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Monday, February 16, 2026
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Carlos Nicanor “The skein of the soul”

Carlos Nicanor The skein of the soul
Carlos Nicanor The skein of the soul

Carlos Nicanor “The skein of the soul”

Carlos Nicanor- Press Release.docx

September 7 – October 5, 2024

Design District

21 NE 39th Street, Miami, FL 33137

Opening Reception
Saturday, September 7, 2024 6 – 9 p.m.

Pan American Art Projects is pleased to announce the upcoming exhibition of renowned Canarian artist Carlos Nicanor, titled The skein of the soul, curated by Claudia Taboada. This exhibition offers a profound exploration of the human essence through Nicanor’s interactive installation, sculptures and drawings, and marks a significant milestone in his career. It is a self-referential exhibition. This exhibition is a heartfelt testimony of the artist’s journey, showcasing his vibrant works from Tenerife to the US for the very first time.

Carlos Nicanor, a sculptor from the Canary Islands, seamlessly blends the surrealist legacy of André Breton, the dadaist movement, and the word-object concept of Joseph Kosuth with the rich heritage of Canarian artisans. His work defies the physical limitations of materials, transforming wood, metal, threads, and paper into almost impossibly smooth, Carlos Nicanor- Press Release.docx

organic, and autonomous forms. Nicanor’s sculptures challenge both the physics of the materials and human sensitivity, reminding us that art is born from the handmade, evolving at a pace distinct from contemporary life.

The artist’s work is a testament to the duality of form and word, using irony and sarcasm as playful yet profound tools. His installations, like Icor (2020), transform spaces into mythological realms, engaging viewers both physically and intellectually. They invite (or not) the public to penetrate that swarm of threads turned into arteries. They are the metaphor of penetrating the human body viscerally, reading it from the inside, rediscovering it from its bone, soul, and poetry. Nicanor’s ability to expand traditional materials into contemporary gestures places him alongside notable artists like the Cuban collective Los Carpinteros and American sculptor Martin Puryear.

About the artist

He graduated in Fine Arts at the University of La Laguna and began exhibiting his work in 2002. In 2006 he made his first solo exhibition, entitled Buscador de nortes, in which under the slogan “where everything is done and everything to do” he would present a collection of veiled tributes to some of the sculptors he admires, Brancusi and Giacometti among others.

His exhibitions include Antinatura/Sinbiología (Galería Artizar 2010-2012), and Osmosis. Blancas + Nicanor (TEA Tenerife Espacio de las Artes, 2015), as well as their participation in the XII Havana Biennial within the Detrás del Muro project, with the installation Lemon Way, in which he built a path of yellow wooden tiles that crossed the Malecón to die in the Caribbean, heading to Florida.

During 2016 and 2017 he developed the Neomismos project, which is made up of two individual exhibitions at the Twin Gallery (Madrid) and the Artizar Gallery, which concludes with an installation presented by Carlos Delgado Mayordomo titled The Truth of Madame Sifira. In 2020, just after the confinements, he carried out his most ambitious project to date at the Cajacanarias Foundation. Curated by Omar-Pascual Castillo and titled Tell Charon that I bring him flowers, the exhibition was a poetic and sincere reflection on the journey of life and the omnipresence of death.

His works have been selected in biennial exhibitions both in Las Palmas and Tenerife, deserving first prizes such as the Excellence of sculpture of the Royal Academy of Fine Arts of San Miguel Arcángel (2011) or the First Prize Manolo Millares CajaCanarias (2009).

In 2023, he carried out the project From the flesh to the bone, from the bone to the soul, curated by Dennys Matos, at the Centro Atlántico de Arte Moderno (CAAM), in which Nicanor presented us with a kind of fictitious autopsy of the artist himself in an exercise of deconstruction of the self.

For media inquiries, please contact: [email protected]

Marlow Moss: Una Exploración de la Abstracción Geométrica

Marlow Moss
Marjorie Jewel "Marlow" Moss fue la primera artista constructivista británica; trabajó en pintura y escultura. Constructivismo, De Stijl.

La obra de Marlow Moss: Una exploración de la abstracción geométrica y constructivismo.

No soy pintor, no veo la forma, sólo veo el espacio, el movimiento y la luz».
– Marlow Moss, citado de memoria por su compañero A. H. Nijhoff

Marjorie Jewel “Marlow” Moss fue la primera artista constructivista británica; trabajó en pintura y escultura.
Nació: 29 de mayo de 1889, Kilburn, Reino Unido
Murió: el 23 de agosto de 1958 (69 años), Penzance, Reino Unido
Obras de arte: Composición en blanco y negro número 4, Blanco con cuerda, Blanco y amarillo
Períodos: Constructivismo, De Stijl. Wikipedia

La obra de Marlow Moss se distingue por su profundo compromiso con la abstracción geométrica, buscando trascender las limitaciones de la representación figurativa y explorar las cualidades esenciales de la forma y el color. A través de la eliminación de elementos reconocibles, Moss se centró en la estructura y la composición, creando un lenguaje visual universal y atemporal.

La precisión matemática y la simetría presentes en sus obras reflejan un anhelo de equilibrio y orden interior. Moss concebía el arte como una vía para explorar la armonía entre los elementos visuales, y sus composiciones pueden interpretarse como una búsqueda de estabilidad en un mundo en constante cambio.

Su obra aunque aparentemente simple en su forma, encierra una rica dimensión filosófica que invita a la reflexión sobre temas como la universalidad, la armonía, la espiritualidad y la libertad individual. Su arte trasciende lo meramente estético y se convierte en un vehículo para explorar cuestiones fundamentales sobre la existencia humana y nuestra relación con el mundo que nos rodea.

Influenciada por el constructivismo y la vanguardia, Moss creía en el potencial del arte para desempeñar un papel constructivo y social. Su trabajo desafiaba las tradiciones artísticas establecidas, abriendo nuevas perspectivas sobre el mundo a través de la geometría y la abstracción.

La exploración del color y la forma en su obra revela un profundo interés por las cualidades intrínsecas de los materiales y las formas. Sus combinaciones de colores y la disposición precisa de las formas geométricas buscan evocar una respuesta emocional en el espectador, invitándolo a apreciar la belleza inherente a la simplicidad y la precisión.

Moss se dedicó a investigar las posibilidades de la abstracción pura, buscando expresar ideas universales y atemporales a través de la geometría y el color. Su objetivo era demostrar que el arte podía comunicarse de manera directa y profunda sin necesidad de recurrir a elementos representativos.

A través de su trabajo, Moss aspiraba a crear un lenguaje visual que resonara universalmente, trascendiendo las barreras culturales y temporales. Creía firmemente en el poder del arte abstracto para conectar a las personas en un nivel fundamental, ofreciendo una experiencia estética accesible y significativa para todos.

Aunque el constructivismo, movimiento que influyó en su obra, tenía connotaciones de cambio social, Moss se centró principalmente en la innovación formal dentro de la abstracción. Su trabajo priorizaba la claridad, el orden y la estructura, buscando una expresión artística pura y trascendental.

El mensaje de Marlow Moss reside en la exploración y celebración de la forma y el color en su estado más esencial. Su arte busca una conexión universal a través de la abstracción geométrica, reflejando un compromiso con los principios del constructivismo y la vanguardia, así como un anhelo de orden y equilibrio en un mundo en constante cambio.

Marlow Moss (de soltera Marjorie) nació en Londres y asistió inicialmente a la St John’s Wood School of Art y después a la Slade School of Fine Art. Tras unos años de formación en París -donde se convirtió en miembro fundador de Abstraction-Création y conoció a su gran influencia, Piet Mondrian (1872-1944), y a su compañera de toda la vida, la novelista A. H. (Netty) Nijhoff- y otros años en Europa, el estallido de la Segunda Guerra Mundial la llevó a establecerse en el extremo oeste de Cornualles en 1941. Su casa y su estudio se encontraban en el pueblo de Lamorna, en la península de Penwith, a pocos kilómetros de los famosos modernistas de St Ives, pero apenas hubo contacto entre ellos (sus cartas sin respuesta a Ben Nicholson se conservan en los archivos de la Tate). En cambio, los compañeros de Moss eran los constructivistas europeos: Mondrian, Georges Vantongerloo (1886-1965), Jean Gorin (1899-1981) y Max Bill (1908-1994).
Fuente del texto: Liss Llewellyn

Untitled Art Miami Beach 2024: Meet the Curators

Untitled Art guest curators Kathy Huang and Jungmin Cho
Untitled Art guest curators Kathy Huang and Jungmin Cho

Untitled Art Miami Beach 2024: Meet the Curators

Untitled Art is delighted to welcome guest curators Kathy Huang and Jungmin Cho to guide the 2024 Edition’s curatorial theme, re-examining the interplay of new artistic dialogues and exchanges between the East and the West.

KATHY HUANG

Kathy Huang is an independent curator and Managing Director, Art Advisory and Special Projects at Jeffrey Deitch, where she curated Wonder Women, an exhibition featuring forty Asian diasporic women and non-binary artists working in figuration.

At Deitch, she has also organized exhibitions such as Judy Chicago: Los Angeles (2019), Dominique Fung: It’s Not Polite to Stare (2021), Sasha Gordon: Hands Of Others (2022), and Bony Ramirez: Tropical Apex (2023). Most recently, Huang curated Wild: Women Abstractionists on Nature (2024) at the Metropolitan Museum of Manila. Raised in Philadelphia, Huang earned a B.A. from Duke University and an M.A. in Modern & Contemporary Asian Art from Sotheby’s Institute of Art, London.

JUNGMIN CHO

Jungmin Cho is the founder and director of the art space WHITE NOISE in Seoul, South Korea. WHITE NOISE is an art space for various artistic experiments and exchanges, dedicated to breaking down boundaries between artistic mediums and between mainstream/underground and commercial/non-profit. It was established in 2018.

Additionally, Jungmin works as an independent curator and has engaged in various external curatorial, writing, and advisory roles. She focuses on accessibility and introduces emerging art scenes and connects them globally.

WHITE NOISE and Jungmin Cho have completed projects with many international organizations, including Frieze Seoul, GYOPO, Montez Press Radio, NOISE Istanbul, and Tiger Strikes Asteroid. They were notable organizers of Frieze satellite art festival OUR WEEK which gathered commercial galleries, project spaces, art collectives and art platforms to enrich the art scene. The works of WHITE NOISE and Jungmin Cho have been featured in The Art Newspaper, Artsy, Hyundai Art Lab, The New York Times, and Spike Art Magazine among others.

Currently Jungmin is completing the graduate program at the Center for Curatorial Studies, Bard College.

Solution Art,llamado de artistas Miami Art Week 2024

Call for Artists Miami Art Week 2024
Call for Artists Miami Art Week 2024

Call for Artists Miami Art Week 2024

Solution Art, llamado de artistas Miami Art Week 2024

¡No te pierdas la oportunidad de exhibir tu arte en Miami Art Week 2024!

Tras el éxito de nuestra participación en SPECTRUM durante Miami Art Week del año pasado, Solution Art te invita a formar parte de nuestra próxima exhibición en este importante evento artístico. ¡Presenta tu obra a más de 35,000 espectadores y conecta con galeristas, coleccionistas y amantes del arte de todo el mundo!

Detalles de la Convocatoria:

  • Formatos y precios:
    • Formato estándar: 30 x 20 pulgadas (vertical), $560 USD
    • Formato pequeño: 12 x 16 pulgadas (vertical), $360 USD
  • Esculturas: ¡Bienvenidas!
    • Tamaño grande: 2 pies de alto x 1 pie de ancho, $600 USD
    • Tamaño pequeño: 1 pie de alto x 1 pie de ancho, $400 USD
    • Tótems proporcionados por la organización.
  • Presentación: Todas las obras deben entregarse enmarcadas en formato flotante (negro, blanco o plateado).
  • Fecha límite de entrega: 1 de noviembre de 2024. Dirección: 10227 Southwest 117th Court, Miami, FL 33186.
  • Fecha límite de pago: 15 de octubre de 2024, a través de Zelle al número 786-662-9191. Posibilidad de pago en dos cuotas, previa coordinación con Mercedes Prieto.

Beneficios para los artistas:

  • Acceso a la feria: Recibirás una escarapela para acceder a la exhibición durante toda la Miami Art Week del 3 al 8 de Diciembre 2024.
  • Entrevista en La Escafandra: Tendrás la oportunidad de participar en una entrevista para hablar sobre tu obra y trayectoria.
  • Certificado de participación: Se entregará en una ceremonia especial después del evento (detalles se anunciarán posteriormente).
  • Venta de prints: Posibilidad de vender reproducciones de tu obra en nuestro stand (previa coordinación)..

¡Cupos limitados!

Asegura tu participación con un aporte de registro de $100 USD, que se descontará del costo total.

¡Esperamos contar con tu talento!

Contacto:

Mercedes Prieto, CEO de Solution Art 786-662-9191 (WhatsApp)

Hannah Gluckstein

Hannah Gluckstein
Hannah Gluckstein

Hannah Gluckstein

Hannah Gluckstein. 13 August 1895. London. Gluck was a British painter who rejected any forename or honorific, using the names Peter and Hig. Gluck joined the Lamorna artists’ colony near Penzance and was noted for portraits, floral paintings, and a new picture-frame design. Wikipedia

Died: January 10, 1978 (age 82 years), Steyning, United Kingdom

In early 20th-century British art, where tradition often held sway, Hannah Gluckstein, known simply as Gluck, blazed a trail of defiance and individuality. She rejected labels, conventions, and even her own given name, insisting on being recognized solely as “Gluck” – an androgynous declaration of self that mirrored her boundary-pushing art.  

Gluck’s paintings, mainly her portraits, are striking in their directness and emotional intensity. Her subjects, often women with whom she shared intimate relationships, are depicted with an unflinching honesty that captures their vulnerability and strength. Gluck’s rejection of the idealized female form prevalent in much portraiture of the time was a quiet rebellion, a celebration of the complex reality of her subjects’ lives.

Her floral still lifes, inspired by the arrangements of her lover, florist Constance Spry, are equally captivating. Gluck’s flowers are not mere botanical specimens; they pulsate with life, their petals and stems seeming to dance across the canvas. Her innovative use of color and composition transformed the traditional genre into something fresh and modern. 

Beyond her artistic achievements, Gluck’s life itself was a work of art. She lived openly as a lesbian in an era when such relationships were often shrouded in secrecy. Her self-portrait with Nesta Obermer, “Medallion,” is a testament to their love and a powerful symbol of queer identity. 

Gluck’s art and life remain an inspiration, a reminder that true creativity often thrives in adversity. She challenged artistic and societal norms, paving the way for future artists to express themselves freely and authentically. Her legacy is a vibrant tapestry of defiance, passion, and unwavering commitment to her artistic vision.

Gluck’s Gender Paintings: Challenging Norms, Embracing Identity

Hannah Gluckstein, known simply as Gluck, was a trailblazer in artistic style and her fearless exploration of gender and sexuality through her paintings.

In an era when societal norms rigidly dictated gender roles and expressions, Gluck’s work served as a bold statement of self, a defiance of convention, and a celebration of queer identity.

Her portraits, especially those of her female lovers, stand out for their intimate and honest portrayals. Gluck refused to adhere to the idealized feminine forms often seen in traditional portraiture. Instead, she captured her subjects’ essence, complexities, and strength. Her work challenged the objectification of women, presenting them as individuals with depth and agency.

Perhaps the most iconic of her gender-themed paintings is “Medallion” (c. 1936), a double portrait featuring Gluck and her partner, Nesta Obermer. It was a radical statement of lesbian love at a time when such relationships were stigmatized and often hidden. The painting’s composition, with the two women gazing directly at the viewer, exudes confidence and challenges the viewer to acknowledge their relationship. 

Gluck’s self-portraits also serve as powerful explorations of gender identity. In these works, she presents herself in a masculine style, wearing tailored suits and short hair. These self-portraits were not just representations of her physical appearance but a declaration of her rejection of traditional feminine roles.  

Her refusal to use any prefix or honorific with her name, simply signing her work as “Gluck,” further emphasized her rejection of gendered expectations. She wanted to be recognized solely for her art, not for her gender or social standing.  

Gluck’s paintings weren’t just a personal expression; they were a challenge to the societal norms of her time. They helped pave the way for greater visibility and acceptance of LGBTQ+ identities, and they remain a powerful testament to the courage and resilience of queer artists who dared to live and create authentically. 

En Miami todos quieren ser llamados curador de arte

En Miami todos quieren ser llamados curador de arte

Es fundamental reconocer que los artistas son la base del mundo del arte. Sin su creatividad y expresión, no existirían galerías, curadores, críticos de arte ni el vibrante ecosistema que los rodea.

Muchos artistas quieren hacerse llamar curadores sin serlo por diversas razones:

  • Control creativo: Ser curador les permite tener mayor control sobre la presentación de su trabajo y el de otros artistas, creando narrativas y diálogos específicos.
  • Ego: El deseo de ser reconocido como un líder y una autoridad en el mundo del arte, superando a otros artistas en términos de influencia y relevancia.
  • Reconocimiento y prestigio: La curaduría se ha convertido en una práctica artística respetada y valorada, que puede aumentar la visibilidad y el prestigio de un artista.
  • Oportunidades profesionales: La curaduría puede abrir puertas a nuevas oportunidades laborales, como trabajar en museos, galerías o instituciones culturales.
  • Colaboración y networking: La curaduría implica trabajar con otros artistas, instituciones y profesionales del arte, lo que puede ampliar la red de contactos y generar colaboraciones futuras.
  • Interés intelectual: Muchos artistas tienen un interés genuino en la historia del arte, la teoría y la crítica, y la curaduría les permite profundizar en estos temas.
  • Diversificación de ingresos: La curaduría puede ser una fuente adicional de ingresos para los artistas, especialmente en un mercado del arte cada vez más competitivo.

Es importante tener en cuenta que la curaduría no es simplemente una extensión de la práctica artística, sino una disciplina con sus propios conocimientos, habilidades y desafíos.

El papel del curador en el mundo del arte es multifacético y fundamental para la presentación y comprensión de las obras de arte. Aquí te presento una visión más detallada de sus funciones y responsabilidades:

Investigación y selección:

  • El curador es un experto en su campo, ya sea arte contemporáneo, moderno, histórico o de un género específico. Su conocimiento le permite investigar y seleccionar obras de arte para exposiciones, colecciones permanentes de museos o proyectos específicos.
  • La investigación puede incluir la revisión de archivos, catálogos, publicaciones especializadas y la comunicación con artistas, coleccionistas y otros profesionales del arte.

Desarrollo de conceptos y narrativas:

  • Una vez seleccionadas las obras, el curador desarrolla un concepto curatorial, es decir, una idea central que une las obras y les da un sentido coherente.
  • Esta narrativa puede explorar temas sociales, políticos, estéticos o históricos, y busca generar un diálogo con el público.
  • El curador también escribe textos curatoriales que contextualizan las obras y guían al espectador en su interpretación.

Diseño y montaje de exposiciones:

  • El curador trabaja en estrecha colaboración con diseñadores y museógrafos para crear un espacio expositivo que potencie la experiencia del espectador.
  • Esto implica decidir la disposición de las obras, la iluminación, la señalética y otros elementos que contribuyen a la presentación de las obras.

Educación y mediación:

  • El curador desempeña un papel importante en la educación y mediación del arte.
  • Puede organizar visitas guiadas, charlas, talleres y otros programas educativos para acercar el arte al público y fomentar su comprensión.
  • También puede colaborar en la producción de catálogos, publicaciones y otros materiales didácticos.

Gestión y administración:

  • En muchas instituciones, el curador también tiene responsabilidades administrativas, como la gestión de presupuestos, la negociación con artistas y coleccionistas, y la supervisión del montaje y desmontaje de exposiciones.

El curador como creador de experiencias:

  • Más allá de sus funciones técnicas, el curador es un creador de experiencias. Su objetivo es generar un encuentro significativo entre el público y las obras de arte, que provoque reflexión, emoción y diálogo.
  • El curador es un mediador entre el artista y el público, y su trabajo puede enriquecer nuestra comprensión del arte y del mundo que nos rodea.

En resumen, el curador es un actor clave en el mundo del arte, que desempeña un papel crucial en la investigación, selección, presentación e interpretación de las obras de arte. Su trabajo enriquece nuestra experiencia estética y nos invita a reflexionar sobre el papel del arte en la sociedad.

Para convertirse en curador de arte, una persona puede seguir diferentes caminos académicos, dependiendo de sus intereses y objetivos profesionales. Aquí te presento algunas opciones comunes:

Estudios de grado:

  • Historia del Arte: Este es el camino más tradicional para convertirse en curador. Un grado en Historia del Arte proporciona una base sólida en el conocimiento de diferentes períodos, estilos y movimientos artísticos, así como en teoría y crítica del arte.
  • Bellas Artes: Un grado en Bellas Artes puede ser útil para curadores que quieran especializarse en un medio específico, como pintura, escultura o fotografía. También puede proporcionar una comprensión más profunda de los procesos creativos y técnicos involucrados en la producción de arte.
  • Estudios Culturales o Estudios Visuales: Estos programas interdisciplinarios exploran las relaciones entre el arte, la cultura y la sociedad, y pueden ser relevantes para curadores interesados en temas como la identidad, la representación y el poder.

Estudios de posgrado:

  • Máster en Curaduría: Muchos curadores optan por realizar un máster especializado en curaduría, que les proporciona una formación más específica en teoría y práctica curatorial, así como oportunidades para desarrollar proyectos expositivos y establecer contactos profesionales.
  • Máster en Historia del Arte: Un máster en Historia del Arte puede ser útil para curadores que quieran profundizar en un período o tema específico, o para aquellos que deseen seguir una carrera académica.
  • Doctorado en Historia del Arte o Estudios Culturales: Un doctorado es necesario para aquellos que aspiran a una carrera académica o de investigación en el campo de la curaduría.

Otras opciones:

  • Programas de formación profesional: Existen programas de formación profesional en curaduría que ofrecen una alternativa más práctica y menos teórica a los estudios universitarios tradicionales.
  • Experiencia laboral: La experiencia laboral en museos, galerías u otras instituciones culturales es fundamental para desarrollar las habilidades prácticas necesarias para la curaduría.
  • Autoformación: Muchos curadores complementan su formación académica con lecturas, visitas a exposiciones, participación en conferencias y talleres, y el desarrollo de proyectos curatoriales independientes.

Consejos adicionales:

  • Especialización: Es recomendable especializarse en un área o período específico del arte, ya que esto puede facilitar el acceso a oportunidades laborales y el desarrollo de una carrera profesional.
  • Networking: Establecer contactos con otros profesionales del arte, como artistas, galeristas, coleccionistas y otros curadores, es fundamental para construir una red de apoyo y acceder a oportunidades laborales.
  • Práctica: La curaduría es una disciplina que se aprende haciendo. Buscar oportunidades para desarrollar proyectos curatoriales, ya sea de forma independiente o en colaboración con instituciones, es clave para adquirir experiencia y desarrollar habilidades prácticas.

Lineas verticales y horizontales

arte De Stijl
arte De Stijl

Artistas a lo largo de la historia han explorado la expresión artística utilizando exclusivamente líneas rectas verticales y horizontales. Algunos de los más destacados son:

  • Piet Mondrian: Pintor neerlandés, pionero del neoplasticismo, un movimiento artístico que buscaba la expresión pura de la realidad a través de líneas rectas y colores primarios. Sus obras más conocidas, como la serie “Composición”, se caracterizan por su uso de líneas negras gruesas que dividen el lienzo en rectángulos de colores primarios.
  • Theo van Doesburg: Artista neerlandés, cofundador del movimiento De Stijl junto a Mondrian. Sus obras también se basan en la abstracción geométrica y el uso de líneas rectas y colores primarios, aunque introdujo la diagonal en algunas de sus composiciones.
  • Kazimir Malévich: Pintor ruso, fundador del suprematismo, un movimiento que buscaba la supremacía de la abstracción geométrica. Sus obras más famosas, como “Cuadrado negro sobre fondo blanco”, se caracterizan por su minimalismo y su uso de formas geométricas básicas, como el cuadrado y el rectángulo.
  • Agnes Martin: Pintora estadounidense-canadiense, conocida por sus pinturas abstractas minimalistas que utilizan líneas rectas y sutiles gradaciones de color. Sus obras transmiten una sensación de calma y serenidad, y a menudo se asocian con el arte conceptual y el minimalismo.
  • François Morellet: Artista francés, pionero del arte cinético y óptico. Sus obras, a menudo basadas en sistemas y patrones matemáticos, utilizan líneas rectas y formas geométricas simples para crear efectos visuales sorprendentes e ilusiones ópticas.

Estos artistas han demostrado que la simplicidad de las líneas rectas verticales y horizontales puede ser una herramienta poderosa para la expresión artística, capaz de generar obras de gran belleza, profundidad y significado. Su trabajo ha influido en numerosos artistas y movimientos posteriores, y sigue siendo una fuente de inspiración para la creación contemporánea.

Sincretismo: La Fusión de Culturas y Creencias

Wifredo Lam
Wifredo Lam

Sincretismo: La Fusión de Culturas y Creencias

Wifredo Lam: Un Legado de Sincretismo, Lucha y Raíces Profundas

La obra de Wifredo Lam es un testimonio de su capacidad sincretista, entrelazando su vida y su arte con el espíritu incansable de un luchador viajero y apasionado. Nos recuerda que nuestras raíces son fuertes, que nuestras manos poseen el potencial de dioses ocultos en el velo de las selvas, donde el tótem del murciélago aguarda pacientemente el regreso de su hijo. Este es el legado de Wifredo Lam.

¿Cuál es el significado del sincretismo?

El sincretismo es la combinación de diferentes creencias, prácticas culturales o tradiciones, a menudo religiosas, en un nuevo sistema de creencias o prácticas. Es un proceso de fusión en el que elementos de distintas culturas se mezclan y se transforman, dando lugar a algo nuevo y único.

¿Qué es el sincretismo en el arte?

En el arte, el sincretismo se refiere a la integración de elementos visuales, estilos, técnicas o temas de diferentes culturas o períodos históricos. Los artistas sincréticos toman inspiración de diversas fuentes y las combinan para crear obras de arte que reflejan una mezcla de influencias.

¿Qué es el sincretismo cultural?

El sincretismo cultural es el proceso mediante el cual dos o más culturas se mezclan, adoptando elementos de cada una para crear una nueva cultura híbrida. Esto puede ocurrir a través del contacto prolongado entre culturas, la colonización, la migración o el intercambio cultural.

¿Qué es el sincretismo cultural en México?

México es un ejemplo clásico de sincretismo cultural. Tras la conquista española, se produjo una fusión de las culturas indígena y española. Esto se refleja en la religión, donde se mezclaron elementos del catolicismo con creencias y prácticas prehispánicas, dando lugar a festividades como el Día de Muertos. También se observa en la gastronomía, la música, el arte y otros aspectos de la cultura mexicana.

¿Qué es el sincretismo y en qué consiste?

El sincretismo consiste en la mezcla y adaptación de elementos culturales de diferentes orígenes. No se trata simplemente de una yuxtaposición de elementos, sino de una verdadera fusión en la que las partes se transforman y adquieren nuevos significados en el contexto de la nueva cultura.

¿Qué es el sincretismo en las artes visuales?

En las artes visuales, el sincretismo puede manifestarse de diversas formas:

  • Temática: Combinación de personajes, historias o símbolos de diferentes tradiciones.
  • Estilística: Mezcla de técnicas, estilos o materiales de distintas culturas.
  • Iconográfica: Uso de imágenes o símbolos que tienen diferentes significados en distintas culturas.

¿Cuál es un ejemplo de sincretismo?

Un ejemplo clásico de sincretismo es la Virgen de Guadalupe en México. Esta figura religiosa combina elementos del catolicismo (la Virgen María) con elementos de la cultura indígena (Tonantzin, una diosa azteca).

¿Qué es el sincretismo en la pintura/PICTÓRICO?

El sincretismo pictórico se refiere a la fusión de estilos, técnicas o temas de diferentes tradiciones pictóricas. Por ejemplo, un pintor podría combinar elementos del arte europeo renacentista con elementos del arte indígena americano para crear una obra única que refleje ambas influencias.

Vinny Rivera presenta “Plan”

Vinny Rivera presenta "Plan" su nueva versión de bachata producida por DJ Magic Flow y DerekVinci
Vinny Rivera presenta "Plan" su nueva versión de bachata producida por DJ Magic Flow y DerekVinci

Vinny Rivera presenta “Plan” su nueva versión de bachata producida por DJ Magic Flow y DerekVinci

La sensación internacional de Bachata Vinny Rivera (@vinnyriveralive), está listo para cautivar a su audiencia una vez más con su más reciente proyecto musical. En colaboración con los renombrados productores DerekVinci y  DJ Magic Flow, el intérprete Vinny Rivera presenta una versión bachata de “Plan”, originalmente interpretada por Alex Ponce. Esta colaboración promete ofrecer un toque fresco y conmovedor a la querida canción, mostrando el talento vocal distintivo de Vinny y las habilidades innovadoras de sus colaboradores.

“Plan” es una canción conmovedora que mezcla elementos de pop y música latina, y la versión de Vinny Rivera promete infundirla con los ritmos y melodías apasionados de la Bachata. DJ Magic Flow, conocido por sus sobresalientes remixes de Bachata desde Argentina, y DerekVinci, celebrado por su magistral producción, han unido fuerzas para crear una versión que honra el original mientras aporta una nueva y vibrante energía a la canción.

“Siempre he sido apasionado por fusionar diferentes estilos musicales con la Bachata, y ‘Plan’ era la canción perfecta para reimaginar este género. Trabajar con DJ Magic Flow y DerekVinci ha sido una experiencia increíble, y no puedo esperar a que mis fans escuchen lo que hemos creado juntos”, dice Vinny Rivera.

La experiencia de DJ Magic Flow en transformar éxitos contemporáneos en favoritos de Bachata, combinada con las técnicas innovadoras de producción y de talla internacional de DerekVinci, ha resultado en una pista que es a la vez nostálgica y visionaria. Esta versión de “Plan” está lista para resonar con los fans de la canción original y del género Bachata.

Tras el exitoso paso de Vinny por la ciudad de Monterrey en su reciente show, se pudo apreciar de una Vinny Rivera, voraz y super talentoso, con sus grandes interpretaciones el público nunca dejó de bailar y de disfrutar su melodía, gracias al respaldo de su gran equipo de EQS Música (@eqsmusica), Vinny ha logrado aterrizar en diferentes países y posicionarse cada día más como un exponente de gran fuerza de la bachata internacional.

Vinny Rivera invita a los fans y entusiastas de la música a experimentar esta electrizante nueva versión “Plan” disponible en todas las plataformas digitales. Prepárense para ser arrastrados por las melodías conmovedoras y los ritmos apasionados que solo Vinny Rivera, DJ Magic Flow y DerekVinci

33 Contemporary Gallery Presents “Interplay: Contemporary Geometric Abstraction”

PatricknSchmidt
Image by Patrick Schdmit

33 Contemporary Gallery Presents “Interplay: Contemporary Geometric Abstraction”

33 Contemporary Gallery is proud to announce “Interplay: Contemporary Geometric Abstraction,” an international exhibition showcasing the cutting-edge work of 49 artists pushing the boundaries of geometric abstraction. The exhibition will be held at the Palm Beach Art & Design Showroom in Lake Worth, Florida, from August 8 to 31, 2024.

Curated by Sergio Gomez, “Interplay” delves into the myriad ways contemporary artists utilize geometry as a foundation for both symbolic, narrative, and formal, non-objective expressions. The exhibition features a diverse group of artists hailing from Ukraine, Canada, Scotland, France, Germany, Spain, the UK, Argentina, Italy, and the United States, Venezuela offering a global perspective on this evolving art form.

Opening Reception:

The public is invited to celebrate the opening of “Interplay” at a reception on Thursday, August 8, from 6 to 8 pm at the Palm Beach Art & Design Showroom. Attendees will have the opportunity to meet many of the participating artists, view their works firsthand, and engage in lively conversations about contemporary geometric abstraction.

Exhibition Details:

  • Dates: August 8 – 31, 2024
  • Location: Palm Beach Art & Design Showroom, 500 N. Dixie Hwy, Lake Worth, FL
  • Hours: Tuesday – Saturday, 10 am – 5 pm
  • Online Exhibition: The works will also be available to view and purchase on Artsy.net.

About the Artists:

The 49 artists in “Interplay” were selected for their exceptional talent and innovative approaches to geometric abstraction. Their work represents a wide range of interpretations and techniques, from minimalist compositions to bold, colorful explorations of form and space.

Participating Artists:

ASANDRA, Lia Ali, Nina Ashraf, Nerea Azanza, BOJITT, Betti Brillembourg, Segun Caezar, Lisette Cedeño, Trace Chiodo, Su Kaiden Cho, Adeola Davies-Aiyeloja, Lewis Deeney, Susan Detroy, Michele Di Leo, Cheryl Eggleston, Andrew Ekins, Douglas Frohman, Maria Andreina Gonzalez Vivas, Harry Matti Hukkinen, Cj Hungerman, Paulina M. Johnson, Ananda Kesler and Judy Bales, Lisa Kinzelberg, Inna Malostovker, Francisco Marin, Erich Meager, Polly Merredew, Lee Morrison, Iriana Muñoz, Philip Noyed, Marianela Perez, Deborah Perlman, Picardo, Joanna Pinsky, Juliana Plexxo, Jonathan Pruc, Alejandra Repetto Escardó, Jacki Rosen, Delsy Rubio, Patrick Schmidt, Michele Renee Sherlock, Jordan Scott, Carita Schmidt, Jennifer Small, Wuilfredo Soto, Lois Stone, Dina Toporska, Paula Valenzuela, and Clifton G. Webb

About Palm Beach Art & Design Showroom:

The Palm Beach Art & Design Showroom is a year-round destination for collectors, designers, curators, and art enthusiasts. With the backing of the Palm Beach Show Group, the Showroom offers a diverse collection of fine art, sculpture, glass, and design objects from both domestic and international galleries.

Contact:

For more information, please contact 33 Contemporary Gallery at [email protected] or the Palm Beach Art & Design Showroom at [email protected] or 561-229-0046.

Website:

www.33contemporary.com

www.palmbeachdesignshowroom.com

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