Master Weavers Lead a Fiber Art Revival in Southwest Florida

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Master Weavers Lead a Fiber Art Revival in Southwest Florida

Local artisans are weaving cultural heritage and reviving time-honored techniques for a new generation of collectors in Naples, Fort Myers and beyond.

by Emma Witmer

askets line the walls of Punta Gorda’s one-year-old Southwest Florida Fiber Arts Guild. Some have amethyst bottoms; others are woven with beads. Simple, handwritten tags hang from undulating lines of coiled pine needles and muhly grass, denoting the artful vessels’ price, title and materials.

Despite the evident artistry, there’s no signature. But a peek around the corner reveals the sculptural vessels’ maker, a petite woman with a stoic focus and shock of white hair. There, guild vice president Kathryn Erickson muscles walnut staves into a frame for bundled coils and a central fossilized shell. The 80-year-old has been practicing the art of basketry for more than 20 years, but the circular design at hand is only her second wall hanging. “I don’t know how big it’s going to get,” she says matter-of-factly. “I work on them until they tell me, ‘I’m done.’”

In Southwest Florida, a quiet class of basketry artists practices the craft on living room couches, in guilds and clubs, during downtime at their day jobs, and at markets and fairs. The most skilled local weavers hold years of experience, inventing techniques, stitches and patterns to craft impossibly complex sculptures beautiful enough for display, yet functional enough to carry home a garden harvest. Their creations take days, if not months, to complete, from foraging and processing materials to coiling and stitching.

Tom Firth textile artist — Photography by Anna Nguyen

Bonita Springs pine needle coiler Tom Firth melds traditional and unexpected materials, like mismatched jewelry and dried gourds.

Still, until recent years, the art world saw basketry—and fiber arts more broadly—as little more than a hobbyist enterprise, better suited to clubs and craft fairs than gallery exhibitions and museum displays. Years ago, Kathryn and her cohorts had to lobby local arts centers for fiber arts programming and fight for their place among exhibits dominated by paintings. “It’s a craft. That’s a nasty word,” she says with a sarcastic glint. That attitude seems to be changing. Over the last decade, American art hubs like Los Angeles and New York City have embraced fiber arts, coaxing smaller arts agencies to broaden their programming. Some point to the COVID-19 pandemic as the catalyst for the rise in craft arts. Others take a broader view, crediting the reclamation of stereotypical ‘women’s work’ that emerged as part of the second wave of feminism.

Regardless of the genesis of the genre’s popularity boom, the catalyst of individual creation rings true—somewhere along the line, a woman with knotted hands paved the way. She would speak in family recipe terms, explaining the art, not the science: Use a thread about this thick to connect your bundles; soak the reeds until they look right.

Nancy Weeks—known for her 15-year-old Woven Wonders stall filled with colorful, New England-style baskets at Third Street Farmers Market—learned first from a long line of family fiber artists who introduced her to the art of weaving, then from a Cape Cod teacher who applied the technique to basketry. “I think it was passed down for generations,” she says. Sanibel coiler and instructor at BIG ARTS, Gisela Damandl, was taught by a longtime Pennsylvania basketeer more than 40 years ago. Now, she devours books on modern basketry and travels the country visiting shows for inspiration—explorations that have led her to experiment with media like imported seagrass.

For Bonita Springs-based pine needle coiler Tom Firth, mentorship came from a woman he never actually met. A hairstylist of more than five decades, Tom started tinkering with pine needle baskets about seven years ago when he saw a friend’s creations. “She invited me to join the Brookdale Basketeers,” he says. “It was a group started here a long time ago by an old woman in Bonita, and I unfortunately started seeing them about four months after this woman had died at nearly 100 years old.” Though the two never met, he pored over interviews and memories shared about the club’s matriarch, and in turn, the club poured back into him—not as formal teachers, but as models of what was possible.

As Tom learned the pine needle coiling technique—a process of bundling the slender fibers and stitching them together in an ascending circular pattern—he began to experiment with a wider range of materials. Dyed needles, walnut slices and antique brooches sourced from his travels through the United Kingdom make regular appearances, as do dried gourds, which form the base of some of his most avant-garde vessels. In one, thick bundles of rich, amber needles seem to defy gravity, weaving in and out of three large holes in the gourd’s sides. In others, alcohol-based ink creates a splotchy, watercolor-like finish on gourds with yawning openings flourished by rippling coils.

Like Kathryn, who keeps a muhly grass patch in her front yard and scours parks for fibers from queen palms, and Gisela, Tom forages the majority of his materials. “I wait until somebody clears a lot or a storm knocks down a branch,” he says. “You grab the whole side of the branch and pull against the grain and pull off 200 needles at one time.” Once gathered, needles must be dried (if used green, they’ll shrink as they dry, loosening the coils and compromising the basket’s structure). “If you dry them in the dark, they dry a lighter color—that takes about a month. If you let them dry on the ground in the sun, they get that pine needle color that’s kind of an orangey brown.”

From drying onward, the consistency among Tom, Gisela and Kathryn’s approaches begins to fade. Tom never soaks his needles (a process used to prevent breakage while bending coils) and only dampens his needles for the most precarious curves. Gisela soaks overnight, but only uses the wetted needles for her first three rows of coiling. For dyeing, Tom simmers his needles in an electric turkey roaster with a touch of glycerin for sheen. “To heck with the glycerin,” Kathryn says. “I tell my students to soak them for 10 minutes with fabric softener—just dampen them.”

Nancy Weeks textile artist — Photography by Anna Nguyen

Nancy takes a different approach altogether. Rather than following the region’s dominant coiling technique, the 71-year-old Neapolitan weaves imported oak reeds one over the other. Home-dyed reeds (“I cook them on the stove and make a mess,” she says with a laugh.) fold into intricate patterns—some taught, others adapted through years of trial and error. “At the end, I write my name and date with a burning tube on the bottom. I blowtorch the hairs off [the reeds] and stain them with Minwax, either natural or golden oak,” she says. Her creations range from simple Easter baskets—like those made for her children and grandchildren—to complex, leather-bound backpacks and vessels with swirling handles muscled together over weeks of work.

“There have been a few where I’ve gotten frustrated and thrown across the room and went back to later,” she says. After 40 years making baskets, those frustrations still happen, but only when she pushes herself to try something new. A recent commissioned project—a woven staircase rail at Naples’ Patina Collection—tested her mettle, but the results are eye-catching. For Nancy, it was just one more way to shine a light on the craftsmanship created locally and often overlooked.

Like Tom at the Bonita Springs Farmers Market, Nancy weaves baskets live at her stall. “I do it because they need to know who’s making the baskets. Sometimes I’m weaving, and they still ask,” she says, chuckling. “Each of my baskets is a work of art made by me and only me.”

Kathryn Erickson textile artist — Photography by Anna Nguyen

Técnicas de Pintura Acrílico para Principiantes – Lo Que Debes Saber y Los Materiales Para Comenzar

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Editorial

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Técnicas de Pintura Acrílico para Principiantes – Lo Que Debes Saber y Los Materiales Para Comenzar

La pintura acrílica es uno de los medios más versátiles y fáciles de usar para principiantes. Seca rápidamente, se limpia con agua y funciona en casi cualquier superficie. Pero cuando entras a una tienda de arte, la enorme variedad de productos puede resultar abrumadora. Esta guía te ayudará a entender qué necesitas realmente para empezar y qué técnicas puedes explorar a medida que avanzas.

Hay Muchos Tipos de Pintura Acrílica

No todas las pinturas acrílicas son iguales, y entender las diferencias te ahorrará dinero y frustración.

Grado Estudiantil vs. Grado Artista

Las pinturas de grado estudiantil son más económicas y contienen menos pigmento, lo que puede hacer que los colores se vean apagados o calcáreos.
Las pinturas de grado artista tienen una mayor concentración de pigmento, colores más intensos y mejor capacidad de mezcla.

Para comenzar, el grado estudiantil es ideal. Marcas como Liquitex Basics, Amsterdam o Arteza ofrecen excelente calidad a buen precio.

Heavy Body vs. Soft Body

Heavy Body: consistencia espesa, similar al óleo; ideal para marcar textura con pincel o espátula.
Soft Body: más fluida; excelente para mezclas suaves y detalles.

Para principiantes, las Heavy Body ofrecen mayor control.

Acrílicos de Manualidades (Craft Acrylics)

Son económicos, pero su calidad es inferior. Menos pigmento, menor durabilidad y riesgo de agrietamiento. No son ideales para obras serias.

Paleta básica recomendada

Blanco titanio
Negro Marte
Rojo cadmio (o rojo pirrol)
Azul ultramar
Amarillo cadmio
Sombra tostada

Con estos seis colores puedes mezclar casi cualquier tono.

Materiales Esenciales Para Pintar con Pincel o Espátula

Pintura

Es mejor invertir en un set pequeño de buena calidad que en muchas pinturas baratas. Un set de 6 a 12 colores heavy body de grado estudiantil es suficiente.

Pinceles

No necesitas una gran colección. Comienza con:

Pinceles planos (tamaños 4, 8, 12): para áreas grandes y bordes definidos
Pinceles redondos (2, 6, 10): para detalles y líneas
Pinceles lengua de gato (filbert) (6 u 8): excelente para difuminados

Los pinceles sintéticos funcionan perfectamente con acrílico y son económicos.
Marcas recomendadas: Princeton, Royal & Langnickel.

Limpia siempre tus pinceles inmediatamente: el acrílico seco los arruina.

Espátulas (Palette Knives)

Producen texturas y trazos marcados. Solo necesitas:

Una espátula en forma de paleta
Una espátula angular

También sirven para mezclar colores sin dañar pinceles.

Paleta (Palette)

Opciones:

Paletas desechables de papel – prácticas y sin limpieza
Paletas de plástico – reutilizables
Stay-wet palettes – mantienen la pintura húmeda por días
DIY: plato de cerámica, vidrio o papel para congelador

Recipientes de Agua

Usa dos recipientes: uno para el enjuague inicial y otro para la limpieza final.
Cambia el agua con frecuencia para evitar colores sucios.

Superficies Para Pintar

Los acrílicos se adhieren a muchas superficies:

Lienzo

La opción clásica. Elige lienzos pre-entelados y pre-imprimados.

Paneles de cartón entelado (canvas panels)

Económicos y perfectos para prácticas.

Papel para acrílico o mixed media

Ideal para estudios y bocetos.

Paneles de madera

Superficie lisa; deben estar sellados o imprimados.

Papel acuarela

Usa 300 g/m². Puedes aplicar gesso para más textura.

Superficies no convencionales

Tela, piedra, vidrio, metal, cerámica: si puedes aplicar gesso, puedes pintar encima.

Caballete (Opcional)

Puede ayudarte a trabajar cómodo:

De mesa: económico y portátil
A-frame o H-frame: más estables
Alternativa: inclinar el lienzo sobre libros

Muchos principiantes pintan sobre una mesa, lo cual está bien.

Mediums (Aditivos Acrílicos)

Los mediums modifican la pintura:

Gesso: imprimación esencial
Medium mate o brillante: cambia el brillo y extiende la pintura
Retardador: ralentiza el secado para mezclar
Geles y pastas de textura: para efectos tridimensionales
Flow improver: mayor fluidez para detalles

Comienza sin mediums y agrégalos de a uno mientras exploras.

Materiales Esenciales Para Todos los Acrílicos

Toallas de papel o trapos
Botella de spray para humedecer la pintura
Delantal o ropa vieja
Espátula para mezclar
Cinta de pintor (masking tape)
Gesso para imprimar
Un espacio de trabajo estable y limpio

Pintura en Spray y Plantillas (Stenciling)

Los aerosoles acrílicos permiten técnicas urbanas y capas grandes:

Usa marcas como Montana, Liquitex Spray, Krylon
Trabaja al aire libre o con excelente ventilación
Usa máscara respiratoria, no solo mascarilla de polvo

Stencils:
Permiten patrones limpios y repetitivos.
Asegúralos con cinta de baja adherencia y aplica pintura en capas delgadas.

Marcadores Acrílicos

Puente entre dibujo y pintura, ideales para detalles:

Marcas: Posca, Molotow, Artistro.

Perfectos para:

Detalles finos
Letras y caligrafía
Piedras decoradas
Contornos y líneas
Arte sin pinceles

Agítalos bien antes de usar y cebalos presionando la punta hasta que fluya la pintura.

Acrylic Pouring (Pintura por Vertido)

Muy popular para efectos abstractos y marmoleados.

Materiales:

Acrílicos fluidos o pintura diluida con pouring medium
Pouring medium: Floetrol o mediums específicos
Aceite de silicona (opcional)
Vasos para mezclar
Lienzo elevado
Pistola de calor o soplete

Técnica básica:

Mezcla cada color con medium hasta lograr consistencia miel.
Vierte capas en una taza, vuélcala en el lienzo y mueve para expandir.
Usa calor para crear “células”.

Es muy desordenado: protege bien tu área de trabajo.

Cómo Mantener Todo Limpio

Paleta: limpia inmediatamente, o deja secar y despega la pintura
Pinceles: enjuaga constantemente; el acrílico seco arruina el pincel
Superficies: limpia pintura fresca al instante
Ropa: actúa rápido con agua fría; una vez seco, el acrílico no sale

Barniz Final

El barniz protege tu obra terminada:

Tipos:

Brillante: colores vibrantes
Mate: acabado suave y sin reflejos
Satinado: equilibrio entre ambos

Aplica 2–3 capas delgadas con brocha suave y espera dos semanas antes de barnizar.

Conclusión

Comenzar con acrílicos no requiere mucha inversión. Solo necesitas pinturas básicas, algunos pinceles, superficies para practicar y la curiosidad de experimentar. A medida que descubras qué técnicas te gustan—ya sea pincel tradicional, espátula, pouring o arte mixto—podrás ampliar tu kit.
La belleza de los acrílicos es su versatilidad: crecen contigo a medida que tu estilo y habilidades

El MoMA NY presenta un conversatorio sobre Wifredo Lam con destacados curadores internacionales

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Editorial

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El MoMA NY presenta un conversatorio sobre Wifredo Lam con destacados curadores internacionales

Nueva York, NY — El próximo 4 de febrero a las 18:30 h, el Museum of Modern Art (MoMA) de Nueva York será sede de un conversatorio especial dedicado a la obra y legado del artista cubano Wifredo Lam en el marco de la exposición Wifredo Lam: When I Don’t Sleep, I Dream, abierta desde noviembre de 2025 y con funciones hasta el 11 de abril de 2026.

Este encuentro reunirá a tres figuras prominentes del mundo del arte: Gerardo Mosquera, Lowery Stokes Sims y John Yau, quienes explorarán la práctica artística de Lam y su continua influencia en la historia del arte moderno y contemporáneo. La conversación será moderada por Beverly Adams, curadora de Arte Latinoamericano del MoMA y responsable de la muestra dedicada al artista cubano, y se realizará en inglés.

La participación es gratuita, pero requiere registro previo, ya sea para asistir de forma presencial en el teatro Roy and Niuta Titus Theater 1 del museo o de manera online para público internacional.

La exposición Wifredo Lam: When I Don’t Sleep, I Dream representa la retrospectiva más extensa sobre el artista en los Estados Unidos, con más de 130 obras — incluyendo pinturas, dibujos, libros ilustrados, cerámica y materiales de archivo — que recorren seis décadas de su carrera. Lam (1902–1982), conocido por fusionar influencias modernistas con tradiciones afrocubanas y simbolismos híbridos, buscó crear un lenguaje visual propio que desafió las estructuras coloniales y expandió los límites del arte moderno.

Gerardo Mosquera es un curador e historiador del arte con trayectoria internacional, cofundador de la Bienal de La Habana y con una amplia experiencia en proyectos curatoriales globales; Lowery Stokes Sims es una destacada curadora y académica estadounidense especializada en arte moderno y contemporáneo, con una carrera que incluye roles en importantes museos de Estados Unidos; y John Yau es poeta, crítico de arte y editor reconocido por su escritura sobre artistas y movimientos clave del siglo XX.

El MoMA ofrece así una oportunidad única para profundizar en la obra de Wifredo Lam, cuya producción artística ha sido valorada por su relevancia estética, política y cultural, trascendiendo fronteras geográficas y conceptuales.

Registros e información adicional sobre el evento y la exposición están disponibles a través de los canales oficiales del MoMA y sus redes sociales.

Tomas Kepets entrevistado por Eduardo Planchart Licea

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Editorial

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Tomas Kepets entrevistado por Eduardo Planchart Licea

Entrevista con Eduardo Planchart Licea – junio del 2016

“Fundé la galería hace 20 años, en 1996. La pasión por las artes plásticas venía progresando en mí mucho antes de esa fecha, esa pasión desembocó en la idea de pasar a ser una parte activa en el mundo del arte, el mundo de las galerías. La ilusión de tener una galería me venía rondando desde hacía tiempo y significaba un cambio trascendental en mí.”

Tomas Kepets, fundador de la Galería Medicci, entre los primeros pasos que dio para materializar el proyecto cultural y gerencial que deseaba realizar, seleccionó obras de artistas con lenguajes plásticos en expansión, para lo cual diseño un espacio expositivo en el cual el arte se mostraría y dignificaría sin interferencias visuales, con la peculiaridad de tener una amplia sala central y otra en forma de una amplia vitrina que llevó la dimensión estética a una de las calles más concurrida del este de Caracas. La galería, desde sus inicios, se destacó por el profesionalismo de su director, quien, como un conocedor y amante del arte, era consciente de su deseo de crear un espacio que fuera punto de referencia del arte nacional, y en función de esto logró mantener y acrecentar en el tiempo la calidad de las pinturas, dibujos, esculturas y ensamblajes expuestos.

En los momentos que ha existido físicamente, no solo ha sido solamente un espacio expositivo y de comercialización del arte, sino de encuentro entre artistas, intelectuales, coleccionistas y gente de la cultura. Era común escuchar en la galería los ingeniosos y poéticos usos de la palabra, que emitía el poeta y escritor José Pulido, o las risas del Maestro Asdrúbal Colmenárez que pasaban del chiste al abrupto comentario de estudioso y creador vanguardista. Entre estas conversaciones se mezclaba la voz de Tomas Kepets que siempre intervenía con la suspicacia y la ironía que lo caracteriza, convirtiendo así el espacio en un lugar amable donde el dialogo y las conversaciones de los diversos temas regionales y globales siempre terminaban vinculándose a la cultura.

Además de este diario ajetreo se dieron en cada oppening un encuentro del mundo artístico y noches inolvidables de conversatorios de artistas, coleccionistas y público con investigadores del arte. Era usual que cada domingo posterior a la inauguración de una exposición se presentara una tertulia donde el artista y un panel de críticos interactuaba con nutrido público, además anualmente se realizaron en la galería las reuniones de AICA, generándose interesantes ponencias y discusiones que con paciencia registraba el equipo humano y profesional que lo acompañó durante años en su labor. Así fue creando una memoria del arte registrada en diversos formatos pues tenía y tiene, aún hoy, clara conciencia de que dentro de las funciones del perfil de lo que consideraba debía ser una galería, no solo está el exponer, promocionar y comercializar obras de arte, sino dejar huella en la historia del arte de Venezuela. A través de sus numerosos catálogos y publicaciones donde se incorporaron investigadores e historiadores de la cultura tales como: Juan Carlos Palenzuela, Bélgica Rodríguez, Peran Erminy, Katherine Chacón, Eduardo Planchart, Eddy Reyes, Susana Benko, Carlos Maldonado entre otros, los cuales fueron editados con criterios integrales no solo con textos curatoriales, sino con entrevistas con reconocidos periodistas, biográficas artísticas completas e imágenes de las obras expuestas en cada una de las exposiciones.

Realizó a su vez la edición de libros como el de Iván Petrovszky, y las poesías de Oswaldo Vigas, como una vía de difundir la cultura evidenciando así la importancia que le da al registro y memoria de la dimensión artística. En este sentido se caracterizó por la innovación al grabar las entrevistas radiales que patrocinó durante años la galería en La Emisora Cultural de Caracas, que acostumbraba hacer con los artistas de mayor relevancia, al igual que una serie de video-entrevistas filmadas y editadas en la galería, registros que se convirtieron en referencias necesarias para el acercamiento de investigadores y aficionados al arte.

Es importante mencionar que durante los años que existió la Feria Iberoamericana del Arte (FIA) fue constante y significativo el “stand” de la Galería Medicci, caracterizado por la calidad de las obras que exponía en este espacio expositivo internacional que lamentablemente dejo de realizarse desde el 2015, debido a la crisis que ha llevado al país el actual régimen, al hacerle vivir uno de los momentos más aciagos de su historia política y económica. Actualmente la galería sigue presente en las diversas ferias internacionales en las cuales participa con artistas tales como: Manuel Mendive, Manuel Carbonell, Carlos Luna, Alejandro Mendoza, Oswaldo Vigas, Iván Petrovszky……

El éxito de una Galería se puede percibir, en la relación que se establece en la calidad de la inserción de obras entre el mundo del coleccionismo, lo cual es determinado por la calidad de lo expuesto por las galerías. Tomas Kepets era consciente de esta responsabilidad y por esto, más allá de imponer su estética, exponía obras de creadores que consideraba relevantes basándose en criterios lo más objetivo posible, como el haber recibido premios de importancia en la plástica, como son las premiaciones nacionales en los casos de Oswaldo Vigas, Luisa Richter, Miguel von Dangel y Manuel Quintana Castillo y que hubieran representado a Venezuela en muestras internacionales como la impactante serie de Luisa Richter en la Bienal de Venecia de 1978, o la de Miguel von Dangel en las misma Bienal en 1993. A su vez buscó la participación de creadores que tuvieran lenguajes plásticos que dejaran eco e influencias en las nuevas generaciones del arte venezolano, como lo es la obra del Maestro Oswaldo Vigas en los jóvenes artistas.

Gracias en parte a estos criterios, Galería Medicci se convirtió en un punto de referencia obligatorio en Venezuela para creadores, coleccionistas y público aficionado al arte desde el momento que abrió sus puertas. Los artistas que inauguraron con muestras individuales eran y son puntos de referencias en el mundo cultural actual, tal como es el caso de Onofre Frías con su tropical cromática con la exposiciones “ Flores del Alma”,1997; de Enrico Armas en “Del Color a la Intimidad”,1998, propuesta pictórica y escultórica que se caracteriza por la tensión entre la abstracción y la figuración; y Diego Barboza con “Enseres, Mitología de lo Cotidiano”, 1998 artista de la vanguardista que trascendió nuestras fronteras por lo que es percibido como un representante emblemático de la contemporaneidad y sus nuevas tendencias por investigadores del rango de Frank Popper. Este prestigioso historiador del arte refleja esto en su libro “La participación en el Arte, Acción y Participación”. El artista zuliano obtiene el Premio Nacional de Artes Plásticas en 1997, en él su trazo y pincelada mutan la dimensión estética de lo cotidiano, en una realidad plena de belleza al evidenciar la humanización y espiritualización de los espacios privados. Barboza fue puntual creador en Galería Medicci con varias exposiciones individuales. Las exposiciones de estos tres artistas muestran obras contundentes, caracterizadas por su expresividad y el manejo del color entre figuraciones arriesgadas, afirmándose, así como lenguajes emblemáticos de la plástica caribeña.

Esto enfrentó a Tomas Kepets al reto de continuar y profundizar esa línea artística y acercase a los lenguajes visuales que están haciendo historia en este país caribeño. Dichos criterios determinaron el éxito de estas muestras entre coleccionistas y el público al incorporar la Galería Medicci a artistas paradigmáticos y establecer una relación digna, honesta y asertiva con los artistas y coleccionistas, ganándose la confianza del mundo cultural. Así se fueron integrándose a sus espacios el Maestro Oswaldo Vigas, ganador del Premio Nacional de Artes Plásticas en 1952, cuyas obras han recorrido museos importantes de Europa y América, y han sido exitosas en subastas internacionales por expresar a través de su lenguaje plástico la esencia espiritual de un continente, tanto en su pintura como en su escultura. En su momento su figuración provocó una fuerte polémica que abrió la discusión entre la contemporaneidad en el arte Latinoamericano y las tendencias tradicionales del arte

A este selecto grupo se incorporó Luisa Richter, inmigrante alemana que llega a Venezuela en 1955, por el puerto de la Guaira a innovar el arte nacional con su inquietud, y vocación pedagógica con una formación en el informalismo y la abstracción expresionista de la Europa de posguerra, tendencias artísticas que eran censuradas en Alemania a principios de los cuarenta por impulsar la voluntad crítica y el espíritu cosmopolita, valores que negaban la ideología nacionalsocialista. Impactó Richter la plástica nacional desde su llegada y a los pocos años de haberse enraizado con su familia en Caracas y hacer de la pequeña Venecia su hogar, tiene su primera exposición individual en el Museo de Bellas Artes en 1967 y gana el Premio Nacional de Dibujo y Grabado en 1965 y el Premio Nacional de Artes Plásticas, en 1982.

De igual manera se suma a estos creadores Miguel von Dangel, polémico artista caracterizado por una obra que hace un uso de técnicas mixtas, de lo objetual, del ensamblaje junto a la pintura y el dibujo creando una obra y un pensamiento profundo y un lenguaje pleno de autenticidad. Obtuvo el Premio Nacional de Artes Plásticas en 1991, y ha demostrado a lo largo de su obra, madurez al crear su propia sintaxis visual, que creando una visión del trópico desde una perspectiva personal.

Siguiendo esta tendencia del arte que indaga en lo sagrado, se incluyó entre los artistas a Luis Alberto Hernández quien asume la creación con la rigurosidad de un eremita, reflejando en su obra la tensión que se da en el espíritu y la cultura, entre la luz y la tiniebla.

Otro representante paradigmático de estos espacios fue el pintor, dibujante y grabador Iván Petrovszky, inmigrante de origen húngaro, merecedor del Premio Nacional de Dibujo y Grabado en 1959, con una figuración sintética, plena de sosiego y armonías que transmiten al espectador los silencios del alma, con una línea precisa y a la vez inquietante como se evidencia en sus dibujos sobre papel periódico.

No menos significativa es también la representación del gran pintor venezolano Manuel Quintana Castillo cuya pintura constructivista recuerda la escuela del Sur, con una vitalidad y misticismo cromático que transmite climas de sacralidad a cada una de sus piezas, siéndole otorgado el Premio Nacional de Artes Plásticas, 1973.

Como un representante del arte experimental se encuentra Asdrúbal Colmenárez, radicado en Paris, Francia, de quien se realizaron varias exposiciones y un homenaje de una colectiva por su influencia en el arte nacional titulada “Re-invención”, 2010. Él le dio el toque de vanguardismo a esta la galería y es considerado dentro del ámbito de Venezuela y Latinoamérica como uno de los representantes por excelencia de las tendencias vanguardistas y experimentales de su obra. Creador de series plásticas que son parte de la historia cultural como son los alfabetos Polisensoriales, y los Psicomagneticos y creador de exposiciones que marcaron un hito en el arte contemporáneo de Venezuela como fue “Mare Nostrum”, 1993, la cual tuve el honor de ser el curador en el MACCSI bajo la dirección de Sofía Imber.

En esta tendencia del arte experimental tuvo otro exponente en la Medicci, el creador estadounidense Frank Hyder, caracterizado por uso de técnicas mixtas en sus series de rostros, y la pintura con materiales contemporáneos como es la resina sintética con que creo la serie Piscis, y a su vez dio gran aporte al lenguaje de la tropicalidad con series inspiradas en la flora y fauna selváticas y las culturas amazónicas.

En el año de 2014 y 2015 Kepets abrió la galería a obras de artistas reconocidos en Estados Unidos, el Caribe y Latinoamérica como el Maestro Manuel Mendive, el Cubano Americano Carlos Luna y del escultor Norteamericano Manuel Carbonell, así como los venezolanos radicados en Paris, Francia, Annette Turrillo y Karim Borjas. Son solo 20 años, definitivamente los primeros 20 años y estamos a la espera de los próximos 20 años que indudablemente serán aún mejores.

“Durante estos primeros 20 años Galería Medicci ha funcionado con un equipo compacto y eficiente, solo tres empleados de alta talla y entera confianza que desde el principio y a través de todo este tiempo me han acompañado en lo que al inicio pareció una aventura y terminó siendo una de las mayores motivaciones de toda una vida.”

Tomas Kepets

Entrevista con Eduardo Planchart Licea – junio del 2016

EDUARDO PLANCHART LICEA

Nace en México en el año 1954. Se gradúa en Filosofía en Universidad Central de Venezuela y obtiene su Maestría en Filosofía en la Universidad Simón Bolívar. Viaja a México y obtiene el Doctorado en Historia del Arte Latinoamericano en la Universidad Nacional Autónoma de México. Cursó también algunos estudios de Ecología Cultural y Medicina. Ha sido docente del Instituto Universitario Superior de Artes Plásticas Armando Reverón, Universidad Central de Venezuela, Universidad Metropolitana y la Universidad Nueva Esparta. Coordinador editorial en numerosas publicaciones, ha trabajado en investigación de diversos proyectos de carácter cultural e histórico. Curador en el Museo de Arte Contemporáneo de Caracas en las exposiciones individuales de Oswaldo Vigas, Asdrúbal Colmenárez, Antonio Lazo, Gaudí Esté, Jorge Salas y Marius Snajderman.

Ha sido curador y crítico en numerosas exposiciones y en galerías privadas. Trabajó en la producción de documentales y eventos fotográficos de índole cultural y antropológico. Ha publicado 20 libros sobre temas histórico-culturales. En la actualidad está por publicar la novela “El mago de la niebla” inspirada en la vida y obra de Juan Félix Sánchez. Es frecuente articulista en diarios y revistas culturales

Source: https://www.medicci.com/es/noticias-de-arte/435-tomas-kepets-entrevista-por-eduardo-planchart-licea

Comprehensive Guide to Artist Materials and Methods: A Modern Educational Resource

Por

Editorial

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Comprehensive Guide to Artist Materials and Methods: A Modern Educational Resource

Introduction

For artists seeking to master the technical foundations of their craft, understanding materials and methods is essential. A comprehensive instructional series has emerged as a modern equivalent to the classic “Artist’s Handbook,” offering detailed instruction on surfaces, tools, and materials used in contemporary art making. This educational resource breaks down complex technical processes into three distinct volumes, each focusing on crucial aspects of artistic practice.

Volume 1: Surfaces and Grounds

The first volume addresses the fundamental question of surface preparation, covering everything from traditional canvas to unconventional supports. According to the materials covered, artists learn proper preparation techniques and creative texturing methods for diverse surfaces.

Canvas Preparation

The instructional content includes step-by-step demonstrations on several canvas-related techniques:

Stretching paper for painting
Applying canvas to stretcher bars
Adhering canvas to wooden supports

Alternative Surfaces

Beyond traditional canvas, the volume explores numerous surface options including:

Wood panels and their proper preparation
Metal surfaces
Layered constructs
Custom-cut panels
Engraved surfaces
Inlaid constructs
Paper substrates
Illustration board

Complex Formats

The instruction covers creating diptychs (two-panel works) and triptychs (three-panel works), addressing the unique considerations these formats require.

Volume 2: Brushes and Tools

This volume provides an extensive examination of the implements artists use to create their work, covering both conventional and specialized equipment.

Brush Selection and Care

Practical concerns addressed include traditional brush types and their applications, custom brush options, proper brush washing techniques, and brush maintenance for longevity.

Studio Equipment

Various tools and equipment are investigated, helping artists understand which tools produce specific textures, appropriate palette selection, and studio equipment essentials. The comprehensive approach ensures artists can make informed decisions based on their individual artistic requirements and working methods.

Volume 3: Pigments, Mediums, and Varnishes

This volume deconstructs the chemical and physical properties of painting materials, providing clarity on products that often confuse beginning and intermediate artists.

Painting Pigments

The instructional material covers pigments across multiple binders: oil-based pigments, water-based pigments, and pigment characteristics and properties.

Mediums and Additives

Artists learn about the various substances that modify paint behavior, including different medium types and their effects, additives and their specific functions, and how mediums interact with different pigment types.

Varnishing Techniques

Proper finishing techniques receive detailed attention, including varnish types and their applications, correct varnishing procedures, and when and how to apply protective coatings.

Educational Purpose and Approach

This instructional series serves as an educational resource designed specifically for contemporary artists. Unlike historical manuals that may contain outdated information or materials no longer in common use, this modern approach addresses current materials and techniques while maintaining rigorous technical standards.

The comprehensive nature of the series—covering surfaces, tools, and materials in separate volumes—allows artists to focus on specific areas of interest or work through the entire curriculum systematically. The demonstrations and explanations offer accessible ways to understand complex technical processes.

Conclusion

Understanding materials and methods forms the foundation of skilled artistic practice. This three-volume series provides contemporary artists with the technical knowledge needed to make informed decisions about surfaces, tools, and materials. From surface preparation to final varnishing, the comprehensive coverage ensures artists at various skill levels can develop or refine their technical proficiency.

Whether an artist works in traditional formats or explores unconventional approaches, this educational resource offers practical guidance grounded in demonstrated techniques. By demystifying the technical aspects of art making—from why certain mediums behave as they do to how different surfaces accept paint—the series empowers artists to work with confidence and intention.

Note: This article is based on the descriptive information provided about the instructional series. For specific techniques, measurements, or detailed procedures, artists should consult the actual content directly.

Art Material Brands

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Editorial

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Art Supply Brands

3M
A. Gallo
Acrylicos Vallejo
Akashiya
Akua
Ampersand
Amsterdam
Aqua Art
Ara
Arcare
Arches
Aristo
Arta
Art-K
Arteina
Artfix
Artograph
Artools
Art Pakk
Art Spectrum
Atelier
Awagami Factory
Baohong
Belle Arti
BFK Rives
B.I.G. Etching Ground
Big Squeeze
Biyomap
Blockx
Blue Earth
Bob Ross
Bockingford
Borciani e Bonazzi
Bostik
Bristle Magic
Brush and Pencil
Brush Flush
Brusho
Bruynzeel
Canaletto
Canson
Cappelletto
Caran d’Ache
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Charbonnel
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Chris Daunt
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Clairefontaine
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Cloverleaf
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Cranfield
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Crescent
Cretacolor
CWR
Da Vinci
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Daniel Smith
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Derivan
Derwent
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Dr. Ph. Martin’s
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Faber-Castell
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Fleur
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Fome
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Fredrix
Frisket Film
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Giotto
Golden
Goldline
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Hahnemühle
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Handover
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Hightide
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Isabey
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Jacquard
Jakar
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Jullian
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Khadi
Kiss-Off
Kleenedge
Kiwo
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Korn’s
Kremer
Krylon
KUM
Kuretake
Lambeth
Lascaux
Lawrence
Lefranc Bourgeois
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Leuchtturm1917
Lion
Liquitex
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Logan
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Lyra
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Maimeri
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Manetti
Manuscript
Mapac
Marabu
Masters
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Matisse
Maximair
Michael Harding
Mijello
Milan
Millford
Milliput
Mod Podge
Moleskine
Molotow
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Mount Vision
Multimedia Artboard
Mylar
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Natural Earth Paint
New Wave
Nitram
Norfolk
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Omega
One Shot
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Peg and Awl
Pelikan
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Permaset
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Pilot
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Pith
Plaster Cast
Pooki Press
Portable Painter
Posca
Princeton
Pro Arte
R&F
Raphaël
Rapid
Rembrandt
Renaissance Workshop Materials
Revere Platinum
RGM
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Rosemary & Co
Rotring
Royal & Langnickel
Royal Talens
Royal Watercolour Society
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Sekisui
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Sharpie
ShinHan
Shiva
Silver Brush
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Slama
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Somerset
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Spectrum Noir
Speedball
Stabilo
Staedtler
Stanley
St Cuthberts Mill
Stillman & Birn
Stonehenge
Strathmore
Studio Designs
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Surrey
Swann Morton
System3
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Terry Ludwig Pastels
Tervakoski
The Masters
Tintoretto
Tombow
Tom Norton
TotalCast
Toucan
Traveler’s Company
Tri-Art
True Grain
TubeWringer
Turner Colour Works
UART
UHU
Uni-Ball
Union
Unison Colour
Van Gogh
Viarco ArtGraf
Vistaplan
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Weber
West
William Mitchell Calligraphy
Williamsburg
Willow Wolfe
Winsor & Newton
Woodzilla
Wolff’s
ystudio
Yupo
Zecchi
Zieler

Regina Durante Jestrow: Solo Show – Curious Geometries – Miami International Airport

Por

Editorial

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Regina Durante Jestrow: Solo Show – Curious Geometries – Miami International Airport

Between Tradition and Innovation: Regina Durante Jestrow’s “Curious Geometries” at Miami International Airport

Miami International Airport – Gate D31 – 2100 Northwest 42nd Avenue Miami, FL, 33142 United States

A Textile Exhibition in Transit Space

Running from September 18, 2025, through March 9, 2026, at Miami International Airport’s Gates D31 Gallery, Curious Geometries transforms a liminal space of perpetual motion into an unexpected site of contemplation. Regina Durante Jestrow’s exhibition of large-scale sewn and quilted artworks occupies Concourse D, post-security—a location that positions art within the daily flow of thousands of travelers. This institutional choice by MIA Galleries proves remarkably astute, as Jestrow’s work speaks directly to themes of movement, layering, and the collision of cultural narratives that airports inherently embody.

The Quilting Continuum: Craft, Activism, and Contemporary Practice

Jestrow’s artistic lineage is both deeply rooted and deliberately progressive. Her work exists in conversation with the legendary Gee’s Bend quilters, whose improvisational geometric compositions have been recognized as significant contributions to American abstract art. The influence of mid-twentieth-century textile innovator Anni Albers—who elevated weaving to the realm of fine art at the Bauhaus and Black Mountain College—resonates in Jestrow’s commitment to material experimentation and structural rigor. Additionally, the artist acknowledges Rosie Lee Tompkins, whose explosive color sensibility and spiritual intensity redefined contemporary quilting, and Venezuelan sculptor Gego, whose linear abstractions in metal share surprising kinship with Jestrow’s sewn geometries.

This constellation of influences positions Jestrow within a crucial lineage of artists who have challenged hierarchies separating craft from fine art, domestic labor from intellectual production, and feminine traditions from the masculine-dominated canon of geometric abstraction.

Material Culture and Urban Ecology

What distinguishes Curious Geometries from purely formal exercises in pattern-making is Jestrow’s profound engagement with material culture and place-specificity. The artist sources repurposed fabrics from throughout Miami, including—in a gesture both practical and conceptually resonant—from Miami International Airport’s Interior Design Department itself. This self-referential loop transforms the exhibition site into both venue and collaborator, as materials that once functioned within the airport’s infrastructure return as art objects for contemplation.

The Italian-American artist, who relocated to Miami from Queens, New York, demonstrates a sophisticated understanding of her adopted city’s layered ecologies and multicultural textures. Her vibrant color palettes—described as tropical and bold—reflect Miami’s specific light, architecture, and cultural vibrancy. The incorporation of unconventional materials including repurposed neoprene, sequins, and faux leather offers what the artist describes as “part homage to Miami’s pop culture pulse, part playful experimentation with texture and shine.”

Technical Innovation and Improvisational Precision

Jestrow’s technical methodology merges precision with improvisation, structure with spontaneity. She constructs her textile-based works by stitching together long fabric strips and hundreds of triangles, employing repetition as both formal strategy and meditative practice. Her process incorporates hand-dyeing techniques using natural and reactive dyes, inks, and acrylics, creating richly varied surfaces that carry both personal and cultural resonance.

The exhibition includes stretched compositions—works pulled taut across canvas stretchers that read as paintings from a distance—and free-form art quilts that hang with the fluid dimensionality inherent to unstretched fabric. This format variation creates visual dialogue between containment and freedom, between the pictorial tradition of stretched canvas and the sculptural qualities of textile arts.

Aerial Perspectives and Pattern as Place

One of the exhibition’s most compelling conceptual dimensions emerges in the relationship between Jestrow’s geometric patterns and aerial views. For travelers moving through an airport—people who will soon view cities and landscapes from above—the works offer patterns that “mimic aerial views,” transforming abstract geometry into cartographic suggestion. The irregular, organic relationships between geometry and gesture that characterize the series evoke both urban grids and natural formations, the planned and the spontaneous, the mapped and the wild.

This tension between structure and flow runs throughout the exhibition. Jestrow’s compositions pulse with energy, their accumulations and repetitions creating rhythm that echoes both urban patterns and natural systems. The artist’s statement that her work explores “the irregular, organic, and often playful relationships between geometry and gesture” proves evident in pieces that refuse the rigidity of pure geometric abstraction while maintaining clear structural intelligence.

Activist Traditions and Contemporary Concerns

Jestrow’s practice engages seriously with the activist values that historically shaped quilt-making traditions. From abolitionist-era quilts that may have served as Underground Railroad signals to the AIDS Memorial Quilt that transformed collective grief into public testimony, quilting has functioned as a medium for social commentary and community building. The artist’s incorporation of thrift shop finds and repurposed clothing addresses contemporary concerns about textile waste—an industry responsible for massive environmental impact.

Her artistic exploration is explicitly rooted in women’s rights and history, acknowledging the generations of women whose creative labor in textile arts was dismissed as mere craft or domestic necessity. By exhibiting large-scale textile works in a major public art venue, Jestrow participates in the ongoing project of validating women’s creative traditions within institutional contexts historically reserved for painting and sculpture.

The Exhibition in Context: Public Art and the Traveling Audience

MIA Galleries’ presentation of Curious Geometries at Gate D31 represents a sophisticated understanding of airport art programming. Unlike static museum audiences who choose to engage with specific exhibitions, airport viewers encounter art during transitional moments—often stressed, distracted, or preoccupied with travel logistics. Jestrow’s work proves ideally suited to this context: visually arresting enough to capture attention amid environmental chaos, yet layered with sufficient complexity to reward sustained contemplation for those with time before boarding.

The exhibition includes more than a dozen pieces, most created in 2025, combined with selected earlier works from 2020-2022. This chronological range allows viewers to perceive Jestrow’s evolving relationship with patterns, textures, colors, and shapes—her consistent interrogation of geometry rendered “always curious,” as exhibition materials note.

Career Trajectory and Institutional Recognition

Born in 1978, Jestrow has built an impressive exhibition record that demonstrates growing institutional recognition of her work. Recent solo projects include “Everything Mixing Always” at Baker-Hall (2025) and “Lots of Little Pieces (aka My Favorite Color is Glitter)” at Miami-Dade College Kendall Gallery (2025). Her work has entered significant public and private collections including the Beth Rudin DeWoody Collection, the Miami-Dade County Department of Cultural Affairs, and Miami International Airport’s MIA Galleries.

The artist has received numerous grants and awards, including the South Florida Cultural Consortium award (2023), multiple Miami Individual Artists (MIA) Grants (2022-2025), The Ellies Visual Arts Award from Oolite Arts (2021), and Artist Access Grants from Miami-Dade County and FUNdarte (2021-2025). Her residencies at The Sam and Adele Golden Foundation (2024), The Jentel Foundation (2022), and as Artist in Residence in the Everglades (2014) have provided crucial time and space for experimentation and development.

Fiber as Paint, Pattern as Narration

The exhibition materials note that in Curious Geometries, “fiber mimics paint”—a crucial observation about Jestrow’s relationship to art historical traditions. Her stretched compositions employ textile techniques to achieve effects associated with painting: color field interactions, compositional balance, gestural energy. Yet the works simultaneously assert their textile identity through visible stitching, fabric texture, and dimensional layering impossible in traditional painting.

This productive ambiguity—the way Jestrow’s works oscillate between categories—enacts the exhibition’s stated goal of spaces “where the boundaries between craft and fine art quietly unravel.” The qualifier “quietly” proves significant; this is not aggressive boundary-dissolution but rather a gentle, confident assertion that such boundaries need not exist, that quilting can operate as fully within the realm of contemporary abstract art as any painted canvas.

Conclusion: Contemplation in Transit

Curious Geometries succeeds on multiple registers: as formal investigation of geometric abstraction, as engagement with textile traditions and innovations, as site-specific response to Miami’s cultural ecology, and as intervention in the utilitarian space of airport infrastructure. For the hurried traveler, the works offer moments of visual pleasure and unexpected pause. For those with time to contemplate, they reveal sophisticated material intelligence, historical consciousness, and conceptual depth.

Regina Durante Jestrow’s exhibition demonstrates that quilting—often dismissed as domestic craft—can carry the full weight of contemporary art discourse while maintaining connections to activist traditions and community practices. In an airport, a space defined by departures and arrivals, her works create what the exhibition description aptly terms “a site of contemplation and curiosity”—a space where pattern and material collide with memory, where personal and collective histories accumulate into something both structurally rigorous and emotionally resonant.

As fiber mimics paint and handmade patterns suggest aerial views, Jestrow’s Curious Geometries invites us to reconsider both what quilting can be and where serious contemporary art can meaningfully exist. The answer, it turns out, might just be Gate D31, Concourse D, where travelers pause between destinations and discover that the boundaries we draw around art forms are as permeable and improvisational as Jestrow’s vibrant geometric compositions.

KAREN RIFAS: paper. color. lines.

Por

Editorial

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KAREN RIFAS: paper. color. lines.

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OPENING RECEPTION

Friday, February 6, 2026 | 5-9pm

LnS Gallery is delighted to present paper. color. lines, an exhibition of acrylic on paper paintings produced by Karen Rifas over a decade of persistence, charting a sustained investigation into geometry, structure, and color.
Paper, a medium that admits no erasure or disguise, has long been associated with material honesty, a quality that allows Rifas to use this arena as a site of investigation rather than a preparatory space. Utilizing chromatic tension, shifting scales and a keen sense of balance, Rifas composes complete works of art within a draftsman’s arena, where the white space of the paper is animated, or subdued, by it’s kaleidoscopic counterparts.
Join us for an opening reception Friday, February 6, 2026, from 5:00 to 9:00pm in the presence of the artist. Refreshments will be served. Please feel free to contact the gallery for further inquiry.

Known for a bold body of work centered on studies of geometry, form, & color, Karen Rifas (b. 1942, Chicago, IL) brings contemplative works to her viewers that question the delicate balance between the made & the discovered. Informed by her surroundings, Rifas has documented the constant flux of Miami (among other destinations of inspiration) through a visual language backed by mathematical precision finished with unexpected palettes that evoke a sense of serenity. In the words of the artist, “My work serves as an illusion for a delusional era. In a world overwhelmed by noise… I find refuge in a surreal yet structured realm of color, line, and form.”

Rifas received a BFA and MFA from the University of Miami (1985, 1987 respectively) and steadily made her mark on the national & international art scenes, having consistently exhibited across both from the late 1980’s onward. From solo & group exhibitions, public art projects, and distinguished collections alike, Rifas has accumulated an extensive curriculum.

Notable solo exhibitions include Defining Spaces: Selections from the Karen Rifas Papers, in 2019 (Dimensions Variable, Miami, FL) To Weave a Threshold, and Miami to Maine, in 2022 and 2025 (Emerson Dorsch Gallery, Miami, FL). Parallelly, she has exhibited in group exhibitions such as Artful Books, in 2021 (curated by Barbara Young at the Museum of Art and Sciences, Daytona Beach, FL) At the Edge, (Oolite Arts, Miami Beach, FL) and In the Company of Women: At Large, (LnS Gallery, Miami, FL) both in 2022.

Recent achievements include participation in the Oolite Arts Home + Away Residency at Mass MoCA (North Adams, MA), the Artist-in-Residence Program at the Deering Estate (Cutler Bay, FL), as well as receiving an Ellies Creator Award, and a commission for the Miami Dade Civil & Probate Courthouse titled “Building Blocks of Color,” by way of the Art In Public Places Initiative of Miami, FL (all 2025). Additionally, she received the prestigious Michael Richards Lifetime Achievement Award presented by Oolite Arts in 2019. Her work will also be featured with prominent placement in the upcoming publications, “That’s the Way I See it,” – an exploration on Miami’s public art by Robin Hill, and “Miami Art Boom,” an deep dive into the transition of Miami’s local vision to international presence by Elisa Turner.

Karen Rifas’s work resides in the permanent collections of The Bass Museum of Art (Miami Beach, FL), Perez Art Museum, Miami (Miami, FL), Museum of Contemporary Art (North Miami, FL), NSU Art Museum (Ft. Lauderdale, FL), and Museo de Arte de Ponce (Ponce, Puerto Rico).

LnS GALLERY
2610 SW 28th Lane, Miami FL 33133
305 781 6164
[email protected]
WWW.LNSGALLERY.COM

HOURS
Tuesday-Friday 11:00am-6:00pm
Saturday 12:00-5:00pm
Sunday and Monday by appointment

Artists

Por

Editorial

-

Es inspirador ver cómo el panorama del arte en Estados Unidos se está transformando, con la presencia de tantos curadores afroamericanos influyendo en las principales ferias y exposiciones. Cada uno de ellos trae una perspectiva única y está dejando una huella significativa en el mundo del arte. Aquí hay algo sobre cada uno:

Allison Glenn

Allison Glenn tiene una habilidad especial para desenterrar conexiones sutiles entre obras de arte que, a primera vista, podrían parecer dispares. Su curaduría a menudo revela narrativas ocultas y entrelaza piezas para crear una experiencia más rica y sorprendente para el espectador. Piensa en cómo su enfoque en el arte contemporáneo desafía las expectativas y abre nuevas conversaciones sobre la creatividad actual.

Yolanda Wisher

Yolanda Wisher, con su profundo conocimiento del arte de la palabra hablada, está redefiniendo cómo interactuamos con la poesía en el espacio museístico. Su trabajo en Philadelphia Contemporary es un recordatorio de que el arte no solo se mira, sino que se escucha y se vive, creando puentes entre la literatura, la performance y las artes visuales de una manera innovadora.

Adrienne Edwards

Adrienne Edwards es una visionaria en el campo del arte de la performance. Su trabajo en el Whitney Museum va más allá de la simple exhibición, buscando la intersección entre el cuerpo, el espacio y el tiempo. Ella tiene una capacidad única para transformar la galería en un escenario vivo, donde cada movimiento y cada sonido son una parte esencial de la experiencia artística.

Yesomi Umolu

Yesomi Umolu aporta una perspectiva global y una aguda sensibilidad espacial a la Bienal de Arquitectura de Chicago. Su trasfondo en diseño arquitectónico le permite curar exposiciones que no solo muestran edificios, sino que exploran cómo el entorno construido moldea nuestras vidas y percepciones, tejiendo narrativas complejas a través del espacio.

Erin J. Gilbert

Erin J. Gilbert está construyendo un puente hacia el pasado y el futuro a través de su trabajo en los Archivos de Arte Americano. Su misión de expandir la colección de manuscritos afroamericanos es fundamental para asegurar que las voces históricas de estos artistas no solo sean recordadas, sino que sigan inspirando a las generaciones venideras.

Rayna Andrews

Rayna Andrews, como archivista, es la guardiana silenciosa del legado. Su meticuloso trabajo de organización y catalogación no solo preserva la historia, sino que la hace accesible, permitiendo que las historias y obras de artistas afroamericanos emerjan con claridad y profundidad para académicos y el público en general.

Brittany Webb

Brittany Webb tiene la importante tarea de dar nueva vida al legado de John Rhoden. No solo está catalogando y exhibiendo su obra, sino que está creando un marco para que la escultura de Rhoden sea vista y comprendida por una audiencia más amplia, asegurando que su impacto resuene en el panorama artístico.

Zoé Whitley

Zoé Whitley es una curadora con una visión aguda para el arte internacional. Su papel en el Pabellón Británico de la Bienal de Venecia demuestra su capacidad para dar voz a artistas que desafían las convenciones y para presentar obras que invitan a una profunda reflexión sobre las identidades culturales y las narrativas globales en el arte contemporáneo.

Naima J. Keith

Naima J. Keith posee una habilidad innata para identificar y nutrir el talento emergente. Su doble rol en Prospect New Orleans y Expo Chicago subraya su compromiso con la vanguardia del arte, creando plataformas cruciales para que artistas y galerías incipientes muestren su visión y encuentren su lugar en el diálogo artístico global.

Diana Nawi

Diana Nawi, como co-curadora de Prospect New Orleans, se distingue por su enfoque innovador en exposiciones que trascienden los límites tradicionales del museo. Su trabajo a menudo invita a los artistas a interactuar con el paisaje urbano y social, convirtiendo la ciudad misma en una galería dinámica y en constante evolución.

Elvira Dyangani Ose

Elvira Dyangani Ose es una fuerza impulsora en The Showroom, empujando los límites de lo que el arte puede ser y hacer. Su liderazgo se centra en comisionar obras y programas que no solo exhiben talento, sino que también desafían las convenciones y fomentan una plataforma vibrante para el arte experimental y comprometido.

Juana Williams

Juana Williams es una curadora con una profunda conexión con la historia del arte y una visión fresca para el arte contemporáneo. Su trabajo en el Urban Institute for Contemporary Art promete traer exposiciones que no solo cautiven visualmente, sino que también enriquezcan nuestra comprensión de las contribuciones históricas y actuales de artistas.

Vera Grant

Vera Grant tiene una habilidad particular para entrelazar el arte moderno y contemporáneo con ricas narrativas culturales, especialmente las africanas y afroamericanas. En el Museo de Arte de la Universidad de Michigan, su liderazgo curatorial está forjando un espacio donde el arte dialoga con la historia, la identidad y la experiencia humana de manera profunda.

Kristina Newman-Scott

Kristina Newman-Scott es una líder en el campo de las artes que cree en el poder transformador de la cultura. Su dirección en BRIC, una organización que ofrece una vasta programación cultural gratuita, refleja su compromiso con la accesibilidad y la diversidad, llevando el arte a la comunidad de Brooklyn de una manera vibrante y multifacética.

Kelli Morgan

Kelli Morgan es una voz crítica en el estudio del arte americano, con una especialización en la historia de la raza. Su curaduría no solo presenta obras, sino que las contextualiza dentro de marcos históricos y sociales complejos, invitando a una relectura y un análisis más profundo de las narraciones visuales y sus implicaciones.

Ndubuisi C. Ezeluomba

Ndubuisi C. Ezeluomba aporta una perspectiva única y arraigada al arte africano, siendo originario de Benin City. Su profundo conocimiento de las tradiciones y la historia del continente le permite curar exposiciones en el Museo de Arte de Nueva Orleans que no solo muestran la belleza del arte africano, sino que también desvelan sus significados culturales y espirituales.

Jamillah James

Jamillah James tiene un ojo agudo para el arte emergente y desafiante, y su co-curaduría de la Trienal del New Museum es una prueba de ello. Su trabajo se enfoca en dar visibilidad a voces frescas y globales, construyendo un diálogo vital sobre las direcciones futuras del arte contemporáneo y sus ramificaciones culturales.

Margot Norton

Margot Norton, como co-curadora de la Trienal del New Museum, se distingue por su capacidad para identificar tendencias y artistas que están empujando los límites del arte contemporáneo a escala global. Su visión contribuye a crear una plataforma internacional que celebra la experimentación y el diálogo cultural.

V. Mitch McEwen

V. Mitch McEwen, con su doble rol como curadora de IdeasCity y profesora de arquitectura, teje el arte, el diseño y las ciudades en una conversación dinámica. Su enfoque en el futuro de los entornos urbanos, con la cultura como fuerza motriz, demuestra cómo el arte puede ser una herramienta para imaginar y construir realidades más inclusivas y sostenibles.

Larry Ossei-Mensah

Larry Ossei-Mensah es un curador que entiende el arte como una experiencia multidisciplinar. En el Museo de Arte Contemporáneo de Detroit, su enfoque expansivo busca entrelazar exposiciones, eventos en vivo y publicaciones, creando un ecosistema vibrante donde el arte no solo se exhibe, sino que se vive y se comparte con una comunidad diversa de creativos.

Legacy Russell

Legacy Russell es una curadora y escritora cuya obra se sumerge en las intersecciones de género, performance y nuevos medios. En el Studio Museum de Harlem, su visión explora cómo las narrativas digitales y las identidades fluidas están redefiniendo el arte contemporáneo, ofreciendo una perspectiva fresca y a menudo subversiva.

Akili Tommasino

Akili Tommasino, con su retorno al Museo de Bellas Artes de Boston en un nuevo rol, no solo aporta un conocimiento profundo del arte moderno y contemporáneo, sino también un compromiso con la diversidad y la inclusión. Su iniciativa para exponer a estudiantes de color al mundo del arte es un testimonio de su visión de un campo más equitativo y accesible.

Naomi Beckwith

Naomi Beckwith es una curadora con una capacidad excepcional para organizar exposiciones que no solo son visualmente impactantes, sino también profundamente resonantes en términos de contenido social y cultural. Su trabajo en el Museo de Arte Contemporáneo de Chicago, abordando temas complejos como la experiencia afroamericana, demuestra su compromiso con el arte como un vehículo para el diálogo y la reflexión.

N’Goné Fall

N’Goné Fall, como comisaria general de Season Africa 2020, es una figura central en la promoción de la cultura africana a nivel global. Su ambiciosa iniciativa busca presentar una visión del mundo desde la perspectiva africana, abarcando todas las disciplinas creativas y mostrando el dinamismo y la innovación del continente.

Jade Powers

Jade Powers está forjando un camino con un enfoque en la documentación y la interpretación del arte, especialmente de artistas afroamericanos. Su trabajo en el Kemper Museum, y previamente en el Saint Louis Art Museum, demuestra una dedicación a desvelar y contextualizar obras que enriquecen la narrativa del arte contemporáneo.

Lauren Haynes

Lauren Haynes es una curadora influyente que ha demostrado una profunda capacidad para organizar exposiciones significativas que exploran la identidad y el poder cultural. Su papel en el Armory Show y en el Crystal Bridges Museum destaca su compromiso con la curaduría de arte contemporáneo que resuena con audiencias diversas.

Hamza Walker

Hamza Walker es conocido por su pensamiento incisivo y su habilidad para fomentar el diálogo interdisciplinario en el arte. Su rol en Frieze Los Ángeles, uniendo conversaciones y música, subraya su interés en la experimentación y en cómo las diferentes formas de expresión pueden converger para crear experiencias artísticas enriquecedoras.

Linda Harrison

Linda Harrison es una líder visionaria que está transformando el Museo de Newark, enfocándose en la diversificación y la inclusión. Su dirección refleja un compromiso con hacer que el museo sea un espacio más representativo y accesible, impulsando iniciativas que celebran una gama más amplia de voces y narrativas artísticas.

Franklin Sirmans

Franklin Sirmans, como director del Pérez Art Museum Miami y curador de una sección especial en Frieze New York, es un defensor de las plataformas que han dado voz a artistas de color. Su tributo a Just Above Midtown demuestra un compromiso con reconocer y recontextualizar legados importantes en la historia del arte afroamericano, asegurando que su impacto perdure.

Adrienne Edwards

Adrienne Edwards es una visionaria en el campo del arte de la performance. Su trabajo en el Whitney Museum va más allá de la simple exhibición, buscando la intersección entre el cuerpo, el espacio y el tiempo. Ella tiene una capacidad única para transformar la galería en un escenario vivo, donde cada movimiento y cada sonido son una parte esencial de la experiencia artística.

Akili Tommasino

Akili Tommasino, con su retorno al Museo de Bellas Artes de Boston en un nuevo rol, no solo aporta un conocimiento profundo del arte moderno y contemporáneo, sino también un compromiso con la diversidad y la inclusión. Su iniciativa para exponer a estudiantes de color al mundo del arte es un testimonio de su visión de un campo más equitativo y accesible.

Alexander Calder

Con Alexander Calder, el arte cinético encontró su expresión más lúdica y poética en los móviles que le hicieron famoso en todo el mundo. Sus móviles son composiciones delicadas de placas de metal y alambre, suspendidas y perfectamente equilibradas, que danzan con la más mínima brisa, haciendo que el arte respire y cambie constantemente.

Allison Glenn

Allison Glenn tiene una habilidad especial para desenterrar conexiones sutiles entre obras de arte que, a primera vista, podrían parecer dispares. Su curaduría a menudo revela narrativas ocultas y entrelaza piezas para crear una experiencia más rica y sorprendente para el espectador. Piensa en cómo su enfoque en el arte contemporáneo desafía las expectativas y abre nuevas conversaciones sobre la creatividad actual.

Brittany Webb

Brittany Webb tiene la importante tarea de dar nueva vida al legado de John Rhoden. No solo está catalogando y exhibiendo su obra, sino que está creando un marco para que la escultura de Rhoden sea vista y comprendida por una audiencia más amplia, asegurando que su impacto resuene en el panorama artístico.

Carlos Cruz-Diez

El venezolano Carlos Cruz-Diez dedicó su vida a investigar el color como un fenómeno autónomo y en constante cambio. Sus famosas Fisiocromías crean una infinidad de gamas cromáticas que solo se revelan al moverse el espectador, haciendo sentir el color como una entidad viva y dinámica.

Courtney J. Martin

Courtney J. Martin se distingue por su enfoque en la instalación site-specific y el apoyo a artistas emergentes a través de plataformas como el Frieze Artist Award. Su trabajo en la Dia Art Foundation refleja una profunda comprensión de cómo el arte interactúa con el espacio y cómo se puede fomentar la experimentación contemporánea.

Diana Nawi

Diana Nawi, como co-curadora de Prospect New Orleans, se distingue por su enfoque innovador en exposiciones que trascienden los límites tradicionales del museo. Su trabajo a menudo invita a los artistas a interactuar con el paisaje urbano y social, convirtiendo la ciudad misma en una galería dinámica y en constante evolución.

Elias Crespin

El artista venezolano Elías Crespín lleva el legado cinético a la era digital con sus esculturas móviles motorizadas. Sus obras, compuestas por elementos ligeros controlados por motores programados, coreografían movimientos complejos que se disuelven y reconstituyen en el espacio, demostrando cómo la tecnología puede expandir los límites del arte cinético.

Elvira Dyangani Ose

Elvira Dyangani Ose es una fuerza impulsora en The Showroom, empujando los límites de lo que el arte puede ser y hacer. Su liderazgo se centra en comisionar obras y programas que no solo exhiben talento, sino que también desafían las convenciones y fomentan una plataforma vibrante para el arte experimental y comprometido.

Erin J. Gilbert

Erin J. Gilbert está construyendo un puente hacia el pasado y el futuro a través de su trabajo en los Archivos de Arte Americano. Su misión de expandir la colección de manuscritos afroamericanos es fundamental para asegurar que las voces históricas de estos artistas no solo sean recordadas, sino que sigan inspirando a las generaciones venideras.

Franklin Sirmans

Franklin Sirmans, como director del Pérez Art Museum Miami y curador de una sección especial en Frieze New York, es un defensor de las plataformas que han dado voz a artistas de color. Su tributo a Just Above Midtown demuestra un compromiso con reconocer y recontextualizar legados importantes en la historia del arte afroamericano, asegurando que su impacto perdure.

Hamza Walker

Hamza Walker es conocido por su pensamiento incisivo y su habilidad para fomentar el diálogo interdisciplinario en el arte. Su rol en Frieze Los Ángeles, uniendo conversaciones y música, subraya su interés en la experimentación y en cómo las diferentes formas de expresión pueden converger para crear experiencias artísticas enriquecedoras

Jade Powers

Jade Powers está forjando un camino con un enfoque en la documentación y la interpretación del arte, especialmente de artistas afroamericanos. Su trabajo en el Kemper Museum y el Saint Louis Art Museum demuestra una dedicación a desvelar y contextualizar obras que enriquecen la narrativa del arte contemporáneo.

Jamillah James

Jamillah James tiene un ojo agudo para el arte emergente y desafiante, y su co-curaduría de la Trienal del New Museum es una prueba de ello. Su trabajo se enfoca en dar visibilidad a voces frescas y globales, construyendo un diálogo vital sobre las direcciones futuras del arte contemporáneo y sus ramificaciones culturales.

Jean Tinguely

Si Gabo buscaba la elegancia del movimiento y Calder su poesía, Jean Tinguely exploraba el lado ruidoso, caótico y a menudo absurdo de la maquinaria. Sus esculturas cinéticas son ingeniosos ensamblajes de chatarra que producen movimientos erráticos y sonidos chirriantes, satirizando y celebrando al mismo tiempo la tecnología.

Jesús Rafael Soto

Otro gigante venezolano, Jesús Rafael Soto, es célebre por sus Penetrables e Integraciones. Sus obras exploran la relación entre el espectador, la obra y el espacio utilizando elementos suspendidos que, al ser atravesados, generan ilusiones de vibración y desmaterialización, invitando a una experiencia física y sensorial.

Juana Williams

Juana Williams es una curadora con una profunda conexión con la historia del arte y una visión fresca para el arte contemporáneo. Su trabajo en el Urban Institute for Contemporary Art promete traer exposiciones que no solo cautiven visualmente, sino que también enriquezcan nuestra comprensión de las contribuciones históricas y actuales de artistas.

Julio Le Parc

El artista argentino Julio Le Parc es un maestro de la luz y la interacción. Sus instalaciones cinéticas a menudo sumergen al espectador en entornos cambiantes donde la luz, el reflejo y el movimiento son los protagonistas, buscando activar la conciencia del público y liberarlo de la pasividad tradicional.

Kelli Morgan

Kelli Morgan es una voz crítica en el estudio del arte americano, con una especialización en la historia de la raza. Su curaduría no solo presenta obras, sino que las contextualiza dentro de marcos históricos y sociales complejos, invitando a una relectura y un análisis más profundo de las narraciones visuales y sus implicaciones.

Kristina Newman-Scott

Kristina Newman-Scott es una líder en el campo de las artes que cree en el poder transformador de la cultura. Su dirección en BRIC, una organización que ofrece una vasta programación cultural gratuita, refleja su compromiso con la accesibilidad y la diversidad, llevando el arte a la comunidad de Brooklyn de una manera vibrante y multifacética.

Larry Ossei-Mensah

Larry Ossei-Mensah es un curador que entiende el arte como una experiencia multidisciplinar. En el Museo de Arte Contemporáneo de Detroit, su enfoque expansivo busca entrelazar exposiciones, eventos en vivo y publicaciones, creando un ecosistema vibrante donde el arte no solo se exhibe, sino que se vive y se comparte con una comunidad diversa de creativos.

László Moholy-Nagy

Pionero de la Bauhaus, László Moholy-Nagy estaba obsesionado con la luz, el movimiento y el espacio. Su obra más célebre, el Modulador espacio-luminoso, proyecta patrones de luz y sombra que transforman el espacio, demostrando que la luz puede ser un material artístico en sí mismo.

Lauren Haynes

Lauren Haynes es una curadora influyente que ha demostrado una profunda capacidad para organizar exposiciones significativas que exploran la identidad y el poder cultural. Su papel en el Armory Show y en el Crystal Bridges Museum destaca su compromiso con la curaduría de arte contemporáneo que resuena con audiencias diversas.

Legacy Russell

Legacy Russell es una curadora y escritora cuya obra se sumerge en las intersecciones de género, performance y nuevos medios. En el Studio Museum de Harlem, su visión explora cómo las narrativas digitales y las identidades fluidas están redefiniendo el arte contemporáneo, ofreciendo una perspectiva fresca y a menudo subversiva.

Linda Harrison

Linda Harrison es una líder visionaria que está transformando el Museo de Newark, enfocándose en la diversificación y la inclusión. Su dirección refleja un compromiso con hacer que el museo sea un espacio más representativo y accesible, impulsando iniciativas que celebran una gama más amplia de voces y narrativas artísticas.

Margot Norton

Margot Norton, como co-curadora de la Trienal del New Museum, se distingue por su capacidad para identificar tendencias y artistas que están empujando los límites del arte contemporáneo a escala global. Su visión contribuye a crear una plataforma internacional que celebra la experimentación y el diálogo cultural.

N’Goné Fall

N’Goné Fall, como comisaria general de Season Africa 2020, es una figura central en la promoción de la cultura africana a nivel global. Su ambiciosa iniciativa busca presentar una visión del mundo desde la perspectiva africana, abarcando todas las disciplinas creativas y mostrando el dinamismo y la innovación del continente.

Naima J. Keith

Naima J. Keith posee una habilidad innata para identificar y nutrir el talento emergente. Su doble rol en Prospect New Orleans y Expo Chicago subraya su compromiso con la vanguardia del arte, creando plataformas cruciales para que artistas y galerías incipientes muestren su visión y encuentren su lugar en el diálogo artístico global.

Naomi Beckwith

Naomi Beckwith es una curadora con una capacidad excepcional para organizar exposiciones que no solo son visualmente impactantes, sino también profundamente resonantes en términos de contenido social y cultural. Su trabajo en el Museo de Arte Contemporáneo de Chicago, abordando temas complejos como la experiencia afroamericana, demuestra su compromiso con el arte como un vehículo para el diálogo y la reflexión.

Naum Gabo

Naum Gabo, figura clave del constructivismo ruso, fue uno de los primeros en teorizar y experimentar con la idea de que el movimiento debía ser un elemento esencial en la escultura. Su obra como Escultura cinética nos enseñó que la escultura podía no ser solo materia, sino también la energía y el espacio que la rodeaban.

Ndubuisi C. Ezeluomba

Ndubuisi C. Ezeluomba aporta una perspectiva única y arraigada al arte africano, siendo originario de Benin City. Su profundo conocimiento de las tradiciones y la historia del continente le permite curar exposiciones en el Museo de Arte de Nueva Orleans que no solo muestran la belleza del arte africano, sino que también desvelan sus significados culturales y espirituales.

Nicolas Schöffer

El artista húngaro-francés Nicolas Schöffer es conocido como el padre del arte cibernético. Sus esculturas incorporaban sensores y motores para reaccionar al entorno, creando un arte interactivo y autónomo que se adelantó a muchas discusiones actuales sobre la inteligencia artificial y la creatividad.

Rayna Andrews

Rayna Andrews, como archivista, es la guardiana silenciosa del legado. Su meticuloso trabajo de organización y catalogación no solo preserva la historia, sino que la hace accesible, permitiendo que las historias y obras de artistas afroamericanos emerjan con claridad y profundidad para académicos y el público en general.

Theo Jansen

El holandés Theo Jansen ha trascendido los límites del arte cinético con sus impresionantes Strandbeesten (Bestias de Playa). Estas enormes esculturas cinéticas, impulsadas por el viento, fusionan la ingeniería, el arte y la biología, creando criaturas autónomas que celebran la belleza de la mecánica y la interacción con la naturaleza.

V. Mitch McEwen

V. Mitch McEwen, con su doble rol como curadora de IdeasCity y profesora de arquitectura, teje el arte, el diseño y las ciudades en una conversación dinámica. Su enfoque en el futuro de los entornos urbanos, con la cultura como fuerza motriz, demuestra cómo el arte puede ser una herramienta para imaginar y construir realidades más inclusivas y sostenibles.

Vera Grant

Vera Grant tiene una habilidad particular para entrelazar el arte moderno y contemporáneo con ricas narrativas culturales, especialmente las africanas y afroamericanas. En el Museo de Arte de la Universidad de Michigan, su liderazgo curatorial está forjando un espacio donde el arte dialoga con la historia, la identidad y la experiencia humana de manera profunda.

Victor Vasarely

El húngaro Victor Vasarely es el indiscutible padre del Op Art. Sus pinturas y gráficos se basan en ilusiones ópticas que generan la percepción de movimiento en una superficie estática, engañando la retina y haciendo que sus obras vibren y se transformen ante los ojos del espectador.

Yaacov Agam

El israelí Yaacov Agam es otro de los grandes nombres del arte cinético, centrado en obras que cambian y se transforman a medida que el espectador se mueve. Sus creaciones retan la noción de un punto de vista único, celebrando la fluidez de la percepción y la participación activa del observador.

Yesomi Umolu

Yesomi Umolu aporta una perspectiva global y una aguda sensibilidad espacial a la Bienal de Arquitectura de Chicago. Su trasfondo en diseño arquitectónico le permite curar exposiciones que no solo muestran edificios, sino que exploran cómo el entorno construido moldea nuestras vidas y percepciones, tejiendo narrativas complejas a través del espacio.

Yolanda Wisher

Yolanda Wisher, con su profundo conocimiento del arte de la palabra hablada, está redefiniendo cómo interactuamos con la poesía en el espacio museístico. Su trabajo en Philadelphia Contemporary es un recordatorio de que el arte no solo se mira, sino que se escucha y se vive, creando puentes entre la literatura, la performance y las artes visuales de una manera innovadora.

Zoé Whitley

Zoé Whitley es una curadora con una visión aguda para el arte internacional. Su papel en el Pabellón Británico de la Bienal de Venecia demuestra su capacidad para dar voz a artistas que desafían las convenciones y para presentar obras que invitan a una profunda reflexión sobre las identidades culturales y las narrativas globales en el arte contemporáneo.

Save The date: Saturday, January 31 2026

Por

Editorial

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Save The date: Miami Saturday, January 31 2026

This Saturday’s exhibitions across Miami highlight a vibrant cross-section of contemporary practices, from painting and sculpture to film, photography, and installation. Together, these shows reflect the city’s dynamic cultural landscape, bringing forward emerging and established artists whose works engage memory, materiality, identity, and place. Visitors are invited to experience Miami as a living gallery—where experimentation, dialogue, and community intersect through art.

Locust Projects

Meet the Artist Reception
This Too Shall Pass — Ema Ri
Primera gran exposición individual de la artista, con video, sonido y obras murales abstractas que exploran el cuerpo, el espíritu y fuerzas invisibles de la naturaleza.
7 – 9 PM
297 NE 67th St, Miami, FL 33138
https://locustprojects.org

Andrew Reed Gallery

Opening Reception
Holding Time (Part I) — Kate Bickmore
Pinturas al óleo, acuarelas y una instalación floral inmersiva que examina las plantas como portadoras de sanación a través del tiempo.
6 – 8 PM
800 NW 22nd St, Miami, FL 33127
https://andrewreedgallery.com

Bernice Steinbaum Gallery

Opening Reception
Beyond Fibers — Aurora Molina
Figuras híbridas surrealistas y narrativas bordadas que exploran el poder y el teatro político.
4 – 7 PM
2101 Tigertail Avenue, Miami, FL 33133
https://bernicesteinbaumgallery.com

Museum of Contemporary Art of the Americas

Public Talk
Conversación con Hernán Pacurucu sobre el rol de las bienales y los ecosistemas del arte contemporáneo.
11 AM
12063 SW 131st Ave, Miami, FL 33186
https://mocaa.org

Favalora Museum & Sardiñas Gallery

Closing Reception
A Final Encore
Clausura de cinco exposiciones individuales con obras de Tony Fernandez, Teresa Cabello, Oscar Garcia Gonzalez, Mylene Leon y Frank Izquierdo.
2 – 4 PM
16401 NW 37th Ave, Miami Gardens, FL 33054
https://favaloramuseum.org

The CAMP Gallery

Film Screening
Vision/Version in Motion — Pablo Power
Proyección única de filmes experimentales inspirados en la escena independiente de Miami en los años 90.
6 – 9 PM
791–793 NE 125th St, North Miami, FL 33161
https://thecampgallery.com

Shenandoah Branch Library

Opening Reception + Drawing Workshop
Serpia — Natalia Navarro López
Exposición de dibujo desarrollada dentro del programa Art + Art History de FIU.
11 AM – 1 PM
2111 SW 19th St, Miami, FL 33145
https://mdpls.org

OTRAS CIUDADES – SUR DE FLORIDA

Lowe Art Museum (Coral Gables)

Guided Tour
Renaissance and Baroque Masterpieces
Recorrido por las galerías Kress y Imagined Worlds.
11 AM – 12 PM • FREE
1301 Stanford Drive, Coral Gables, FL 33146
https://lowe.miami.edu

Coral Springs Museum of Art (Coral Springs)

Workshop & Artist Talk
Visual Language — Taller con Lisa McNamara
10 AM – 1 PM • $40 / $30 Miembros
In Conversation — con Tommaso Fattovich y Lisa McNamara
3 – 4 PM • FREE
2855A Coral Springs Drive, Coral Springs, FL 33065
https://coralspringsmuseum.org

Arts Warehouse (Delray Beach)

Artist & Curator Talk
This Is. The End. — Khaulah Naima Nuruddin
Conversación con la artista y la curadora Tayina Deravile.
2 PM • FREE
313 NE 3rd Street, Delray Beach, FL 33444
https://artswarehouse.org

African-American Research Library and Cultural Center (Fort Lauderdale)

Cultural Conversation
Selma Is Now – Legacy, Lens, and Liberation
Con Doug McCraw y Cheva Orrin.
3:30 – 5 PM
2650 Sistrunk Boulevard, Fort Lauderdale, FL 33311
https://www.broward.org/Library

Aura Copeland Gallery

PHOTO TENT EXHIBITION
Art Opening
Saturday, January 31 | 6–10 PM
(@auracopeland_gallery)
https://auracopelandgallery.com

Miami Art Hangar

Private Tour: Juan Maldonado Collection
Private Art Tour
Saturday, January 31 | 1–4 PM
(@miamiarthang)
https://miamiarthangar.com

Bernice Steinbaum Gallery

Beyond Fibers — Aurora Molina
Opening Reception
Saturday, January 31 | 4–7 PM
https://bernicesteinbaumgallery.com

David Castillo Gallery

Landscapes — Lenca
Last Day
Saturday, January 31 | 10 AM–6 PM
https://davidcastillogallery.com

Galería La Cometa (Miami)

On the Way Home — Luis Roldán
Last Day
Saturday, January 31 | 11 AM–4 PM
https://galerialacometa.com

Fredric Snitzer Gallery

Inside Out — Deborah Brown
Last Day
Saturday, January 31 | 11 AM–5 PM
https://snitzer.com

Piero Atchugarry Gallery

In Orbit with Untraceable Balance — Emil Lukas (Curated by René Morales)
Eva y Linda — Eva Olivetti & Linda Kohen
Last Day
Saturday, January 31 | 11 AM–5 PM
https://pieroatchugarrygallery.com

The CAMP Gallery

Delivered — Katie Davis
In-Between-Ness — Ana Garces Kiley
Last Day
Saturday, January 31 | 11 AM–5 PM
https://thecampgallery.com

Thrive Art District (Fort Lauderdale)

Art Walk at Thrive
Galerías abiertas, artistas locales, DJ en vivo, comida y vendors.
6 – 10 PM
710 NW 5th Ave, Fort Lauderdale, FL 33311
https://thriveartdistrict.com

Hollywood Art and Culture Center (Hollywood, FL)

Opening Exhibition
A Legacy of Place: The Art and Architecture of Brooks Scarpa Huber

The Center Salon Exhibition & Art Auction
12 – 4 PM
1650 Harrison St, Hollywood, FL 33020
https://artandculturecenter.org

Art Miami MagazineMiami art News

Art Miami MagazineMiami art News

Master Weavers Lead a Fiber Art Revival in Southwest Florida

Técnicas de Pintura Acrílico para Principiantes – Lo Que Debes Saber y Los Materiales Para Comenzar

Hay Muchos Tipos de Pintura Acrílica

Grado Estudiantil vs. Grado Artista

Heavy Body vs. Soft Body

Acrílicos de Manualidades (Craft Acrylics)

Paleta básica recomendada

Materiales Esenciales Para Pintar con Pincel o Espátula

Pintura

Pinceles

Espátulas (Palette Knives)

Paleta (Palette)

Recipientes de Agua

Superficies Para Pintar

Lienzo

Paneles de cartón entelado (canvas panels)

Papel para acrílico o mixed media

Paneles de madera

Papel acuarela

Superficies no convencionales

Caballete (Opcional)

Mediums (Aditivos Acrílicos)

Materiales Esenciales Para Todos los Acrílicos

Pintura en Spray y Plantillas (Stenciling)

Marcadores Acrílicos

Acrylic Pouring (Pintura por Vertido)

Materiales:

Técnica básica:

Cómo Mantener Todo Limpio

Barniz Final

Tipos:

Conclusión

Tomas Kepets entrevistado por Eduardo Planchart Licea

Comprehensive Guide to Artist Materials and Methods: A Modern Educational Resource

Introduction

Volume 1: Surfaces and Grounds

Canvas Preparation

Alternative Surfaces

Complex Formats

Volume 2: Brushes and Tools

Brush Selection and Care

Studio Equipment

Volume 3: Pigments, Mediums, and Varnishes

Painting Pigments

Mediums and Additives

Varnishing Techniques

Educational Purpose and Approach

Conclusion

Art Supply Brands

Regina Durante Jestrow: Solo Show – Curious Geometries – Miami International Airport

Between Tradition and Innovation: Regina Durante Jestrow’s “Curious Geometries” at Miami International Airport

A Textile Exhibition in Transit Space

The Quilting Continuum: Craft, Activism, and Contemporary Practice

Material Culture and Urban Ecology

Technical Innovation and Improvisational Precision

Aerial Perspectives and Pattern as Place

Activist Traditions and Contemporary Concerns

The Exhibition in Context: Public Art and the Traveling Audience

Career Trajectory and Institutional Recognition

Fiber as Paint, Pattern as Narration

Conclusion: Contemplation in Transit

KAREN RIFAS: paper. color. lines.

Save The Date

Allison Glenn

Yolanda Wisher

Adrienne Edwards

Yesomi Umolu

Erin J. Gilbert

Rayna Andrews

Brittany Webb

Zoé Whitley

Naima J. Keith

Diana Nawi

Elvira Dyangani Ose

Juana Williams

Vera Grant

Kristina Newman-Scott

Kelli Morgan