Virtual Beginner Drawing

Virtual Figure Drawing

Class Level: Beginner

Age Requirements: 15 and older

What you’ll learn in this beginner drawing class:

In this class we will do a graphite still life drawing. I will go over hatching and cross hatching techniques to build value to create depth, and use basic shapes to build our objects. We will review how to create a dynamic composition to make a beautiful drawing! The techniques you will learn are foundational skills that can be applied to a variety of drawing styles and projects.

Each class focuses on a different object. Note that you can take any class you’d like or multiple. 

• 9/5: Still life – an object from your home (examples include a cup, pencil, fruit, etc)
• 9/12: Landscape – a photo of a landscape you want to recreate / be positioned near a window
• 9/19: Botanical – flower, leaf, any object from nature
• 9/26 Faces – a photo of someone’s face or a mirror setup
• 10/3: Still life – an object from your home (examples include a cup, pencil, fruit, etc)
• 10/10: Landscape – a photo of a landscape you want to recreate / be positioned near a window
• 10/17: Botanical – flower, leaf, any object from nature
• 10/24: Faces – a photo of someone’s face or a mirror setup
• 10/31: Still life – an object from your home (examples include a cup, pencil, fruit, etc)
• 11/07: Landscape – a photo of a landscape you want to recreate / be positioned near a window
• 11/21: Botanical – flower, leaf, any object from nature
• 12/05 Faces – a photo of someone’s face or a mirror setup
• 12/19: Still life – an object from your home (examples include a cup, pencil, fruit, etc)

Materials Needed to Fully Participate:

• Graphite pencil
• Preferred drawing material / paper. You don’t need anything fancy.

Virtual Figure Drawing

What you’ll learn in this figure drawing class:

Have you wanted to learn to draw people? Well, this course is designed for beginner to intermediate learners. We will learn how to construct the figure using various methods. Studying the basic proportions, and the dynamic actions, and some advanced techniques like foreshortening you will walk away with tools, techniques and ways of looking at drawing to continue working on your own. The class will begin with a warm up, drawing lessons, practice time and a wrap up critique of work. We will be using our own bodies as well as a PDF to model our drawings off of.

Materials Needed to Fully Participate:

• Drawing paper, large and small
• A pencil
• Other optional materials: charcoal, eraser, pastel

Class Level: All levels

Age Requirements: 16 and older

Virtual Class FAQ

What will be included in my Virtual Class package?One ticket includes an access link to your live, online class. The class will be delivered via web conferencing software and feature a live, professional instructor who will walk you through a lesson as described above. You will have the opportunity to ask questions as well as participate from home.

How many people is my purchase good for?

Each ticket is good for one “device” (i.e. one computer, phone, tablet, etc. you’ll be logging in from). This ensures we don’t get more people in the class than the instructor can handle. Though we understand some people live together and will be working/learning together, the intent is that each class still allows for the same attention to attendees as if students purchased separately. Please be respectful of this!

Will I need anything from home to use in the class?

You will need a reliable Internet connection as well as a computer or device with which you can access your virtual class. We recommend you arrive to class 5-10 minutes early to ensure you’re able to set up your device and connection. Additionally, if the class is more than just a lecture you will likely want any materials listed in the course description as “Materials Needed to Participate Fully”, though you’re welcome to purchase a seat and sit in and just watch.

Am I able to ask questions or interact with the class?Yes, you’ll both be able to ask questions using the chat function in the video hosting software as well as at certain intervals during the class via voice/audio. If the class winds up being on the smaller side, more spontaneous interaction/questions will be encouraged.

Do I have to show my video or speak during class?

While we recommend you do show your video and speak when encouraged to by the instructor, video and audio participation are never mandatory. We find classes have more fun experiences when people are engaging with one another, but understand not everyone will want to do so and that’s ok!

Remote Learning

This course is available for “remote” learning and will be available to anyone with access to an internet device with a microphone (this includes most models of computers, tablets). 

AR7SEVEN ABRE LA PRIMRA EXPOSICIÓN DE ARTE PRESENCIAL CON CUIDADOS DE BIOSEGURIDAD

 Hernán Gamboa Gallery, recibirá las obras de los 16 artistas plásticos latinoamericanos que conforman el colectivo Ar7seven quienes con este evento se disponen a celebrar el MES DE LA HISPANIDAD.

 Más de 16 obras, que también se podrán apreciar de manera virtual en www.ar7seven.com tendrá esta exposición, la primera de carácter presencial que este importante colectivo desarrolla en medio de la pandemia, la cual contará con los más estrictos controles de bioseguridad.

 Gamboa Gallery ubicada en 4000 West Flagler St. Coral Gables 33134, abrirá sus puertas a la exposición el 17 de octubre a partir de las 10:00 am e irá hasta el próximo 24 de octubre, con entrada libre de costo. Se requiere reservar su espacio, ya que, habrá cinco (5) espacios disponibles por hora para visitar la exposición. Para reservar su espacio puede accesar el siguiente enlace: https://www.signupgenius.com/go/4090C4FA8A92BA7FB6-hernan

Miami, FL. El importante colectivo Latinoamericano Ar7seven compuesto por 16 artistas plásticos inicia su ciclo de exposiciones presenciales de este año con Hispanic Heritage 2020, un evento diseñado para conmemorar con arte el Mes de la Hispanidad, que tradicionalmente celebra la comunidad hispana en USA. Según Dolly Delgado Belalcazar, Directora Ejecutiva de Ar7seven “ninguna pandemia o evento desafortunado de la humanidad podrá apagar al arte, es la única expresión que trasciende a pesar de cualquier circunstancia desafortunada que esté ocurriendo en la vida. Durante este año, dadas las circunstancias, hemos desarrollado solo exposiciones y eventos virtuales, ya, en esta instancia de la pandemia, estudiamos la posibilidad que el público pueda apreciar las obras de nuestros artistas de manera directa y Hernán Gamboa Gallery nos abrió las puertas” afirmó la Gestora Cultural. Ar7seven lleva 4 años desarrollando giras culturales en los Estados Unidos, inicialmente sólo con artistas colombianos, ya que ese es el país originario de este movimiento, pero con el transcurrir del tiempo, artistas plásticos de otros países de Latinoamérica y Estados Unidos se fueron vinculando al colectivo y en este momento también se cuenta con talento de: Venezuela, México, Cuba, Chile, Perú, Guatemala y Estados Unidos.

¿Quiénes son los artistas de Ar7seven?

COLOMBIA: Carlos David Pérez Bolaños, artista cartagenero egresado de la Escuela de Bellas Artes de la misma ciudad. Es un artista que plasma su esencia Caribe y todas sus multiculturalidades, sus obras están llenas de color, propios de su región y aborda en ellas temáticas basadas en sus costumbres y en su gente alegre, espontánea y pujante. Estudió en la
Institución Universitaria Bellas Artes y Ciencias de Bolívar.
MÉXICO: Katya Du Pond nació en la Ciudad de México, estudió en la Facultad de Bellas Artes de la Universidad Autónoma de Querétaro donde se especializó en Artes Visuales, y culminó sus estudios en el Instituto de Arte de la ciudad de Houston como Diseñadora de Interiores, ampliando así, su pasión por el color.
COLOMBIA: María Claudia Saavedra artista plástica colombiana, nacida en Medellín, ciudad donde está radicada. Es economista de la Universidad de Antioquia y Doctora en Ciencias Económicas de la Universidad Autónoma de Barcelona UAB. En el trabajo pictórico ha explorado principalmente temas de la naturaleza con una permanente búsqueda de las relaciones entre espacio, forma y color.
CUBA: Lilivet Peña Echemendía, nació el 24 de agosto de 1984, en la Ciudad de Camagüey Cuba. Desde los cuatro años su madre la incorporó en talleres de Artes Plásticas. Estudió en la Secundaria Básica Urbana “Mártires de Camagüey”, obteniendo excelentes resultados que le permitieron estar
entre los primeros expedientes. Al llegar al noveno grado, con un promedio de 100, optó por el IPVCE “Máximo Gómez Báez”; y se presentó, además, a los exámenes de Artes Plásticas de la Academia “Vicentina de la Torre”, siendo aceptada en ambas instituciones.
CHILE: Nadra Jacob, Nació en la ciudad de Santiago de Chile en 1970. Se interesó en las artes desde muy temprana edad, siendo autodidacta desde los 12 años, sin embargo, inició sus estudios de arte en el año 1998 tomando clases particulares con varios profesores de dibujo. Más tarde, realizó
estudios en Figura Humana Avanzado en la Pontificia Universidad Católica de Chile, donde a su vez, fue Diplomada de Estudios en Arte,
COLOMBIA: Guillermo Romero. Artista Plástico, nació en Bogotá el 6 de enero de 1958. Se inició como pintor en el año de 1985 en Buenos Aires, Argentina, donde realizó sus primeros bosquejos y aprendió la técnica de la acuarela con la acuarelista Inés Rotenberg Romero.
COLOMBIA: Eibar Castillo. Artista plástico nacido en el Municipio de Tumaco, Departamento de Nariño República de Colombia. Cursó estudios de Artes Plásticas en el Instituto Popular de Cultura (IPC), Cali, Colombia. En 1979, empezó su ejercicio en la pintura ocupando el tiempo “libre” que le
dejara su condición de obrero en una factoría (fábrica) donde pasó 30 años sobreviviendo a tan larga noche de alienación condicionada.
COLOMBIA: Salvador Blanco. Su pasión por el arte nació a muy temprana edad en la Escuela de Bellas Artes de la ciudad de Barranquilla. Más tarde, mientras realizaba sus estudios universitarios, buscó emular en un principio las pinturas de su difunto padre, quien también fue artista, Salvador Leary, a medida que se iba desempeñando en su carrera como publicista y en el arte, fue creando su propia obra que en ocasiones mezcla textura, ensamblaje y texto.

COLOMBIA: Oscar Sir Avendaño. Artista colombiano que permanentemente incursiona en la técnica de la pintura, con el compromiso de apropiarse del quehacer diario, el acontecimiento que de sol a sol hace transcurrir la vida, aquí las formas según su identificación se varían a estados anímicos del artista.
GUATEMALA: Nitrous Beto. Es uno de los artistas y poetas que proviene de una familia humilde y que siempre se distingue por su escancia de un gran ser humano que defiende sus orígenes, todos sus logros son el resultado de la vivencia e historia en que ha crecido y vivido con su familia. Sus
obras han sido una representación e interpretación de momentos y aprendizajes que ha tenido en su andar.
COLOMBIA: Joaquín López de la Ossa.  De San Luis pasó a Sincelejo donde ingresó al Instituto Técnico Industrial Antonio Prieto, allí conoció al Maestro Ramiro Blanco, personaje que encausaría su pasión por las artes, alentándolo al aprendizaje formal. En 1991 se alzó con el Premio Alejandro
Obregón en la Categoría Juvenil, al Mejor Pintor del Departamento de Sucre, galardón auspiciado por el Consulado de Francia. En aquella oportunidad presentó la obra “Lo que no pensó descubrir Colón”.
COLOMBIA: Jorge Luis Pantoja Miranda. Ingeniero Electrónico de la Universidad del Norte y Fotógrafo de la Alianza Francesa, nacido en Barranquilla en 1984, recibe desde su infancia una fuerte influencia familiar en las Artes Plásticas; 
COLOMBIA: Diego Céspedes. El Artista Plástico durante sus estudios universitarios amplió sus espectros artísticos anclado al mundo bidimensional (grabado, pintura y dibujo), estudiando movimientos artísticos tales como, el Impresionismo y los Románticos.
COLOMBIA: Patricia Amaya. Esta bogotana se crió en Valledupar donde compartió en el colegio con otros niños muy especiales: indígenas Kogis y Arahuacos. También viajó a La Guajira donde estuvo vinculada con la cultura Wayuú, de ahí nace su inspiración en cada una de sus pinturas.
MEXICO: David Triano. Nace en Cuernavaca, Morelos en 1963, radicado en Xalapa, Veracruz. Licenciatura en Artes con mención honorífica. Expone individual y colectivamente en diversos lugares desde 1985, principalmente en Veracruz, Xalapa, México-España Cancún, Puebla; expuso en
el Instituto de Antropología de la Universidad Veracruzana dentro del marco del 5to Congreso Internacional de Mayistas, presentando una serie de reproducciones con técnica “al fresco” de fragmentos murales de la zona maya y en el 2do y 3er Salón de la Plástica en el Ágora de la ciudad.
VENEZUELA: Pedro Javier Linares. Nacido el 4 de marzo de 1962, desde muy pequeño sintió inclinaciones hacia el mundo del arte, una enfermedad limitó su andar con sus piernas, pero jamás sus sueños y brindar sus dones los cuales, perfeccionó en la Escuela de Artes Plásticas Martín Tovar
y Tovar en Barquisimeto.

VENEZUELA: Artista Visual Multidisciplinario, nacido en Caracas Venezuela. Estudio en la Escuela Técnica de Artes Visuales Cristóbal Rojas, Escuela Taller Arte Fuego Cándido Millán y Escultura en el Museo de Arte Contemporáneo de Caracas Sofía Imber. Tomas Regalado, Alcalde de la Ciudad de Miami proclamó el 19 de agosto de 2016 como el Día del Artista Rafael Montilla.

CONTACTO: Dolly Delgado Belalcazar
Directora Ejecutiva
Ar7seven, S.A.S.
832-923-9502
[email protected]

Glasgow-based performer Liv Fontaine’s top tips

BY LIV FONTAINE IN OPINION | 10 SEP 20

The closure of art spaces and venues during lockdown has exacerbated the challenges faced by artists operating in a live sphere. Here, Liv Fontaine offers ten pearls of wisdom for surviving the minefield of working as a freelance performer.

1. Keep performing

After almost ten years of performing in galleries, I now feel much happier doing my act at punk shows in fringe venues. Art spaces are great, but it’s in the pubs that I feel I can really get down to business. If no one wants to programme you, programme yourself.  

2. Safety first

I have learned a lot from getting heckled or even threatened in the middle of a set, but it can very quickly become uncomfortable. Spectators often see performers’ bodies as public property, so be clear about your boundaries with organizers and audiences. There can be pressure to respond wittily to an onstage interruption, but I find the classic ‘Get to fuck you chicken-livered shit!’ works for me.

3. Know who you are and keep telling everyone

Performance teases people. In this sense, although it can be draining, it’s a good idea to use social media. Performance relies on the artist’s presence and social media offers the illusion of presence, even if the reality is: self-doubt, crippling debt and spiralling spotlight syndrome. 

4. Be aware of the post-performance ‘come down’

I have been through multiple episodes of madness, wondering where the performance stops and I start. It is a state of incongruence that you could spend many hours and much money exploring with a therapist. It has led me to do completely unimaginable and very unusual things, including rebranding myself as a landscape photographer and confessing to crimes I did not commit. Ignored, this can take a toll on your health and relationships, so it’s good to keep considering.

5. Be really clear about what you want to do

There is still a general judgement that performers are a bit wild and all over the place, which is true. When working with producers and curators, be practical about what you want to achieve and state why it’s absolutely necessary that you do it. If your work relies on turning the stage into a scale reconstruction of the unstoppable bus in the 1994 action thriller Speed, don’t compromise.  

6. Be friends with other performers

Surround yourself with people who understand the seething cauldron of your mind and don’t consider you to be just egotistical. Most people assume performers are very sure of themselves but, to a performer, performance is just a medium or, sometimes, an erratic, unstable compulsion.

7. Only do work that you really believe in

You must have complete conviction in what you do because there is an element of sacrifice to performance, so it’s got to be worth it. I realize this might sound a bit dramatic but, if I ever wanted to become prime minister, I wouldn’t be able to because there’s footage of me all over the internet tit-wanking bananas and screaming about my cheating ex-husband.

8. If the feeling stops, stop

To me, there is nothing more exhilarating than performing live: it’s an out-of-body experience that can leave me with extreme emotions for days. If that ever ended, I would stop performing.

9. Don’t pigeonhole your performative self

Performance is the basis of my whole practice, but I don’t feel completely defined by it because my process also involves writing, drawing and video work. Sometimes, live work is exhausting; it’s good to take a break, take a breath and come back with a BANG!

10. Keep going

I receive less than one acceptance for every 20 applications I make. It can be lonely, and the rejection is incredibly hard to process. I persevere because people keep coming to the shows, I can’t keep my mouth closed and we have to keep challenging the absolute shite that is being thrown at us. I may be biased but, when I watch live work, my mind is often totally blown. I rarely feel like that at the National Portrait Gallery 

^{Main image: Liv Fontaine, This type of thing won’t keep you warm at night, 2018, photograph. Courtesy: the artist} 

LIV FONTAINE

Liv Fontaine is an artist. In 2021, her work will be included in Glasgow International, UK. She lives in Glasgow.