Constantin Brâncuși: Un titán de la escultura moderna

El legado de Brâncuși:

Constantin Brâncuși, nacido en 1876 en una aldea rumana, se convirtió en uno de los escultores más influyentes del siglo XX. Su obra, caracterizada por la simplicidad, la pureza de las formas y la búsqueda de la esencia, revolucionó el panorama artístico y abrió las puertas a la escultura moderna.

De la tradición a la vanguardia:

Brâncuși se formó en la tradición académica, pero pronto se distanció de ella. Su fascinación por el arte popular rumano y las culturas primitivas lo llevó a explorar nuevas formas de expresión. Sus esculturas, despojadas de detalles superfluos, se concentran en lo esencial, capturando la esencia de las formas naturales y los conceptos universales.

Obras maestras:

Algunas de las obras más célebres de Brâncuși incluyen “La columna del infinito”, una imponente escultura que evoca el cielo y la espiritualidad; “El pájaro en el espacio”, una estilizada representación del vuelo; y “El beso”, una obra cargada de simbolismo y sensualidad.

Controversia y reconocimiento:

La obra de Brâncuși no estuvo exenta de controversia. En 1926, una de sus esculturas, “Pájaro en el espacio”, fue declarada “no arte” por las autoridades aduaneras estadounidenses. Este hecho generó un gran debate sobre la definición de arte y consolidó la posición de Brâncuși como un artista revolucionario.

Un legado perdurable:

Brâncuși falleció en 1957, dejando un legado que continúa inspirando a artistas de todo el mundo. Su búsqueda de la simplicidad, la pureza y la esencia ha dejado una huella imborrable en la historia del arte.

Más allá de la escultura:

Brâncuși también incursionó en la pintura y la fotografía, aunque es principalmente reconocido por su trabajo escultórico. Su taller en París, conservado tal y como lo dejó el artista, es un lugar de peregrinación para los amantes del arte.

Un artista único:

Constantin Brâncuși fue un artista único e irrepetible. Su visión innovadora y su talento excepcional lo convirtieron en un titán de la escultura moderna, dejando un legado que continúa cautivando y desafiando al mundo.

Para saber más:

• https://www.tripadvisor.com/Attraction_Review-g187147-d523172-Reviews-L_Atelier_Brancusi-Paris_Ile_de_France.html
• https://www.centrepompidou.fr/en/collection/brancusis-studio
• Documental: Constantin Brâncuși: [URL-ul nevalid a fost eliminat]

Perez Art Museum PAMM

Los Nativos y el Oro de la Florida: Un Legado Cultural

El trabajo del oro por parte de los nativos de Florida es un capítulo importante de la historia del estado. Es un legado cultural que debe ser reconocido, valorado y protegido para las generaciones futuras.

La Florida, antes de la llegada de los europeos, era un territorio habitado por diversos grupos indígenas con culturas y tradiciones únicas. Entre las prácticas que destacaban se encontraba la elaboración de objetos con oro, un metal que simbolizaba poder, prestigio y conexión con lo divino.

Los Trabajadores del Oro:

Diversas tribus de Florida se distinguían por su trabajo con el oro. Entre las más notables se encuentran:

• Los Timucua: La tribu más grande de la región, experta en la creación de ornamentos ceremoniales como colgantes, tocados y pectorales.
• Los Apalachee: Conocidos por sus diademas, collares y brazaletes de oro, que posiblemente intercambiaban con otras tribus y con los europeos.
• Los Tequesta: Producían objetos de gran calidad, incluyendo figuras de animales y humanos, símbolo de prestigio y poder.
• Los Calusa: Utilizaban el oro para máscaras y orejeras ceremoniales, y se cree que lo obtenían a través del comercio.
• Los Mayaimi: Aunque se conserva poca evidencia, también se cree que trabajaban el oro.

Técnicas y Usos:

Los nativos de Florida empleaban diversas técnicas para trabajar el oro, como el martillado, el repujado y la fundición. El metal se utilizaba para crear una variedad de objetos, desde ornamentos ceremoniales y decorativos hasta herramientas y armas.

Impacto de la Colonización:

Con la llegada de los europeos, la cultura y el trabajo del oro de los nativos de Florida sufrieron un impacto devastador. Muchos objetos fueron fundidos para obtener el metal, y las tradiciones y conocimientos ancestrales se perdieron.

Legado y Preservación:

A pesar de la destrucción, aún se conservan algunos objetos de oro en museos y colecciones privadas, lo que nos permite apreciar la habilidad y la creatividad de los nativos de Florida. Es importante preservar este legado cultural y continuar investigando y aprendiendo sobre las culturas indígenas de la región.

Varios grupos indígenas de Florida trabajaron el oro, incluyendo:

1. Los Timucua:

• La tribu más grande de la región durante la llegada de los europeos.
• Habilidosos artesanos que creaban objetos de oro con técnicas como el martillado, el repujado y la fundición.
• Utilizaban el oro para ornamentos ceremoniales, como colgantes, tocados y pectorales.

2. Los Apalachee:

• Vivían al oeste de los Timucua.
• También conocidos por su trabajo en oro, creando objetos como diademas, collares y brazaletes.
• Se cree que intercambiaban oro con otras tribus y con los europeos.

3. Los Tequesta:

• Habitaban el sur de la península de Florida.
• Producían objetos de oro de gran calidad, incluyendo figuras de animales y humanos.
• El oro era un símbolo de prestigio y poder entre los Tequesta.

4. Los Calusa:

• Vivían en la costa suroeste de Florida.
• Utilizaban el oro para crear objetos ceremoniales y decorativos, como máscaras y orejeras.
• Se cree que obtenían el oro a través del comercio con otras tribus.

5. Los Mayaimi:

• Habitaban el sureste de Florida.
• Se cree que también trabajaban el oro, aunque no se han encontrado tantos objetos de oro de esta tribu como de otras.

Perez Art Museum PAMM

Jorge Oteiza: Nada lo es todo

El Museo de Arte Guggenheim ha acogido recientemente la primera retrospectiva completa en Nueva York de Jorge Oteiza (1908-2003), una figura formidable en la historia del arte vasco del siglo XX. Su obra (representada en la exposición por 125 esculturas, dibujos y collages) es especialmente interesante por su abanico de influencias, que incluye las culturas neolíticas y los movimientos vanguardistas del neoplasticismo y el constructivismo. Como señala el material de prensa, aunque Oteiza compartía con otros artistas de su generación una perspectiva formalmente abstracta, pero también espiritual y humanista, su obra es singular por su escala diminuta: consideraba sus obras “experimentos de laboratorio” o exploraciones de estudio y se conformaba con que siguieran siendo pequeñas. Oteiza también destaca por su decisión de dejar de trabajar como escultor en 1959, una vez alcanzados sus objetivos formales y conceptuales. Con la excepción de una breve reanudación de su trabajo escultórico en 1972-75, se dedicó a la investigación lingüística y estética, así como a causas políticas y sociales en la región vasca.

Nacido en el País Vasco en 1908, Oteiza pasó tres años estudiando medicina en Madrid, para retomar sus estudios en la Escuela de Artes y Oficios de la ciudad a principios de la década de 1930. Sus primeras obras consistían principalmente en piezas influidas por artistas como Constantin Brancusi y Jacob Epstein, que llegaron a exponerse en Madrid. A mediados de la década de 1930, Oteiza decidió trasladarse a Sudamérica, donde desarrolló su sensibilidad, atraído tanto por las culturas precolombinas como por el arte de vanguardia del siglo XX. Regresó a España en 1947 y se instaló en Bilbao. Allí respondió a la influencia del escultor inglés Henry Moore, al tiempo que originaba su teoría de la Proposición Experimental, proyecto que le ocupó en la década de 1950, periodo destacado en la exposición del Guggenheim. Oteiza basaba esta noción más vanguardista del arte en su creencia de que el vacío es la fuente de todas las formas: con el uso del espacio negativo en la escultura, se espera que el espectador desempeñe un papel más activo, sacando a la luz mediante su interacción los vacíos a los que se enfrenta en una obra concreta.

But Oteiza was not a purely theoretical sculptor in his early period. One can see the effect of Moore’s sculptures in two figurative works: Figure for the Return from Death (1950), a bronze of a standing person only 16 inches high, and The Earth and the Moon (1955), a limestone sculpture of two figures outlined by negative space, in which light and shadow are captured and held by the positive and negative forms. As time went on, Oteiza’s work became more abstract—he was influenced by such modern masters as Kandinsky, Malevich, and Mondrian, whose example pushed the Basque artist in the direction of a conjoined aesthetic of formal exploration and spirituality. Indeed, the drive to join the two notions of work would become the basis of Oteiza’s art until he abandoned making sculpture. Even after his figurative work gave way to pure abstraction and a mostly impartial, investigative stance, one senses Oteiza’s concern with humanity, primarily in the small size of the pieces he made.

Pero Oteiza no fue un escultor puramente teórico en su primera época. Se puede ver el efecto de las esculturas de Moore en dos obras figurativas: Figura para el regreso de la muerte (1950), un bronce de una persona de pie de sólo 16 pulgadas de altura, y La Tierra y la Luna (1955), una escultura de piedra caliza de dos figuras delineadas por el espacio negativo, en la que la luz y la sombra son capturadas y sostenidas por las formas positiva y negativa. Con el paso del tiempo, la obra de Oteiza se hizo más abstracta, influida por maestros modernos como Kandinsky, Malevich y Mondrian, cuyo ejemplo empujó al artista vasco en la dirección de una estética conjunta de exploración formal y espiritualidad. De hecho, el impulso de unir ambas nociones de trabajo se convertiría en la base del arte de Oteiza hasta que abandonó la escultura. Incluso después de que su obra figurativa diera paso a la abstracción pura y a una postura mayoritariamente imparcial e investigadora, se percibe la preocupación de Oteiza por la humanidad, principalmente en el pequeño tamaño de las piezas que realizó.

Tomado del articulo Jorge Oteiza: Nothing is Everything publicado en 1 de marzo de 2006 por Jonathan Goodman

Jorge Oteiza: Nothing is Everything

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