Parte 1.- Origen y desarrollo del Arte Abstracto.-
En una web de Pintura y Dibujo como esta no puede faltar un apartado dedicado a la Historia de la Pintura por ello he decidido que publicaré de vez en cuando siquiera sea muy resumidamente algunas referencias a los pintores y movimientos pictóricos más importantes.
Por eso a modo de rápido apunte y de pequeño homenaje he querido traer aquí a los nueve pintores que en mi modesta opinión más influyeron en el origen y desarrollo de la Pintura Abstracta y consecuentemente en el Arte Moderno, Arte Contemporáneo y arte actual, junto con sus obras más representativas del movimiento artístico en el que militaron.
Ya antes del Impresionismo, el gran genio de las letras francesas que fue Gustave Flaubert, había presentido proféticamente un arte absolutamente distinto de su tiempo, el del realismo que el mismo defendía. Lo había descrito en su correspondencia: “La belleza se convertirá quizás en un sentimiento inútil para la humanidad y el arte será algo que se situará a mitad de camino entre el álgebra y la música”.
Gustave Flaubert (1821-1880) Autor de Madame Bovary
Retratado por Pierre François Eugène Giraud
Esta es la definición premonitoria de la abstracción geométrica, escrita en 1852, casi en el mismo momento en que Courbet había formulado su rigurosa definición de una pintura realista: “La pintura es un arte esencialmente concreto y no puede consistir más que en la representación de las cosas reales y existentes; un objeto abstracto, no visible ni existente, no pertenece al campo de la pintura”.
Gustave Courbet (1819-1877)
Autorretrato
El tiempo ha demostrado hasta que punto estaba equivocado el bueno de Courbet.
Flaubert, talento de igual realismo que Courbet, había previsto, sin embargo, un porvenir artístico situado más allá de los límites de la percepción visual. ¡¡Y eso hace 160 años!!
CUADRO SINÓPTICO
IMPRESIONISMO
Claude Monet. 1840-1926
Autorretrato
“Impression, soleil levant” 1872.- 48 x 63
POSTIMPRESIONISMO
Vincent Van Gogh. 1853-1890
Autorretrato
“Noche estrellada” 1889.- 73,7 x 92,1
Paul Cezanne. 1839-1906
Autorretrato.
“Monte Sainte Victoire” 1904.- 69,8 x 89,5
FOVISMO
Henri Matisse. 1869-1954
Autorretrato
“Madame Matisse” Retrato con una franja verde. 1905.- 32,4 x 40,6
EXPRESIONISMO
Ernst Kirchner.1880-1938
Autorretrato
“Aiuole di fiori nel parco di Dresde” 1905.- 77,4 x 94,5
CUBISMO
Pablo Ruiz Picasso. 1881-1973
Autorretrato
“Las señoritas de Avignon” 1907.- 237,7 x 243,9
FUTURISMO
Carlo Carrá. 1881-1966
Autorretrato. 1951
Ritmi di Oggetti 1911 53 x 67
ABSTRACCION LIRICA
Vasili Kandinsky. 1866-1944
Autorretrato
“Primera Acuarela Abstracta” 1910.- 50 x 65
ABSTRACCION GEOMETRICA
Pieter Mondrian. 1872-1944
Autorretrato
“Quadro nº 2” 1921.- 65 x 75
PARTE 2.- CUBISMO Y FUTURISMO
EL CUBISMO
Aunque escasamente precedido del Fovismo (que altera el color en relación a la realidad), el Cubismo (que altera las formas reales de lo representado) fue el más influyente movimiento del arte del siglo XX. Después del Cubismo ya nada fue igual.
El Cubismo fue el primero de los grandes movimientos del arte del siglo XX. Basado fundamentalmente en la estructuración espacial, formas geometrizadas con alternancia de planos triangulares y curvos, superficies cóncavas y convexas pero colores generalmente grises, negros, marrones y ocres.
El Cubismo fue un movimiento artístico desarrollado entre 1907 y 1914, nacido en Francia y encabezado por Pablo Picasso, Georges Braque y Juan Gris. Es una tendencia esencial pues da pie al resto de las vanguardias europeas del siglo XX. No se trata de un ismo más, sino de la ruptura definitiva con la pintura tradicional.
Arriba de izquierda a derecha: Pablo Picasso y George Braque
Debajo de Izquierda a derecha: Juan Gris y Louis Marcoussis
El término cubismo fue acuñado por el crítico francés Louis Vauxcelles el mismo que había bautizado a los fauvistas motejándolos de fauves (fieras). En el caso de Braque y sus pinturas de L’Estaque Vauxcelles dijo, despreciativamente, que era una pintura compuesta por «pequeños cubos». Se originó así el concepto de «cubismo».
Louis Vauxcelles (1870-1943).- Crítico de arte
Dio nombre despectivamente al Cubismo y al Fovismo. De fuerte espíritu conservador nunca comprendió la causa del Vanguardismo al que desacreditaba en sus artículos.
El primer cuadro cubista lo pintó Picasso en 1907: “Las señoritas de Avignon” origen de toda la pintura cubista, inmediatamente seguido por Georges Braque y Juan Gris, y más tarde por Metzinger, Gleizes y Leger. La fecha de 1907, puede tomarse como referencia para hablar de Cubismo. Este es el año del encuentro entre Braque y Picasso. Los críticos contemporáneos fueron unánimes a la hora de proclamar a Picasso como líder del movimiento. Es curioso el hecho de que las primeras obras cubistas fueron pintadas por Braque. Ambos, Picasso y Braque, rompieron con todas las tradiciones del arte occidental ofreciendo a los artistas la libertad de pintar sin normas. Puede afirmarse que Picasso es al Cubismo lo que Matisse al Fovismo.
“Las señoritas de Avignon” en 1907 se considera la piedra angular del arte del siglo XX. Una obra maestra marcaba un nuevo punto de partida. A partir de aquí Picasso elimina todo lo sublime de la tradición. El Cubismo sólo es comprensible si rompemos con lo anterior.
Se exalta el plano, se rescatan escenas de interiores. Pintura figurativa que “destroza” las formas. Se crea al gusto del pintor, rompe con los tabúes del arte occidental, no se pinta con normas. Se rompe con la perspectiva renacentista
Dentro del cubismo podemos distinguir: el Cubismo Analítico, el Cubismo Sintético, el Cubismo Órfico y el Grupo de Puteaux.
CUBISMO ANALÍTICO
El Cubismo Analítico transcurrió entre 1909 y 1912. Los lienzos de esta época se caracterizaron por el análisis de la realidad y la descomposición en planos de los distintos volúmenes de un objeto para que la mente captase su totalidad.
Predominaban los ángulos y las líneas rectas y la iluminación no era real, ya que la luz procedía de distintos puntos. Las gamas de colores se simplificaron notablemente, en una radical tendencia al monocromatismo: castaños, grises, cremas, verdes y azules
CUBISMO SINTÉTICO
El Cubismo Sintético, de 1912 a 1914, trajo consigo la reconsideración de algunos de los modos expresivos de la anterior. El color volvió ahora a tener mayor protagonismo. Las superficies, aunque seguían apareciendo siempre fragmentadas, eran más amplias y decorativas. La novedad más singular fue, sin duda, el uso de materiales no pictóricos.
Esta técnica, conocida como collage, incorporó al lienzo elementos cotidianos como cajetillas de cigarrillos, páginas de periódicos, trozos de vidrio, telas y, en no pocas ocasiones, incluso arena.
Con la utilización de estos inusitados materiales en el lienzo, el cubismo, a la vez que aprovechó las diferencias de textura y de naturaleza de sus componentes, planteó, desde un ángulo original, la cuestión, siempre inquietante, de qué era realidad y qué ilusión
CUBISMO ÓRFICO
Una rama del cubismo fue el Orfismo, también llamado Cubismo cromático o Cubismo Abstracto o Cubismo Órfico o Simultaneísmo.
Cubismo Órfico fue nombre dado en 1913 por el poeta Guillaume Apollinaire a la tendencia colorista y abstracta del cubismo parisino cuyos máximos representantes son Robert y Sonia Delaunay, Auguste Macke, Francis Picabia y Frantisek Kupka quienes acabaron renunciando a la representación figurativa. Centrándose en el color se aproximaron a la abstracción geométrica.
De izquierda a derecha: Robert Delaunay, Sonia Delaunay y Frantisek Kupka
De izquierda a derecha: August Macke y Francis Picabia
Guillaume Apollinaire (1880-1918).- Poeta, novelista y ensayista.
Dio nombre al Orfismo. Es autor del ensayo crítico “Les peintres cubistes” (Los pintores cubistas), donde hace una defensa encendida del nuevo movimiento como superación del realismo.
GRUPO DE PUTEAUX
Además de Picasso y Braque, a los que se considera fundadores del cubismo, y Juan Gris y Marcoussis, sus más directos seguidores, el Cubismo fue seguido por una multitud de artistas entre 1911 y 1914.
En 1912, en las cercanías de París se reúnen algunos de los recién llegados a los que se llamará el Grupo de Puteaux o la Section d’Or asociado al Cubismo Órfico (Principalmente Albert Gleizes, Marcel Duchamp, Jean Metzinger, Fernand Léger y André Lothe.)
De izquierda a derecha: Albert Gleizes , Jean Metzinger y André Lothe
De izquierda a derecha: Marcel Duchamp y Fernand Leger
FUTURISMO
El Futurismo es un movimiento literario y artístico que surge en Italia en el primer decenio del S. XX (1909-1916) mientras el Cubismo apareció en Francia. Gira en torno a la figura de Marinetti, que no era pintor sino poeta, quien publica en el periódico parisiense Le Figaro el 20 de Febrero de 1909 el Manifiesto Futurista
En 1910 ya se puede hablar de un grupo liderado por Marinetti, formado por pintores como Russolo, Carrá, Boccioni, Balla o Severini. El Futurismo fue llamado así por su intención de romper absolutamente con el arte del pasado, especialmente en Italia, donde la tradición artística lo impregnaba todo.
Arriba de izquierda a derecha: Carlo Carrá, Umberto Boccioni y Giacomo Balla
Abajo de izquierda a derecha: Gino Severini, Luigi Russolo y Filipo Marinetti
La estética futurista difunde también una ética de raíz machista y provocadora, amante del deporte y de la guerra, de la violencia y del peligro. El futurismo fue politizándose cada vez más hasta coincidir con las tesis del fascismo, en cuyo partido ingresó Marinetti en 1919.
El futurismo procede directamente del cubismo, incluso los primeros cuadros, son de pleno derecho, cubistas, pero evolucionan rápidamente hacia una estética diferenciada, debido a su obsesión por representar la velocidad.
Fue uno de los primeros “ismos” o vanguardias artísticas, y su valor como movimiento de ruptura allanó el camino a otras corrientes que refrescaron el panorama artístico en los albores del siglo XX
Aunque el futurismo tuvo una corta existencia, aproximadamente hasta 1944 -acabado con la muerte de Marinetti- su influencia se aprecia en las obras de autores como Marcel Duchamp, Fernand Leger y Robert Delaunay en París, así como en el definitivo Constructivismo ruso.
CUADRO SINÓPTICO
CUBISMO ANALÍTICO
Pablo Picasso (1881-1973).- Muchacha con mandolina.- 1910
Juan Gris (1887-1927).- Retrato de Picasso.- 1912
George Braque (1882-1963).- Piano y Mandolina.-1910
Louis Marcoussis (1883-1941).- La Table.- 1930
CUBISMO SINTÉTICO
Pablo Picasso (1881-1973).- Naturaleza muerta con silla de rejilla.-1912
George Braque (1882-1963).- Frutero y Jarrón.-1912
Juan Gris (1887-1927).- Botella de anís del mono.-1914
CUBISMO ÓRFICO
Robert Delaunay (1885-1941).- La Torre Eiffel.- 1911
Frantisek Kupka (1871-1957).- La Catedral.- 1913
Francis Picabia (1879-1953).- Estrella danzante y su escuela de danza.- 1913
Sonia Delaunay (1885-1979).- Contraste simultáneos.- 1913
Augus Macke (1887-1914).- Mujeres claras ante la sombrerería.- 1913
GRUPO DE PUTEAUX
Albert Gleizes (1881-1953).- Retrato de Igor Stravinsky.-1914
Jean Metzinger (1883-1956).- Naturaleza muerta.- 1919
André Lothe (1885-1962).- Nu a sa toilette.- 1918
Marcel Duchamp (1887-1968).- Desnudo bajando una escalera.- 1912
Fernand Leger (1881-1955).- La modelo desnuda en el taller.- 1913
FUTURISMO
Carlo Carrá (1881-1966).- Funeral por el anarquista Galli.- 1911
Giacomo Balla (1871-1958).- Velocidad abstracta + sonido.- 1913
Luigi Russolo (1885-1947).- Dinamismo en un automóvil.- 1911
Umberto Boccioni (1885-1947).- The Street Enters the House.- 1911
Gino Severini (1883-1966).- Bailarina.- 1913
Parte 3.- Fovismo y Expresionismo
FOVISMO
Continuando con el desarrollo de los orígenes de la Pintura Abstracta, me gustaría aportar un breve apunte sobre los dos movimientos de los que surge la Abstracción Lírica.
El primer movimiento artístico importante de principios del siglo XX, es decir de las Vanguardias históricas que surgen antes de la II Guerra Mundial, fue el Fovismo, de escasa duración, caracterizado por el color brillante y puro.
Henri Matisse en 1905 crea el retrato “Madame Matisse con una franja verde” con un dibujo convencional pero con una calculada utilización del color nada convencional, más bien “feroz”, de fiera, “fauve” tal como lo definió el crítico Louis Vauxcelles al ver el envío hecho al Salón de Otoño de 1905. A este movimiento se unen Andre Derain, De Vlaminck, Kees Van Dongen, Albert Marquet, y Raoul Dufy. Fue un movimiento de efímera duración que sirvió de inspiración a los expresionistas.
Arriba de izquierda a derecha: Henri Matisse, André Derain y Maurice de Vlaminck
Abajo de izquierda a derecha: Kees Van Dongen, Albert Marquet y Raoul Dufy.
EXPRESIONISMO
De la utilización libre y exaltada del color surgió el Expresionismo, casi al mismo tiempo que el Cubismo y el Fovismo, hacia 1905, siendo una revolución artística básicamente alemana, que se desarrolló durante décadas en Centroeuropa y que ha ejercido una innegable influencia en alguno de los movimientos artísticos más destacados del siglo XX.
El nombre de Expresionismo lo usó el marchante Paul Cassirer para definir el arte de Pechstein pero lo popularizó el pintor y profesor de algunos expresionistas Lovis Corinth, uno de los representantes del movimiento artístico “Secesión de Berlín”, al referirse a un grupo de jóvenes pintores invitados a la “XXII Exposición de la Secesión” en 1911.
A la izquierda: Paul Cassirer (1871-1926) Marchante que promocionó la obra de los impresionistas.
A la derecha: Lovis Corinth (1858-1925) Pintor
Los dos principales grupos del Expresionismo son:
“Die Brücke” (“El Puente”)
En Dresde en 1905, cuatro jóvenes estudiantes de arquitectura (Kirchner, Erich Heckel, Karl Schmidt-Rottluff y Fritz Bleyl) fundaron un grupo, “Die Brücke”, que quería ser el puente que uniera el nuevo arte con la sociedad. Debido a la influencia que ejercía Van Gogh en la pintura de aquella época Emil Nolde quiso que el grupo se llamara “Van Goghiana”, pero triunfó la propuesta de Schmidt-Rottluff. Posteriormente se unieron Otto Müller y Max Pechstein, entre otros.
Arriba de izquierda a derecha: Ernst Ludwig Kirchner y Erich Heckel
Abajo de izquierda a derecha: Karl Schmidt-Rottluff y Fritz Bleyl
De izquierda a derecha: Emil Nolde, Otto Mueller y Max Pechstein
“Der Blaue Reiter” (”El Jinete Azul”)
En 1911 Vassily Kandinsky funda en Munich, junto a Franz Marc el segundo de los grandes grupos expresionistas al que después llamaron “Der Blaue Reiter” al que se sumarían Jawlensky, Marianne Von Werefkin, Gabrielle Münter y ocasionalmente Macke aunque a este se le considera el máximo representante del llamado Expresionismo Renano.
El Jinete Azul fue el título de una publicación que apareció en la Editorial Reinhard Piper en 1912 aunque originariamente debía ser un almanaque. En principio Kandisnky propuso que el grupo se llamase La Cadena. Finalmente decidieron el nombre de Der Blaue Reiter porque a Franz Marc le gustaban los caballos, que solía pintar en azul, y a Kandinsky los jinetes. El comienzo de la I Guerra Mundial disuelve “El Jinete Azul”.
Arriba de izquierda a derecha: Vasili Kandinsky, Franz Marc y Alexei Jawlensky
Abajo de izquierda a derecha: Marianne Von Werefkin, August Macke y Gabriele Münter
Kandinsky crea en 1910 su “Primera Acuarela Abstracta” considerada la primera obra abstracta de la Pintura, en 1912 escribe su libro “De lo espiritual en el Arte” y queda reconocido como el padre de la Abstracción.
“INDEPENDIENTES”
A los anteriores artistas habría que añadir otros expresionistas “independientes”:
Max Beckmann.- Fue miembro de la asociación “Secesión de Berlín” y de la “Nueva Secesión”. Estaba más cerca de la generación anterior (Corinth, Slevogt y Liebermann) que de los vanguardistas (Kirchner, Kandinsky y Marc)
Paul Klee.- Expone en la “Secesión de Berlín”. Formó parte de “Der Blaue Reiter”. Fue profesor en la Bauhaus de Weimar.
Oskar Kokoschka.- Fue uno de los representantes del Expresionismo en Viena. Participó en la creación de la revista “Der Sturm” (La Tormenta) Se “especializó” en retratos expresionistas de gran profundidad psicológica.
Edvard Munch.- Expone en la “Secesión de Viena” y forma parte de la “Secesión de Berlín”. Fue miembro de la Academia de Bellas Artes de Alemania.
Egon Schiele.- Fue la segunda personalidad sobresaliente del Expresionismo en Viena. Autor de desnudos fue condenado a tres días de cárcel por sus obras “pornográficas”. Su medio expresivo propio sería el dibujo sobre papel.
A los que habría que añadir Otto Dix, George Grosz, Conrad Felixmüller, Ludwig Meidner, Lyonel Feininger, Christian Rohls, Paula Modershon-Becker, Heinrich Campendonk.
De izquierda a derecha: Max Beckman, Paul Klee y Oskar Kokoschka
De izquierda a derecha: Edvard Munch y Egon Schiele
CUADRO SINÓPTICO
FOVISMO
Enri Matisse (1869-1954).- Chica leyendo.- 1906
Andre Derain (1880-1954).- Barcos en Colliure.- 1905
Maurice de Vlaminck (1876-1958).- El Circo.-1906
Kees Van Dongen (1887-1968).- Fernande Olivier.- 1905
Albert Marquet (1875-1947).- El 14 de Julio en El Havre.- 1906
Raoul Dufy (1877-1953).- Barcas en Martigues.- 1908
“DIE BRÜCKE”
Ernst Ludwig Kirchner (1880-1938).- Retrato de mujer.- 1911
Erich Heckel 81883-1970).- El estanque.-1910
Karl Schmidt-Rottluff (1884-1976).- Gaertnerei.-1906
Fritz Bleyl (1880-1966).- Poster para promover el show “Die Brücke”.-1906
Emil Nolde (1867-1956).- Las Máscaras.- 1911
Otto Mueller (1874-1930).-Pareja de enamorados.- 1909
Mex Pechstein (1881-1955) Paisaje Fluvial.- 1920
“DER BLAUE REITER”
Vasili Kandinsky (1886-1944).- La Calleja Grün en Murnau.-
Franz Marc (1880-19169).- Los pequeños caballos azules.-
Alexei von Jawlensky (1867-1941).- Costa Mediterránea.-
Marianne von Werefkin (1860-1938).- Autorretrato.-1910
August Macke (1887-1914).- Muchachas bajo los árboles.-1914
Gabriele Münter (1877-1962).- Autorretrato.- 1909
“INDEPENDIENTES”
Max Beckman (1884-1950).-Autorretrato como enfermero.- 1915
Oskar Kokoschka (1886-1940) Niña con muñecas.- 1921
Edvard Munch (1863-1944).- Mujeres sobre el puente.- 1902
Paul Klee (1879-1940).- Juego de cartas en el jardín.- 1913
Egon Schiele (1890-1918).- Casas en arco.-1915
Parte 4.- Abstracción Geométrica
Como ya vimos anteriormente el Futurismo, Cubismo, Fovismo y Expresionismo abrieron el camino llegando a las orillas de la Abstracción, es decir se produce un paso desde el arte mimético hasta el arte no-objetivo o como se conoce popularmente del arte figurativo al arte abstracto.
Este movimiento artístico niega que el arte se justifique por la imitación de la naturaleza sino por el significado de las cosas al margen de las apariencias visuales, una obra no tiene por qué representar una cosa concreta, dejando así de ser un medio de conocimiento, referido a un modelo natural, para convertirse en un medio esencial de comunicación, es decir en una fuente de sentimientos y emociones, marcando de este modo una ruptura con el arte anterior y ello casi coincidiendo con el final de la I Guerra Mundial.
El arte abstracto prescinde de la representación de un tema o un asunto figurativo y lo sustituye por un lenguaje visual autónomo, con significado propio. Se entiende por pintura abstracta aquella que prescinde por completo del objeto y de la figura y el cuadro se compone mediante la combinación de líneas y colores. Para decirlo a mi manera la pintura deja de ser un arte narrativo-descriptivo para convertirse en un potente lenguaje poético-emocional.
La corriente principal de la abstracción se basó en la geometría ya que la otra posibilidad, la orgánica o lírica, se practicó a título individual en los años veinte y treinta.
De este nuevo concepto surgen los dos polos fundamentales del arte abstracto: el orgánico o lírico, de Kandinsky (en Alemania) y el geométrico, de Malevich (en Rusia) y de Mondrian (en Holanda). El primero se basa en la libre sensibilidad y la pasión. El segundo en la reflexión intelectual expresado en formas geometrizantes.
A su vez en ambas tendencias hay dos períodos diferenciados el primero a partir de la I Guerra Mundial, llamado de la Primera Vanguardia Histórica, que se aplica ya al Cubismo y Futurismo aunque algunos autores la inician en el Impresionismo con Eduard Manet, y el segundo período a partir de la II Guerra Mundial, llamado de la Segunda Vanguardia Histórica (1945-1970)
En esta cuarta parte de los apuntes sobre los orígenes de la Abstracción sólo me referiré al primer período de la Abstracción Geométrica. Próximamente hablaré sobre la Abstracción Lírica.
Pioneros de la abstracción
La Abstracción Geométrica nació en la segunda década del siglo XX como reacción al Impresionismo. Fueron los postimpresionistas Cezanne y Seurat quienes preconizaron la armonía como objetivo y esencia de la pintura por encima de la percepción y registro de los fenómenos visuales dando prioridad al orden conceptual que exige una armonía paralela a la naturaleza y no una imagen de ella.
De izquierda a derecha: Paul Cezánne (1839-1906) y George- Pierre Seurat (1859-1891)
Es muy difícil establecer cuándo nació la primera obra típica de la noción de abstracción geométrica pero fue creada en el ámbito de la “Section d’Or”, un grupo de cubistas formado entre otros por Frantisek Kupka y Robert Delaunay
De izquierda a derecha, Frantisek Kupka y Robert Delaunay.
La obra de Kupka y de Delaunay, se convirtió en el punto de partida de un arte que, sobrepasando la figuración, permanecía fiel a los principios de la armonía.
Kupka fue el primero en 1909, un año antes de la “Primera acuarela Abstracta” de Kandinsky, en crear un cuadro alejado de cualquier referencia a la realidad y vagamente geométrico y abstracto, “El primer paso” (83,2 x 129,6)
Robert Delaunay, en 1912 abandonó el cubismo y pintó su cuadro “Primer disco simultáneo”, compuesto por círculos en forma rigurosamente geométrica.
Vanguardia rusa abstracta
RAYONISMO (1911-1914)
El Rayonismo es el último estadio del Futurismo sin embargo difícilmente se observa en él figura alguna. Pretende representar las radiaciones que se desprenden de los cuerpos, es la época en que se descubren los rayos X y la radioactividad.
El primer movimiento de la vanguardia rusa, el Rayonismo (del francés rayonner, irradiar) se anuncia en 1913, cuando aparece el Manifiesto Rayonista “como una síntesis de Cubismo, Futurismo y Orfismo”, creado por Lariónov y Gontcharova, pudiendo considerarse como la primera escuela rusa original de pintura no-objetiva preludio de la abstracción geométrica propiamente dicha.
Mijail Fyodorovich Lariónov está presente en la Exposición Internacional de Viena en 1907 y en la Der Blue Reiter (Múnich, 1912). En 1913 publica “Luczim” texto base del movimiento rayonista.
Natalia Sergéyevna Gontcharova, junto con Larionov desarrolló el Rayonismo y fueron los padres de la Vanguardia rusa. También participó en la exposición de Der Blaue Reiter de 1912, grupo del que fue miembro.
SUPREMATISMO (1913-1919)
El Suprematismo es una forma de abstracción que se caracteriza por las figuras simples, geométricas y los colores planos. Es un movimiento artístico enfocado en formas geométricas fundamentales –el círculo y el cuadrado-, que se basaba en la representación del universo sin objetos. Este movimiento ejerció una fuerte influencia en Occidente, en la evolución del arte y el diseño.
De izquierda a derecha: Kasimir Malevich, Olga Rozánova y El Lissitski
Kazimir Severinovich Malévich, formado en el Fovismo y el Cubismo Analítico, describía sus obras como “la supremacía de la pura sensibilidad del arte”, por ello a la abstracción geométrica que desarrolló desde 1913 la llamó Suprematismo y en 1915 publicó el manifiesto “Del Cubismo y el Futurismo al Suprematismo. El nuevo realismo pictórico” Su primera obra suprematista fue “Cuadrado negro sobre fondo blanco” de 1913. Finalmente abandonó el Suprematismo y colaboró en el desarrollo del Constructivismo. Junto con Mondrian está considerado como el padre de la Abstracción Geométrica.
Olga Vladímirovna Rózanova, se unió en 1916 a Supremus, un grupo de artistas vanguardistas dirigidos por Kazimir Malévich. Durante estos años sus pinturas, influidas entonces por el cubismo y el futurismo italiano, tomaron un punto de partida completamente original hacia la abstracción pura en la cual la composición está organizada por el peso visual y la relación con el color.
Eliazar Márkovich Lissitski, fue un artista ruso, diseñador, fotógrafo, maestro, tipógrafo, y arquitecto. Contribuyó junto con Malévich al desarrollo del Suprematismo creando el grupo artístico suprematista UNOVIS, donde desarrolló una serie suprematista variante propia, los Prouns, de corta duración, pero de gran influencia. Se le considera pionero del Constructivismo e influyó en la Bauhaus y en “De Stijl”
CONSTRUCTIVISMO (1917-1933)
Esta tendencia artística de la abstracción geométrica toma su nombre del escritor y crítico Nikolay Punin que lo utilizó por primera vez en 1913 al referirse a la obra de Vladimir Tatlin. Al igual que el Futurismo el constructivismo manifestaba su rechazo al arte burgués y descubría el proyecto de un nuevo lenguaje en las “propuestas” de la tecnología y la mecánica industriales. Surgió en el marco de los pintores de izquierdas y de los ideólogos de la acción de masas. Los constructivistas rusos querían nuevas opciones artísticas y culturales adecuadas a la nueva sociedad socialista.
En 1920 cuando el Manifiesto Realista (de Antoine Pevsner y de su hermano el escultor Naum Gabo) afirmó la existencia de un núcleo espiritual para el movimiento constructivista que se oponía a la versión del constructivismo adaptable y utilitario que sostenían Tatlin y Rodtschenko la vanguardia constructivista se escindió en dos corrientes:
Constructivismo Formalista.-
Fue una tendencia minoritaria practicada por Malevich, El (Eliazar) Lissitski, Antón Pevsner y su hermano Naum Gabo, que se dedicó a la investigación formal sin preocupaciones sociales.
Arriba de izquierda a derecha: Kazimir Malevich y El Lissitski
Abajo de izquierda a derecha: Antón Pevsner y Naum Gabo
Constructivismo Productivista.-
La mayoría de los artistas optó por la supresión del arte burgués individualista y se inclinó por un arte de producción, inspirado en la mecánica industrial y en la tecnología, con fines propagandísticos y de educación moral de las masas. El grupo principal lo componían Tatlin, Rodchenko, Vesnin, Popova, Ekster y Stepánova.
Arriba de izquierda a derecha: Vladimir Tatlin, Aleksandr Rodtschenko y Alexander Vesnin
Abajo de izquierda a derecha: Várvara Stepánova, Aleksandra Ekster y Liubov Popova.
Vanguardia holandesa abstracta
NEOPLASTICISMO (“DE STIJL”, 1917-1931)
Mientras los artistas rusos se ven implicados en la Revolución, en Holanda que permanece neutral ante el conflicto mundial, Théo van Doesburg funda, en Leyden, en el 1917 la revista De Stijl (El Estilo) al que se unieron Piet Mondrian, Bart van der Leck y Vilmos Huszár. Creándose en torno a ella el Neoplasticismo, que es el nombre que le dieron a la abstracción geométrica, practicado por estos fundadores a los que se añadieron otros como, Vantongerloo, Oud y Wils, todos ellos pintores, escultores y arquitectos. En 1918 se publicó el Manifiesto de De Stijl y al año siguiente la revista se difundió por toda Europa.
En el arte del Neoplasticismo dominan dos principios: la abstracción completa, es decir la exclusión a cualquier referencia figurativa, y segundo principio, la limitación a la línea recta y al ángulo recto (horizontal y vertical) evitando las líneas curvas y diagonales que son las que representan la perspectiva. Y en cuanto al color se limita a los tres colores primarios: azul, amarillo y rojo, con los tres no-colores primarios: el blanco, el gris y el negro. El neoplasticismo está considerado, junto con el Suprematismo de Malévich, el origen de la abstracción geométrica.
Arriba de izquierda a derecha: Piet Mondrian y Theo van Doesburg
Abajo de izquierda a derecha: Bart van der Leck y Vilmos Huszár
ESCUELA DE LA BAUHAUS (1919-1933)
No puedo cerrar este capítulo dedicado la Abstracción Geométrica sin hacer una referencia a la Escuela de la Bauhaus. Fue creada con el nombre de “Bauhaus del Estado de Weimar. Escuela Superior de Artes Plásticas y de Artes y Oficios reunidas”.
La Staatliche Bauhaus (Casa de la Construcción Estatal), o simplemente Bauhaus, fue la escuela de artesanía, diseño, arte y arquitectura fundada en 1919 por el arquitecto Walter Gropius en Weimar (Alemania) hasta 1923 y en Dessau a donde se trasladó desde 1925 hasta 1932 cuando fue cerrada por el Partido Nazi por primera vez y definitivamente cerrada por los nazis en Berlín en 1933 donde funcionaba de modo privado hasta 1933
Al igual que otros movimientos pertenecientes a la vanguardia artística, la Bauhaus no se marginó de los procesos políticos-sociales, manteniendo un alto grado de contenido crítico y compromiso de izquierda. La Bauhaus -como demuestran los problemas que tuvo con políticos que no la veían con simpatía- adquirió la reputación de ser profundamente subversiva.
La Bauhaus sentó las bases normativas y patrones de lo que hoy conocemos como diseño industrial y gráfico; puede decirse que antes de la existencia de la Bauhaus estas dos profesiones no existían como tales y fueron concebidas dentro de esta escuela. Se formó cuando Gropius une la Escuela de Bellas Artes con la Escuela de Artes Aplicadas o Escuela de Artes y Oficios, transformándose en la primera escuela de diseño del mundo.
Paul Klee llegó a la escuela en 1920 y en 1922 Kandinsky se incorporó al proyecto, ambos dieron clases en el curso de diseño básico.
La influencia del movimiento neoplástico se hizo sentir en la Bauhaus, con la cual había una fuerte corriente de intercambios. En 1923 Theo van Doesburg al llegar a la Bauhaus de Weimar, ejerció una influencia decisiva en los estudiantes y en Gropius que acabaría llevando a la escuela a tomar otro rumbo.
La incorporación a la Bauhaus de László Moholy-Nagy, un artista muy cercano a Van Doesburg, supuso la introducción en la escuela de las ideas del constructivismo ruso de El Lissitski y Tatlin, que abogaban por un arte comunal, basado en la idea y no en la inspiración.
Cuando comenzó la II Guerra Mundial, casi todo el arte que se había realizado durante las décadas anteriores sucumbió. Sólo el Surrealismo y sobre todo la Abstracción sobrevivieron para dar aliento a los nuevos movimientos que surgirían al finalizar la guerra.
Las enseñanzas de Paul Klee, Théo Van Doesburg, László Moholy-Nagy, El Lissitski, Vladimir Tatlin, Johannes Itten y Josef Albers influyeron decisivamente en el desarrollo del Informalismo en Europa y el Expresionismo Abstracto en Norteamérica, de hecho ya en 1937 Moholy-Nagy funda en Chicago la New Bauhaus y en 1940 Mondrian se traslada a Nueva York, pero eso ya lo veremos en el próximo apunte que publicaré.
De izquierda a derecha: Paul Klee, Théo Van Doesburg y László Moholy-Nagy
Arriba de izquierda a derecha: El Lissitski y Vladimir Tatlin
Abajo de izquierda a derecha: Josef Albers y Johannes Itten.
CUADRO SINÓPTICO
PIONEROS
Frantisek Kupka.- 1871-1957.- “Amorfa, fuga en dos colores”.- 1912
Robert Delaunay.- 1885-1941.- “Ventanas simultáneas”.- 1912
RAYONISMO
Mijail Fyodorovich Lariónov.- 1881-1964.- “Rayonismo Azul”.- 1912
Natalia Gontcharova.- 1881-1962.- “Bosque Azul-Verde”.-1911
SUPREMATISMO
Kazimir Severinovich Malévich.-1878-1935.- “Suprematismo dinámico”.- 1916
Olga Vladimirovna Rózanova.- 1886-1918.- “Composición no objetiva”.- 1916
Eliazar Márkovich Lissitski.-1890-1941.- “Proun G7”.- 1923
CONSTRUCTIVISMO FORMALISTA
Kazimir Severinovich Malévich.-1878-1935.- “Sin título”.- 1916
Eliazar Márkovich Lissitski.-1890-1941.- “Inventing Abstraccion”.- 1920
Anton Pevner.- 1884-1962.- “Nacimiento del Universo”.- 1933
CONSTRUCTIVISMO PRODUCTIVISTA
Vladimir Yevgráfovich Tatlin.- 1885-1953.- “Metal y cuero sobre madera”.- 1914
Aleksandr Rodtschenko.-1881-1956.- “Sin título”.- 1919
Alexander Aleksandrovich Vesnin.-1883-1959.- “Sin título”.- 1920
Liubov Serguéievna Popova.- 1889-1924.- “Arquitectónica pictórica”.- 1918
Aleksandra Ekster.- 1882-1949.- “Colores dinámicos”.- 1916
Várvara Stepánova.-1894-1958.- “Construction. Planar Structure”.- 1919
NEOPLASTICISMO
Piet Cornelis Mondrian.- 1872-1944.- “Composición en Gris y Ocre”.- 1918
Théo van Doesburg.- 1883-1931.- “Contraposición XIII”.- 1925
Bart van der Leck.- 1876-1958.- “Composición. Montañas con un pueblo en Argelia”.- 1917
Vilmos Huszár.- 1884-1960.- “Composición”.- 1920
BAUHAUS
Paul Klee.- 1879-1940.- “Flora sobre la arena”.- 1927
Théo van Doesburg.- 1883-1931.- “Pintura Pura”.- 1920
Lászlo Moholy-Nagy.- 1895-1946.- “Composición A XXI”.- 1925
Eliazar Márkovich Lissitski.-1890-1941.- “Globetrotters in time”.- 1923
Vladimir Yevgráfovich Tatlin.- 1885-1953.-“Constructivismo Cubista”.- 1920
Josef Albers.- 1888-1976.- “Sin título”.- 1921
Johannes Itten.- 1888-1967.- “Ascension y Pausa”.- 1919
Parte 5.- Abstracción Lírica
Como ya vimos en apuntes anteriores si el Cubismo y el Futurismo dieron lugar a la Abstracción Geométrica, de la mano de Malevich y Mondrian, será en el Fovismo y en el Expresionismo donde se encuentre la semilla de la Abstracción Lírica que Vasily Kandinsky y Paul Klee hicieron germinar.
La abstracción lírica es una tendencia contraria a la abstracción geométrica que enfatiza la expresividad de los colores, las formas y la materia, sin mostrar referencias directas de la realidad y con el fin de provocar emociones en el espectador. La abstracción pura, o no figurativa, es, probablemente, el culmen ideal del arte al quedarse exclusivamente con el concepto y la belleza. La obra de arte debe ser bella por sí misma, el cuadro como objeto bello. Era un concepto totalmente nuevo y opuesto al concepto de arte surgido en el Renacimiento.
“No se puede examinar o analizar el cuadro, o la estatua, sirviéndose de ese “lenguaje crítico” propio del arte de ayer, pero que se adapta mal al de hoy” (Gillo Dorfles, “Ültimas tendencias del arte de hoy”, Edit. Labor, 1965)
De izquierda a derecha: Vasily Kandinsky y Paul Klee
Cronológicamente, Mikalojus Konstantinas Čiurlionis está considerado, por sus composiciones no figurativas fechadas en 1904 y 1905, como el primer pintor abstracto, pero generalmente se acepta que la Abstracción Lírica “comienza” con la primera acuarela abstracta que Kandinsky pinta sin título en 1913 pero que adelanta su fecha datándola en 1910 según Volkmar Esser, autor de “Los Maestros de la Pintura Occidental”, Edit. Taschen 2000, obra que se conoce mundialmente como “Primera Acuarela Abstracta”.
Vasili Kandinsky (1886-1944).- “Primera Acuarela Abstracta”.- 1910
En 1911 Kandinsky escribe, y publica en 1912, su obra teórica “De lo espiritual en el arte” donde relaciona principios de la música y de la pintura, especialmente conceptos del ritmo.
“Aunque en el dominio superespecializado del arte contemporáneo debe denominarse abstractas solamente las obras carentes de figuración el hecho es que el término abstracción tiene una acepción bastante más amplia incluyendo en ella lo que en la pintura del presente se denomina semiabstracción”. Juan-Eduardo Cirlot, “El espíritu abstracto”, Edit. Labor, 1965. De modo que la abstracción lírica se ha utilizado con frecuencia como cajón de sastre donde incluir las más variadas tendencias. Por ello bajo ella se cobijan tanto el Informalismo europeo como el Expresionismo Abstracto norteamericano, que teniendo importantes similitudes también tienen grandes diferencias como veremos más adelante
INFORMALISMO
Informalismo es la pintura capaz de mostrarse completamente ajena a cualquier forma de significado, sustentándose tan sólo en la identidad material de sus elementos plásticos.
El adjetivo “informal” fue utilizado por primera vez por el pintor Georges Mathieu en la mitad del siglo XX. Poco después en 1951 el crítico Michel Tapié lo redefinió como “Art Informel” y también como “Art Autre” (Otro Arte) utilizándolo en un sentido amplio para referirse a la pintura practicada entre la figuración apenas insinuada y lo estrictamente no-figurativo. De este modo el Informalismo se convierte en la denominación para las tendencias dominantes en la Segunda Vanguardia en Europa desde la II Guerra Mundial hasta avanzada la década de los sesenta, imponiéndose como un verdadero “estilo” europeo
“Informalismo” es un término ambiguo que sirve para designar obras de aspectos muy diversos agrupadas en distintas tendencias pero que todas tienen en común el lenguaje no figurativo (es decir abstracto) y no geométrico (es decir abstracto lírico) llegando a veces a la abstracción pura. Estas tendencias son principalmente el Informalismo Matérico, el Informalismo Gestual, el Tachismo y el Espacialismo, a las que habría que añadir la quinta tendencia, informalista pero no propiamente abstracta, con insinuaciones figurativas, el Art Brut o Arte Marginal.
TACHISMO
Fue una corriente dentro de la pintura abstracta que se desarrolló hacia 1954. Esta tendencia muestra una abstracción radical, ni geométrica ni verdaderamente gestual, que se centra en la difusión de la mancha de color.
La invención del término “tachisme” (del francés “tache”, es decir “mancha”) se le atribuye al crítico Pierre Guéguen (1951) pero se popularizó por el artículo del médico y escritor Charles Estienne publicado en 1954 para referirse a la obra expuesta en el Salón de Octubre. Por tanto traducido propiamente al castellano el término “tachisme” debería conocerse como “Manchismo” en lugar de Tachismo o Tachonismo como se le conoce.
Los principales representantes de esta tendencia fueron Alfred Otto Wolfgang Schulse, más conocido por Wols, George Mathieu, Hans Hartung, Nicolás de Staël y Pierre Soulages.
De izquierda a derecha: Wols, Mathieu y Hartung
De izquierda a derecha: Pierre Soulages y Nicolás de Staël.
INFORMALISMO GESTUAL
Esta tendencia del Informalismo se caracteriza por la planitud de la obra, no hay sombras, ni contrastes ni volúmenes, renunciando por completo a cualquier tipo de mímesis figurativa. Sólo pintura extendida sobre el lienzo, resaltando el valor de la pincelada, la mancha, como testimonio de la intervención consciente del artista que expresa las vivencias gestuales del propio acto pictórico. Es decir sin más proyecto previo que el desarrollado por el instinto del pintor en el proceso de ejecución.
Los más conocidos pintores que practicaron esta tendencia fueron Henri Michaux, Jean-Paul Riopelle, Antonio Saura Atarés, Emilio Vedova, José Viola Gamón conocido como Manuel Viola y Albert Ráfols Casamada.
Arriba de izquierda a derecha: Riopelle, Michaux y Saura.
Abajo de izquierda a derecha: Viola, Vedova y Casamada.
INFORMALISMO MATÉRICO
El informalismo Matérico se caracteriza por el uso eminentemente expresivo del óleo a base de chorreados y grandes empastes que viene acompañado por la importancia concedida a otros materiales ajenos a la pintura, tales como la tela metálica, la arpillera, papel, cuerdas, trapos y la arena. Se suele señalar a Jean Fautrier como el iniciador del Informalismo en Europa que efectivamente avanza el gusto por la materialidad de muchos artistas a través de distintas capas de pintura espesadas y el grattage. Fautrier expuso por primera vez en 1945 en la galería Drouin de París, donde llamó mucho la atención la textura y efectos matéricos de sus cuadros.
Entre los pintores del Informalismo Matérico podemos destacar Jean Fautrier, Alberto Burri, Antoni Tàpies i Puig, Manolo Millares Sall y Modest Cuixart i Tàpies.
De izquierda a derecha: Jean Fautrier, Alberto Burri y Antoni Tàpies.
De izquierda a derecha: Manolo Millares y Modest Cuixart.
ESPACIALISMO
El Espacialismo o Movimiento Espacial fue fundado por Lucio Fontana en Milán entre 1947 y 1952. Fue en la Galleria del Naviglio (Milán) donde se organizó en 1949 la exposición fundadora del Espacialismo con obras de Fontana. En 1952 en la misma galería se celebró la exposición Arte Espacial con Fontana, incluyendo obras de Giancarlo Carozzi, Roberto Crippa, Gianni Dova, Mario de Luigi, Bienamino Joppolo y Cesare Peverelli.
El Espacialismo se reconoce por la utilización de técnicas destructivas: perforaciones, cortes, acuchillados y desgarro del lienzo y de las arpilleras.
De izquierda a derecha: Lucio Fontana y Roberto Crippa.
ART BRUT Y EL GRUPO COBRA
“El Art Brut no es ni grupo ni movimiento, sino una definición creada por Jean Dubuffet para designar y valorizar las obras de los “singulares del arte”, de quienes se sitúan fuera de las instituciones culturales y de los ambientes artísticos”. Marisa Vescovo, “Abstracción” Edit. Planeta, 1998. De esta forma tan elegante describe Vescovo la obra de arte recogida por Dubuffet en hospitales psiquiátricos de Suiza y que presenta en 1947 y 1949 en la Galería René Drouin de París.
Dubuffet, y también Adolf Wölfli, realizó obras ricas en textura y materia, que por parecer hecha con la espontaneidad y libertad con la que se expresan los niños, solitarios, inadaptados, ancianos, delincuentes, visionarios, médiums, los locos o los aficionados, denominó “Art Brut” (arte tosco, arte en bruto) para quitarle a las obras el rótulo de arte de enfermos mentales. Por ello a este arte se le llamó también Arte Marginal, denominación debida al crítico Roger Cardinal que extendió la acepción del término a los artistas autodidactas o naïf, aunque nunca hubiesen sido internados en una institución psiquiátrica ni hubiesen recibido formación académica.
De izquierda a derecha: Dubuffet y Wölfli
En 1948 se funda en París un movimiento artístico, que sólo duró tres años, que de manera similar a Jean Dubuffet, veía en el arte primitivo de niños y enfermos mentales el ejemplo de arte libre y original frente a las obras clásicas de la historia del arte. Este grupo recibió el nombre de CoBrA, acrónimo resultante de los nombres de las capitales de los países de procedencia de sus miembros. (Copenhague, Bruselas, Ámsterdam). Los miembros más destacados del grupo fueron Asger Jorn, Karel Appel, Guillaume Cornelis van Beverloo, mejor conocido como “Corneille” y Pierre Alechinsky.
Arriba de izquierda a derecha: Asger Jorn y Appel
Abajo de izquierda a derecha: Corneille y Alechinsky
EXPRESIONISMO ABSTRACTO AMERICANO
“Desde el descubrimiento de América, todo lo que en este continente estaba destinado a satisfacer las necesidades superiores del hombre-y, por supuesto, también el arte- tenía que importarse de Europa. Al finalizar la Segunda Guerra Mundial, la situación había cambiado por completo.” Christa von Lengerke, “Los Maestros de la Pintura Occidental”, Edit. Tashen, 2000. La II Guerra Mundial, que arrasó Europa, supuso el fin del predominio europeo en el arte, que se desplazó a Norteamérica, lo que supuso la dispersión de sus artistas, mayormente hacia Nueva York, aunque Picasso, Miró, Braque o Matisse siguieron trabajando en Francia e influyendo en las nuevas generaciones. Nueva York conservará hasta nuestros días su posición como centro internacional del Arte. Desde 1945 y durante los veinte años siguientes vendría de allí las novedades más espectaculares y los impulsos renovadores de las artes plásticas. El Museum of Modern Art de N. Y. y el Guggenheim Museum se convirtieron en instituciones culturales muy influyentes.
Al margen de la evolución nacional, el origen de la llamada Escuela de Nueva York está estrechamente relacionado con los emigrantes europeos. Con el fin de la II Guerra Mundial y el regreso a Europa de gran parte de los artistas europeos comienza un movimiento genuinamente americano. Con Expresionismo Abstracto se define a la agrupación de una quincena de artistas que coincidieron en los años cuarenta en Nueva York. Fue Robert Motherwell en 1950 quien etiquetó al grupo como Escuela de Nueva York. Este primer grupo de pintores alcanzó la consagración con exposiciones individuales entre 1943 1946 en las Galerías de Peggy Guggenhein y de Betty Parson.
El término Expresionismo Abstracto fue utilizado por primera vez en 1929 por Alfred H. Barr Jr., primer director del MOMA de N.Y., para referirse a las “Improvisaciones” de Kansdinsky. Pero a inicios de los años cincuenta la gestualidad de las obras hizo al crítico Robert Coates recuperar el apelativo de “Abstract Expresionism” (Expresionismo Abstracto), aunque el primer teórico fue Clement Greenberg que propuso el término de “Painterly Abstraction” (Abstracción Pictórica) y el crítico Harol Rosenberg que sugirió en 1951 el de “Action Paintig” (Pintura de Acción), que finalmente sólo se aplicó a una tendencia específica dentro del Expresionismo Abstracto. Además surgieron otras tendencias como el “Simbolismo Abstracto” y el “Color-Fields Painting” (Pintura de campos de color)
ACTION PAINTING
El término Action Painting lo acuñó Harold Rosenberg, en Nueva York, el año 1952. Se puede considerar a esta pintura como un acto de pura existencia, de libre intencionalidad a través de la materia y el gesto, con pinceladas violentas en capas espesas que dejan partes del lienzo sin pintar. La técnica se ejecuta también por medio del dripping (goteando) pouring (chorreando) all-over (repitiendo por todo el lienzo) etc. liberándose así de las escuelas europeas. Es una pintura de acción, enérgica y emotiva según Rosenberg. No es una tendencia con un programa sino el resultado de una suma de individualidades.
Los pintores más representativos de esta tendencia fueron: Hans Hofman, considerado el decano del Expresionismo Abstracto, Jackson Pollock, Willem de Kooning, Franz Kline, Sam Francis y Philip Guston.
Arriba de izquierda a derecha: Hofman, Pollock y De Kooning.
Abajo de izquierda a derecha:Kline, Francis y Guston.
SIMBOLISMO ABSTRACTO
Al mismo tiempo que el Action Painting, se desarrolló en Nueva York una corriente expresionista más próxima al surrealismo simbólico y abstracto de Miró, Arp y Matta. Es una pintura muy intelectual orientada al Simbolismo Abstracto, entre el Action Painting y el Color-fields Painting. Es una corriente minoritaria dentro del Expresionismo Abstracto, intermedia entre la pintura gestual y violenta del Action Painting y la de las zonas de delicados cromatismos de los campos de color, La personalidad más representativa es Arshile Gorky, seguido por Williams Baziotes, Adolf Gottlieb y Mark Tobey.
Arriba de izquierda a derecha: Gorky y Baziotes.
Abajo de izquierda a derecha: Gottlieb y Tobey.
COLOR-FIELDS PAINTING
Otra tendencia es la pintura por campos coloreados o campos de color, de amplias superficies cromáticas, más meditada, de contenido más transcendental, de diálogo espiritual entre la obra y el espectador. Surgió como reacción a la expresividad del Action painting. Esta denominación fue empleada por el crítico Clement Greenberg en 1962. La intensidad del color depende de su extensión y los cuadros comprenden no más de dos o tres colores, siguiendo el criterio de Gauguin que afirmaba que “En un metro de verde se expresa más que en un centímetro de verde” (Inmaculada Julián, “Expresionismo Abstracto”, Arlanza Ediciones. 2000) reafirmado por Henri Matisse, para quien “Un metro cuadrado de azul es más azul que un centímetro cuadrado de azul” (Marisa Vescovo, “Abstracción”, Edit. Planeta. 2000)
En esta segunda tendencia destacaron Mark Rothko, Ad Reinhardt, Robert Motherwell, Clifford Still, Barnett Newman y Kenneth Noland.
Arriba de izquierda a derecha: Rothko, Reinhardt y Motherwell
Abajo de izquierda a derecha: Still, Newman y Noland.
CUADRO SINÓPTICO
TACHISMO
Alfred Otto Wolfgang Schulse, “Wols”.- (1913-1951).- “El barco ebrio”.- 1945
Georges Mathieu.- (1921-2012).- “Festival en Norwich”.- 1957
Hans Hartung.- (1904-1989).- “Sin título”.- 1948
Pierre Soulages.- (1919).- “Pintura”.- 1953
Nicolás de Stäel.- (1914-1955).- “Composición”.- 1947
INFORMALISMO GESTUAL
Jean-Paul Riopelle.- (1923-2002).- “Sin título”.-1951
Henri Michaux.- (1899-1984).- “Sin título”.- 1948
Antonio Saura Atarés.- (1930-1988).-“Rostro”.-1959
José Viola Gamón “Manuel Viola”.- (1916-1987).-“La Saeta”.-1958
Emilio Vedova.- (1919-2006).-“Choque de situaciones”.-1951
Albert Ráfols Casamada.- (1923-2009).- “Sin título”.- 1960
INFORMALISMO MATERICO
Jean Fautrier.- (1898-1964).-“Otage nº 3”.-1945
Alberto Burri.- (1915-1995).- “Sacco 5”.- 1953
Antoni Tàpies i Puig.- (1923-2012).- “Blanco con manchas rojas”.-1954
Manuel Millares Sall, “Manolo Millares”.- (1926-1972).-“Homúnculo”.-1960
Modest Cuixart i Tàpies.- (1925-2007).- “Sin título”.- 1959
ESPACIALISMO
Lucio Fontana.- (1899-1968).- “Concepto espacial”.- 1959
Roberto Crippa.- 1921-1972).- “Testa alla finestra”.-1961
ART BRUT Y GRUPO COBRA
Jean Philippe Arthur Dubuffet.- (1901-1985).- “Marejada de lo virtual”.- 1963
Adolf Wölfli.- (1864-1930).- “Catedral”
Asger Jorn.- (1914-1973).- “La Fiesta de San Juan II”.- 1952
Karel Appel.- (1921-2006).- “Composición abstracta”.- 1958
Guillaume Cornelis van Beverloo “Corneille”.- (1922-2010).- “Verano””.- 1948
Pierre Alechinsky.- (1927).- “La parole aux enfants”.- 1961
ACTION PAINTING
Hans Hofman.- (1880-1966).- “Exuberance”.- 1955
Paul Jackson Pollock.- (1912-1956).- “The Key”.- 1946
Willem de Kooning.- (1904-1997).- “Gotham News”.- 1955
Franz Kline.- (1910-1962).- “Transition”.- 1948
Samuel Lewis Francis.- (1923-1994).- “Hacia la Desaparición II”.- 1958
Philip Guston.- (1913-1980).- “Native’s Return”.- 1957
SIMBOLISMO ABSTRACTO
Vostanik Manoog Adoyan “Arshile Gorky”.- (1904-1948).- “El hígado es la cresta del gallo”.- 1944
Williams Baziotes.- (1912-1963).- “Cyclops”.-1947
Adolf Gottlieb.- (1903-1974).- “Mar y marea”.- 1952
Mark George Tobey.- (1890-1976).- “Sin título”.- 1957
COLOR-FIELDS PAINTING
Markus Rothkowitz “Rothko”.- (1903-1970).- “Nº 9”.- 1954
.jpg)
Adolf Dietmar Friedrich Reinhardt.- (1913-1967).- “Azul número 88”.-1950
Robert Motherwell.- (1915-1991).- “Elegía azul”.- 1966
Clyfford Still.- (1904-1980).- “Sin título”.- 1965
Barnett Newman.- (1905-1970).- “Adán”.- 1952
Kenneth Noland.- (1924-2010).- “Sin título”.- 1959
Source: https://valero7.webnode.es/apuntes-sobre-historia-de-la-pintura/parte-5-abstraccion-lirica/
Source: https://valero7.webnode.es/apuntes-sobre-historia-de-la-pintura/parte-4-abstraccion-geometrica/
Source: https://valero7.webnode.es/apuntes-sobre-historia-de-la-pintura/parte-3-fovismo-y-expresionismo/
Source: https://valero7.webnode.es/apuntes-sobre-historia-de-la-pintura/parte-2-cubismo-y-futurismo/
Source: https://valero7.webnode.es/apuntes-sobre-historia-de-la-pintura/origen-y-desarrollo-del-arte-abstracto-parte-1/
