When we think about summer, we think of Aperol Spritz and ice cream. Those of you who know the gallery, however, know that neither is allowed inside these walls. What is always welcome here is art.
Of course, we cannot exhibit everyone we would like to throughout the year. But in the spirit of summer—a season that invites a little more openness and possibility—we allow ourselves that privilege.
We are truly delighted that the twenty (20) artists we selected have agreed to share their work with us. None of the artists included in the exhibition currently have gallery representation in Miami—though we believe they absolutely should. This exhibition is our way of fostering connection, dialogue, and a stronger sense of community within the art world.
We will have Coca-Cola and Bloody Marys available, hidden in the bar, along with snacks (fattening) for you to enjoy.
Artists: Chris Cortez Julia Dlugin Cullen Malena Del Pino Nan Ernst Nick Gilmore Robin Glass Alice Goldhagen David Goldhagen Frieke Janssens Sepideh KalaniCookie Lethbridge Paola Mondolfi Milagros Monino Rafael Montilla Cecilia Paz Xonia Regalado Robert Schroeder Lisa Torkske Yuki Yamamoto Catherine Yang
Mejores museos de arte en Miami: un campo de fuerzas entre lo moderno y lo contemporáneo
Pocas ciudades en el mundo han experimentado una transformación museística tan acelerada y tan cargada de contradicciones como Miami. En apenas tres décadas, la metrópolis del sur de la Florida ha pasado de ser un destino asociado casi exclusivamente al turismo de playa a convertirse en uno de los nodos más activos del circuito internacional del arte contemporáneo. Este fenómeno no puede entenderse sin tomar en cuenta la presencia de Art Basel Miami Beach, que cada diciembre actúa como catalizador de una semana que redefine el pulso cultural de la ciudad. Sin embargo, reducir el ecosistema museístico de Miami a ese evento anual sería un error crítico: las instituciones que aquí se analizan operan los trescientos sesenta y cinco días del año, con colecciones, programas y agendas curatoriales de calado genuino.
Lo que sigue es un recorrido analítico por los principales museos de arte contemporáneo de Miami, evaluados desde la perspectiva de sus colecciones permanentes, sus decisiones curatoriales y su posición dentro del ecosistema cultural más amplio de la ciudad.
I. Institución pública
Pérez Art Museum Miami (PAMM) Museum Park, Downtown Miami · Fundado 1984
El PAMM es, sin lugar a dudas, el museo insignia de Miami. Inaugurado en su sede actual en diciembre de 2013, el edificio diseñado por el estudio suizo Herzog & de Meuron —responsables también de la Tate Modern en Londres y el estadio Olímpico de Pekín— es en sí mismo una declaración de intenciones. Con sus terrazas envolventes, sus voluminosos aleros y sus jardines verticales de plantas tropicales diseñados por el botánico francés Patrick Blanc (con ochenta especies distintas), el edificio tiende un puente sutil entre el paisaje de la bahía de Biscayne y el universo conceptual del arte contemporáneo.
“La colección permanente del PAMM ha crecido hasta acumular cerca de tres mil obras de arte de los siglos XX y XXI, con un énfasis declarado en el arte latinoamericano, el Caribe, la diáspora africana y la experiencia Latinx en los Estados Unidos.”
Esta orientación geopolítica de la colección no es accidental: refleja tanto la demografía de Miami —una ciudad en el cruce de las Américas— como las donaciones estratégicas de su principal mecenas, el promotor inmobiliario Jorge M. Pérez, quien en 2016 aportó más de doscientas piezas de arte cubano contemporáneo y diez millones de dólares adicionales, convirtiendo al PAMM en el museo con una de las mayores colecciones de arte cubano contemporáneo en los Estados Unidos. La colección incluye obras de figuras como Wifredo Lam, Diego Rivera, Beatriz González, Jean-Michel Basquiat, y artistas de la diáspora caribeña como Glexis Novoa y José Bedia.
En 2019, el museo recibió un millón de dólares de la Fundación Andrew W. Mellon para consolidar su Instituto Cultural del Caribe, una plataforma curatorial e investigativa dedicada al arte de la región y sus diásporas. Esta apuesta institucional por los márgenes geográficos del canon occidental es uno de los gestos más coherentes y significativos dentro del panorama museístico del país.
La programación reciente del PAMM refuerza esta vocación. Entre las exposiciones más relevantes de 2025 y 2026 destaca la primera exposición individual en Miami de Woody De Othello, artista de herencia haitiana cuyas esculturas cerámicas exploran la relación entre el cuerpo, la tierra y la espiritualidad a través del vocabulario de la cerámica y los objetos domésticos. También merece atención la exposición dedicada a Cecilia Vicuña y su instalación Quipu Gut, presente hasta agosto de 2026, así como el ambicioso proyecto expositivo Language and Image, con más de cien obras de más de cincuenta artistas de todo el mundo extraídas de la colección Jorge M. Pérez. Para 2026 el museo anuncia Basquiat: Figures, Signs, Symbols, la primera gran presentación monográfica de Jean-Michel Basquiat en el sur de la Florida.Arte latinoamericano Diáspora caribeña Arte cubano Arte africano Video art.
P +1 305 375 3000 A 1103 Biscayne Blvd., Miami, FL 33132 @pamm Pamm.org
Rubell Museum Allapattah, Miami · Fundado 1993 · Sede actual 2019
Si el PAMM representa el vector institucional público del arte contemporáneo en Miami, el Rubell Museum encarna su contraparte: la colección privada que se convierte en fuerza modeladora del paisaje cultural urbano. Don y Mera Rubell comenzaron a coleccionar en los años sesenta, cuando Don estudiaba medicina y Mera enseñaba en el programa Head Start. Su metodología fue siempre directa: visitas a estudios de artistas, confianza en la intuición, y apuestas tempranas por talentos antes de que el mercado los consagrara.
En 1993, los Rubell abrieron su colección al público en un antiguo almacén confiscado por la DEA en el barrio de Wynwood, en una decisión que contribuyó decisivamente a la transformación de ese distrito deteriorado en el corazón del arte contemporáneo de la ciudad. En 2019 dieron otro salto: un campus de cien mil pies cuadrados en Allapattah, diseñado por el estudio Selldorf Architects, que les permitió desplegar cuatro exposiciones simultáneas y albergar más de siete mil doscientas obras de más de mil artistas acumuladas en cinco décadas.
“La colección Rubell es notable por su capacidad de yuxtaponer lo consagrado y lo emergente: obras de Keith Haring, Jeff Koons, Jean-Michel Basquiat y Cindy Sherman conviven con artistas en residencia y adquisiciones de primera hora.”
Entre los hitos de la colección destacan dos instalaciones de Yayoi Kusama, incluyendo una de sus célebres Infinity Mirrored Rooms; cinco galerías dedicadas a los artistas de la apropiación neoyorkina de principios de los ochenta (Peter Halley, Jenny Holzer, Louise Lawler, David Salle, Christopher Wool); y obras monumentales de El Anatsui, Rashid Johnson, William Kentridge, Mickalene Thomas y Kehinde Wiley. La institución además opera un programa de artistas en residencia apoyado por la Knight Foundation, que para 2025 seleccionó a la artista Joanna van Son.
La programación también trasciende las artes visuales: en 2024, el museo colaboró con Michel Hausmann y la compañía Miami New Drama en The Museum Plays, una experiencia de teatro inmersivo donde obras breves —encargadas a dramaturgos como Marco Ramirez y Carmen Pelaez— se representaban junto a piezas específicas de la colección, en un intento de generar nuevas formas de encuentro entre el espectador y el objeto artístico.
Wednesday: 11:30 am – 5:30 pm Thursday: 11:30 am – 5:30 pm Friday: 11:30 am – 7:30 pm Saturday: 11:30 am – 7:30 pm Sunday:11:30 am – 5:30 pm Monday: Closed Tuesday: Closed
III. Arte e ideas sin costo de admisión
Institute of Contemporary Art, Miami (ICA Miami) Miami Design District · Fundado 2014 (reapertura 2017)
El ICA Miami tiene una historia institucional compleja que merece atención. El museo desciende del Museum of Contemporary Art (MOCA) de North Miami, fundado en 1979, que en 2014 protagonizó una escisión amarga tras el fracaso de un referéndum municipal para financiar su expansión y la salida de su directora Bonnie Clearwater. El resultado fue un acuerdo arbitral que dividió la colección: el MOCA de North Miami conservó el nombre pero no las mejores obras; el nuevo ICA Miami se instaló en el Design District con un perfil más contemporáneo y combativo.
Desde su inauguración en diciembre de 2017 en un edificio diseñado por el estudio madrileño Aranguren + Gallegos Arquitectos —una caja de cristal y acero con una fachada sur de triángulos metálicos entrelazados—, el ICA ha mantenido una política de acceso gratuito que lo convierte en una excepción notable dentro del ecosistema museístico de la ciudad. En 2024, la institución adquirió la antigua sede de la De la Cruz Collection por veinticinco millones de dólares, añadiendo treinta mil pies cuadrados de espacio expositivo gracias a contribuciones de decenas de filántropos del sur de la Florida.
El ICA no mantiene una colección permanente de envergadura comparable a la del PAMM o el Rubell, pero compensa este aspecto con una programación temporal de alta exigencia intelectual y un compromiso explícito con artistas emergentes y subreconocidos. Exposiciones como la retrospectiva de Charles Gaines, el homenaje a Nam June Paik en su conexión con Miami, y la memorable retrospectiva de Keiichi Tanaami han articulado un discurso curatorial coherente alrededor de las intersecciones entre arte conceptual, cultura popular, tecnología e identidad. El museo también opera programas como ICA Speaks, ICA Performs e ICA Residents, que vinculan a los artistas de las exposiciones con la comunidad local.
Miami Design District 61 NE 41st St, Miami, FL 33137 (305) 901-5272 @icamiami Icamiami.org
IV. Museum of Contemporary Art North Miami (MOCA)
MOCA North Miami: comunidad, experimentación y acceso
El Museum of Contemporary Art North Miami (MOCA) se ha consolidado como una de las instituciones más comprometidas con el acceso y la experimentación dentro del panorama artístico de Miami. Fundado en 1981 y ubicado en su sede actual desde 1996, el museo ha desarrollado una programación que prioriza tanto a artistas emergentes como a voces históricamente subrepresentadas, estableciendo un puente entre la producción contemporánea y su contexto social inmediato.
Más que un espacio de exhibición, MOCA opera como un laboratorio curatorial. Sus exposiciones, que rotan constantemente a lo largo del año, se acompañan de una sólida agenda de programas públicos, educativos y comunitarios, posicionando al museo como un agente activo dentro de North Miami. Este enfoque no solo amplía el alcance del arte contemporáneo, sino que redefine su función: el museo deja de ser un contenedor pasivo para convertirse en un espacio de diálogo y construcción cultural.
En un ecosistema marcado por la influencia del mercado, MOCA insiste en una lógica distinta: la del proceso, la investigación y la inclusión. Su relevancia radica precisamente en esa capacidad de sostener prácticas que, lejos del espectáculo, construyen nuevas narrativas desde la base.
Joan Lehman Building 770 NE 125 Street North Miami, FL 33161 305-893-6211 Mocanomi.org @mocanomi
Monday : Closed Tuesday : Closed Wednesday : 12 – 7 PM Thursday : 10 AM – 5 PM Friday : 10 AM – 5 PM Saturday : 10 AM – 5 PM Sunday : 10 AM – 5 PM
V. The Bass
The Bass Museum: institucionalidad y expansión contemporánea
El The Bass, fundado en 1964 y situado en un edificio Art Deco en Miami Beach, representa una de las instituciones más consolidadas del circuito cultural de la ciudad. A lo largo de su evolución—particularmente tras su renovación arquitectónica en 2017—el museo ha reforzado su posicionamiento como una plataforma internacional para el arte contemporáneo.
Bajo una dirección curatorial enfocada en el diálogo interdisciplinario, The Bass ha ampliado su alcance más allá de las categorías tradicionales, integrando arte contemporáneo con diseño, moda y cultura visual. Sus exposiciones suelen presentar artistas de reconocimiento global, articulando discursos que conectan lo local con problemáticas y lenguajes internacionales.
A diferencia de espacios más experimentales, The Bass opera desde una lógica institucional clara: construir legitimidad, contexto y proyección global. Su programación no solo exhibe obras, sino que enmarca el arte contemporáneo dentro de debates más amplios sobre tecnología, identidad y cultura visual.
En este sentido, The Bass encarna una forma de contemporaneidad que no se limita a lo emergente, sino que se expande hacia una comprensión más amplia y estructurada del arte en el presente.
The Bass Museum of Art 2100 Collins Avenue Miami Beach, FL 33139 305-673-7530 Thebass.org [email protected] @thebassmoa @basscreativitycenter
Operating at the intersection of music, community, and visual art, this artist has developed a practice that extends beyond the studio into the social fabric of Miami’s creative scene. Drawing from the energy of funk—particularly the legacy of George Clinton—the work embraces rhythm, improvisation, and what can best be described as a controlled chaos, where structure and spontaneity coexist.
Through the performative alter ego of Dr. Funkenstein and a growing network of events, collaborations, and educational initiatives, the practice expands into a broader cultural movement. More than producing artworks, it actively builds community, creating platforms that connect artists, collectors, and audiences in meaningful ways. In this conversation, the artist reflects on authorship, opportunity, and the evolving dynamics of Miami’s art ecosystem.
AMM. Your practice exists at the intersection of music, community, and painting. How does the energy of funk—particularly the influence of George Clinton—translate into formal decisions within your visual work?
DrFA. Funk is about blending freedom and rhythm. A game of how far can I go or take this and still come back to where I started. I do George Clinton, the original Dr. Funkenstein, is a pioneer; an explorer. He’s not afraid to try new things, yet he’s also a master of controlled chaos. I create my art with that same controlled chaos. Like the famous George Clinton & PFunk lyric says, “Free Your Mind, and Your Ass Will Follow”
AMM. The use of the alter ego Dr. Funkenstein introduces a performative dimension to your artistic identity. To what extent does this persona function as an extension of your practice, and how does it shape notions of authorship and authenticity in your work?
DrFA. Dr. Funkenstein isn’t someone else. It’s me, amplified. It’s me not being afraid to be myself, almost like when musicians are wearing sunglasses or a different persona on stage. It gives me the confidence to find new opportunities while still being me and the freedom to keep expanding my creative toolbox.
AMM. You have developed a practice that not only produces artworks but also builds community through events and teaching. How do you understand the role of the contemporary artist as both creator and cultural facilitator?
DrFA. I really enjoy teaching and inspiring others. Over the last 3 years, I’ve had the amazing opportunity to teach and inspire over 6,000 students through a variety of art classes, workshops, and courses.
For me, being an artist is about creating and inspiring. But my roots and business background made me realize that Miami needs more than just your average art gallery and art classes. It needs a community and artists need more opportunities. So after some encouraging feedback, I took it upon myself to create a supportive community and brand that brings the collectors closer to the creators. We need to realize it’s important to support each other. Everyone in my community knows my motto is a High Tide Raises All Ships.
AMM. What type of opportunities has your art led you to or what doors has it opened up?
DrFA. Over the past several years, my art has brought me countless opportunities and connections. From my experience, I know how important it is to capitalize on these opportunities and expand them into something larger. From my art came several opportunities. From those opportunities to came my events. And most recently, I’ve been manifesting more and more opportunities including being the featured artist for Jam Cruise 22 as well as showcasing and selling my art at the first annual PFunk Festival with George Clinton in Tallahassee, which were both huge, game-changing, and eye-opening experiences.
AMM. Your trajectory in Miami—marked by collaborations, alternative spaces, and participation in events such as Art Basel—places your work across multiple art circuits. How do you navigate the tension between the spontaneity of underground culture and the structures of the global art market?
DrFA. I enjoy having the freedom and confidence to explore both worlds and seize whatever opportunities I can. Having a strong community and business background has now enabled me to bring together both worlds to provide more opportunities to other artists. I have the confidence to be myself while also supporting others. Now I have a collective of 350+ artists I’ve featured through my own events. I did not participate in Art Basel, but I did have my own set of events over the past two years during Miami Art Week called FUNK BASEL, in which I featured 100+ artists from all over the world!
AMM. Aside from Funk Basel, what other events do you do and how did they start?
DrFA. I curated my first local event within 7 months of moving to Miami, and by my third event, I named it Dr. Funk’s Rooftop Fam because I realized the importance of the supportive family and community I was growing. What once started with less than 20 people on a rooftop in December 2023 has now grown into my own collective of artists known as The F.A.M. (aka Funky Art Movement), which I’ve featured through my events. Now I’m curating up to 5 events a month, collaborating with different brands and artists from all over the world!
AMM. How do you perceive the current state of the art ecosystem within Miami’s artistic community, and what role should government and cultural institutions play in fostering conditions that allow art to reach—and meaningfully support—the next generation of emerging artists?
DrFA. Right now we’re in what I sometimes refer to as the “Instagram or TikTok Era… Unfortunatekt sometimes it feels like we put in so much work just for a few likes and comments. The next generation doesn’t just need exposure—they need opportunity and sustainability. Real life opportunities, not just a couple comments or likes on social media. So I think it’s important to keep investing in local galleries, events, and the local communities. It’s the next generation that will be leading us, let’s continue to support and inspire each other.
Dr. Funkenstein Acrylics
About The Artist
Born and raised in Richmond, VA, Eric Mohta, aka Dr. Funkenstein Acrylics, had the opportunity to engage in art and design from an early age. Among his friends in RVA, he was always known for bringing people together with music, whether it was his funky house parties or emceeing for huge music festivals! As a tribute to his funky influences, he undertook the alter ego Dr. Funkenstein, a tribute to one of his favorite musicians, George Clinton of Parliament Funkadelic.
Driven by a desire to immerse themselves in a more vibrant and diverse art & music scene, Dr. Funk relocated to Miami, FL. His goal? To paint anything he can get his hands on! He especially loves the freedom of fluid art and lets the music speak to him when he paints.
He now also curates art events to help bring the local Miami community together and lives by the motto: A High Tide Raises All Ships. Since moving to Miami, Dr Funk has also taught art classes and workshops at a number of local venues and art galleries, including the Fluid Bear Workshop and Majorwavez Lab, where he has helped guide over 6000+ students.
He has also collabed with amazing artists and brands such as Robohood Inc, Klientel Art, Wandering Crafts, Rosewood, Exti, Porti, Zapico, and KEDS.
Along with his own curated events, Dr Funk has also had the opportunity to showcase his art at events and venues such as: Art Basel, Miami Art Week, Cookies Grand Opening, Sacred Cloth Company Gala, 7 Layer Studio, Essentials Gallery, Kava Villa, BuroWynwood, Sunny Side Up Market, Skatebird, MODE, Open Air Markets 4 U, Bay 13 Brewing, Unbranded Brewing, Ark Smoke Shop, Grails, Tripping Animals Brewery, and The Atrium Downtown.
En el mapa del coleccionismo global, pocas figuras han operado con la precisión estratégica de Norman Braman. Su nombre suele asociarse con la llegada de Art Basel Miami Beach en 2002, pero reducir su influencia a ese gesto sería ignorar lo esencial: Braman no solo colecciona arte, construye condiciones para que el arte exista.
El origen de una colección: del descubrimiento a la convicción
Como muchos grandes coleccionistas de la segunda mitad del siglo XX, la historia de Braman comienza con un encuentro. A finales de los años 70, junto a su esposa Irma, descubre la obra de Alexander Calder en la Fundación Maeght. Ese momento no fue anecdótico: fue estructural. A partir de allí, desarrollan una colección que, con el tiempo, alcanzaría un valor estimado cercano a los 900 millones de dólares .
No se trata de acumulación, sino de coherencia. La colección Braman se caracteriza por una profunda afinidad con el arte moderno y contemporáneo, especialmente con la tradición americana del siglo XX. Según The Art Newspaper, ha sido considerada “una de las grandes colecciones privadas de arte americano clásico” .
La casa como museo: el coleccionismo como experiencia
El verdadero núcleo de esta colección no está en vitrinas institucionales, sino en el espacio doméstico. Su residencia en Indian Creek ha sido descrita como un entorno donde las obras no se exhiben, sino que se habitan. Esta es una diferencia crítica.
En el modelo Braman, el arte no es decorativo ni especulativo: es arquitectónico. Las piezas organizan el espacio, condicionan la circulación, construyen una experiencia sensorial. Este enfoque lo acerca más a coleccionistas como los Rubell o los Margulies, pero con una diferencia clave: Braman traduce esa experiencia privada en infraestructura pública.
ICA Miami: de colección privada a institución
La transición de lo privado a lo público se materializa en el Institute of Contemporary Art Miami. Financiado en gran parte por Braman y su esposa, este museo no es un gesto filantrópico aislado, sino la extensión lógica de su pensamiento como coleccionista.
El ICA no nace como un museo tradicional, sino como una plataforma curatorial contemporánea, libre de las limitaciones de las colecciones permanentes. Su creación respondió incluso a tensiones institucionales previas en Miami, consolidando un nuevo modelo de museo impulsado por coleccionistas .
Además, su financiamiento fue decisivo para la construcción de su sede en el Design District , integrando arte, urbanismo y mercado en un mismo ecosistema.
El gesto invisible: coleccionar como poder cultural
Uno de los aspectos más sofisticados de Braman es su comprensión del poder simbólico del coleccionismo. No busca protagonismo mediático; su influencia opera en la estructura.
Impulsa ferias → transforma mercados
Financia museos → redefine instituciones
Dona obras públicas → reconfigura el espacio urbano
Ejemplo de esto es la comisión de esculturas públicas, como la obra de Jaume Plensa en Miami Beach, que inserta el arte contemporáneo directamente en la experiencia ciudadana .
Miami: de periferia a capital cultural
Para entender la colección Braman, hay que entender Miami antes de ella. A finales de los 90, la ciudad tenía menos de diez galerías relevantes. Hoy es un nodo global del arte contemporáneo. Ese cambio no fue orgánico: fue inducido.
Braman jugó un rol clave en convencer a la organización suiza de Art Basel de apostar por Miami, alterando permanentemente la geografía del mercado del arte . Su colección, en este contexto, funciona como capital cultural activo, no como patrimonio estático.
Conclusión: el coleccionista como arquitecto del sistema
Norman Braman representa una figura cada vez más relevante en el arte contemporáneo: el coleccionista que trasciende la adquisición para convertirse en productor de contexto.
Su colección no es solo un conjunto de obras. Es un sistema que conecta mercado, institución, ciudad y narrativa cultural.
Para artistas y galeristas, la lección es clara: el verdadero poder en el arte no reside únicamente en la obra, sino en la capacidad de crear el ecosistema donde esa obra adquiere significado.
Y en ese terreno, pocos han operado con la claridad —y la discreción— de Norman Braman.
En la historia del coleccionismo en Miami, la familia Soffer ocupa una posición singular: no son coleccionistas tradicionales, sino coreógrafos de experiencia. Su legado no se limita a adquirir obras, sino a integrarlas dentro de estructuras donde arte, arquitectura, comercio y vida cotidiana se funden en un mismo lenguaje.
De territorio a narrativa: el origen de Aventura
En 1967, Donald Soffer adquirió 785 acres de terreno pantanoso en el norte de Miami-Dade, un gesto que parecía especulativo pero que terminaría dando origen a la ciudad de Aventura .
Lo relevante aquí no es solo la transformación física, sino conceptual: Soffer no construyó un proyecto inmobiliario, construyó un ecosistema completo donde el lujo, el ocio y la cultura coexistieran.
Ese modelo —hoy replicado globalmente— anticipa una idea clave del siglo XXI: la ciudad como experiencia curada.
Aventura Mall: el mall como museo contemporáneo
El punto de inflexión en la relación de la familia con el arte ocurre con el desarrollo del Aventura Mall, uno de los centros comerciales más grandes de Estados Unidos .
Bajo la dirección de Jackie Soffer, el mall se transforma en algo inesperado: una plataforma de arte contemporáneo accesible.
La colección incluye obras y comisiones de artistas como:
Louise Bourgeois
Robert Indiana
Carsten Höller
Daniel Arsham
The Haas Brothers
Lejos de la lógica museística tradicional, aquí el arte no exige contemplación silenciosa; convive con el flujo cotidiano. Según Architectural Digest, el programa artístico del mall rivaliza con el de muchos museos, convirtiéndolo en un destino cultural en sí mismo .
Este gesto redefine una pregunta fundamental: ¿Dónde ocurre hoy el arte contemporáneo?
El arte como estrategia de valor
La familia Soffer entendió algo que muchos coleccionistas institucionales tardaron en reconocer: el arte no solo tiene valor simbólico, sino también valor experiencial y económico.
Integrar arte en un entorno comercial:
Aumenta el tiempo de permanencia del visitante
Eleva la percepción de lujo
Diferencia el espacio en un mercado saturado
Pero más allá de la estrategia, hay una visión: convertir el consumo en experiencia cultural.
Fontainebleau: estética, historia y diseño
La adquisición y desarrollo del Fontainebleau Miami Beach añade otra capa al ecosistema Soffer.
Este ícono arquitectónico, originalmente diseñado por Morris Lapidus, no es solo un hotel: es una pieza fundamental en la narrativa estética de Miami Beach. La familia no solo lo preserva, sino que lo reactiva como espacio donde convergen diseño, arte y espectáculo .
Aquí, el arte no se presenta como colección explícita, sino como atmósfera total: interiorismo, arquitectura y programación cultural forman una experiencia inmersiva continua.
Coleccionar sin museo: un modelo expandido
A diferencia de figuras como Norman Braman o Jorge Pérez, los Soffer no consolidan su colección en una institución tradicional.
Su modelo es más radical:
El mall como museo
El hotel como escenografía cultural
La ciudad como obra total
Este enfoque se alinea con una tendencia contemporánea donde el arte se desplaza fuera del cubo blanco para insertarse en la vida cotidiana.
Conclusión: el arte como infraestructura invisible
La familia Soffer representa una evolución del coleccionismo: ya no se trata de poseer obras, sino de integrarlas en sistemas de experiencia.
Para artistas y galeristas, esto implica un cambio de paradigma: el valor del arte no reside únicamente en su circulación en ferias o museos, sino en su capacidad de activar espacios, generar interacción y construir identidad.
En Miami, ese modelo tiene un precedente claro. No es un museo. No es una colección privada.
Es una ciudad.
Y en ese sentido, la verdadera obra de la familia Soffer no cuelga en paredes: se habita.
La familia Soffer, liderada por el fallecido desarrollador Donald Soffer y su hija Jackie Soffer (CEO de Turnberry), es una influyente dinastía inmobiliaria y coleccionista de arte en Miami. Han transformado el paisaje de Aventura, destacando por integrar arte público de alto nivel en propiedades comerciales como el Aventura Mall.
Jackie Soffer: Además de dirigir Turnberry, es conocida por su pasión por el arte, integrando obras de renombre en el Aventura Mall, lo que convierte al centro comercial en una experiencia cultural.
Don Soffer: Fundador de Turnberry y visionario que desarrolló gran parte de Aventura, dejando un legado tanto en bienes raíces como en filantropía.
Influencia en Miami: La familia ha sido pionera en el desarrollo inmobiliario de lujo en el sur de Florida, incluyendo hoteles, residencias y centros comerciales.
Conexión con el Arte: La familia Soffer apoya el arte, con Jackie participando en conversaciones sobre el impacto del arte en espacios públicos.
A Constellation of Place and Spirit: A Must-See Exhibition at MOCA North Miami
Through October 4, 2026 Museum of Contemporary Art, North Miami (MOCA)
In a moment when regional narratives are gaining renewed critical attention, the Museum of Contemporary Art North Miami presents a compelling group exhibition that invites viewers to reconsider the relationship between spirituality, heritage, and place. Organized as part of MOCA’s 30th anniversary programming, this exhibition stands not only as a celebration, but as a statement—one that positions South Florida as a site of complex cultural production.
Co-curated by Kimari Jackson and Laura de Socarraz-Novoa, the exhibition brings together a diverse group of artists whose practices move fluidly across ceramics, textiles, photography, film, and installation. What emerges is not a singular narrative, but a field of interconnected perspectives, each engaging with transformation—personal, ecological, and cultural.
Artists in Focus
Jen Clay
Clay’s work operates within immersive installation, often blending mythological narratives with contemporary anxieties. Her environments feel both playful and unsettling, inviting viewers into psychological and emotional terrains.
Luke Jenkins
Jenkins engages with materiality through sculptural interventions that question permanence and decay. His work reflects an acute sensitivity to time and transformation within physical structures.
Gerbi Tsesarskia
Tsesarskia’s practice navigates identity and displacement, often through layered visual languages that merge personal history with broader geopolitical narratives.
Mark Delmont
Delmont’s work examines the intersection of memory and place, constructing visual frameworks that echo the fragmented nature of lived experience.
Elliot and Erik Jimenez
Working collaboratively, the Jimenez brothers explore duality—both in form and concept—creating works that reflect dialogue, tension, and shared authorship.
Diana Larrea
Larrea’s conceptual approach often revisits overlooked histories, challenging dominant narratives and questioning systems of representation.
Amanda Linares
Linares investigates cultural identity through material exploration, often embedding personal and collective memory within her work.
Rachelle Salnave
Salnave’s multidisciplinary practice centers on diaspora and storytelling, weaving together sound, image, and performance to create layered narratives.
Onajide Shabaka
Shabaka’s work is deeply rooted in spirituality and ritual, engaging with ancestral knowledge and the continuity of cultural practices.
Lauren Shapiro
Through ceramics, Shapiro explores fragility and transformation, often referencing the natural world and its processes of change.
Nina Surel
Surel’s installations blur the boundaries between object and environment, creating spaces that engage perception and bodily experience.
Lisu Vega
Vega’s work reflects on landscape and belonging, often addressing the emotional and political dimensions of place.
Lauren McAloon
McAloon’s practice engages with abstraction as a language of introspection, exploring internal states through material form.
Carol Munder
Munder’s work often reflects on systems—biological, social, and ecological—creating visual dialogues that connect micro and macro realities.
Manuela Gonzalez
Gonzalez’s practice centers on cultural memory and identity, weaving together personal narratives with broader social contexts.
A Regional Vision with Global Resonance
What distinguishes this exhibition is not only its diversity of media, but its conceptual coherence. Each artist, while distinct, contributes to a broader meditation on how identity is shaped—by geography, by history, and by invisible systems of belief.
South Florida, often perceived through the lens of its art fairs and market dynamics, here reveals another dimension: one of depth, introspection, and cultural layering.
An Invitation
This is not simply an exhibition to see—it is one to experience slowly.
To walk through these works is to encounter a series of questions:
How do we locate ourselves within a place?
What histories do we carry, and which do we inherit?
How does art mediate between the visible and the intangible?
In its 30th anniversary, MOCA does not look back—it expands outward.
And in doing so, it offers one of the most thoughtful exhibitions in the region this year.
On view through October 4, 2026 Wed: 12:00 PM – 7:00 PM | Thu–Sun: 10:00 AM – 5:00 PM
About the South Florida Cultural Consortium
The South Florida Cultural Consortium (SFCC) is an alliance of the arts councils of Broward, Martin, Miami-Dade, Monroe and Palm Beach Counties. Established in 1988, this Interlocal Agreement works to foster cooperation across the South Florida region to help develop and promote the work of cultural organizations, artists, and the audiences that they serve. Its programs and services range from the Visual and Media Artists Grant Program to regional arts education and cultural tourism cooperative ventures. grants visual and media artists. The 2026 Visual and Media Artist exhibition featuring the program’s 2025 grant recipients is co-curated by MOCA Curatorial Assistant Kimari Jackson and guest curator Laura Novoa. The group show features 14 artists and one artist collaborative exploring themes of spirituality, heritage, and reconnection to home. Participating artists include: Jen Clay, Luke Jenkins, Gerbi Tsesarskaia, Mark Delmont, Elliot & Erick Jiménez, Diana Larrea, Amanda Linares, Rachelle Salnave, Onajide Shabaka, Lauren Shapiro, Nina Surel, Lisu Vega, Lauren McAloon, Carol Munder, and Manuela Gonzalez.
Spanning ceramics, textiles, photography, film, and installation, the exhibition reveals the rich conceptual and material diversity of the region’s contemporary art scene. Through these varied approaches, the show traces a cyclical meditation on life, transformation, and place, creating a cohesive dialogue that situates individual artistic practices within the broader cultural and ecological narratives shaping South Florida today.
The South Florida Cultural Consortium is a regional initiative in support of the arts governed by an Interlocal Agreement among the counties of Broward, Martin, Miami-Dade, Monroe and Palm Beach. The Consortium’s members are the local arts agencies of these five counties, including the Broward County Cultural Division, the Arts Council of Martin County, the Miami-Dade County Department of Cultural Affairs, the Florida Keys Council of the Arts, and the Cultural Council for Palm Beach County. The Consortium works to foster cooperation across the South Florida region to help develop and promote the work of cultural organizations and artists and the audiences that they serve. Its programs and services range from the Visual and Media Artists Program to regional arts education and cultural tourism cooperative ventures. Each year, more than 300 artists who live and work throughout the five counties submit their applications for consideration to the South Florida Cultural Consortium’s Grant Program for Visual and Media Artists. Regional and national panels comprised of experts in visual art, film, and media from a variety of academic and major visual arts institutions are given the responsibility of recommending the final recipients. The South Florida Cultural Consortium is one of the most successful regional arts alliances in the nation, demonstrating that by sharing resources and best practices, the arts can thrive across a burgeoning five-county area.
The South Florida Cultural Consortium is made possible with major support from the Miami-Dade County Department of Cultural Affairs and the Cultural Affairs Council, the Miami-Dade County Mayor and Board of County Commissioners, and the Boards of County Commissioners of The Broward County Cultural Division, The Cultural Council for Palm Beach County, The Arts Council of Martin County, and the Florida Keys Council of the Arts.
Familia Mas: Coleccionista de Arte. Cultura, identidad y el nuevo soft power de Miami
En el ecosistema cultural de Miami, la familia Mas representa una tipología distinta de poder: no el coleccionismo tradicional basado en obras, sino una forma expandida donde identidad, cultura y espectáculo se convierten en plataforma estética.
Su influencia no se articula a través de un museo o una colección visible, sino mediante la construcción de narrativas culturales capaces de redefinir la percepción global de la ciudad.
De la infraestructura al imaginario cultural
Fundadores de MasTec, los hermanos Jorge y José Mas heredaron una visión empresarial profundamente ligada a la construcción física del territorio. Pero su evolución como actores culturales ocurre cuando ese conocimiento se desplaza hacia lo simbólico.
La infraestructura deja de ser solo técnica para convertirse en infraestructura cultural.
Su papel como propietarios de Inter Miami CF marca ese punto de inflexión. Lo que inicialmente parece un proyecto deportivo se revela como una operación mucho más compleja: la creación de una marca cultural global.
Lionel Messi: el gesto como obra
La llegada de Lionel Messi en 2023 no fue simplemente una transferencia deportiva. Fue una intervención cultural de escala global.
En términos curatoriales, podría entenderse como una “pieza viva” insertada en el tejido urbano de Miami.
Redefinió la visibilidad internacional de la ciudad
Reconfiguró la relación entre deporte, lujo y cultura
Activó nuevas audiencias globales
El impacto fue inmediato: el club pasó de ser una franquicia emergente a convertirse en una de las marcas más reconocibles del fútbol mundial .
La colección invisible: cultura como archivo
A diferencia de coleccionistas tradicionales, la familia Mas no acumula objetos, sino capital cultural inmaterial.
Su “colección” está compuesta por:
Narrativas de identidad cubano-americana
Instituciones culturales
Experiencias colectivas
Un ejemplo clave es su apoyo a CasaCuba en Florida International University, un centro dedicado a la preservación de la cultura cubana, financiado con aportes millonarios de la familia .
Aquí, el arte no se limita a lo visual: se expande hacia la memoria, la historia y la identidad.
El estadio como museo contemporáneo
El desarrollo de Miami Freedom Park —el futuro hogar de Inter Miami— introduce otra dimensión: el espacio deportivo como entorno curado.
En la lógica contemporánea:
El estadio es arquitectura
La experiencia es escenografía
El público es participante
Este modelo se acerca más a la lógica de una bienal o un festival que a la de un evento deportivo tradicional.
Estética, branding y cultura visual
Uno de los aspectos menos discutidos —pero más relevantes— del proyecto Mas es su comprensión de la estética como herramienta estratégica.
El universo visual de Inter Miami CF:
Paleta cromática (rosa, negro)
Diseño gráfico contemporáneo
Integración con moda y cultura pop
No es casual. Es una construcción deliberada que posiciona al club dentro de una economía visual global donde arte, diseño y entretenimiento convergen.
Miami como obra en construcción
La familia Mas no colecciona arte en el sentido clásico. Colecciona momentos culturales.
Desde su legado como familia exiliada cubana hasta su rol en la transformación contemporánea de Miami, su influencia se inscribe en una dimensión más amplia: la del relato colectivo.
Como señala la propia narrativa empresarial de la familia, su impacto va más allá de los negocios, extendiéndose a la construcción social y cultural de la ciudad .
Conclusión: del objeto a la experiencia
Para artistas, galeristas y profesionales del arte, el caso de la familia Mas plantea una pregunta crucial:
¿Sigue siendo la obra el centro del sistema, o estamos entrando en una era donde el verdadero valor reside en la experiencia cultural total?
La familia Mas parece tener una respuesta clara.
No construyen una colección. Construyen un escenario.
Y en ese escenario —donde convergen deporte, identidad, arquitectura y cultura visual— Miami deja de ser una ciudad para convertirse en una narrativa global en tiempo real.
Hablar de Jorge M. Pérez únicamente como el “Condo King” es quedarse en la superficie de una figura que ha redefinido no solo el skyline de Miami, sino su infraestructura cultural. Su verdadera obra no es un edificio, sino una idea: que una ciudad global necesita una colección que la represente.
El coleccionista como constructor de narrativa
A diferencia de otros grandes desarrolladores, Pérez no colecciona arte como extensión decorativa de su éxito económico. Su aproximación responde a una lógica museológica: construir una colección con coherencia geopolítica y cultural.
Su foco ha sido claro durante décadas:
Arte contemporáneo de América Latina
Diásporas africanas
Producción emergente con carga social
Esta dirección no es casual. Pérez entendió antes que muchos que Miami no debía imitar a Nueva York o Londres, sino definir su propia identidad como puente entre el Norte y el Sur.
De la colección privada al museo público
El gesto que consolida su legado es la transformación del antiguo Miami Art Museum en el Pérez Art Museum Miami (PAMM).
En 2011, Pérez donó aproximadamente $35–40 millones entre efectivo y obras de arte, lo que permitió la construcción del nuevo edificio diseñado por Herzog & de Meuron y el renombramiento del museo .
Pero lo más relevante no fue el nombre, sino el contenido:
Más de 170 obras donadas a lo largo del tiempo
Núcleos clave de arte cubano contemporáneo
Obras de artistas como Wifredo Lam, Diego Rivera o Beatriz González
El resultado: una de las colecciones institucionales más sólidas del hemisferio en términos de narrativa latinoamericana.
El Espacio 23: el laboratorio curatorial
Si el PAMM representa la institucionalización, El Espacio 23 representa la libertad.
Ubicado en Allapattah, este espacio nace casi por accidente —como almacén— y termina convirtiéndose en un centro de experimentación curatorial abierto al público .
Aquí, la colección Pérez se activa de otra manera:
Este modelo es clave: no es un museo tradicional, es una plataforma viva, alineada con prácticas contemporáneas donde la colección no se fija, sino que se reinterpreta constantemente.
La colección como legado global
La escala de la colección Pérez supera las 5,000 obras, con una estrategia clara: descentralizar el arte hacia instituciones públicas.
Su visión no es acumular, sino distribuir:
Donaciones al PAMM
Contribuciones a instituciones internacionales como Tate
Compromiso de transferir gran parte de su colección a museos
Este enfoque lo sitúa en una línea contemporánea de coleccionistas que entienden el arte como bien público, no como activo privado.
El impacto en el ecosistema de Miami
La influencia de Pérez va más allá de su colección. Su modelo ha redefinido el comportamiento de otros coleccionistas en la ciudad:
Profesionalización del coleccionismo
Creación de espacios privados abiertos al público
Consolidación de Miami como nodo del mercado global
Su rol ha sido determinante en posicionar la ciudad como un centro donde el arte no solo se vende —como ocurre durante Art Basel Miami Beach— sino donde se construye discurso cultural .
Conclusión: el coleccionista como urbanista cultural
Jorge Pérez pertenece a una categoría muy específica de coleccionistas: aquellos que entienden que coleccionar es una forma de planificación urbana simbólica.
Su legado no se mide únicamente en obras, sino en estructuras:
Un museo que define la ciudad
Un espacio experimental que activa la escena
Una colección que reescribe la narrativa del arte latinoamericano
Para artistas y galeristas, la lección es contundente: el verdadero impacto no está en entrar en una colección, sino en formar parte de una visión que transforma un territorio.
Y en el caso de Miami, esa visión —silenciosa, estratégica y profundamente cultural— lleva el nombre de Jorge Pérez.
Opening Reception: Saturday, May 2, 2–4 PM Miami Beach Regional Library, 227 22nd St, Miami Beach, FL 33139
What’s My Line? Drawing as Experience brings together a group of artists who approach drawing not as a static image, but as a living act—an unfolding of thought, time, and perception. From monumental chalk figures to harmonic motion photographs, from continuous lines that never lift from the wall to data rendered as kinetic self-portrait, the exhibition expands drawing into gesture, sound, code, and space.
The artists included—Carola Bravo, Spencer Chang, Chris Friday, Richard Garet, Felice Grodin, Juraj Kojs, Pablo Matute, Ana Mosquera, Owen Roberts, Judith Robertson, Sterling Rook, Laurencia Strauss, Alba Tiana, Claudia Vieira, Tom Virgin, and Michelle Weinberg—span a wide range of disciplines and materials. What connects them is not style, but a shared openness: a willingness to let the line lead, to trust process, to follow the work into uncharted territory.
What’s My Line? Drawing as Experience brings together 16 artists whose work expands the idea of drawing beyond its conventional definitions. The exhibition examines drawing as a mode of thinking and investigation that can move across materials, technologies, and disciplines. Curator Dimitry Saïd Chamy brings together artists working with diverse media—including digital systems, code, sculptural processes, and hybrid forms—approaching drawing less as a fixed technique and more as a flexible framework for experimentation.
Rather than focusing on drawing as a specific visual language, the exhibition considers it as a foundational act: the impulse to mark, trace, construct, and test ideas through form. Within this broader understanding, drawing becomes a generative process that can unfold across surfaces, spaces, and technological environments.
The participating artists emphasize the process of image-making over predetermined content. Their works explore how forms emerge through iteration, systems, and exploratory gestures. In doing so, the exhibition highlights drawing as a field of inquiry where experimentation, structure, and discovery remain central.
The artists gathered here include both Miami-based and non–Miami-based practitioners. Many have long-standing ties to South Florida, while others participate from outside the region. The selection followed artistic practice rather than geography, creating a conversation between artists who share an interest in drawing as a method of inquiry across different contexts and locations.
Presented by Edge Zones at the Miami Beach Regional Library, the exhibition situates contemporary art within a public civic space while acknowledging Miami as an active site of cultural production. The exhibition invites audiences to encounter work shaped by multiple perspectives while remaining in dialogue with the city’s artistic community.
Edge Zones is an artist and volunteer–run contemporary arts non-profit dedicated to the research, conceptualization and execution of events that strengthen the contemporary art environment in Miami. EZ seeks to serve as a laboratory for creative exploration, and to offer a space where audiences can witness the creative process as it unfolds making contemporary art accessible, engaging and to create a focal point for international research and awareness. Edge Zones is committed to assist local artists from diverse economic, social, and cultural backgrounds in their creative production and disseminating their professional development in national and international forums by establishing a strong regional exchange network connected to the rest of the world.
The CAMP Gallery
791 NE 125 St
Miami, FL 33161
Friday, May 8 • 6 PM – 9 PM
The CAMP Gallery’s summer exhibition brings together artists: Brittany Clifford, Evelyn Politzer, Gabrielle Torres and Eden Quispe.
The CAMP Gallery’s summer exhibition brings together artists: Brittany Clifford, Evelyn Politzer, Gabrielle Elizabeth Torres and Eden Quispe. Looking more at what brings us together each artist tells stories, weaves connections through their varied mediums. Sharing their individual cares these artists offer respite from chaos and invite the viewer into the tranquility of their individual practices brought on through palette and line, all held together by the artist’s wish. The exhibition asks us all to come together and relish the components that will leave us with the expectation of welcoming each other, recognizing the universal of being human; being besieged by conflict, embraced by lived experience, and united by both.
Brittany Clifford softens her line, adds a curve to it – suggesting a different path than that which is the standard – beginning, end. Clifford’s lines allow for distraction, imagination and mirrors the ‘ups and downs’ of a day. Her colors also become unified symphonies of joy, mixing and melding, combining and connecting hues and tones heralding one to enter the mix. The physicality of her work also suggests the need to resolve unidentified conflicts – for example, the initial conflict is the canvas itself – standing resolute in its blank state. Clifford approaches this barricade with confidence and a notion of rebellion in that she conquers the canvas, breaks some rules along the way, and ends up with her voice, her vision standing where once their was emptiness.
Evelyn Politzer in her series focused on the sea, takes fiber and creates lines that ripple through the work. Her work stimulates one back to shorelines, absorbing the rush of the surf, while imagining the underneath, while just being. Politzer stitches together individual threads into a swath of imagination, heralding and opening the doors to “be-ingness.” In the series, the idea of becoming whole by approaching the work, overshadows the moment by encouraging the viewer to step outside of the the lines. The lines in the work both stand alone, but also are highly reliant on the other – creating an amphibious nuance of interdependency. Politzer, stands comfortably in the unconscious, while simultaneously rooted in higher consciousness – embracing this duality is key to the method behind interpretation.
Stitching lines and weaving resolutions Gabrielle Torres creates living, breathing swathes of color, texture, line, and of course, stitches. Taking deep colors, symbolic and rich, Torres brings together not only her lines, but the lines of the environment around her, as well as the rhythm of life. Her works speaks to a universal reliance on co-existence and memory. The Wilton Street Rhythm Series, speaks and begins from a marriage of memory and music to where it expands beyond the artist’s original intent. Fusing the creation of the work with blues, Torres interprets the music, and her reaction thus creating almost a web of feeling bound through thread and jazz.
Using fabric, stitches and color, Eden Quispe tells stories not unique to her alone. Creating pages of life Quispe flips through the stages: from childhood to adulthood, to caring and protecting childhood, and her life and family in stories. Taking on the role of a chronicler Quispe shares to stimulate memory both lived and hoped for into glimpses of moments. Naturally these moments are defined and described by the artist, but the universality of her topic welcomes the viewer to step towards this same universality. Key to Quispe’s execution is that of memory and protection – preserving both motherhood and childhood in today’s contemporary world, she aims to explore and expose both chaos and peace, ultimately finding balance in her artistic expression.
