Amalia Cross, curadora.

Amalia Cross (Viña del Mar, 1989)es historiadora del arte y curadora. Licenciada en Arte por la Pontificia Universidad Católica de Valparaíso (PUCV), magíster en Teoría e historia del arte por la Universidad de Chile y candidata a Doctora en Historia por la Pontificia Universidad Católica de Chile (beca CONICYT). Entre 2013 y 2015 trabajó como investigadora para el Catálogo razonado del Museo de Arte Contemporáneo de la Universidad de Chile. Y entre 2016 y 2020 se desempeñó como profesora en el Instituto de Arte de la PUCV. Ha centrado su trabajo de investigación y escritura sobre museos, colecciones y archivos de arte latinoamericano. Ha sido co-curadora, junto a María Berríos, de la exposición “Alberto Cruz: El cuerpo del arquitecto no es el de un solo hombre” (MAVI-2017) y curadora de las exposiciones “El museo en tiempos de revolución” (MNBA – 2019) y “1872” (Palacio Pereira – 2021). Entre sus publicaciones recientes destacan: “¡Las musas se tomaron el museo!” (Seminario internacional de investigación, 12 Bienal del Mercosur, 2020), “El Happening de las gallinas de Carlos Leppe: documentación y peritaje” (D21 Editores, 2020), “Historias de boicot: sobre las causas y consecuencias de la participación de Chile en el boicot a la X Bienal de Sao Paulo, 1969” (Peter C. Marzio Award , ICAA – Museum of Fine Arts, Houston, 2019) y el libro Álvaro Guevara La tela, el papel y el cuadrilátero (Mundana Ediciones, 2019). Es co-editora del sello independiente Ediciones JGV.

Lieska Husband Sosa

FRAGMENTOS E IDENTIDAD. COLLAGES DE RICARDO CARBONELL

Converso en esta oportunidad con el artista del collage Ricardo Carbonell, quien, desde Caracas, Venezuela, me comenta sobre su obra y sus inicios en este transitar del arte. Carbonell (Caracas, 1952) abogado de profesión, se desenvuelve conjuntamente desde hace más de dos décadas, en el difícil —a veces ingrato— quehacer del artista. La consolidación de su vida profesional como abogado, no fue nunca obstáculo para desarrollar en paralelo una expresión plástica que desde niño ya se manifestaba a través del dibujo y la pintura. Pero es el collage, esa expresión artística intimista y en su caso, de cortes y pegados precisos, lo que ha sido su línea de investigación por tantos años, convirtiéndose en el eje fundamental de su trabajo.

Sus herramientas, mayoritariamente objetos del cotidiano, papeles de distinto gramaje, tirros coloridos, exacto y tijeras, dan forma a maravillosos collages cargados de dinamismo compositivo dispuestos sobre el soporte, en tela o papel. Y es que esta técnica que ya tiene en su haber un recorrido de varias centurias, irrumpió con fuerza en las vanguardias de la primera mitad del siglo XX y se mantiene en el discurso plástico de los artistas contemporáneos.

Carbonell imprime un sello personal a su obra, —un género que abarca estilos, técnicas, materiales y soportes variados— con el uso de cintas plásticas para electricidad en cortes y composiciones diversas. Es un artista metódico, organizado y en algunas de sus series —si no todas—, la nomenclatura numérica se convierte en parte del registro de la pieza, seguido de una palabra que denomina un color. Algo así, como si de un código se tratase. La serie Columnas, desarrollada en años recientes, es un ejemplo de ello. El artista dispone en vertical, bloques de cintas adhesivas en tonalidades diversas a modo de columnas, asignando un número a cada color, con lo que cada pieza se denomina según los colores utilizados en su elaboración. El artista comenta: “…dado que la paleta de los tapes o cintas adhesivas es escasa, le asignamos a cada color un número…”. Me explica que dispone de una gama de apenas 9 colores y en ocasiones, el fondo blanco del soporte se convierte en columnas inadvertidas que dan peso visual a la composición.

La serie Collages, ha sido producida entre 2013-2019 y en palabras del artista, refiere a “…un sueño y su realización, que culminó con la ejecución de 138 obras…”. Elementos coleccionados por años, dan vida a este cuerpo de trabajo con el que el artista motiva al espectador a crear sus propias historias; objetos reconocidos por el colectivo y que podrían “hablarle” de una cotidianidad a otra. Es así como el cambio de uso de los objetos, les imprime otro carácter y es desde esa otra dimensión —la artística— en la que se han insertado, desde la cual tendrán una nueva identidad.

Tickets de transporte público, envoltorios de golosinas, pegatinas de tiendas por departamento, llaves, paletas de helado, restos de algún hilo colorido, entradas a eventos, trozos de alambre, cápsulas de precinto de botellas de vino, todo suma en polícroma composición sobre el soporte.
Una mirada intimista, muy cercana al recuerdo cotidiano.

En noviembre de 2015, un trágico hecho conmovió a la Ciudad Luz. París, la cuna del glamour, la gastronomía y la moda, se vio sacudida por múltiples explosiones que dejaron un saldo trágico de muerte y destrucción, entre ellos el ataque al Teatro Bataclan. La serie París Bataclán, nace de esa situación infortunada. Así lo relata el artista: “Ante esa negativa realidad ejecutamos a las horas de los acontecimientos,…una serie de seis (6) obras…”. De nuevo el carácter intimista de una técnica desarrollada en el silencio de un estudio de muy poco espacio, da pie para el desarrollo de un cuerpo de trabajo basado en los colores de la bandera francesa —azul, rojo y blanco—. El artista articula franjas verticales atravesadas por líneas laberínticas dispuestas sobre el plano. Las franjas, —columnas fracturadas y en ocasiones, interrumpidas por el color negro—, expresan la consternación de la tragedia. París, la ciudad idílica, ha quedado indefectiblemente impactada.

Otra de sus series, Rupture, es una obra de carácter político con un componente de silente repudio a lo que acontece en su país natal, Venezuela. Un cuerpo de trabajo de 14 piezas elaboradas en tapes de colores amarillo, azul y rojo —los del tricolor nacional— dispuestos de manera horizontal sobre el lienzo como soporte. Las 7 estrellas blancas originalmente ubicadas en la franja central azul del estandarte nacional, dan paso a elementos triangulares en color negro, colocados en un ordenamiento específico a lo largo de toda la obra, y que expresan el oscurantismo por el que atraviesa la sociedad venezolana. Es la ruptura de la constitucionalidad, de una democracia venida a menos y de un sistema comunista impuesto por el régimen gobernante.

La obra de Ricardo Carbonell se nutre del cotidiano, de sus vivencias y de la observación consciente de hechos y realidades que lo marcan no solo en lo personal, pero además tienen repercusión en lo colectivo. Como espectador, no me distrae el colorido y la composición estéticamente agradable de sus piezas. En ocasiones me cuestionan en dialogo amable. Y cuando el arte es cuestionador, puedo llegar a ser empático con el artista, desde la conexión emocional con la obra a través de percepciones y sentimientos personales. Intentar interpretar qué ha sucedido entre el objeto en desuso y su escogencia por parte del artista —para infundirle nueva vida— es algo que queda en la mente del espectador.
Enero 11, 2021

NOTA: Imágenes cortesía del artista y de MIA Curatorial Projects.

Por Katherine Chacon

La larga noche; el sonido del agua dice lo que pienso. 

Gochiku

El trabajo reciente de Toña Vegas reunido en «Energy Matters» parece guiado por y para propiciar un conocimiento que es inefable. La contemplación paciente y metódica de la naturaleza que la artista ha realizado como parte de su experiencia existencial, la ha llevado a comprender la esencia recóndita que comparte todo lo que contiene ese soplo de vida cósmica que es la energía, y que ella transvasa, en las piezas que hoy vemos, a través del registro de sus huellas gráficas o de la «pictorialización» de sus ondas y efluvios.

Para la perspectiva crítica contemporánea, arraigada en los constructos derivados de la tradición filosófica occidental, queda de lado frecuentemente el hecho de que el arte comporta un modo diverso de conocimiento, en el que, a través de formas e imágenes, tanto el espectador como el artista acceden a una comprensión sutil de la realidad y a una especial conciencia del mundo.

Siguiendo esto, «Energy Matters» se presenta como una lección sensible que nos asoma al gran misterio de lo que somos: partes de una naturaleza que nos contiene, de un cosmos que nos habita y de una energía que se transforma y continúa hacia la infinitud espacio-temporal.

En las obras de las series Shizen y Scripture las «escrituras calladas» del mar, las superficies rocosas, las cortezas vegetales, los follajes o las nubes —«develadas» al someter a alto contraste fotografías de estos elementos— han sido transcritas en surcos perforados en papel pintado de negro o, como en Traces, en las siluetas «en positivo» de sus contornos. La serie Energy Matters comprende pinturas ejecutadas usando los dedos como medios que permiten a la artista materializar pictóricamente su propia energía. En el proceso, guiado por la sensorialidad y la intuición, esta aparece simultáneamente como estructura y vibración, en capas que se superponen y entretejen, creando un espacio complejo y profundo. Estas piezas constituyen también huellas, vestigios de una energía que se transforma en trazos y manchas, en un caudal continuamente sugerente en el que aparecen, a un tiempo, la piel de un animal, hojas movidas por la brisa, la pared de una antigua gruta, o una emoción que abrasa.

La naturaleza de la obra de arte –o quizás de algunas muy especiales, como las aquí exhibidas– se emparenta con las prácticas filosóficas orientales, que incorporan la subjetividad y las nociones no explícitas como partes del proceso de conocimiento. Como en el taoísmo, donde el maestro no enseña lo que sabe como algo que posee y que trasmite racional y objetivamente, la obra de Toña Vegas comunica un saber de modo poético, a través de «pinceladas de sentido» que desencadenan el entendimiento, pero asumiendo dentro de sí la relatividad de la experiencia cognitiva y, más allá, lo inabarcable de toda noción de realidad.

Cover photo: Artist Toña Vegas by @pedrowazzan