BRANDING y DISEÑO WEB para Artistas Visuales en EVOLUCIÓN

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BRANDING y DISEÑO WEB para Artistas Visuales en EVOLUCIÓN
Revoluciona tu marca y presencia digital con nosotros.

La creatividad es un viaje constante, y si eres un artista visual en evolución, sabes que tu obra no es estática: está en constante transformación. Tu marca también debe seguir este mismo flujo de innovación y cambio. Es por eso que trabajamos codo a codo con creativos visionarios como tú, aquellos que buscan no solo mejorar, sino reinventar su identidad y llevarla a un nuevo nivel de excelencia y relevancia.

¿Por qué conformarte con lo convencional cuando puedes destacar entre la multitud?
Imagina tu marca como una obra maestra en constante expansión, un reflejo perfecto de tu estilo y proceso creativo. Desde el diseño de tu logo hasta la experiencia visual en tu sitio web, todo debe contar una historia única que resuene con tu audiencia de manera profunda y auténtica.

Nuestro enfoque en branding y diseño web está pensado para artistas visuales que entienden el poder de una presencia digital bien construida. Creamos una narrativa visual que conecta con tu esencia, que se adapta a tu evolución y te posiciona en la vanguardia del arte contemporáneo.

¿Qué hacemos?

Diseño de Marca: Vamos más allá de un simple logo. Creamos una identidad que no solo represente tu obra, sino que la eleve, que hable de tu propuesta artística con cada trazo, cada color y cada forma.
Experiencia Web Única: Diseñamos sitios web que no son solo funcionales, sino que son una extensión de tu arte. Usamos la tecnología para ofrecerte un espacio digital que no solo muestra tu trabajo, sino que crea una experiencia inmersiva para quienes lo visitan.
Estrategia Visual Personalizada: Tu visión es única, y por eso cada estrategia de branding y diseño web es completamente personalizada. Trabajamos de la mano contigo para entender tu proceso creativo, tu público y tus ambiciones. Así, diseñamos soluciones visuales que se alineen con tus objetivos.
Crecimiento y Relevancia: En un mundo donde lo visual lo es todo, te ayudamos a mantenerte a la vanguardia. Nos aseguramos de que tu marca evolucione de manera constante, adaptándose a las tendencias sin perder tu esencia.

Tu arte merece ser visto y reconocido como lo que es: una obra única.
Permítenos ser parte de esa evolución y ayudarte a trascender en un mundo digital cada vez más competitivo. Elevamos tu marca a través de un diseño impactante, funcional y con un propósito claro: hacer que tu trabajo brille de manera auténtica.

Porque tu arte, tu evolución, y tu marca merecen estar a la altura del futuro.

Phone: (786) 848-5009

Address: 11900 SW 144th Ct, Miami, FL 33186

Perez Art Museum PAMM

La poesía de Joxean Artze en la obra del artista Patxi Xabier Lezama

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La poesía de Joxean Artze en la obra del artista Patxi Xabier Lezama

Dentro de la programación de La feria Red Dot Miami, en el marco de Art Basel USA podremos ver la obra de arte “Txoria, txori”. Disponible del 4 al 8 de diciembre de 2024. Una obra del artista Patxi Xabier Lezama que funde el poema ‘Txoria txori’ del poeta Joxean Artze y la voz y el lugar de la mujer.

Red Dot es una reconocida feria de arte estadounidense que se celebra en el vibrante y emblemático distrito artístico Wynwood de Miami durante la Semana del Arte de Miami . Con la asistencia de miles de entusiastas y coleccionistas de arte cada año, Red Dot se erige como la cumbre de la excelencia artística y la celebración cultural.

La poesía de Joxean Artze en la obra de Patxi Xabier Lezama: Una fusión entre la forma y el sentimiento

La creación artística es un diálogo constante entre diferentes disciplinas, y el encuentro entre la poesía y el arte a menudo da lugar a obras que trascienden su forma original. Un claro ejemplo de esto se puede observar en la obra de Patxi Xabier Lezama, un busto de mujer con cabeza de pájaro se enriquece y cobra vida a través de la poesía de Joxean Artze. En su poema “Si le hubiera cortado las alas”, Artze ofrece un profundo reflexionamiento sobre el amor, la libertad y la esencia de lo que se ama.

El simbolismo del pájaro

El poema de Artze presenta un dilema emocional que resuena con fuerza en la obra de Lezama. La figura del pájaro simboliza tanto la libertad como el deseo. Al mencionar “Si le hubiera cortado las alas,” el hablante evoca la idea de posesión frente a la pérdida de la esencia. La obra de Lezama, al presentar una mujer, encapsula esta tensión: se sugiere la dualidad de la belleza y la fragilidad. La mujer no es únicamente un objeto de deseo, sino una representación de la libertad que, al ser restringida, pierde su verdadera forma. Así, el busto se convierte en un símbolo del amor que no busca el control, sino que celebra la esencia del ser.

La fusión de la forma y el sentimiento

La repetición en el poema, “habría sido mío, no se me habría escapado,” enfatiza el anhelo del hablante por la posesión, pero a costa de la esencia del ser amado. El contraste que establece Artze entre el “yo” que desea y el “pájaro” que se ama es crucial; revela que el amor auténtico no se basa en la posesión, sino en la apreciación de la libertad del otro. Lezama, al plasmar esta idea en su obra, invita al espectador a contemplar no solo la belleza de la figura femenina, sino también a reflexionar sobre el significado más profundo de la libertad en el amor.

El uso de la forma en la obra de Lezama, con el busto que abarca ambas identidades, la humana y la aviar, resuena con la exploración poética de Artze. Las líneas e imagen de la obra transmiten una delicada sensación de movimiento, como si el pájaro estuviera a punto de alzar el vuelo. La combinación de texturas y la interpretación de la luz sobre la figura sugieren la fragilidad del amor en el que el deseo se encuentra enfrentado a la necesidad de libertad.

La voz del poeta en el arte de Lezama

Artze concluye su poema con un poderoso mensaje sobre la autenticidad del amor: “yo lo que amaba era el pájaro.” La identificación con el pájaro implica un reconocimiento de que lo que se ama no es el poder de poseer, sino la esencia que hace a otro ser único. En este sentido, la obra de Patxi Xabier Lezama no solo representa la belleza superficial, sino que invita a una meditación sobre el amor que se libera y permite el crecimiento del otro.

A través de esta fusión entre la poesía de Joxean Artze y la obra de Patxi Xabier Lezama, se configura un espacio donde el arte visual y la palabra poética se entrelazan, creando una experiencia rica en significado. Ambas obras nos animan a cuestionar nuestras percepciones sobre el amor, la libertad y la esencia del ser humano, transformando la admiración estética en una profunda reflexión emocional. Así, Lezama no solo crea una forma, sino que da vida a un sentimiento, amplificando la voz de Artze y ofreciendo al espectador una invitación a dialogar con una experiencia artística que va mucho más allá de lo tangible.

El artista ha mostrado siempre su compromiso con la cultura vasca, que busca reflejar la importancia de la memoria y la conexión con las raíces. Así, en su trabajo se pueden apreciar elementos simbólicos que hacen referencia a la herencia cultural y emocional transmitida a través de generaciones utilizando técnicas que combinan elementos tradicionales con modernos renovando la trama del arte moderno en el país vasco.

Perez Art Museum PAMM

The growing presence of contemporary art from Africa enlivens Miami Beach

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The growing presence of contemporary art from Africa enlivens Miami Beach

Headed from all four corners of the continent, African and African diasporic galleries are increasingly taking the spotlight and bringing vital dialogue

By Claire Breukel Nov 8, 2024

‘Africa has always been and continues to be a major catalyst for incredible ideas around art and aesthetics,’ elucidates Koyo Kouoh, Zeitz MOCAA executive director and chief curator. ‘Joining creative practices by artists in Africa with that of its vast diaspora traces important dialogues of past and present.’

Historically, USA-based Black diaspora artists went unrecognized and accessing creative practices outside the USA was reserved for adventurous travelers. As collectors’ curiosity broadens, so too does comprehension and appreciation of creative practices from and about Africa. Compatibly, Art Basel Miami Beach Week sees increased African and African diasporic participation. For its third annual celebration, Zeitz Museum of Contemporary Art Africa (Zeitz MOCAA) and its American Friends affiliate join forces with the celebrated USA nonprofit Black Trustee Alliance for Art Museums (BTA) to host more than 200 artists and patrons at The Miami Beach EDITION. Opa-Locka’s Ten North Group presents its annual program surveying Black creativity, and Art Basel Miami Beach features five Africa-founded galleries.

‘We’re finally in an era where the art world is embracing dialogue between Black artists across the diaspora,’ shares Diane Jean-Mary, BTA executive director.

Koyo Kouoh, Zeitz MOCAA executive director and chief curator, during the talk ‘When We See Us, A Century of Black Figuration in Painting’ in the Conversations program of Art Basel in Basel 2024.

Artwork by Kapwani Kiwanga presented by Goodman Gallery at Art Basel in Basel 2024.

Artworks by Simphiwe Buthelezi presented by Smac Art Gallery in the Galeries Emergentes sector of Paris+ par Art Basel 2023.

Art Basel Miami Beach’s Africa-originated exhibitors include Afriart Gallery (AAG), founded by Daudi Karungi in Kampala, Uganda, in 2002, representing renowned Tanzania-born artist Sungi Mlengeya among many celebrated African creatives. In 2013, curator Aleya Hamza opened Gypsum Gallery in Cairo, Egypt. In the show’s Positions sector, she presents ‘Today in History,’ a project by Egyptian, Amsterdam-based artist Dina Danish, whose hand-stitched tapestries satirically mimic medieval banners while depicting contemporary media imagery. Adenrele Sonariwo began Rele Gallery in Lagos, Nigeria, in 2015, showing global talents such as Gladys Kalichini and Tonia Nneji and opening satellites in Los Angeles and London. Cape Town, South Africa-based Smac Art Gallery returns to Art Basel Miami Beach for a third year with a Positions presentation of new multidisciplinary work by South African maven of materiality Simphiwe Buthelezi. The long-established Goodman Gallery boasts locations in Cape Town, Johannesburg, London and New York. For the fair, celebrated South African artist William Kentridge and Ghanaian artist El Anatsui are featured alongside Brazilian artist Laura Lima and Canadian, Paris-based academic and artist Kapwani Kiwanga.

Spearheading local representation, Ten North Group’s visionary Willie Logan leads Opa-Locka’s annual Art of Transformation program, themed ‘Black Aliveness and an Aesthetics of Being,’ from December 4 to 8 at venues throughout Opa Locka. Featuring exhibitions linking works by African, Caribbean and diaspora writers with contemporary artists and conversations centered on international Black creative practices – Opa-Locka is an essential experience for locals and visitors alike.

Artwork by Ndidi Emefiele presented by Rele Gallery in the Nova sector of Art Basel Miami Beach 2023.

Artworks by Basim Magdy presented by Gypsum Gallery in the Nova sector of Art Basel Miami Beach 2023.

Artworks by Sanaa Gateja presented by Afriart Gallery in the Nova sector of Art Basel Miami Beach 2023.

Credits and captions

This article was originally commissioned for the 2024 issue of the Art Basel Miami Beach Magazine.

Art Basel Miami Beach will take place from December 6 to 8, 2024. Learn more here.

Claire Breukel is a South-African-born curator and writer based between Cape Town and Miami. She also heads Zeitz Museum of Contemporary Art Africa’s international patron program including American Friends of Zeitz MOCAA.

Caption for header image: Detail of an artwork by Sanaa Gateja presented by Afriart Gallery in the Nova sector of Art Basel Miami Beach 2023.

Published on November 8, 2024.

Perez Art Museum PAMM

El Big Bang de Rafael Montilla

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El Big Bang de Rafael Montilla

Por: Eduardo Planchart Licea

Aún hoy en día acostumbra a ir al parque nacional de los Everglades en diciembre a disfrutar del cielo estrellado.

Hoy más que nunca en un punto se hace necesario plantearse estas preguntas, ante un crisis mundial como la presente.

Algunas de las preguntas más inquietantes que se ha hecho el hombre son: Cómo se creó el universo, la materia, el espacio, el tiempo y esta realidad planetaria plena de vida y diversidad en que existimos, a esta motivación responde la serie Big Bang del artista Rafael Montilla una versión de ella se presentó en la Trienal de Tijuana, al ser invitado el artista a este importante evento integrada por cientos de mínimas piezas de acrílico que reflejan la luz.

Para el arte contemporáneo es un tema que no ha sido de importancia en su desarrollo, posiblemente debido a que durante el medioevo, y el renacimiento hasta la ilustración la iglesia impuso la temática religiosa, como una forma de imponer y mantener su poder.

Gracias a este ominoso mecenazgo sin embargo se crearon obras de arte únicas en nuestra civilización, como el monumental fresco que inició su creación Miguel Angel Buonarroti (1475-1564) entre 1508 y 1512 en la Capilla Sixtina por encargo del papa Julio II, y que continuó para los papas Clemente VII y Paulo III, donde pintó magistralmente una monumental interpretación de la visión bíblica de la creación y el juicio final, que aún impresionan por su belleza.

Para Rafael Montilla se convirtió en una pasión esta problemática y para desarrollarla investigó las teorías científicas que han dado la física, la astronomía y la cosmología de este trascendental hecho, teniendo también como referencias las respuestas que han dado a estos enigmas la filosofía ancestral hindú.

Uno de los antecedentes a esta problemática en el mundo académico se planteó en el año 1975 cuando Fritjof Capra publicó su libro El Tao de la Física, traducido en más de 15 idiomas, provocando un revuelo al plantear las sincronías que existen entre las explicaciones sobre el origen del Universo entre Oriente y occidente, por vías cognitivas y objetivos diferentes:

“Los físicos derivan su conocimiento de los experimentos; los místicos de visiones meditativas. Ambas son observaciones, y en ambos campos estas observaciones son reconocidas como la única fuente de conocimiento. Los objetos de observación son, por supuesto, muy diferentes en los dos casos. El místico mira dentro y explora su conciencia en varios niveles, incluyendo los fenómenos físicos asociados con la materialización de la mente. El físico, por el contrario, comienza su investigación sobre la naturaleza esencial de las cosas estudiando el mundo material… pero ambos llegan a la misma conclusión; uno empezando desde el reino interior, el otro, desde el mundo exterior… En la física moderna, estos son los reinos del mundo atómico y subatómico; en el misticismo, son estados de conciencia no comunes en los que se trasciende el mundo sensorial cotidiano.”(F.Capra, entrevista Patricia Tapia)

La ciencia investigaba, observa, mide, experimenta, predice crea teorías y tecnologías para convertir este conocimiento en una praxis utilitaria. Para un místico oriental esto no tiene la mayor importancia, pues su objetivo no es material, sino es movido por una búsqueda espiritual a través de la cual crea herramientas que nos puedan ayudar a entrar en armonía y sincronía con el cosmos. Cómo el hacerse consciente y sentir a flor de piel de que es parte del universo, y las limitaciones sensoriales y mentales occidentales serán nos impedirán percibir la verdadera naturaleza de la realidad y vernos envueltos en la ignorancia, a lo que la filosofía hindú llama maya (ignorancia). No solo crearon los hindúes una filosofía y creencias para vivenciar estas verdades, sino que sistematizaron toda una serie de prácticas espirituales para adentrarse en estas dimensión, que Mircea Eliade llamaría técnicas extáticas, cómo sería el yoga.

Esto conjugado al conocimientos y experiencias del artista que tuvo en la India por más de una década y su afición que desde su juventud tuvo por el espacio sideral y la observación de nuestro titilante cielo nocturno, lo fue llevando a madurar la serie de instalaciones que título: Big Bang.

Incluso para los creadores de estas teorías como Einstein, tuvieron que superar grandes contradicciones, pues la teoría de un colapso universal por la atracción de las fuerzas gravitacionales, le hicieron inventar en 1917 el factor Lambda o la constante cosmológica.

Que sería una tipo de fuerza antigravitatoria inventada por el pensador que actúa contra la gravedad, no tenía ninguna prueba de ello pero lo ayudó a que sus ecuaciones describen un universo infinito y estable, a lo cual solo renunció cuando los cálculos de Edwin Hubble en 1928 demostraron a través de sus observaciones y mediciones de una estrella de la nebulosa Andrómeda, que no solo estaba al exterior de la Vía Láctea, sino que a través del efecto doppler que el universo no se estaba contrayendo, lo cual se indicaría por franjas azules en el espectro visual, sino que por el contrario se estaba expandiéndose, esto se demostraba a través de un corrimiento al rojo tal que se observaba en las placas fotográficas que tomó desde su observatorio el astrónomo. A través de estos conocimientos asume Montilla una propuesta estética, para materializar los misterios sobre del origen y del fin de universo a través de sus mandalas cósmicos asume este reto artístico- conceptual.

No han sido mucho los artistas que se han apasionado por esta insólita realidad. No fue en occidente donde escuchó por primera vez las referencias a la teoría del origen del universo como resultado de una gigantesca explosión, sino en la ancestral voz de un erudito hindú que analizaba los textos sagrados de los Vedas, específicamente el Rig-Veda (10.1029) del siglo II a.de C, donde se muestran similitudes entre estas teorías: “Ni no ser ni ser había entonces; no había espacio, ni cielo. Ni muerte, ni inmortalidad había entonces; de la noche ni del día había señal…Tinieblas había, envueltas en tinieblas , al principio una marea indiscernible era todo aquello. La nada estaba encerrada en el vacío, por el poder del ardor(tapas el calor) nació lo uno …/ ¿Es que había un abajo? ¿Había acaso un arriba…Los dioses son luego, solo por ella existen. De dónde viene ella, ¿Quien lo sabe?…”

La existencia de la realidad es el hecho fáctico para demostrar que estos mitos son verdades sólidas, acaso no estaba ahí para evidenciarlo.

Cada día al ocultarse el sol desde los albores de la humanidad al fin del día anochecía, debieron ser instantes llenos de incertidumbres, cómo se podía tener certeza de que fuera a salir al día siguiente y el destino no sería una noche eterna, angustia existencial que modelo el pensamiento de civilizaciones como las mesoamericanas y la Egipcia.

Solo se tenía la certeza de los mitos de que estos ritmos estelares continuarán, hasta que surgió la ciencia, pero solo hasta principios a mediados del siglo XX se pudo crear una teoría de cómo se creó el universo y cuándo. Una generación de físicos y astrónomos desentrañaron este misterio, y le llamaron la teoría del Big Bang, una dramática explosión que creó el primer estallido de luz en el universo y estas reflexiones el eje de la serie Bin Bang de Montilla.

El espacio sideral se hace presente ante todo por el Sol, la estrella de cual depende la vida en el planeta, reactor sideral compuesto de un 98 % de hidrógeno y Helio como lo demostró la científica Cecilia Payne, estas conclusiones aclararon la composición de las estrellas, las galaxias y el universo que es dominado por estos dos simples y sencillos elementos.

Ahora para que la teoría pudiera demostrar esto había que dirigirse al átomo y esto lo hizo un el físico ruso George Gamel entusiasta defensor de la teoría del Big Bang.con un modelo matemático que retrocediera en el tiempo, y lo pensaba en segundos y minutos no en en billones de años. Hizo con su equipo la predicción de que el universo se creó por el Bing Bang, en un principio se generó una intensísima temperatura que se fue enfriando creándose los primeros átomos de hidrógeno y helio en ese momento surgió la primera luz de la creación, conclusiones que publicaron en 1948.

Aún hoy en día después de billones de años se pueden escuchar las susurrantes microondas de esta gran explosión, tal como demostraron en un descubrimiento inesperado los ingenieros de sonido Penzias y Robert Wilson, lo que les valió ganar el premio Nobel en 1964.

Gracias a la revolución digital y cl vertiginoso desarrollo de la astronomía se han creado una red de observatorios desde los que es posible visualizar no solo nuestra madre vía láctea, sino otras galaxias fuera de la nuestra, que crean imágenes digitales y fotografías, dominadas por el misterio, brillos azarosos, nubosidades de colores difusos y de elementos como los pulsares, las enanas rojas que crean una estética sideral de los que se hace eco Rafael Montilla, fue una obsesión dedicarse en las noches las noches estrelladas de caracas y el litoral vivir ensoñado deleitándose de ese titilante esplendor.

Aún hoy en día acostumbra a ir al parque nacional de los Everglades en diciembre a disfrutar del cielo estrellado.

Hoy más que nunca en un punto se hace necesario plantearse estas preguntas, ante un crisis mundial como la presente, amenazada no solo por el cambio climático, sino por pandemias se debe crear una nueva sensibilidad, redefinir el sentido de nuestra existencia y de nuestra civilización para volver la atención al cosmos para sincronizarnos e inspirarnos en él, y como una respuesta a estas interrogantes surge esta serie del Big Bang en la obra de este creador cosmopolita, nacido en Caracas.

Nacen del trabajo del taller y de la investigación que viene desarrollando el artista alrededor del cubo, poniendo énfasis en su complejo simbolismo y en su vacío interior, donde aparentemente no ahí nada, pero esa nada esta plena de energía de elementos atómicos que gravitan, se repelen y son los ladrillos del templo que es nuestra realidad.

No podía ser más acertado la primera instalación de la serie Big Bang surgiera de los desechos plásticos con que construye el artista de los cubos para sus intervenciones urbanas para ubicarlos levitando sobre rejas metálicas, adheridos a paredes jugando con la percepción del otro, al hacerle creer que está ante volúmenes tridimensionales cuando muchos de ellos son planos. Es el juego que desea plantear el creador hacer consciente al espectador de que nuestros sentidos y nuestra mente construyen la realidad, acorde con nuestros deseos y apegos.

Es un llamado por tanto a buscar la verdad liberadora y por tanto estar en armonía con ella, para adentrarse en la paz interior fue la revelación que dio Gautama a la humanidad tras lograr la budidad.

El Big Bang es un momento que guarda semejanzas al de Buda adentrándose en el nirvana, en un esplendoroso estallido de conciencia de que somos polvo de estrellas.

De ahí la fuerza simbólica y existencial de esta serie, donde de la oscuridad primordial, hubo un estallido de luz creadora del universo y de toda la vida que nos rodea. Desde la primera instalación en Wynwood, Miami, cada nueva obra es una revelación de esperanza, de que en este universo en expansión y contracción hay un sentido.

Es la confirmación de que el universo está en continua transformación, es una dura verdad que hasta al genial Albert Einstein le costó décadas aceptar, tanto es así que cuando apoyó públicamente esta teoría, sobre el modelo del universo en expansión por el Big Bang, cuando visito en observatorio donde trabajaba Hubbel en 1931 dijo: “El desplazamiento al rojo ha aplastado mi antigua creación como un martillazo abandonó la constante cosmológica, desde que introduje el término me ha pesado sobre la conciencia. Soy incapaz de crear aIgo tan feo que tenga lugar en la naturaleza.”

Una teoría del origen del universo no se trata solo de demostrar que está en expansión, pues la teoría creaba tantas preguntas como las que respondía tales ¿cómo el universo ha surgido en un solo punto?, ¿de donde proviene la materia?,¿cómo se había formado la materia a sí misma?

De ahí que el tema del primer chispazo de luz en universo, todavía tiene enigmas, a los cuales el artista todavía tiene una senda científico-estético y mística por recorrer y seguramente nos sorprenderá con sus recreaciones del Big Bang o del origen y fin del universo.

La paradoja es que sin todo el instrumental científico, de observación, mediciones, experimentación por vías de conocimientos diferentes. Una mística y la otra científica llegaron a conclusiones similares sobre el origen del cosmos.

Gracias a que Edwin Hubble en su observaciones de la nebulosa Andrómeda, demostrara que por el efecto Doppler el universo se expandía, y no solo eso, sino que el universo era más extenso de lo que se suponía, pues dicha nebulosa quedaba a millones de años luz de la Vía láctea galaxia donde se encuentra nuestro sistema solar, y esa es la impresión que deja en la retina del público al ver cada uno de los diferentes Big Bang que ha creado Rafael Montilla, como instalaciones y obras públicas…

Perez Art Museum PAMM

Lo experimental en el arte

Por

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Lo experimental en el arte

Por Eduardo Planchart Licea

Dentro de la concepción de arte experimental que delimitaré no entenderemos únicamente aquellas manifestaciones que adhieran a sus obras materiales o técnicas industriales, pues consideramos a este un criterio excesivamente limitante que dejaría afuera tendencias netamente vanguardistas como el cubismos, futurismo, el expresionismos y el surrealismo,etc..

Por ello, asumimos dentro de la experimentalidad tendencias o artistas que develan un nuevo sentido, y una búsqueda constante que abra nuevos caminos al arte y se enfrentan a concepciones diferentes del objeto plástico, que pueden llegar incluso a liberarse del soporte material o desmaterializarlo.

No debemos dejar de lado que en el desarrollo del arte moderno y contemporáneo no se hallan eliminado elementos de la pintura:“En la pintura moderna se han difundido y practicado tanto las técnicas operativas de la línea, del claroscuro y del color que han condicionado la casi totalidad de las corrientes artísticas. Basta con pensar que muchos de los surrealistas han continuado valiéndose de ellos y que hasta la pintura informalista ha seguido siendo pintura sobre lienzo. Además muchos indicios recientes demuestran que también en el terreno del llamado arte pobre se da un revival de la pintura hecha con pincel, casi como una rebelión del hombre marcusiano contra el empleo masivo de las técnicas condicionadas por nuestra sociedad de consumo”. [1]

Este vínculo de las vanguardias artísticas con la pintura de pincel tiene una significación que se puede interpretar como expresión de una dimensión ética del arte, que se niega a perder su carácter artesanal como una forma de evitar su deshumanización, lo cual expresa algunos investigadores enfáticamente: “A pesar de las sensacionales novedades que han renovado por completo el comportamiento técnico de muchas corrientes artísticas de las últimas décadas de siglo, son muchos los artistas individuales o los movimientos pictóricos que continúan utilizando una pintura de línea, claroscuro y color.., tenemos que reconocer que incluso en el momento del triunfo de la tecnología, y en plena sociedad de consumo, sobrevive la fe humanista que espera del homo faber, del hombre artesano, la recuperación ética de la humanidad.”[2] .

Los criterios de experimentalidad que nacen con el Constructivismo Ruso y la Bauhaus se manifiesta idealmente en una conciliación entre lo artesanal y la técnica industrial que busca dar nacimiento a un nuevo humanismo e incluso la búsqueda de un arte liberado del gusto y de los criterios clásicos de belleza como se plantea en las obras de Marcel Duchamp, realizadas con técnicas artesanales.

A medida que se entre en el siglo XX, el arte empieza asumir las técnicas e instrumentos industriales, pero con criterios artesanales y humanizadores tal como se manifiesta en los Relieves y Contrarrelieves,la creación de la Bauhaus, la soldadura en las esculturas de J.V. González.

Acercarnos a todos estos movimientos nos permitirá poner en duda las afirmaciones de la posmodernidad como ruptura de un paradigma que logro trascender las barreras de la modernidad.

Estas tensiones entre se manifiestan en Pollock, su obra puede ser considerada como el límite de la pintura hecha con color, plena de humanidad, revelando visiones donde el artista a través de elementos propios de la pintura de caballete como son el óleo y el lienzo crea una nueva manera de hacer pintura dándole un nuevo giro con su “action painting”, acentuando un concepto del hacer artístico que deja en la obra la impronta del acto creativo a través de la revalorización de lo casual y lo accidental, planteando la obra como proceso, lo cual tiene sus raíces en las propuestas de Marcel Duchamp.

Podríamos afirmar que el arte se ha ido revolucionando a sí mismo, al fusionar artes diversas como la pintura la escultura, y la arquitectura en la Bahaus y el constructivismo, la fotografía en los fotomontajes y la rayografia, la acumulación de desperdicios en los ensamblajes o Mertz de K. Schwitter, los readymade dentro de la esfera del dadaísmo.

Asumen maneras diferentes de hacer arte, rompen con la bidimensionalidad incorporando la realidad a la obra creando un espacio plástico que trasciende tanto la ilusión de origen renacentista como de las multiperspectivas cubistas, disolviendo el formato rectangular, incorporando elementos y materias dispares dentro de una misma propuesta como son los desperdicios tecnológicos liberándose de las composiciones bellas y armónicas, asumir lo cotidiano al hacer artístico, son estos pasos en parte responsables de los criterios de la experimentalidad actual que surgieron desde principios de siglo.

Por tanto, entenderemos como al arte experimental asociado a la búsqueda de nuevas formas de expresión y comunicación que no se estabilizan o congelan en una convención o códigos visuales, sino que sus rasgos dominantes son la búsqueda constante e implacable que intenta plasmar una nueva concepción de la realidad y del objeto plástico.

Y entre estas categorías son de interés particular: la fusión de las artes y técnicas, incorporación de nuevas maneras de percibir y sentir la creación, lo cual está íntimamente entrelazado a roles diferentes que asume el artista y las diversas concepciones del hacer creativo que se enfatizan en la investigación con materiales y técnicas extrapictóricas que dan nacimiento a nuevos conceptos del objeto plástico y del espacio-tiempo.

Entre los movimientos que plantean un acercamiento entre estas dimensiones, creando una plástica experimental entendida como una búsqueda de nuevas formas de expresión que comunicaran un nuevo horizonte plástico, el futurismo(1909-1919), sin dudas ocupa un lugar especial.

Desde esta perspectiva lo que determinó en parte la su experimentalidad guiada por la búsqueda que se lanzó al encuentro del dinamismo de la máquina, del tiempo y el espacio mecánico -que fue negado por los antimecanismo del dadaísmo- reconciliando así el arte con la ciencia y la concepción de belleza que subyace en lo tecnológico.

Esto se manifiesta a través de diversas propuestas (Bocciono, Carrà, Balla, etc..,) y ámbitos de la cultura, este movimiento tenía una concepción de arte integral, acentuado por un nihilismo y una ruptura con el sentido común que antecedió al dadaísmo.

Y se explicita en una manifiesto literario publicado el 20 de Febrero de 1909 en el periódico parisino “Le Fígaro”, firmado por el poeta y dramaturgo italiano Marinetti, quien provenía del ambiente de los poetas simbolistas franceses, defensores y divulgadores de las ideas anarquistas.

A este se continuaron otros textos como el Manifiesto de Pintores Futuristas (1910), Manifiesto Técnico (1910), Manifiesto de Escultura Futurista (1911).

Los aportes del futurismo rebasaron el terreno de lo plástico, habiendo determinado un estilo poético, musical, teatral y arquitectónico, involucrándose pasionalmente también en la política, de ahí su desvalorización, debido al trágico acercamiento del movimiento al fascismos y al belicismo, nconsecuencia de la irreverente agresiva que demostraron en sus manifiestos y acciones.

Como consecuencia de estas posiciones dos de sus más prometedores exponentes Umberto Boccioni y Antonio Sant´Elia murieron en la Primera Guerra Mundial. Esta exigencia demoledora y angustiosa por destruir el pasado y la tradición, no puede ser comprendida sino se contextualiza el movimiento en el momento histórico en que se desarrolló la cultura italiana que había sido dominada completamente por el culto al glorioso pasado, pero a pesar de la irreverencia del futurismo la negación no fue total.

La amplitud en terreno cultural de este movimiento lo señalan casi todos los investigadores del tema. Esta integración de las artes creando tendencias artística en diversos ámbitos culturales es una clara evidencia de las implicaciones de la experimentalidad futurista y de su actualidad, en el sentido de que muchos de sus logros aún tienen vigencia.

Se demuestra en este movimiento lo fructífero de una vanguardia que se plantea problemas concretos, intentando llevarlos a sus últimas consecuencias. Es este un sentido que es necesario destacar: la experimentalidad como el desarrollo de una problemática abierta que evita el cerramiento la cosificación de los lenguajes plásticos.

Tras esta búsqueda se desvelaba una visión del mundo que desmaterializó el objeto al indagar en la modificaciones generadas en los cuerpos por el movimientos y su dinámica interrelación con el ambiente, esto se manifiesta en obras de Boccioni como “Estados de Ánimo: las Despedida”, 1911; “La Fuerza de la Calle”, 1911, ambas en tela sobre óleo.

En ellas se expresa la falsa solidez de la materia, y la existencia de un tiempo relativo que se transforma según la velocidad, verdades que el desarrollo de la física se encargaría de reafirmar.

Las Vanguardias Artísticas del Siglo XX, define al futurismo como un movimiento polémico, de batalla cultural; fue un movimiento sintomático de una situación histórica; un acervo de ideas y de instintos, dentro del cual, si bien no claramente se expresan algunas exigencias reales de la nueva época: la necesidad de ser modernos, de aferrar la verdad de una vida transformada por la era técnica, la necesidad de hallar una expresión adecuada a los tiempos de la revolución industrial. El error profundo del futurismo fue no considerar la suerte del hombre en el engranaje mecánico. Sólo Boccioni, e inicialmente Carrà, se dieron cuenta de este problema.

Tuvo la influencia este movimiento del Constructivismo Ruso, lo cual es algo más que una suposición, pues Marinetti viajó a Rusia a dar varias conferencias en 1913, pero no fue bien recibido su nacionalismo belicista. En el estilo irreverente, negador y contradictorio de exponer sus postulados el futurismo se anticipo a Dada. Se establecieron los fundamentos de esta nueva estética, y de su íntima relación con la tecnología en sus manifiestos:

“4.- Nosotros afirmamos que la magnificencia del mundo se ha enriquecido con una belleza nueva: la belleza de la velocidad. Un automóvil de carreras con su capó adornado de gruesos tubos semejantes a serpientes de hálito explosivo…, un automóvil rugientes que parece correr sobre la metralla es más bello que la Victoria de Samotracia…, nosotros debemos inspirarnos en los milagros tangibles de la vida contemporánea, en la férrea red de velocidad que abraza la Tierra, en los transatlánticos, en los acorazados, en los vuelos maravillosos que surcan los cielos, en la audacia tenebrosa de los audaces submarinos, en la lucha espasmódica por la conquista de lo desconocido.”

Uno de los rasgos comunes del futurismo con otros movimientos es la idea de captar la esencia de la realidad, y Es Boccioni uno de sus máximos exponentes a la “búsqueda intuitiva de la forma única que dé continuidad en el espacio, es decir, de la forma única del infinito sucederse.”

[3] A la vez plantea una relación religante con la realidad, y con el cosmos, lo cual se desprende de la afirmaciones de Boccioni:“Para nosotros el cuadro es la vida misma intuida en sus transformaciones dentro del objeto y no fuera de él.., daremos su expansión, su fuerza, su manifestarse, que crearán su relación simultánea con el ambiente.»”

[4] Introduce Boccioni la idea de que la realidad es resultado de la interrelación del objeto y el espacio, lo cual determina la compenetración de planos y lo que llama líneas fuerzas, enriqueciendo de esta manera la relación del ambiente sobre el objeto plástico propia del impresionismo:“Por primera vez un objeto vive y se completa en el ambiente, influyéndose recíprocamente…, nuestros cuerpos entran en los divanes en que nos sentamos, y los divanes entran en nosotros, del mismo que el tranvía que pasa entra en las casas, las cuales, a su vez, se arrojan sobre el tranvía que pasa y se amalgama con él».” [5]

Este dinamismo y ritmo que es develado por la velocidad de la máquina, determina un nuevo tema dentro del arte, una manera de percibir la realidad, una creencia en los milagros tangibles de la ciencia y en categorías inexistentes hasta ese momento en la historia del arte como son la inmaterialidad de la realidad, la interrelación del objeto con el entorno, la simultaneidad, la continuidad, la compenetración de planos que conducen a la desmaterialización del espacio pictórico y a una nueva concepción del espacio y el tiempo, determinando los rasgos generales de la manera de representar el objeto plástico.

Auspician el triunfo indiscriminado del maquisnismo en el mundo del futuro, su técnica no es en modo alguna racional ni científica, pues la unidad de lo real en el movimiento se consigue esencialmente a través de la intuición que excluye de por sí un proceso racional. Se trata de un hecho que, con el tiempo, se revelará mistificante, y así principalmente desde los comienzos del futurismo, la mayoría de los artistas de vanguardia estarán dispuestos asumir únicamente los ropajes de la técnica.

Los aportes del futurismo en torno al problema del espacio y la desmaterialización son de interés: “Lo que intentan superar los futuristas es un espacio apriorística y euclidiano, el espacio como algo absoluto, sustituyéndolo por un espacio relativo consecuencia de la incidencia en él de los factores externos, los cuales en ciertos modo provocan la desmaterialización concreta del espacio pictórico. Esta desmaterialización según el propio Boccioni, llevó a los futuristas a un trascendentalismo físico. Es también de gran importancia la distinción entre movimiento absoluto y relativo para la comprensión de la concepción futuristas del dinamismo”.

Boccioni en su libro Pittura, Scultura Futurista distingue dos tipos de movimiento: el absoluto y el relativo. El absoluto es aquel que es propio del objeto que se mueve; el relativo es aquel que surge de la transformación que sufre el objeto al moverse tanto en relación a un espacio móvil como a un entorno inmóvil. El dinamismo es entonces la acción simultánea del movimiento absoluto y el relativo.

El movimiento absoluto del que habla es propiamente un movimiento cinematográfico e incluso fotográfico ya conseguido por la técnica de la época; recuérdese en tal sentido las fotografías estroboscópicas o las cronofotografías: el problema se resume en ir captando las distintas posiciones de un cuerpo u objeto que se desplaza de un punto A a un punto B. Giacomo Balla sin duda, con sus obras “Dinamismo de un Perro”, “Perro con Traílla”, “Muchacha Corriendo en una Galería” o su “Ritmo de un Violinista”, representó este tipo de movimiento.´

Para dimensionar la importancia que tal concepción supone dentro del arte moderno debemos acercarnos tanto al impresionismo como al cubismo, pues en cierto modo el futurismo intentó reunirlos en una irreconciliable síntesis. Se valió así de los aportes plásticos de ambos movimientos para poder plasmar su visión de la realidad, esto determina otro rasgo de este experimentalismo: el sintetizar los diversos lenguajes plásticos de la época en sus propuestas, lo cual sigue siendo un rasgos de las vanguardias estéticas.

Entre los aportes de mayor importancia por tanto del futurismo, debemos señalar sintetizando lo dicho su acercamiento a lo industrial y a la máquina en particular, establecer por tanto una nueva relación entre el objeto esto plantea la creación de un nuevo arte con nuevos temas y maneras diferentes de plantearlo. Es una ruptura total con la tradición cultural dominante, creando uno de los primeros esbozos de una visión sintética de las artes al integrar la pintura, la arquitectura, la escultura, la literatura, el diseño y la música en un movimiento.

[1] Maltese, Corrado. Ediciones Cátedra. Madrid. 1985. p.438

[2] Corrado, Maltese, ob.cit., p. 443

[3] Ibid, p. 251

[4] Micheli De Mario, ob. cit., p 248.

[5] Ibid,. p.250-251

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V.Tatlin: Fundamentos del Arte

Por

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V.Tatlin: Fundamentos del Arte

Por Eduardo Planchart Licea

Las primeras décadas de la revolución rusa creó una oleada de esperanza tanto en sus fronteras como fuera de ella, que dio un empuje a los artistas por creer que se estaba dando nacimiento a una nueva etapa en la historia, tal como lo plantea los fundamentos del marxismo, al mostrar su verdadero rostro desilusionó con sus purgas y muertes masivas de aproximadamente noventa millones de seres humanos, y en términos políticos forjó la más atroz dictadura de la humanidad, que aún hoy en día sobrevive en regímenes que han tomado el comunismo la excusa para imponer dictaduras y falsas democracias.

Con la destrucción de pueblos, ciudades la utopía socialista creó una de las peores distopías en la historia y el halo de esperanza de su nacimiento se transformó en una pesadilla. Pero antes de que está verdad se devela el idealismo dio nacimiento a uno de los fundamentos del arte contemporáneo.

Como fueron los aportes del Constructivismo Ruso, en él se dan dos tendencias vanguardistas: Uno orgánico y otro utilitario. “(…), el primero trataba de examinar las bases naturales externas que subyacen a todas las tecnologías. Sus conclusiones cuestionaban seriamente muchos de los supuestos de la corriente principal de la tecnología del siglo xx. (…) y en el proceso creativo de Tatlin (1855-1953) está reflejado en la manera en que esta obra individual contenía tanto el desarrollo como el contra desarrollo. Sus obras, originariamente fundadoras de este movimiento, se habían inspirado en la tecnología contemporánea que acabó por rechazar; en realidad por medio de las mismas armas analíticas que está hubiera puesto en sus manos consiguió establecer una «alternativa».” [1]

Es necesario señalar esta distinción para tener una noción del carácter revolucionario de él, este tipo de constructivismo se puede llamar orgánico y está representado fundamentalmente por Tatlin y Miturich, el cual no es absorbido por la adoración a las formas y a la lógica nacida del maquinismo, ni por la racionalidad.

La intuición de Miturich y la accidentalidad de la forma del material encontrado y trabajado, fueron algunos de los aspectos criticados a Tatlin por el Constructivismo Utilitario En las obras de Ioganson, Rodchenko, Medunetski presentadas en la tercera exposición de OBMOKhU, están entre algunos de los primeros ejemplos de «trabajo de laboratorio», hay una pronunciada acentuación de la precisión, la claridad y la economía de la forma geométrica.

La relación con la tecnología está subrayada por estas cualidades. Aunque la Torre de Tatlin señalaba el camino hacia una nueva síntesis entre las artes y la tecnología, su método de trabajo se basaba en las posibilidades de textura de los materiales así como en su presencia formal.” [2]

Esta tendencia intentó crear un tipo de constructivismo basado en la observación de lo orgánico se diferencia tanto del Utilitario como de Naum Gabo y Prensver, y se manifiesta por ejemplo en los biberones en forma de seno, sillas en formas de ligamentos y en la obsesión de Tatlin por la bicicleta voladora o el Letatlin, que es algo más que la búsqueda de una utopía y está asociado al vuelo individual, como signo de la nueva libertad que estaba por nacer, inspirado en la obsesión por los pájaros de Leonardo da Vince.

Este sueño por volar como un ave lo enfebreció hasta morir, y poseía un rasgo mítico, en la medida que al adquirir la capacidad del vuelo individual la humanidad retornaba a sus raíces, pues Tatlin creía que el hombre descendía de criaturas voladoras.

Acercarse al objetivo que le da el artista a este sueño nos enfrenta a la develación de la radicalidad de esta visión del mundo, que se entreteje con su concepto de experimentalidad, pues tanto él como Miturich están criticando a través de su método y su obra un tipo de tecnología mecanicista nacida de la revolución industrial, y para ellos la nueva era de la humanidad no podía nacer de la tecnología surgida y desarrollada por el incomprendido capitalismo, que para muchos generó erróneamente la contradicciones sociales y económicas que provocaron la revolución rusa.

Creían que debían crear una tecnología con fundamentos diferentes basada en una observación de la naturaleza, sus estructuras, sus movimientos; de ahí la obsesionante observación de las grullas en Tatlin, indagando en las relaciones matemáticas de peso y masa para repetirlas en su Letatlin, o el proyecto del vehículo oruga de Miturich basado en el movimiento ondulatorio. “ «El sueño es tan antiguo como Icaro… Yo también deseo devolverle al hombre la sensación del vuelo. Nos ha sido arrebatada por el vuelo mecánico del aeroplano. No sentimos el movimiento de nuestro cuerpo en el aire… la bicicleta área aliviará del transporte, ruido, y superpoblación a la ciudad y la limpiará el aire de los humos del petróleo… Los Ingenieros han creado formas duras, malas, con ángulos. Se rompen fácilmente. El mundo es redondo y suave… No quiero que se tome este asunto como algo utilitario. Lo he llevado a cabo como un artista. Mirad las alas curvas. Creemos que son estéticamente perfectas… como una gaviota suspendida en el aire… Pero como pretendo que mi aparato pueda sostener a una persona en el aire, he tenido en cuenta el aspecto matemático, la resistencia del material y las superficies de las alas. ” [3]

La crítica de Tatlin al Constructivismo Utilitario hace referencia a diversos aspectos condenando los métodos y las aplicaciones mecánicas de la técnica al arte:“«Los constructivistas, entre comillas, operan también con materiales, pero de manera secundaria aferrando mecánicamente la tecnología a su arte. No toman en cuenta en sus obras la conexión orgánica del material y su flexibilidad. Esencialmente, sólo como resultado de la dinámica resultante de estas interrelaciones, nace una forma nueva e inevitable.Tatlin en base a estos principios elaboró cuadros con relieves utilizando el montaje de diversos tipos de materiales que tenían como fin la ruptura de cualquier dimensión temático-significativa de la obra de arte en aras de sus cualidades físico-materiales. Es decir, Tatlin pretendía liberar los objetos elegidos de sus connotaciones iniciales para proyectarlos en un nuevo contexto .” [4]

Afirma Sureda que uno de los aportes del constructivismo es la creación de un nuevo objeto estético que al romper las barreras entre la pintura y la tridimensionalidad asume el vacío como parte integrante de la obra.

El ícono ruso en la obra de Tatlin

En algunas de sus piezas transpiran un clima sagrado vinculado a un arte tradicional de la cultura rusa como es el icono, debido a que Tatlin empezó su acercamiento al arte a través del estudio del icono entre 1905 y 1910. “El entró en contacto con su tradición de diversas maneras. Antes de comenzar a estudiar arte y entre 1900 y 1910 trabajó en la pintura de iconos aprendiendo su lenguaje, en su Curriculum Vitae menciona que su maestro Afanasiev pintó frescos con Riabushkin, y añade su gran interés por los frescos, existen una serie de antiguos frescos rusos pintados por Tatlin. Los iconos rusos tuvieron una influencia profunda en él, y también estuvo influenciado por la cultura popular rusa.” [5]

Los relieves pictóricos y Contrarrelieves pudieron haber nacido del estudio del icono, pues es una especie de ensamblaje, debido a que en él se combina la pintura con el metal y piedras preciosas:“No es sorprendente que fuera influido por los iconos. En su juventud, su formación artística inicial se había desarrollado con ellos; había trabajado en estudios de iconos en Moscú y en Yaroslav. Su interés por ellos fue indudablemente estimulado por la exposición de iconos celebrada en Moscú en 1913 para conmemorar los trescientos años de los Romanov en Rusia… De acuerdo con el testimonio de Berthold Lubetkin, Tatlin había contado varias veces que estaba «inspirado por los iconos, había empezado a realizar sus paneles, montando sobre ellos anillas, tornillos, campanas, marcando y atornillando el fondo,pegando cuentas de ábaco y llegando a un balanceo brillante y a una composición sonora»” [6]

El crítico y escultor Waldemars Matveys recalcó las relaciones del icono con la nueva escultura:

Los iconos están embellecidos con halos de metal, envolturas metálicas en los hombros, franjas e incrustaciones; la propia pintura está decorada con piedras y metales preciosos, etc. Todo esto destruye nuestra concepción contemporánea de la pintura… Por medio de la resonancia de colores, del sonido de los materiales, del ensamblaje de las texturas(faktura), se llama a el pueblo a la belleza, a la religión, a Dios.

La concepción estética de Tatlin, creó las bases del constructivismo que se enraíza en el ensamblaje tradicional del icono ruso, además en este sentido se establece una distinción fundamental entre sus piezas y las esculturas de Picasso, pues estas últimas se alejan completamente de la figuración destacando la realidad del material y logrando liberar la obra de cualquier soporte en sus Contrarrelieves de esquina y colgantes, burlando la gravedad al transmitir liviandad y espacialidad a la escultura.

La realidad se convierte en parte integrante de la obra, manejándose un nuevo concepto de arte que se manifiesta en los nuevos instrumentos que se incorporan al hacer y a la obra, y así la búsqueda de nuevas formas da como resultado del acercamiento del arte a la tecnología.

La experimentalidad se convierte en un hábito artístico y a medida que se aclara teóricamente a raíz del impacto de la revolución bolchevique empieza hacer énfasis en en nuevo tipo de proceso de creativo y en la necesidad de familiarización del artista con nuevos materiales y técnicas industriales.

Nace la categoría de trabajo de laboratorio, que es experimentalidad pura: manejo de resistencia de materiales, interrelaciones posibles entre ellos, técnicas para trabajarlos, forma inherentes al material, etc.. Aspectos que también se hacen eco de una nueva palabra en el arte en el llamado elementarismo.“Nació de la palabra elemento, que usaba Malevich para hablar de sus formas pictóricas, tomando el término empleado en el siglo XIX para las sustancias básicas en química. Propugna el concepto de arte y diseño como procesos consistentes en reunir en el espacio formas dispares, inconexas, o fragmentos de materia.” [7]

Este nuevo tipo de arte y artista se devela en la descripción que hace Khodasevich de Tatlin trabajando: «Utilizaba una sierra, un hacha, un cincel, alambre, clavos, lienzos extendidos sobre bastidores, papel coloreado, pinturas, pinceles, spray, una lámpara de kerosén para ennegrecer diversas superficies sombreadas… Cortaba, cepillaba, rompía piezas de cristal, disminuía su tamaño. Practicaba agujeros en lienzos que otros habían preparado para retratos e hincaba en ellos trozos de alambre con el cual fijaba cuñas, madera, y papel arrugado, repitiendo al crear: maravilloso. Bellísimo.»” [8]

Este hacer se expresa en su vanguardista obra, donde los fundamentos estéticos y teóricos que las sustentan aún no han llegado a un callejón sin salida, tal como se muestra en piezas como: Selección de Materiales: Hierro, estuco, vidrio, asfalto, 1914; Contrarrelieve de Esquina: Hierro, zinc y aluminio, 1915, en toda esta serie de obras el material se evidencia en toda su realidad, sus propiedades texturales, de flexibilidad, cromáticas son llevadas a sus límites sin hacer mentir el material sin obligarlo a transgredirse a sí mismo, buscando la pureza visual.

Referencias

[1] Lodder, Christine, ob. cit., p. 219.

[2] Ibid, p.71-72.

[3] Lodder, Christine, ob. cit., . p. 209-211.

[4] Sureda, J y Guasch, A.M ., ob. cit., p. 65.

[5] Simonov y otros, ob. cit.,. p. 16

[6] Lodder, Christine, ob. cit., p.11-12.

[7] Lynton, Norbert, ob. cit., p. 114

[8] Lodder, Christine, ob. cit., p. 13

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Miami Fashion Week 2024

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Miami Fashion Week 2024 sorprendió una vez más con deslumbrantes presentaciones, preparando así el escenario para un esperado 2025.

Desde 1998, el evento oficial que impulsa la innovación y se posiciona como líder de la moda en Miami, reunió a visionarios, marcas globales y talentos emergentes en deslumbrantes pasarelas y charlas inspiradoras.

Miami Fashion Week® (MIAFW) cerró con broche de oro su electrificante edición durante 7 días de noviembre de 2024, que encendió la ciudad de Miami con impactantes desfiles de diseñadores icónicos como Philipp Plein y Lafayette 148 NY. Les acompañaron grandes diseñadores y emergentes con extraordinario talento como Giannina Azar, Yas Gonzalez, Shantall Lacayo, Claro Couture, Sigal y Yenny Bastida. El evento no solo consolidó a Miami como un epicentro de creatividad y cultura, sino que también marcó el inicio de grandes planes para MIAFW en 2025. Como es tradición, esta pasarela ha sido cuidadosamente curada por el maestro milanés Sergio Salerni, socio de la marca.

El evento inició con una conferencia de prensa en el Gary Nader Art Centre, donde la alcaldesa de Miami-Dade, Daniella Levine Cava, el Comisionado Oliver G. Gilbert y destacados líderes de la industria, como Elliot Carlyle, ofrecieron una cálida bienvenida formal al público, marcando el inicio oficial del evento en Miami.

Posteriormente, en el restaurante Sofía, ubicado en el Design District, tuvo lugar un exclusivo brunch al que asistieron destacados influencers del mundo de la moda y el estilo de vida. Figuras como Luana Barrón, Rodner Figueroa, Katy Esquivel, Andrew y Xime Ponch, entre otros, fueron testigos de primera mano de “Metamorphosis”, la nueva colección Primavera-Verano de la destacada diseñadora nicaragüense Shantall Lacayo.

Inaugurando la primera de muchas pasarelas deslumbrantes, el diseñador alemán de fama mundial Phlipp Plein trajo su icónico estilo urbano lleno de energía al ya mítico encuentro “Designers’ Dinner” en su octava edición de MIAFW en Queen Miami Beach. Este evento recaudó fondos para los estudiantes del Miami Fashion Institute de Miami Dade College, reafirmando el compromiso de MIAFW con el apoyo al talento emergente.

A lo largo de la semana, Lafayette 148 NY presentó un elegante desfile al aire libre en el rooftop del icónico edificio de Mr. C Miami Coconut Grove que combinó estilo contemporáneo con sofisticación atemporal. En el dinámico escenario del Gary Nader Art Centre, Giannina Azar deslumbró con diseños de noche modelados por despampanantes reinas de belleza, entre ellas Sheynnis Palacios Miss Universo 2023; Ileana Márquez, Miss Universo Venezuela 2024; Marianela Ancheta, Miss Universo Cuba 2024 y Celinee Santos Frías, Miss Universo República Dominicana 2024.

Diseñadores internacionales como Claro Couture de alta costura, y Yenny Bastida “Ready to Wear”, presentaron colecciones impecables con influencias culturales. Por otro lado, las presentaciones de la marca Sigal y la diseñadora Yas González reflejaron el vibrante espíritu de Miami. La aclamada diseñadora española Agatha Ruiz de la Prada una vez más, marcó huella en Miami Fashion Week, presentando su libro autobiográfico “Todo por un plan” en una íntima presentación conducida por la destacada periodista Marcela Sarmiento. Este evento marcó el tono inspirador del cierre de la Semana de la Moda en Miami.

“La edición de noviembre 2024 de Miami Fashion Week fue un evento histórico, y estamos increíblemente emocionados por lo que nos espera”, comentó Lourdes Fernández-Velasco, directora ejecutiva de Miami Fashion Week. “MIAFW no solo muestra un talento extraordinario, sino que también enfatiza la influencia global de la ciudad en la moda. Con nuestros eventos de 2025, reafirmamos nuestro compromiso con la ciudad al traer más innovación y experiencias inmersivas. Buscamos a Miami como un puente cultural y una fuerza líder en la industria, mientras fortalecemos nuestras iniciativas pioneras en sostenibilidad y tecnología.”

Más allá de la pasarela, MIAFW ofreció experiencias que destacaron el dinámico panorama de la moda en la ciudad. Reuniendo a líderes de tendencias, el Miami Fashion Week Summit con el apoyo de Miami Fashion Institute presentó discusiones inspiradoras sobre el futuro de la moda sostenible y el auge de los influencers, subrayando el compromiso de MIAFW con el desarrollo de la industria. Con el continuo apoyo del condado de Miami-Dade y la ciudad de Miami Beach, la edición de noviembre 2024 consolida a MIAFW como un pilar cultural que reúne a la comunidad global de la moda.

“Miami Fashion Week regresó esta semana, ofreciendo mucho más que brillo y glamour. Ofrece también empleos, turismo, seminarios educativos, oportunidades de manufactura y promoción para nuestra gran ciudad; además de ser una inspiración para muchos, tanto a nivel local como global”. Comentó Fabian Basabe, Representante Estatal.

Con la mirada puesta en un ambicioso 2025, MIAFW se prepara para revelar su expansión con fechas confirmadas para próximos eventos, incluyendo su próxima edición prevista para el 22 de octubre de 2025. A principios de año 2025 la organización de Miami Fashion Week comunicará nuevas iniciativas para el año donde la sostenibilidad y la tecnología pasarán a ser parte esencial de MIAMI FASHION WEEK.

La próxima edición de MIAFW está programada para la semana del 21 al 25 de octubre de 2025, prometiendo nuevas experiencias audaces. Con el continuo apoyo del condado de Miami-Dade y la ciudad de Miami Beach, además de patrocinadores como The Elser Hotel, MIAFW sigue siendo un pilar cultural que une a la comunidad global de la moda.

Para más información sobre MIAFW y para estar al tanto de las ediciones 2025, visita www.miamifashionweek.com y sigue @miamifashionweek

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TANYA WEDDEMIRE GALLERY at SCOPE ART SHOW MIAMI BEACH

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TANYA WEDDEMIRE GALLERY Inaugural Solo Participation at SCOPE ART SHOW MIAMI BEACH 2024

Tanya Weddemire Gallery is thrilled to announce its inaugural solo participation at the 2024 SCOPE Art Show in MIAMI BEACH. The gallery is proud to present a compelling showcase featuring works from established artist Guy Stanley Philoche and emerging artist Serron Green and their respective series: “GIVE US OUR FLOWERS” by GUY STANLEY PHILOCHE and “INVISIBLE” by SERRON GREEN.

This exhibition embraces themes of remembrance and resilience while celebrating Philoche’s return to the SCOPE ART SHOW for the seventh time. Philoche’s “Give Us Our Flowers” series serves as a poignant commentary, breaking down the barriers that divide us. His vibrant colors and thoughtful compositions invite viewers to reflect on their viability while he utilizes a layering technique that resembles a concrete building, further acknowledging the complexities within the human experience.

For Green, this debut at the SCOPE ART SHOW is a profound honor and a reflection of his artistic vision. His “Invisible“ series offers a thought-provoking exploration of the rise and fall of historical leaders and the revolutionary spirit of the Black Power movement. Green’s minimalist figurative works, created on canvas, paper, and cardboard, highlight the intricate stories of Black livelihood and the echoes of resiliency. He incorporates elements such as graffiti, acrylic, and oil paint to create vividly striking mixed-media portraits.

Together, Guy Stanley Philoche and Serron Green use their artistry to illuminate the profound impact of global interconnectedness through interdependence and creative exchange. Their symbiotic relationship and shared subject matter of youthfulness foster deeper conversations and insights into nostalgic experiences, Black visibility, and shared communal histories through the medium of mixed-media art. Immerse yourself in their inspiring works at the SCOPE ART SHOW in Miami Beach from December 3rd to 8th, 2024 and embrace the essence of community, culture, and legacy.

SCOPE ART SHOW is a premier platform and a trailblazer in contemporary art. It “stands poised to build upon its incredible history of global and diverse programming, offering collectors and the public the chance to discover up-and-coming artists and galleries from around the world,” said Hayley River Smith, SCOPE Director. As the upcoming exhibition approaches, Tanya Weddemire, the Founder and CEO of Tanya Weddemire Gallery, stated, “Bringing these two distinct artists together has been both a challenge and an inspiration. When displayed side by side, their contrasting styles reveal a powerful interdependence.”

about GUY STANLEY PHILOCHE | @guystanleyphiloche

Guy Stanley Philoche, a Haitian-born modern artist, immigrated to Connecticut when he was three years old. He chose to pursue art as his calling, diverging from his family’s sports-oriented background. While remaining close to his Haitian Roots, Philoche pursued his artistic journey, first attending Paier CollegeofArt and later Yale University. He now resides in New York City. Philoche’s richly textured works have garnered international acclaim, having been exhibited at prestigious events such as the Scope Art Show, LA Art Show, Art On Paper, Atlanta Art Fair, and the Hamptons Fine Art Fair. His diverse palette, which consists of works on paper, canvas, and panel, exudes strength and sophistication. He employs innovative layering techniques that invite viewers to engage with the tactile richness of each piece. Philoche envisions a profound connection between his audiences and the textures of his art, fostering a deeper appreciation for each creation.

about SERRON GREEN| @xplorefreedom

Raised in Newark, New Jersey, at the height of the Black Power Movement and during the eighties, as it became the newest form of self-expression, Serron Green, aka xplorefreedom, realized early on that the joining of these ideals would be the inspiration for his work. The self-taught artist began experimenting with graffiti during the eighties and nineties. He began incorporating different mediums such as markers, watercolor, and even house paint—with spray paint always remaining a constant. Since then, he has broadened his scope of work to include materials such as reclaimed wood, rich textiles, and many other unconventional items. 2009 was a pivotal year for the artist. He began creating work for formal exhibitions at the urging of friends, fellow artists, and collectors. Pieces created in the years prior were sold by word-of-mouth through a broadening circle that created an increasingly steady demand. He currently lives and works in Newark—a limitless source of inspiration. His travels across Europe, The Caribbean, and North and South America have greatly impacted the way he sees the world around him, and each discovery of a new locale, its traditions, and culture, strengthens his belief that art truly has the power to invoke change in the world.

about TANYA WEDDEMIRE GALLERY | @tanyaweddemiregallery

The Tanya Weddemire Gallery is a Brooklyn-based art gallery that thrives from being a vital source and representation of the arts. It’s a premier art destination dedicated to showcasing the work of emerging established artists. Its mission is to deepen the value and importance of art by enriching each person’s perspective on life explorations through exhibits. The gallery applies thoughtful and intentional curation while integrating cultural and historical connections to all their shows that can include, but are not limited to, paintings, sculptures, drawings, photography, fashion, and furniture. Renowned for its impact on the art scene, the Tanya Weddemire Gallery has been featured in respected publications such as Forbesblk, Vanity Fair, ARTNEWS, Art in America, Brooklyn Rail, Industry City Publication, Amsterdam News, Black Art Magazine, PR News Wire, Brooklyn Reader, Hyperallergic, Bluecalf, Voice of America, and Park Magazine. Located at Industry City Building 2 : 254 36th Street, Brooklyn, New York 11232.

JOIN US for VIP PREVIEW on TUESDAY, DECEMBER 3RD | 12PM – 8PM
SCOPE ART SHOW | | BOOTH G15 | 801 OCEAN DRIVE, MIAMI BEACH, FL 33139.

For more information about the exhibition and Tanya Weddemire Gallery, please visit:

www.tanyaweddemiregallery.org

INSTAGRAM | @tanyaweddemiregallery

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ARTSY | Tanya Weddemire Gallery

Warm Regards,

Daijia Canton

Creative Coordinator

Tanya Weddemire Gallery

INDUSTRY CITY

254 36th Street | Suite C257

Brooklyn NY 11232

917.763.9878

Perez Art Museum PAMM

Feria del Libro de Miami 2024

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Miami Book Fair Nov 17-24 2024

Feria del Libro de Miami 2024: Programa de Autores Iberoamericanos

La prestigiosa Feria del Libro de Miami del Miami Dade College regresa en su 41.ª edición, que tendrá lugar del 17 al 24 de noviembre, en el Recinto Wolfson del downtown de Miami. El Programa de Autores Iberoamericanos ofrece encuentros con más de 70 afamados escritores procedentes de Colombia, México, Puerto Rico, Cuba, España, Portugal, Uruguay, Perú, Venezuela, Chile, Argentina, Nicaragua y Estados Unidos para resaltar la influencia de la cultura hispana en el Sur de la Florida.

La vibrante exposición presenta obras destacadas para complacer a los amantes de la lectura en español. Entre ellas Deséenme un buen viaje, de Gina Montaner, quien compartirá la conmovedora crónica sobre su padre, el destacado y desaparecido periodista Carlos Alberto Montaner, en una conversación íntima sobre el libro. Mientras que la escritora y poeta afro-puertorriqueña Mayra Santos Febres presenta La otra Julia, sobre Julia de Burgos García, nacida a principios del libro XX, y considerada como la más excelsa poetisa puertorriqueña, ambas el dia de la apertura, domingo 17 de noviembre.

El martes 19 de noviembre, un conversatorio interesante con Pavel Giroud y su novela Habana Nostra, sobre el crimen organizado y un viaje a Sicilia, a la Cuba republicana y a Nueva York con la ley seca.

El miércoles 20, el doctor en sociología, Fernando Segura Trejo, junto a Pablo Brescia, Rubén Costa, Ana María Ospina y Ramsés Sandoval presentan el ensayo Messi, 10 miradas sobre el 10, una obra que plantea un recorrido de personajes que perfilan a la figura del fútbol mundial, Lionel Messi.

El jueves 21 se presenta el reconocido periodista Jorge Ramos, con una reflexión profunda y personal en su obra Así veo las cosas.

El viernes 22, un homenaje a la poeta nicaragüense Rubí Arana, reuniendo a varios autores como Stacey Alba Skar- Hawkins, Alejandra Ferrazza, Omar Villasana, Beatriz Mendoza Cortissoz, Lidia Caraballo, Kelly Martinez Grandall, Gloria MiládelaRoca, y Danilo López Román.

Una impactante presentación de Voz cautiva, de la poeta y actual presa políticacubana María Cristina Garrido, con la presencia de su hermana y ex-presa, Angelica Garrido y el activista político Luis Rodríguez Pérez, quienes viajan desde Cuba, junto a la escritora Nardelis Sánchez. Para la sesión virtual se suma el escritor y fotógrafo Cubano Orlando Luis Pardo Lazo.El sábado 23, unreconocimiento póstumo a la figura de Celia Cruz: ícono de la música caribeña, por Omer Pardillo Cid, ex manejador y albacea de la renombrada cantante.

El escritor español Sergio del Molino, Premio Alfaguara, presentarála obra ganadora Los alemanes, en conversación con José Ignacio Chascas Valenzuela. El escritor peruano Santiago Roncagliolo, con su libro El accidente, junto al periodista Juan Camilo Gómez.

El domingo 24, Pablo Vierci, el afamado escritor y guionista uruguayo, presenta su libro La Sociedad de la Nieve, el libro que dio paso a la galardonada película dramática sobre el accidente aéreo del vuelo 571, conversará con el destacado periodista Pedro Sevcec.

Además de historias de vida y resiliencia con Ulises Gonzales, Nelson Hincapié y Maricarmen Villanueva, con la periodista Sarah Moreno. Sonsoles Ónega (ganadora del Premio Planeta), Patxi Zubizarrieta, Agustina Bazterrica, Juan Carlos Méndez Guédez y Mariana Sández, Florencia del Campo, Elisa Díaz Castelo y Alejandro Robles, Paola Ramos, la periodista Ilia Calderón y Luz María Doria;son solo algunos de los destacados autores y personalidades que nos acompañan.

La programación abarca una variedad de temas, periodistas y autores. Abraham Jiménez Enoa y María Cristina Fernández presentan obras sobre Cuba y política, Renato Cisneros y Cristina Sánchez Andrade. También Lizette Espinosa, Germán Guerra, Carlos Pintado y Rosie Inguanzo presentando sus obras y rindiendo un homenaje póstumo al poeta Reinaldo García Ramos. Paola Ramos presenta su nueva obra Desertores, en conversación con la periodista Ilia Calderón.

Y el Tributo a Armando de Armas de Denis Fortún y Ángel Callejas conversando con Alejandro Ríos. Fausto Canel estará junto al periodista Juan Manuel Cao, ambos con nuevas obras.

La famosa Feria al Aire Libre tendrá lugar en los predios de Recinto Wolfson del downtown de Miami. Los miles de visitantes podrán recorrer los kioscos destinados a la venta de libros de unos 250 editores, y distribuidores, además de disfrutar de espectáculos artísticos, talleres de manualidades y cuentacuentos para los más pequeños en el muy aclamado Children ‘s Alley. Además de Off The Shelf, con música en vivo, muestras de arte, comida y bebidas de todas clases.

El sábado 23, se llevará a cabo el XI Seminario de Literatura Infantil y Lectura, en colaboración con la Fundación Cuatrogatos y bajo el lema: Un mundo de libros: Superando barreras en la distribución de libros infantiles en Estados Unidos. Una jornada de paneles, dirigidos a padres, educadores, bibliotecarios y todos los interesados en la literatura para los más chicos. Jenny Lizárraga, Antonio Orlando Rodríguez, Concha Pasamar, Antonio Orlando Rodríguez además de Roger Ycaza, Betty Quintero y Sergio Andricaín.

La primera Feria del Libro de Miami, fundada por el Miami Dade College, tuvo lugar en 1984 y desde entonces ha sido reconocida como la más importante de los Estados Unidos.

QUÉ Feria del Libro de Miami

CUÁNDO: Del 17 al 24 de noviembre, 2022

Feria al Aire Libre: Del viernes 22 y hasta el domingo 24.

DÓNDE: Wolfson Campus del MDC – 300 N.E. Segunda Avenida

Para acceder al programa de la Feria del 2024 visite: www.miamibookfair.com

Contacto de la Feria del Libro de Miami: Beatriz Urgelles, [email protected], 305-318-2521

Contactos del MDC: Nikki Whiting, vicepresidenta Asistente de Comunicaciones | (305) 237-3920 | [email protected] Sue Arrowsmith, directora de Relaciones con los Medios de MDC | (305) 237-3710 | [email protected] | [email protected] Soraya Ramirez-Galan, Gerente de Medios de Prensa Hispanos (305) 237-7482

Acerca de la Feria del Libro de Miami

La Feria del Libro de Miami, fundada en 1984 por el Miami Dade College y sus colaboradores, logra la participación de la comunidad con programas accesibles e inclusivos que promueven la lectura y respalda a los escritores durante todo el año. El festival de ocho días de la Feria del Libro de Miami es ampliamente reconocido como la reunión literaria más grande y mejor de los Estados Unidos. La Feria consiste en lecturas y paneles con los escritores más prestigiosos del mundo, generando un discurso sobre la literatura contemporánea y los temas actuales de importancia mundial. La Feria también cuenta con presentaciones culinarias; música en vivo y presentaciones interdisciplinarias; actividades interactivas y educativas para niños y jóvenes; y más de 200 vendedores de libros y casas editoriales durante la Feria al Aire Libre. Los eventos se realizan en español, inglés, creole haitiano y francés. Además del festival anual, la Feria del Libro de Miami responde a las necesidades de la comunidad con un programa de actividades todo el año, como The Little Haiti Book Festival, que promueve el ingenio literario haitiano; talleres de escritura creativa y proceso editorial; presentaciones de escritores y novedades editoriales; campañas de lectura y el programa Read to Learn Books for Free, alianza con The Children’s Trust para distribuir más de 150,000 libros gratuitos cada año en el Condado Miami-Dade.

La Feria del Libro de Miami es posible gracias al apoyo generoso del Estado de la Florida y el National Endowment for the Arts; la Ciudad de Miami; el Departamento de Asuntos Culturales y el Consejo de Asuntos Culturales del Condado Miami-Dade; el Alcalde y la Junta de Comisionados del Condado Miami-Dade; las Escuelas Públicas del Condado Miami-Dade; la Oficina de Convenciones y Visitantes del Gran Miami; el Departamento de Desarrollo del Downtown de Miami y los Amigos de la Feria, así como de numerosos colaboradores corporativos. Feria del Libro de Miami: edificando comunidades, un lector a la vez.

Feria del Libro de Miami – Programa de Autores Iberoamericanos 2024

DOMINGO 17, 3 pm – Auditorium – edificio 1, 2do piso

Encuentro con Gina Montaner

La periodista y escritora Gina Montaner presenta la conmovedora crónica de la trayectoria sin retorno de su padre Carlos Alberto Montaner. La autora conversaráde su libro Deséenme un buen viaje.

DOMINGO 17, 3 pm – Auditorium – edificio 1, 2do piso
Encuentro con Gina Montaner
La periodista y escritora Gina Montaner presenta la conmovedora crónica de la trayectoria sin retorno de su padre Carlos Alberto Montaner. La autora conversará de su libro Deséenme un buen viaje.

DOMINGO 17, 5pm – Auditorium- edificio 1, 2do piso
Una tarde con Mayra Santos Febres
La escritora y poeta afro-puertorriqueña Mayra Santos Febres presenta La otra Julia, sobre la poeta puertorriqueña Julia de Burgos García. En diálogo con la escritora Anjanette Delgado.

MARTES 19, 7:00pm – Room 2106 – edificio 2, 1er piso
Pavel Giroud presenta Habana nostra
El director y guionista cubano Pavel Giroud presenta una novela sobre la historia del crimen organizado. En conversación con el periodista cultural y crítico de cine Alejandro Ríos.

MIÉRCOLES 20, 7:00pm – Room 2106 – edificio 2, 1er piso
Messi, 10 miradas sobre el 10.
Fernando Segura Trejo, Pablo Brescia, Rubén Costa, Ana María Ospina y Ramsés Sandoval presentan un ensayo que celebra a Lionel Messi, uno de los mejores futbolistas de todos los tiempos.

JUEVES 21, 6.30pm – Auditorium edificio 1, 2do piso
Cita con Jorge Ramos
El periodista y escritor mexicano presenta Así veo las cosas. Lo que nunca te conté, obra donde reúne sus textos más personales y literarios. En conversación con la periodista Luz María Doria.
JUEVES 21, 7:00pm- Room 2106 – edificio 2, 1er piso
Portugal night – 50 Years of Freedom: The Post-Revolution Portuguese Literary Scene
Djaimilia Pereira de Almeida, José Luís Peixoto and Ricardo Vasconcelos will explore the influence of the 1974 the Carnation Revolution on the art of writing. Event in English.

VIERNES 22, 7:00pm- Room 2106 – edificio 2, 1er piso
Noche de poesía: homenaje a Rubi Arana
Stacey Alba Skar-Hawkins, Alejandra Ferrazza, Omar Villasana, Beatriz Mendoza Cortissoz, Lidia Caraballo, Kelly Martinez Grandall, Gloria MiládelaRoca y Danilo López Román rinden homenaje póstumo a la poeta nicaragüense Rubi Arana y presentan su última obra.

SABADO 23, 11.45am – Salón 8503, Edif. 8, 5to piso.]
Presentación de Voz cautiva, de la actual presa política cubana María Cristina Garrido
Con la presencia de su hermana y ex-presa, Angelica Garrido y el activista político Luis Rodríguez Pérez, quienes viajan desde Cuba, junto a la escritora Nardelis Sánchez. Para la sesión virtual se suma el escritor y fotógrafo Cubano Orlando Luis Pardo Lazo.

SABADO 23, 1pm – Building 8 – Room 8503
Fausto Canel y Juan Manuel Cao
Presentan sus nuevas obras entre el absurdo, la comedia y la Guerra Fría, en conversación con Alejandro Ríos.

SABADO 23, 2:15pm – Building 8 – Room 8503
De amores, mundos distópicos y la solidez de la amistad
Agustina Bazterrica, Juan Carlos Méndez Guédez y Mariana Sández, en conversación con Alejandra Labanca.

SABADO 23, 3.45pm – Building 8 – Room 8503
Premio Alfaguara: Sergio del Molino
El escritor español presenta la obra ganadora Los alemanes, en conversación con José Ignacio Chascas Valenzuela.

SABADO 23, 4.45pm – Building 8 – Room 8503
Encuentro con Sonsoles Ónega
La periodista española presenta la obra ganadora del Premio Planeta 2023, en conversación con la periodista y escritora Gina Montaner.

SABADO 23, 6pm – Building 8 – Room 8503
Santiago Roncagliolo
Presenta su nuevo libro El accidente, en conversación con Juan Camilo Gómez.

SABADO 23, 12:30pm – Building 8 – Room 8525
Albert Espinosa presenta: Vuelve a amar tu caos y el roce de vivir.
El actor, director y guionista español presenta su nueva obra.

SABADO 23, 1:30pm – Building 8 – Room 8525
Historias de vida y resiliencia
Ulises Gonzales, Nelson Hincapié y Maricarmen Villanueva, en conversación con Sarah
Moreno.

SABADO 23, 2.45pm – Building 8 – Room 8525
Novedades de poesía
Silvia Goldman, Nidia Hernández y Jhanayra Manzano, en conversación con Orlando González Esteva.

SABADO 23, 4:45pm – Building 8 – Room 8525
Celia Cruz: ícono de la música caribeña
Omer Pardillo Cid en conversación con Alejandro Ríos.

SABADO 23, 6pm – Building 8 – Room 8525
Polifonías, microrrelatos y textos híbridos
Elisa Díaz Castelo y Alejandro Robles, en conversación con Rodolfo Martínez Sotomayor.

DOMINGO 24, 11.30am – Building 8 – Room 8503
Tributo a Armando de Armas
Denis Fortún y Ángel Callejas, en conversación con Alejandro Ríos.

DOMINGO 24, 12:30pm – Building 8 – Room 8503
Poder, política y pueblo en Cuba
Abraham Jiménez Enoa y María Cristina Fernández (presentando obra de Nicolás Lara),
en conversación con Alejandro Ríos.

DOMINGO 24, 2pm – Building 8 – Room 8503
Hechos históricos y mundos ficticios
Renato Cisneros y Cristina Sánchez Andrade, en conversación con Gabriela Esquivada.

DOMINGO 24, 3:30pm – Building 8 – Room 8503
Nueva poesía desde el 305
Lizette Espinosa, Germán Guerra y Carlos Pintado, en conversación con Rosie Inguanzo.

DOMINGO 24, 4.45pm – Building 8 – Room 8503
La política: un caleidoscopio constante
Paola Ramos presenta su nueva obra Desertores. El auge de la extrema derecha latina y su repercusión en Estados Unidos, en conversación con la periodista Ilia Calderón.

DOMINGO 24, 6:15pm Building 8 – Room 8503
Identidad, pertenencia y recorridos de vida
Florencia del Campo, Karla Suárez y Keila Vall de la Ville, en conversación con Alejandra Labanca.

DOMINGO 24, 12pm Building 8 – Room 8525
La ficción como reflejo de lo urbano
Gilmer Mesa y Patxi Zubizarrieta, en conversación con Gabriela Esquivada.

DOMINGO 24, 1:30pm Building 8 – Room 8525
Novelas y ensayos para delinear identidades
Xalbador García, Alfredo Triff y Wilema Wong, en conversación con Rodolfo Martínez Sotomayor.

DOMINGO 24, 3pm Building 8 – Room 8525
Tinta e imaginación: crear nuevas ficciones
Teresa Dovalpage, Pedro Medina León y Luis A. Ordóñez, en conversación con Alejandra Ferrazza.

DOMINGO 24, 4pm – Building 8 – Room 8510
Johnny Pacheco: tres de café, dos de azúcar y ponle salsa!
María Elena Pacheco en conversación con Alejandro Ríos.

DOMINGO 24, 4:30pm Building 8 – Room 8525
Los mapas personales como historia colectiva
Paula Arrieta Gutiérrez y Legna Rodríguez Iglesias, en conversación con Silvia Goldman.

DOMINGO 24, 5:45pm Building 8 – Room 8525
Pablo Vierci presenta La sociedad de la nieve
El milagro de los Andes, relatado por el autor del bestseller. En conversación con Pedro Sevcec.

SÁBADO 23, XI SEMINARIO DE LITERATURA INFANTIL Y LECTURA

SÁBADO 23, 10:10am Building 3 – Room 3309
XI Seminario de Literatura infantil y Lectura. Libros ilustrados: Universos por descubrir. Panel: Un juego muy serio: construir libros (ilustrados) para la infancia. Concha Pasamar, en conversación con Antonio Orlando Rodríguez.

SÁBADO 23, 11:15am Building 3 – Room 3309
XI Seminario de Literatura infantil y Lectura. Libros ilustrados: Universos por descubrir. Panel: Los libros sensibles. Roger Ycaza en conversación con Betty Quintero.

SÁBADO 23, 1:30pm Building 3 – Room 3309
XI Seminario de Literatura infantil y Lectura. Libros ilustrados: Universos por descubrir. Panel: P, p y p: tres letras para crear. Patxi Zubizarreta en conversación con Sergio Andricaín.

SÁBADO 23, 2:45pm Building 3 – Room 3309
XI Seminario de Literatura infantil y Lectura. Libros ilustrados: Universos por descubrir
Panel: ¡Peligro en expansión!: el libro álbum sin límites. Florencia del Campo en conversación con Betty Quintero.

SÁBADO 23, 4pm Building 3 – Room 3309
XI Seminario de Literatura infantil y Lectura. Libros ilustrados: Universos por descubrir.
Panel: Un mundo de libros: Superando barreras en la distribución de libros infantiles en Estados Unidos. Jenny Lizárraga en conversación con Antonio Orlando Rodríguez.

Perez Art Museum PAMM

Ella Fontanals presenta su nuevo libro “Ella soy yo”

Por

AMM

-

Ella Fontanals-Cisneros presenta su nuevo libro “Ella soy yo” en Doral International Art Fair

La reconocida coleccionista de arte y ahora también escritora, Ella Fontanals-Cisneros, invita al público a la presentación oficial de su libro “Ella soy yo”. El evento tendrá lugar el próximo 7 de noviembre a las 3:00 p.m. en el Doral Cultural Arts Center (8363 NW 53rd St, Doral, FL 33166).

La presentación del libro dará paso a un enriquecedor conversatorio sobre el apasionante mundo del coleccionismo de arte, un tema en el que Fontanals-Cisneros es una experta reconocida a nivel internacional.

Como broche de oro, la ciudad de Doral realizará una proclamación oficial en honor a la autora y su destacada trayectoria.

¿Por qué asistir?

Conocer a la autora: Tendrás la oportunidad de conocer personalmente a Ella Fontanals-Cisneros y recibir un ejemplar dedicado de su libro.
Conversatorio sobre arte: Aprende más sobre el fascinante mundo del coleccionismo de arte de la mano de una experta.
Celebrar la cultura: Únete a la comunidad de Doral para celebrar este importante evento cultural.

Disponibilidad del libro:

“Ella soy yo” ya está disponible en Amazon Estados Unidos, lo que significa que los lectores de todo el mundo pueden adquirirlo de manera fácil y rápida.

¡No te pierdas esta oportunidad única!

Para más información, por favor contacta:

+1 (305) 209-5101
[email protected]

Perez Art Museum PAMM

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