Sunday, April 13, 2025
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The Art of Being Yourself

Be yourself
Be yourself

Be yourself

There is no one like you. There has never been anyone like you. There shall never be anyone like you. Therefore, know yourself. Be yourself. Authenticity is everything.

Art, at its core, is the radical act of being oneself—unfiltered, unapologetic, and wholly singular. The same could be said about life. In the grand, chaotic gallery of existence, every person is an original work. There is no duplicate, no reproduction, no limited edition. There is no one like you. There has never been anyone like you. There shall never be anyone like you.

This is the essence of authenticity, and it applies as much to art as it does to the artist. The greats—Basquiat, Frida, Louise Bourgeois, Ai Weiwei—didn’t ask permission to be themselves; they simply were. Their work was an extension of their being, a raw and often defiant declaration of their singularity. Their brushstrokes, sculptures, and installations were not about fitting in but about breaking through.

Authenticity is terrifying. It demands vulnerability. It means embracing every jagged edge and imperfect curve of your existence. But here’s the truth: the world does not need another copy, another echo, another artist trying to replicate the already-done. It needs you—your weirdness, your contradictions, your unpolished, unrepeatable self.

So, the real challenge is not just knowing yourself but having the courage to be yourself. To create not for approval, but from instinct. To stop sanding down the edges to fit neatly into someone else’s frame. To understand that the work of art that is you is already complete, already valid, already worthy.

After all, in a world oversaturated with replicas, the most radical thing you can do is be the masterpiece only you can be.

Perez Art Museum PAMM
Pérez Art Museum Miami

A Talk on the Intersection of Art & Architecture

AIA A Talk on the Intersection of Art & Architecture
AIA A Talk on the Intersection of Art & Architecture

The Intersection of Art and Architecture: a panel discussion by Jessica Goldman Srebnick and Pat Bosch

Thursday, March 27th, 6:00 PM – 8:30 PM EDT

Details

Date:March 27 Time: 6:00 pm – 8:00 pm

Location

The LAB Miami 2750 NW 3rd Ave Miami, 33127

Join AIA Miami’s Women in Architecture Committee and the Miami Center for Architecture & Design at Steelcase Wynwood for a panel discussion on the synergies between art and architecture.

This lively discussion features Jessica Goldman Srebnick, Co-Chair of Goldman Properties, and Pat Bosch, Design Director of Perkins & Will Miami.

Register

Perez Art Museum PAMM
Pérez Art Museum Miami

Ancestral Lines

Ancestral Lines Rafael Montilla FAMA

Ancestral Lines

Coral Springs Museum of Art Presents “Ancestral Lines”: A Textile Journey Through Heritage and Identity

Coral Springs, FL — The Coral Springs Museum of Art, in collaboration with the Fiber Artists Miami Association (FAMA), proudly presents “Ancestral Lines,” an evocative exhibition that explores the deep-rooted connections between heritage, storytelling, and fiber art. Opening on April 4, 2025, this compelling showcase invites audiences to reflect on ancestry through more than 60 original textile-based works, created by FAMA members and curated by Juliana Forero, Ph.D.

Opening Reception & Special Preview

  • Opening Reception: Friday, April 4, 2025 | 6:00 PM – 8:00 PM
  • Museum Members-Only Preview: Friday, April 4, 2025 | 5:00 PM – 6:00 PM
  • Location: Coral Springs Museum of Art | 2855A Coral Springs Drive, Coral Springs, FL 33065

This family-friendly event will feature an engaging Children’s Space, live performances, interactive communal weaving, light bites, and a cash bar.

A Celebration of Ancestry Through Textile Art

On view from April 4 to July 5, 2025, in the Main and East Galleries, “Ancestral Lines” challenges visitors to explore their heritage through fabric and fiber. The exhibition asks: How do we honor, learn from, and reconcile with our ancestors? Each artist delves into these questions, translating personal narratives into dynamic textile pieces that merge traditional and contemporary techniques. The result is a collective portrait of diverse cultural identities and interwoven histories.

About Fiber Artists Miami Association (FAMA)

Celebrating its 5th anniversary, FAMA is a non-profit organization dedicated to advancing contemporary textile arts through exhibitions, education, and public programming. By fostering artistic excellence and cultural appreciation, FAMA continues to elevate fiber arts within the broader artistic community.

About Coral Springs Museum of Art

A hub for artistic expression, the Coral Springs Museum of Art is committed to connecting people with the transformative power of art. Through inclusive exhibitions and community-driven programming, the Museum serves as a cultural landmark for creative engagement and education.

Join the Conversation

Experience the rich visual storytelling of “Ancestral Lines” and immerse yourself in a tapestry of memory, resilience, and artistic expression. Follow the journey and join the discussion using #AncestralLines #CoralSpringsArt #FAMA5Years.

Artists

Diane Arrieta

Sharon Berebichez

Nancy Billings

Liene Bosque

CarolaBravo

Veronica Buitron

RemiJin Camping

Bella Cardim

Adriana Carvalho

Mabelin Castellanos

Eumelia Castro

Shirley Chong

Patricia L.Cooke

Monica Czukerberg

Flavia Daudt

Lauren Faith Dawson

Erin C.Doherty

Dana Donaty

Liliana Faieta

Ivonne Ferrer

Marine Fonteyne

Linda Friedman Schmidt

Fernanda Froes

Paula GaetÁn

Amy Gelb

Mila Hajjar

Briena Harmening

Ana Hierro

Kari Hovaghimian

Andrea Huffman

Isabel Infante

Maite Izquierdo

Ashnide Jean Baptiste

Hettler.Tüllmann

Leslie Klein

Marlene Kohn

Maria Lino

Laura Luna

Laura Marsh

Milena Martinez Pedrosa

Aurora Molina

Paola Mondolfi

Rafael Montilla

Claudia Morrison

Cynthia Passavanti

Vered Pasternak

Evelyn Politzer

Miriam Rae-Silver

Jacqueline Reis

Lisa Rockford

Alina Rodriguez-Rojo

Debora Rosental

Judith Ruiz

Mark Runge

Yolanda Sanchez

Susanne Schirato

Silvana Soriano

Aida Tejada

Maru Ulivi

Marilyn Valiente

Laura Villarreal

Joan Wheeler

Rebecca White

Yochi Yakir Avin

Silvia Yapur

Tatiana Zaytseva

Macarena Zilveti

For media inquiries, interviews, or additional information, please contact:

FAMA
EMAIL: [email protected]


Coral Springs Museum of Art
EMAIL: [email protected]
PHONE: 954-340-5000

Workshop 1.  Communal Weaving for Children and Adults / “Culture Weaves us together”

  • April 26, 2pm-5pm, inside the gallery – Children Ages 4+, teens, adults

We invite visitors to the Ancestral Lines exhibition at the Coral Springs Museum to explore the art of contemporary weaving. Central to this interactive experience is  pre-warped loom, where participants can contribute to a large-scale collaborative weaving project, blending individual creativity into a shared tapestry of connection and heritage.

Children will engage in a hands-on workshop on  miniature looms.  Participants will create intricate patterns and textures that reflect the craftsmanship of past generations while celebrating personal creativity and heritage.

Workshop 2 Ancestral Roots Threading Memories & Phototherapy

  • May 31, 11am-1pm, at Studio 1 – Adults/ 2pm-3pm –Children inside the gallery – kids drop-in (supervised by their parents/guardians). This workshop will integrate textiles and photography to facilitate a mindfulness experience, encouraging participants to reconnect with ancestral memories. Participants are invited to bring a black & white family photo of personal significance, if possible. The museum will provide an appropriate space for this immersive experience, which will unfold in two key phases.
  • COURTESY Blick Art Materials

ADULTS REGISTRATION

CHILDREN REGISTRATION

Workshop 3 Transforming Threads Workshop for Children and Adults

  • Saturday, June 28, 1pm-4pm, studio 1 
  • Textile waste is a pressing issue that requires innovative solutions. This hands-on workshop, organized by FAMA, aims to educate participants on sustainable textile practices by repurposing fibers into yarn. Through this process, participants will gain a deeper understanding of upcycling while engaging in a creative activity that celebrates both individuality and heritage. Participants will use their handmade yarn in the Communal Weaving while learning new techniques.
  • Objectives:
  • Raise awareness about textile waste and its environmental impact.
  • Teach participants practical skills for repurposing old textiles into yarn.
  • Encourage sustainable creativity through hands-on learning.
  • Promote cultural heritage by incorporating traditional textile techniques.
  • COURTESY Blick Art Materials

REGISTER EVENTBRITE

TALK-THREADING THE CITY

TALK
May 3, 2025, 2-3 pm
Ancestral Lines Talk by
Adriana Herrera, PhD 
Independent writer and curator
Co-founder Aluna Art Foundation

Part of Threading the City
The Coral Springs Museum of Art invites the public to a talk on “Ancestral Lines” which will be on view from April 10th through July 5th, 2025. The talk will take place May 3rd and will be led by Dr. Adriana Herrera.
 
The museum welcomes FAMA members and anyone interested in learning about textile traditions and their effect on contemporary art.
Perez Art Museum PAMM
Pérez Art Museum Miami

El oro y lo divino: La espiritualidad en la joyería de los pueblos indígenas de América

Navajo Jewelry

El oro y lo divino: La espiritualidad en la joyería de los pueblos indígenas de América

El oro nunca fue solo un metal. Para los pueblos indígenas de América, fue y sigue siendo un puente entre lo terrenal y lo sagrado, un reflejo de la luz del sol, la piel de los dioses, el pulso del universo materializado en algo que se podía tocar, moldear, llevar en el cuerpo. Antes de que los europeos lo vieran solo como un símbolo de riqueza y avaricia, las culturas nativas del continente americano ya lo habían transformado en un vehículo de conexión espiritual, en amuletos cargados de poder y significado.

Desde los elaborados pectorales de los taironas en Colombia hasta las delicadas orejeras mochicas en Perú, cada pieza de oro tenía una intención más profunda que la simple ornamentación. No era joyería, era cosmología en miniatura. Los mayas, por ejemplo, forjaban diademas y colgantes que representaban deidades, jaguares y figuras mitológicas, creyendo que al portar estos objetos, el usuario absorbía sus atributos: la ferocidad del felino, la visión de la serpiente emplumada, la autoridad de los ancestros.

Más al norte, los haida y tlingit del Pacífico trabajaban el oro con un nivel de detalle que rivalizaba con cualquier taller renacentista. Sus brazaletes y anillos con figuras totémicas no eran solo marcas de linaje, sino también herramientas espirituales, formas de llevar consigo la protección de los espíritus animales. Cada trazo, cada curva, era un lenguaje simbólico que hablaba de conexiones invisibles entre el mundo humano y el mundo espiritual.

Y si viajamos a los Andes, encontramos el esplendor del oro incaico, donde la joyería no era un lujo, sino un símbolo de poder divino. Los sacerdotes y gobernantes no llevaban oro solo para mostrar estatus, sino porque creían que era un canal directo con Inti, el dios sol. Los discos de oro, las máscaras funerarias y los tocados eran, en esencia, antenas espirituales, formas de sintonizar con las fuerzas cósmicas.

Pero aquí viene la ironía brutal: lo que para estos pueblos era un vínculo con lo sagrado, para los conquistadores se convirtió en un motivo para la destrucción. El oro, que servía como puente entre mundos, se fundió en barras, se convirtió en monedas, en capital, en armas. Se perdió la intención, se borró la historia, se rompió el hechizo.

Aun así, la conexión entre la espiritualidad y el oro no desapareció del todo. Hoy, artistas indígenas contemporáneos están retomando esa relación ancestral, reinterpretando los símbolos y trayendo de vuelta la idea de que la joyería no es solo para lucirse, sino para trascender. Creadores como Keri Ataumbi (Kiowa) o Pat Pruitt (Laguna Pueblo) mezclan técnicas tradicionales con enfoques modernos para revivir la idea de que una pieza de oro puede ser tanto una declaración estética como un manifiesto espiritual.

Porque el oro no es solo un metal. En las manos correctas, sigue siendo luz, sigue siendo historia, sigue siendo un eco de lo divino.

Perez Art Museum PAMM
Pérez Art Museum Miami

Jorge Rey y la sombra del plagio

Jorge Rey y la sombra del plagio

Jorge Rey y la sombra del plagio: El debate sobre la apropiación en la moda


El mundo de la moda y el arte siempre ha sido un espacio de inspiración y reinterpretación, donde las referencias y homenajes pueden enriquecer la creatividad. Sin embargo, cuando la inspiración se convierte en apropiación sin reconocimiento, el debate sobre la ética artística cobra fuerza. Tal es el caso del diseñador argentino Jorge Rey, quien recientemente presentó su colección El placar de la abuela en Argentina Fashion Week 2025, con un impactante performance que recuerda notablemente a Kube Man, la emblemática obra del artista Rafael Montilla.

De la inspiración a la apropiación
Kube Man es un performance artístico desarrollado por Montilla que explora la relación entre el cuerpo y la geometría desde el 2017, utilizando una estructura cúbica para desafiar la percepción del espectador. Su originalidad y fuerza visual han hecho que esta propuesta sea reconocida en diversas exposiciones y medios internacionales.

No obstante, en el desfile de Jorge Rey, los modelos desfilaron con trajes de alta costura y accesorios que evocaban claramente la esencia y el concepto de Kube Man, sin que en ningún momento se mencionara la fuente de inspiración ni se acreditara a Montilla. Este hecho ha generado críticas y un llamado de atención sobre la falta de reconocimiento dentro del circuito de la moda.

El problema del reconocimiento en la industria creativa
Casos como este no son nuevos en el mundo del arte y la moda. La delgada línea entre la inspiración y el plagio ha sido debatida por décadas. Si bien la moda es un campo en el que las referencias visuales están en constante evolución, el respeto por la autoría es fundamental. Tomar elementos de una obra ajena sin dar crédito es una práctica que debilita la ética artística y despoja al creador original del reconocimiento que merece.

El precedente del caso Sandra Hernández y Kube Man
El caso de Jorge Rey no es el primer episodio de apropiación indebida en torno a Kube Man. En el pasado, la fotógrafa Sandra Hernández (Vita Flumen) fue señalada por plagiar la estética del performance en una serie fotográfica, presentándola en exposiciones sin reconocer a Montilla como la mente detrás del concepto original. Este antecedente refuerza la preocupación sobre la facilidad con la que algunas figuras del mundo creativo toman ideas sin respetar su origen.

Más allá de la polémica: la necesidad de un cambio
El arte y la moda pueden y deben dialogar, pero este diálogo debe construirse sobre la base del respeto y el reconocimiento mutuo. Es responsabilidad de diseñadores, curadores, críticos y del público exigir mayor transparencia en la forma en que se toman referencias de otras obras.

En un mundo donde la originalidad se valora cada vez más, dar crédito no solo es una cuestión de ética, sino también una muestra de integridad profesional. Si la industria creativa quiere seguir evolucionando, debe hacerlo sobre los cimientos del respeto a la autoría.

Perez Art Museum PAMM
Pérez Art Museum Miami

Exposición de la fotógrafa venezolana Margarita Boulton

Exposición de la fotógrafa venezolana Margarita Boulton se presenta en el Centro Cultural IMAGO

Exposición de la fotógrafa venezolana Margarita Boulton

Se presenta en el Centro Cultural IMAGO

4028 SW 57th Ave, Miami, FL 33155

El domingo 6 de abril de 2025 a las 11:30 a.m., será inaugurada en Miami, en los espacios del Centro Cultural IMAGO, la exposición individual “Mourning Flowers” de la fotógrafa venezolana Margarita Boulton, bajo la curaduría de Katherine Chacón.

La muestra reúne una selección de fotografías en las que Margarita Boulton, “no solo documenta la transformación material de la flor, sino que traduce en imágenes la pérdida irrepresentable de la feminidad tal como ha sido construida culturalmente. La maternidad frustrada, la identidad erosionada por el paso del tiempo o el agotamiento del deseo, encuentran su expresión en estas flores que ya no responden al ideal de lo vivo, pero que aún se resisten a desaparecer”, según afirma la curadora Katherine Chacón en el texto que acompaña la exposición.

“Frente a la imagen convencional de la flor como emblema celebratorio de la belleza y la magnificencia de la vida, Margarita Boulton propone en Mourning Flowers, una mirada que las escruta en su decadencia o en su fallo, ese instante en el que la lozanía y el esplendor ceden paso a la fragilidad y el declive. En estos pétalos ajados, capullos que nunca abrieron y hojas consumidas por el tiempo, no hay ornamento ni idealización, sino una exploración de lo marchito como metáfora del duelo. El envejecimiento, la frustración, los desencuentros y la incomunicación se desdibujan en estas flores temblorosas, logradas a través de desenfoques, barridos y trepidaciones voluntarias, que aluden a una interioridad doliente”, expresa la curadora.

Margarita Boulton(Caracas, 1986) se formó como Técnico Superior en Diseño Gráfico en el Instituto de Diseño de Caracas entre 2005 y 2009, y en 2012, obtuvo un Bachelor of Fine Arts en Graphic Design, en la Miami International University of Art and Design. Su práctica fotográfica comenzó en Roberto Mata Taller de Fotografía, en Caracas, donde estudió entre 2016 y 2019. En 2022 presentó su trabajo fotográfico en la exposición individual «Ella, la flor», realizada en Caracas,  en La Casa 22 de El Hatillo, con la curaduría de Alberto Asprino. Actualmente vive y trabaja en Miami.

La exposición “Mourning Flowers” de Margarita Boulton se estará presentando hasta el 25 de mayo de 2025 en los espacios del Centro Cultural IMAGO, ubicado en 4028 SW 57th Ave, Miami, Estados Unidos. El horario es los lunes de 2:00 a 6:00 p.m., martes a viernes de 10:00 a.m. a 6:00 p.m., y los sábados de 10:00 a.m. a 1:00 p.m.

Exposición de la fotógrafa venezolana Margarita Boulton se presenta en el Centro Cultural IMAGO
Exposición de la fotógrafa venezolana Margarita Boulton se presenta en el Centro Cultural IMAGO
Exposición de la fotógrafa venezolana Margarita Boulton se presenta en el Centro Cultural IMAGO
Margarita Boulton
Perez Art Museum PAMM
Pérez Art Museum Miami

El oro como memoria: La joyería nativa en Norteamérica

Navajo Jewelry

El oro como memoria: La joyería nativa en Norteamérica

Cuando pensamos en el oro en América, la mente suele viajar hacia los tesoros mayas, aztecas o incas. Pero lo que pocos recuerdan es que en las tierras del norte—lo que hoy llamamos Estados Unidos y Canadá—algunas tribus también trabajaron el oro, no con la avaricia colonial que llegaría después, sino con una intención más profunda: contar historias, conectar mundos, afirmar identidad.

Las tribus del Noroeste del Pacífico, como los Haida y los Tlingit, fueron maestras de la joyería en metales preciosos. Su oro no era ostentación, sino linaje y espíritu. Los orfebres haida, por ejemplo, creaban magníficos brazaletes y anillos en los que esculpían con increíble precisión figuras totémicas: águilas con alas extendidas, osos guardianes, cuervos portadores de conocimiento. Cada pieza no era solo adorno, sino un pedazo de historia familiar, un sello de clan, una declaración de pertenencia.

El oro llegó a sus manos por diversas rutas: antes de la colonización, usaban cobre y otros metales, pero en el siglo XIX, con el comercio y la llegada de herramientas más avanzadas, lo incorporaron a su tradición artística. Lo moldeaban con técnicas ancestrales, golpeando y tallando el metal con la misma sensibilidad que aplicaban a la madera y la piedra. Su estilo era rotundo y expresivo: líneas gruesas, figuras esquemáticas pero llenas de fuerza, cada trazo cargado de simbolismo.

Más al sur, en lo que hoy es el suroeste de Estados Unidos, los navajos y los pueblos pueblo, como los hopi y zuni, también dejaron su huella en la joyería. Aunque su relación con el oro no fue tan profunda como con la plata—su verdadero material estrella—sí llegaron a trabajar el oro en piezas que reflejaban la vastedad del desierto y el movimiento de la naturaleza. Lo combinaban con turquesas, creando contrastes vibrantes que evocaban el cielo y la tierra.

Lo fascinante de estas joyas es que no eran solo ornamentos, sino talismanes. Amuletos de protección, símbolos de conexión con los espíritus animales, mapas de linaje y territorio. Un brazalete de oro haida podía hablar de un linaje de navegantes y líderes. Un colgante hopi, con su geometría precisa y elegante, podía ser un recordatorio del equilibrio entre la vida y la naturaleza.

Pero como siempre, llegó la colonización y con ella, la depredación. Muchos de estos objetos fueron saqueados, vendidos como “souvenirs” o simplemente derretidos. Sin embargo, la tradición no desapareció. Hoy, artistas indígenas han recuperado este legado y lo han llevado más allá. Diseñadores contemporáneos como Shaun Peterson (Qwalsius) o Keri Ataumbi han revitalizado la joyería nativa con oro, fusionando las antiguas narrativas con un lenguaje visual moderno.

Porque el arte indígena nunca fue estático. Nunca fue solo “artesanía” (palabra condescendiente donde las haya). Fue y sigue siendo un lenguaje vivo, un arte con pulso. Y en cada pieza de oro que sobrevive, en cada brazalete haida o colgante navajo, sigue latiendo la memoria de un pueblo que nunca dejó de contar su historia a través del metal.

Perez Art Museum PAMM
Pérez Art Museum Miami

El oro que hablaba: El arte precolombino más allá del brillo

Joyas Precolombinas Eliana Tovar
Joyas Precolombinas Eliana Tovar

El oro que hablaba: El arte precolombino más allá del brillo

El oro precolombino no era solo un símbolo de riqueza. Era voz, escudo, portal. En las culturas indígenas de América, el oro no tenía el valor económico que los conquistadores le impusieron; era, en cambio, un material sagrado, un canal entre los dioses y los mortales. Y si nos detenemos a mirar sus piezas, esas joyas de oro que sobrevivieron siglos de saqueos y fusiones, encontramos en ellas el eco de una cosmovisión que sigue resistiendo al tiempo.

Pensemos en las espectaculares narigueras de los muiscas, esos discos dorados con formas de sol que transformaban los rostros de los caciques en encarnaciones de lo divino. O en las pecheras de los taironas, con sus intrincadas filigranas de aves y serpientes entrelazadas, metáforas visuales de lo terrenal y lo celestial en eterno diálogo. Los quimbayas, por su parte, convirtieron el oro en un lenguaje de formas puras y geométricas: figuras humanas con cuerpos redondeados, de rostros serenos, con un hieratismo que recuerda a las esculturas egipcias.

El diseño de estas piezas era pura sofisticación. Nada en ellas es accidental: cada espiral, cada doblez en el metal, cada representación animal cargaba un mensaje sobre el orden del mundo. Los jaguares, omnipresentes en los pectorales y colgantes, representaban poder y conexión con lo sobrenatural. Las ranas eran símbolo de fertilidad y renacimiento, y sus diminutas formas de oro eran usadas en rituales para atraer la lluvia. Y luego están los míticos “poporos”, esos recipientes ceremoniales utilizados en el consumo de la hoja de coca, que no eran simples objetos, sino extensiones de la espiritualidad de sus dueños.

El oro precolombino no era para acumular; era para transformar. Para transitar entre mundos. Lo llevaban los chamanes y guerreros, lo usaban en ceremonias de iniciación, en ofrendas a los dioses, en enterramientos. Era tan poderoso que se lanzaba a lagunas sagradas como la de Guatavita, en ofrendas que dieron origen al mito de El Dorado.

Y, sin embargo, los europeos llegaron y no vieron arte, sino lingotes en potencia. Derritieron las joyas, borraron historias, fundieron siglos de conocimiento en barras sin alma. Pero no lo destruyeron todo. Algunas piezas sobrevivieron, escondidas en tumbas, enterradas en montañas, protegidas por el tiempo y la tierra.

Hoy, cuando miramos estas joyas en museos, lo hacemos con ojos modernos, pero su poder sigue intacto. Son testigos de un tiempo en que el arte no era solo objeto, sino rito, en que el oro no era mercancía, sino espíritu. Y en cada línea, en cada forma minuciosamente trabajada, sigue vibrando una voz antigua que nos recuerda que el verdadero valor del arte no se mide en kilates, sino en significado.

Perez Art Museum PAMM
Pérez Art Museum Miami

Lucy Bull no pinta, incendia la retina.

Una exposición imperdible que exige ser vista y experimentada.

Lucy Bull no pinta, incendia la retina

Una exposición imperdible que exige ser vista y experimentada.

Lucy Bull: The Garden of Forking Paths» está organizada por el ICA Miami y comisariada por Gean Moreno, Director del Centro de Arte e Investigación del ICA Miami.

Design District 61 NE 41st Street Miami, FL 331377

Lucy Bull no pinta, incendia la retina. Su exposición The Garden of Forking Paths en el ICA Miami es un delirio de abstracción pura, un torbellino de color que golpea como un déjà vu psicodélico. Nada aquí es estático: sus pinceladas—frenéticas, líquidas, precisas y caóticas a la vez—te arrastran a un vórtice donde la forma nunca se deja atrapar del todo.

Los cuadros de Bull se despliegan como paisajes que nunca terminan de definirse, donde lo cósmico y lo celular se cruzan en una danza hipnótica. Hay momentos de transparencia donde la pintura respira, solo para ser arrastrada nuevamente a una densidad que parece devorarlo todo. Es un combate constante entre el ojo y la mente: cuando crees haber encontrado un patrón, el color se revuelve, muta, se escurre entre los dedos de la percepción.

Y el color… ¡Dios, el color! Bull juega con combinaciones que desafían cualquier lógica tradicional, mezclando temperaturas y vibraciones como si cada cuadro fuera un campo de fuerzas electromagnéticas. Nada se siente predecible, pero todo encaja en una sinfonía visual que es imposible de ignorar.

Si la pintura abstracta alguna vez temió volverse complaciente, Bull la ha llevado al límite, la ha empujado a un punto donde mirar se convierte en una experiencia física, casi vertiginosa. The Garden of Forking Paths no es solo una exposición, es un portal a un estado de percepción amplificado. No verla sería perderse una de las experiencias pictóricas más potentes de nuestro tiempo.

Una exposición imperdible que exige ser vista y experimentada.
Perez Art Museum PAMM
Pérez Art Museum Miami

Adama Delphine Fawundu

Adama Delphine Fawundu
Adama Delphine Fawundu

Adama Delphine Fawundu

Adama Delphine Fawundu es una fuerza imparable. Su trabajo no es solo fotografía; es una conversación feroz con la historia, con la memoria, con lo que significa ser mujer, africana, afrodescendiente y simplemente humana en este mundo que insiste en encasillar identidades. Desde Brooklyn hasta Sierra Leona, desde el agua hasta la tierra, su obra es un testimonio de resiliencia, resistencia y reimaginación.

Fawundu no solo captura imágenes, sino que las construye con una reverencia casi sagrada por los materiales: telas, texturas, cabellos trenzados, patrones textiles que cargan siglos de significado. Su lente no es meramente documental; es un acto de afirmación, un grito visual contra el borrado de la historia negra en la diáspora. Piénsalo: ella no se limita a retratar cuerpos, sino que los envuelve en símbolos de pertenencia, en gestos que son al mismo tiempo protesta y celebración.

Su presencia en colecciones como las del Brooklyn Museum y Princeton University no es casualidad; Fawundu es de esas artistas que no piden permiso para existir en la historia del arte. Y es exactamente lo que hace falta hoy: artistas que tomen espacio, que rescriban narrativas, que no se conformen con los cánones impuestos. Su participación en el 100 Years|100 Women Project es otra prueba de su capacidad para conectar pasado y presente sin caer en la nostalgia vacía.

Hay artistas que documentan y artistas que transforman. Fawundu hace ambas cosas. Su trabajo es una lección de memoria viva, una interrogación continua sobre qué significa pertenecer. Su fotografía no es solo imagen; es testimonio. Es arte que respira, que exige ser visto, que nos obliga a mirar dos veces y preguntarnos qué historias hemos olvidado.

Perez Art Museum PAMM
Pérez Art Museum Miami

Rubem Valentim en el ICA Miami: Geometría, Espíritu y el Legado Afro-Brasileño

Rubem Valentim en el ICA Miami

Rubem Valentim en el ICA Miami: Geometría, Espíritu y el Legado Afro-Brasileño

Una exposición imperdible que exige ser vista y experimentada.

Hay exposiciones que se ven, otras que se sienten y algunas que transforman. Crossroads: Rubem Valentim’s 1960s en el Institute of Contemporary Art, Miami, es de esas que logran las tres cosas a la vez. Es una experiencia que no solo nos sitúa frente a la fuerza plástica de la geometría, sino que nos recuerda que el arte puede ser un lenguaje místico, político y profundamente humano.

Valentim, con su inconfundible abstracción geométrica, abre una grieta en la historia del arte brasileño y se posiciona como un puente entre la modernidad y la herencia afro-brasileña. Sus formas simétricas no son solo ejercicios de orden y equilibrio; son emblemas espirituales, portadores de significados ancestrales y guiños a religiones como el candomblé y la umbanda. Hay en sus pinturas y esculturas una cadencia que recuerda a los ritmos rituales, una energía contenida en la perfección de cada línea, de cada bloque de color plano, que es imposible ignorar.

La muestra se centra en su producción de los años 60, una década en la que Valentim dividió su tiempo entre Brasil y Europa, absorbiendo influencias, redefiniendo su lenguaje visual y participando en eventos que marcarían su trayectoria. Es fascinante ver cómo su trabajo evoluciona desde una abstracción formalista hacia una construcción más simbólica, donde las referencias a la cultura africana y la diáspora negra se vuelven esenciales.

Estar frente a sus pinturas es enfrentarse a una paradoja: son rigurosamente ordenadas, casi matemáticas en su composición, pero al mismo tiempo vibran con una espiritualidad latente. Valentim logra lo que pocos artistas consiguen: dotar a la geometría de alma. Su uso del relieve en las piezas de la serie Emblems nos saca del plano bidimensional y nos obliga a interactuar con la obra en el espacio físico. Es un recordatorio de que la modernidad no tiene por qué ser fría o distante; puede ser profundamente humana, profundamente conectada con la historia y la identidad.

Mención aparte merecen sus esculturas, que se sienten como tótems contemporáneos, objetos de poder que dialogan con el presente sin perder su vínculo con el pasado. Valentim entendió que el arte es una herramienta de traducción cultural, una forma de preservar y resignificar símbolos que han sido sistemáticamente borrados o relegados por la historia oficial del arte.

El ICA Miami nos da la oportunidad de redescubrir a un artista que, aunque celebrado en Brasil, sigue siendo una voz subestimada en la historia del arte global. Su obra es un recordatorio de que la abstracción no es solo una cuestión estética, sino una estrategia de resistencia, de afirmación cultural y de exploración espiritual. Valentim no solo pintaba formas; construía un lenguaje visual para un Brasil que aún hoy lucha con su identidad híbrida, su herencia colonial y su riqueza multicultural.

Si el arte es una forma de cruzar caminos, Crossroads es el punto de encuentro donde la modernidad se encuentra con lo ancestral, donde la razón geométrica se encuentra con la vibración espiritual. Y en ese cruce, Valentim nos espera, con sus colores, sus formas y su visión profundamente transformadora.

Perez Art Museum PAMM
Pérez Art Museum Miami

CENTER SALON EXHIBITION + ART AUCTION

The Art and Culture Center/Hollywood
The Art and Culture Center/Hollywood

CENTER SALON EXHIBITION + ART AUCTION

On view in gallery during normal hours + online until March 21

SILENT AUCTION BIDDING BEGINS 3/6 AT 6 PM WITH BUY IT NOW OPTIONS

PROXY BID ASSISTANCE AVAILABLE FOR LIVE AUCTION

EMAIL [email protected] 

ONLINE AUCTION

AUCTION LOOKBOOK

EVENT REGISTRATION

RECEPTION + AUCTION
Friday, March 21
Cocktail Reception 6:30 pm
Live Auction 8:00 pm
Silent Auction Closes 8:45 pm

FEATURED ARTISTS:

Harumi Abe
Alissa Alfonso
Candice Avery
Yochi Y. Avin
Hermes Berrío
Duane Brant
Pip Brant
Starsky Brines
Andres Cabrera-Garcia
Michele Del Campo
Pablo Cano
Mabelin Castellanos
Charles Clary
Joanne Corry
Damian Valdés Dilla
Angelica Clyman
Nicole Combeau
Gregory Dirr
Sheila Elias
Carlos Estévez
Christian Feneck
Chris Fox Gilson
Gabriela Gamboa
Bonney Goldstein
Felice Grodin
Sharon Hart
Katherine Hofmann
Sandra lafrate
Luke Jenkins
Jeremiah Jenner
Maru Jensen
Khila Khani
Ekaterina Khromin
Judith King
KX2 | Ruth Avra + Dana Kleinman
Jodi Lekacos
Paola Lettieri
Kim Llerena
Ramón Losa
Cheryl Maeder
Jordan Massengale
Ted Matz
Stephanie McMillan
Luisa Mesa PJ Mills
Artem Mirolevich
Kim Moore
Iriana Muñoz
Glexis Novoa
Edison Peñafiel
Sebastian Ferreria
Martinez de la Pera
Pedro Pablo Bacallao
Perdomo
Deborah Perlman
Galal Ramadan
Juan Sebastian Restrepo
Donna Ruff
Roger Sadler
Samantha Salzinger
Raul Santos
Gretchen Scharnagl
Dennis Scholl
Ali Shrago-Spechler
Carmen Smith
Adriane Stark
Ma Nong SUN
Bill Sypher
Kim Rae Taylor
Kristen Thiele
Amber Tutwiler
Kristy Wagstaffe
Peggy Levison Nolan
Karey Walter
Patricia Schnall Gutierrez
Katya Neptune

1650 Harrison St.
Hollywood, FL 33020

954. 921. 3274
[email protected]

About the Center

The Art and Culture Center/Hollywood is considered a leader among South Florida multidisciplinary cultural organizations for its  contemporary gallery exhibitions, arts education for youth, and award-winning documentary film shorts. The Center’s mission is to cultivate creativity and the support of the arts in our community through education, innovation, and collaboration. The Center was founded in 1975 as the only visual arts nonprofit in south Broward County, operating out of a small community space on Hollywood beach. We now manage visual arts galleries in the renovated Kagey Home built in 1924, an Arts School that is adjacent to the main facility, and the 500-seat Hollywood Central Performing Arts Center located near downtown Hollywood. The Center impacts about 40,000 people each year through its programs and facilities. In 2019, the Center was allocated $2.5 million in City funds towards its Arts Ignite! building initiative as part of a General Obligation Bond referendum that was approved by Hollywood voters. These funds will support the City’s expansion of our facilities with the construction, in 2024, of a modern 5,000-square-feet Arts Education Wing that will adjoin the 1924 Mediterranean Revival architecture of the Kagey galleries and offices.

The Center has presented originally curated gallery exhibitions featuring South Florida and national artists throughout its nearly 50-year history. Each year, 125+ artists representing a range of backgrounds and artistic media exhibit in our first-floor galleries. We collaborate with leading curators in Florida and such partnering entities as the South Florida Cultural Consortium, Miami-based Oolite Arts, and City of Hollywood to create innovative gallery shows and public-art projects. In 2023, the Center partnered with the City’s Community Redevelopment Agency on its Downtown Mural Project to create a new public mural on the west façade of our Arts School building. We are a three-time host organization, in 2011, 2017 and 2023, for the prestigious South Florida Cultural Consortium Fellowship Program. In 2024, the Center will collaborate for the first time with the Atlanta-based nonprofit South Arts to present its annual Southern Prize exhibition featuring fellowship winners from its nine-state Southeast region.

Perez Art Museum PAMM
Pérez Art Museum Miami

Curator Talks and Tours: Gyula Kosice’s “Intergalactic”

Curator Talks and Tours: Gyula Kosice's "Intergalactic"
Curator Talks and Tours: Gyula Kosice's "Intergalactic"

Curator Talks and Tours: Gyula Kosice’s “Intergalactic”

March 20, 2025
7:00 PM – 8:00 PM
At PAMM 1103 Biscayne Blvd, Miami, FL 33132

For the opening of Gyula Kosice: Intergalactic, join exhibition co-curators María Amalia García and Mari Carmen Ramírez for a tour and intimate conversation.

The curator-led tour and Intergalactic Member Lounge are currently at capacity. Members are still welcome to explore the exhibition during our member preview, starting at 11am, or use the member unlimited admission benefit at any other time. This way, we can ensure an enjoyable experience while preserving the integrity of the artwork.

One hundred years after his birth, Gyula Kosice: Intergalactic celebrates the career of the Argentine artist Gyula Kosice (b. 1924, Košice, Czechoslovakia; d. 2016, Buenos Aires, Argentina), an experimental artist, sculptor, poet, and theorist. Co-founder of Arturo (1944) and Madí (1946), two constructive art groups centered in the Río de la Plata region between Uruguay and Argentina, he was also a prominent figure in the international avant-garde after 1945. His practice introduced original artistic ideas, such as interactive sculptures, which questioned the relationship between the art object and the spectator and experimented with a wide range of materials, many of which had never been used in art.

Like Julio Le Parc and Carlos Cruz-Diez, he incorporated light and motion yet, was one of the first to incorporate water in his works. Intergalactic focuses on his experimental production, in which motion was a constant and essential feature. It includes works that he created between 1950 and 1980, such as acrylic sculptures, kinetic reliefs, and drops of water, most of which incorporated lights and were activated by aerators and motors.

The exhibition features Gyula Kosice’s most ambitious work, The Hydrospatial City (1946–2004), an experiential installation comprised of architectural prototypes that speculate on the possibility of human settlement beyond Earth brought on by socioeconomic inequality, environmental degradation, and astronomical population growth. As an alternative, he proposed a city of semi-open, modular habitats suspended 5000 feet above the ground and powered by oxygen and hydrogen harnessed from water vapor in the clouds.

Schedule
11am–7pm Member Exhibition Preview
6–7pm Curator-led, members-only tour
7–9pm Public Exhibition Opening
7–9pm Member Appreciation Lounge: Intergalactic
7:30pm Curator Talks and Tours: Gyula Kosice’s Intergalactic

Free with museum admission. Admission is $18 for adults and free for members.

Perez Art Museum PAMM
Pérez Art Museum Miami

Jaye Rhee’s Fragile Terrain Is a Pixelated Dreamscape With a Dose of Existential Dread

Jaye Rhee’s Fragile Terrain Is a Pixelated Dreamscape With a Dose of Existential Dread
Jaye Rhee’s Fragile Terrain Is a Pixelated Dreamscape With a Dose of Existential Dread

Jaye Rhee’s Fragile Terrain Is a Pixelated Dreamscape With a Dose of Existential Dread

Editor review

Walk into Locust Projects right now, and you’ll find yourself drowning—not in water, but in pixels. Jaye Rhee has conjured a paper-cut hallucination of Miami’s oceanfront, a swirling mass of 700 pixelated cubes and 200 rounded objects; each meticulously handcrafted from recycled, custom-printed paper. This process of handcrafting each element, from the initial design to the final placement, is a testament to Rhee’s dedication and artistic skill. It is a landscape that is not a landscape, a place that exists nowhere except in memory, screens, data, and the flickering remnants of our over-digitized lives.

But here’s the allure: It is breathtakingly beautiful. Fragile Terrain is seductive and artificial, a film set masquerading as nature, a virtual world that crinkles under your breath. It’s a mirage built on paper and nostalgia, and like all mirages, it makes you question what is real. Where does nature end and technology begin? Are we experiencing the world or just its representation?

Rhee—trained at the School of the Art Institute of Chicago and now based in New York—doesn’t just make art; she hijacks your senses. This isn’t some polite, decorative thing. Her work is sly, calculated, and loaded with existential contradictions. These contradictions, such as the juxtaposition of the natural and the digital, the beautiful and the artificial, are at the heart of her work. It’s landscape painting for the algorithmic age, a callback to the 19th-century Romantics who longed for untouched nature, only this time; the longing is filtered through pixels, data points, and mass production.

It is also impossible to overlook the ominous undertone running through this show. This fragile, handcrafted illusion of paradise is built from waste—a stark reminder that even our idyllic visions are shaped by consumption and excess. The tech that allows us to replicate nature is aiding in its destruction. That is the gut punch here: Fragile Terrain is both a love letter and a warning sign, a call to action.

And yet—god, it is gorgeous. The whole thing shimmers like a broken screen, a heat mirage, a glitch in the system. Stand there long enough, and you’ll start to feel the pull of it, the weight of all those hand-folded, perfectly imperfect pixels, each one whispering: Is this real? Does it even matter? This contemplation is part of the experience Rhee invites you to have with her work. What are your thoughts? How does it make you feel?

Jaye Rhee has built something that floats between worlds, where nature is a ghost, the digital is physical, and everything—absolutely everything—is fragile. You should see it before it disappears.

Final Verdict: A poetic mind-bender of an exhibition. It will make you question everything and look damn good doing it.

Perez Art Museum PAMM
Pérez Art Museum Miami

Jaye Rhee: Fragile Terrain

Jaye Rhee
Jaye Rhee

Jaye Rhee: Fragile Terrain

Through Apr 05, 2025

weekly on Wednesday, Thursday, Friday, Saturday

From: 11:00 AM to 5:00 PM

The intersection of digital technology and environmental consciousness materializes in a striking installation that transforms recycled paper into an immersive coastal landscape. Fragile Terrain, a newly commissioned multimedia exhibition by international artist Jaye Rhee, opens at Locust Projects with a Meet the Artist Reception on Thursday, February 13, from 7-9 p.m., and runs through April 5.

The 2,800-square-foot Main Gallery becomes home to a meticulously crafted sculptural environment featuring 700 pixelated paper cubes and 200 rounded paper objects. This handcrafted installation, constructed entirely from custom-printed recycled materials, creates an abstracted vision of Miami’s iconic oceanfront landscape while challenging viewers to consider the relationship between digital representation and natural reality.

Drawing parallels to 19th-century romantic landscape painting, Rhee’s work explores humanity’s complex relationship with both nature and technology. The installation raises questions about how digital simulacra influence our sense of identity and connection to the environment, while acknowledging the environmental impact of the very technology it references.

Jaye Rhee is an interdisciplinary artist whose work examines the complex relationships between real and constructed environments, with a particular focus on how visual culture mediates identity, memory and perception. Born in Seoul, South Korea, Rhee now lives and works in New York. She received both her BFA and MFA from the School of the Art Institute of Chicago.

Her diverse practice, encompassing video, photography and performance, has been showcased at prominent institutions worldwide, including Buffalo AKG Art Museum, Norton Museum of Art, Queens Museum, The Bronx Museum of the Arts, Mori Art Museum in Tokyo, Seoul Museum of Modern Art and La Triennale di Milano. Rhee’s contributions to contemporary art have been recognized through numerous awards, including the Doosan Yonkang Art Award, Franklin Furnace Fund and the Seoul Museum of Art Young Artist Grant.

LOCUST PROJECTS

297 NE 67th St, Miami, FL 33138

t. (305) 576-8570

[email protected]

Perez Art Museum PAMM
Pérez Art Museum Miami
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