Saturday, May 31, 2025
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CONSTRUCTIVISMO

Non-Objective Art
Non-Objective Art

CONSTRUCTIVISMO

La Revolución Socialista de 1917 puso de manifiesto la posibilidad de crear un arte al servicio de la revolución triunfante. Es necesario educar a las masas, aumentar la producción y destruir las premisas culturales del Antiguo Régimen. El debate cultural quedó abierto, manifestándose una pluralidad de tendencias.

En 1920 se publicó en Moscú el Manifiesto realista de Anton Pevsner y Naum Gabo, donde se prescinde de todo análisis social y político y se indagan posiciones estéticas similares a las del Neoplasticismo. Unos meses más tarde se publicó también en Moscú el Manifiesto del Grupo Productivista, firmado por Tatlin, en el que los artistas rechazaban el arte y lanzaban vivas apasionados a la técnica. Se decía que el arte colectivo del presente es la vida constructiva.

El Constructivismo nace, por tanto, de un doble deseo: cambiar el arte y crear una vida nueva y revalorizar al artista industrial, al servicio de un arte de masas, frente al artista-artesano.

Aunque estos planteamientos estaban muy extendidos, no eran los únicos concebidos en la Revolución: Lenin sostuvo siempre la necesidad de asumir la herencia del pasado y concibió la utilidad del arte más como propaganda que como medio para transformar la vida. Por eso, el Constructivismo ruso producirá en los años siguientes a la revolución más proyectos que obras.

Sus figuras más representativas son Tatlin, Malevich y El Lissitzky.

Perez Art Museum PAMM
Pérez Art Museum Miami

SUPREMATISMO

Constructivismo, concrete art
Constructivismo, concrete art

SUPREMATISMO

Movimiento de arte abstracto formulado por Kasimir Malevich en 1915.

Sus cuadros suprematistas son las obras abstractas más radicalmente puras creadas hasta esa fecha, pues se limitan a formas geométricas simples: el cuadrado, el triángulo, el círculo, la cruz y el rectángulo, y una reducida gama de colores. Según el artista ruso, todo lo expresivo y anecdótico que se encuentra todavía en la abstracción debe ser extirpado, aplicándose formas puras y absolutas en la plasmación de armonías sencillas. Tras depurar al máximo sus ideas en una serie de cuadros de un Cuadrado blanco sobre fondo blanco (hacia 1918), dio por concluido el movimiento. El suprematismo fue el vehículo de las ideas espirituales de Malevich. Aunque sus seguidores directos en Rusia fueron figuras menores, ejerció una gran influencia en el desarrollo del arte y el diseño en Occidente, en concreto en la Bauhaus.

Perez Art Museum PAMM
Pérez Art Museum Miami

ARTE CONCEPTUAL

El movimiento conceptual en el arte aparece a finales de los años sesenta con manifestaciones muy diversas y fronteras poco definidas.

La idea principal que subyace en todas ellas es que la verdadera obra de arte no es el objeto físico producido por el artista, sino que consiste en conceptos e ideas. Con un fuerte componente heredado de los ready-made de Marcel Duchamp, es el artista americano Sol LeWitt quien mejor define este movimiento en una serie de artículos publicados en 1967 y 1969. En el arte conceptual, la idea o concepto prima sobre la realización material de la obra, y el mismo proceso -notas, bocetos, maquetas, diálogos- al tener a menudo más importancia que el objeto terminado, puede ser expuesto para mostrar el origen y desarrollo de la idea inicial. Otro elemento a resaltar de esta tendencia es que requiere una mayor implicación del espectador no sólo en la forma de percibirlo sino con su acción y participación. En función de la insistencia en el lenguaje, el comentario social o político, el cuerpo o la naturaleza, dentro de este arte encontramos líneas de trabajo muy diferentes: body art, land art, process art, performance art, arte povera … y entre sus más importantes representantes se encuentran artistas como Joseph Kosuth, Lawrence Weiner, el grupo Art & Language, Gilbert and George, Dennis Oppenheim, Walter de Maria, Robert Smithson, Jean Dibbets o Richard Long.

Según los planteamientos del arte conceptual, las obras de arte no tienen sólo un modo de existencia objetual y la experiencia estética puede darse más allá de la materia, porque experiencias y obras pueden “encarnarse” en varios objetos o porque su recepción puede entenderse más allá de la presencia de los objetos. Por ejemplo, cualquier botellero puede ejemplificar el gesto duchampiano, pero lo relevante es el gesto en sí. El botellero no es un objeto artístico, sino una propuesta estética, ya que el artista lo despoja de su sentido instrumental.

De este modo, el arte conceptual trata de mantener la experiencia estética sin que medie en ella la elaboración artística, el valor plástico de los objetos. Un paso más allá sería la mera proposición por escrito de contemplar un portabotellas sin mostrarlo.

Compartir el acto de mirar resulta una forma de alcanzar un fundamento y de tratar de proyectar en el público una experiencia similar a la primigenia, con la menor interposición posible de condicionantes que puedan desviar ese dato experiencial a territorios diferentes, como las tradiciones en la representación.

Lo conceptual es sobre todo una actitud de la que parte el emisor y que se pide al receptor: en función de si la comparte habrá obra o no.

Kosuth decía que las obras de arte conceptuales son proposiciones analíticas que presentan las intenciones del artista, su definición del arte, y LeWitt definió estos trabajos como conectores de polos mentales, transmisores de información que han renunciado al mito de la semejanza. El artista concibe su actividad como una investigación semiótica.

Su querencia por el lenguaje y su énfasis sobre la actividad mental en detrimento de la material emparenta a los creadores conceptuales con la tradición idealista. Se aprecian dos tendencias significativas en el arte conceptual: la de quienes muestran o proponen algo ausente a través de proyectos irrealizables de antemano y la de quienes se refieren a ideas no visualizables, invisibles o inexplicables.

En definitiva, el arte conceptual pretendió demostrar que se podía hacer arte sin necesidad de desembocar en cosas (artísticas), que existe experiencia estética sin estar mediada por la objetualidad. No se apela al goce inmediato derivado de la contemplación, sino al juicio y la contemplación reflexiva.

Cover photo: Victor Guido

Perez Art Museum PAMM
Pérez Art Museum Miami

Atlanta Art Galleries & Museums

Balance cube midtown Miami Rafael Montilla
Balance cube midtown Miami Rafael Montilla

Atlanta art galleries & museums

High Museum of Art | 1280 Peachtree St NE, Atlanta, GA 30309

Moca Ga | 75 Bennett St NW, Atlanta, GA 30309

Atlanta Contemporary | 535 Means Street NW Atlanta, GA 30318

Anne Irwin Fine Art | 690 MIAMI CIRCLE NE 150 ATLANTA, GA 30324

ZuCot Gallery | 100 Centennial Olympic Park Dr NW, Atlanta, GA 30313

ABV Agency and Gallery | 659 Auburn Avenue, Suite 504. Atlanta, GA 30312

Mason Fine Art | 764 Miami Cir NE #150, Atlanta, GA 30324

TEW Galleries | 425 Peachtree Hills Avenue NE 24 Atlanta, GA 30305

Pryor Fine Art | 764 Miami Circle, Suite 132 Atlanta, Georgia 30324

Thomas Deans Fine Art | 690 Miami Cir NE #905, Atlanta, GA 30324

Alan Avery Art Company | 656 Miami Cir NE, Atlanta, GA 30324

Jackson Fine Art | 3115 East Shadowlawn Avenue. Atlanta, GA 30305

Bill Lowe Gallery | 764 Miami Circle | Suite 210 Atlanta, GA 30324

Connect Contemporary | 1616 Huber St NW Atlanta, GA 30318

Whitespace | 814 Edgewood Ave NE, Atlanta, GA 30307

Marcia Wood Gallery | 764 MIAMI CIRCLE NE STE 150 ATLANTA, GA 30324

Spalding Nix Fine Art | 425 PEACHTREE HILLS AVENUE, NE SUITE 30-A ATLANTA, GEORGIA 30305

Maune Contemporary | 747-A Miami Cir NE, Atlanta, GA 30324

NOTCH8 Gallery | 4600 Cascade Road, Atlanta, GA 30331

Sandler Hudson Gallery | 999 Brady Ave NW #7, Atlanta, GA 30318

Arnika Dawkins Gallery | 4600 Cascade Rd, Atlanta, GA 30331

Kai Lin Art | 999 Brady Ave NW #7, Atlanta, GA 30318

Thomas Deans Fine Art | 690 Miami Cir NE #905, Atlanta, GA 30324

dk Contemporary Gallery | 25 W Park Square, Marietta, GA 30060

AI Contemporary |

Lumiere | 425 Peachtree Hills Ave NE #29b, Atlanta, GA 30305

Taylor Kinzel Gallery | 16 Elizabeth Way, Roswell, GA 30075

Different Trains Gallery | 432 E Howard Ave #24, Decatur, GA 30030

Gallery 874 |

The WADDI | 26 Waddell Street NE Atlanta GA 30307

Wild Oats & Billy Goats | 112 E Ponce de Leon Ave, Decatur, GA 30030

Perez Art Museum PAMM
Pérez Art Museum Miami

Dallas Art Galleries & Museums

Rafael Montilla
Rafael Montilla

Dallas art galleries & museums

Dallas art galleries & museums

Dallas Museum Of Art – 1717 North Harwood Dallas TX 75201

Dallas Contemporary – 165 glass street dallas texas 75207

Laura Rathe Fine Art – 1130 DRAGON ST., SUITE 130 DALLAS, TX 75207

Samuel Lynne Galleries – 1105 Dragon Street Dallas, TX, 75207

Conduit Gallery – 1626 C Hi Line Dr. Dallas, TX 75207 tel: 214.939.0064

Bivins Gallery –

Markowicz Fine Art – 1700 Oak Lawn Ave #200, Dallas, TX 75207

Talley Dunn Gallery – 5020 TRACY STREET DALLAS, TEXAS 75205

Martin Lawrence Galleries – 13350 Dallas Pkwy, Dallas, TX 75240

AND NOW – 1327 Dragon St #2, Dallas, TX 75207

Barry Whistler Gallery – 315 Cole St #120, Dallas, TX 75207

Galleri Urbane Dallas – 2277 MONITOR ST DALLAS, TX 75207

500X Gallery – 516 Fabrication St, Dallas, TX 75212

SMINK – 1019 Dragon St, Dallas, TX 75207

Craighead Green Gallery – 1011 Dragon St. Dallas, TX 75207

Kirk Hopper Fine Art – 1425 N. Riverfront Blvd. Dallas, Texas 75207

Kirk Hopper Fine Art – 1427 N. Riverfront Blvd. Dallas, Texas 75207

Kettle Art – 2650 Main St, Dallas, TX 75226

Erin Cluley Gallery – 150 MANUFACTURING STREET, SUITE 210, DALLAS, TEXAS 75207

Ro2 Art – 1501 S Ervay St, Dallas, TX 75215

Cris Worley Fine Arts – 1845 E Levee St #110, Dallas, TX 75207

PDNB Gallery – 151 Manufacturing Street, Ste. 203. Dallas, TX, 75207

Beaudry Gallery –

CINQ Gallery – 905 Dragon St. Dallas, TX 75207

Southwest Gallery – 4500 Sigma Rd, Dallas, TX 75244

Ginger Fox Gallery – 155 Oak Lawn Ave, Dallas, TX 75207

Maestri Gallery – 401 Exposition Ave, Dallas, TX 75226

Alan Barnes Fine Art, Inc. – 2611 Fairmount St, Dallas, TX 75201

Valley House Gallery & Sculpture Garden – 6616 Spring Valley Rd, Dallas, TX 75254

Kittrell/Riffkind Art Glass – 4500 Sigma Rd, Dallas, TX 75244

LuminArté Gallery – 1526 Fort Worth Ave, Dallas, TX 75208

Carneal Simmons Contemporary Art – 1415 Slocum Street, Suite 105

Ferrari Gallery – 1605 Dragon St, Dallas, TX 75207

Holly Johnson Gallery – 1845 E Levee St #100, Dallas, TX 75207

David Dike Fine Art – 2613 Fairmount St, Dallas, TX 75201

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CUBISMO

CUBISMO

El término “cubismo” aparece en el transcurso de la experimentación plástica de comienzos del s XX. En el contexto de la pintura fauve, Louis Chasevent habló en 1906 de la “precisión de los cubos” y, en 1908, el crítico Louis Vauxcelles se refería irónicamente a la nueva pintura de Braque diciendo que “reduce todo a esquemas geométricos, a cubos”. Estos y otros comentarios posteriores acabaron por dar nombre al movimiento.

Según todas las crónicas, la aparición del Cubismo fue un fenómeno que se reveló repentinamente derivado de experimentos científicos puntuales. Entre 1907 y 1909, Braque y Picasso se entregaron a la invención de nuevos procedimientos para la transcripción del espacio y las formas absolutamente distintos del Fauvismo. Frente a este movimiento, los cubistas creen que el peso del análisis pictórico radica en la exploración de las formas.

La llegada del Cubismo se vio favorecida por la obra de Cézanne y el Puntillismo. El primero, por revalorizar la importancia del volumen; los segundos, por su reconstrucción de la plástica.

Descomponer todos los cuerpos en formas geométricas fue la primera tarea de los cubistas, después vendrá su recomposición. Así, en el Cubismo pueden distinguirse dos fases: análitico y sintético. En la primera fase, las formas se separan o se empotran; en la segunda, las masas se juntan y organizan de forma orgánica.

Los cubistas tratarán de ofrecer una representación de los objetos uniendo diversos puntos de vista, de ahí que aparezcan juntas las visiones del perfil y de frente de un rostro. Esta síntesis de visiones corresponde al factor espacio-tiempo, es decir, el afán de establecer el volumen en un tiempo determinado. La suma de diversos ángulos visuales se efectúa sincrónicamente en el cuadro, cuando en realidad esto no es posible. También se profundiza en el interior de los cuerpos, tratando de representar dicho espacio. Se sirven los cubistas de los engaños ópticos, es decir, de la relatividad de las formas, ya que, al yuxtaponerse, se afectan mutuamente, resultando diferentes. Así, una elipse dentro de un polígono parece una circunferencia. Las formas en Picasso y los cubistas adquieren su verdadero sentido en función de las colindantes.

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Mariline Villa, chef y comunicadora

Mariline Villa
Mariline Villa
Mariline Villa se luce como empresaria, chef y comunicadora.

Mariline Villa se luce como empresaria, chef y comunicadora

Mariline es peruana, vive en Miami desde hace dos décadas, y se graduó de chef en la prestigiosa academia Le Cordon Bleu College of Culinary Arts, de la localidad de Miramar
Aquí tuvo el restaurante La flor de la canela durante casi una década, y posee una empresa que asesora a restaurantes de todo el país y ofrece servicio de catering para grandes eventos 
Mariline también presenta el programa “Cocinando con la Chef Mariline”, que se emite de lunes a viernes, de 2 a 3 pm y de 7:30 a 8:30 pm, por Facebook y Youtube
Chef Mariline online:_Website: www.chefmariline.com _Facebook: @cocinandoconchefmariline_Instagram: @cocinandoconchefmarilinetv _Youtube: Cocinando con Mariline The Magazine

Emprendedora incansable
_ En su país había estudiado Marketing y Publicidad en la Universidad San Ignacio de Loyola, y Economía en la Universidad del Pacífico
_ En “Cocinando” ha entrevistado a artistas y a especialistas de distintas áreas, y sirve a la comunidad enseñando, por ejemplo, a hacer nuevos emprendimientos 
_ Mariline tiene trayectoria en los medios de comunicación porque es colaboradora de las cadenas de televisión; y condujo programas en el Canal Estrella TV y en la radio La Poderosa 670 AM
_ Incansable, esta gran emprendedora vive pendiente de su familia (compuesta por su esposa, su hija y su hijo), y también dedica tiempo a ayudar a desamparados de distintos países
Perez Art Museum PAMM
Pérez Art Museum Miami

NEOPLASTICISMO

NEOPLASTICISMO
NEOPLASTICISMO

NEOPLASTICISMO

La revolución cubista tuvo en Holanda un desarrollo especial gracias a la constitución de un grupo de artistas en torno a la revista De Stijl (El Estilo), publicada entre 1917 y 1926. Esta publicación tuvo una gran coherencia, puesto que el estilo era el principal reto de sus cuadros.

Uno de los representantes más destacados del grupo fue Piet Mondrian, convencido de que las formas objetivas de expresión de la pintura no pueden derivarse de la imitación de la naturaleza cambiante, sino que deben ser creadas. Su objetivo fue ganar formas de armonía visual, reduciendo los medios pictóricos a sus elementos constructivos básicos.

Mondrian realizó un gran esfuerzo por eliminar de sus composiciones todo lo que remitiera a una naturaleza particular y creó un estilo abstracto, uniforme y antiindividualista. Decía: Todo artista verdadero ha sido siempre inconscientemente movido por la belleza de la línea, del color y de las relaciones entre ellos, y no por lo que sean capaces de representar.

Otros representante destacado del Neoplasticismo fue Van Doesburg.

¿Qué es el Neoplasticismo?

El Neoplasticismo es un estilo de arte que se caracteriza por regirse por las reglas matemáticas, simplificar la geometría y excluir las emociones. Es un arte desarrollado dentro del movimiento artístico de lo abstracto, es una expresión artística que lleva a lo más primitivo del arte.

Historia del Neoplasticismo

El neoplasticismo se desprendió del cubismo, se inició sobre el año 1.917 en Holanda como una forma de darle una concepción más analítica a la pintura y reducirla a formas geométricas y colores puros.

El neoplasticismo ha influido en la arquitectura, el diseño gráfico, la moda e incluso la gastronomía, debido a su armonía asimétrica; de hecho, pinturas de Mondrian, quizá el mayor exponente de esta corriente, fueron tomadas para el diseño de fachadas de edificios.

De este arte también se desprenden diseños de ventanales, vigas, vistas y objetos de aluminio, por lo que también el neoplasticismo ha tenido una fuerte influencia en el diseño industrial

Características

1. Utiliza un lenguaje plástico, objetivo y universal.
2. Renovación estética.
3. Se plasma lo más elemental.
4. Es un arte racionalista
5. Se usan componentes fundamentales como líneas, cubos, planos.
6. La armonía se logra con líneas y colores

Representantes del Neoplasticismo

Los principales exponentes de esta expresión artística fueron los pintores holandeses Piet Mondrian y Theo Van Doesburg, dentro de esta corriente también hacen parte Rietveld.

Arte De Stijl

Es un movimiento de arte holandés con una estética minimalista y abstracta, centrada en los colores primarios y figuras geométricas.

La influencia del arte De Stijl (que significa “el estilo” en español) es más notoria en la arquitectura, aunque también ha influenciado al mundo del diseño y los escultores.

El De Stijl abarca varias influencias artísticas, como el cubismo y el suprematismo, es el desarrollo de una nueva estética en artes finos y aplicados con apliaciones en diferentes ámbitos.

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ABSTRACCIÓN POSTPICTÓRICA

How to become a full-time artist
How to become a full-time artist

En deuda con el Expresionismo Abstracto, las raíces de la Abstracción Postpictórica se hunden en los veinte y los treinta. Creó el término Greenberg como el título de una muestra que comisarió en el LACMA en 1964. El crítico observó un nuevo movimiento en pintura derivado del citado Expresionismo Abstracto pero que favorecía la apertura o claridad en oposición a las superficies pictóricamente densas de aquel estilo.

Entre los 31 participantes en aquella exposición figuraban Sam Francis, Helen Frankenthaler, Ellsworth Kelly, Morris Louis, Noland, Olitski o Stella, que se dieron a conocer en los sesenta.

Se considera que el origen inmediato de esta tendencia se encuentra en los estudios sobre psicología de las formas de la Bauhaus que Josef Albers difundió en Estados Unidos.

La nueva pintura no conlleva mensajes místicos o religiosos, sino que existe por sí misma: se trata de lienzos de gran formato que se nutren sólo de color, de forma absoluta. Podemos hablar de zonas cromáticas, no de formas. Conforme este tipo de pintura siguió avanzando en diferentes direcciones, el término Abstracción postpictórica fue superado por el de pintura de “contornos duros” o convergió en otras tendencias, como el minimalismo o la abstracción lírica.

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EXPRESIONISMO ABSTRACTO

Abstract expressionism-Expresionismo abstracto
Abstract expressionism-Expresionismo abstracto

Abstract expressionism (Expresionismo abstracto)

Surgió tras la II Guerra Mundial y el Holocausto, un periodo de incertidumbre y estupor que, en lo artístico, dio lugar a formas de creación desgarradas y llenas de contradicciones que parecieron dejar a un lado el goce estético. Para Kermode suponen “variaciones de lo apocalíptico” y deben afrontar el problema del vacío derivado de una gran falta de imágenes de referencia tras desterrarse antiguos héroes y narraciones y desvirtuarse los propósitos transformadores de las vanguardias previas a la guerra.

Estados Unidos, y sobre todo Nueva York, dominaron el panorama artístico dada la persecución de la creatividad experimental en los estados totalitarios europeos y al establecimiento allí de muchos artistas procedentes del continente (Mondrian, Ernst, Chagall…).

Previamente al nacimiento del Expresionismo Abstracto, en Estados Unidos reforzaron la posibilidad del arte con la vida contemporánea tras 1945 el surgimiento del Federal Art project, la presencia de muralistas mexicanos desarrollando obras de gran formato y la de surrealistas que apelaban al subconsciente y al abandono de las tradiciones europeas (el nuevo arte también se basaría en el subconsciente y la libertad individual). El movimiento representó el “triunfo de la pintura americana” entonces y fue la marca cultural del país en la Guerra Fría.

A los expresionistas abstractos les fascina el mito del pionero y sus implicaciones de soledad, dureza y énfasis en el proceso. Su obra no obedece a un estilo unitario: define el movimiento su afirmación del individuo y del carácter expresivo del arte. Como el Informalismo, el Expresionismo Abstracto agrupa búsquedas personales en torno al signo gráfico (trazo o mancha) y en torno a la materia. Se afirma la materialidad del cuadro como superficie, rechazando todo ilusionismo en cuanto a perspectiva y en cuanto a representación de otra realidad que no sea la del propio trazo o materia.

Los expresionistas abstractos mantienen el precepto de la sola pintura, de un mandato de absoluta sinceridad y de la creencia en el artista como individuo que se expresa a través del plano pictórico, el gesto y la acción física.

Entienden la pintura como fruto de una experiencia dramática en la que el artista, desencantado por su contexto e inspirado por el Existencialismo, se refugia en su interior y abandona referencias. Se rechaza la forma y se habla de mancha, textura, arenas, goteos…y del proceso artístico como rito sustancial, de la pintura como lugar durante ese proceso y como huella o documento del mismo después.

El Expresionismo Abstracto se desarrolló conforme a dos tendencias: Action Painting (enérgica y gestual, sus representantes son Pollock, Kline y De Kooning) y Colour Field Painting (más puramente abstracta, reposada, mística para Rosenberg. La representa Rothko).

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