Camille Louis Graeser

Pintor suizo pionero del Arte Concreto.

El pintor suizo Camille Graeser (1892-1980) fue una figura clave en el desarrollo del arte concreto en su país natal. Nacido en Zurich, Graeser pasó su infancia en Stuttgart, Alemania, donde inicialmente se dedicó al diseño de muebles. Luego, atraído por la pintura, se convirtió en pionero del movimiento concreto en Suiza.

De joven, Graeser trabajó como aprendiz de carpintero en Stuttgart. Para 1913 ingresó a la Academia de Bellas Artes de la ciudad, donde estudió diseño arquitectónico. En sus comienzos combinó la pintura con el diseño de muebles, área en la que ganó reconocimiento. Participó en importantes exposiciones de la asociación Deutscher Werkbund y en 1927 fue invitado por Mies van der Rohe para diseñar muebles en la Weissenhof Estate.

Sin embargo, el ascenso del partido Nazi en 1933 obligó a Graeser a huir de Alemania debido a sus inclinaciones socialistas. Se estableció permanentemente en Zurich, Suiza, donde se enfocó de lleno en la pintura. Allí se unió al grupo de artistas Allianz y encontró su voz creativa a través del arte concreto, corriente que buscaba la abstracción geométrica pura.

Junto a figuras como Max Bill y Richard Paul Lohse, Graeser creó obras basadas en formas, colores y composiciones rigurosas, en lugar de representaciones naturalistas. Sus pinturas de la década de 1930 y 1940 ejemplifican susexploraciones pioneras de ritmos visuales y armonías cromáticas. Obras emblemáticas incluyen Imagen Cuadrada (1934) y Composición con Rojo, Amarillo y Negro (1941).

Además de pintar, Camille Graeser enseñó diseño y color en la Escuela de Artes y Oficios de Zurich por casi tres décadas. También co-fundó la revista y galería Arte Concreto, difundiendo este movimiento. Su obra abstracta, de gran precisión formal, influenció generaciones de artistas suizos. Graeser dejó un valioso legado como impulsor del lenguaje no-figurativo en el arte de su país adoptivo. Murió en Zurich en 1980, a los 88 años.

PhotosL Tate & von Bartha Gallery

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Exhibit: Yolanda Sanchez: All the Light We Cannot See

The Deering Estate is proud to present Yolanda Sánchez: All the Light We Cannot See curated by Adriana Herrera. The exhibition will be on display daily, Sep. 8, 2023 – Nov. 12, 2023, 10AM – 4PM in the Deering Estate Great Hall Gallery.

Herrera describes “this is as the first solo exhibition devoted to Sánchez’ fiber art, a fusion and transformation of the textile legacies of the east and the west, a longstanding inquiry into the relationship between perception and color, also developed in her abstract painting.  The exhibition consists of a site-specific, large-scale textile installation, a harmonic interactive experience of light and color, and two complementary works integrating ritual elements related to landscape as a way of seeing.  Sánchez’ art links and alters a conduit for ancient cultural practices in order to construct her own language – a language that alludes to the beauty of nature, while at the same time placing us before the threshold of the invisible – at once, a passage into the spiritual universe which belongs to each one of us.”

The exhibition will include a printed catalog with essays written in English and Spanish by Yolanda Sánchez and Adriana Herrera.

COST: Included with General Admission, $15 for adults (ages 15+) and $7 for children (ages 4-14).  Admission is free for Deering Estate Foundation Members and children under 4 years old. Non-Members can choose their date of visit  / purchase General Admission tickets online here (choose your visit date between Sep. 8, 2023 – Nov. 12, 2023). Members do not need to reserve to view exhibit; please show your membership card at the Ticket Booth on the day of your visit, 10am-4pm. Become a Member today!

About the Artist

Born in Havana, Cuba, Yolanda Sánchez immigrated to the United States in February 1960. She obtained a Ph.D. in Clinical Psychology from Florida State University and has practiced and taught psychology at the graduate level for over 30 years. In her mid- thirties, Dr. Sánchez returned to school, obtaining a BFA and subsequently, an MFA from Yale University in painting. She is a Fulbright scholar, completing her fellowship as a painter in Spain for one year. Recently, she was a Visiting Scholar & Visiting Artist at the American Academy in Rome, Italy. She has received numerous awards including in 2023, an Artist Access Grant from the Miami-Dade Department of Cultural Affairs to support a residency in Oaxaca, Mexico. Sánchez has taught at Florida International University, the University of Miami, Nova University and Yale University. Currently, Dr. Sánchez is a full-time working artist, exhibiting nationally and internationally in numerous venues. In New York, she is represented by Kathryn Markel Fine Arts. She is also a curator and writer, and formerly Director of Fine Arts & Cultural Affairs at Miami International Airport, a position she held for 21 years. For more information please visit https://www.yolandasanchezstudio.com/.

About the Curator

Adriana Herrera earned her P.h.D. with an interdisciplinary dissertation in the fields of Literature and Art, proposing the concept of “Extreme Fiction” as derived from a particular way of its relation that ultimately filters reality. Her curatorial vision searches for the connection between the intimacy and the collective, the personal and the social realms, and the interest for the need and possibilities of imagination. She served as an art critic for El Nuevo Herald, worked as an editor advisor with Arte al Día International Magazine, and written for several other international art publications. In 2011, with Willy Castellanos she created Aluna Art Foundation, as an alternative art space which the aims to promote the dialogue among local and international artistic practices and explore unreeled practices in Miami. Since its founding, Aluna Curatorial Collective has curated, organized and/or produced more than 30 exhibitions that were hosted at Aluna’s space or in different galleries and museums in Miami, Siberia and Monaco.

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El Arte del Mercadeo para Proyectos NFTs

Si eres artista visual y creas NFTs, podemos ayudarte en el mercadeo. Si no sabes como crear NFTs y no sabes cómo subirlos a la nube habla con nosotros.

Servicios de marketing NFT diseñados para ayudarte a ganar tracción, aumentar comunidades y conectarse con coleccionistas.

El emergence de los NFTs (tokens no fungibles) ha abierto un nuevo mundo de oportunidades en el espacio de criptomonedas. Pero lanzar un proyecto NFT exitoso requiere de estrategias creativas de mercadeo.

Captar la atención en este saturado mercado demanda comprender las singularidades del sector. Un enfoque integral es esencial para posicionar un proyecto NFT y crear comunidades vibrantes alrededor de una colección digital.

Optimización en Buscadores

El primer paso es asegurar que los usuarios puedan encontrar el proyecto fácilmente en Google. La optimización en buscadores (SEO) significa crear contenido de valor que ranquee alto orgánicamente para keywords relevantes.

Promoción en Redes Sociales

Construir una presencia sólida en plataformas como Twitter es indispensable para conectar con fans de NFTs. Publicaciones atractivas, concursos y promociones captan seguidores y generan expectativa en la comunidad.

Gestión de Comunidades

Manejar de forma cercana y consistente los canales de Discord y Telegram del proyecto crea relaciones significativas y lealtad. Los miembros se sienten parte de un proyecto especial.

Campañas Pagadas

Impulsar tráfico cualificado con anuncios segmentados en Facebook, Instagram y Google permite llegar a nichos específicos interesados en NFTs. Las conversiones escalan al conectar con los perfiles ideales.

Relaciones Públicas

Conseguir cobertura orgánica en medios especializados aumenta credibilidad y conciencia de la marca. Una estrategia PR bien ejecutada genera presencia frente a audiencias masivas.

Influencers y Líderes de Opinión

Asociarse con influencers relevantes en Web3 expande el alcance a sus comunidades de fans. Sus recomendaciones personales conectan con nuevos públicos de forma efectiva.

Con un enfoque integral en estas áreas, los proyectos NFT pueden destacarse en este competitivo mercado y convertir su innovadora propuesta en un éxito viral. El arte del mercadeo efectivo hará la diferencia.

Estrategia para Arte NFT 2024:

Detalla la importancia de crear contenido de calidad y relevante para el público objetivo. Explora cómo la narrativa, la estética y la historia detrás de la colección NFT pueden influir en el interés de los posibles compradores.

Escasez y Exclusividad:

Menciona la estrategia de crear escasez y exclusividad en torno a las obras de arte o activos NFT. Habla sobre cómo la limitación en la cantidad de NFTs disponibles puede aumentar la demanda y el valor percibido.

Mercados y Plataformas NFT:

Discute las diferentes plataformas de mercado NFT disponibles y cómo elegir la adecuada para tu proyecto. Destaca las ventajas y desventajas de las plataformas populares como OpenSea, Rarible, etc.

Tokens de Utilidad:

Si corresponde a tu proyecto, explora la posibilidad de crear tokens de utilidad o tokens de gobernanza que puedan utilizarse de diversas maneras dentro de la comunidad, como votación o acceso exclusivo.
Mantenimiento de la Comunidad a Largo Plazo:

Hable sobre la importancia de mantener una comunidad activa y comprometida a lo largo del tiempo, más allá del lanzamiento inicial. Proporciona estrategias para la retención y el compromiso continuo de los miembros.

Seguridad y Protección:

Mencionar la importancia de la seguridad en el espacio NFT, incluyendo consejos para proteger los activos digitales y las identidades de los miembros de la comunidad contra estafas y fraudes.
Evolución y Adaptación:

Destaca la necesidad de adaptarse a medida que evoluciona el espacio NFT y la tecnología blockchain. Comenta cómo estar al tanto de las tendencias emergentes puede ser beneficioso para el éxito a largo plazo.

Ejemplos de Éxito:

Incluye ejemplos concretos de proyectos NFT que han implementado con éxito estas estrategias de marketing y han logrado destacarse en el mercado.
Consejos Legales y Regulatorios:

Si corresponde, brinda información sobre los aspectos legales y regulatorios relacionados con proyectos NFT, como los derechos de autor, los impuestos y las regulaciones locales e internacionales.

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“Zaldi”: una escultura, dos mil bombardeos

Artista visual Patxi Xabier Lezama Perier

El País Vasco ha acogido y acoge a grandes artistas que han desarrollado un verdadero estilo de arte vasco. La vanguardia vasca ha mantenido en alto los colores del arte vasco y del regionalismo durante mucho tiempo. Implementaron el arte moderno, abstracto e informal para denunciar y oponerse al conservadurismo cultural y político impuesto en su momento por la dictadura franquista.Después de la caída de Bilbao y hasta la rendición en Santoña transcurrieron dos meses de cruenta guerra en Las Encartaciones a donde llegaron miles de refugiados, donde se sufrieron más de 300 bombardeos. Un ejemplo la tragedia del pueblo de Zalla y los efectos tremendamente devastadores de las bombas lanzadas el 21 de junio de 1937 por la Legión Condor alemana (una fuerza de intervención enviada por el III Reich en ayuda de las tropas del general Francisco Franco). La aviación rebelde ejecutó más de 1.600 operaciones de bombardeo en el País Vasco entre el 22 de julio de 1936 y finales de agosto de 1937, lo que supone más de 2.000 bombardeos en un período de trece meses. La alta tasa de bombardeos aéreos se traduce en un gran tonelaje de bombas arrojadas. La Aviazione Legionaria lanzó más de 40.000 bombas explosivas e incendiarias en Euskadi entre el 31 de marzo y la caída de Bilbao, lo que supone un mínimo de 440 toneladas de explosivo. La Legión Cóndor arrojó una mayor cantidad de bombas y hay que sumar las bombas lanzadas por las Fuerzas Aéreas del Norte. Todo ello hace un mínimo de 1.000 toneladas de bombas o un millón de kilos de explosivo en dos meses y medio de guerra. Una media de 12,5 toneladas al día.Zaldi representa el horror de los bombardeos del País Vasco en la Guerra Civil de España.
Zaldi constituye un «grito», una «vida dormida en su forma». En ella queda sellada el grito, siempre heterogéneo con respecto al orden del discurso; siempre fisurada, como un estigma, la obra. Como si la escultura entera fuera una invocación encapsulada. Esperando despertar en cada presente que en ella se reconozca. Una suerte de conductor de emociones: su calidad, no radica en una intención estética sino en los sentimientos que la confieren sustancia. No puede extrañar entonces la vida posterior de Zaldi como tótem, como emblema de la comunidad que surge tras la Segunda Guerra Mundial. En el mundo de Zaldi, que es sobre todo un mundo mitológico, la boca se abre en un grito desesperado. Esa figura sufre en un espacio que no es ni interior ni exterior, sino algún sitio literalmente inhabitable. Y, aun así,parece intentar erguirse sobre el mínimo suelo para mirar, aunque no alcance a comprender, un horror que se le escapa de la vulnerabilidad. El gesto desesperado de la figura. Se ve lo que ocurría en España, la escultura contiene al mismo tiempo destrucción y renovación, desesperación y esperanza.

Patxi Xabier Lezama Perier (1967) es uno de los escultores vascos contemporáneos considerado uno de los principales renovadores de la escultura vasca. Creció en la dictadura franquista de España; experiencia que le marcó de por vida, y marcará también su arte y su forma de expresarse. Alejada de los circuitos, la obra del artista es indispensable para entender la escultura y el arte vasco de nuestro tiempo. Lo simbólico y lo mitológico. La toma de conciencia de la importancia de la cultura vasca (su origen, su historia y sus tradiciones), así como el proceso de modernización del folclore por parte de la vanguardia para dotar de una nueva mirada a cuestiones ancestrales. Durante los años 80 se interesó especialmente por la mitología vasca. Alrededor de 1990, con su empleo en la fragua, se inicia en el trabajo del hierro. Emprende un ciclo de esculturas no imitativas, yendo en aumento su preocupación por el arte y la cultura vasca. La escala en el Totemismo había sido abordada a finales de la década de los 80 en su indagación plástica étnico-cultural. Es muy característica en su obra la presencia de figuras míticas con una fuerte carga histórica. Se trata de signos que ponen de manifiesto el peso de la historia y de los elementos míticos y literarios de nuestro pasado cultural. 

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