouraging participants to reconnect with ancestral memories. Participants are invited to bring a black & white family photo of personal significance, if possible. The museum will provide an appropriate space for this immersive experience, which will unfold in two key phases.
  • COURTESY Blick Art Materials

ADULTS REGISTRATION

CHILDREN REGISTRATION

Workshop 3 Transforming Threads Workshop for Children and Adults

  • Saturday, June 28, 1pm-4pm, studio 1 
  • Textile waste is a pressing issue that requires innovative solutions. This hands-on workshop, organized by FAMA, aims to educate participants on sustainable textile practices by repurposing fibers into yarn. Through this process, participants will gain a deeper understanding of upcycling while engaging in a creative activity that celebrates both individuality and heritage. Participants will use their handmade yarn in the Communal Weaving while learning new techniques.
  • Objectives:
  • Raise awareness about textile waste and its environmental impact.
  • Teach participants practical skills for repurposing old textiles into yarn.
  • Encourage sustainable creativity through hands-on learning.
  • Promote cultural heritage by incorporating traditional textile techniques.
  • COURTESY Blick Art Materials

REGISTER EVENTBRITE

TALK-THREADING THE CITY

TALK
May 3, 2025, 2-3 pm
Ancestral Lines Talk by
Adriana Herrera, PhD 
Independent writer and curator
Co-founder Aluna Art Foundation

Part of Threading the City
The Coral Springs Museum of Art invites the public to a talk on “Ancestral Lines” which will be on view from April 10th through July 5th, 2025. The talk will take place May 3rd and will be led by Dr. Adriana Herrera.
 
The museum welcomes FAMA members and anyone interested in learning about textile traditions and their effect on contemporary art.

El oro y lo divino: La espiritualidad en la joyería de los pueblos indígenas de América

Navajo Jewelry

El oro y lo divino: La espiritualidad en la joyería de los pueblos indígenas de América

El oro nunca fue solo un metal. Para los pueblos indígenas de América, fue y sigue siendo un puente entre lo terrenal y lo sagrado, un reflejo de la luz del sol, la piel de los dioses, el pulso del universo materializado en algo que se podía tocar, moldear, llevar en el cuerpo. Antes de que los europeos lo vieran solo como un símbolo de riqueza y avaricia, las culturas nativas del continente americano ya lo habían transformado en un vehículo de conexión espiritual, en amuletos cargados de poder y significado.

Desde los elaborados pectorales de los taironas en Colombia hasta las delicadas orejeras mochicas en Perú, cada pieza de oro tenía una intención más profunda que la simple ornamentación. No era joyería, era cosmología en miniatura. Los mayas, por ejemplo, forjaban diademas y colgantes que representaban deidades, jaguares y figuras mitológicas, creyendo que al portar estos objetos, el usuario absorbía sus atributos: la ferocidad del felino, la visión de la serpiente emplumada, la autoridad de los ancestros.

Más al norte, los haida y tlingit del Pacífico trabajaban el oro con un nivel de detalle que rivalizaba con cualquier taller renacentista. Sus brazaletes y anillos con figuras totémicas no eran solo marcas de linaje, sino también herramientas espirituales, formas de llevar consigo la protección de los espíritus animales. Cada trazo, cada curva, era un lenguaje simbólico que hablaba de conexiones invisibles entre el mundo humano y el mundo espiritual.

Y si viajamos a los Andes, encontramos el esplendor del oro incaico, donde la joyería no era un lujo, sino un símbolo de poder divino. Los sacerdotes y gobernantes no llevaban oro solo para mostrar estatus, sino porque creían que era un canal directo con Inti, el dios sol. Los discos de oro, las máscaras funerarias y los tocados eran, en esencia, antenas espirituales, formas de sintonizar con las fuerzas cósmicas.

Pero aquí viene la ironía brutal: lo que para estos pueblos era un vínculo con lo sagrado, para los conquistadores se convirtió en un motivo para la destrucción. El oro, que servía como puente entre mundos, se fundió en barras, se convirtió en monedas, en capital, en armas. Se perdió la intención, se borró la historia, se rompió el hechizo.

Aun así, la conexión entre la espiritualidad y el oro no desapareció del todo. Hoy, artistas indígenas contemporáneos están retomando esa relación ancestral, reinterpretando los símbolos y trayendo de vuelta la idea de que la joyería no es solo para lucirse, sino para trascender. Creadores como Keri Ataumbi (Kiowa) o Pat Pruitt (Laguna Pueblo) mezclan técnicas tradicionales con enfoques modernos para revivir la idea de que una pieza de oro puede ser tanto una declaración estética como un manifiesto espiritual.

Porque el oro no es solo un metal. En las manos correctas, sigue siendo luz, sigue siendo historia, sigue siendo un eco de lo divino.

Jorge Rey y la sombra del plagio

Jorge Rey y la sombra del plagio

Jorge Rey y la sombra del plagio: El debate sobre la apropiación en la moda


El mundo de la moda y el arte siempre ha sido un espacio de inspiración y reinterpretación, donde las referencias y homenajes pueden enriquecer la creatividad. Sin embargo, cuando la inspiración se convierte en apropiación sin reconocimiento, el debate sobre la ética artística cobra fuerza. Tal es el caso del diseñador argentino Jorge Rey, quien recientemente presentó su colección El placar de la abuela en Argentina Fashion Week 2025, con un impactante performance que recuerda notablemente a Kube Man, la emblemática obra del artista Rafael Montilla.

De la inspiración a la apropiación
Kube Man es un performance artístico desarrollado por Montilla que explora la relación entre el cuerpo y la geometría desde el 2017, utilizando una estructura cúbica para desafiar la percepción del espectador. Su originalidad y fuerza visual han hecho que esta propuesta sea reconocida en diversas exposiciones y medios internacionales.

No obstante, en el desfile de Jorge Rey, los modelos desfilaron con trajes de alta costura y accesorios que evocaban claramente la esencia y el concepto de Kube Man, sin que en ningún momento se mencionara la fuente de inspiración ni se acreditara a Montilla. Este hecho ha generado críticas y un llamado de atención sobre la falta de reconocimiento dentro del circuito de la moda.

El problema del reconocimiento en la industria creativa
Casos como este no son nuevos en el mundo del arte y la moda. La delgada línea entre la inspiración y el plagio ha sido debatida por décadas. Si bien la moda es un campo en el que las referencias visuales están en constante evolución, el respeto por la autoría es fundamental. Tomar elementos de una obra ajena sin dar crédito es una práctica que debilita la ética artística y despoja al creador original del reconocimiento que merece.

El precedente del caso Sandra Hernández y Kube Man
El caso de Jorge Rey no es el primer episodio de apropiación indebida en torno a Kube Man. En el pasado, la fotógrafa Sandra Hernández (Vita Flumen) fue señalada por plagiar la estética del performance en una serie fotográfica, presentándola en exposiciones sin reconocer a Montilla como la mente detrás del concepto original. Este antecedente refuerza la preocupación sobre la facilidad con la que algunas figuras del mundo creativo toman ideas sin respetar su origen.

Más allá de la polémica: la necesidad de un cambio
El arte y la moda pueden y deben dialogar, pero este diálogo debe construirse sobre la base del respeto y el reconocimiento mutuo. Es responsabilidad de diseñadores, curadores, críticos y del público exigir mayor transparencia en la forma en que se toman referencias de otras obras.

En un mundo donde la originalidad se valora cada vez más, dar crédito no solo es una cuestión de ética, sino también una muestra de integridad profesional. Si la industria creativa quiere seguir evolucionando, debe hacerlo sobre los cimientos del respeto a la autoría.

Exposición de la fotógrafa venezolana Margarita Boulton

Exposición de la fotógrafa venezolana Margarita Boulton se presenta en el Centro Cultural IMAGO

Exposición de la fotógrafa venezolana Margarita Boulton

Se presenta en el Centro Cultural IMAGO

4028 SW 57th Ave, Miami, FL 33155

El domingo 6 de abril de 2025 a las 11:30 a.m., será inaugurada en Miami, en los espacios del Centro Cultural IMAGO, la exposición individual “Mourning Flowers” de la fotógrafa venezolana Margarita Boulton, bajo la curaduría de Katherine Chacón.

La muestra reúne una selección de fotografías en las que Margarita Boulton, “no solo documenta la transformación material de la flor, sino que traduce en imágenes la pérdida irrepresentable de la feminidad tal como ha sido construida culturalmente. La maternidad frustrada, la identidad erosionada por el paso del tiempo o el agotamiento del deseo, encuentran su expresión en estas flores que ya no responden al ideal de lo vivo, pero que aún se resisten a desaparecer”, según afirma la curadora Katherine Chacón en el texto que acompaña la exposición.

“Frente a la imagen convencional de la flor como emblema celebratorio de la belleza y la magnificencia de la vida, Margarita Boulton propone en Mourning Flowers, una mirada que las escruta en su decadencia o en su fallo, ese instante en el que la lozanía y el esplendor ceden paso a la fragilidad y el declive. En estos pétalos ajados, capullos que nunca abrieron y hojas consumidas por el tiempo, no hay ornamento ni idealización, sino una exploración de lo marchito como metáfora del duelo. El envejecimiento, la frustración, los desencuentros y la incomunicación se desdibujan en estas flores temblorosas, logradas a través de desenfoques, barridos y trepidaciones voluntarias, que aluden a una interioridad doliente”, expresa la curadora.

Margarita Boulton(Caracas, 1986) se formó como Técnico Superior en Diseño Gráfico en el Instituto de Diseño de Caracas entre 2005 y 2009, y en 2012, obtuvo un Bachelor of Fine Arts en Graphic Design, en la Miami International University of Art and Design. Su práctica fotográfica comenzó en Roberto Mata Taller de Fotografía, en Caracas, donde estudió entre 2016 y 2019. En 2022 presentó su trabajo fotográfico en la exposición individual «Ella, la flor», realizada en Caracas,  en La Casa 22 de El Hatillo, con la curaduría de Alberto Asprino. Actualmente vive y trabaja en Miami.

La exposición “Mourning Flowers” de Margarita Boulton se estará presentando hasta el 25 de mayo de 2025 en los espacios del Centro Cultural IMAGO, ubicado en 4028 SW 57th Ave, Miami, Estados Unidos. El horario es los lunes de 2:00 a 6:00 p.m., martes a viernes de 10:00 a.m. a 6:00 p.m., y los sábados de 10:00 a.m. a 1:00 p.m.

Exposición de la fotógrafa venezolana Margarita Boulton se presenta en el Centro Cultural IMAGO
Exposición de la fotógrafa venezolana Margarita Boulton se presenta en el Centro Cultural IMAGO
Exposición de la fotógrafa venezolana Margarita Boulton se presenta en el Centro Cultural IMAGO
Margarita Boulton

El oro como memoria: La joyería nativa en Norteamérica

Navajo Jewelry

El oro como memoria: La joyería nativa en Norteamérica

Cuando pensamos en el oro en América, la mente suele viajar hacia los tesoros mayas, aztecas o incas. Pero lo que pocos recuerdan es que en las tierras del norte—lo que hoy llamamos Estados Unidos y Canadá—algunas tribus también trabajaron el oro, no con la avaricia colonial que llegaría después, sino con una intención más profunda: contar historias, conectar mundos, afirmar identidad.

Las tribus del Noroeste del Pacífico, como los Haida y los Tlingit, fueron maestras de la joyería en metales preciosos. Su oro no era ostentación, sino linaje y espíritu. Los orfebres haida, por ejemplo, creaban magníficos brazaletes y anillos en los que esculpían con increíble precisión figuras totémicas: águilas con alas extendidas, osos guardianes, cuervos portadores de conocimiento. Cada pieza no era solo adorno, sino un pedazo de historia familiar, un sello de clan, una declaración de pertenencia.

El oro llegó a sus manos por diversas rutas: antes de la colonización, usaban cobre y otros metales, pero en el siglo XIX, con el comercio y la llegada de herramientas más avanzadas, lo incorporaron a su tradición artística. Lo moldeaban con técnicas ancestrales, golpeando y tallando el metal con la misma sensibilidad que aplicaban a la madera y la piedra. Su estilo era rotundo y expresivo: líneas gruesas, figuras esquemáticas pero llenas de fuerza, cada trazo cargado de simbolismo.

Más al sur, en lo que hoy es el suroeste de Estados Unidos, los navajos y los pueblos pueblo, como los hopi y zuni, también dejaron su huella en la joyería. Aunque su relación con el oro no fue tan profunda como con la plata—su verdadero material estrella—sí llegaron a trabajar el oro en piezas que reflejaban la vastedad del desierto y el movimiento de la naturaleza. Lo combinaban con turquesas, creando contrastes vibrantes que evocaban el cielo y la tierra.

Lo fascinante de estas joyas es que no eran solo ornamentos, sino talismanes. Amuletos de protección, símbolos de conexión con los espíritus animales, mapas de linaje y territorio. Un brazalete de oro haida podía hablar de un linaje de navegantes y líderes. Un colgante hopi, con su geometría precisa y elegante, podía ser un recordatorio del equilibrio entre la vida y la naturaleza.

Pero como siempre, llegó la colonización y con ella, la depredación. Muchos de estos objetos fueron saqueados, vendidos como “souvenirs” o simplemente derretidos. Sin embargo, la tradición no desapareció. Hoy, artistas indígenas han recuperado este legado y lo han llevado más allá. Diseñadores contemporáneos como Shaun Peterson (Qwalsius) o Keri Ataumbi han revitalizado la joyería nativa con oro, fusionando las antiguas narrativas con un lenguaje visual moderno.

Porque el arte indígena nunca fue estático. Nunca fue solo “artesanía” (palabra condescendiente donde las haya). Fue y sigue siendo un lenguaje vivo, un arte con pulso. Y en cada pieza de oro que sobrevive, en cada brazalete haida o colgante navajo, sigue latiendo la memoria de un pueblo que nunca dejó de contar su historia a través del metal.

Aura Copeland Gallery Hosts a Captivating Group Show in Downtown Miami

Aura Copeland Gallery
Aura Copeland Gallery

Aura Copeland Gallery Hosts a Captivating Group Show in Downtown Miami

On the evening of March 14, 2025, Aura Copeland Gallery, nestled on East Flagler Street in Downtown Miami, hosted a captivating group exhibition that brought together a diverse array of artists from across the globe. The event, which welcomed an enthusiastic crowd of over 400 guests, was a celebration of art, culture, and storytelling. The energy in the air was palpable, as Miami’s vibrant art community came together to witness the opening of a show that was as dynamic and multifaceted as the artists themselves.

The exhibition featured a stunning collection of works that spanned a variety of mediums, each piece telling its own unique narrative. Among the standout artists was Zeana Atarbashi, whose deeply evocative portrayal of her native Mesopotamia resonated with the crowd. Atarbashi, an Iraqi artist, has found a way to bring the melancholic, yet powerful, beauty of her homeland’s stories to life through her gentle, female figures set against colorful, dreamlike backgrounds. The works spoke volumes about the delicate strength of her subjects, and the show’s success was reflected in the nearly 80% sell-out of her solo exhibition at Les Couleurs Art Gallery, which had taken place shortly before.

Nearby, Chris Riggs offered a stark contrast, yet a similarly captivating message. Known for his uplifting depictions of universal love and positivity, Riggs’ artwork exuded joy. His pieces, filled with vibrant hues and playful motifs, seemed to echo his personal mantra, and the artist himself was as colorful as his creations, donning an outfit handprinted with joyful hearts. His presence at the opening felt like a celebration of life itself—a reminder that art has the power to bring smiles and light to even the darkest corners of the world.

Among the more contemplative works, Milda Aleknaite, the Lithuanian artist, introduced Miami to a series of large-scale pieces that pushed viewers to question their perceptions of reality. Her bold and thought-provoking works challenged the mind, inviting audiences to dive into a world where imagination reigns supreme. Aleknaite’s ability to blur the lines between fantasy and reality made her a standout, forcing viewers to rethink the way they look at the world.

The show also offered a deep dive into the emotional and political narratives of Cuban artistsReinold Medina, known for his quintessential Cuban style, presented “Patria y Vida,” a poignant portrait of an elderly man smoking a cigar. The piece felt like a tribute to the soul of Cuba itself—a country defined by resilience, culture, and history. Medina’s work was more than just a visual experience; it was a reminder of the stories that continue to shape the Cuban identity.

Jorly Gonzalez, another Cuban artist and former gallery owner from Havana, brought his unique perspective on the struggles of his homeland. His deeply moving piece captured the pain, hope, and defiance of the Cuban people, offering a raw and emotional reflection of a nation in flux.

Yet it wasn’t just the artists from Cuba who stole the show. Patricia Alminana, a Venezuelan artist, made her mark with abstract works that seemed to pulse with energy. Her vivid use of color told stories of turmoil, passion, and the power of human expression. Each brushstroke seemed to carry a message of hope, even amidst adversity, and her works proved to be some of the most energetic and compelling in the exhibition.

As the night unfolded, the gallery became a vibrant conversation space, with each artist’s work sparking dialogue and reflection. The exhibition wasn’t just a visual experience; it was an exploration of culture, history, and the universal truths that unite us all. Alongside Atarbashi, Riggs, Aleknaite, Medina, Gonzalez, and Alminana, artists like Bari BingAndrew CarunchoSALCEDOTURBOMauricio MariDorvilier OlivierRosendo Abel Agramonte Herrera, and many others contributed to an eclectic and impactful body of work.

The evening was a testament to the power of art to bridge divides, provoke thought, and unite people from all walks of life. With its diverse lineup of artists, Aura Copeland Gallery’s March 14th opening was not just another art event; it was a celebration of the stories that shape our world, told through the lens of creativity and expression.

For all who attended, the experience was one of connection—a reminder of art’s ability to touch the heart, challenge the mind, and bring about meaningful change. As the crowd continued to mingle, their conversations were filled with admiration for the works they had just witnessed, knowing that the impact of the night would linger long after the final guest had left.

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