Dos artistas en la Van Der Plas Gallery Alejandro Caiazza y Doug Groupp

Por: José Gregorio Noroño

“La casa de la risa” (“Fun House”), título empleado por la Van Der Plas Gallery, complementado con el lema “Abraza lo extraño, celebra lo absurdo”, para la exposición inaugurada el 18 de abril de 2025, indican el propósito curatorial de este espacio expositivo, con respecto a las obras de los artistas que la conforman, Alejandro Caiazza (1972), venezolano, y Doug Groupp (1970), estadounidense, en cuyas producciones visuales la Galería presume que “exploran la paradoja del carnaval”, aunque lo carnavalesco no sea esencialmente la intención estética explícita en la obra de ambos artistas.

Si bien el estilo y la temática de estos dos autores son diferentes entre sí, Van Der Plas Gallery se ha planteado acercarlos bajo la noción de lo carnavalesco, noción que me inclino a orientar más allá de lo meramente festivo, pensando en el crítico y teórico literario Mijaíl Bajtín (1895-1975), quien concibió lo grotesco desde la perspectiva de lo cómico, que por extraño y absurdo tiende a inducir a la risa; pero una risa que celebra, cuestiona y destruye al mismo tiempo, ya que se burla del orden establecido. Además de generar risa, lo grotesco también puede producir otras reacciones, tales como disgusto, perturbación, horror o suspicacia. 

Para Bajtin, lo grotesco es un problema de existencia real, que se manifiesta en la naturaleza, en la historia, en la conducta colectiva e individual del hombre, y deviene en categoría estética, luego de que el escritor ─que en el caso nuestro serían los artistas─ toma conciencia de su entorno, de los problemas de su tiempo, de las circunstancias histórico-culturales de su momento, y asume un compromiso con la sociedad y el tiempo en el que le ha correspondido vivir y crear.

Lo grotesco es una categoría estética a la que recurre el arte contemporáneo para desafiar las narrativas tradicionales ─valores, creencias y costumbres sociales─, para explorar, cuestionar y reflexionar sobre la condición humana, sobre la existencia de un mundo perturbado y deshumanizado. En este caso, Caiazza, mediante un repertorio de procedimientos técnicos mixtos, así como de estilos diferentes ─el primitivismo, el arte marginal, el art brut, la bad painting, el neoexpresionismo y algo de pop art─, hace uso de este recurso de la estética contemporánea, de lo grotesco, para impugnar aspectos de la sociedad, de la política y la cultura, mostrando así sus absurdas y destructivas acciones. 

Caiazza es un artista de larga trayectoria, quien realizó su primera exposición individual en 1999, en la Sala de Arte Sidor, Venezuela. Desde entonces, su obra ha sido expuesta en varias ciudades, tales como París, Yokohama, Roma, Houston y Nueva York.

Vale acotar que entre las actividades más recientes de Caiazza, está su participación en la primera edición en físico de Art Miami Magazine, lanzada  en diciembre de 2024, en el marco de Art Basel Miami Beach; así como su participación en el artículo sobre “Cinco artistas venezolanos que plasman la migración en su obra”, publicado en febrero de 2025 en https://polivision.modlangs.gatech.edu/5-venezuelan-artists-capturing-migration-in-their-work/; de igual modo, recientemente participó en la exposición colectiva “The Artful Dozen”, conformada por 12 artistas, quienes fueron presentados por la Van Der Plas Gallery en el marco de  Affordable Art Fair 2025, en los espacios del Metropolitan Pavilion, en  New York City.

La obra de Caiazza se encuentra en numerosas colecciones, tanto privadas como públicas, tales como La Fondazione Filiberto e Bianca Menna, Centro Studi d’Arte Contemporánea, Roma, Italia; en el Museo de Arte Conmemorativo Tanaka Isson, Amami Oshima, Japón; en la Sala de Arte de Sidor, Ciudad Guayana, Venezuela; y en el Museo de Arte Contemporáneo de Cleveland, MOCA, Ohio, EE. UU. 

Doug Groupp también cuenta con una amplia trayectoria artística, la cual comienza a principios de los años 90. Con relación a su trabajo visual, particularmente su obra más reciente, me atrevo a decir que congrega elementos del arte pop y del surrealismo, que, al conjugarlos, lo emparentan, bajo un estilo muy personal, con una suerte de surrealismo pop de configuración sutil; movimiento cuyas fuentes de inspiración provienen de la cultura de masas, del consumo popular, tales como el cómic, las historietas, los cuentos de hadas, imágenes del cine, de la televisión y de la psicodelia; así como de las regiones del inconsciente, de lo onírico, de los sueños y la fantasía como medios para liberar la imaginación, ingredientes estos que al ser combinados conciertan un estilo grotesco, seres fuera de lo común, amorfos, híbridos, extraños, absurdos, con un sentido del humor sarcástico e irónico, propensos a inducir la risa, el horror o a la perplejidad.

Efectivamente, en su extraña narrativa visual, suerte de rosario o cadena de coloridas y heterogéneas imágenes, dispuestas en forma de líneas verticales, Doug Groupp entremezcla iconos y objetos cotidianos pertenecientes a la cultura de masas, de consumo popular, tema central del pop art, con elementos propios del surrealismo. 

En fin, a estos dos artistas, Caiazza y Groupp, a pesar de sus diferencias estilísticas y temáticas ─más allá de la voluntad de establecer un diálogo entre sus obras en un mismo espacio expositivo─, los emparenta lo grotesco, la sátira y la ironía, que si bien no inducen espontáneamente a la risa, por no ser de ambos la intención estética principal, potencialmente ella está allí, subyace en cada una de sus transgresoras imágenes, en espera de la comprensión e interpretación de cada espectador, frente a lo extraño y absurdo. 

Bogotá, 2025 

Van Der Plas Gallery
156 Orchard St.
New York, NY.
10002

https://www.meer.com/en/search?utf8=%E2%9C%93&query=Alejandro+caiazza

El artista venezolano Alejandro Caiazza expone su obra en Nueva York

El artista venezolano Alejandro Caiazza participará junto al artista estadounidense Doug Groupp, en una exposición titulada “Fun House”, que será inaugurada el 18 de abril de 2025 a las 6:00 p.m., en Van Der Plas Gallery, en la ciudad de Nueva York.

“Fun House” reúne a dos artistas que exploran la paradoja del carnaval, tanto su extravagancia como su locura, según se afirma en el texto de presentación de la exposición. “Troncos rodantes, torbellinos, plataformas de balanceo, pisos móviles, trampas de silbatos, laberinto de jaulas, tejo, parachoques, nenúfares. Estamos a principios del siglo XX y acabas de entrar en el paraíso de Estados Unidos: la Casa de la Risa. Surgida de la Exposición Mundial Colombina de 1893 en Chicago, el Carnaval Americano pronto se convertiría en un caleidoscopio de maravillas y rarezas, trayendo un espectáculo anual a pueblos y ciudades por igual. Antes de convertirse en la actual fiebre de neón, la Casa de la Risa, un componente de la feria ambulante, era un laberinto interactivo de ilusiones: una sala de espejos, suelos irregulares, pasillos oscuros, efectos de sonido; Una humilde estructura de madera donde, en su interior, nada era lo que parecía”.

De acuerdo con el texto, “Esta exposición captura el espíritu salvaje de la cultura estadounidense: la emoción del espectáculo, la búsqueda de pertenencia, la belleza de lo absurdo. Celebra el encanto onírico de la casa de la risa a la vez que ofrece un espacio para la nostalgia, la emoción pura y los ecos de una época más esperanzadora”.

El artista Alejandro Caiazza (n. 1972) creció en Ciudad Guayana, Venezuela. Su primera exposición individual tuvo lugar en 1999 en la Sala de Arte de Sidor y en el año 2000 se mudó a París donde cursó pintura en L’École Supérieure des Beaux-Arts con Ouanes Amor como mentor. Más tarde se mudó a Nueva York, donde reside actualmente. A lo largo de sus 20 años de trayectoria artística, ha exhibido su obra en Venezuela, Francia, Italia, Japón y Estados Unidos.

Su obra se encuentra en numerosas colecciones privadas de todo el mundo, así como en prestigiosas instituciones públicas, como La Fondazione Filiberto e Bianca Menna–Centro Studi d’Arte Contemporanea (Roma, Italia), el Museo de Arte Conmemorativo Tanaka Isson (Amami Oshima, Japón), la Sala de Arte de Sidor (Ciudad Guayana, Venezuela) y el Museo de Arte Contemporáneo de Cleveland (MOCA, Cleveland, Ohio, EE. UU.). Actualmente, vive y trabaja en Nueva York.

Sus collages y pinturas en técnica mixta, según se expresa en la presentación de la exposición, “combinan el neoexpresionismo y el art brut, evolucionando a medida que aprendió a adaptarse a través de viajes y mudanzas intercontinentales. Su obra a menudo se integra con su entorno, incorporando objetos reales, y explora temas relacionados con los animales, la diversión, la política, personajes cotidianos y emociones como el amor, la locura y la muerte. Con humor y colores vibrantes, sus piezas son a la vez lúdicas y emotivas”.

Por su parte, Doug Groupp, (n. 1970), creció en el condado de Rockland y se graduó de SUNY Purchase con una Licenciatura en Bellas Artes, tal y como se explica en el texto de la muestra. “Ha trabajado en diversos medios a lo largo de su carrera, incluyendo óleo, acrílico, gouache, acuarela, frottage, collage, serigrafía, escultura y arte callejero en forma de pasta de trigo, murales y adquisiciones publicitarias. La obra de Groupp se basa en una interpretación caprichosa de su propio sentido del humor, que a menudo se desarrolla de maneras inesperadas. Profundamente inspirado por la historia y la energía excéntrica de Coney Island, ha desarrollado un lenguaje artístico distintivo a lo largo de décadas. Su obra anterior se inspiró en narrativas satíricas, mientras que sus piezas más recientes se inclinan hacia la abstracción, utilizando formas y figuras de tipo jeroglífico (…) Su uso del humor y la alegría se mantiene constante, revelando capas de significado que emergen con el tiempo”.

“Como una casa de la risa, la obra de Alejandro Caiazza y Doug Groupp ofrece una nueva experiencia en cada encuentro. Su arte invita al espectador a un mundo donde el humor y la nostalgia se entrelazan con lo extraño y lo surrealista. Mediante composiciones audaces y yuxtaposiciones lúdicas, esta exposición revive el espíritu del carnaval como refugio para los excéntricos, los marginados y los errantes”.

La exposición “Fun House” permanecerá en exhibición hasta el 4 de mayo de 2025, en la galería Van Der Plas Gallery, ubicada en 156 Orchard St, New York, NY 10002, Estados Unidos.

@alejandro_caiazza

@caiazza_archive    

www.alejandrocaiazza.com

El talento no basta: una carta a los artistas visuales que creen en el trabajo.

Nadie improvisa una gran obra. Ni siquiera Mozart.

A todos los artistas visuales que alguna vez escucharon un “qué talento” como si eso fuera todo lo que se necesita: este texto es para ustedes. Y también para los que, como yo, piensan que ese halago puede ser una trampa dulce, una palmada en la espalda que muchas veces esconde una dosis de veneno. Porque sí, el talento es hermoso, poderoso, magnético. Pero está sobrevalorado. El talento sin trabajo es apenas una chispa en la oscuridad. Una promesa incumplida.

Miren, yo veo cientos de obras cada semana. Exposiciones en Chelsea, ferias en Miami, estudios en Brooklyn, portfolios en Instagram. Y puedo decirles algo sin rodeos: he visto artistas “talentosos” que nunca salieron de la fase boceto, que se desinflaron en la primera crítica, que no soportaron la frustración, que se escondieron detrás de su potencial. Porque sí, el talento sin disciplina es como tener una Ferrari sin gasolina. Se ve brillante. Pero no te lleva a ningún lado.

¿Y saben qué sí te lleva lejos? La obstinación. La constancia. El volver al estudio cuando estás agotado. El rehacer una obra hasta que grite verdad. El seguir creando cuando nadie te mira, cuando nadie te compra, cuando la cuenta de banco tiembla.

El arte no es magia. Es insistencia.

Nos enamoramos del resultado, del óleo final, del trazo maestro. Pero ignoramos lo que lo hizo posible: años de mirar, de estudiar, de fracasar. El arte no es una epifanía repentina. Es una acumulación de decisiones difíciles. Es prueba y error. Y error. Y más errores.

Edison decía que el genio es 1% inspiración y 99% transpiración. No porque no valorará la chispa, sino porque sabía que sin trabajo esa chispa se apaga. Y lo mismo pasa en el arte: esperar a que “llegue la musa” es una excusa barata. La inspiración no llega cuando estás viendo Netflix. Llega cuando estás en el taller, con las manos manchadas, cuando ya vas por la tercera versión de algo que aún no entiendes.

La frustración no es el enemigo: es el umbral.

Todo artista visual se va a enfrentar con ese momento oscuro: la obra que no funciona, el curador que te ignora, el concurso que no ganas. Y ahí, justo ahí, es donde se separan los que se quedan de los que avanzan. El talento no te va a salvar. Lo que te salva es saber atravesar la incomodidad. Convertir el error en material. Usar el fracaso como pigmento.

Miguel Ángel lo entendía bien. No solo tenía un don descomunal, sino que lo forzó a través del cuerpo. Pintó la Capilla Sixtina con la espalda arqueada, casi ciego, con la pintura cayendo en los ojos. ¿Eso suena glamoroso? No. Suena a oficio. A entrega. A que el arte también es físico, sucio, cansado.

La formación no es opcional. Es la base.

¿Quieres libertad creativa? Aprende técnica. ¿Quieres romper reglas? Conócelas primero. La educación artística no tiene por qué ser académica ni formal. Puede venir de libros, de ver obras, de copiar a los grandes. Pero es necesaria. Nadie improvisa una gran obra. Ni siquiera Mozart. Detrás de cada aparente genialidad hay años de repetición, corrección, ensayo.

Y si me dicen: “Es que yo soy autodidacta”, fantástico. Pero eso no significa que no estudies. Significa que decidiste estudiar por tu cuenta. Pero igual tienes que estudiar.

¿Dónde están tus borradores?

Beethoven dejó cientos de páginas de borradores para su Novena. ¿Y tú? ¿Dónde están tus errores? ¿Tus versiones? ¿Tus intentos fallidos? El proceso es la obra. Y a veces es más valioso que el resultado final.

El problema de idealizar el talento es que nos hace creer que lo difícil no vale la pena. Que si algo no nos sale fácil, no somos “verdaderos” artistas. Y eso es una falacia peligrosa. El arte real nace del esfuerzo, de la terquedad, del compromiso.

No se trata de sufrir. Se trata de sostener.

No estoy romantizando el agotamiento. No se trata de glorificar el burnout. Se trata de entender que crear exige algo de ti. Que cada obra que vale la pena tiene una historia invisible de trabajo detrás. Que la disciplina no es el enemigo de la inspiración: es su aliada.

Y si alguna vez sentiste que no eras “suficientemente bueno” porque todo te cuesta, porque no eres “naturalmente talentoso”, déjame decirte esto: eso no te descalifica. Al contrario. Quizás seas tú quien más lejos puede llegar. Porque sabes lo que cuesta. Porque sabes lo que vale.

El arte es un maratón, no una carrera de velocidad. Y el verdadero talento no es hacer algo brillante una vez. Es poder volver a hacerlo. Y luego otra vez. Y otra más. Incluso cuando no tengas ganas. Incluso cuando estés solo. Incluso cuando nadie aplauda.

El talento puede abrir una puerta. Pero eres tú quien tiene que atravesar. Con el cuerpo, con la mente, con el alma. Cada día.

A los artistas visuales: no esperen a sentirse geniales. Trabajen como si ya lo fueran. Porque en ese trayecto —en ese cansancio sagrado, en esa lucha con la forma, con el color, con el tiempo— está la verdadera obra.

No es magia. Es voluntad. Es práctica. Es coraje.

Y sí, un poco de locura también.

Ahora ve y pinta. Y luego vuelve a pintar. Y después, vuelve a empezar.

Ahí está el arte. No en el talento. Sino en todo lo que haces con él.

Arte para alquilar: el alma en leasing y el glamuroso caos del art licensing

En algún rincón del mercado del arte —entre el MoMA y el mostrador de Urban Outfitters— existe una zona intermedia, algo vaporosa, un poco bastarda, deliciosamente pragmática: el mundo del art licensing. Es decir, ponerle tu alma artística a disposición de una taza, una camiseta, una funda de iPhone, una cortina de baño, una caja de cereal, o, si tienes suerte y una buena abogada, un billete de lotería.

Licenciar arte es, en esencia, permitir que una obra viaje más allá del cubo blanco, más allá de la mirada curatorial, hacia lo cotidiano, lo comercial, lo reproducido. Es un acuerdo, una danza entre creatividad y capitalismo. Es, en pocas palabras, dejar que tu pintura se convierta en patrón, en superficie, en producto.

Y antes de que levanten el grito los puristas del “arte por el arte”, deténganse. Duchamp ya firmó un mingitorio en 1917 y Warhol convirtió la sopa en monumento. El arte ha coqueteado con lo comercial desde que el primer mecenas le pidió a un pintor que lo hiciera ver menos calvo en un retrato al óleo. El licensing, en ese sentido, no es una traición: es evolución. Es otra forma de supervivencia. Es arte poniéndose los pantalones del siglo XXI.

Pero, ¿es arte o es decoración?

Sí. Es las dos cosas. Y no hay nada de malo en eso. El arte licenciado habita ese espacio incómodo que a veces se parece al éxito y otras al exilio. Los artistas que licencian se enfrentan a la vieja tensión entre visibilidad y validación, entre “quiero que me conozcan” y “quiero que me respeten”. Y, spoiler: muchas veces el respeto llega después del cheque.

Los grandes del diseño y la ilustración lo saben. Hay artistas que viven más de una licencia bien negociada que de una carrera entera en galerías boutique con vino barato y curadores indiferentes. Y aunque nadie dice que imprimir tu obra en una almohada la convierte en un fresco renacentista, tampoco podemos fingir que no hay algo radicalmente bello en que una imagen viaje, se multiplique, y forme parte de la vida diaria de miles de personas.

El arte no se prostituye, se adapta

Licenciar no es venderse. Es expandirse. Es negociar con los fantasmas del ego y decir: sí, quiero que mi dibujo de una galaxia femenina esté en una libreta escolar en Kansas. Quiero que una abuela en Monterrey vea mi abstracción sobre el trauma intergeneracional cada vez que se sirve su café. Quiero presencia, no sólo reverencia.

Licenciar también es una decisión estratégica. Es entender el arte como lenguaje, pero también como industria. Es decirle al mercado: “voy a jugar con tus reglas, pero con mis imágenes”. Y eso, amigos, tiene más punk que muchos creen.

¿Y el alma?

El alma está donde tú decidas ponerla. En un mural monumental, en una línea fina sobre papel japonés, o en una taza de cerámica vendida en Target. El licensing no le quita profundidad a una obra. A veces, incluso, la lleva más lejos. A veces, la vuelve mantra, repetición, símbolo. Y no olvidemos: los símbolos cambian el mundo.

Así que a los artistas: no teman licenciar. Háganlo con cabeza, con contrato en mano, y con la conciencia clara de que su trabajo puede (y debe) habitar muchos mundos. Que se imprima. Que se venda. Que circule. Que viva.

Porque, después de todo, el arte que no circula… se queda colgado.

Constructivism (Arte)

Constructivism fue una filosofía artística y arquitectónica originada en Rusia en 1919. Rechazaba el arte autónomo en favor de un arte con propósitos sociales. Como filosofía activa duró hasta aproximadamente 1934, influyendo profundamente en el arte de la República de Weimar y otros lugares, antes de ser reemplazada por el Realismo Socialista. Algunos de sus motivos han sido reutilizados esporádicamente desde entonces.

Orígenes

• El término Construction Art fue utilizado por primera vez de forma despectiva por Kazimir Malevich hacia el trabajo de Alexander Rodchenko en 1917.
• Naum Gabo lo adopta positivamente en su Realistic Manifesto de 1920.
• Alexei Gan lo usa como título de su libro Constructivism en 1922.
• Derivado del Futurismo ruso post-Primera Guerra Mundial y los corner-counter reliefs de Vladimir Tatlin (1915).
• Influyó el Suprematismo de Malevich.

Instituciones clave:

• IZO (Comisariado de Ilustración): órgano cultural bolchevique dirigido por Anatoliy Lunacharsky.
• VKhUTEMAS (1920): escuela de arte y diseño en Moscú.
• INKhUK (Instituto de Cultura Artística): debates de 1920–1922 definieron el Constructivismo como la unión de:
  • Faktura: propiedades materiales del objeto.
  • Tektonika: presencia espacial del objeto.

El Arte al Servicio de la Revolución

• El movimiento se involucró en festivales públicos y diseño urbano para el nuevo gobierno soviético.
• Ejemplo destacado: cartel Golpea a los Blancos con la Cuña Roja (1919) de El Lissitzky.
• Artistas como Rodchenko, Popova y Stepanova crearon escenografías teatrales para Vsevolod Meyerhold y Alexander Tairov.

Tatlin, “Construction Art” y Productivismo

• Tatlin diseñó la Torre Monumento a la Tercera Internacional (1919), emblema del Constructivismo.
• Gabo y Pevsner se opusieron al enfoque utilitario de Tatlin en su Realistic Manifesto.
• Productivismo: corriente impulsada por Osip Brik que promovía la participación directa en la industria, abandonando la pintura de caballete.

Constructivismo y Consumo

• Con la Nueva Política Económica (NEP) en 1921, los constructivistas diseñaron publicidad para cooperativas estatales.
• Mayakovsky y Rodchenko se llamaron a sí mismos constructores publicitarios.
• También se exploró el diseño de ropa, como los vestidos geométricos de Varvara Stepanova y Popova.

LEF y Cine Constructivista

• Fundaron el colectivo LEF (Frente de Izquierda de las Artes) y la revista LEF (1923–1925, y New LEF 1927–1929).
• Defendían el cine como forma revolucionaria, rechazando el realismo socialista emergente.
• Participantes:
  • Mayakovsky (actor).
  • Rodchenko (diseño visual en Kino Eye de Dziga Vertov).
  • Ekster (escenografía en Aelita).
  • Eisenstein, Vertov, Pudovkin (montaje y cine agitacional).

Fotografía y Fotomontaje

• Los constructivistas fueron pioneros del fotomontaje:
  • Gustav Klutsis: Ciudad Dinámica, Lenin y la Electrificación (1919–20).
  • Rodchenko: ilustraciones para poemas de Mayakovsky.
• Fotografía con ángulos agudos y luces abstractas, en paralelo a Moholy-Nagy en Alemania.

Diseño Gráfico Constructivista

• Importantes diseñadores: Rodchenko, El Lissitzky, Solomon Telingater, Anton Lavinsky.
• Influencia notable en diseñadores occidentales como Jan Tschichold.
• Carteles políticos (Klutsis, Kulagina) y cinematográficos (Hermanos Stenberg).

Declive y Transición al Realismo Socialista

• El patrocinio político original (Trotsky) fue reemplazado por una creciente censura.
• El Realismo Socialista se convirtió en doctrina oficial hacia 1934.
• Algunos artistas continuaron colaborando con el Estado, como Lissitzky y Stepanova en la revista USSR in Construction.

Legado

• Influencia en la Bauhaus (Alemania), adoptando métodos de enseñanza constructivistas.
• Gabo difundió el movimiento en Inglaterra (1930s–40s).
• Joaquín Torres García y Manuel Rendón ayudaron a expandir el movimiento en Europa y Latinoamérica.
• Artistas influenciados:
  • Carlos Mérida, Enrique Tábara, Aníbal Villacís, Theo Constanté, Oswaldo Viteri, Estuardo Maldonado, Carlos Catasse, entre otros.
• En los 1980s:
  • Neville Brody y The Designers Republic revitalizaron el estilo gráficamente.
• Deconstructivismo arquitectónico (Zaha Hadid, Rem Koolhaas) comparte estética formal pero sin la carga ideológica original.
• Cine: Tower Bawher (2006) de Theodore Ushev homenajea visualmente al Constructivismo ruso.

Artists Associated with Constructivism (Alphabetical Order)

• Ella Bergmann-Michel (1896–1971)
• Max Bill – painter, sculptor, and designer (1908–1994)
• Ilya Bolotowsky – painter and sculptor (1907–1981)
• Carlos Catasse (1944–2010)
• Marcelle Cahn – painter (1895–1981)
• Avgust Černigoj (1898–1985)
• Theo Constanté (1934–present)
• Norman Carlberg – sculptor (1928– )
• Burgoyne A. Diller (1906–1965)
• Sergei Eisenstein – moviemaker (1898–1948)
• John Ernest (1922–1994)
• Günter Fruhtrunk (1923–1982)
• Naum Gabo (1890–1977)
• Moisei Ginzburg – architect (1892–1946)
• Hermann Glöckner – painter and sculptor (1889–1987)
• Camille Graeser (1882–1980)
• Don Gummer – sculptor (1946– )
• Erwin Hauer (1926– )
• Ivan Leonidov – architect (1902–1959)
• El Lissitzky (1890–1941)
• Peter Lowe (1938– )
• Richard Paul Lohse – painter and designer (1902–1988)
• Verena Loewensberg – painter (1912–1986)
• Louis Lozowick (1892–1973)
• Berthold Lubetkin – architect (1901–1990)
• Thilo Maatsch (1900–1983)
• Estuardo Maldonado (1930–present)
• Kenneth Martin (1905–1984)
• Mary Martin (1907–1969)
• Konstantin Melnikov – architect (1890–1974)
• Vadim Meller (1884–1962)
• Vsevolod Meyerhold – theatre director (1874–1940)
• John McHale (1922–1978)
• Josef Müller-Brockmann – graphic designer (1914–1996)
• Tomoyoshi Murayama (1901–1977)
• Victor Pasmore (1908–1998)
• Antoine Pevsner (1886–1962)
• Lyubov Popova (1889–1924)
• Manuel Rendón Seminario (1894–1982)
• Thomas Ring (1892–1983)
• Aleksandr Rodchenko (1891–1956)
• Kurt Schwitters (1887–1948)
• Varvara Stepanova (1894–1958)
• Georgii and Vladimir Stenberg – poster designers and sculptors
  • Georgii (1900–1933), Vladimir (1899–1982)
• Anton Stankowski – painter and designer (1906–1998)
• Vladimir Shukhov – architect (1853–1939)
• Dziga Vertov – filmmaker (1896–1954)
• Alexander Vesnin – architect, painter, and designer (1883–1957)
• Aníbal Villacís (1927–present)
• Oswaldo Viteri (1931–present)
• Enrique Tábara (1930–present)
• Vladimir Tatlin (1885–1953)
• Srečko Kosovel – Slovenian poet (1904–1926)
• Joaquín Torres-García (1874–1949)
• Hans Dieter Zingraff (1947–present)
• Vasiliy Yermilov (1894–1967)
• Lajos Kassák – poet, novelist, painter (1887–1967)

References
[1] Catherine Cooke, Russian Avant-Garde: Theories of Art, Architecture and the City, Academy Editions, 1995, Page 106.
[2] Ushev, Theodore (2006). “Tower Bawher” (http://www.nfb.ca/film/tower_bawher). Animated short. National Film Board of Camada. .
Retrieved 2009-09-10.
Resources

• Russian Constructivist Posters, edited by Elena Barkhatova. ISBN 2-08-013527-9.
• Heller, Steven, and Seymour Chwast. Graphic Style from Victorian to Digital. New ed. New York: Harry N.
  Abrams, Inc., 2001. 53–57.
• Lodder, Christina. Russian Constructivism. Yale University Press; Reprint edition. 1985. ISBN 0-300-03406-7
  Constructivism (art) 6
• Rickey, George. Constructivism: Origins and Evolution. George Braziller; Revised edition. 1995. ISBN
  0-8076-1381-9
• Alan Fowler. Constructivist Art in Britain 1913 – 2005. University of Southampton. 2006. PhD Thesis.
• Russian Constructivism. MoMA.org (http://www.moma.org/collection/details.php?theme_id=10955&
  section_id=T019195)
• International Constructivism. MoMA.org (http://www.moma.org/collection/details.php?theme_id=10955&
  section_id=T019199)
  External links
• Soviet Constructivist Architecture (http://www.housing.com/categories/homes/
  soviet-constructivist-architecture-1922-1936.html) -Video
• Constructivism art (http://www.youtube.com/watch?v=IIxZtJy_rok) – video
• Ukrainian Constructivism (http://www.encyclopediaofukraine.com/pages/C/O/Constructivism.htm)
• Constructivist Book Covers (http://www.sil.si.edu/ondisplay/czechbooks)