Art Basel Miami Beach Leading galleries from North America, Latin America, Europe, Asia and Africa show significant work from the masters of Modern and contemporary art, as well the new generation of emerging stars. Miami Beach, USA www.artbasel.com/miami-beach
Frieze Los Angeles Frieze Los Angeles 2019 will bring together around 70 of the most significant and forward-thinking contemporary galleries from across the city and around the world. Los Angeles, USA frieze.com/fairs/frieze-los-angeles
Armory Show New York Established in 1994 and held annually on Piers 92 & 94, The Armory Show is New York’s premier international art fair, showcasing over 200 galleries from around the world. New York, USA www.thearmoryshow.com/
Frieze New York Frieze New York brings together the most exciting contemporary galleries from around the globe. New York, USA friezenewyork.com/ Europe
London Art Fair Founded in 1989 by London’s Business Design Centre in Islington with the aim of providing a space to showcase the most exceptional modern and contemporary art of our time London, United Kingdom www.londonartfair.co.uk
ARCO Madrid The leading art fair in Spain. Madrid, Spain www.ifema.es/arcomadrid_06/
TEFAF Maastricht At TEFAF Maastricht, the world’s greatest art and antiques fair, you can buy masterpieces of art, antiques and design, showing 7,000 years of art history. Maastricht, Netherlands www.tefaf.com/
Art Cologne ART COLOGNE is the world’s oldest art fair for modern and contemporary art of the 20th and 21st century. Cologne, Germany www.artcologne.com/ART-COLOGNE/index-2.php
Art Basel Art Basel is one of the most important contemporary Art Fairs in the world, with more than 280 of the world’s leading galleries showing the work of over 4,000 artists. Basel, Switzerland www.artbasel.com/basel Asia
Art Dubai Art Dubai is the leading international art fair in the Middle East, Africa and South Asia. Dubai, UAE www.artdubai.ae/ Australia and Oceania
New Zealand Art Show It’s New Zealand’s best one-stop shop for original New Zealand art. Wellington, New Zealand www.artshow.co.nz
AIVAZOVSKY, IVAN (1817-1900) Russian landscape painter.
Ivan Aivazovsky: “The Ninth Wave” – 1850 – oil on canvas – Saint Petersburg, State Museum
Born in Crimea in 1817, to an Armenian family, is arguably the most famous Russian seascape painter. The quality of his paintings made him one of the most respected artists in Russia, earning the Gold Medal at the Saint Petersburg Academy of Arts, and opening his own school at home town of Feodosiya. Aivazovsky painted more than 6,000 works, most notably the famous “The ninth wave”, and a large group of large paintings glorifying the Russian navy. Today Aivazovsky is the most sought-after 19th century Russian painter, and his works are sold for more than $3 million at auctions.
“The ninth wave” is a true masterwork. Aivazovsky reaches in this painting an absolute technical perfection, representing a group of unlucky castaways trying to survive under the merciless charges in form of oceanic waves. Nevertheless, the centre of the composition is the powerful, almost mystical and diffuse representation of the sun, which illuminates the scene with a strange, oneiric range of green and pink shades. This painting is often called “the most beautiful painting in Russia”
1881 – oil on canvas – The Tretyakov Gallery, Moscow, Russia
Son of a Greek shoemaker who emigrated to Mariupol (now Ukraine), Arkhip Kuindzhi (1842-1910) was one of the most important 19th century Russian painters, quite influenced by previous masters as Ivan Aivazovsky. Kuindzhi was a professor in the Saint Petersburg Academy of Arts untill he was fired for support student’s protests.
“Dnepr in the morning” (as “Dnepr in the night”, executed a year before) is considered as one of the first works finished with Kuindshi’s “mature” style, with stunning light and atmospheric effects. This panoramic view is especially remarkable for its simple but very strong composition.
“Dnepr in the morning” (as “Dnepr in the night”, executed a year before) is considered as one of the first works finished with Kuindshi’s “mature” style, with stunning light and atmospheric effects. This panoramic view is especially remarkable for its simple but very strong composition.
Isaac Levitan: “Lake”
1900 – oil on canvas
“Lake” is Levitan’s last painting, an unfinished masterpiece by the Russian painter (born in Kaunas, Lithuania) who mastered the landscape of mood, a very emotional interpretation of the Russian landscape.
While Levitan, as many other Russian landscape painters, was clearly influenced by the Barbizon School, this late work is (un)finished in a somewhat impressionist way.
Alexei K. Savrasov: The rooks have returned
1871 – oil on canvas – Tetryakov Gallery, Russia
Savrasov was one of the most important -arguably the most important- of all the 19th century Russian landscape painters, considered the creator of the “lyrical landscape style”. A trully emblematic work, “the rooks have returned” (or “the rooks have come back”) is Savrasov’s most famous painting, a lovely elegy to the spring announced by the rooks return The canvas shows Savrasov’s love for the rural Russian landscape, very influenced by John Constable. One of Savrasov’s most famous pupils is Isaac Levitan.
Ivan Shishkin: “Morning in a pine forest”
1886 – oil on canvas – Tetryakov Gallery, Russia
Ivan Shishkin (1832-1898) was one of the most important 19th century Russian landscape painters. He was a very famous artist in life, being a professor of painting in the Imperial Academy of Saint Petersburg and in the Higher Art School of Moscow
“Morning in a pine forest” is a marvelous pictorial fantasy that goes beyong the pure realism developed by many other Russian painters of the era. Shishkin has chosen one of his favorite motifs, the dense Russian pine forest, adding the unusual and rather bucolic presence of a family of bears
Fyodor Vasilyev: “Wet Meadow”
1872 – oil on canvas – The Tretyakov Gallery, Moscow, Russia
Died at the age of 23 victim of a tuberculosis, Feodor Vasilyev was a brillian “boy genius” who established himself as one of the most important and respected Russian painters of his era, introducing the lyrical landscape style in Russian painting. “Wet meadow” is a beautiful, lyric masterwork done completely from memory and a few sketches of the Russian plains.
Vasilyev was a fierce competitor to Ivan Shishkin, who was later accused of predujice Vasilyev using his important influences.
The neo-concrete movement was a splinter group of the 1950s Brazilian concrete art movement, calling for a greater sensuality, colour and poetic feeling in concrete art.
With the construction of the country’s new utopian capital, Brasilia and the formation of the São Paulo Biennial, young Brazilian artists were inspired to create art that drew on contemporary theories of cybernetics, gestalt psychology and the optical experiments of international artists like Bridget Riley and Victor Vasarely.
Lygia Clark, Lygia Pape, Am’lcar de Castro, Franz Weissmann, Reynaldo Jardim, Sergio de Camargo, Theon Spanudis and Ferreira Gullar were unhappy with the dogmatic approach of the concrete group, so published the neo-concrete manifesto in 1959. In 1960 Hélio Oiticica joined the group and his groundbreaking series of red and yellow painted hanging wood constructions effectively liberated colour into three-dimensional space.
“There was total freedom. Nothing was dogmatic. Everyone was willing to be creative.” —Lygia Pape
Neo-Concrete Art was established in response to Concrete Art, which emphasized the use of planes and colors to convey objective scientific principles. The Swiss artist Max Bill, a major exponent of Concrete Art, had significant exhibitions in São Paulo, Brazil in the early 1950s, inspiring a younger generation of artists there. In 1959, the Neo-Concrete Manifesto was written by a group of artists in Rio de Janeiro—including Lygia Clark, Hélio Oiticica, and Lygia Pape—who shared a similar interest in abstract forms and the use of color but wanted to insert poetic, and sometimes political, meaning and a greater sense of freedom and flexibility into their work. The merging of art and life was crucial: painting was to be removed from its frame, sculpture taken down from its pedestal, and the work constantly subject to re-invention by its viewers. This led to developments in participatory and immersive art, as exemplified by Oiticica’s penetrable environments and wearable sculptures or Pape’s envisioning of a world without words in Book of Creation. The critic Ronaldo Brito called Neo-Concrete Art a “rupture” in Brazilian art history, one that would inspire later generations of artists in Brazil, including those practicing under the repressive military dictatorship between 1964 and 1985.
Contemporary Brazilian Artists at Home with Neo-Concrete Movement
Elisa Wouk Almino August 20, 2015
“The house was more than a skin … an organism as alive as our own,” Lygia Clark wrote soon after making the interactive installation “A casa é o corpo: penetração, ovulação, germinação, expulsão” (“The House is the Body: penetration, ovulation, germination, expulsion”) in 1968. Encased inside a giant plastic balloon resembling a womb, the viewer entered a dark interior and brushed against soft surfaces before emerging back into the light. The home, the title of Clark’s work reminds us, acts as another vessel for our bodies.
Installation view of Fernanda Gomes’s sculptures (click to enlarge)
At the heart of the Neo-Concretist movement, which Clark helped spearhead in Brazil, was the notion that art should be physically experienced. Empty House, Casa Vazia, Luhring Augustine’s current show in Chelsea, mixes Neo-Concrete works with Brazilian contemporary art of a similar sensibility. As co-curator Donald Johnson Montenegro told Hyperallergic, the show borrows its name from Clark’s ideas, who also conceived of her forms in relation to space, or the void. The theme of “emptiness,” or even the imperceptible, likewise recalls what poet Ferreira Gullar said of Neo-Concrete artworks: they’re not objects, but expressions. Neo-Concretism — both a reaction to the “scientific” character of Concrete art and the military coup in 1964 — was, as Gullar put it, born out of “contradiction”: privileging both “mind and body, reason and sensation.”
I have this image of the gallery after hours, when the sculptures hang in the actual vacant space, and I imagine them switched off, asleep. For, as Gullar, Clark, and their contemporaries believed, these works only awaken once we engage them. Upon entering Empty House, Casa Vazia, we’re confronted with what looks like a window shutter with a messy, white paint job. Next to it, another wooden object, possibly a drawer from a desk, is turned on its side. They are lost parts, severed from their original contexts — a home, perhaps. Nearby, an iron structure by the same contemporary artist, Fernanda Gomes, climbs like a tall comb, with its “teeth” meeting the wall, except some of them are almost imperceptibly too short, leaving a hint of space. Gomes’s sculptures seem to be in a continual state of attaching to and detaching from something else.
Just across the room dangles one of Hélio Oiticica‘s “spatial reliefs,” “Relevo Espacial 6” (1959) — a form that wishes to disassociate itself completely from its surroundings. Two strings keep this pair of bright-orange, imperfect squares, which taper like binders and create dark cavities in their folds, suspended in space. The work predates and foreshadows Oiticica’s parangolés, where his colorful shapes became malleable and wearable. In Gullar’s words, they were “the dance of form in space.”
There is, as Montenegro and co-curator Lucrecia Zappi put it, something musical about the works on view. Though highly geometric, they are flexible and rhythmic — for instance, Lygia Pape‘s black-and-white wall sculptures that fold onto themselves and create smaller squares and triangles that you could imagine unfurling and spreading like an Oiticica. Called “Livro da noite e dia” (“Book of Night and Day”) (1963/76), the wooden sculptures are puzzles of shapes that come together and apart, sliding over and beneath one another. Like a book, the forms open and close, and move between light and darkness.
Piet Mondrian, el «pintor de los cuadraditos» fue un artista holandés que creó su obra en torno a la revista De Stijl, principal órgano de difusión neoplasticista. Para tipos como Mondrian, el arte debía ser representado a través de líneas rectas y colores puros. Cada uno tiene su opinión. En caso de Mondrian, esto se debía a que lo rectilíneo y lo cromáticamente puro era un símbolo de la expresión del orden cósmico. Esto está vinculado a las teorías teosóficas que estaban de moda en la Europa de la belle epoquey que a la larga no es más que un intento de abstracción diferente al de Kandinsky. Mucho más ordenado, más matemático… y más frío.
Se formó como maestro de dibujo de educación obligatoria y a finales de siglo en Amsterdam se empezó a relacionar con los innovadores grupos artísticos del momento. Ahí pinta sus primeras obras, a años luz de lo que vendría después: paisajes serenos, grises, tierras, tonos oscuros…
Pero en 1912 se traslada a París, donde conoció a gente como Leger o Braque que le descubren el nuevo y loco arte del siglo XX. Al principio se hizo cubista como ellos, pero poco a poco se fue interesando más por la abstracción.
La Gran Guerra llegó y el artista regresó a los Países Bajos, donde conoció a los que serían sus compañeros de movimiento, Bart van der Lecky Theo van Doesburg. Con ellos y otros más (arquitectos, diseñadores…) funda la revista De Stijl. Con ella este grupo de artistas querían representar las verdades absolutas del universo. A partir de ese mismo momento, Mondrian se expresaría sólo a través de planos de colores primarios y líneas rectas. Al final Van Doesburg acabaría usando diagonales, aburrido de tanta línea monótona, y un ofendido Mondrian se separaría definitivamente del grupo por semejante sacrilegio.
Tras esto viajaría, exportando su visión artística: Londres, Nueva York… Ahí perdería la rigidez anterior y ganaría ritmo. Quizás fue el jazz,quizás lo cosmopolita de la Gran Manzana… Quien sabe.
«concrete art is when taken to its logical conclusion the pure expression of harmonious measure and rule. It orders systems and with artistic means breathes life into these orders.» The standard that Max Bill (1908 – 1994) set out in his Manifesto for Concrete Art in 1949 is clearly absolute: Harmony and order become the guidelines for an artistic stance preempted decades earlier by pioneers such as Theo van Doesberg and Piet Mondrian. Max Bill raised them to the status of a programmatic agenda. Painting (and sculpture, too) was not supposed to arise for its own sake, but was to be produced in the service of a modern utopia, whereby following in the footsteps of Bauhaus the arts were meant to combine with architecture and the applied arts to form a modern gesamtkunstwerk. In line with this ideal, Max Bill took the stage not only in the field of fine art, but likewise as an architect, designer and university lecturer.
Born in 1908 in Winterthur, Bill first completed an apprenticeship as a silversmith and then studied at the Bauhaus from 1927-8 before returning to Switzerland in 1929, where he initially worked as an architect, and then later as a sculptor, graphic artist and painter. From the 1930s onwards this native of Winterthur emerged as one of the main champions and representatives of Zurich Concrete Art. As the founding director of the Ulm College of Design, he successfully ensured the renaissance of Bauhaus ideas in post-War Germany.
Kunst Museum Winterthur owns a major group of Max Bill works, and they are ideally complemented by paintings and drawings by his contemporaries Camille Graeser, Verena Loewensberg and Richard Paul Lohse. They show that Concrete Art is far more than a set of rules and order, forever breaking its own dogmas asunder with surprising images and colors that strongly appeal to the senses. The exhibition is rounded out with pieces by artists who in subsequent generations took up the traditions of Constructivist Art and reflected on it.
Con el paso de los años, vender arte en Estados Unidos se ha vuelto cada vez más importante. Incluso las galerías, Miami es lugar donde los artista venden más. De hecho, algunas galerías en otros estados reciente reportan que más de la mitad de sus ventas ocurren en a distancia, a la mayoría de sus coleccionistas, hoteles, galerías y nuevos condominios ubicados en el Sur de la Florida.
Desde obras con precios exorbitantes hasta las piezas de nicho, muchos amantes del arte han empezado a comprar arte por internet. Esta industria ha tardado más que otras en unirse al mundo de las ventas en línea, pero mucho ha cambiado en los últimos cinco años. Algunos artistas incluso han dejado de lado a las galerías de su ciudad, enviado sus obras de arte a galerías y art dealers en Miami.
Con una gran cantidad de opciones disponibles para cada tipo de arte, tomar una decisión puede ser algo abrumador. Hemos decidido ayudarte a delimitar tus opciones y explicarte todo lo que tienes que saber para vender arte en la Capital de Latino America. De esta forma puedes concentrarte en producir más y mostrar tu arte en la ciudad del arte.
¿Quieres vender arte en Miami pero no sabes por dónde empezar? No te preocupes, nosotros te ayudamos.
ARMANDO REVERÓN ES EL ARTISTA PLÁSTICO VENEZOLANO MÁS ESTUDIADO
A los creadores en el Día Nacional del Artista Plástico el 10 de mayo. El pintor venezolano de quien quizás más se haya escrito e investigado su obra es Armando Reverón: artistas, escritores, críticos y periodistas han abundado para tratar de condensar la trascendencia de su magnífica e impresionante pintura, en particular Alfredo Boulton, su principal biógrafo quien descubrió una temporalidad asociada al uso predominante de ciertos colores, ubicados en tres diferentes períodos, azul, blanco y sepia. Para Boulton toda la obra de Reverón fue guiada por un sentimiento sumamente fino y sutil que da al espectador la visión brutal de un mundo mágico y terrible. “El color blanco significó para él como el resumen de todas las fórmulas, de todas las fuerzas, de todos los factores y de toda la concreta realidad del mundo. Todo quedó sometido a la fuerza de su potencialidad, por medio de la eliminación, a través de un proceso de análisis muy hondo en que cualquier otro matiz fue rechazado y sólo el blanco con su extraordinario vigor, permaneció intacto y predominó. Según Boulton, también tiene grande importancia su periodo azul, en el cual obtuvo inauditas profundidades poéticas. Durante la etapa sepia, igualmente inventó magníficos conceptos tonales de mágicos acentos de misterio. “En las tres fases que caracterizan su obra, en cada una de ellas creó una forma de muy alto valor artístico”.
ARMANDO REVERÓN
El poeta y crítico Juan Liscano apunta que Reverón pensó y vivió en su interior la pintura para resolverse finalmente en la acción pura de pintar. Según Manuel Quintana Castillo, la pintura fue para Reverón un acto de rebeldía. Mariano Picón Salas reconoce en su pintura retratos casi mágicos como los de la Ravenna del siglo IV. Alejo Carpentier acepta en Reverón la obra de un gran pintor, creador de un mito, constructor de un mundo plástico que le pertenecía por entero. Para Guillermo Meneses, después que Reverón vivió y trabajó, después que se echó a ser bailarín, payaso, actor, mono, sombra apenas, después que se metió en el oficio de pintor, la pintura misma es otra cosa y su pintura el milagro, el misterio, el prodigio de un hombre.
ARMANDO REVERÓN
Su particular obra pictórica, muñecas de trapo, objetos y El Castillete, han sido siempre motivo de exhaustivos estudios para muchos críticos y amantes del arte. Armando Reverón nació en Caracas el 10 de mayo de 1889 y en su honor el 10 de mayo fue decretado Día Nacional del Artista Plástico. Fue víctima de diferentes enfermedades que le afectaron a lo largo de su vida, entre ellas la fiebre tifoidea a los doce años y la esquizofrenia de sus últimos años, trastornos que le hicieron ganar el mote de “el loco de Macuto”. Tras una estancia de algunos años en Valencia, Venezuela, fue aceptado en la Academia de Bellas Artes de Caracas en 1907, donde tuvo por compañeros a los artistas Manuel Cabré y Rafael Monasterios, entre otros. En 1911 recibió una beca para estudiar en España, donde ingresó a la Escuela de Artes y Oficios de Barcelona y después a la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando en Madrid. Luego se trasladó a París, coincidiendo con el inicio de la Primera Guerra Mundial. En París, conoce la obra impresionista y se deja conmover profundamente por ella, dándole la espalda a los movimientos de vanguardia que comenzaban a emerger. Sintiendo amenazada su seguridad en pleno contexto bélico, pidió auxilio a su familia para retornar a Venezuela y se establece en Caracas. En 1918 conoció a Juanita Ríos, quien se convertirá en su sempiterna compañera, su esposa y su modelo. En 1921, con 32 años se mudó a Macuto y construirá su casa taller El Castillete, donde la complejidad de su trabajo se extiende a ese mundo mágico que crea, aún a la espera de su restauración al ser arrasado durante el deslave de Vargas en diciembre de 1999. La vida de Armando Reverón estuvo cargada de inestabilidad emocional desde su infancia y se manifestó en crisis psiquiátricas que afortunadamente no afectaron su capacidad creadora. Tras un año hospitalizado en la clínica de Báez Finol, murió en Caracas el 18 de septiembre de 1954, de 65 años.
Juan Jose Peralta
Armando Reverón was a Venezuelan painter and sculptor, precursor of Arte Povera and considered one of the most important of the 20th century in Latin America. While his mental health deteriorated throughout his life, his artistic abilities remained.
Born: May 10, 1889, Caracas, Venezuela
Died: September 18, 1954, Caracas, Venezuela
Spouse: Juanita Mota (m. 1946–1954)
Known for: Painting, Drawing, Sculpture
Books: Armando Reverón
Parents: Dolores Travieso Montilla, Julio Reverón Garmendia
¿Qué es la abstracción geométrica?
¿Qué es la abstracción geométrica?
Parte 1.- Origen y desarrollo del Arte Abstracto.-
En una web de Pintura y Dibujo como esta no puede faltar un apartado dedicado a la Historia de la Pintura por ello he decidido que publicaré de vez en cuando siquiera sea muy resumidamente algunas referencias a los pintores y movimientos pictóricos más importantes.
Por eso a modo de rápido apunte y de pequeño homenaje he querido traer aquí a los nueve pintores que en mi modesta opinión más influyeron en el origen y desarrollo de la Pintura Abstracta y consecuentemente en el Arte Moderno, Arte Contemporáneo y arte actual, junto con sus obras más representativas del movimiento artístico en el que militaron.
Ya antes del Impresionismo, el gran genio de las letras francesas que fue Gustave Flaubert, había presentido proféticamente un arte absolutamente distinto de su tiempo, el del realismo que el mismo defendía. Lo había descrito en su correspondencia: “La belleza se convertirá quizás en un sentimiento inútil para la humanidad y el arte será algo que se situará a mitad de camino entre el álgebra y la música”.
Gustave Flaubert (1821-1880) Autor de Madame Bovary
Retratado por Pierre François Eugène Giraud
Esta es la definición premonitoria de la abstracción geométrica, escrita en 1852, casi en el mismo momento en que Courbet había formulado su rigurosa definición de una pintura realista: “La pintura es un arte esencialmente concreto y no puede consistir más que en la representación de las cosas reales y existentes; un objeto abstracto, no visible ni existente, no pertenece al campo de la pintura”.
Gustave Courbet (1819-1877)
Autorretrato
El tiempo ha demostrado hasta que punto estaba equivocado el bueno de Courbet.
Flaubert, talento de igual realismo que Courbet, había previsto, sin embargo, un porvenir artístico situado más allá de los límites de la percepción visual. ¡¡Y eso hace 160 años!!
CUADRO SINÓPTICO
IMPRESIONISMO
Claude Monet. 1840-1926
Autorretrato
“Impression, soleil levant” 1872.- 48 x 63
POSTIMPRESIONISMO
Vincent Van Gogh. 1853-1890
Autorretrato
“Noche estrellada” 1889.- 73,7 x 92,1
Paul Cezanne. 1839-1906
Autorretrato.
“Monte Sainte Victoire” 1904.- 69,8 x 89,5
FOVISMO
Henri Matisse. 1869-1954
Autorretrato
“Madame Matisse” Retrato con una franja verde. 1905.- 32,4 x 40,6
EXPRESIONISMO
Ernst Kirchner.1880-1938
Autorretrato
“Aiuole di fiori nel parco di Dresde” 1905.- 77,4 x 94,5
CUBISMO
Pablo Ruiz Picasso. 1881-1973
Autorretrato
“Las señoritas de Avignon” 1907.- 237,7 x 243,9
FUTURISMO
Carlo Carrá. 1881-1966
Autorretrato. 1951
Ritmi di Oggetti 1911 53 x 67
ABSTRACCION LIRICA
Vasili Kandinsky. 1866-1944
Autorretrato
“Primera Acuarela Abstracta” 1910.- 50 x 65
ABSTRACCION GEOMETRICA
Pieter Mondrian. 1872-1944
Autorretrato
“Quadro nº 2” 1921.- 65 x 75
PARTE 2.- CUBISMO Y FUTURISMO
EL CUBISMO
Aunque escasamente precedido del Fovismo (que altera el color en relación a la realidad), el Cubismo (que altera las formas reales de lo representado) fue el más influyente movimiento del arte del siglo XX. Después del Cubismo ya nada fue igual.
El Cubismo fue el primero de los grandes movimientos del arte del siglo XX. Basado fundamentalmente en la estructuración espacial, formas geometrizadas con alternancia de planos triangulares y curvos, superficies cóncavas y convexas pero colores generalmente grises, negros, marrones y ocres.
El Cubismo fue un movimiento artístico desarrollado entre 1907 y 1914, nacido en Francia y encabezado por Pablo Picasso, Georges Braque y Juan Gris. Es una tendencia esencial pues da pie al resto de las vanguardias europeas del siglo XX. No se trata de un ismo más, sino de la ruptura definitiva con la pintura tradicional.
Arriba de izquierda a derecha: Pablo Picasso y George Braque
Debajo de Izquierda a derecha: Juan Gris y Louis Marcoussis
El término cubismo fue acuñado por el crítico francés Louis Vauxcelles el mismo que había bautizado a los fauvistas motejándolos de fauves (fieras). En el caso de Braque y sus pinturas de L’Estaque Vauxcelles dijo, despreciativamente, que era una pintura compuesta por «pequeños cubos». Se originó así el concepto de «cubismo».
Louis Vauxcelles (1870-1943).- Crítico de arte
Dio nombre despectivamente al Cubismo y al Fovismo. De fuerte espíritu conservador nunca comprendió la causa del Vanguardismo al que desacreditaba en sus artículos.
El primer cuadro cubista lo pintó Picasso en 1907: “Las señoritas de Avignon” origen de toda la pintura cubista, inmediatamente seguido por Georges Braque y Juan Gris, y más tarde por Metzinger, Gleizes y Leger. La fecha de 1907, puede tomarse como referencia para hablar de Cubismo. Este es el año del encuentro entre Braque y Picasso. Los críticos contemporáneos fueron unánimes a la hora de proclamar a Picasso como líder del movimiento. Es curioso el hecho de que las primeras obras cubistas fueron pintadas por Braque. Ambos, Picasso y Braque, rompieron con todas las tradiciones del arte occidental ofreciendo a los artistas la libertad de pintar sin normas. Puede afirmarse que Picasso es al Cubismo lo que Matisse al Fovismo.
“Las señoritas de Avignon” en 1907 se considera la piedra angular del arte del siglo XX. Una obra maestra marcaba un nuevo punto de partida. A partir de aquí Picasso elimina todo lo sublime de la tradición. El Cubismo sólo es comprensible si rompemos con lo anterior.
Se exalta el plano, se rescatan escenas de interiores. Pintura figurativa que “destroza” las formas. Se crea al gusto del pintor, rompe con los tabúes del arte occidental, no se pinta con normas. Se rompe con la perspectiva renacentista
Dentro del cubismo podemos distinguir: el Cubismo Analítico, el Cubismo Sintético, el Cubismo Órfico y el Grupo de Puteaux.
CUBISMO ANALÍTICO El Cubismo Analítico transcurrió entre 1909 y 1912. Los lienzos de esta época se caracterizaron por el análisis de la realidad y la descomposición en planos de los distintos volúmenes de un objeto para que la mente captase su totalidad.
Predominaban los ángulos y las líneas rectas y la iluminación no era real, ya que la luz procedía de distintos puntos. Las gamas de colores se simplificaron notablemente, en una radical tendencia al monocromatismo: castaños, grises, cremas, verdes y azules
CUBISMO SINTÉTICO
El Cubismo Sintético, de 1912 a 1914, trajo consigo la reconsideración de algunos de los modos expresivos de la anterior. El color volvió ahora a tener mayor protagonismo. Las superficies, aunque seguían apareciendo siempre fragmentadas, eran más amplias y decorativas. La novedad más singular fue, sin duda, el uso de materiales no pictóricos.
Esta técnica, conocida como collage, incorporó al lienzo elementos cotidianos como cajetillas de cigarrillos, páginas de periódicos, trozos de vidrio, telas y, en no pocas ocasiones, incluso arena.
Con la utilización de estos inusitados materiales en el lienzo, el cubismo, a la vez que aprovechó las diferencias de textura y de naturaleza de sus componentes, planteó, desde un ángulo original, la cuestión, siempre inquietante, de qué era realidad y qué ilusión
CUBISMO ÓRFICO
Una rama del cubismo fue el Orfismo, también llamado Cubismo cromático o Cubismo Abstracto o Cubismo Órfico o Simultaneísmo.
Cubismo Órfico fue nombre dado en 1913 por el poeta Guillaume Apollinaire a la tendencia colorista y abstracta del cubismo parisino cuyos máximos representantes son Robert y Sonia Delaunay, Auguste Macke, Francis Picabia y Frantisek Kupka quienes acabaron renunciando a la representación figurativa. Centrándose en el color se aproximaron a la abstracción geométrica.
De izquierda a derecha: Robert Delaunay, Sonia Delaunay y Frantisek Kupka
De izquierda a derecha: August Macke y Francis Picabia
Guillaume Apollinaire (1880-1918).- Poeta, novelista y ensayista.
Dio nombre al Orfismo. Es autor del ensayo crítico “Les peintres cubistes” (Los pintores cubistas), donde hace una defensa encendida del nuevo movimiento como superación del realismo.
GRUPO DE PUTEAUX
Además de Picasso y Braque, a los que se considera fundadores del cubismo, y Juan Gris y Marcoussis, sus más directos seguidores, el Cubismo fue seguido por una multitud de artistas entre 1911 y 1914.
En 1912, en las cercanías de París se reúnen algunos de los recién llegados a los que se llamará el Grupo de Puteaux o la Section d’Or asociado al Cubismo Órfico (Principalmente Albert Gleizes, Marcel Duchamp, Jean Metzinger, Fernand Léger y André Lothe.)
De izquierda a derecha: Albert Gleizes , Jean Metzinger y André Lothe
De izquierda a derecha: Marcel Duchamp y Fernand Leger
FUTURISMO
El Futurismo es un movimiento literario y artístico que surge en Italia en el primer decenio del S. XX (1909-1916) mientras el Cubismo apareció en Francia. Gira en torno a la figura de Marinetti, que no era pintor sino poeta, quien publica en el periódico parisiense Le Figaro el 20 de Febrero de 1909 el Manifiesto Futurista
En 1910 ya se puede hablar de un grupo liderado por Marinetti, formado por pintores como Russolo, Carrá, Boccioni, Balla o Severini. El Futurismo fue llamado así por su intención de romper absolutamente con el arte del pasado, especialmente en Italia, donde la tradición artística lo impregnaba todo.
Arriba de izquierda a derecha: Carlo Carrá, Umberto Boccioni y Giacomo Balla
Abajo de izquierda a derecha: Gino Severini, Luigi Russolo y Filipo Marinetti
La estética futurista difunde también una ética de raíz machista y provocadora, amante del deporte y de la guerra, de la violencia y del peligro. El futurismo fue politizándose cada vez más hasta coincidir con las tesis del fascismo, en cuyo partido ingresó Marinetti en 1919.
El futurismo procede directamente del cubismo, incluso los primeros cuadros, son de pleno derecho, cubistas, pero evolucionan rápidamente hacia una estética diferenciada, debido a su obsesión por representar la velocidad.
Fue uno de los primeros “ismos” o vanguardias artísticas, y su valor como movimiento de ruptura allanó el camino a otras corrientes que refrescaron el panorama artístico en los albores del siglo XX
Aunque el futurismo tuvo una corta existencia, aproximadamente hasta 1944 -acabado con la muerte de Marinetti- su influencia se aprecia en las obras de autores como Marcel Duchamp, Fernand Leger y Robert Delaunay en París, así como en el definitivo Constructivismo ruso.
CUADRO SINÓPTICO
CUBISMO ANALÍTICO
Pablo Picasso (1881-1973).- Muchacha con mandolina.- 1910
Juan Gris (1887-1927).- Retrato de Picasso.- 1912
George Braque (1882-1963).- Piano y Mandolina.-1910
Louis Marcoussis (1883-1941).- La Table.- 1930
CUBISMO SINTÉTICO
Pablo Picasso (1881-1973).- Naturaleza muerta con silla de rejilla.-1912
George Braque (1882-1963).- Frutero y Jarrón.-1912
Juan Gris (1887-1927).- Botella de anís del mono.-1914
CUBISMO ÓRFICO
Robert Delaunay (1885-1941).- La Torre Eiffel.- 1911
Frantisek Kupka (1871-1957).- La Catedral.- 1913
Francis Picabia (1879-1953).- Estrella danzante y su escuela de danza.- 1913
Luigi Russolo (1885-1947).- Dinamismo en un automóvil.- 1911
Umberto Boccioni (1885-1947).- The Street Enters the House.- 1911
Gino Severini (1883-1966).- Bailarina.- 1913
Parte 3.- Fovismo y Expresionismo
FOVISMO
Continuando con el desarrollo de los orígenes de la Pintura Abstracta, me gustaría aportar un breve apunte sobre los dos movimientos de los que surge la Abstracción Lírica.
El primer movimiento artístico importante de principios del siglo XX, es decir de las Vanguardias históricas que surgen antes de la II Guerra Mundial, fue el Fovismo, de escasa duración, caracterizado por el color brillante y puro.
Henri Matisse en 1905 crea el retrato “Madame Matisse con una franja verde” con un dibujo convencional pero con una calculada utilización del color nada convencional, más bien “feroz”, de fiera, “fauve” tal como lo definió el crítico Louis Vauxcelles al ver el envío hecho al Salón de Otoño de 1905. A este movimiento se unen Andre Derain, De Vlaminck, Kees Van Dongen, Albert Marquet, y Raoul Dufy. Fue un movimiento de efímera duración que sirvió de inspiración a los expresionistas.
Arriba de izquierda a derecha: Henri Matisse, André Derain y Maurice de Vlaminck
Abajo de izquierda a derecha: Kees Van Dongen, Albert Marquet y Raoul Dufy.
EXPRESIONISMO
De la utilización libre y exaltada del color surgió el Expresionismo, casi al mismo tiempo que el Cubismo y el Fovismo, hacia 1905, siendo una revolución artística básicamente alemana, que se desarrolló durante décadas en Centroeuropa y que ha ejercido una innegable influencia en alguno de los movimientos artísticos más destacados del siglo XX.
El nombre de Expresionismo lo usó el marchante Paul Cassirer para definir el arte de Pechstein pero lo popularizó el pintor y profesor de algunos expresionistas Lovis Corinth, uno de los representantes del movimiento artístico “Secesión de Berlín”, al referirse a un grupo de jóvenes pintores invitados a la “XXII Exposición de la Secesión” en 1911.
A la izquierda: Paul Cassirer (1871-1926) Marchante que promocionó la obra de los impresionistas.
A la derecha: Lovis Corinth (1858-1925) Pintor
Los dos principales grupos del Expresionismo son:
“Die Brücke” (“El Puente”)
En Dresde en 1905, cuatro jóvenes estudiantes de arquitectura (Kirchner, Erich Heckel, Karl Schmidt-Rottluff y Fritz Bleyl) fundaron un grupo, “Die Brücke”, que quería ser el puente que uniera el nuevo arte con la sociedad. Debido a la influencia que ejercía Van Gogh en la pintura de aquella época Emil Nolde quiso que el grupo se llamara “Van Goghiana”, pero triunfó la propuesta de Schmidt-Rottluff. Posteriormente se unieron Otto Müller y Max Pechstein, entre otros.
Arriba de izquierda a derecha: Ernst Ludwig Kirchner y Erich Heckel
Abajo de izquierda a derecha: Karl Schmidt-Rottluff y Fritz Bleyl
De izquierda a derecha: Emil Nolde, Otto Mueller y Max Pechstein
“Der Blaue Reiter” (”El Jinete Azul”)
En 1911 Vassily Kandinsky funda en Munich, junto a Franz Marc el segundo de los grandes grupos expresionistas al que después llamaron “Der Blaue Reiter” al que se sumarían Jawlensky, Marianne Von Werefkin, Gabrielle Münter y ocasionalmente Macke aunque a este se le considera el máximo representante del llamado Expresionismo Renano.
El Jinete Azul fue el título de una publicación que apareció en la Editorial Reinhard Piper en 1912 aunque originariamente debía ser un almanaque. En principio Kandisnky propuso que el grupo se llamase La Cadena. Finalmente decidieron el nombre de Der Blaue Reiter porque a Franz Marc le gustaban los caballos, que solía pintar en azul, y a Kandinsky los jinetes. El comienzo de la I Guerra Mundial disuelve “El Jinete Azul”.
Arriba de izquierda a derecha: Vasili Kandinsky, Franz Marc y Alexei Jawlensky
Abajo de izquierda a derecha: Marianne Von Werefkin, August Macke y Gabriele Münter
Kandinsky crea en 1910 su “Primera Acuarela Abstracta” considerada la primera obra abstracta de la Pintura, en 1912 escribe su libro “De lo espiritual en el Arte” y queda reconocido como el padre de la Abstracción.
“INDEPENDIENTES”
A los anteriores artistas habría que añadir otros expresionistas “independientes”:
Max Beckmann.- Fue miembro de la asociación “Secesión de Berlín” y de la “Nueva Secesión”. Estaba más cerca de la generación anterior (Corinth, Slevogt y Liebermann) que de los vanguardistas (Kirchner, Kandinsky y Marc)
Paul Klee.- Expone en la “Secesión de Berlín”. Formó parte de “Der Blaue Reiter”. Fue profesor en la Bauhaus de Weimar.
Oskar Kokoschka.- Fue uno de los representantes del Expresionismo en Viena. Participó en la creación de la revista “Der Sturm” (La Tormenta) Se “especializó” en retratos expresionistas de gran profundidad psicológica.
Edvard Munch.- Expone en la “Secesión de Viena” y forma parte de la “Secesión de Berlín”. Fue miembro de la Academia de Bellas Artes de Alemania.
Egon Schiele.- Fue la segunda personalidad sobresaliente del Expresionismo en Viena. Autor de desnudos fue condenado a tres días de cárcel por sus obras “pornográficas”. Su medio expresivo propio sería el dibujo sobre papel.
A los que habría que añadir Otto Dix, George Grosz, Conrad Felixmüller, Ludwig Meidner, Lyonel Feininger, Christian Rohls, Paula Modershon-Becker, Heinrich Campendonk.
De izquierda a derecha: Max Beckman, Paul Klee y Oskar Kokoschka
De izquierda a derecha: Edvard Munch y Egon Schiele
CUADRO SINÓPTICO
FOVISMO
Enri Matisse (1869-1954).- Chica leyendo.- 1906
Andre Derain (1880-1954).- Barcos en Colliure.- 1905
Maurice de Vlaminck (1876-1958).- El Circo.-1906
Kees Van Dongen (1887-1968).- Fernande Olivier.- 1905
Albert Marquet (1875-1947).- El 14 de Julio en El Havre.- 1906
Raoul Dufy (1877-1953).- Barcas en Martigues.- 1908
“DIE BRÜCKE”
Ernst Ludwig Kirchner (1880-1938).- Retrato de mujer.- 1911
Erich Heckel 81883-1970).- El estanque.-1910
Karl Schmidt-Rottluff (1884-1976).- Gaertnerei.-1906
Fritz Bleyl (1880-1966).- Poster para promover el show “Die Brücke”.-1906
Emil Nolde (1867-1956).- Las Máscaras.- 1911
Otto Mueller (1874-1930).-Pareja de enamorados.- 1909
Mex Pechstein (1881-1955) Paisaje Fluvial.- 1920
“DER BLAUE REITER”
Vasili Kandinsky (1886-1944).- La Calleja Grün en Murnau.-
Franz Marc (1880-19169).- Los pequeños caballos azules.-
Alexei von Jawlensky (1867-1941).- Costa Mediterránea.-
Marianne von Werefkin (1860-1938).- Autorretrato.-1910
August Macke (1887-1914).- Muchachas bajo los árboles.-1914
Gabriele Münter (1877-1962).- Autorretrato.- 1909
“INDEPENDIENTES”
Max Beckman (1884-1950).-Autorretrato como enfermero.- 1915
Oskar Kokoschka (1886-1940) Niña con muñecas.- 1921
Edvard Munch (1863-1944).- Mujeres sobre el puente.- 1902
Paul Klee (1879-1940).- Juego de cartas en el jardín.- 1913
Egon Schiele (1890-1918).- Casas en arco.-1915
Parte 4.- Abstracción Geométrica
Como ya vimos anteriormente el Futurismo, Cubismo, Fovismo y Expresionismo abrieron el camino llegando a las orillas de la Abstracción, es decir se produce un paso desde el arte mimético hasta el arte no-objetivo o como se conoce popularmente del arte figurativo al arte abstracto.
Este movimiento artístico niega que el arte se justifique por la imitación de la naturaleza sino por el significado de las cosas al margen de las apariencias visuales, una obra no tiene por qué representar una cosa concreta, dejando así de ser un medio de conocimiento, referido a un modelo natural, para convertirse en un medio esencial de comunicación, es decir en una fuente de sentimientos y emociones, marcando de este modo una ruptura con el arte anterior y ello casi coincidiendo con el final de la I Guerra Mundial.
El arte abstracto prescinde de la representación de un tema o un asunto figurativo y lo sustituye por un lenguaje visual autónomo, con significado propio. Se entiende por pintura abstracta aquella que prescinde por completo del objeto y de la figura y el cuadro se compone mediante la combinación de líneas y colores. Para decirlo a mi manera la pintura deja de ser un arte narrativo-descriptivo para convertirse en un potente lenguaje poético-emocional.
La corriente principal de la abstracción se basó en la geometría ya que la otra posibilidad, la orgánica o lírica, se practicó a título individual en los años veinte y treinta.
De este nuevo concepto surgen los dos polos fundamentales del arte abstracto: el orgánico o lírico, de Kandinsky (en Alemania) y el geométrico, de Malevich (en Rusia) y de Mondrian (en Holanda). El primero se basa en la libre sensibilidad y la pasión. El segundo en la reflexión intelectual expresado en formas geometrizantes.
A su vez en ambas tendencias hay dos períodos diferenciados el primero a partir de la I Guerra Mundial, llamado de la Primera Vanguardia Histórica, que se aplica ya al Cubismo y Futurismo aunque algunos autores la inician en el Impresionismo con Eduard Manet, y el segundo período a partir de la II Guerra Mundial, llamado de la Segunda Vanguardia Histórica (1945-1970)
En esta cuarta parte de los apuntes sobre los orígenes de la Abstracción sólo me referiré al primer período de la Abstracción Geométrica. Próximamente hablaré sobre la Abstracción Lírica.
Pioneros de la abstracción
La Abstracción Geométrica nació en la segunda década del siglo XX como reacción al Impresionismo. Fueron los postimpresionistas Cezanne y Seurat quienes preconizaron la armonía como objetivo y esencia de la pintura por encima de la percepción y registro de los fenómenos visuales dando prioridad al orden conceptual que exige una armonía paralela a la naturaleza y no una imagen de ella.
De izquierda a derecha: Paul Cezánne (1839-1906) y George- Pierre Seurat (1859-1891)
Es muy difícil establecer cuándo nació la primera obra típica de la noción de abstracción geométrica pero fue creada en el ámbito de la “Section d’Or”, un grupo de cubistas formado entre otros por Frantisek Kupka y Robert Delaunay
De izquierda a derecha, Frantisek Kupka y Robert Delaunay.
La obra de Kupka y de Delaunay, se convirtió en el punto de partida de un arte que, sobrepasando la figuración, permanecía fiel a los principios de la armonía.
Kupka fue el primero en 1909, un año antes de la “Primera acuarela Abstracta” de Kandinsky, en crear un cuadro alejado de cualquier referencia a la realidad y vagamente geométrico y abstracto, “El primer paso” (83,2 x 129,6)
Robert Delaunay, en 1912 abandonó el cubismo y pintó su cuadro “Primer disco simultáneo”, compuesto por círculos en forma rigurosamente geométrica.
Vanguardia rusa abstracta
RAYONISMO (1911-1914)
El Rayonismo es el último estadio del Futurismo sin embargo difícilmente se observa en él figura alguna. Pretende representar las radiaciones que se desprenden de los cuerpos, es la época en que se descubren los rayos X y la radioactividad.
El primer movimiento de la vanguardia rusa, el Rayonismo (del francés rayonner, irradiar) se anuncia en 1913, cuando aparece el Manifiesto Rayonista “como una síntesis de Cubismo, Futurismo y Orfismo”, creado por Lariónov y Gontcharova, pudiendo considerarse como la primera escuela rusa original de pintura no-objetiva preludio de la abstracción geométrica propiamente dicha.
Mijail Fyodorovich Lariónov está presente en la Exposición Internacional de Viena en 1907 y en la Der Blue Reiter (Múnich, 1912). En 1913 publica “Luczim” texto base del movimiento rayonista.
Natalia Sergéyevna Gontcharova, junto con Larionov desarrolló el Rayonismo y fueron los padres de la Vanguardia rusa. También participó en la exposición de Der Blaue Reiter de 1912, grupo del que fue miembro.
SUPREMATISMO (1913-1919)
El Suprematismo es una forma de abstracción que se caracteriza por las figuras simples, geométricas y los colores planos. Es un movimiento artístico enfocado en formas geométricas fundamentales –el círculo y el cuadrado-, que se basaba en la representación del universo sin objetos. Este movimiento ejerció una fuerte influencia en Occidente, en la evolución del arte y el diseño.
De izquierda a derecha: Kasimir Malevich, Olga Rozánova y El Lissitski
Kazimir Severinovich Malévich, formado en el Fovismo y el Cubismo Analítico, describía sus obras como “la supremacía de la pura sensibilidad del arte”, por ello a la abstracción geométrica que desarrolló desde 1913 la llamó Suprematismo y en 1915 publicó el manifiesto “Del Cubismo y el Futurismo al Suprematismo. El nuevo realismo pictórico” Su primera obra suprematista fue “Cuadrado negro sobre fondo blanco” de 1913. Finalmente abandonó el Suprematismo y colaboró en el desarrollo del Constructivismo. Junto con Mondrian está considerado como el padre de la Abstracción Geométrica.
Olga Vladímirovna Rózanova, se unió en 1916 a Supremus, un grupo de artistas vanguardistas dirigidos por Kazimir Malévich. Durante estos años sus pinturas, influidas entonces por el cubismo y el futurismo italiano, tomaron un punto de partida completamente original hacia la abstracción pura en la cual la composición está organizada por el peso visual y la relación con el color.
Eliazar Márkovich Lissitski, fue un artista ruso, diseñador, fotógrafo, maestro, tipógrafo, y arquitecto. Contribuyó junto con Malévich al desarrollo del Suprematismo creando el grupo artístico suprematista UNOVIS, donde desarrolló una serie suprematista variante propia, los Prouns, de corta duración, pero de gran influencia. Se le considera pionero del Constructivismo e influyó en la Bauhaus y en “De Stijl”
CONSTRUCTIVISMO (1917-1933)
Esta tendencia artística de la abstracción geométrica toma su nombre del escritor y crítico Nikolay Punin que lo utilizó por primera vez en 1913 al referirse a la obra de Vladimir Tatlin. Al igual que el Futurismo el constructivismo manifestaba su rechazo al arte burgués y descubría el proyecto de un nuevo lenguaje en las “propuestas” de la tecnología y la mecánica industriales. Surgió en el marco de los pintores de izquierdas y de los ideólogos de la acción de masas. Los constructivistas rusos querían nuevas opciones artísticas y culturales adecuadas a la nueva sociedad socialista.
En 1920 cuando el Manifiesto Realista (de Antoine Pevsner y de su hermano el escultor Naum Gabo) afirmó la existencia de un núcleo espiritual para el movimiento constructivista que se oponía a la versión del constructivismo adaptable y utilitario que sostenían Tatlin y Rodtschenko la vanguardia constructivista se escindió en dos corrientes:
Constructivismo Formalista.-
Fue una tendencia minoritaria practicada por Malevich, El (Eliazar) Lissitski, Antón Pevsner y su hermano Naum Gabo, que se dedicó a la investigación formal sin preocupaciones sociales.
Arriba de izquierda a derecha: Kazimir Malevich y El Lissitski
Abajo de izquierda a derecha: Antón Pevsner y Naum Gabo
Constructivismo Productivista.-
La mayoría de los artistas optó por la supresión del arte burgués individualista y se inclinó por un arte de producción, inspirado en la mecánica industrial y en la tecnología, con fines propagandísticos y de educación moral de las masas. El grupo principal lo componían Tatlin, Rodchenko, Vesnin, Popova, Ekster y Stepánova.
Arriba de izquierda a derecha: Vladimir Tatlin, Aleksandr Rodtschenko y Alexander Vesnin
Abajo de izquierda a derecha: Várvara Stepánova, Aleksandra Ekster y Liubov Popova.
Vanguardia holandesa abstracta
NEOPLASTICISMO (“DE STIJL”, 1917-1931)
Mientras los artistas rusos se ven implicados en la Revolución, en Holanda que permanece neutral ante el conflicto mundial, Théo van Doesburg funda, en Leyden, en el 1917 la revista De Stijl (El Estilo) al que se unieron Piet Mondrian, Bart van der Leck y Vilmos Huszár. Creándose en torno a ella el Neoplasticismo, que es el nombre que le dieron a la abstracción geométrica, practicado por estos fundadores a los que se añadieron otros como, Vantongerloo, Oud y Wils, todos ellos pintores, escultores y arquitectos. En 1918 se publicó el Manifiesto de De Stijl y al año siguiente la revista se difundió por toda Europa.
En el arte del Neoplasticismo dominan dos principios: la abstracción completa, es decir la exclusión a cualquier referencia figurativa, y segundo principio, la limitación a la línea recta y al ángulo recto (horizontal y vertical) evitando las líneas curvas y diagonales que son las que representan la perspectiva. Y en cuanto al color se limita a los tres colores primarios: azul, amarillo y rojo, con los tres no-colores primarios: el blanco, el gris y el negro. El neoplasticismo está considerado, junto con el Suprematismo de Malévich, el origen de la abstracción geométrica.
Arriba de izquierda a derecha: Piet Mondrian y Theo van Doesburg
Abajo de izquierda a derecha: Bart van der Leck y Vilmos Huszár
ESCUELA DE LA BAUHAUS (1919-1933)
No puedo cerrar este capítulo dedicado la Abstracción Geométrica sin hacer una referencia a la Escuela de la Bauhaus. Fue creada con el nombre de “Bauhaus del Estado de Weimar. Escuela Superior de Artes Plásticas y de Artes y Oficios reunidas”.
La Staatliche Bauhaus (Casa de la Construcción Estatal), o simplemente Bauhaus, fue la escuela de artesanía, diseño, arte y arquitectura fundada en 1919 por el arquitecto Walter Gropius en Weimar (Alemania) hasta 1923 y en Dessau a donde se trasladó desde 1925 hasta 1932 cuando fue cerrada por el Partido Nazi por primera vez y definitivamente cerrada por los nazis en Berlín en 1933 donde funcionaba de modo privado hasta 1933
Al igual que otros movimientos pertenecientes a la vanguardia artística, la Bauhaus no se marginó de los procesos políticos-sociales, manteniendo un alto grado de contenido crítico y compromiso de izquierda. La Bauhaus -como demuestran los problemas que tuvo con políticos que no la veían con simpatía- adquirió la reputación de ser profundamente subversiva.
La Bauhaus sentó las bases normativas y patrones de lo que hoy conocemos como diseño industrial y gráfico; puede decirse que antes de la existencia de la Bauhaus estas dos profesiones no existían como tales y fueron concebidas dentro de esta escuela. Se formó cuando Gropius une la Escuela de Bellas Artes con la Escuela de Artes Aplicadas o Escuela de Artes y Oficios, transformándose en la primera escuela de diseño del mundo.
Paul Klee llegó a la escuela en 1920 y en 1922 Kandinsky se incorporó al proyecto, ambos dieron clases en el curso de diseño básico.
La influencia del movimiento neoplástico se hizo sentir en la Bauhaus, con la cual había una fuerte corriente de intercambios. En 1923 Theo van Doesburg al llegar a la Bauhaus de Weimar, ejerció una influencia decisiva en los estudiantes y en Gropius que acabaría llevando a la escuela a tomar otro rumbo.
La incorporación a la Bauhaus de László Moholy-Nagy, un artista muy cercano a Van Doesburg, supuso la introducción en la escuela de las ideas del constructivismo ruso de El Lissitski y Tatlin, que abogaban por un arte comunal, basado en la idea y no en la inspiración.
Cuando comenzó la II Guerra Mundial, casi todo el arte que se había realizado durante las décadas anteriores sucumbió. Sólo el Surrealismo y sobre todo la Abstracción sobrevivieron para dar aliento a los nuevos movimientos que surgirían al finalizar la guerra.
Las enseñanzas de Paul Klee, Théo Van Doesburg, László Moholy-Nagy, El Lissitski, Vladimir Tatlin, Johannes Itten y Josef Albers influyeron decisivamente en el desarrollo del Informalismo en Europa y el Expresionismo Abstracto en Norteamérica, de hecho ya en 1937 Moholy-Nagy funda en Chicago la New Bauhaus y en 1940 Mondrian se traslada a Nueva York, pero eso ya lo veremos en el próximo apunte que publicaré.
De izquierda a derecha: Paul Klee, Théo Van Doesburg y László Moholy-Nagy
Arriba de izquierda a derecha: El Lissitski y Vladimir Tatlin
Abajo de izquierda a derecha: Josef Albers y Johannes Itten.
CUADRO SINÓPTICO
PIONEROS
Frantisek Kupka.- 1871-1957.- “Amorfa, fuga en dos colores”.- 1912
Robert Delaunay.- 1885-1941.- “Ventanas simultáneas”.- 1912
Piet Cornelis Mondrian.- 1872-1944.- “Composición en Gris y Ocre”.- 1918
Théo van Doesburg.- 1883-1931.- “Contraposición XIII”.- 1925
Bart van der Leck.- 1876-1958.- “Composición. Montañas con un pueblo en Argelia”.- 1917
Vilmos Huszár.- 1884-1960.- “Composición”.- 1920
BAUHAUS
Paul Klee.- 1879-1940.- “Flora sobre la arena”.- 1927
Théo van Doesburg.- 1883-1931.- “Pintura Pura”.- 1920
Lászlo Moholy-Nagy.- 1895-1946.- “Composición A XXI”.- 1925
Eliazar Márkovich Lissitski.-1890-1941.- “Globetrotters in time”.- 1923
Vladimir Yevgráfovich Tatlin.- 1885-1953.-“Constructivismo Cubista”.- 1920
Josef Albers.- 1888-1976.- “Sin título”.- 1921
Johannes Itten.- 1888-1967.- “Ascension y Pausa”.- 1919
Parte 5.- Abstracción Lírica
Como ya vimos en apuntes anteriores si el Cubismo y el Futurismo dieron lugar a la Abstracción Geométrica, de la mano de Malevich y Mondrian, será en el Fovismo y en el Expresionismo donde se encuentre la semilla de la Abstracción Lírica que Vasily Kandinsky y Paul Klee hicieron germinar.
La abstracción lírica es una tendencia contraria a la abstracción geométrica que enfatiza la expresividad de los colores, las formas y la materia, sin mostrar referencias directas de la realidad y con el fin de provocar emociones en el espectador. La abstracción pura, o no figurativa, es, probablemente, el culmen ideal del arte al quedarse exclusivamente con el concepto y la belleza. La obra de arte debe ser bella por sí misma, el cuadro como objeto bello. Era un concepto totalmente nuevo y opuesto al concepto de arte surgido en el Renacimiento.
“No se puede examinar o analizar el cuadro, o la estatua, sirviéndose de ese “lenguaje crítico” propio del arte de ayer, pero que se adapta mal al de hoy” (Gillo Dorfles, “Ültimas tendencias del arte de hoy”, Edit. Labor, 1965)
De izquierda a derecha: Vasily Kandinsky y Paul Klee
Cronológicamente, Mikalojus Konstantinas Čiurlionis está considerado, por sus composiciones no figurativas fechadas en 1904 y 1905, como el primer pintor abstracto, pero generalmente se acepta que la Abstracción Lírica “comienza” con la primera acuarela abstracta que Kandinsky pinta sin título en 1913 pero que adelanta su fecha datándola en 1910 según Volkmar Esser, autor de “Los Maestros de la Pintura Occidental”, Edit. Taschen 2000, obra que se conoce mundialmente como “Primera Acuarela Abstracta”.
En 1911 Kandinsky escribe, y publica en 1912, su obra teórica “De lo espiritual en el arte” donde relaciona principios de la música y de la pintura, especialmente conceptos del ritmo.
“Aunque en el dominio superespecializado del arte contemporáneo debe denominarse abstractas solamente las obras carentes de figuración el hecho es que el término abstracción tiene una acepción bastante más amplia incluyendo en ella lo que en la pintura del presente se denomina semiabstracción”. Juan-Eduardo Cirlot, “El espíritu abstracto”, Edit. Labor, 1965. De modo que la abstracción lírica se ha utilizado con frecuencia como cajón de sastre donde incluir las más variadas tendencias. Por ello bajo ella se cobijan tanto el Informalismo europeo como el Expresionismo Abstracto norteamericano, que teniendo importantes similitudes también tienen grandes diferencias como veremos más adelante
INFORMALISMO
Informalismo es la pintura capaz de mostrarse completamente ajena a cualquier forma de significado, sustentándose tan sólo en la identidad material de sus elementos plásticos.
El adjetivo “informal” fue utilizado por primera vez por el pintor Georges Mathieu en la mitad del siglo XX. Poco después en 1951 el crítico Michel Tapié lo redefinió como “Art Informel” y también como “Art Autre” (Otro Arte) utilizándolo en un sentido amplio para referirse a la pintura practicada entre la figuración apenas insinuada y lo estrictamente no-figurativo. De este modo el Informalismo se convierte en la denominación para las tendencias dominantes en la Segunda Vanguardia en Europa desde la II Guerra Mundial hasta avanzada la década de los sesenta, imponiéndose como un verdadero “estilo” europeo
“Informalismo” es un término ambiguo que sirve para designar obras de aspectos muy diversos agrupadas en distintas tendencias pero que todas tienen en común el lenguaje no figurativo (es decir abstracto) y no geométrico (es decir abstracto lírico) llegando a veces a la abstracción pura. Estas tendencias son principalmente el Informalismo Matérico, el Informalismo Gestual, el Tachismo y el Espacialismo, a las que habría que añadir la quinta tendencia, informalista pero no propiamente abstracta, con insinuaciones figurativas, el Art Brut o Arte Marginal.
TACHISMO
Fue una corriente dentro de la pintura abstracta que se desarrolló hacia 1954. Esta tendencia muestra una abstracción radical, ni geométrica ni verdaderamente gestual, que se centra en la difusión de la mancha de color.
La invención del término “tachisme” (del francés “tache”, es decir “mancha”) se le atribuye al crítico Pierre Guéguen (1951) pero se popularizó por el artículo del médico y escritor Charles Estienne publicado en 1954 para referirse a la obra expuesta en el Salón de Octubre. Por tanto traducido propiamente al castellano el término “tachisme” debería conocerse como “Manchismo” en lugar de Tachismo o Tachonismo como se le conoce.
Los principales representantes de esta tendencia fueron Alfred Otto Wolfgang Schulse, más conocido por Wols, George Mathieu, Hans Hartung, Nicolás de Staël y Pierre Soulages.
De izquierda a derecha: Wols, Mathieu y Hartung
De izquierda a derecha: Pierre Soulages y Nicolás de Staël.
INFORMALISMO GESTUAL
Esta tendencia del Informalismo se caracteriza por la planitud de la obra, no hay sombras, ni contrastes ni volúmenes, renunciando por completo a cualquier tipo de mímesis figurativa. Sólo pintura extendida sobre el lienzo, resaltando el valor de la pincelada, la mancha, como testimonio de la intervención consciente del artista que expresa las vivencias gestuales del propio acto pictórico. Es decir sin más proyecto previo que el desarrollado por el instinto del pintor en el proceso de ejecución.
Los más conocidos pintores que practicaron esta tendencia fueron Henri Michaux, Jean-Paul Riopelle, Antonio Saura Atarés, Emilio Vedova, José Viola Gamón conocido como Manuel Viola y Albert Ráfols Casamada.
Arriba de izquierda a derecha: Riopelle, Michaux y Saura.
Abajo de izquierda a derecha: Viola, Vedova y Casamada.
INFORMALISMO MATÉRICO
El informalismo Matérico se caracteriza por el uso eminentemente expresivo del óleo a base de chorreados y grandes empastes que viene acompañado por la importancia concedida a otros materiales ajenos a la pintura, tales como la tela metálica, la arpillera, papel, cuerdas, trapos y la arena. Se suele señalar a Jean Fautrier como el iniciador del Informalismo en Europa que efectivamente avanza el gusto por la materialidad de muchos artistas a través de distintas capas de pintura espesadas y el grattage. Fautrier expuso por primera vez en 1945 en la galería Drouin de París, donde llamó mucho la atención la textura y efectos matéricos de sus cuadros.
Entre los pintores del Informalismo Matérico podemos destacar Jean Fautrier, Alberto Burri, Antoni Tàpies i Puig, Manolo Millares Sall y Modest Cuixart i Tàpies.
De izquierda a derecha: Jean Fautrier, Alberto Burri y Antoni Tàpies.
De izquierda a derecha: Manolo Millares y Modest Cuixart.
ESPACIALISMO
El Espacialismo o Movimiento Espacial fue fundado por Lucio Fontana en Milán entre 1947 y 1952. Fue en la Galleria del Naviglio (Milán) donde se organizó en 1949 la exposición fundadora del Espacialismo con obras de Fontana. En 1952 en la misma galería se celebró la exposición Arte Espacial con Fontana, incluyendo obras de Giancarlo Carozzi, Roberto Crippa, Gianni Dova, Mario de Luigi, Bienamino Joppolo y Cesare Peverelli.
El Espacialismo se reconoce por la utilización de técnicas destructivas: perforaciones, cortes, acuchillados y desgarro del lienzo y de las arpilleras.
De izquierda a derecha: Lucio Fontana y Roberto Crippa.
ART BRUT Y EL GRUPO COBRA
“El Art Brut no es ni grupo ni movimiento, sino una definición creada por Jean Dubuffet para designar y valorizar las obras de los “singulares del arte”, de quienes se sitúan fuera de las instituciones culturales y de los ambientes artísticos”. Marisa Vescovo, “Abstracción” Edit. Planeta, 1998. De esta forma tan elegante describe Vescovo la obra de arte recogida por Dubuffet en hospitales psiquiátricos de Suiza y que presenta en 1947 y 1949 en la Galería René Drouin de París.
Dubuffet, y también Adolf Wölfli, realizó obras ricas en textura y materia, que por parecer hecha con la espontaneidad y libertad con la que se expresan los niños, solitarios, inadaptados, ancianos, delincuentes, visionarios, médiums, los locos o los aficionados, denominó “Art Brut” (arte tosco, arte en bruto) para quitarle a las obras el rótulo de arte de enfermos mentales. Por ello a este arte se le llamó también Arte Marginal, denominación debida al crítico Roger Cardinal que extendió la acepción del término a los artistas autodidactas o naïf, aunque nunca hubiesen sido internados en una institución psiquiátrica ni hubiesen recibido formación académica.
De izquierda a derecha: Dubuffet y Wölfli
En 1948 se funda en París un movimiento artístico, que sólo duró tres años, que de manera similar a Jean Dubuffet, veía en el arte primitivo de niños y enfermos mentales el ejemplo de arte libre y original frente a las obras clásicas de la historia del arte. Este grupo recibió el nombre de CoBrA, acrónimo resultante de los nombres de las capitales de los países de procedencia de sus miembros. (Copenhague, Bruselas, Ámsterdam). Los miembros más destacados del grupo fueron Asger Jorn, Karel Appel, Guillaume Cornelis van Beverloo, mejor conocido como “Corneille” y Pierre Alechinsky.
Arriba de izquierda a derecha: Asger Jorn y Appel
Abajo de izquierda a derecha: Corneille y Alechinsky
EXPRESIONISMO ABSTRACTO AMERICANO
“Desde el descubrimiento de América, todo lo que en este continente estaba destinado a satisfacer las necesidades superiores del hombre-y, por supuesto, también el arte- tenía que importarse de Europa. Al finalizar la Segunda Guerra Mundial, la situación había cambiado por completo.” Christa von Lengerke, “Los Maestros de la Pintura Occidental”, Edit. Tashen, 2000. La II Guerra Mundial, que arrasó Europa, supuso el fin del predominio europeo en el arte, que se desplazó a Norteamérica, lo que supuso la dispersión de sus artistas, mayormente hacia Nueva York, aunque Picasso, Miró, Braque o Matisse siguieron trabajando en Francia e influyendo en las nuevas generaciones. Nueva York conservará hasta nuestros días su posición como centro internacional del Arte. Desde 1945 y durante los veinte años siguientes vendría de allí las novedades más espectaculares y los impulsos renovadores de las artes plásticas. El Museum of Modern Art de N. Y. y el Guggenheim Museum se convirtieron en instituciones culturales muy influyentes.
Al margen de la evolución nacional, el origen de la llamada Escuela de Nueva York está estrechamente relacionado con los emigrantes europeos. Con el fin de la II Guerra Mundial y el regreso a Europa de gran parte de los artistas europeos comienza un movimiento genuinamente americano. Con Expresionismo Abstracto se define a la agrupación de una quincena de artistas que coincidieron en los años cuarenta en Nueva York. Fue Robert Motherwell en 1950 quien etiquetó al grupo como Escuela de Nueva York. Este primer grupo de pintores alcanzó la consagración con exposiciones individuales entre 1943 1946 en las Galerías de Peggy Guggenhein y de Betty Parson.
El término Expresionismo Abstracto fue utilizado por primera vez en 1929 por Alfred H. Barr Jr., primer director del MOMA de N.Y., para referirse a las “Improvisaciones” de Kansdinsky. Pero a inicios de los años cincuenta la gestualidad de las obras hizo al crítico Robert Coates recuperar el apelativo de “Abstract Expresionism” (Expresionismo Abstracto), aunque el primer teórico fue Clement Greenberg que propuso el término de “Painterly Abstraction” (Abstracción Pictórica) y el crítico Harol Rosenberg que sugirió en 1951 el de “Action Paintig” (Pintura de Acción), que finalmente sólo se aplicó a una tendencia específica dentro del Expresionismo Abstracto. Además surgieron otras tendencias como el “Simbolismo Abstracto” y el “Color-Fields Painting” (Pintura de campos de color)
ACTION PAINTING
El término Action Painting lo acuñó Harold Rosenberg, en Nueva York, el año 1952. Se puede considerar a esta pintura como un acto de pura existencia, de libre intencionalidad a través de la materia y el gesto, con pinceladas violentas en capas espesas que dejan partes del lienzo sin pintar. La técnica se ejecuta también por medio del dripping (goteando) pouring (chorreando) all-over (repitiendo por todo el lienzo) etc. liberándose así de las escuelas europeas. Es una pintura de acción, enérgica y emotiva según Rosenberg. No es una tendencia con un programa sino el resultado de una suma de individualidades.
Los pintores más representativos de esta tendencia fueron: Hans Hofman, considerado el decano del Expresionismo Abstracto, Jackson Pollock, Willem de Kooning, Franz Kline, Sam Francis y Philip Guston.
Arriba de izquierda a derecha: Hofman, Pollock y De Kooning.
Abajo de izquierda a derecha:Kline, Francis y Guston.
SIMBOLISMO ABSTRACTO
Al mismo tiempo que el Action Painting, se desarrolló en Nueva York una corriente expresionista más próxima al surrealismo simbólico y abstracto de Miró, Arp y Matta. Es una pintura muy intelectual orientada al Simbolismo Abstracto, entre el Action Painting y el Color-fields Painting. Es una corriente minoritaria dentro del Expresionismo Abstracto, intermedia entre la pintura gestual y violenta del Action Painting y la de las zonas de delicados cromatismos de los campos de color, La personalidad más representativa es Arshile Gorky, seguido por Williams Baziotes, Adolf Gottlieb y Mark Tobey.
Arriba de izquierda a derecha: Gorky y Baziotes.
Abajo de izquierda a derecha: Gottlieb y Tobey.
COLOR-FIELDS PAINTING
Otra tendencia es la pintura por campos coloreados o campos de color, de amplias superficies cromáticas, más meditada, de contenido más transcendental, de diálogo espiritual entre la obra y el espectador. Surgió como reacción a la expresividad del Action painting. Esta denominación fue empleada por el crítico Clement Greenberg en 1962. La intensidad del color depende de su extensión y los cuadros comprenden no más de dos o tres colores, siguiendo el criterio de Gauguin que afirmaba que “En un metro de verde se expresa más que en un centímetro de verde” (Inmaculada Julián, “Expresionismo Abstracto”, Arlanza Ediciones. 2000) reafirmado por Henri Matisse, para quien “Un metro cuadrado de azul es más azul que un centímetro cuadrado de azul” (Marisa Vescovo, “Abstracción”, Edit. Planeta. 2000)
En esta segunda tendencia destacaron Mark Rothko, Ad Reinhardt, Robert Motherwell, Clifford Still, Barnett Newman y Kenneth Noland.
Arriba de izquierda a derecha: Rothko, Reinhardt y Motherwell
Abajo de izquierda a derecha: Still, Newman y Noland.
CUADRO SINÓPTICO
TACHISMO
Alfred Otto Wolfgang Schulse, “Wols”.- (1913-1951).- “El barco ebrio”.- 1945
Georges Mathieu.- (1921-2012).- “Festival en Norwich”.- 1957
Hans Hartung.- (1904-1989).- “Sin título”.- 1948
Pierre Soulages.- (1919).- “Pintura”.- 1953
Nicolás de Stäel.- (1914-1955).- “Composición”.- 1947
Name given by the Russian artist Kasimir Malevich to the abstract art he developed from 1913 characterised by basic geometric forms, such as circles, squares, lines and rectangles, painted in a limited range of colours
The first actual exhibition of suprematist paintings was in December 1915 in St Petersburg, at an exhibition called O.10. The exhibition included thirty-five abstract paintings by Kazimir Malevich, among them the famous black square on a white ground (Russian Museum, St Petersburg) which headed the list of his works in the catalogue.
In 1927 Malevich published his book The Non-Objective World, one of the most important theoretical documents of abstract art. In it he wrote: ‘In the year 1913, trying desperately to free art from the dead weight of the real world, I took refuge in the form of the square.’ Out of the ‘suprematist square’ as he called it, Malevich developed a whole range of forms including rectangles, triangles and circles often in intense and beautiful colours. These forms are floated against a usually white ground, and the feeling of colour in space in suprematist painting is a crucial aspect of it.
Suprematism was one of the key movements of modern art in Russia and was particularly closely associated with the Revolution. After the rise of Stalin from 1924 and the imposition of socialist realism, Malevich’s career languished. In his last years before his death in 1935 he painted realist pictures. In 1919 the Russian artist El Lissitsky met Malevich and was strongly influenced by suprematism, as was the Hungarian born Laszlo Moholy-Nagy.
Kazimir Severinovich Malevich was a Russian avant-garde artist and art theorist, whose pioneering work and writing had a profound influence on the development of non-objective, or abstract art, in the 20th century.
The Art and Culture Center/Hollywood is thrilled to announce the Open Call for its 2020 Florida Biennial. This tenth edition of the Center’s Biennial is open to visual artists residing in the state of Florida to submit their artwork for the exhibition that opens on November 7, 2020. The 2020 Florida Biennial is juried by Juror/Guest Curator, Coralie Claeysen-Gleyzon, Associate Curator for Collections and Exhibitions at the Orlando Museum of Art.
The 2020 Florida Biennial will feature Artists Select, a special $500 honorarium that will go to two artists selected by the Juror/Guest Curator based on their site-specific proposals. Additionally, these two artists selected by the Juror/Guest Curator will receive solo exhibitions in the Center’s Middle and Interactive Galleries during the Biennial dates. Participating artists in the General Exhibition will be awarded a $40 honorarium and will receive a Friends-level membership, which provides free admission to more than 1,000 cultural institutions as part of the North American Reciprocal Museum (NARM) program.
TIMELINE Biennial Open for Submissions: Monday, April 13, 2020
Deadline for Submissions: Friday, July 10, 2020
Announcement of Participating Artists: Friday, August 21, 2020
Delivery of Artworks: October 13 – 26, 2020
Installation: November 2 – 6, 2020
Opening Reception: Saturday, November 7, 2020
Exhibition Closes: February 20, 2021
Return/Pick-up of Artwork: February 24 – March 1, 2021
ELIGIBILITY Proposals will be accepted from individual artists who live, work, study or maintain a studio in the state of Florida. Three artworks total may be submitted per entry for General Exhibition and two files total may be submitted per entry for Artists Select where you may be selected for a solo exhibition during the Biennial. Only one entry per artist.
ENTRY FEE Cost to submit an entry: $40
AWARDS
Artists Select: Two artists will be selected for solo exhibitions in the Middle and Interactive Galleries during the 2020 Florida Biennial. Each artist will receive a $500 honorarium
General Exhibition: $40 honorarium for all exhibiting artists in the Biennial exhibition
All Participating Artists: $150 Friend-Level membership, which provides free admission to more than 1,000 cultural institutions given to all exhibiting artists in the Biennial
SUBMISSIONS FOR GENERAL EXHIBITION 2020 BIENNIAL Artists are invited to submit up to three image(s) of artwork to be considered for inclusion of the 2020 Florida Biennial. Artwork may be any medium including: photography, video, prints, sculptural installations, crafts, textiles, drawing, painting, etc. Files must be jpg or pdf, no larger than 10MB per file. Please include all artwork information (Title, Size, Date, Medium, Edition, Insurance Value). Selected artists will receive a $40 honorarium and $150 Friend-Level membership. Submissions will only be accepted via our online form.
SUBMISSION INFORMATION FOR ARTIST SELECT (OPTIONAL) Artists are encouraged (but not required) to submit solo exhibitions/site-specific proposals to be considered for the Artist Select sections. Two artists will be selected and will receive a $500 honorarium and $150 Friend-Level membership. If selected, the participant will present the proposed project as a solo exhibition in the Middle or Interactive Gallery during the 2020 Biennial. If selected, the Juror/Guest Curator and Curator of Art and Culture Center/Hollywood will determine which Gallery the selected artist will present their work. The Middle Gallery is 31’9” x 11’4. The Interactive gallery is 26’7” x 9’2”. Click here to download floor plans. Please submit no more than two files (jpg or pdf, no more than 10 MB each) with a brief description of your exhibition proposal (1,000 words maximum) on the online submission form. Only electronic submissions may be considered.
CONDITIONS By submitting a proposal, each participant, if selected, agrees to the conditions below.
The applicant will receive an email notification on the status of their application no later than Friday, August 21, 2020. Artwork selected must be installed as described. The artist can propose to create a new body of work for exhibition. The artist must submit a description of the proposed work, and samples of previously created work for quality review. Participants may not change their exhibit between selection and exhibition without permission from the Juror/Guest Curator and Art and Culture Center/Hollywood. If the artwork is not as proposed originally, Art and Culture Center/Hollywood has the right to cancel the artist’s inclusion and the honorarium would be forfeited. The artist must be the sole author and owner of the copyright of all artwork entered. Once selected, the participant and Art and Culture Center/Hollywood staff will coordinate exhibition, opening reception, artwork drop off, installation, de-installation and pickup dates and times. Selected participants are responsible for the delivery and return of the artwork(s). Participants will receive and sign a loan agreement with Art and Culture Center/Hollywood stating the dates and exhibition terms. To receive honorariums, participants must submit a W-9 for payment purposes. Art and Culture Center/Hollywood has permission to photograph and reproduce any work submitted to the exhibition for publicity purposes is considered granted unless otherwise stated in writing. All artwork will be insured on premises as long as a list of artwork titles, descriptions, and values is presented before work is delivered and photographed on site. Artwork is not insured while on delivery to and from Art and Culture Center/Hollywood. Art and Culture Center/Hollywood cannot store artwork for a later pickup; artwork must be picked up on the days of de-installation.
ABOUT THE JUROR/GUEST CURATOR Born in France, Coralie Claeysen-Gleyzon was raised in the heart of the Sahara Desert in Niger, Africa, which has had a deep influence on her understanding of art, culture, color, and light. She has worked in museums and art galleries across the globe, including four years for Folly Gallery in the Lake District, UK; three years as a Creative Project Manager and Exhibitions Officer for the contemporary urban art museum URBIS in Manchester, UK; three years in the Middle East, as Gallery Director of The Third Line Gallery in Doha, Qatar, and as an Independent Art Consultant in Beirut, Lebanon. In Orlando, she worked as Associate Curator for Snap! Orlando from 2011-2013; and as Gallery Director of Jai Gallery from 2013-2017. Coralie joined the Orlando Museum of Art (OMA) in January 2018, where she has co-curated the Florida Prize in
Contemporary Art in 2018 and 2019, and curated The Figurative Continuum and Edward Steichen: In Exaltation of Flowers. She is the former Arts & Culture Editor for the luxury fashion and culture magazine: LAPALME. She has been an active member of the Orange County Public Arts Review Board since September 2015, helping develop public art commissions in and around Orlando. Coralie is also a member of the OMA’s Acquisition Trust, a collecting circle whose mission is to grow the museum’s permanent collection with new acquisitions in contemporary art.
Coralie Claeysen-Gleyzon received her MA in Visual Culture in 2003 and BA with Honors in Culture, Media and Communication (2001) both from Lancaster University, UK. She also holds a DEUG (Diplôme d’Etudes Universitaires Générales, a French BA-equivalent) in Language Sciences and Cultural Mediation (1999) from Université Paul Valéry, Aix-en-Provence, France.
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